ОРНАМЕНТ ВСЕХ ВРЕМЕН И СТИЛЕЙ

(под редакцией Огюста Расинэ, издательство Арт-Родник, 2004 год)

Основой для альбомов "Орнамент всех времен и стилей", явилось издание "L’Ornement polychrome", выпущенное в Париже в 1888 году под редакцией Огюста Расинэ, который провел громадную работу, исследуя разные первоисточники, группируя бессчетные сюжеты различных государств, эпох и стилей в гармоничные и как следует обдуманные орнаментальные таблицы, отличающиеся жесткой систематизацией.

том 1 Античное искусство, искусство Азии. Средние века.

таблица 59 Арабское искусство. Насечка. Монохромный орнамент.

ОРНАМЕНТ ВСЕХ ВРЕМЕН И СТИЛЕЙ

(под редакцией Огюста Расинэ, издательство Арт-Родник, 2004 год)

Основой для альбомов "Орнамент всех времен и стилей", явилось издание "L’Ornement polychrome", выпущенное в Париже в 1888 году под редакцией Огюста Расинэ, который провел громадную работу, исследуя разные первоисточники, группируя бессчетные сюжеты различных государств, эпох и стилей в гармоничные и как следует обдуманные орнаментальные таблицы, отличающиеся жесткой систематизацией.

том 1 Античное искусство, искусство Азии. Средние века.

таблица 59 Арабское искусство. Насечка. Монохромный орнамент.

ОРНАМЕНТ ВСЕХ ВРЕМЕН И СТИЛЕЙ

(под редакцией Огюста Расинэ, издательство Арт-Родник, 2004 год)

Основой для альбомов "Орнамент всех времен и стилей", явилось издание "L’Ornement polychrome", выпущенное в Париже в 1888 году под редакцией Огюста Расинэ, который провел громадную работу, исследуя разные первоисточники, группируя бессчетные сюжеты различных государств, эпох и стилей в гармоничные и как следует обдуманные орнаментальные таблицы, отличающиеся жесткой систематизацией.

том 1 Античное искусство, искусство Азии. Средние века.

таблица 59 Арабское искусство. Насечка. Монохромный орнамент.

ОРНАМЕНТ ВСЕХ ВРЕМЕН И СТИЛЕЙ

(под редакцией Огюста Расинэ, издательство Арт-Родник, 2004 год)

Основой для альбомов "Орнамент всех времен и стилей", явилось издание "L’Ornement polychrome", выпущенное в Париже в 1888 году под редакцией Огюста Расинэ, который провел громадную работу, исследуя разные первоисточники, группируя бессчетные сюжеты различных государств, эпох и стилей в гармоничные и как следует обдуманные орнаментальные таблицы, отличающиеся жесткой систематизацией.

том 1 Античное искусство, искусство Азии. Средние века.

таблица 58 Персидское искусство. Ковер.

ОРНАМЕНТ ВСЕХ ВРЕМЕН И СТИЛЕЙ

(под редакцией Огюста Расинэ, издательство Арт-Родник, 2004 год)

Основой для альбомов "Орнамент всех времен и стилей", явилось издание "L’Ornement polychrome", выпущенное в Париже в 1888 году под редакцией Огюста Расинэ, который провел громадную работу, исследуя разные первоисточники, группируя бессчетные сюжеты различных государств, эпох и стилей в гармоничные и как следует обдуманные орнаментальные таблицы, отличающиеся жесткой систематизацией.

том 1 Античное искусство, искусство Азии. Средние века.

таблица 57 Персидское искусство. Ковроделие. Непрерывные орнаменты..

На аукционе Sotheby’s в Лондоне была продана книга «Birds of America» натуралиста XIX века Джона Джеймса Одюбона (John James Audubon) за рекордные 7,3 миллиона фунтов стерлингов (8,6 млн евро). Таким образом, первое издание книги "Birds of America" установило новый мировой рекорд для печатного издания, проданного с аукциона.«Birds of America» издавался в период с 1827 года по 1838-й в виде альбомов-эстампов в половину человеческого роста. «Птицы Америки» представляют собой четырёхтомник, в который входят 1000 литографий, раскрашенных вручную акварелью. На них изображены птицы около 500 видов в натуральную величину. Изначально было издано около 170 экземпляров «Birds of America». Эксперты считают, что сейчас сохранилось чуть больше 120. Три из них находятся в частных коллекциях в России. Лондонский книжный дилер и коллекционер Майкл Толлемаш (Michael Tollemache), купивший издание на аукционе, заявил, что книга «бесценна».Натуралист, орнитолог и художник-анималист Джон Джеймс Одюбон родился на острове Гаити в 1785 году в семье французского капитана дальнего плавания. В 1803 году он иммигрировал в США. Автору потребовалось 12 лет, чтобы закончить работу. Джон Джеймс Одюбон составил коллекцию рисунков, путешествуя по Америке и отстреливая птиц, чтобы затем нарисовать точную картину.

1. 

Рама от зеркала была в очень плохом состоянии, поэтому вернуть ей первоначальный вид было почти невозможно, поэтому был использован декораторский прием – имитация медной поверхности, который прекрасно скрывает все погрешности поверхности и даже переводит их достоинства. Небольшие неровности и дырки от шашеля , (древесный жук), царапины только подчеркнут достоинства поверхности. Этот прием  можно использовать на любых поверхностях.

Процесс работы:

1. Шпаклюем крупные трещины, сколы и выбоины на поверхности мебели шпаклевкой для дерева.

2. Наждачной бумагой средней зернистости проходим всю поверхность мебели ( в данном случае рамы для зеркала)

3.Обезжириваем поверхность, спиртом или моющим средством.

4. Прокрашиваем всю поверхность рамы для зеркала акриловой зеленой краской ( оттенок грязновато – изумрудный, не темный ) Краска наносится плоской небольшой кистью короткими мазками, которые направлены в разные стороны.

5.После того как зеленая краска высохла, точно так же наносится медная перламутровая акриловая краска, только обязательно оставляются щели в 2-4 мм, через приблизительно одинаковые участки поверхности (4-6 см)

6.Наносим рисунок на нужные участки, можно с помощью трафарета ( по необходимости) Предварительный рисунок наносим карандашом.

7.В баночку из-под акрилового контура набираем ту же самую зеленую краску, которой прокрашивали первый раз поверхность. Наносим рисунок этой краской с помощью насадки методом точка за точкой. Так как краска жидкая, то рисунок будет рваным и немного размытым, что нам и нужно.

8. После того как нанесенный зеленый рисунок высох, прямо по нему наносим аккуратно тем же методом рисунок акриловой перламутровой бронзовой краской. Именно бронзовой, а не медью –так будет более выразительно.

9. Обязательно покрываем всю поверхность 2 слоями лака . Я использую яхтовый лак.Вот такой получился результат.

1. 

В Индии Сари — не просто вид одежды, но особая традиция, образ жизни, демонстрирующий изящество индийских женщин. Большинство индианок носит сари каждый день своей жизни, и этот предмет традиционной одежды отражает не только верность традициям и богатой культуре, но и личность женщины, носящей его. Многие мужчины находят индианок грациозными и соблазнительными именно благодаря сари, которые они носят.Индийское сари стало неотъемлемой частью индийской культуры. О сари сложено много легенд. В одной из древних легенд рассказывается: «Говорят, что сари было рождено на ткацком станке волшебного ткача. Он мечтал о женщине. Блеске ее слез. О ее развевающихся волосах. Оттенках ее настроения. Мягкости ее прикосновений. Все это он соткал вместе. Он не мог остановиться. Он соткал много ярдов. И когда он устал, он смеялся, смеялся, смеялся. И его мечты воплотились в прекрасную женскую одежду». «Махабхарата» рассказывает, что однажды царь Пандав, играя в кости с вражеским кланом Кауравов, проиграл и свою казну, и свое войско, и мать, и братьев, и самого себя. Последней ставкой сделал жену Драупади — и тоже проиграл. Обрадованный победитель приказал привести в зал собраний, где проходила игра, прекрасную Драупади. Но она отказалась прийти, говоря, что еще не одета. Тогда слуга схватил ее за волосы и поволок, как простую рабыню. И вот все увидели горько плачущую Драупади, из последних сил она удерживала наполовину спустившееся платье. В скорби, не поднимая головы, стояли ее мужья. А враги разразились злорадным смехом. Довольны они были, что удалось им оскорбить Пандавов. Один их Кауравов решил сорвать с Драупади одежду, чтобы навеки покрыть ее имя позором. Как ни старался обнажить ее Каурав, Драупади оставалась одетой. Тогда распутные победители схватили один конец тонкого материала, в который она была скромно и тщательно задрапирована. Они продолжали тянуть его и распутывать, но тщетно. Ведь Господь Кришна пообещал защитить ее добродетель с помощью сари. Сари является непременным атрибутом одежды индуистских Богинь.Ткань, цвет, орнамент и драпировка сари может очень многое сказать о женщине, носящей его. Для различных жизненных ситуаций выбирается особая ткань. Струящийся шифон, разноцветный шёлк и мягчайший хлопок — все эти ткани идут на изготовление сари. Богатство материала, из которого сделано сари, отражает достаток его хозяйки. Некоторые цвета имеют определённое значение в индийской культуре. Например, вдовы должны ходить только в простом белом сари без украшений. Если женщина родила ребёнка, то по традиции в течение семи дней должна носить желтый наряд, желтый цвет ассоциируется с религией и аскетизмом. Свадебное сари в основном изготавливается красным с богатой золотой вышивкой, так как он является цветом кшатриев и символизирует энергию, сексуальность и плодовитость. В некоторых регионах Индии также зеленое сари надевают на свадьбу. Зеленый — цвет ислама. Синее сари — для женщин из низших каст шудр, поэтому его избегают носить женщины высших каст. Очень редко можно увидеть женщину в черном сари, так как черный цвет считается неблагоприятным. Особый смысл имеют некоторые из орнаментов сари. Например, часто встречающееся стилизованное изображение манго символизирует плодовитость и изобилие. Слон олицетворяет силу и королевскую власть, а также связывается с водой и плодородием. Рыба — другой знак плодородия и изобилия связывается со сверхъестественными способностями.раковина символизирует божественные звуки. Существует более 19 способов драпировки сари, каждый из которых предпочтителен в определенном штате Индии.

1. 

Сари — традиционная женская одежда на Индийском субконтиненте, представляющая собой кусок ткани длиной от 4,5 до 9 метров[1] (иногда и до 12), шириной до 1,2 метров, особым образом обёрнутого вокруг тела. Вдоль всей ткани может проходить бордюр (узор по нижнему или нижнему и верхнему краю, нанесенный краской, вышитый или просто пришитая лента). Носится сари с блузой, известной как чоли или равика, и нижней юбкой (павада/павадаи на юге, и шайя в восточной Индии). В традиционной Индии материал, из которого сделано сари, зависел от социального и материального положения женщины, но сам способ носить его был единым для данной местности. Происхождение и историяСчитается, что Сари — самая древняя женская одежда. История индийской одежды глубоко уходит корнями в историю Цивилизации долины Инда которая процветала 2800—1800 годах до нашей эры на территории современных Индии (Гуджарат, Харьяна и Раджастхан) и Пакистана (провинции Синд и Пенджаб).Самое раннее известное описание сари на индийском субконтиненте — статуя жреца долины Инда, одетого в драпированую ткань.[2] Некоторые историки костюма полагают, что мужское дхоти (самая древняя Индийская драпируемая одежда) предшествовало сари. До XIV века дхоти носилось как мужчинами, так и женщинами.[3] Скульптуры Гандхары (I—VI век н. э.), изображают богинь и танцовщиц, одетых в подобие набедренной повязки, которая свободно ниспадает закрывая ноги, а спереди уложена складками. Выше талии тело остается обнаженным.Из таких письменных источников как «Рамаяна» и «Махабхарата» известно, что ежедневный костюм как мужчин так и женщин состоял из дхоти или лунги (саронг), драпировавшей ноги, и покрывала, которым закрывали плечи или набрасывали на голову. Цельную, не сшитую одежду, носили еще в начале этой эры, в виде юбки со складками спереди, обертываемой вокруг бедер. С чоли, или без нее — когда блузку заменяла накидка дупатта. Чаще она просто накидывалась на грудь, а оба ее свободных конца ложились на плечи и за спину. Сари состоящее из одного куска ткани — более позднее нововведение. Только с IV века н. э. формируются некие правила ношения дхоти и сари, появляются элементы отличия между мужской и женской одеждой, а также в костюме начинают выделятся региональные типы. В основе своей сари остается почти неизменным, на протяжении многих тысячелетий.Предметом особого спора является история чоли, и нижней юбки. Некоторые исследователи заявляют, что они были неизвестны вплоть до колонизации Индии британцами, и что эти детали костюма были введены, дабы удовлетворить Викторианские требования скромности. Ранее женщины носили только одно драпируемое полотно и небрежно выставляли грудь. Другие историки указывают много текстовых и художественных свидетельств существования различных форм нагрудных повязок, платков и покрывал.До XX века в Южной Индии женщины многих племен носили только сари и оставляли открытой верхнюю часть тела. Даже сегодня, женщины в некоторых сельских областях не носят чоли.

1. 

В данном случае я рассматриваю случай, где почти вся поверхность сапог в ужасном состоянии, и сохранять уже нечего. Заказчица любит яркие и блестящие вещи,поэтому для декора я использую блестки. Вот результат работы.

. 

Анн-Луи Жироде-Триозон (фр. Anne-Louis Girodet de Roucy-Trioson; 1767—1824) — французский исторический живописец, портретист, рисовальщик литографий и писатель.Ученик Л. Давида, в начале художественной деятельности увлекался греческой мифологией, и среди псевдоклассицизма, господствовавшего в то время в французском искусстве, стал предвозвестником романтизма, вскоре сменившего это направление. Получив в 1789 большую премию за картину «Сыновья Иакова узнают своего брата Иосифа», он провёл 5 лет в Риме, откуда был прислан им в Париж «Эндимион» (находится в Лувре) — произведение несколько слащавое и жеманное, но, несмотря на это, встреченное, как некая новинка, одобрением публики и художественной критики.Новаторство Жироде-Триозона ещё яснее проявились в другой, также римской, работе: «Гиппократ отказывается от подарков Артаксеркса» (1792). Из немногочисленных картин Жироде-Тризона заслуживают внимания «Даная и Аврора, подающая ей зеркало», «Тени французских генералов, встречаемые в Елисейских полях Оссианом» (1801); «Погребение Аталы» (на сюжет из повести Шатобриана, 1808; находится в Лувре), «Наполеон I принимает ключи города Вены» (1808, находится в Версальской исторической галерее), знаменитая «Сцена во время Всемирного потопа» (1810, находится в Лувре) и «Пигмалион и Галатея» (1819).После 1810 из под кисти Жироде-Триозона вышло лишь очень мало картин — он занимался преимущественно рисованием иллюстраций к произведениям Анакреона, Сафо, Вергилия, Расина и других поэтов. Пробуя свои силы на литературном поприще, он сочинил поэму о живописи, написал несколько рассуждений об этой отрасли искусства и упражнялся в переводах древнегреческих поэтов и в подражаниях им.При написании этой статьи использовался материал из Энциклопедического словаря Брокгауза и Ефрона (1890—1907).

1.  Girardet Anne Louis Study for the sleep of Endymion

Санта Мария Маджоре (итал. Basilica di S.Maria Maggiore) — церковь, одна из четырёх главных базилик Рима. С её основанием связана интересная легенда. В одну из летних ночей 352 года папе Либерию и богатому римлянину Джованни Патрицио явилась во сне Мадонна и приказала построить на том месте, где назавтра выпадет снег, церковь. На следующее утро, 5 августа 352 года, на Эсквилине, там, где теперь стоит базилика, лежал снег. После этого и стали возводить церковь. Её сменила базилика, построенная в 440-х гг. папой Сикстом III и посвящённая Богоматери. Многие папы, стремясь сделать эту весьма почитаемую римскую церковь ещё прекрасней, достраивали и украшали её. Колокольня, самая высокая в Риме (75 м), датируется 1377 годом. Нынешний фасад с портиком и лоджией построил в 1740-х гг. Фердинандо Фуга. В лоджии, на стене, представляющей собой старый фасад церкви, сохранился мозаичный декор начала XIV в.Интерьер церкви, несмотря на позднейшие переделки, даёт представление об огромной раннехристианской базилике, отличающейся совершенством пропорций, гармонией и торжественностью. Исключительный интерес представляют мозаики, украшающие церковь. В центральном нефе находятся фрески V века на сюжеты из Ветхого Завета, поражающие своей свежестью, яркостью красок и красотой. Сюжеты мозаик триумфальной арки — Благовещение, рождение Христа и поклонение ему. Они созданы в V веке, но, вероятно, позднее, чем арки центрального нефа, — в них ощущается влияние Византии. В мозаике апсиды, где изображено Коронование Марии, сочетаются части, относящиеся к V в., с теми, которые были созданы Якопо Торрити в конце XIII века, когда по указанию папы Николая IV перестраивали апсиду. Именно к этому времени относятся все фигуры.Внимание привлекает деревянный кессонированный потолок, считающийся работой Джулиано да Сангалло. Согласно традиции, для позолоты потолка использовали золото из первой партии, привезённой из Нового Света (из Перу), которое папа Александр VI получил в дар от испанского королевского дома — Фердинанда и Изабеллы. Пол — работа Косматов XII века — значительно изменен реставрацией, произведенной в XVIII столетии. В глубине правого нефа находится надгробие кардинала Консальво Родригеса конца XIII века.Большой интерес представляют три капеллы. Расположенная справа Сикстинская капелла построена по поручению папы Сикста V Доменико Фонтана. Капеллу увенчивает купол, она отличается богатством декора. Здесь похоронены Сикст V и Пий V. Их великолепные надгробные памятники украшены барельефами. Пройдя из этой капеллы в левый неф, можно попасть в Паолинскую капеллу, называемую также капеллой Боргезе, поскольку она построена по приказу Павла V, происходившего из семейства Боргезе. План этой капеллы соответствует капелле Систина, но её декоративное убранство отличается ещё гораздо большей роскошью. В капелле похоронены Климент VIII и Павел V. В этой капелле находится наиболее почитаемый в Риме образ Девы Марии византйиского происхождения — Salus Populi Romani. Находящаяся на этой же стороне, но ближе к выходу капелла Сфорца построена Джакомо делла Порта, возможно по проекту Микеланджело.

1. 

После публикации фотографий с росписью и декорированием стенки времен СССР было много вопросов, которые касались технологического процесса, покраски и росписи мебели. Например, вот один из них: «Я тут тоже недавно перекрасила и скромно расписала спальню:)У меня такой После вопрос - чем красила в серебро, что оно так ровно и блестит ? У меня не получилось. Подумываю купить краску в баллончике».

Поэтому я решила создать этот пост с подробным описанием процесса и технологии.

1)Шпаклевкой для дерева закрываем все мелкие сколы, трещины и другие мелкие повреждения поверхности мебели.

2)Проводим необходимый ремонт и замену механизмов используемых на мебели.

3)После высыхания шпаклевки с помощью мелкой наждачной бумаги прошкуриваем всю поверхность мебели . Наждачная бумага должна быть мелкой, чтобы не оставляла царапин на поверхности, так как грунт и покраска могут их не закрыть. Данный пункт выполняем как для матовой, так и для глянцевой поверхности, при этом весь лак снимать не стоит, нужно лишь создать шероховатую поверхность для хорошего сцепления грунта и краски с поверхностью мебели.

4)Обезжириваем всю поверхность мебели с помощью спирта, водки или моющего средства.

5)С помощью валика наносим акриловый грунт на всю поверхность мебели.

6)При нанесении акриловой перламутровой краски ( серебро, золото, бронза, медь) валиком или использовании краски из баллончика, поверхность мебели блестит лишь под определенным углом и освещением, эти краски прекрасно смотрятся на маленьких и рельефных поверхностях и очень теряют свой вид на больших и ровных плоскостях. Поэтому для максимального использования свойств акриловых перламутровых красок я использую такой прием: краска наносится на поверхность мебели маленькой ( не шире чем 2 см) плоской кисточкой, короткими мазками, которые наносят все под разным углом. Так закрывается вся поверхность мебели в 2 -4 слоя по необходимости. Покраска получается ровным слоем, и с особой нежной фактурой, которая дает возможность видеть блеск перламутра с любой точки наблюдения.

7)После того как мебель высохнет можно нанести роспись ( обычную или трафаретную), или отдекорировать с помощью декупажа.

8)Покраска обязательно фиксируется 2 слоями яхтового лака , который наносится велюровым валиком. Необходимо следить, чтобы не образовывались пузырьки. После первого слоя лака можно прошкурить самой мелкой наждачной бумагой, и затем нанести финальный слой лака. Акриловый лак проверку на устойчивость , особенно на рабочих поверхностях не проходит ( даже паркетный) Яхтовый лак устойчив к истиранию, к воде, и относительно быстро сохнет ( 4 – 6 часа).

1.