MariiaSi (про_искусство) все записи автора Рококо (Rococo), стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века и распространившийся по всей Европе. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, Рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. С барочным стилем Рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то Рококо предпочитает изящество и лёгкость. Более тёмные цвета и пышная, тяжёлая позолота барочного декора сменяются светлыми тонами - розовыми, голубыми, зелёными, с большим количеством белых деталей. Рококо имеет в основном орнаментальную направленность; само название происходит от сочетания двух слов: "барокко" и "рокайль" (мотив орнамента, затейливая декоративная отделка камешками и ракушками гротов и фонтанов).more

MariiaSi (про_искусство) все записи автора
Исаак Ильич Левита́н (1860—1900) — русский художник, мастер пейзажа.

Родился 30 августа 1860 в местечке Кибарты (Ковенская губерния, Литва) в образованной, но бедной еврейской семье. Его отец, сын раввина, закончил иешиву и занимался самообразованием. В Ковно он преподавал французский и немецкий языки, а затем работал переводчиком во время постройки железнодорожного моста, которой занималась французская компания.

В начале 1870-х семья переехала в Москву, и в 1873 Исаак поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, куда ранее (в 1871) поступил его старший брат Авель, и где его учителями были в числе прочих Василий Перов, Алексей Саврасов и Василий Поленов.

В 1875 г. умерла мать Левитана и серьёзно заболел отец. Оставив по болезни работу на железной дороге, отец Левитана не мог содержать четверых детей на заработки от репетиторства. Материальное положение семьи было таким, что училище время от времени оказывало братьям материальную помощь, а в 1876 г. освободило их от оплаты обучения «ввиду крайней бедности» и как «оказавших большие успехи в искусстве». В 1877 умирает от тифа отец Левитана. Для Левитана, его брата и сестёр наступает период крайней нужды. Художник учился тогда в четвертом «натурном» классе у Перова. Друг Перова, Саврасов, обращает внимание на Левитана и берет его к себе, в пейзажный класс. В марте того же года две работы Левитана, экспонировавшиеся на выставке, были отмечены прессой, а шестнадцатилетний художник получает малую серебряную медаль и 220 рублей «для возможности продолжить занятия». Окончил училище Левитан в 1885 г.
Серов, Портрет И. И. Левитана, (1893).
Серов, Портрет И. И. Левитана, (1893).

С 1889 по 1890 г. художник ездил во Францию и Италию. В 1891 г. Левитан был принят в члены Товарищества передвижных художественных выставок.

В 1892 г. Левитан как «некрещёный еврей» был вынужден покинуть Москву и некоторое время жил в Тверской и Владимирской губерниях. Затем хлопоты друзей увенчались успехом, и художнику позволили вернуться. Важное значение для его творчества имело пребывание в волжском городе Плёс.

С 1898 Левитан преподавал в Училище живописи, ваяния и зодчества. Художник скончался 22 июля (4 августа нов. ст.) 1900 в Москве. Он был с учениками на этюдах, простудился и слег.

Вопреки распространенному мифу, Левитан не придерживался запрета иудаизма на изображение людей. Об этом свидетельствует, например, то, что в 1880 г. им был написан «Автопортрет».работы

MariiaSi (про_искусство) все записи автора
Григо́рий Григо́рьевич Мясое́дов (7 (19) апреля 1834, село Паньково, ныне Новодеревеньковского района Орловской области — 18 (31) декабря 1911, Полтава) — российский живописец.

Биография

Учился в Орловской гимназии, но, не окончив в ней курса, поступил в ученики Академии художеств, где его профессорами были Т. А. Нефф и А. Г. Mapков. В 1861 г. получил малую золотую медаль за картину «Поздравление молодых» (в Александровском дворце, в Царском Селе), а в следующем году большую золотую за программу «Бегство Григория Отрепьева из корчмы» (сцена из «Бориса Годунова» Пушкина; в музее Академии художеств).

Будучи отправлен за казённый счёт за границу, Мясоедов работал в Париже, Флоренции, Риме и Испании. Из картин, написанных им за это время, известны «Похоронный праздник у цыган в Испании», «Франческа да-Римини и Паоло да-Парлента» (из Данте). По возвращении в Россию получил в 1870 г. звание академика за картину «Заклинания». Один из организаторов и активных деятелей Товарищества передвижных художественных выставок. Деятельно участвовал на всех выставках товарищества и постоянно заботился о его независимости и жизненности.работы

MariiaSi (про_искусство) все записи автора Передвижники - русские художники-реалисты, входившие в Товарищество передвижных художественных выставок (1870-1923 гг.), развивавшие лучшие традиции Артели художников. Передвижники отображали народную жизнь, природу. Демонстрировали свои выставки в различных городах России.Создателем товарищества был Крамской. Большую роль в развитие искусства Передвижников сыграли критические статьи Стасова.

История

Расцвет деятельности Товарищества передвижников пришелся на 1870—1880-е годы. В состав передвижников в разное время входили И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. Е. Маковский, И. М. Прянишников, А. К. Саврасов, И. И. Шишкин, В. М. Максимов, К. А. Савицкий, A. M. и В. М. Васнецовы, А. И. Куинджи, В. Д. Поленов, Н. А. Ярошенко, И. И. Левитан, В. А. Серов и др. Участниками выставок Товарищества были М. М. Антокольский, В. В. Верещагин, А. П. Рябушкин, И. П. Трутнев и др. Большую роль в развитии искусства передвижников играл известный исследователь искусства и критик В. В. Стасов; П. М. Третьяков, приобретая в свою галерею произведения передвижников, оказывал им важную материальную и моральную поддержку. Многие из работ передвижников были сделаны по заказу Павла Михайловича Третьякова.

Художественные принципы

Для картин передвижников были характерны обостренный психологизм, социальная и классовая направленность, высокое мастерство типизации, реализм, граничащий с натурализмом, трагический в целом взгляд на действительность. Ведущими жанрами в искусстве передвижников были бытовая сцена и портрет.

sv_otec (про_искусство) все записи автора Недавно посетил музей в Castro Verde (Португалия), в котором проходила выставка деревянных скульптур. Зрелище впечатляющее! Темный большой зал, а в нем стоит 5 двухметровых деревянных созданий, с руками, поднятыми в разных положениях и играет зловещая музыка. Автор экспозиции создал замечательную обстанововку, позволяющую насладиться его произведениями, прочувствовать их.
Скажу честно, это одно из моих ярких впечатлений в Португалии. Попытался отразить свои ощущения в сделанных мною фотографиях, но получилось не совсем то, что хотел. главная проблема - не взял штатив с собой. Я хоть и не пью, но руки дрожат, когда камера в руках...
Кстати, автор современный и стругает скульптуры в большом колличестве. Я взял книгу о нем и о его работах. Очень интересно! И, надо заметить, как выставка, так и литература в музее совершенно бесплатно!

TRD (про_искусство) все записи автора
Храм святых апостолов Петра и Павла у Яузких ворот.подворье Сербской православной цекрви

Идея создания в Москве сербского духовно-организационного Центра, особого подворья, зрела давно. Подобные подворья с храмами уже имели древнейшие поместные церкви православного Востока - Иерусалимская, Антиохийская, Александрийская, Константинопольская. Инициатором с сербской стороны выступил митрополит Сербский Михаил. Об этом замечательном церковном деятеле Сербии, верном друге России стоит сказать особо. Будущий святитель обучался в 1840-1850 годах в Киеве - в семинарии и Духовной академии. Вскоре после окончания курса, в сентябре 1853 года, он принимает монашество с именем Михаила. Через год иеромонах Михаил был хиротонисан во епископа Шабацкого. В 1859 году Собором епископов Михаил единогласно избирается митрополитом Сербским и архиепископом Белграда. При нем была преобразована семинария в Белграде, устроено несколько духовных училищ, восстановлены древние храмы и монастыри. Духовное единение с Россией было принципом всей его архипастырской деятельности.
В 1873 году митрополит Михаил обратился с ходатайством в Синод о разрешении открыть в Москве Сербское подворье. А вскоре для этой цели по высочайшему повелению сербам была дарована церковь Свв. Кира и Иоанна на Солянке и находящиеся при ней здания. Этот храм строился архитектором К.И.Бланком в 1768 году в память принятия императрицей Екатериной II православной веры.
В мае 1874 года настоятель Горнякского (в Белградской митрополии) монастыря архимандрит Савва прибыл в Москву и вскоре вступил в управление подворьем на Солянке. Тогда же возвели и новый престол, переименовав храм в честь Благовещения Пресвятой Богородицы. Именно в день этого великого праздника в 1805 году сербы подняли восстание против турок.
30 ноября 1874 года церковь и подворье были освящены. На торжестве присутствовали многие видные деятели отечественной культуры, поборники развития сербско-русских связей: ректор Московского университета историк С.М.Соловьев, председатель Славянского комитета М.П.Погодин, профессор Московского университета протоиерей А.М.Иванцов-Платонов, а также И.С.Аксаков, Ю.Ф. и Д.Ф.Самарины.
next

MariiaSi (про_искусство) все записи автора
Валаамский монастырь издревле являлся оплотом Православия на Севере Руси, славился высокой духовной жизнью, служил распространению христианства и монашества в окрестных землях.

Нет у историков единого взгляда на дату основания Валаамской обители. Одни связывают ее со временем Крещения Руси, другие относят к более позднему периоду. Церковное и монастырское предание утверждает, что древность обители восходит ко временам распространения христианства на Руси. Уже тогда основанный преподобными Сергием и Германом монастырь стал духовным центром приладожских земель.

Считается, что в древности на Валааме располагалось главное капище Велеса (или же Волоса) и Перуна, которым покланялись и приносили жертвы живущие в окрестностях язычники. Таким застал его век апостольский. Этимологический разбор финского названия острова "Валамо" подтверждает вероятность предания: Вал, Ваал, Волос или Велес – однокоренные слова, а "мо" по-ижорски – земля. Таким образом, Валамо – земля Велеса, т.е. место посвященное Велесу.more

amathus (про_искусство) все записи автора AVANT-GARDE AND KITSCH  
Clement Greenberg

---

This is Greenberg's breakthrough essay from 1939, written for the Partisan Review when he was twenty-nine years of age and at the time more involved with literature than with painting. He came, later, to reject much of the essay -- notably the definition of kitsch which he later believed to be ill thought out (as, indeed, it is.) Later he came to identify the threat to high art as coming from middlebrow taste, which in any event aligns much more closely with the academic than kitsch ever did or could. The essay has an air and assurance of '30s Marxism, with peculiar assumptions such as that only under socialism could the taste of the masses be raised. But for all that, the essay stakes out new territory. Although the avant-garde was an accepted fact in the '30s. Greenberg was the first to define its social and historical context and cultural import. The essay also carried within it the seeds of his notion of modernism. Despite its faults and sometimes heady prose, it stands as one of the important theoretical documents of 20th century culture.
     -- TF

---

I

ONE AND THE SAME civilization produces simultaneously two such different things s a poem by T. S. Eliot and a Tin Pan Alley song, or a painting by Braque and a Saturday Evening Post cover. All four are on the order of culture, and ostensibly, parts of the same culture and products of the same society. Here, however, their connection seems to end. A poem by Eliot and a poem by Eddie Guest -- what perspective of culture is large enough to enable us to situate them in an enlightening relation to each other? Does the fact that a disparity such as this within the frame of a single cultural tradition, which is and has been taken for granted -- does this fact indicate that the disparity is a part of the natural order of things? Or is it something entirely new, and particular to our age?

The answer involves more than an investigation in aesthetics. It appears to me that it is necessary to examine more closely and with more originality than hitherto the relationship between aesthetic experience as met by the specific -- not the generalized -- individual, and the social and historical contexts in which that experience takes place. What is brought to light will answer, in addition to the question posed above, other and perhaps more important questions.

A society, as it becomes less and less able, in the course of its development, to justify the inevitability of its particular forms, breaks up the accepted notions upon which artists and writers must depend in large part for communication with their audiences. It becomes difficult to assume anything. All the verities involved by religion, authority, tradition, style, are thrown into question, and the writer or artist is no longer able to estimate the response of his audience to the symbols and references with which he works. In the past such a state of affairs has usually resolved itself into a motionless Alexandrianism, an academicism in which the really important issues are left untouched because they involve controversy, and in which creative activity dwindles to virtuosity in the small details of form, all larger questions being decided by the precedent of the old masters. The same themes are mechanically varied in a hundred different works, and yet nothing new is produced: Statius, mandarin verse, Roman sculpture, Beaux-Arts painting, neo-republican architecture.

It is among the hopeful signs in the midst of the decay of our present society that we -- some of us -- have been unwilling to accept this last phase for our own culture. In seeking to go beyond Alexandrianism, a part of Western bourgeois society has produced something unheard of heretofore: -- avant-garde culture. A superior consciousness of history -- more precisely, the appearance of a new kind of criticism of society, an historical criticism -- made this possible. This criticism has not confronted our present society with timeless utopias, but has soberly examined in the terms of history and of cause and effect the antecedents, justifications and functions of the forms that lie at the heart of every society. Thus our present bourgeois social order was shown to be, not an eternal, "natural" condition of life, but simply the latest term in a succession of social orders. New perspectives of this kind, becoming a part of the advanced intellectual conscience of the fifth and sixth decades of the nineteenth century, soon were absorbed by artists and poets,

more

MariiaSi (про_искусство) все записи автора
Фре́ска (от итал. fresco — свежий) — живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей, противоположность а секко (росписи по сухому). При высыхании штукатурка образует пленку, делающую фреску долговечной.

В настоящее время термином «фреска» могут называть любую стенную живопись, вне зависимости от её техники (а секко, темпера, живопись масляными, акриловыми красками и т. д.). Для обозначения непосредственной техники фрески иногда используют именование «буон фреска» или «чистая фреска».

Точной даты появления фресок не известно, но уже в период Эгейской культуры (2-е тыс. до н. э.) фресковая живопись получила широкое распространение. Доступность исходных материалов (известь, песок, окрашенные минералы), относительная простота техники живописи, а также долговечность произведений обусловили большую популярность фресковых росписей в античном мире. В христианском искусстве фреска стала излюбленным способом украшения внутренних и (реже) внешних стен каменного храма.

MariiaSi (про_искусство) все записи автора
решила написать и про это)) что же такое,мной всей душой нелюбимый,гламур....
Гламу́р (англ. glamour, ['glæmə], собственно «чары», «очарование») — оценочное понятие (оценка при этом может быть как положительной, так и отрицательной в зависимости от взглядов говорящего), означающее близость к общепринятым стандартам «роскоши», «шикарного», внешне «блестящего».

«Человек гламурного мышления есть существо, которое считает акты потребления достижениями» — К. Крылов.
more

MariiaSi (про_искусство) все записи автора Декаде́нтство («упадочничество», от фр. décadence — упадок, декада́нс) — термин для обозначения литературного течения, появившегося во Франции в 1880-х гг. и в 1890-х—1900-х возникшего в России, Германии и других странах.

Брошенное враждебной этому течению критикой как уничижительное, отрицательное, это обозначение было подхвачено его представителями и превращено в лозунг. Наряду с декадентством для обозначения этого общеевропейского течения поэзии и искусства употребляются также термины: «модернизм», «неоромантизм», «символизм».

Из этих терминов — «модернизм» (от фр. moderne — современный, новейший) за бессодержательностью должен быть отброшен; «неоромантизм» следует признать недостаточным, ибо он указывает лишь на типологическое сходство этого течения в ряде признаков с романтизмом начала XIX века, а не на его специфические особенности (в защиту этого термина выступал С. А. Венгеров, «Этапы неоромантического движения»).
more

MariiaSi (про_искусство) все записи автора Фотографии про_искусство : общая


MariiaSi

MariiaSi (про_искусство) все записи автора
Гениальный английский художник, музыкант, поэт Обри Бёрдслей прожил короткую жизнь - он умер в возрасте двадцати пяти лет - но до сих пор его искусство остаётся непревзойдённым, уникальным. Эпоха конца XIX - нач.ХХ в.в., подобно "рогу изобилия", дарила миру огромное количество гениев с нетрадиционной сексуальной ориентацией - Эрик Сати, Оскар Уайльд, Клод Дебюсси, Сергей Дягилев, Пьер Люи, Жан-Артюр Рембо etc. - внесших бесценный творческий вклад в развитие искусства. К этому числу можно смело причислить Обри Бёрдслея - "гения миниатюры", оказавшего огромное влияние на всё искусство стиля модерн.

Феномен Бёрдслея не имеет себе подобных в истории европейского изобразительного искусства, хотя, по злой иронии Судьбы, гениальному художнику было "отпущено" только лишь пять лет активной творческой работы. Казалось, у Бёрдслея не было шансов стать профессиональным художником, ибо он не посещал художественных школ, не написал ни одной большой (по масштабам) картины, даже не имел при жизни персональной выставки. Большинство его работ были книжными иллюстрациями или рисунками. И тем не менее Бёрдслей - это удивительное и загадочное явление искусства и человеческого духа.more

MariiaSi (про_искусство) все записи автора
Символи́зм (фр. Symbolisme) — одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образчиком для большинства современных направлений искусства.more

MariiaSi (про_искусство) все записи автора
Концептуальное искусство (от лат. conceptus — мысль, представление), "концептуализм" — литературно-художественное направление постмодернизма, оформившееся в конце 60-х - начале 70-х годов ХХ века в Америке и Европе. В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства - в передаче идеи, но не с помощью традиционных художественных форм и методов, а при помощи документально зафиксированного представления. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой объект, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест. Один из основоположников течения, американский художник Джозеф Кошут, видел значение концептуализма в "коренном переосмыслении того, каким образом функционирует произведение искусства - или как функционирует сама культура...искусство - это сила идеи, а не материала". Классическим образцом концептуализма стала его композиция "Один и три стула" (1965), включающую стул, его фотографию и описание предмета из словаря. Концептуальное искусство обращается не к эмоциональному восприятию, а к интеллектуальному осмыслению увиденного.

MariiaSi (про_искусство) все записи автора
Ба́тик — ручная роспись по шёлку.

На шёлк (влажный, сухой, горячий) наносится краска, которая закрепляется в течение получаса. За это время она успевает растечься по волокнам ткани, создавая очертания размытости. Для получения чётких очертаний используется специальный закрепитель, называемый резерв (обычно изготавливается на основе каучука). Роспись батик издавна известна у народов Индонезии, Индии и др. В Европе — с XX века.
more

Natalia_M (про_искусство) все записи автора Принято считать, что одним из художественных явлений, предшествующих раннехристианскому искусству, был так называемый фаюмский портрет (название дал Фаюмский оазис в Египте, где было найдено много таких портретов), который представлен во многих музеях мира, в том числе в Москве, Санкт-Петербурге и Киеве.



Читать далее...

kreatiffchik (про_искусство) все записи автора
Известная художница Жозефина Уолл родилась и живёт в Англии. Её картины в стиле фэнтези уже давно популярны во всём мире. Своих сказочных персонажей Жозефина Уолл создаёт с помощью ярких акриловых красок., увлекая нас в волшебный мир собственного воображения. Сейчас её работы можно увидеть во многих галереях Англии и Америки.
Персональная страницы Жозефины Уолл

MariiaSi (про_искусство) все записи автора
Граффи́ти (итал. graffiti, от греч. γραφειν писать) — надписи или рисунки на стенах зданий и переходов, вагонах поездов, а также заборах и прочих вертикальных поверхностях. Иногда — форма фольклора.

Считается одним из видов самовыражения молодежи. Самоназвание современных авторов граффити — райтеры (англ. writers, сейчас, однако, райтерами называют именно тех, кто делает большие сложные работы. в противовес бомберам).

Нанесение граффити на здания и сооружения без разрешения владельцев этих объектов трактуется в уголовном праве многих стран как вандализм. В некоторых странах Европы, чтобы рисовать граффити, нужно получить лицензию more

MariiaSi (про_искусство) все записи автора Офо́рт (фр. eau-forte — азотная кислота, буквально «крепкая вода»), также аквафорта — разновидность гравюры, художественная техника, позволяющая получать оттиски с печатных форм, изготовленных путём травления металлической поверхности кислотами. Известен с XV века. Первая датированная гравюра относится к 1513 году.

Для изготовления печатной формы металлическая пластина покрывается кислотоупорным лаком, на котором специальной иглой (пунктиром) процарапывается рисунок будущей гравюры. Пластина затем помещается в кислоту, которая вытравливает углубления, куда впоследствии закатывается краска. При печати краска из углублённых печатающих элементов изображения переносится на бумагу (таким образом, техника офорта является разновидностью глубокой печати).