Я пока там не была, а народ уже выкладывает первые фото:

взято из инета

http://video.yandex.ru/#search?where=all&text=...0%BB&filmId=ZqeAABxHUXI%3D

Очередная выставка на Тишинке.

1. 

Продолжаем прогулку по выставке.

1. 

Ну и последнее...

1. 

В воскресный день с сестрой моей мы вышли со двора

 - Я поведу тебя в музей!, - сказала мне сестра.

Вот через площадь мы идем....

В течение двух недель в Берлине будет проводится ежегодный «Фестиваль огней». 70 зданий и других городских объектов будут освещать разноцветные огни.

Ode a la vie – масштабное проекционное шоу на Храме Святого Семейства

Ode a la vie – масштабное проекционное шоу на Храме Святого Семейства

Храм Святого Семейства (Sagrada Familia) — это главная достопримечательность Барселоны и одно из самых знаменитых строений в мире. Причем, используется он не только как церковь, но и в качестве огромной арт-площадки, на фасаде которой можно устроить театральное представление или провести масштабное проекционное шоу, как это сделала недавно студия Moment Factory.

Ode a la vie – масштабное проекционное шоу на Храме Святого Семейства

В феврале этого года художник Маркос Зотес (Marcos Zotes) устроил поражающее воображение проекционное шоу на фасаде лютеранской церкви Хатльгримскиркья (Hallgrímskirkja) в Рейкьявике. А на днях подобное представление состоялось и в Барселоне. А в качестве площадки для него использовался, как и следовало ожидать, фасад Храма Святого Семейства.

Ode a la vie – масштабное проекционное шоу на Храме Святого Семейства

Устроила это световое шоу монреальская арт-студия Moment Factory, которая назвала свою работу Ode a la vie. В течение пятнадцати минут 16 видеопроекторов, 15 компьютеров и 25 прожекторов создавали на фасаде Саграда Фамилия удивительное визуальное действо, в котором авторы попытались показать свой взгляд на зарождение жизни на Земле, а также историю человеческих возрождений и надежд.

Ode a la vie – масштабное проекционное шоу на Храме Святого Семейства

Причем, проекционное шоу было адаптировано под поверхность, мягко говоря, неординарного Фасада Рождества Храма Святого Семейства, автором которого является гениальный каталонец Антонио Гауди. Таким образом, художники из Moment Factory реализовали давнее желание многих творцов соединить восхитительную архитектуру этого архитектурного шедевра с цифровым искусством.

Ode a la vie – масштабное проекционное шоу на Храме Святого Семейства

Причем, в качестве визуальной основы проекционного шоу Ode a la vie взяты оригинальные цветные наброски самого Антонио Гауди, который называл цвет «сущностью жизни». Реализовать эти идеи в архитектуре он не смог, зато у Moment Factory отлично получилось их использовать в своем мультимедийном произведении искусства.
Свидетелями проекционного шоу на Фасаде Рождества Храма Святого Семейства стали тридцать две тысячи жителей Барселоны и гостей этого прекрасного средиземноморского города, собравшихся в один из сентябрьских вечеров на площади перед Sagrada Familia.



<p><a href="http://vimeo.com/49960413">Sagrada Familia (Ode à la vie) - Démo officiel</a> from <a href="http://vimeo.com/momentfactory">Moment Factory</a> on <a href="http://vimeo.com">Vimeo</a>.</p>

Желейные города Лиз Хайкок
Одни говорят, что Сан-Франциско – милый сладкий город. Другие считают, что это довольно красочное место. Находятся даже люди, заявляющие, что этот город нужно немедленно съесть. А что скажете вы, познакомившись с моделями Сан-Франциско, выполненными Лиз Хайкок (Liz Hickok) из желе?

далее...

http://sadalskij.livejournal.com/1018835.html

http://sadalskij.livejournal.com/1008158.html

http://sadalskij.livejournal.com/1049486.html

3292 просмотров

Это произошло 15 февраля в 9 утра..............

Прежде, чем мы будем говорить о современном искусстве, вспомним сказку Андерсена  о голом короле. Я не хочу играть роль мальчика, который закричал:"А король-то голый!" А тогда зачем я это пишу?

Я перефразирую В.Белинского - мои заметки не сделают дурака умным, толпу мыслящей, но они у одних (и у меня в том числе) смогут просветлить сознанием безотчетное чувство, а у других мыслию спящий инстинкт.

Разговор начнем, пожалуй, вот с этого отчета об открытии выставки "известного" современного  художника Олега Кулика.

С современным искусством всегда боролись, ибо не понимали. У меня тоже складывается впечатление, что многие художники просто хотят жить,зарабатывать деньги, привлекая к себе внимание с помощью инсталяций и скандалов вокруг своего "творчества".

Только что закрыли самую резонансную выставку современного искусства в Украине. Это случилось в первый же день другого резонансного события в Украине открытия чемпионата Европы по футболу - Евро 2012. Никаких объективных обоснований не было предоставлено. "Художники" видят в этом лишь только невежество и самоуправство музейных "чинуш". Подробнее в сюжете...

Так что же такое современное искусство?

Современное искусство в нынешнем своем виде сформировалось на рубеже 1960-70-х годов. Художественные искания того времени можно охарактеризовать как поиск альтернатив модернизму (зачастую это выливалось в отрицание через введение прямо противоположных модернизму принципов). Это выразилось в поиске новых образов, новых средств и материалов выражения, вплоть до дематериализации объекта (перформансы и хеппенинги). Можно сказать, что произошел сдвиг от объекта к процессу.
Самыми заметными явлениями рубежа 60-х и 70-х годов можно назвать развитие концептуального искусства и минимализма. В 70-х заметно усилилась социальная направленность арт-процесса как с точки зрения содержания (тем, подымаемых в творчестве художниками), так и состава: самым заметным явлением середины 70-х стал феминизм в искусстве, а также нарастание активности этнических меньшинств (1980-е) и социальных групп (например, «искусство аутсайдеров»). Конец 70-х и 80-е годы охарактеризовались «усталостью» от концептуального искусства и минимализма и возвратом интереса к изобразительности, цвету и фигуративности (расцвет таких движений как «Новые дикие»).
На середину 80-х приходится время подъема движений, активно использующих образы массовой культуры — кэмпизм, искусство ист-виллиджа, набирает силы нео-поп. К этому же времени относится расцвет фотографии в искусстве — все больше художников начинают обращаться к ней как к средству художественного выражения. На арт-процесс, начиная с 80-х, большое влияние оказало развитие технологий — видео, аудио, компьютеров и интернет — это существенно расширило палитру средств, используемых художниками.

Абстрактный экспрессионизм (abstract expressionism) — школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование. Начальная фаза движения - абстрактный сюрреализм (abstract surrealism) появилась в 1940-е, под влиянием идей Андре Бретона, ее основными приверженцами были американские художники Ганс Хоффман, Аршиль Горки, Адольф Готлиб и др. Особый размах движение получило в 1950-е годы, когда во главе его встали Джексон Поллок, Марк Ротко и Виллем де Кунинг.

Поп-арт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное, общедоступное искусство; второе значение слова связано со звукоподражательным рop — отрывистый удар, хлопок, шлепок, то есть производящее шокирующий эффект) — направление в изобразительном авангардистском искусстве 1950—1960-х годов, возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму и знаменует переход к концепции нового авангардизма, «раскрывает эстетические ценности» образцов массовой продукции: потребительские товары (банка супа), персонажи новостей (Мао Цзэдун) или кино (Мэрилин Монро). Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст: изменяются масштаб и материал; обнажается приём или технический метод; выявляются информационные помехи и др.
Поп-арт приходит на смену абстракционизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации. Поп-арт характеризует яркий и контрастный колор. Представители поп-арта провозгласили своей целью «возвращение к реальности», но реальности, уже опосредованной масс-медиа: источником их вдохновения стали глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография. Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет, не опоэтизированный художественным видением, а предмет нарочито бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации (печать, телевидение, кинематограф). Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции. Поп-арт зародился в Англии; наибольшей известности достигли американские и французские художники. Сходные направления появились в Италии, Германии, а также в СССР. В качестве обозначения советского аналога поп-арта иногда используют термин «соц-арт». Наиболее яркие представители поп-арта: Энди Уорхол, Роберт Раушенберг, Питер Блейк, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Эд Руша, Том Вессельман, Роберт Индиана.

Фотореализм (photorealism) — направление в живописи, возникшее в США в конце 1960-х, а затем распространившееся в 1970-х годах в Европе. Термин, тем не менее, преимущественно применяется по отношению к работам американских фотореалистов конца 1960-х — начала 70-х годов. Слово «фотореализм» было придумано Луи Мейзелем (Louis Meisel) в 1968 году, а впервые опубликовано — в 1970 году в каталоге Музея Уитни для выставки «Двадцать два реалиста». Другое название фотореализма - гиперреализм.
Фотореалистичная живопись невозможна без фотографии. В фотореализме изменение и движение должно быть заморожено во времени, которое скрупулёзно должно было быть представлено художником. Фотореалисты собирали свои образы и информацию при помощи камеры и фотографий. Обычно снимки делались на слайд, а затем переносились на холст. Это делалось при помощи проецирования слайда или с использованием сетки. Результат был копией фотографии, но обычно гораздо ярче оригинала.
Первое поколение американских фотореалистов включало таких художников как Ричард Эстес (Richard Estes), Ральф Гоингз (Ralph Goings), Чак Клоуз (Chuck Close), Чарльз Белл (Charles Bell), Джон Баедер (John Baeder), Одри Флэк (Audrey Flack), Дон Эдди (Don Eddy), Роберт Бештле (Robert Bechtle), Том Блэквэлл (Tom Blackwell), и Ричард МакЛин (Richard McLean). Дуэйн Хансон (Duane Hanson) и Джон ДеАндреа (John DeAndrea) были скульпторами, чье творчество связывают с фотореализмом, благодаря раскрашенной очень натуралистичной скульптуре, изображающей обычных людей. Подъем фотореализма был в середине 1970-х, но в начале 1990-х интерес к жанру возродился. Это возобновленный интерес связан как с художниками «первого поколения» фотореалистов, так и с более молодыми. С новыми технологиями возможности художников расширились. Американские художники-фотореалисты: Скотт Прайор (Scott Prior), Уильям Коттон (William Cotton), Мэл Рамос (Mel Ramos), Хило Чен (Hilo Chen). Многие известные молодые фотореалисты - европейцы: Рафаэлла Спенс (Raphaella Spence) — англичанка, живущая в Италии, Бертран Мениель (Bertrand Meniel) во Франции, Роберто Бернарди (Roberto Bernardi) и Чиара Албертони (Chiara Albertoni) в Италии, Бернардо Торренс (Bernardo Torrens) в Испании, Тони Брунелли (Tony Brunelli) в Нью-Йорке и Клайв Хэд (Clive Head) в Великобритании.
Художники и скульпторы современного искусства

Где-то я прочитал вот такую ИСКУССТВОВЕДЧЕСКУЮ СПРАВКУ

Абстракционизм (лат. abstractio — удаление, отвлечение)  - беспредметное нефигуральное искусство – форма изобразительной деятельности, не ставящая целью имитацию или отображение визуально воспринимаемой реальности .Абстрактная живопись, графика, скульптура исключают ассоциации с узнаваемыми предметами.

Истоки абстрактной живописи и время создания первой абстрактной картины не установлены. С уверенностью можно говорить о том, что между 1910 и 1915годами многие европейские художники пробовали себя в беспредметных, нефигуральных композициях (в живописи, рисунке, скульптуре). Среди них: Р. Делоне, М.Ф. Ларионов, Ф. Пикабиа, Ф. Кушка, П. Клее, Ф. Марк, А.Г. Явленский, У. Бочиони, Ф. Маринетти, и д.р. Самые оригинальные и известные – В.В. Кандинский, П. Мондриан, К.С. Малевич.

С середины XIX в. Живопись, графика, скульптура, обращаются к тому, что недоступно, непосредственному изображению. Все более интересно разворачиваются поиски новых изобразительных средств, способов стилизации, повышенной экспрессии, универсальных символов, сжатых пластичных формул.  С одной стороны, это направленно на отображение внутреннего мира человека – его эмоциональных и психологических состояний, с другой – на обновление видения предметного мира. В 1900-е годы открытие – в начале в Испании, а потом и во Франции- первобытного и чуть позднее традиционного («примитивного») искусства решительно меняет представление о значении условных форм в изобразительном искусстве.

Возможности цвета, раскрытые французскими импрессионистами, с выходом живописи в абстракцию были развернуты еще шире.

Живопись – это процесс, мир открытых возможностей – остановленных мгновений, явления вожделенных образов, приключений, конфронтации, размышлений,  освобождения от избыточности, восполнение недостаточности, это акт самоутверждения и прямая проекция интуиции, демонстрация мастерства и возможность открытий. Особенно хорошо это знают те, кому посчастливилось, войдя в мир абстрактной живописи, свободно реализовать эту возможность.

Абстрактное искусство – самый доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, подобной факсимильному оттиску. В то же время это прямая реализация свободы.

После такой справки давайте попробуем воспринять эстетику таких картин на примере работ современного российского художника Сергея Федотова. Современные художники обречены быть безвестными, ибо мало кого интересует их биография. Они, разрушая культурное наследие, и сами не должны претендовать на вечность. Такова се ля ви.

Эта картина называется "Цветущий сад"

Название этой картины "Осенний лес"

Еще об одном современном художнике можно рассказать.

В древнем городе Владимире живет не владимирский художник Юрий Негодаев. В его судьбе как в зеркале отразились судьбы тысяч людей, населявших окраины великой советской империи. Художник родился в Восточном Казахстане в г.Семипалатинске. Среднюю Азию и Казахстан времен СССР можно сравнить с библейским Вавилоном. Политэмигранты, жертвы сталинских репрессий, эвакуированные, покорители целины, «солдаты» индустриализации и коллективизации корнями вросли в землю советского Востока. Возник особенный этнос, получивший корявое политической определение – русскоязычное население. Но Союз рухнул как Вавилонская башня, осколки колониальной цивилизации разлетелись по всему свету. Основой его творческого метода стало поликультурное сознание, В нем можно найти реминисценции искусства западного Возрождения, Древнего Востока, русского авангарда. Вот несколько его картин.

Этот триптих называется "Прогулка с попугаем"

Эти художники все-таки остаются художниками. Но многие современные художники превращаются в политиков и в борцов за новое сознание. Одним из таких является Анатолий Осмоловский.

Chaos is my house.

Этот "шедевр" называется "Третий лишний"

Проследим путь "выдающегося" авангардиста, акциониста и теоретика искусства, чтобы выяснить, что же произошло с художником за последние лет дцать...

Горбачев издал закон о нравственности, согласно которому за мат в общественном месте полагалось 15 суток. В 1991 году Осмоловский со товарищи в ответ своими телами выложили на Красной площади слово из трех букв. Власти хотели впаять ребяткам статью за «хулиганство в особо циничной форме», но отпустили: не до того было, СCCР разваливался.

В 1993 году Анатолий уселся на плечо бронзового Маяковского, акция скромно называлась "Маяковский-Осмоловский" Анатолий как бы принял эстафету у великого поэта-футуриста, тоже склонного в раннем творчестве к стихийному анархизму.

В тот же году – зловеще-знаковый снимок "Хаос-мой дом", где Осмоловский держит в руках отрезанную голову мертвой женщины.

Экспериментируя в живописи, Осмоловский создал серию "Хлеба". Она состоит  из 20 настенных панелей, имитирующих предметность иконы.  В профиль виден даже шпон, скрепляющий доску от рассыхания. Художник иначе пытается трактовать божественное. Он видит его не в изображении сцен из священной истории или божественной иерархии, а в рациональном абстрагировании от любого жизнеподобия. Он берет структуру конкретного хлебного среза, абсолютно хаотичную по своей природе, и вторгается в нее механическим образом: состыковывая два зеркально идентичные куска, умножая фрагменты, вырезая и переворачивая геометрические куски, подвергая цезуре сердцевину и оставляя маргиналии. В результате получается  икона, лишенная образа, но сакрализующая рациональную процедуру.

Сам Осмоловский о своей картине говорит так: "В этой работе я соединил две парадоксально-несовместимые традиции — русскую иконопись и авангард. Считаю, что они находятся на пересечении поп-арта, абстракции и сюрреализма. Основная идея этих работ — симметрия внутри себя. Конечно, здесь мотив иконостаса обыгрывается, но не цитируется, а, скорее, взят в качестве такого момента, от которого отталкивался художник. Конечно, можно говорить о том, что хлеб — это Тело Христово. Но меня в основном интересовал мотив симметрии. Сам по себе хлеб — такая структура, в которой нет ни одной точки, похожей на другую. И в этом смысле, когда ты начинаешь вводить симметрию в эту структуру, то возникают какие-то забавные пересечения, интересные темы и сюжеты".

Слабеющее советское государство выпустило из рук множество республик (как выразился Борис Ельцин: «Берите столько суверенитета, сколько унесете»). В том числе, и условную «территорию искусства».

Дабы она не пропадала зря, Осмоловский сколотил группу «Экспроприация Территории Искусства» («ЭТИ»). И до последнего времени государство не вмешивалось в арт-среду с идеологическими поправками. Зато огромное количество музыкантов и художников пиарит те или иные политические силы.

Поход Осмоловского в политику в конце 90-х завершился созданием партийного блока "Против всех". Анархист победил в Анатолии пиарщика. «Я считаю, выборы 1990-х годов были грандиозным обманом. Ни о какой демократии и говорить не приходится», – заявил он в интервью журналу «Арт-Хроника».

Куда двигаться?

Революционно-анархистская ситуация уничтожила госаппарат подавления, основанный на властной иерархии. Однако вместе с его разрушением (Путин начал свою деятельность с восстановления «властной вертикали»), была нивелирована и иерархия морально-нравственных ценностей. «Десакрализация» – это когда не осталось «ничего святого». Что опасно для существования общества как такового. В радикально-левом направлении работал в 90-х и главный московский «собаковод», создатель Партии животных – Олег Кулик.

Как ни странно, при внешней несхожести методов, на «левом поле» промышляли гораздо раньше питерская «Новая академия» Тимура Новикова и «Поп-механика» Сергея Курехина.

Однако питерцы, в отличие от социально и политически ориентированных москвичей, тоньше чувствовали грозную метафизическую силу, что стояла за демонтажем советской системы.

Осмоловский повзрослел, надо жить дальше.

О себе он теперь говорит так: «В 90-е я был очень успешным художником, но это время я вспоминаю с ужасом». Казалось бы, чего ужасаться, если «Хаос – твой дом»?

«В конечном счете, цель авангарда – спровоцировать человека на активную мозговую деятельность». Иными словами, Анатолий обращается в первую очередь к интеллекту зрителя. Хотя в нашем интервью он утверждает несколько иное.

«Искусство является прообразом идеального общества. Самим фактом своего существования оно критикует нашу хаотичную, неорганизованную социальность…»

Осмоловский из разрушителя-«служителя Хаоса» превратился в созидателя. Анархизм (или любимая Осмоловским его разновидность – синдикализм) стремится к уничтожению любой иерархии, но иконостас (матрица «Хлебов») – ее очевидное воплощение.

Экс-анархист Осмоловский поддерживает теперь структуризацию российского общества, поскольку: «Процесс нормализации идет в позитивном направлении».

Раньше Осмоловский спасал обывателей от государства, а сейчас стремится спасти их души от распада.

Ну а теперь поговорим об идеологе современного искусства России, директоре музея современного искусства в Перми, галеристе Марате Гельмане.

Марат Александрович Гельман. Родился 24 декабря 1960 года в Кишиневе. Сын известного советского драматурга Александра Гельмана.
1983 год. Окончил Московский институт связи.
1988 год. Становится коллекционером.
1990 год. Создал первую в СССР частную галерею в Москве на Малой Полянке.
1995 год. Совместно с Глебом Павловским основал Фонд эффективной политики.
2002 год, июнь. Назначен заместителем гендиректора ОРТ.

Про него в "Огоньке" было написано: «Кажется, его ненавидят все. И все ему завидуют. Завидуют его напору, его успеху. Его связям, его агрессивности. За это же дружно ненавидят, втайне мечтая выставиться в его галерее. Марат Гельман — самая скандальная фигура российского арт-рынка, каждая выставка которого — хорошо рассчитанный до копеек вызов обществу».

Его загородный дом напичкан работами представителей всех современных течений. В его московском офисе висит табличка "Художник всегда прав". Марат Гельман, владелец старейшей частной галереи в постперестроечной России, убежден, что талантливый художник может быть бессовестным, имеет право обманывать, подводить и делать все что угодно – лишь бы его творческое послание увидело свет и пошло как можно дальше в мир.

Познакомлю вас с одним из интервью с М.Гельманом. "В принципе каждый художник, когда творит, на самом деле делает то, что в его предположении должно быть искусством завтрашнего дня, он хочет попасть в будущее, и он пытается угадать это будущее. Задача галериста – угадать художника, а не угадать тренд. Вполне возможно, что интересный художник, который завтра нащупает свою футурологическую картинку, сегодня ее еще не нащупал, но ты должен суметь определить, насколько тот или иной человек способен завоевать свое место в будущем. Это очень трудно. Ведь критериальная система полностью разрушена, сегодня в искусстве невозможно сказать: это хорошо, а это плохо. Когда-то в истории искусства были каноны, и все пытались в эти каноны попасть. Потом были эпохи, и все пытались им соответствовать. Потом были стили, потом школы, а потом появились тренды – течения, которые стали очень быстро сменять друг друга. Начиная с постимпрессионистов, художественная жизнь каждые десять лет выдавала новый тренд. Мы называем это эпохой модернизма. Но и она уже кончилась. Настал момент, когда даже разрушение предыдущей системы перестало быть возможным. Если раньше каждое следующее течение так или иначе отрицало предыдущее, и это казалась неким поступательным движением, то сегодня мейнстрима – основного течения – нет. И нет оснований думать, что оно появится завтра."

И как выстраивать современную систему ценностей?

Гельмана спросили: "Вы как-то сказали, что маргинальность – обязательный фактор современного искусства. Почему?"

Вот что он ответил: "Художник по отношению к обществу занимает аутсайдерскую позицию, это одна из его задач: сохранять дистанцию. Не влипать в общество, а настраивать свою оптику, свой взгляд на то, что происходит на неком расстоянии. Художник должен иметь право не быть частью общества. Он имеет право сказать: "Вы все уроды!" – и не будет невежлив. Вот политик не может себе это позволить, потому что он должен быть частью общества. Художник же имеет право на критический взгляд. Слияние художника с обществом еще никогда не приводило к интересным результатам."

Еще один вопрос: "Допустим, художник может позволить себе быть безнравственным в способах донести свое искусство до зрителя. А если безнравственна сама идея, которую он несет, – это вы тоже художнику готовы простить?"

Гельман: "Послушайте, художник давно отказался от роли учителя и нравственного авторитета. Это время прошло. Если мы возьмем современного художника, то это скорее зеркало с определенной оптикой, фиксирующее ситуацию в обществе. Искусство – не лекарство, а боль. Если какое-то произведение вас шокирует, это вовсе не значит, что оно безнравственно, скорей, безнравственным является повод, побудивший художника его создать. Самые радикальные произведения искусства – это все-таки художественные жесты, а не поступки. Давайте, наконец, начнем жест от поступка отличать! Поступки могут быть нравственными или безнравственными, жесты могут быть лишь удачными или неудачными, новыми или вторичными. Иногда они формально похожи – жест и поступок – но они находятся в разных пространствах."

Скандал разгорелся в Новосибирске, когда Гельман решил организовать выставку под названием "Родина", дав возможность художникам посмеяться над образом современной России. Выставку запретили. Но давайте зададим правомерный вопрос: стоит ли экспозиция, желающая ознакомить нас с голыми богатырями, чучелами двуглавых орлов и первыми лицами страны в неожиданных ракурсах, такого пристального внимания? Ведь очевидно, что те, кто так горячо ратует против проведения «Родины» и создает вокруг нее тот самый ажиотаж, превращают эту выставку в нечто запретное, а потому желанное. Давайте спросим себя: кому и зачем создали мы этот ненужный пиар?

Выставка "Родина" должна показать негативный образ, которым торгуют различные пиар-конторы представляя Россию за рубежом. Перед открытием выставки Гельман зачитал рэп в клипе вместе с псевдо-рэпером Сявой !

А теперь давайте вместе посмотрим на это убожество, как торгуют Родиной за рубежом, как за рубежом формируют облик современной России. Главное зачем?

Гельман договорился с губернатором Краснодарского края об открытии в Краснодаре музея современного искусства. Для начала хотели в мае организовать выставку. Но народ простой стал реагировать неадекватно. По словам Гельмана невежество, если плохо говорят о современном искусстве. Искусство несет в себе разумное, доброе, вечное.

Задача выставки Icons – подчеркнуть тонкую грань взаимоотношений современных художников и икон. Конечно, речь идёт не о новых иконах как предметах религиозного культа, а о принципах иконографии. Столетиями изобразительное искусство в Западной Евразии развивалось в рамках церковного, храмового искусства, как его часть. Этому развитию сопутствовала полемика, благодаря которой зарождались целые культурные эпохи, религиозные течения, философские системы. Из иконы родилось искусство Нового времени и современное искусство. Быть может поэтому так сильно притяжение современных художниковк священной иконографии. Но народ углядел в этой выставке кощунство.

А закончим мы беседу о современном искусстве осуждением безобразной выходки девок из Pussy Riot. Они-то в полной мере мнят себя выдающимися представителями современного искусства. Ну а чем они хуже Олега Кулика, который на своей выставке изображал человека-собаку?

Дело о хулиганской выходке феминстской панк-группы Pussy Riot в Храме Христа Спасителя вывело на новый уровень дискуссии о современном искусстве и его идеологии, провокации как художественном методе. Посмотрим сначала, что там было.

Послушаем отклики на эту выходку

И послушаем, что сказал об этом "самый выдающийся" интерпретатор современного искусства Марат Гельман.

«Художник имеет право на самые жесткие высказывания, самую жесткую критику, не важно, Путина, церкви, но при этом тогда, когда он находится в художественном пространстве или, в крайней случае, в профанном, т.е. не маркированном пространстве. А пространство храма все-таки для многих людей маркировано как сакральное. И тот факт, что девочки хотели отомстить патриарху за то, что тот участвует в предвыборной кампании, агитирует за одного из кандидатов, он не очень… Дело в том, что они нарушают пространство простых людей, которые, может быть, и не в курсе того, что патриарх участвует в кампании, они просто считают, что храм – это их святое место. Это плохая акция, неправильная», — сказал Гельман 24 февраля в эфире «Эха Москвы».

Попели девочки в храме, поплясали, такой у них молебен, молились, как умеют, а их забрали в СИЗО, а у них маленькие дети дома – их в СИЗО нельзя – примерно так представляется история группы “Pussy Riot” во многих средствах массовой информации, однако это представление не соответствует действительности. Панк-группа «Pussy Riot» последовательно проводит провокационные акции примерно раз в месяц, каждый раз избегая преследования правоохранительных органов. С целью внести некоторую справедливость в благостное медийное представление истории панк-группы, мы публикуем несколько ярких фактов.

1.

Название группы “Pussy Riot”с английского сленга приблизительно можно перевести как «Восстание матки».

2.

Группа начала действовать осенью 2011 года, каждая песня группы сопровождается нарушением порядка и хулиганскими акциями: захватом общественного транспорта, поджогами, кражами. На акциях разбрасывается горящий порошок, прохожих поливают из огнетушителя.

3.

В каждой песне группы используются  грубые ругательства, эксплуатируется генитальная тематика.

4.

Представляя первую  песню группы «Освободи брусчатку», участницы группы захватывали площадки в общественном транспорте Москвы, включая станции метро (метро Отрадное, Сходненская, Аэропорт, Нахимовский проспект, Тверская, Черкизовская, Текстильщики, Боровицкая) и крыши троллейбусов. На прохожих потрошили перьевые подушки. Во время захватов троллейбусов нарушалось движение общественного транспорта.

5.

Акция «Кропоткин-водка» была приурочена к выборам в Думу: песня исполнялась в модных магазинах и «местах скопления богатых». В одном из магазинов, по свидетельству участниц, они ушли в платьях из магазина, сотрудники магазина им не препятствовали.

6.

Акция «Бунт в России» прошла на Лобном месте Красной площади. Участницы были задержаны Федеральной службой охраны и две из них подверглись штрафу.

7.

Акция «Богородица, Путина прогони!» прошла в храме Христа Спасителя, когда участницы группы, ворвавшись в храм, исполнили спиной к алтарю кощунственную песню с грубой лексикой.

8.

Активистки группы устраивают акции не только в общественных местах, но и в закрытых охраняемых заведениях, минуя охрану, и избегая задержания: см., например, их акцию на закрытом показе мод, акции в метрополитене и в храме Христа Спасителя.

9.

Надежда Толоконникова, одна из задержанных по делу Pussy Riot – участница скандальной арт-группы «Война». Будучи на 9-м месяце беременности Толоконникова (Толокно) принимала участие в акции публичного группового секса в биологическом музее им. Тимирязева, а затем в ряде других акций. Беременность Толоконникова использовала как защиту от возможных действий полиции: «Я не думала, что нас будут тащить за ноги, за руки. Максимум, что со мной могли сделать – это взять под локоть и увести». Затем неоднократно брала свою  новорожденную дочь на акции группы «Война». Дочь Гера во младенчестве получила травму головы, упав с компьютерного стола, куда ее положили спать за неимением лучших условий для ребенка.

10.

Надежда Толокно и сотоварищи обычно избегают административного и уголовного преследования: либо быстро убегая с места акции, либо игнорируя суд.  Правоохранительные органы обычно не добиваются исполнения заочно наложенного на нарушителей правопорядка наказания (штрафа или краткосрочного ареста).

И хочется мне сказать в конце повествования: Quo Wadis Russia? Куда идешь Россия?

Назовите мне хотябы одного современного художника, который не погряз в поисках пути и нашел тот путь, которым развивалась культура в России? А каков он, этот путь?

Главное - надо уважать свой народ и свою культуру!