Французская уличная художница Вини Граффити (Vinie Graffiti) прославилась благодаря своим «объёмным» портретам женщин с роскошными шевелюрами.

Её настенные рисунки характеризуются мультяшным стилем, чрезмерными пропорциями и выразительными лицами, обрамлёнными пышными причёсками.

Вдохновлённые игривостью пин-ап моделей и графикой иллюстраций в стиле манги, эти работы демонстрируют особый подход художника к каждому портрету.

Лица нарисованы в простом стиле, чего нельзя сказать об огромных, объёмных причёсках.

1.


2.


3.


4.


5.


6.


7.


8.


9.


10.


11.


12.


13.

 

Монами Оно (Monami Ono) — выпускница Гуманитарного университета Осаки, которая изучала 3D-анимацию и теперь специализируется на работе с картоном, будучи, пожалуй, одним из лучших художников, творящих в этом виде искусства.

Хобби талантливой и отмеченной наградами художницы из японской префектуры Вакаяма оживлять картонные коробки превратилось ремесло, занимающее всё рабочее время, благодаря чему её работы уже появлялись на японском телевидении, тематических семинарах и даже в фильмах.

Предлагаем вам взглянуть на несколько потрясающих творений талантливой японской художницы:

1.


2.


3.


4.


5.


6.


7.


8.


9.


10.


11.


12.


13.


14.

 

Изготовленный Ириной Зайцевой фарфор обладает высоким качеством и уникальной техникой ручной росписи изделий.

Оригинальное творчество художницы, красоту её изделий, оценили не только любители фарфора, но и специалисты.

Ирина Зайцева родилась в Москве, окончила в 1982 году Московский художественный институт, получив степень магистра изящных искусств в книжной иллюстрации.

 

1.


2.


3.


4.

 

далее по ссылке:

https://masterlomaster.samodelkinoblog.com/1641562...kalnyj-farfor-iriny-zajtsevoj/

 

Работы молодой и талантливой москвички Марии Santani известны не только в России.

Огромные уши, выразительные глаза и очаровательная улыбка, эти чудесные игрушки словно заглядывают к вам в душу и просятся в ваш дом!

Источники вдохновения мастерицы — природа, книги, фильмы. Каждая игрушка уникальна и изготовлена вручную.

 

1.


2.

 

далее по ссылке:

https://masterlomaster.samodelkinoblog.com/1642983...grushki-moskovskoj-masteritsy/

Ольга Малеева — неоднократный победитель многих конкурсов по природной фотографии, уверена, что главное в фотографии — «поймать свет и момент».

1.


2.


3.


4.


5.


6.


7.


8.


9.


10.


 

Американский художник и по совместительству фермер Стэн Херд (Stan Herd) более 30 лет занимается необычным видом искусства – агроживописью, то есть буквально созданием монументальных рисунков на полях.

Сам художник склонен называть свое творчество более просто – «земельными работами» (Earthworks).

В этом он, конечно, скромничает, поскольку изображенные им на просторных нивах огромные портреты, натюрморты и даже пейзажи – это нечто большее, нежели перекопка и вспашка земли.

Хотя без вспашки в прямом смысле слова искусство Стэна Херда не обходится.

 

далее по ссылке:

https://emosurf.com/st/2/post/7321/Agrozhivopis,_i...4cxbYS6Zt0g4n_IvjlhzCWoYFG3ZQk

Мастерица из Мичигана по имени Елена создает очень душевные и милые работы методом валяния из шерсти.

Как говорит сама, Елена — её дети уже взрослые и живут отдельно со своими семьями, у неё же остались две кошки и собака, которых она взяла из приюта.

Эти верные питомцы дают ей силы и вдохновение на творчество.

Глядя на её работы, на лице невольно появляется улыбка и сердце окутывается добротой.

1.


2.


3.


4.

Далее по ссылке: https://emosurf.com/post/8010

Если огненный кот случайно забредет к вам в дом, то ждите денег. Ну, а если поселится в нем, то вечное счастье вам обеспечено! Ведь даже учеными доказано, что оранжевый цвет – это символ радости и позитива. Рыжий кот, как магнит, будет притягивать к вам радость и богатство. Он же будет «защищать» вас от ваших друзей (проверено на собственной практике) и недругов, ведь рыжие коты часто славятся очень тяжелым характером, и чем ярче цвет кота, тем труднее его характер. И, говорят, не стоит жалеть для кота большой миски (тоже проверено на собственной практике), ведь чем крупней ее размер – тем больше будет в вашем доме доброго мира и долгожданного счастья. Несмотря ни на что, и рыжие хитрюги, и «наглые рыжие морды» каждый вечер будут подставлять под вашу руку свои мягкие золотистые бока и умиротворенно мурлыкать. Но особенно берегитесь, если встретите рыжего . 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9.

Цифровой художник из Австралии EBEN размещает в своём Инстаграм так называемые фотоманипуляции. Необыкновенные и неожиданные комбинации огромных животных и маленького человека поражают и внушают какой-то мистический трепет. Сам Эбен говорит о духовных животных каждого человека: «...мне нравится думать, что у всех нас есть наши духовные животные, которые... направляют и защищают нас в мире, который, кажется, погружается глубокий хаос». Невольно вспоминается нагваль Карлоса Кастанеды, тотемные животные, которые присутствовали у всех племен и народов на определенной стадии развития. Да и люди-оборотни, волколаки, кицунэ, вера в которых тоже связана с представлением о тотеме, животном-покровителем. (Нагваль — в мифологии индейцев Центральной Америки — дух-хранитель. Часто изображались в виде животных (ягуара, койота, орла). Но у меня возникли и другие ощущения от его работ — величие природы вокруг нас, беспомощность человека перед её могуществом. Человек, с его представлением о себе, как о царе природы, так мал и не защищен на самом деле. В общем, работы этого художника потрясают, и заставляют задуматься о мире вокруг нас. И еще они очень красивые!

Синемаграфия — очень эффектные живые фотографии, которые в 2011 году придумал дуэт из Нью-Йорка: фотограф Джейми Бек и дизайнер Кевин Бург. Идея была проста — показать не статическую картинку, а анимированную. Можно сказать, что это новая эра в фотографии — создание изображения, которое еще не видео, но уже и не фотография. Посмотрите синемаграфии, созданные графическим дизайнером из Франции — Жульеном Дувье (Julien Douvier). В его работах вы увидите простые сцены из повседневной жизни, глядя на которые, вы почувствуете, что смотрите кино. Синемаграфия сочетает в себе традиционную фотографию с элементами локальной анимации, которая создает эффект живой картинки. Выбранные подвижные части картинки изолированы от статического изображения. Эта дихотомия делает изображения спокойными и несколько созерцательными. Это не просто гифки, это гораздо более сложные, поднятые на качественно новый уровень анимационные изображения. Синемаграфии создают убедительную иллюзию, что вы смотрите фильм. Синемаграфии Жульена Дувье излучают спокойствие, открывая красоту обычной, повседневной жизни. По словам первых создателей живых изображений — Джейми Бека и Кевина Бурга, они хотели соединить мир фотографии и мир кино. И у них действительно это получилось. На создание одного живого изображения уходит обычно два дня, но если движущимся элементом на картинке является человек, то может понадобиться и неделя. На создание этих необычных живых фотографий — Жульена вдохновляет всё, что можно увидеть. А еще в работе для него важна музыка, которая, по его словам, очень часто влияет на выбор сюжета для съемок.

Перед началом работы над каждой новой своей скульптурой, Федерико Урибе заходит в магазин с канцтоварами. Затем он натачивает эти предметы и соединяет сотни или даже тысячи их в одну конструкцию.

1.

 

далее по ссылке: https://masterlomaster.samodelkinoblog.com/1616043...delki-iz-tsvetnyh-karandashej/

Выбирая книги для детей, в первую очередь, мы обращаем внимание на качество книжной иллюстрации. Ведь, согласитесь, даже замечательное произведение легко можно испортить плохими и вульгарными рисунками. Иллюстрации в детских книгах очень важны, так как дети воспринимают книжные тексты как образы, которые позже будут храниться в памяти в течение многих лет.     Они подарили нам сказку! Художники-иллюстраторы, которые "оживили" наших любимых героев. Путеводитель по книжкам, стилю, техникам и истории из жизни.     1 Иван Билибин   Мастер графики, создатель особого типа иллюстрированной книги, "первый профессионал книги" - как его называют специалисты. Его пример - другим наука, в творчестве Билибина искали вдохновения многие поколения не только иллюстраторов, но и графических дизайнеров. "Царевна-лягушка", "Василиса-прекрасная", "Марья Моревна", "Сказка о царе Салтане", "Сказка о золотом петушке", "Сказка о рыбаке и рыбке" - стоит найти на полке любимые с детства книжки, чтобы убедиться - красота! Стиль. Узнать работы Билибина можно по большого формата тонкой книге-тетради с крупными цветными рисунками. И художник здесь - не просто автор рисунков, но и всех декоративных элементов книги - обложки, инициалов, шрифтов и орнаментальных украшений.       2 Елена Поленова . В музее-заповеднике "Абрамцево" до сих пор хранятся книги проиллюстрированные Еленой Поленовой. Сестра знаменитого живописца Василия Поленова, хоть и была связана с богемным "мамонтовским кружком" – художниками, артистами, архитекторами, всегда интересовалась народным, крестьянским. Ее вдохновляли сказы, в ее письмах друзьям упоминаются герои фольклора, например: бабушка Федосья – мастерица придумывать веселые небылицы. Стиль: Основное в пейзажах Поленовой – внимание к "мелочам": травам, цветам, грибам, насекомым. Она старалась «перенестись в то далекое детство, когда, слушая этот рассказ, я представляла себе в лесу миниатюрные монастыри и города, выстроенные, так сказать, в грибном масштабе, в котором живут и действуют эти удивительные существа".   3 Юрий Васнецов "Краденое солнце" Корнея Чуковского, "Кошкин дом" Самуила Маршака, "Конек-горбунок" Петра Ершова - героев всех этих книг мы представляем благодаря рисункам Юрия Васнецова. Стиль: Художника вдохновляли нарядные дымковские куклами и яркие петухи, традиции лубка и народная фантазия оказали заметное влияние на творчество иллюстратора. Деталь: Книжная графика была лишь частью творчества Васнецова. В живописных произведениях он проявил себя как очень крупный мастер, соединивший народную культуру и высокую эстетику.     4 Владимир Конашевич Владимир Конашевич дал нам возможность увидеть доктора Айболита, Тянитолкая, малютку Бибигона, Конька-Горбунка и мудрецов, которые плыли по морю в грозу. Рассказывая о том, как придумывает рисунки, Конашевич признавался: "Есть художники, которые изобретают и думают с карандашом в руке… Я художник другого склада. Раньше, чем я возьмусь за карандаш, я должен выяснить всё заранее, представить себе мысленно уже готовый рисунок во всех деталях…" Стиль: Для художника, работающего с детскими книгами одного таланта рисовать мало, нужен второй - доброта. Мир Конашевича - как раз такой, мир доброты и мечты. Художник создал узнаваемый стиль в оформлении сказок: яркие образы,витиеватые узоры, виньетки, "живая" композиция, которая захватывает не только детей, но и взрослых.     5 Георгий Нарбут "С малых лет, сколько себя помню, - признавался Георгий Нарбут, - меня влекла живопись. За отсутствием красок, которых я не видел, пока не попал в гимназию, и карандашей я использовал цветную бумагу: вырезал ножницами и клеил мучным клеем" . Художник, рисовальщик и иллюстратор, организатор высшего графического образования на Украине Георгий Нарбут, учился у Михаила Добужинского и Ивана Билибина, последний даже говорил: "Нарбут огромнейших, прямо необъятных размеров талант… Я считаю его самым выдающимся, самым большим из русских графиков". Cтиль. В мастерской Нарбута рождались гениальные идеи и создавались шедевры, изменившие историю книги в России. Книжная графика - это не просто виртуозная техничность и изысканность вкуса. Стиль Нарбута - это всегда выразительная обложка, декоративно оформленный титульный лист, буквицы и искусные иллюстрации. 6 Борис Зворыкин Художник намеренно избегал излишней публичности, оттого факты о ее биографии так скудны. Известно, что он был выходцем из московского купечества и учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Зворыкина считают основоположником "русского стиля" в книжной иллюстрации и лучшим графиком-орнаменталистом начала XX в.. С 1898 года он иллюстрировал и оформлял книги для московских и петербургских издательств Ивана Сытина и Анатолия Мамонтова. Первым опытом художника в области детской книги была книжка "Сказка о золотом петушке" Александра Пушкина. Стиль. Вдохновение для своих работ Борис Зворыкин искал в русской старине, декоративно-прикладном искусстве, иконописи, деревянном зодчестве и книжной миниатюре. Недаром он был одним из активных членов "Общества возрождения художественной Руси". 7 Борис Диодоров Борис Диодоров "оживлял" для нас героев русской и зарубежной классики. "Тутту Карлссон Первую и единственную, "Людвига Четырнадцатого и других», "Удивительное путешествие Нильса с дикими гусями», "Дело в шляпе" (об истории головных уборов в России совместно с Ириной Кончаловской) - всех не перечислишь: всего художник проиллюстрировал около 300 книг. Диодоров работал главным художником издательства «Детская литература», получил из рук принцессы Дании золотую медаль Г. Х. Андерсена, его работы выставлялись в США, Франции, Испании, Финляндии, Японии, Южной Корее. Стиль: красота тонких линий. Техника офорт, при которой стальной иглой процарапывают рисунок на покрытой лаком металлической пластине довольно сложна, но только она позволяет добиться воздушности и тонкости в исполнении.

 

Арт искусство: что это такое и как его понять? Современное искусство (англ. contemporary art; в 1990-х годах в ходу был перевод «актуальное искусство») — совокупность художественных практик, сложившихся во второй половине XX века. Арт искусство многогранно, не все могут понять его проявления. Сложно ответить и на вопрос – арт искусство, что это такое, так как «art» в переводе с английского это и есть искусство. Однако сегодня этим термином часто обозначают некоторые отдельные стили. Мartha Нaversham - британский  художник , сочетающий в своих работах  концептуальное и визуальное искусство, создающая    высокое искусство  из  уличного мусора и природных объектов. 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13. 14. 15. 16. 17. 18. 19. 20.

 

Томас Патрик Джон Ансон, 5-й граф Личфилд (1939-2005) родился 25 апреля 1939 года в знатной британской семье. Со временем унаследовал семейный титул и стал пятым графом Личфилда. Фотография его заинтересовала ещё в шестилетнем возрасте, когда в руках впервые появилась фототехника. Граф учился в военной академии в Сандхерсте, служил в Гренадерском гвардейском полку (1959-1962), затем стал фотографом. Он добился блестящих успехов в рекламной и travel-фотографии, снимал для глянцевых журналов, хотя «ню» оставался любимейшим жанром Личфилда. В своей профессиональной деятельности граф известен как Патрик Личфилд. Гласность его работам придала родственная связь с королевской семьёй. Личфилд долгое время оставался главным фотографом при дворе, он снимал на свадьбе Леди Дианы и принца Чарльза. Портреты королевских особ в исполнении этого фотографа овеяны искренностью, свойственной большинству его работ. Однако основными героями снимков Личфилда были актеры, музыканты, модели и совершенно обычные люди. Основная тема его фото — «свингующие шестидесятые». Патрик Личфилд умер 11 ноября 2005 года после обширного инсульта, оставив богатое фотографическое наследие. Свингующие шестидесятые “Swinging London”. Этот стиль вышел за пределы одежды, и оформился как образ жизни вообще. Одни считают шестидесятые золотым веком новых свобод, а другие мрачным десятилетием, которое принесло с собой крушение морали, авторитета и дисциплины. Ясно только одно: всё, что пришло в движение в 60-е гг., до сих пор оказывает общественное, политическое и культурное влияние на жизнь. Новый импульс всему этому дала молодёжь, которая всегда была главным носителем надежды в обществе. В результате послевоенного «бэби-бума» процент молодёжи среди населения резко возрос. инэйджеры, ставшие в 50-х годах потребителями, благосклонность которых стремились снискать производители, превратились в двадцатилетних бунтовщиков, подвергавших сомнению все святыни своих родителей. Они восставали против авторитета родителей, церкви и государства, начали поиск новых ценностей , развенчали общепринятую двойную мораль, которая заставляла людей делать одно, публично проповедуя другое. В умах молодёжи происходит отторжение самого понятия «семья» и всего, что с ним связано. В своих экспериментах молодёжи помогло изобретение противозачаточных таблеток. На баррикады феминизма в конце 60-х многих женщин привели именно неожиданные последствия приёма противозачаточных таблеток и сексуальной революции. Экономическое чудо было в самом расцвете; бум приносил прибыли молодым предпринимателям, которые обрели самостоятельность, занимаясь клубами, дискотеками, порнографией, андеграундными журналами и бутиками, и прежде всего – музыкальной индустрией. Молодёжь тратила деньги на индивидуальную моду, путешествия, наркотики, рок-н-ролл. Музыка была стихией, которая объединяла всю западную молодёжь, невзирая на государственные границы, классовые, расовые и половые различия. Предтечами были Билл Хэйли и Элвис Пресли, потом возник спрос на «Beatles», «Rolling Stones», «Who», Джимми Хендрикса и Эрика Бёрдона. Сами молодые очень чётко различали людей, которых называли «hip» (или «hot», или «in», или «cool»), и настоящих хиппи. Строго говоря, последние были аутсайдерами, которые не интересовались практически ничем, кроме марихуаны и путешествий в иллюзорных мирах ЛСД.   Это время СЕКСА, НАРКОТИКОВ И РОН-Н-РОЛА! ****************** Секс, наркотики и рок-н-ролл Были где-то в прошлом столетье. Бурный секс, оргазм и укол, Несмотря, что все ещё дети. Секс, наркотики и рок-н-ролл. Что от них сегодня осталось? Вам бы пиво, жену и футбол, И музла, только самую малость. Ведь с похмелья трещит голова, Череп режут гитарные рифы. Знаешь, что не наркотик трава, Только веришь в застывшие мифы. Онанизм, триганд-д и попса - Радость нового поколенья. Я на них закрываю глаза, Наслаждаясь пост-панком и тленьем. Нам же нет ещё тридцати, Так зачем же семейные норы? Нам нетвердо к успеху идти Вдаль по скользкой тропе рок-н-ролла.   © Copyright: Найрэ, 2011 Свидетельство о публикации №111122106571 **********************

 

Сергей Демиденко родился в  1970г. родился в г. Омске.

1982-1986г.г. – учеба в ДХШ №1 города Омска.

1991-1996г.г. – окончил Омский Технологический Институт Бытового Обслуживания Населения, образование высшее.

Преподаватель рисунка и живописи в ОГИС. Стаж работы на кафедре дизайна, рисунка и живописи -8 лет.

Многие произведения художника хранятся в частных коллекциях г. Омска, других городах России и странах Англии, Польши, Германии.

Живет и работает в Омске.

Предлагаю вашему вниманию интересные пейзажные работы современного современного российского художника СЕРГЕЯ ДЕМИДЕНКО .

Приятного просмотра.

20.

Зима будоражит фотографов. Они на многое готовы, чтобы добраться до удаленного места и получить идеальный снежный зимний пейзаж. Эта пора года дает вам возможность создавать лучшие пейзажные фотографии. Зимние снимки состоят из тумана и дымки, с восходами и закатами, с комбинацией голубого неба и белого снега. А может вам даже посчастливится запечатлеть грозовые облака в зимние дни. Они могли бы добавить необычный эффект к зимнему пейзажу.   В холодных северных странах зимние фотографии находятся в центре внимания, так как они широко используются в индустрии туризма для привлечения людей со всего мира. Также фотоохота получает зимой особое внимание. Многие животные в зимнее время позируют более активно. Это белые медведи, пингвины, а также другие северные и зимующие животные. 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12.

 

Художник Карлович Евгений и красавица зима на его картинах . Художник Карлович Евгений родился 9 августа 1967 года в г. Кривом Роге, Украина. Живописью начал увлекаться с раннего детства. Любимыми были и остаются русские художники Левитан, Шишкин, Айвазовский, Нестеров, Васнецов. Свою профессиональную деятельность Евгений начал с 1989 года. В работах автор ценит композиционную завершенность, точность тональных отношений, стремиться передать ощущение света и воздуха в картине, донести зрителю красоту окружающего мира, тончайших изменений в природе. Его работы также находятся в частных коллекциях на территории США, Германии, Словакии, Австралии, России. Живописью начал увлекаться с раннего детства. Любимый жанр – пейзаж. Направление – классический реализм. Техника исполнения – масляная живопись. Зима… мечты, воспоминанья, Необратима Сансара, И белое существованье… И черный уголь - вечера.   Судьбы прописаны событья… Все наши зимы, наши лета,   И каждый миг – и в них открытья, Наполнены реальным светом. И зимний день – как белый странник, И мы потерянные в нем,   И снег - божественный посланник, Идет намеченным путем.

Венгерский художник Ágnes Herczeg продолжает создавать тонкие и нежные жанровые сценки. Они из красочного кружева и дерева,и каждая как будто плывет в воздухе и прикрепляется ккуску дерева. Herczeg училась в Венгерском университете изящныхискусств и за эти годы собрала несколько методов вышивки и плетения кружев.     ссылка:https://subscribe.ru/group/mir-iskusstva-tvorchest...Dgroups&utm%5Fmedium=email

 

"Радуйся жизни!" - под таким девизом живут персонажи картин великолепного художника Юрия Мацика . Родился художник в 1956 г. в г.Ужгород, Закарпатской области. В 1975г. закончил Ужгородское училище декоративно-прикладного искусства, отделение художественной обработки металла. С 1980г. живет в г. Солнечногорске, московской области 1993 г. - групповая выставка в Австрии и Германии 1995г- выставки в краеведческом музее г.Солнечногорска 1998г.- выставка в Лиссабоне (Португалия) 1999г.- выставка г.Зеленоград, ВЗ "Флейта" 2000г.- выставка в ЦДХ, ВЗ "Тушино", "Имена в искусстве", "Солнечногорская осень" г.Солнечногорск. 2008г-2009 г.. - персональная выставка в галерее "Флейта", г. Зеленоград. Работы находятся в частных собраниях России, США, Германии, Франции, Югославии, Потругалии, Польшии, Кипра и др. В своем искусстве Мацик утверждает красоту, гармонию, светлые стороны жизни, оставаясь при этом романтиком и мечтателем. Характерная форма художественного выражения для художника - воплощение мечты, мысли и чувств в ярких образах. Художник использует прием создания композиции, основанный на построении художественного образа из ассоциативно связанных между собой фрагментов действительности Его работы обладают особым, узнаваемым почерком. Веселые живописные клоуны, прекрасные притягивающие к себе девушки, кажущаяся простота линий и переполненность пространства радостным светом и цветом наполняют зрителя приятными эмоциями и желанием окунуться в этот мир любви и счастья. Коты в окружении разноцветных радостных клоунов и прекрасных женщин выглядят довольными. жизнь в прекрасном мире меняет даже котов и, кажется, что они вовсе не умеют царапаться! 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11.

Удивительно милые и очаровательные фотографии собак делает молодая фотограф из Польши Алисиа Змысловска (Alicja Zmyslowska). Ее снимки лучатся радостью и счастьем, а сами собаки на фотографиях по полной наслаждаются каждым моментом жизни. Алисиа выросла в семье, где фотографии всегда уделялось особое внимание: сколько Алисиа себя помнит, ее отец и брат занимались фотографированием и разговоры о камерах и объективах постоянно были на слуху. Однако сама девушка взяла в руки камеру только в 2006 году, когда в ее жизни появился первый щенок, давший не только огромное количество любви и радости, но и вдохновение на творчество. Её фотографии, лучащатся радостью и любовью к собакам "Через свои фотографии мне бы хотелось поделиться любовью к собакам. Я хочу показать лучшее в каждом животном, запечатлеть отражение их души. Когда я фотографирую бездомных собак, я хочу помочь им найти новый дом, где бы о них заботились и любили. А когда я снимаю людей с их питомцами, я хочу, чтобы у них остались запечатленными те уникальные и прекрасные моменты, которые они проводят со своими четвероногими друзьями," - говорит Алисиа.

Иллюстратор и любитель комиксов из Миннесоты, США, Джош Линч уже давно рисует портреты собак, принадлежащих его семье. Но он не перерисовывает старые фотографии и не делает карандашные наброски, - его стиль точно отображает его собственные пристрастия: его собаки предстают перед зрителями в образах... супергероев! "Всё началось с одного рисунка, но мне так понравилось, что я продолжил", - говорит Линч. - "Я стараюсь рисовать одинаковое количество мужских и женских персонажей, потому что моей дочери нравятся супергерои-женщины". Хотя у Линча есть только спаниель по имени Майлз и смешанная порода по имени Финь Фань Фум, он также любит рисовать мопсов, бульдогов и другие породы. "Мне больше всего нравится М.О.Д.О.Г. Он выглядит таким грустным, что хочется его обнять. Мопс-Каратель тоже прекрасен", - говорит Линч. В его коллекции также есть Спайдермопс, Железный Чихуахуа и золотистый ретривер Тор. Линчу нравится находить сходства между породами и героями комиксов, но главным образом ему просто нравится радовать людей. "Никто не платит мне за это - я делаю это для себя", - говорит он. В конце концов, любая собака может стать супергероем (или сверхзлодеем - если вы кошатник). 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12.

Человек всегда, с самых ранних времен своего существования, стремился украсить мир вокруг себя. В ход шло все, что только могло хоть немного изменить предметы, обстановку, окружающие его. История батика рассказывает как раз об этом.

Расписывать ткань человек учился всегда, как только научился ткать или вязать полотна. Конечно же, батик - это искусство, а не утилитарная необходимость разнообразить быт, причем оно может быть очень тонким и изящным, требующим от мастера огромного навыка работы в этой интересной технике.

 

Несмотря на развитие технологий, материалов, ручное искусство батика по-прежнему остается актуальным и востребованным. Его используют как самостоятельный вид искусства и как способ украшения текстильных вещей - одежды, платков, занавесей, театральных кулис.

Само слово "батик" происходит от древнеиндийского "капля воска".

И именно воск изначально использовался как основа частичного окрашивания ткани для получения узоров и орнаментов.

Причем этот материал и поныне применяется в технике горячего батика.

Сама же технология окрашивая ткани в искусстве батика имеет несколько направлений, которые объединяет один принцип - резервирование, то есть защита отдельных участков полотна с целью сохранения их цвета при дальнейшем окрашивании. Осуществляется этот принцип по-разному, в зависимости от техники батика.

Помимо технической стороны, батик имеет и свои художественные особенности, ведь его уникальность - сочетание многих видов изобразительного искусства. Здесь можно найти элементы графики, акварели, пастели, даже витража и мозаики.

Искусство же самого батика уникально тем, что его очень просто осваивать.

Это благодарный вид творчества, ведь любая работа в этой технике представляет собой уникальный экземпляр, который можно доработать, при необходимости, дополнительными приемами украшения вплоть до вышивки или аппликации.

Как считают историки, родилось

искусство окрашивания тканей (батик) в Индонезии.

"Анбатик" на местном наречии значит "рисовать". Уже в те далекие времена женщины стремились украсить одежду. Это, конечно, преследовало свои цели - подчеркнуть принадлежность к определенному роду конкретной цветовой гаммой и узорами.

Хотя красителей было немного, но искусство батика позволяло создавать многокрасочные расписные плотна.

В Индонезии батик приобрел оттенки охры и цвет индиго - песчаные полутона от густой тени до цвета слоновой кости разбавлялись ярко-синими пятнами высокого неба.

Каждый род бережно хранил секреты приготовления красящих растворов, способы нанесения краски, а также рисунок батика.

По окрашенной узорчатой одежде можно было точно сказать, к какому роду принадлежит тот или иной человек.

Рисунки использвались различные - абстрактные, графические орнаменты, сюжетные истории. Последние в основном служили для создания полотен для украшения храмов.

Индонезия и Индия, куда искусство батика плавно переместилось и получило название "бандхана", использовали хлопковые полотна.

Вытканые вручную ткани тщательно выбеливались, сушились, чтобы рисунок на них ложился как можно четче и ровнее.

Уникальной традицией народов древней Индонезии и Индии стали хлопковые полотна, окрашенные в технике батика.

История возникновения этого вида творчества берет свое начало в древних юго-восточных государствах.

 

В мире все взаимосвязано.

Искусства проходили сложные пути по разным странам, от народа к народу, вбирая в себя что-то новое, уникальное и передавая приобретения все дальше и дальше.

Такое произошло и с техникой батика, история возникновения и развития которой говорит о том, что она прошла сложный, удивительный путь. Он постепенно оказался востребованным творчеством, а затем и тончайшим искусством Китая и Японии.

Китай подарил батику натуральный шелк.

С этого момента окрашивание тканей приобрело невероятную легкость красок, вернее, даже тонов и полутонов, настолько тонкая работа оказалась подвластна мастерам стран Востока.

О красоте кимоно японок ходили легенды, но мало кто задумывался о том, как получается такая прекрасная ткань.

Японцы привнесли в искусство окрашивания тканей, шелка в частности, особенную технику так называемого обратного батика, когда ткань окрашивалась, а затем выбеливалась на нужных участках при помощи щелочи.

Но искусство горячего батика, защищавшего участки ткани во время процесса крашения при помощи воска, позволило мастерам Японии и Китая сделать эту технику верхом совершенства искусства росписи на ткани.

Восточные мотивы, яркие, насыщенные цвета или же легкие полуоттенки красок восхищали всех, кто мог их видеть.

 

Как батик из Азии и Востока попал в Европу?

С помощью голландских путешественников, налаживавших торговые связи со странами Юго-Восточной Азии.

Когда голландцы впервые оказались в Индонезии, то они были поражены красотой и уникальностью текстильного убранства местных храмов. Необычные рисунки на простой хлопковой ткани заинтересовали торговцев. И они привезли технику батика в Голландию, откуда вся Европа научилась красить хлопок и шелк в столь интересной и необычной технике.

Но не прошло и столетия, как это удивительное, но трудоемкое искусство стало уступать позиции изобретенной в Англии набивной технике.

Машины, станки, быстро штамповали на растянутых полотнах рисунок, ткани выходили достаточно нарядными и дешевыми, чтобы о батике вспоминали лишь те, кто ценил единичность этого вида творчества и мог позволить себе заплатить мастеру.

Так история развития батика чуть было не закончилась, если бы не кустари-одиночки, сохранившие верность уникальному виду украшения полотен.

Российский батик.

История батика в России прошла очень сложный путь, обусловленный закрытостью СССР от большей части мировых государств.

Да и появилось это искусство в России лишь в начале 20 века, когда в моду вошел стиль модерн - красивые расписные платки-шали в восточных мотивах, интересного кроя женские платья с рисунками по нему. К тому же этот стиль прижился лишь в крупных городах, провинции же эта новинка была практически незнакома.

Художники по ткани. занимавшиеся росписью в стиле батик, не имели возможности учиться этому мастерству, а часто шли опытным путем, что не способствовало развитию популярности батика как способа украсить быт.

  Единственное, что в этой технике изготавливались театральные кулисы и занавесы, монументальность которых была насыщена советской символикой.

Батик как вид искусства долгое время не мог реализовать себя в России по многим обстоятельствам. Но середина 20 века стала для этого вида росписи ткани точкой отсчета в возрождении.

В стране, восстанавливающейся после страшной войны, были организованы мастерские, куда приглашали мастеров по батику и учеников, чтобы создавать для советских людей красивые, достойные вещи.

Поначалу батиком расписывались платки и шали для женщин, а так же создавались декоративные панно для оформления общественных развлекательных и культурных заведений.

Платочное искусство

Даже если история батика кратко излагается, то нельзя обойти стороной и искусство создания платков и шалей в этой технике.

В России оно зародилось в 20 годы прошлого столетия как компонент модного течения - модернизма. НЭП требовал яркости и вычурности, а батик позволял украшать шали яркими рисунками японскими мотивами, что было тогда высшей точкой соответствия моде.

С течением времени в результате слагающихся обстоятельств батик утратил все массовое предназначение, и платочное искусство практически сошло на нет.

Но вторая половина века вновь оживила этот вид искусства, а платки и шали вновь стали полотнами для художественных экспериментов и высококлассных творческих работ мастеров батика.

 

Айван Бештари Минар Прадипта начал работать со стеклом в 2011 году, когда случайно встретился со старейшим мастером-стеклодувом в своем городе.

Встреча настолько его впечатлила, что он сам решил заняться этим искусством, и вскоре разработал собственный уникальный стиль.

Теперь он создает оригинальные и невероятно трудоемкие работы, которые поражают своим изяществом.

 История украинской художницы Полины Райко — удивительный пример того, что как бы тяжела и трагична не была жизнь, нужно научиться находить в ней смысл, и что никогда не поздно начать все с чистого листа.

Женщина начала заниматься живописью в преклонном возрасте. И это увлечение не только помогло ей найти себя в жизненной круговерти, но и принесло ей поддержку многих почитателей её таланта.

Полина Андреевна Райко.

Райко Пелагея (Полина) Андреевна (в девичестве Солдатова) — украинская художница из города Цюрупинска, что под Херсоном, работавшая в стиле наивного искусства.

(Ангел Хранитель, охраняющий души ее маленьких детей, которых она сама не смогла уберечь)

Имя этой женщины, начавшей свою творческую карьеру в 69 лет, стоит в одном ряду с таким украинскими художницами как Мария Примаченко, Татьяна Пата, Ганна Собачко-Шостак.

Вся жизнь художницы пропитана трагедиями и испытаниями.

Совсем юной Полина была угнана в Германию, поэтому война всегда была для нее горьким воспоминанием и болью.

Вернувшись из Германии домой, вышла замуж и родила двоих детей – дочь и сына. В 1954 году семья Райко построила на новом участке около реки собственный домик. Жили весьма скромно, держали свой огород да получали колхозные трудодни. Сейчас сложно сказать, взяла бы Полина Андреевна в руки кисть и краски, если бы не жестокие удары судьбы.

  В 1994 в семью Полины Андреевны пришла беда: в автокатастрофе погибла дочь Алена, оставив своему мужу двоих сыновей – внуков Полины Андреевны. Через год умер муж Николай, а еще через пару лет сын Сергей попал в исправительную колонию.

Нельзя сказать, что последнее сильно огорчило старую женщину, ибо спившийся сын почти разгромил дом, пропил всё, что хоть немного было ценным, даже кабель электросети.

Первые живописные композиции на стенах дома Полины Райко появились, когда Сергей отбывал срок в исправительной колонии. Оставшись одна, одинокая женщина решила привести в порядок разгромленный дом.

 

«Все равно нужно было подмазывать и подкрашивать стены, — вспоминала Полина Андреевна, — вот и думаю, дай-ка попробую что-нибудь нарисую, что б душе было веселее».

  Однако радость не приходила: каждый новый рисунок рождался со слезами на глазах: «Чтоб не плакать, я начала петь. Стою на столе, рисую и пою: дом-то пустой. Соседи думали, что с ума сошла, но рисунки многим нравились".

  Надежда на то, что сын, вернувшись из колонии, осознает свою вину и начнет вести нормальный образ жизни, сразу же рухнула: с возвращением Сергея погромы в доме возобновились, мало того, он даже несколько раз наносил старенькой матери ножевые ранения.

Жизнь Полины Андреевны постоянно была под угрозой и страшно подумать, чем бы это все кончилось, если бы ни его цирроз печени. Похоронив сына, осталась она совсем одна, внуки не особо-то вспоминали о старушке.

И снова взялась за кисть и краски художница.

 Днем бабушка Райко подрабатывала, где могла, ведь пенсия совсем маленькая и та уходила на самые дешевые пентафталевые эмалевые краски.

Ну а по ночам включала электрическую лампочку, закрывала окна ставнями и творила свое самобытное искусство.

  За четыре года расписала Полина Андреевна все стены и потолки своего дома и летней кухни, заборы, калитки, ворота, даже памятники мужу и сыну на местном кладбище, используя христианскую, советскую и языческую символики — все которые знала.

(с мужем Николаем после свадьбы)

А делала свои композиции Полина Андреевна на биографические сюжеты.

Вот муж — горький пьяница, которого «усадила» Полина в лодку, «дала» в руки кобзу, а рядом «расставила» бутылки с алкоголем — чтобы наконец-то напился.

  А здесь они на фото с мужем после свадьбы, когда казалось, что лучшее в их жизни еще впереди…

 

 А вот три сестры Полины с букетами цветов и с крыльями ангелов, которых изобразила сидящих на молодых месяцах.

Четыре сестры. 

А в правой части композиции художница изобразила себя.

 

Расписывая стены родного дома, Полина Андреевна отдыхала душой от мук и страданий и плакала над своей горькой долей, слезами очищая ее от переживаний и недобрых дум.

Живопись Полины Райко (1927-2004).

Последней работой 76-летней Райко был автопортрет, написанный на тыльной стороне зеркала. Видимо потому, что все стены в доме были уже записаны рисунками…

А может предчувствие своего конца побудило Райко на такой шаг.

Мы привыкли ассоциировать искусство с максимально точным копированием окружающего мира, а свою живопись самобытная художница пропускала через себя, а ее рука отражала гармонию этого мира уже в ее видении.

Полина Андрееввна, не имевшая абсолютно никакого художественного образования, свою неожиданную тягу к живописи называла Божьим даром за все беды и страдания, выпавшие на ее долю.

Полина Андреевна проводит экскурсию по собственному дому.

Постепенно скромная усадьба Полины Райко превратилась в место паломничества. За несколько лет ее посетили множество журналистов, любителей искусства, туристов.

Издание альбома её творчества планировалось ещё при её жизни, но, к сожалению, в начале 2004 года Полины Райко умерла.

  После смерти художницы общественные активисты и художники начали кампанию за сохранение ее необыкновенного дома, так как наследники не очень были озабочены этим.

В итоге его выкупила канадская семья, планирующая создать в доме Райко музей.

Но пока это только планы.

Дом Полины Райко.

 

На сегодняшний день достопримечательность сохраняется благодаря усилиям активистов Херсона, по их просьбе за домом ухаживают местные женщины. Но время неумолимо, и в доме начали трескаться стены, шелушиться краска.

Вопрос сохранения оригинальных росписей дома остается открытым.

 Художница Наоми Зингер (Naomi Singer) создаёт из керамики чашки, блюдца и другие предметы, украшая их галактическими узорами и красочными созвездиями.

А для придания своим творениям большей таинственности она дополняет их сверкающими кристаллами, также изготовленными из керамики.