-Поиск по дневнику

Поиск сообщений в lj_tito0107

 -Подписка по e-mail

 

 -Постоянные читатели

 -Статистика

Статистика LiveInternet.ru: показано количество хитов и посетителей
Создан: 13.05.2017
Записей:
Комментариев:
Написано: 2

tito0107





tito0107 - LiveJournal.com


Добавить любой RSS - источник (включая журнал LiveJournal) в свою ленту друзей вы можете на странице синдикации.

Исходная информация - http://tito0107.livejournal.com/.
Данный дневник сформирован из открытого RSS-источника по адресу http://tito0107.livejournal.com/data/rss/, и дополняется в соответствии с дополнением данного источника. Он может не соответствовать содержимому оригинальной страницы. Трансляция создана автоматически по запросу читателей этой RSS ленты.
По всем вопросам о работе данного сервиса обращаться со страницы контактной информации.

[Обновить трансляцию]

ещё одна римская арочка из Карпантра(-са)

Четверг, 14 Сентября 2017 г. 10:58 + в цитатник
Оригинал взят у mmekourdukova в ещё одна римская арочка из Карпантра(-са)
Искала нужную картиночку, и вдруг вспомнила весь этот город в двух шагах от Авиньона, где и в ноябре лучше не высовываться наружу без парасоля и крэма от загара.




Поэтому будет не только арочка, но и другие достойные внимания
объекты, но без собора! Карпантрасский собор - отдельная песня.

На арочке, даром что она очень маленькая, провинциальненькая, изображено всё, чего требует канон - посередине Трофей, а по бокам - Пленные.



А теперь можно просто гулять.

Камень из Луарских каменоломен в любую погоду светится изнутри, и дружит с любым стилем, и весь он - воплощенная Франция, вот одно окошечко, одно! один балкончик! и ты уже на небесах.











Культура, которая создала вот этот профилёк, вот эту консоль, - уже, уже бессмертна перед Господом.



А это с Мэрии бородатый лев, закусывающий салфеткой.





О, вот куда мы пойдём и останемся надолго! Это городской Отель-Дьё , то есть бесплатная больничка и аптека для бедных. Построил местный епископ в 1750 году.
Шестая по счету, между прочим. Т.е. во времени. Пять благотворительных больниц, сменяя одна другую, действовали в этом городе, и вот эта стоит до сих пор - правда, уже на заслуженном отдыхе.








В пустом внутреннем дворе эхо и больничная чистота, и можно разглядеть Медведя и студента моего Филю. Он, кстати, тут однажды лежал, школьником, в палате человек на сорок, зато красиво.




Это фонтанчики водопроводные во дворе! Очень удобно, их целых два - больнице нужно много воды!








Внутри шли какие-то работы, и нам не удалось туда проникнуть на большую глубину, вот разве что два-три взгляда, каждый стОит физиотерапевтического сеанса -









Там, наверху, - Женская и Мужская Палаты, а также шапелька.

А мы вернемся к главному фасаду. Эти оконные наличники, картуши и консоли помогают лучше всяких порошков и микстур. А консоли ещё и утешают (потому и называются так).

























Гастроэнтерология, я полагаю.

А это кабинет дантиста.




Тут низнаю.
Психотерапевт, наверное.




Всё остальное (бесконечно много) можно узнать по ссылке в Вики, а я уж не стану обымать необъятного, я уже в сумерках вернусь обратно, залипая по дороге у некоторых дверей частных домов.








Вот уже и фонари зажгли, и добрые буржуа пошли баиньки за белыми французскими шторами и белыми облезлыми ставнями, такими стильно-облезлыми, знаменитой на весь мир провансальской облезлостью.



Всё, вот только ещё одна последняя дверь,



И тоже спокойной ночи.

https://tito0107.livejournal.com/1197819.html


Метки:  

Нерехтские наличники

Среда, 13 Сентября 2017 г. 19:00 + в цитатник
Еще четыре года назад я писал, что наличники - одна из главных достопримечательностей Нерехты. К сожалению, деревянные дома разрушаются (или ремонтируются так, что этот "ремонт" аналогичен разрушению), так что, вероятно, через несколько лет некоторые из представленных ниже наличников уже нельзя будет увидеть воочию.
Я не стал систематизировать наличники по стилистке и хронологии, а также указывать адреса домов, которые они украшают, но интересующимся постараюсь, адрес сообщить. В подборке присутствую несколько наличников из окрестностей Нерехты, главным образом, из деревни Ежово.

1.
IMG_2745.JPG

2.
IMG_2747.JPG

3.
IMG_2751.JPG

4.
IMG_2756.JPG

5.
IMG_2760.JPG

6.
IMG_2762.JPG

7.
IMG_2763.JPG

8.
IMG_2780.JPG
Наличников в стиле модерн в Нерехте довольно много. В некоторых влияние модерна опосредованное, элементы этого стиля спрятаны среди традиционных форм.

9.
IMG_2814.JPG

10.
IMG_2815.JPG

11.
IMG_2817.JPG

12.
IMG_2819.JPG
9-13 - корпуса больницы

13.
IMG_2985.JPG

14.
IMG_2998.JPG

15.
IMG_3001.JPG

16.
IMG_3002.JPG

17.
IMG_3006.JPG

18.
IMG_3010.JPG
Это - уже относительно современный, полагаю, вторая пол. 20 в.

19.
IMG_3012.JPG

20.
IMG_3072.JPG

21.
IMG_3090.JPG

22.
IMG_3095.JPG

23.
IMG_3100.JPG
Шедевр!

24.
IMG_3106.JPG

25.
IMG_3108.JPG

26.
IMG_3125.JPG

27.
IMG_3126.JPG

28.
IMG_3131.JPG

29.
IMG_3384.JPG

30.
IMG_3400.JPG

31.
IMG_3406.JPG

32.
IMG_3408.JPG

33.
IMG_3413.JPG
Думаю, подражание модерну из более позднего времени

34.
IMG_3469.JPG

35.
IMG_3473.JPG

36.
IMG_3475.JPG

37.
IMG_3016.JPG
Снятые со стены наличники из деревни Ежово

https://tito0107.livejournal.com/1197422.html


Метки:  

Пираты-бюрократы

Вторник, 12 Сентября 2017 г. 20:53 + в цитатник
Так я и думал...
Вышедшая в 2009 году книга экономиста Питера Лисона The Invisible Hook: The Hidden Economics of Pirates посвящена анализу социальных институтов, которые существовали у пиратов в XVII–XVIII веках. Лисон пишет о том, что институты, созданные пиратами, были развитыми даже по современным меркам: они полагались на свод писаных правил, называемых «статьями», которые регулировали нормы поведения, обязанности членов команды, определяли страховые компенсации, выдаваемые за ранения в битве, и т. д. На пиратском корабле были две основные выборные должности: капитан и квартирмейстер (в обязанности последнего, к примеру, входило урегулирование конфликтов внутри команды). В совокупности с пиратским кодексом это составляло систему сдержек и противовесов, которая действовала на пиратских судах. Понятно, почему многим пиратская жизнь казалась привлекательнее жизни по обычным британским законам при монархии в сословном обществе.

По отношению к чужакам пираты тоже вели себя рационально и старались применять насилие лишь к тем, кто оказывал сопротивление. Будучи ориентированными на прибыль, пираты были заинтересованы в том, чтобы команды торговых судов точно знали: сдадитесь — и вам ничего не грозит (кроме, собственно, грабежа судна). По данным историков, самый известный пират Эдвард Тич по прозвищу «Черная борода» не совершил ни одного убийства, а полагался сугубо на свой грозный имидж. В недавнем сериале «Черные паруса» Эдвард Тич направо и налево рубит людей саблей и стреляет из десятка пистолетов разом. Другие пиратские капитаны не отстают. Это понятно: показывать реальных пиратов было бы просто скучно. Они были профессиональными разбойниками, но избегали бессмысленного насилия и были связаны по рукам и ногам всякими там унылыми выборами да кодексами.

https://tito0107.livejournal.com/1197080.html


Метки:  

Пираты-бюрократы

Вторник, 12 Сентября 2017 г. 20:53 + в цитатник
Так я и думал...
Вышедшая в 2009 году книга экономиста Питера Лисона The Invisible Hook: The Hidden Economics of Pirates посвящена анализу социальных институтов, которые существовали у пиратов в XVII–XVIII веках. Лисон пишет о том, что институты, созданные пиратами, были развитыми даже по современным меркам: они полагались на свод писаных правил, называемых «статьями», которые регулировали нормы поведения, обязанности членов команды, определяли страховые компенсации, выдаваемые за ранения в битве, и т. д. На пиратском корабле были две основные выборные должности: капитан и квартирмейстер (в обязанности последнего, к примеру, входило урегулирование конфликтов внутри команды). В совокупности с пиратским кодексом это составляло систему сдержек и противовесов, которая действовала на пиратских судах. Понятно, почему многим пиратская жизнь казалась привлекательнее жизни по обычным британским законам при монархии в сословном обществе.

По отношению к чужакам пираты тоже вели себя рационально и старались применять насилие лишь к тем, кто оказывал сопротивление. Будучи ориентированными на прибыль, пираты были заинтересованы в том, чтобы команды торговых судов точно знали: сдадитесь — и вам ничего не грозит (кроме, собственно, грабежа судна). По данным историков, самый известный пират Эдвард Тич по прозвищу «Черная борода» не совершил ни одного убийства, а полагался сугубо на свой грозный имидж. В недавнем сериале «Черные паруса» Эдвард Тич направо и налево рубит людей саблей и стреляет из десятка пистолетов разом. Другие пиратские капитаны не отстают. Это понятно: показывать реальных пиратов было бы просто скучно. Они были профессиональными разбойниками, но избегали бессмысленного насилия и были связаны по рукам и ногам всякими там унылыми выборами да кодексами.

https://tito0107.livejournal.com/1197080.html


Метки:  

Живой импрессионизм: 35 фотографий на пленэрах, в студиях, в садах и теплицах

Понедельник, 11 Сентября 2017 г. 16:26 + в цитатник
Оригинал взят у vakin в Живой импрессионизм: 35 фотографий на пленэрах, в студиях, в садах и теплицах
Появление и распространение фотографии — одна из самых значимых для художников-импрессионистов технических и визуальных революций. С фотографией в их живопись приходит новое построение перспективы, нарочито обрезанные краем полотна фигуры (как будто случайные снимки). А еще импрессионисты стали чуть ли не первым в истории искусства поколением художников, жизнь которого можно изучать по фотографиям. Парадным и случайным, по пожелтевшим от времени и по отреставрированным современными профи в новейших компьютерных программах.


Клод Моне на фоне своих картин в мастерской.

Эдгар Дега

Дочь Берты Моризо Жюли вспоминала о дружеских ужинах, на которых Эдгар Дега бегал вокруг стола с фотоаппаратом, как ребенок, заполучивший сокровище. Он снимал друзей, их детей, натурщиц и балерин. Некоторые из этих фотографий становились эскизами к будущим картинам.


Эдгар Дега. Автопортрет с Кристин и Ивон Лероль, 1895−96.


Эдгар Дега со служанкой. 1895.


Эдгар Дега. Танцовщицы поправляют бретельки на платье. 1895.




Эдгар Дега. Голубые танцовщицы
1897, 65×65 см



Эдгар Дега. После ванны
1896, 92×76 см



Фото: Эдгар Дега. После ванной. Женщина, вытирающая спину.

Огюст Ренуар

Ренуара снимали много, по оставшимся фотографиям можно отследить несколько десятилетий, найти изображения его любимых натурщиц, друзей и семьи. Он провел в инвалидном кресле последние 7 лет жизни, но не переставал работать даже когда его руки оказались неподвижны и к ним приходилось привязывать кисти.


Огюст Ренуар (за столом справа) с друзьями. 1900.


Ренуар и Малларме, 1895. Фото Эдгара Дега.


На следующий день после похорон Стефана Малларме, 1898. (Рядом с сидящим Ренуаром — Мизиа Серт-Натансон).


Огюст Ренуар в парижской студии.


Огюст Ренуар перед домом в Кань, 1912-1914.


Ренуар и мадам де Галеа в студии художника в Кань, 1912


Пьер Огюст Ренуар. Отдыхающая мадам де Галеа
1912, 114.3×162.4 см


Клод Моне

Клод Моне был фигурой медийной, к нему в Живерни приезжали журналисты, фотографировали и брали интервью. По его саду гуляли политики, принцы и принцессы, актеры, режиссеры, владельцы галерей.


Клод Моне около пруда с водяными лилиями. 1910.


Клод Моне и Жорж Клемансо на японском мостике. 1921.


Клод Моне и актриса Шарлот Лизе. 1915. Фотограф Саша Гитри.


Клод Моне работает над панно с водяными лилиями. 1920.


В этом фотографическом цикле из мастерской в Живерни потрясают не только размеры полотен.

Анри де Тулуз-Лотрек

Фотограф Морис Гибер был близким другом Тулуз-Лотрека. Ироничный, балаганный, забавляющийся, эпатажный Лотрек — образ гораздо более убедительный, чем литературно-биографический образ инвалида-одиночки.


Анри де Тулуз-Лотрек, рисующий Анри де Тулуз-Лотрека. Фото Мориса Гибера.


Служащий Мулен Руж показывает Тулуз-Лотреку плакат Жюля Шере, отца современного плаката.


Анри де Тулуз-Лотрек в костюмах. Фото Мориса Гибера.


Анри де Тулуз-Лотрек в костюмах. Фото Мориса Гибера.

Камиль Писсарро

Камиль Писсарро постоянно окружен людьми: учениками, членами большой семьи, коллегами. Художник, который обладал на редкость убедительным талантом учителя.


Писсарро в своей студии в Эраньи. 1894


Писсарро в своей студии в Эраньи. 1894


Камиль Писсарро с сыновьями Люсьеном, Феликсом и Родо, 1894.


Писсарро (с седой бородой) и Сезанн (в центре) в Овере. 1874.


Камиль Писсарро с тележкой для холстов, около своего дома в Эраньи. 1895.


Камиль Писсарро с семьей. 1895.

Гюстав Кайботт

Франт Кайботт в центре Парижа, или инженер Кайботт за чертежами очередной лодки, или цветовод Кайботт, который вырастил цветов больше, чем написал (читайте биографию художника, чтобы узнать, сколько всего он успевал). Он напоминает героя одной из своих картин.


Гюстав Кайботт за чертежным столом, около 1891. Фото брата художника Марсиаля Кайботта.


Гюстав Кайботт со своей собакой на площади Каррузель, Париж, 1892. Фото брата художника Марсиаля Кайботта.


Гюстав Кайботт в своей теплице. 1892.


Джон Сингер Сарджент

Сарджент — художник-путешественник, художник без дома и родины, образ его жизни, пожалуй, самый импрессионистский. Он американец, который рос и потом жил во всей Европе сразу и оставил сотни путевых зарисовок.


Джон Сингер Саджент в своей парижской мастерской. 1883.


Джон Сингер Сарджент. Мадам Х (Мадам Пьер Готро)
1884, 208.6×109.9 см. Масло, Холст


Джон Сингер Сарджент на пленэре. 1888−1889.


Берта Моризо

Берту Моризо критики долгое время не воспринимали всерьез. Она была фантастически, сказочно красивой, а потому от нее ждали удачного замужества и скорого расставания с живописью, как со временной блажью.


Берта Моризо. 1870.


Берта Моризо с мужем Эженом Мане и дочерью Жюли в Буживале, 1880


Берта Моризо 1893.


Источники фотографий:
poulwebb.blogspot.com, impressionist-art.com, art-renoir.com, proleutimpressionists.tumblr.com, oldpicsarchive.com, tmlarts.com, www.schirn.de, artbookannex.com, melbourneblogger.blogspot.com, тулуз-лотрек.рф, gallica.bnf.fr, www.alaintruong.com, crashmacduff.wordpress.com, anneyhall.tumblr.com, wetcanvas.com, articulosparapensar.wordpress.com, artseverydayliving.com, la-bruyere.tumblr.com, ader-paris.fr, painters-in-color.tumblr.com
Источник - Артхив



https://tito0107.livejournal.com/1196998.html


Метки:  

Великий Новгород 60-х годов XVII века. Рисунки из Дрезденского альбома Августина Мейерберга

Понедельник, 11 Сентября 2017 г. 08:31 + в цитатник
Оригинал взят у philologist в Великий Новгород 60-х годов XVII века. Рисунки из Дрезденского альбома Августина Мейерберга
Из книги: Альбом Мейерберга. Виды и бытовые картины России XVII века: Рисунки Дрезденского альбома, воспроизведенные с подлинника в натуральную величину, с приложением карты пути цесарского посольства 1661-62 гг. - СПб.: Изд. А.С. Суворина, 1903.

Поводом, вызвавшим посольство Мейерберга, послужила война между Россией и Польшей из-за Малороссии. Первое перемирие в 1656 году было заключено при посредничестве Австрии, но в 1658 году опять начались военные действия. Посольство, выехав из Вены 17 февраля 1661 года, прибыло к Москве 24 мая, через Псков, Новгород и Тверь. 25 мая состоялся торжественный въезд в столицу и на следующий день прием во дворце. По пути Мейерберг выполнял зарисовки с натуры, которые и составили содержание публикуемого альбома.



Великий Новгород









Новгородский герб



Другой новгородский герб



Крестцы



Иверский (Валдайский) монастырь



Вы также можете подписаться на мои страницы:
- в фейсбуке: https://www.facebook.com/podosokorskiy

- в твиттере: https://twitter.com/podosokorsky
- в контакте: http://vk.com/podosokorskiy
- в инстаграм: https://www.instagram.com/podosokorsky/
- в телеграм: http://telegram.me/podosokorsky
- в одноклассниках: https://ok.ru/podosokorsky


https://tito0107.livejournal.com/1196715.html


Метки:  

Без заголовка

Воскресенье, 10 Сентября 2017 г. 21:34 + в цитатник
Только что посмотрел "Синг Стрит" - неплохой фильм про 80-е, на тему (среди прочего) "Hey, teachers! Leave them kids alone". Но я опять о своем: девушка главного героя по фильму старше его на год, в то время, как разница между актерами - почти шесть лет. Выглядит неправдоподобно. Ну сделали бы разницу года три-четыре, сюжет это позволяет.

https://tito0107.livejournal.com/1196513.html


Метки:  

Позиция и планы

Воскресенье, 10 Сентября 2017 г. 19:06 + в цитатник
Читаю сейчас "Эволюцию всего" Мэтта Ридли и "Недоверчивые умы" Роба Бразертона. Был и остаюсь эволюционистом и оккамистом (а, следовательно, антиконспирологом).
И еще из личного. В июле писал, что собираюсь в Венгрию, но так и не собрался. Через неделю еду в Турцию, в окрестности Измира. В планах посетить Эфес и (очень хотелось бы) Бергаму. Так что приму советы от бывалых.

https://tito0107.livejournal.com/1196196.html


Метки:  

Как экран менял образ Шерлок Холмса

Воскресенье, 10 Сентября 2017 г. 14:10 + в цитатник
Замечу от себя: уж, конечно, не потому библейские персонажи на картинах 17 в. одеты по моде того самого столетия, что западный человек считал свое время наиболее правильным, а просто потому, что историческое мышление еще не сформировалось, да и знания о быте отдаленных эпох были самыми условными. Что касается осовременивания обстановки в ранних фильмах про Холмса - так это обычная тенденция - переносить в экранизациях действие из недавнего прошлого в современность. Хотя бы потому, что так дешевле, а разница в деталях между тем, что было двадцать-тридцать лет назад невелика, так что проще осовременить действие, чем воссоздавать обстановку тридцатилетней давности. (Напомню, что бюджет ранних фильмов был, как правило, весьма невелик)
Оригинал взят у germanych в Как экран менял образ Шерлок Холмса






На фото: сэр Артур Конан Дойл на ежегодном ужине компании "Столл" 27 сентября 1921 года беседует с актёром Эйлом Норвудом, игравшим Шерлока Холмса.


С момента появления первого – ещё немого – фильма про великого сыщика с Бейкер-стрит, на сегодня уже выпущены многие десятки, если не сотни фильмов и телефильмов по мотивам рассказов Конан Дойла. Все их можно условно разделить на две большие группы – фильмы, в которых создатели пытаются как можно тщательнее воспроизвести сюжетную линию рассказов о Холмсе и фильмы, которые порой имеют к произведениям про великого сыщика лишь то отношение, что главный герой в них носит имя Шерлок Холмс. Предлагаю бегло взглянуть на то, как менялся и выстраивался образ Шерлок Холмса в кино за прошедший век.



Английский актёр Уильям Джиллетт сыграл Холмса в пьесе 1899 г. "Шерлок Холмс: Драма в четырёх действиях" и затем в течение достаточно длительного времени оставался самым "хрестоматийным" Холмсом, внеся в образ сыщика ряд деталей, использовавшихся затем во многих фильмах.



В 1916 году Джиллетт снялся в фильме про Холмса, но, к сожалению, этот фильм не сохранился.

В период с 1921 по 1925 года английская кинокомпания "Столл" сняла два полнометражных и 45 короткометражных фильмов про Шерлока Холмса. В фильмах в главной роли снимался Эйл Норвуд. Норвуд создал культовый образ великого сыщика, а компания разработала методы перенесения детективных историй на экран.

Стоит отметить, что в годы становления "великого немого" немыслимым казалось показывать развязку детективной истории в конце фильма. Киношники того времени были уверены, что внимание публики невозможно удержать до самого конца, если не показать суть истории в самом начале "фильмы". Это, в свою очередь, входило в полное противоречие с концепциями рассказов Дойла, в которых читатель узнавал то, как совершается преступление, только в самом конце, причём всё рассказывает сам Холмс. Однако первые фильмы про Холмса создавались таким образом, что преступление показывалось в самом начале, а уж потом показывалась работа сыщика.

На фото: Уильям Джиллетт в пьесе "Шерлок Холмс" с Элис Фолкнер (Кэтрин Флоренс), ок. 1900 года.


Первым условным фильмом о Шерлоке Холмсе исследователи считают фильм "Озадаченный Шерлок Холмс", снятый около 1900 года киностудией "Мутоскоп и Байограф".

На фото: Мутоскоп в музее Херн-Бэй


Фильм, продолжительностью около минуты, предназначался для просмотра в мутоскопе – специальном аппарате индивидуального пользования, позволяющем просматривать короткие ролики из последовательности "движущихся картинок". Любой желающий посмотреть ролик, бросал монетку и наслаждался чудом.

Сюжет фильма "Озадаченный Шерлок Холмс" был прост: в комнате то появлялся, то исчезал вор, а облачённый в халат Холмс никак не мог понять, что происходит.

Вообще, первые фильмы о Холмсе, например вышедший в 1906 году датский "Шерлок Холмс в Эльсиноре" были скорее пародиями, чем серьёзными лентами. Да это и не удивительно – в очень короткие ролики эпохи зарождения кино, сложно было впихнуть достаточно серьёзный сюжет.

Однако по мере развития кинотехники, появилась возможность снимать более длинные ленты, а, стало быть, и делать боле сложные сюжеты. В 1905 году американская компания "Вайтограф" сняла фильм "Приключения Шерлока Холмса", основанный на повести "Знак четырёх" с Морисом Костелло в роли Холмса (впрочем, не факт, что там играл Костелло).

На фото: Морис Костелло в фильме "Шпионская сеть" (1912 год)


С 1908 по 1911 год датская компания "Нордиск" – крупный игрок ранней эры немого кино – сняла серию из 12 фильмов о Холмсе, ни один из которых не был основан на оригинальных историях.

Не отставали и немцы. В 1910–1911 г.г. немецкая кинокомпания "Вайтоскоп" выпустила пятисерийный фильм "Арсен Люпен против Шерлока Холмса". Конан Дойл пытался воспротивиться этой фальшивке и запретил немцам использовать имя своего героя. Немцы даже не заметили этого запрета – законы о защите авторского права тогда ещё не приобрели современную филигранную изощрённость. В 1914 году "Вайтоскоп" выпустила "Собаку Баскервилей" с Альвином Нойсом в роли детектива. Сюжет фильма был весьма далёк от оригинальной повести Дойла и больше походил на фильмы про Фантомаса, появившиеся во Франции накануне Первой мировой войны.

На фото: Альвин Нойс в фильме "Гамлет" (1911 год).


Сами англичане не сразу обратили внимание на золотую жилу, скрывающуюся в историях про Шерлока Холмса. Только в 1912 году британская кинокомпания "Урбан-Трейдинг" выпустила фильм про Шерлока Холмса. Правда главную роль в этом фильме была отдана… собаке по кличке Пятнышко. Это был фильм-пародия под названием "Пёс Шерлок Холмс".

На фото: афиша британского фильма "Пёс Шерлок Холмс" (1912 год)


Кстати, об авторском праве. В 1911 году вышел Закон об авторском праве, который пытался защитить права авторов при экранизации их произведений. Конан Дойл решил извлечь из популярности своего героя некоторую финансовую выгоду и продал права на использование образа Холмса в кино французской компании "Эклер". Правда, сам Дойл позднее вспоминал, что продал права на Холмса за "символическую сумму". Но как бы там ни было, а именно компания "Эклер" выпустила первый авторизированный фильм о Холмсе – "Приключения Шерлока Холмса".

В 1914 году был снят первый полнометражный британский фильм про Холмса "Этюд в багровых тонах". Все события шли в хронологическом порядке, то есть сперва показывалось преступление, а потом уже шло его раскрытие. И вообще в фильме упор был сделан на жизнь и злодеяния секты мормонов, а Холмс появлялся уже под занавес. Роль Холмса сыграл Джеймс Брэджингтон – никому не известный работник студии, выбранный на роль только благодаря внешнему сходству с Холмсом.

На фото: Джеймс Брэджингтон в фильме "Этюд в багровых тонах".


Однако более Джеймс Брэджингтон никогда Холмса не играл. Да и вообще неизвестно, играл ли он ещё хоть кого-нибудь. В последующих фильмах Джордж Пирсон, режиссёр фильма "Этюд в багровых тонах", на роль Холмса приглашал британского актёра Г.А. Сейнтсбери, который ранее играл роль великого сыщика в театре.

На фото: афиша фильма "Долина страха" (1916 год) с Г.А. Сейнтсбери в роли Шерлока Холмса.


В 1920 году права на экранизацию повестей "Собака Баскервилей" и "Знак четырёх" купила крупная британская кинокомпания "Столл". На роль Шерлока Холмса пригласили Эйла Норвуда. Конан Дойл выкупил права на экранизацию своих произведений у студии "Эклер", заплатив, как он утверждал, "в десять раз дороже", чем они в своё время заплатили ему, и заключил контракт с компанией "Столл", которая обязалась выплачивать ему 10% выручки от показа фильмов. Компания "Столл" амбициозно решили конкурировать с Голливудом.

В течение трёх лет компания выпускала по пятнадцать короткометражных фильмов в год: цикл "Приключения Шерлока Холмса" в 1921 году, "Продолжения приключений Шерлока Холмса" в 1922 году и "Последние приключения Шерлока Холмса" в 1923 году. Кроме этого было снято два полнометражных фильма: "Собака Баскервилей" в 1921 году и "Знак четырёх" в 1923 году. В общем, стратегия "Столл" была такой же, как стратегия самого Дойла, который печатал в журнале "The Strand Magazine" свои рассказы без продолжения про Холмса. Каждый рассказ о Холмсе (кроме повестей) – полностью законченное произведение и читателю не надо ждать нового номера, чтобы узнать чем дело кончилось и опасаясь его пропустить.

На фото: Эйл Норвуд и Хьюберт Уиллис с режиссёром Морисом Элви на месте съёмок "Случай в интернате". Фильмы компании "Столл" снимались в Лондоне и его пригородах


Конан Дойл был впечатлён фильмами "Столл". Он считал их "блестящими" и даже согласился прийти на ежегодный ужин "Столл" в октябре 1921 года, где поздравлял кинематографистов и восхищался игрой Норвуда, которого поставил на одну ступень с художником Сидни Пэджетом и актёрами Уильямом Джиллеттом и Г. А. Сэйнтсбери, ставшими, можно сказать, соавторами Дойла по созданию хрестоматийного облика Холмса.

Кстати, интересно, что все эти фильмы не пытались воспроизводить обстановку викторианской Англии, в которой, собственно, разворачиваются действия почти всех рассказов о Холмсе. Если присмотреться в предыдущей фотографии (рабочий момент съёмок фильма "Случай в интернате"), то видно, что Холмс и Ватсон одеты по той же моде, что и члены съёмочной группы. Или, во всяком случае, не сильно отличаются от них. В этих фильмах о Холмсе присутствовали телефоны, автомобили и т.п. детали жизни 20-х годов XX века. И так продолжалось довольно долгое время.

Лишь в 1939 году американская компания "XX век Фокс" сняла фильм "Собака Баскервилей", в котором постаралась наконец воспроизвести обстановку Англии конца XIX века.

На фото: Кадр из американского фильма "Собака Баскервилей" 1939 года. В роли Шерлока Холмса – Бэзил Рэтбоун, в роли Ватсона – Нигел Брюс.


Но я забежал немного вперёд. Поначалу американцы тоже снимали Холмса в современных пейзажах. Понятно, в современных для времени съёмки. Так, в 1922 году американская компания "Голдвин" выпустила фильм "Шерлок Холмс", в котором действие проходит в 20-х годах. Роль Холмса сыграл Джон Берримор.

На фото: Джон Берримор в фильме "Шерлок Холмс" (1922 год). Сцена стычки Холмса и профессора Мориарти.


Фильм "Шерлок Холмс" 1922 года стал причиной судебной тяжбы между американской компанией "Голдвин" и британской компанией "Столл". Дело в том, что американцы снимали свой фильм по популярной пьесе Уильяма Джиллета, купив у него лицензию и посчитали, что "Столл" неправомочно использует имя Шерлока Холмса в своих фильмах. В качестве свидетеля в суд вызывался сам Конан Дойл – тем самым став как бы частью атмосферы своих произведений. Есть какая-то ирония в том, что автор рассказов о детективе сам угодил в суд из-за этих рассказов. Правда только в качестве свидетеля. Суд, кстати, вынес решение в пользу "Столл".

Первый звуковой фильм о Шерлоке Холмсе вышел за год до смерти Конан Дойла – в 1929 году. Главную роль в нём сыграл Клайв Брук. Это был фильм "Возвращение Шерлока Холмса".

На фото: Кадр из первого звукового фильма про Холмса "Возвращение Шерлока Холмса". В роли Холмса – Клайв Брук (слева).


Даже по приведённому выше снимку видно, что весь антураж фильма переносил Холмса в конец 20-х годов XX века, а никак не в викторианскую Англию.

Как я уже сказал выше, первым фильмом, в котором Холмса наконец вернули в его старую добрую викторианскую Англию стал американский фильм "Собака Баскервиллей", вышедший на экраны 31 марта 1939 года.

На фото: кадр из фильма "Собака Баскервиллей" (1939 год, производство Twentieth Century Fox Film Corporation)


Интересный вопрос – почему же ранее создатели фильмов о Холмсе пренебрегали созданием атмосферы Викторианской эпохи, смело помещая сыщика с Бейкер-стрит и его друга в современное создателям время? На мой взгляд, тут работало несколько факторов. С одной стороны – западный человек именно своё время и окружающую его техносферу и культурные артефакты "здесь и сейчас" считает наиболее правильным; настолько, что склонен даже исторически отдалённые эпизоды обрамлять в привычные ему окружающие декорации. Достаточно вспомнить многочисленные европейские картины на библейские сюжеты, на которых жители древней Палестины облачены в наряды Европы XVII в.в.

Рембрандт, "Святое семейство", 1645 год. Дева Мария и её муж Иосиф облачены отнюдь не в одеяния Иудеи I века до н.э., а скорее по голландской моде XVII века.


А поскольку в рассказах о Холмсе не сделан какой-то упор на то, что окружающим фоном обязательно должна быть Англия конца XIX века, то создатели фильмов на этом не зацикливались и перемещали персонажей в современность. К тому же, с их точки зрения, 20-е года XX века с технической точки зрения были куда интереснее викторианской Англии.

Да и вообще, мне кажется, в первой трети XX века какой-то особой ностальгии по XIX веку не было. Наоборот, в обществе был разлит энтузиазм технического прогресса. Сам кинематограф был чем-то передовым и странно было в нём воссоздавать картины сравнительно недавнего и кажущегося таким скучно-старомодным прошлого.

А вот к концу 30-х годов XX века викторианская Англия уже стала экзотикой. К тому же пошла мода на исторические фильмы. И тогда стало ощущаться, что вообще-то Холмс имеет обаяние не только детективное, но и чисто историческое. Но это моё предположение.

Ну и в финале ещё некоторое количество Холмсов разных периодов.

Бэзил Рэтбоун в роли Шерлока Холмса ок. 1939 г.


Реджинальд Оуэн в роли Шерлока Холмса в фильме "Этюд в багровых тонах" (1933 г.)


Рэймонд Мэсси в роли Шерлока Холмса в фильме "Пёстрая лента" (1931 г.). Мне он напоминает скорее Геббельса, чем хрестоматийного Холмса.


Питер Кашинг в роли Шерлока Холмса в фильме "Собака Баскервилей" (1959 г.)


Роберт Стивенс в роли Шерлока Холмса в фильме "Частная жизнь Шерлока Холмса" (1970 г.)


Джеймс Мэйсон в роли доктора Ватсона и Кристофер Пламмер в роли Шерлока Холмса в фильме "Убийство по приказу" (1979 г.)


Питер Кук в роли Шерлока Холмса в пародийном фильме "Собака Баскервилей" (1978 г.) Вот уж такого Холмса я никогда не представлял.


Николас Роу в роли Шерлока Холмса и Алан Кокс в роли доктора Ватсона в фильме "Молодой Шерлок Холмс" (1985 г.)


Дэвид Бурк в роли доктора Ватсона и Джереми Бретт в роли Шерлока Холмса в серии "Последнее дело Холмса" (1984 г.) телевизионного сериала "Приключения Шерлока Холмса"


Роберт Дауни-младший в роли Шерлока Холмса и Джуд Лоу в роли доктора Ватсона в фильме "Шерлок Холмс" (2009 г.)


Ну и конечно…

Мартин Фримен в роли Джона Ватсона и Бенедикт Камбербэтч в роли Шерлока Холмса в телевизионном сериале Би-би-си "Шерлок" (2010 г.)


Ну и до кучи…

Джонни Ли Миллер в роли Шерлока Холмса и Люси Лью в роли доктора Ватсона в телесериале "Элементарно" (2012 г.). Про это могу сказать только – не смотрел, но осуждаю.


В общем, как видим, сегодня создатели снова перенесли Холмса и Ватсона в современность. Не могу сказать, что сериал "Шерлок" мне очень понравился. Однако не могу также не отметить, что даже в современных декорациях и в современной техносфере в целом Холмс не потерял своей привлекательности.

Ну вот, наверное и всё.

Ах, да, советские фильмы с Ливановым и Соломиным. Ну что тут сказать? Мне эти фильмы в целом не нравятся. Несмотря на замечательную игру дуэта и огромное обаяния, исходящее от Ливанова и Соломина, в целом фильмы мне кажутся очень картонными и шаблонными. Похоже режиссёр фильма Масленников собрал все штампы на темы Холмса и засунул их в свой фильм.

А вот советский телефильм 1971 года "Собака Баскервилей" мне очень нравится за свою хорошо переданную дойловскую атмосферу. Не буду спорить, лучше ли дуэт Николая Волкова и Льва Круглого, чем дуэт Ливанова и Соломина, но точно – не хуже. И хотя Николай Волков не очень похож на хрестоматийные образы Холмса, созданные в начале XX века, играет он "погуще" что ли, чем Ливанов. Холмс Волкова – настоящий несколько мрачноватый и вдумчивый аналитик, тогда как у Ливанова постоянно какие-то элементы детской мультипликации (меня, например, коробит сцена в "Знаке четырёх", в которых Холмс Ливанова объясняет мальчишкам, что им не надо курить и т.п.).

На фото: Николай Волков (Шерлок Холмс) и Лев Круглый (доктор Ватсон) в советском телефильме "Собака Баскервилей" (1971 год).


И конечно совершенно шикарный Александр Кайдановский в роли Степлтона.



Впрочем, это моё личное мнение, так сказать, чистая вкусовщина. И мнения этого я никому не навязываю. Дуэт Ливанова и Соломина мне тоже нравится. Но сами фильмы с их участием – не очень.

Ну вот на этом, пожалуй, финита.










https://tito0107.livejournal.com/1195829.html


Метки:  

О "славянистах"

Суббота, 09 Сентября 2017 г. 11:13 + в цитатник
После поста про Константина Васильева полез смотреть картины художников-"славянистов" Всеволода Иванова, Виктора Королькова и Бориса Ольшанского. (Про Иванова знал и раньше и даже писал что-то, а у двух других от силы пару работ видел).

25.jpg
В. Иванов.

Из этой троицы Иванов - наиболее интересен. Корольков и Ольшангский академичнее, но и занудней, особенно Ольшанский. А Иванов изображает, как может, то, что ему действительно интересно.
Вообще, всерьез, по-академически, писать картины со всеми этими славянскими древностями можно было лет 100-150 назад, во времена Васнецова, Билибина и Мухи. Но и тогда уже в "продвинутых" странах подобная стилистика перекочевывала в книжную иллюстрацию (Н.К. Уайет). Сейчас же творчество "славянистов" и прочих "фентезеров"-академистов выглядит, в лучшем случае, забавно.

https://tito0107.livejournal.com/1195635.html


Метки:  

Про Константина Васильева и других

Суббота, 09 Сентября 2017 г. 08:19 + в цитатник
zina_korzina сравнила .... с пальцем Константина Васильева с Дейнекой и Иваном Ефремовым, дескать, певцы Империи.
Дейнека, конечно, в гробу перевернулся от такого сравнения (ИМХО, никакой он не имперский художник), а вот сопоставление с Ефремовым более оправдано. И тот и другой относятся к категории художников (в широком смысле слова, а то набегут ведь, будут говорить, что Ефремов - писатель), которых я именую эстетическими фашистами. Для которых красота (как они ее понимают) важнее реализма и человечности.
Впрочем, Ефремова я не перечитывал с юности, может, он сложнее, чем казался мне тогда. И, конечно, в остальном сравнение некорректно, ибо Ефремов - талантливый литератор, а Васильев талантлив разве что на фоне Глазунова.
Ну и конечно, Васильев - художник для подростков (мне и самому он в отрочестве нравился). После двадцати увлекаться им - моветон, даже если вы далеки от искусства.

https://tito0107.livejournal.com/1195283.html


Метки:  

ВСЕЛЕННАЯ МУШКЕТЕРОВ. КВАРТИРНЫЙ ВОПРОС

Пятница, 08 Сентября 2017 г. 08:19 + в цитатник
Оригинал взят у roman_rostovcev в ВСЕЛЕННАЯ МУШКЕТЕРОВ. КВАРТИРНЫЙ ВОПРОС
Рядовой мушкетер, капрал или сержант должен был служить шесть месяцев в году, распределяя время службы по своему усмотрению. В военное время он полностью находился в распоряжении короля, не рассчитывая на отпуск (в армейских полках, где рядовыми были не дворяне, а рекруты из крестьян, солдатам разрешалось вместо жалованья возвращаться домой на время уборки урожая). Офицерам полагалось служить четыре месяца в году в мирное время и вставать в строй во время военных кампаний. Капитан-лейтенант был обязан находиться на службе три месяца в году. Он мог по своему усмотрению отправить свою роту в военный поход или давать особые поручения своим людям.
Мушкетерская рота подразделялась сначала на две, а затем на четыре бригады. Пока две-три бригады сражались на фронтах, остальные находились в Сен-Жермене или Версале для "ординарной охраны" короля. (С 1734 года охранять короля оставались по сто мушкетеров от каждой роты, а остальные сто пятьдесят отправлялись на войну.) Мушкетеры, находясь при дворе, заступали в караул по одному от каждой роты в форменном обмундировании и сапогах. До введения супервеста они носили мушкетерский плащ на левом плече. Двенадцать мушкетеров, как уже говорилось, охраняли знамя роты. Караульная служба в казармах тоже была необременительной: там постоянно находился дежурный офицер – от старшего сержанта до младшего капрала, – которому доносили о происшествиях. В конюшнях для ухода за лошадьми дежурил младший капрал с четырьмя мушкетерами, которые для этой цели облачались в рабочие блузы и надевали специальные колпаки. Они проводили ночь на посту и сменялись утром. Остальные готовились к смотрам, упражнялись в фехтовании и верховой езде – и занимались своими делами, которые далеко не всегда были столь увлекательными, как описывает Дюма. Для большинства мушкетеров самой главной из повседневных забот была – где раздобыть денег.

Прежде чем мы начнем потряхивать звенящими кошельками, проясним ситуацию относительно денежной системы того времени. В 1б40 году Людовик XIII ввел в обращение луидор, весивший 6,75 грамма золота и равнявшийся десяти ливрам (столько же стоил один пистоль). На аверсе был изображен профиль самого короля в лавровом венке, на реверсе – щит с гербом Франции. Луидор находился в обращении до 1789 года, а слово "луи" до 1915 года означало золотую монету в двадцать франков. Его чеканили по усовершенствованной технологии, с применением балансира. В 1641 году был выпущен "серебряный луи" – экю массой 27,45 грамма из серебра 917-й пробы, равнявшийся трем ливрам или шестидесяти cy. Годом позже в обращении появились монеты в половину экю, в четверть экю и в одну двенадцатую экю. Что касается медных денег, то это были су и денье. Один су, или соль, равнялся двенадцати денье, двадцать су составляли один ливр. В 1667 году парижский ливр (равнявшийся 300 денье, или 600 оболам) был заменен турским ливром, чеканившимся в Туре (240 денье, или 480 оболов). Эдиктом от 1709 года была учреждена монета под названием "мускетэр", равная тридцати денье или шести бланам. Ее чеканили в 1709-1713 годах в Меце и Лионе для французской Канады, где она служила разменной монетой вплоть до 1760 года. На аверсе были изображены две буквы "L" и корона, на реверсе – крест и четыре лилии. Таких денег ходило много, а проба их была невысока, поэтому уже в 1738 году их стоимость равнялась восемнадцати денье. Напомним, что бумажные ассигнации стали считаться денежными знаками только в 1791 году, так что практически всю свою историю королевским мушкетерам приходилось платить звонкой монетой – или, что бывало чаще, подписывать долговые расписки.

Капитан-лейтенант получал 600 ливров в месяц от короля, который считался капитаном мушкетерской роты и уступал командование ею за эту сумму, и еще 300 ливров как лейтенант; кроме того, он получал пенсию в 600 ливров в год. Поручики, прапорщики и корнеты вплоть до знаменосца также получали и жалованье, и пенсию соответственно своему чину: жалованье корнета или прапорщика составляло тысячу ливров в год, жалованье поручика – полторы тысячи.

Кроме того, все офицеры были освобождены от уплаты королевских налогов, поскольку платили свой налог кровью на поле боя.

Жалованье рядового мушкетера составляло 300 ливров в год. Капрал получал 500 ливров в год, сержант – 700. Для сравнения: ломовой извозчик имел доход 30 ливров в месяц, пастух – 28 ливров, слуга – 12,5 ливра. Таким образом, мушкетеры практически содержали себя сами. Кстати, в этом и заключался весь смысл создания дворянских воинских подразделений.
В 1688 году Людовик XIV установил сумму в 11 тысяч 250 ливров для распределения между пятьюдесятью двумя старшими мушкетерами, то есть по 300 ливров каждому из десяти первых в списке, по 250 ливров каждому из пятнадцати следующих и т. д. Эти пенсии сначала выплачивались из личных средств короля, а после его смерти – из государственной казны.
Молодые мушкетеры выпрашивали деньги у родственников, занимали и перезанимали друг у друга. Огромной опасностью было попасть в лапы ростовщика.

Ростовщичеством во Франции с конца XIV века могли заниматься евреи, ломбардцы и "кагорцы" (вероятно, уроженцы города Кагор в Аквитании). Королевский ордонанс от 1360 года устанавливал процентную ставку для займов под залог: четыре денье с ливра в неделю (то есть 86 процентов в год) для евреев и 43 процента в год для ломбардцев. Если залог не был выкуплен по прошествии одного года и одного дня, ростовщик имел право его продать. Впоследствии ростовщичеством считалось одалживание денег под процент, превышающий 15 процентов. С конца XVI века монахи-францисканцы основали в нескольких итальянских городах и в Папской области с центром в Авиньоне учреждения, которые мы теперь называем ломбардами: там выдавали беспроцентные ссуды (или под небольшой процент) под залог даже не очень ценных вещей.

О необходимости таких филантропических учреждений во Франции (ломбарды предназначались в основном для бедного населения) говорилось в наказе королю Генеральных штатов 1614 года; в 1626 году Людовик XIII даже издал соответствующий ордонанс, но через год отозвал его. Учреждению ломбардов во Франции способствовал врач-филантроп Теофраст Ренодо; в 1б43 году король предписал основать 58 ломбардов во всех "верных городах королевства", однако они появились только в шести городах. Между тем эрцгерцог Альберт, губернатор Испанских Нидерландов, еще в начале века велел учредить ломбарды во всех городах Брабанта, Фландрии, Артуа и Эно, где есть конторы ростовщиков. Ломбарды появились в Брюсселе, Аррасе, Антверпене, Генте, Турне, Камбре, Монсе, Намюре; руководство ими было поручено генеральному сюринтенданту. После завоевания Фландрии и Артуа Людовик XIV сохранил ломбарды в Камбре и Аррасе, передав их под надзор канцлера Франции. В самом королевстве такие заведения появились в Монпелье (1683) и Марселе (1696), а в Париже – только в 1777 году. Клиентами ломбардов были по большей части бедняки и мелкие торговцы, однако случалось, что их услугами пользовались и люди других сословий, оказавшиеся в стесненных обстоятельствах, а такое могло случиться и с мушкетерами, особенно если они находились в поездке по личной или служебной надобности.


Рядовой мушкетер должен был жить на 39 су в день, получая от казны только куртку с крестами. (В XVIII веке средняя дневная оплата мастерового составляла один ливр.) Одежду из алого сукна с золотыми или серебряными пуговицами и петлицами он должен был справить себе сам. Шпагу, два пистолета и ружье тоже приобретал на свои деньги. (Раньше король выдавал своим мушкетерам мушкеты, но к XVIII веку это оружие использовали уже только на парадах, а потом и вообще от него отказались.) Между прочим, комплект из мушкета, шпаги и повседневной одежды стоил около 250 ливров (костюм за 50 ливров считался дешевым). Хорошая лошадь, да еще и подходящей масти, тоже обходилась в несколько сотен. Кроме того, каждый мушкетер был дворянином, а потому просто обязан был иметь слугу, которому полагалось платить жалованье. Зато рядовые и унтер-офицеры жили в казарме, а значит, были избавлены от квартирной платы.

Строить казармы первым распорядился военный министр Лувуа, служивший Людовику XIV. Прежде солдатам приходилось снимать квартиры в городе на свои средства. Д'Артаньян когда-то снимал комнату на улице Старой голубятни (Вье Коломбье) у бывшего сержанта и, как рассказывают, состоял в нежных отношениях с его женой (однажды ему пришлось выпрыгнуть в окно, когда супруг-рогоносец, застав его в постели с неверной женой, чуть не пристрелил его из пистолета). Получив должность капитана-смотрителя королевского вольера в Тюильри, он смог с шиком поселиться в служебной квартире в двух шагах от Лувра.

Гораздо более занятная история приключилась с другим мушкетером, тоже гасконцем, – Жаном Шарлем дю Козе де Назелем, проживавшим в Париже в квартале Пикпюс на правом берегу Сены, к востоку от острова Сите. Он снимал комнату в пансионе философа Франциска ван ден Эндена, преподававшего латынь и мертвые языки. Молодого мушкетера (ему было около двадцати пяти лет) заинтересовали таинственные ночные посещения дома вельможами, которые окружали свои визиты тысячей предосторожностей. Оказалось, что хозяин принимает у себя заговорщиков: шевалье де Рогана, Жиля де Латреомона и маркизу де Виллар, затевающих государственный переворот. Роган намеревался поднять восстание в Нормандии с помощью англичан и голландцев, которые должны были высадиться в порту города Кийбеф, расположенного в устье Сены, основать там независимую нормандскую республику и свергнуть, а то и убить Людовика XIV, захватив дофина в качестве заложника. Ван ден Энден составил конституцию для будущего правительства республики, поддерживал связи с голландцами, публикуя рекламные объявления в "Газетт де Пари", которые служили шифром. 31 августа 1674 года Назель сообщил о том, что ему удалось узнать, военному министру Лувуа. Король велел господину де Бриссаку, подчиненному шефа полиции Ла Рейни, арестовать Рогана в Версальском замке после мессы и заключить в Бастилию. Его судили и обезглавили на Гревской площади вместе с маркизой де Виллар. Латреомон был убит при аресте в сентябре 1674 года, а ван ден Эндена повесили в ноябре.

В декабре 1661 года Людовик XIV, заботясь о кошельке своих мушкетеров, приказал им объединяться по двое и селиться в предместье Сен-Жермен – "престижном районе" на левобережье Сены, где жили в основном монахи, профессора Университета и королевские особы, например Маргарита Наваррская (первая жена Генриха IV), выстроившая себе особняк с огромным парком. Одна из широких аллей этого парка ныне превратилась в улицу Лилль. Домовладельцы должны были предоставить каждому мушкетеру комнату с двумя постелями: одну для господина, другую для его слуги, а также место в конюшне для двух лошадей. Разместить мушкетеров на постой могли и насильно, но жители предместья имели право избавиться от этой "чести", уплатив особый налог купеческому старшине – "мэру" Парижа.

В первой трети XVII века в этом малонаселенном районе, где всего несколько домов лепились у подножия городских стен и Нельской башни да простирались владения "королевы Марго", началось активное строительство. С 1622 по 1630 год на одной только набережной Малаке выросло полдюжины особняков. Некто Барбье спекулировал земельными участками, окружавшими крытый рынок Пре-о-Клер, и выстроил деревянный мостик взамен парома, связывавшего этот квартал с Тюильри. В 1632-1637 годах на улицах Сен-Доминик и Бак (Паромной) поселились послушники французских монашеских орденов, а затем Мазарини призвал из Италии театинцев, которые построили монастырь на набережной, получившей их имя (ныне набережная Вольтера). На углу улицы Бак и набережной стоял дом, владельцем которого в 1635 году был мастер-кровельщик Пьер Юло. Его сын Никола сдавал комнату беспокойному жильцу – кавалеру д'Артаньяну.

Д'Артаньян приобрел этот дом в личную собственность в 1665 году Дом был большой, четырехэтажный и с флигелем, построенный по "типовому проекту" того времени. Просторный двор окружала высокая глухая стена с двустворчатыми воротами, в которые полагалось стучать подвесным молотком. На нижнем этаже размещались кухня и буфетная, там же, поблизости от "рабочего места", жила служанка. Второй этаж – парадный: из передней можно было пройти в спальню с парадной кроватью из орехового дерева и гобеленами на стенах, а оттуда – в маленькую гардеробную. В XVII веке гостей, просителей и им подобных принимали именно в парадной спальне. Третий этаж, собственно, был жилым: передняя, где стоят диван, стол, несколько стульев и два шкафа, спальня хозяина и будуар. На стенах – фламандские гобелены: напоминание о том периоде, когда д'Артаньян был губернатором Лилля. Кровать уже не была снабжена парадным балдахином, а всего лишь пологом – правда, из парчи с шелковой подкладкой и крепом. Зато у стены стояло зеркало высотой три фута (0,9 метра) – предмет роскоши: столь большие зеркала во Франции появились только в "великую эпоху" Короля-Солнце. Верхний этаж – для гостей: проходная каморка, большая комната и чердачок во флигеле. Д'Артаньяну нередко приходилось привечать у себя бедных родственников, явившихся покорять Париж. Окна передних выходили во двор, а окна комнат – на реку. К сожалению, этот дом не сохранился: его снесли в 1881 году; однако его описание уцелело в Национальных архивах Франции.

Выбор квартиры подпоручиком, а затем капитан-лейтенантом "серых мушкетеров" был неслучаен: его роту с 1656 года разместили по соседству, выстроив на месте рынка Пре-о-Клер, между нынешними улицами Лилль, Бак, Верней и Бон, два больших трехэтажных корпуса, один из которых выходил на улицу Бак, а другой – на улицу Бон; между ними находился большой двор с коновязью. В 1780 году на месте этой казармы открыли рынок Буленвилье, который был снесен в 1843 году.

"Черные мушкетеры" квартировали сначала в Немуре, неподалеку от королевской резиденции Фонтенбло, а в 1699-1701 годах архитектор Робер де Котт выстроил для них по планам знаменитого Жюля Мансара просторный особняк на улице Шарантон в Сент-Антуанском предместье Парижа. Здесь проходил "свои университеты" Лафайет, будущий герой Гражданской войны в Америке, но с 1775 года здание было заброшено, и в 1780 году в бывшую казарму перевели больницу для слепых. От первоначального здания сохранились лишь портик с пилястрами и треугольным фронтоном да часовня (дом 26-28 по улице Шарантон).

Надо отметить, что этот квартал был начисто лишен источников воды, и лишь в 1719 году здесь соорудили четыре фонтана, один из которых находился как раз напротив "Дома мушкетеров". Впрочем, отсутствие воды не расценивалось военными как большое неудобство: пили вино, грязное белье отдавали в стирку прачкам, а ежедневно мыться было не принято. Считалось, что вместе с водой в тело через поры кожи проникают болезни и что вода уменьшает мужскую силу. Вместо мытья полагалось несколько раз на дню менять рубашки, но и этим зачастую пренебрегали. Во французском языке до сих пор сохранилось выражение "устроить стирку по-гасконски": это значит попросту надеть грязную сорочку наизнанку. В лучшем случае водой ополаскивали руки и лицо. Бани на улице Нев-Монмартр использовались в медицинских целях, как последнее средство врачевания. Чтобы заглушить запах немытого тела, поливались духами (считалось, что они проникают внутрь организма, оберегая его от заболеваний), дыхание освежали анисовыми пастилками. Мыла не было: парижскую мыловарню еще в 1627 году преобразовали в ковровую мануфактуру, а марсельские могли обеспечить своей продукцией (предназначавшейся исключительно для стирки) только сам Марсель и его окрестности.

Как говорится, не было бы счастья, да несчастье помогло: война с Испанией положила конец импорту мыла и марсельцам пришлось развивать собственное производство. К 1660 году в Марселе было уже семь фабрик; мыло (зеленого цвета) продавали брусками по пять килограммов или кусками по двадцать килограммов, не только снабжая им север Франции, но и отправляя на экспорт – в Голландию, Англию и Германию. В 1673 году Людовик XIV объявил чистоту общественно полезной, но только в 1761 году, почти век спустя, некий Пуатевен установил в Париже, у Королевского моста, ведущего к Лувру "банный корабль" с ванными. Судя по всему, гигиена была личным делом каждого, в казармах не устраивали "банный день". Любопытный факт: в 1761 году была разоблачена некая Маргарита Гублер, называвшая себя Жаном и отслужившая почти год в королевском кавалерийском полку. Все это время она проживала в казарме со своими товарищами, которые догадались о ее половой принадлежности совершенно случайно, во время… танцев.


Канализации, как можно догадаться, не было вовсе: для физиологических нужд использовали "ночные вазы", которые потом опорожняли в повозку золотаря, каждый день проезжавшую по улицам с колокольчиком. Отбросы и нечистоты сваливали за городом, не слишком от него удаляясь. В 1750 году, уезжая из Парижа, Руссо в сердцах бросил: "Прощай, город грязи!" Парижская грязь была особенной: черной, жирной и вонючей, она отдавала серой и даже прожигала ткань при попадании на одежду. Кое-какой порядок удалось навести только Габриэлю Никола Ла Рейни (1625-1709), возглавлявшему парижскую полицию, – он заставил-таки горожан платить налог "на грязь и фонари", учрежденный еще в 1506 году. Этот налог подлежал к уплате каждые двадцать лет, им облагались домовладельцы, а полученные средства использовались для вывоза мусора с улиц и уличного освещения. До 1756 года улицы французской столицы освещали восемь тысяч фонарей, которые часто задувало ветром, да и света от них было далеко не достаточно.

https://tito0107.livejournal.com/1195115.html


Метки:  

ВСЕЛЕННАЯ МУШКЕТЕРОВ. СЕКРЕТЫ МУШКЕТЕРСКОЙ КУХНИ

Четверг, 07 Сентября 2017 г. 21:23 + в цитатник
Оригинал взят у roman_rostovcev в ВСЕЛЕННАЯ МУШКЕТЕРОВ. СЕКРЕТЫ МУШКЕТЕРСКОЙ КУХНИ
Когда д'Артаньян спросил своих друзей, как лучше употребить свою часть сорока пистолей, Атос посоветовал ему заказать хороший обед в "Сосновой шишке", Портос – нанять слугу, а Арамис – обзавестись достойной любовницей. "Скажи мне, что ты ешь, и я скажу, кто ты" – это правило действует во все времена. Заглянув в тарелку к мушкетеру, можно было понять, откуда он родом, к какой общественной страте принадлежит и какими средствами располагает.
"Завтракай, как король, обедай, как принц, и ужинай, как нищий" – эту народную мудрость не всегда и не всем удавалось соблюдать на практике. Нередко завтракать или обедать приходилось куском хлеба или парой сырых яиц, в лучшем случае – омлетом, и утешаться другой пословицей: "Кто спит – обедает".

В XVII веке еду готовили в печи или в очаге, а далеко не каждый дом был снабжен этим приспособлением. По утрам хозяйки спешили к булочнику – воспользоваться жаром его печи, еще не остывшей после выпечки хлеба, чтобы приготовить суп или поджарить мясо. Слуги мушкетеров скорее всего покупали уже готовую еду в трактирах; только богатые аристократы могли позволить себе роскошь иметь собственных поваров.

В Париже было множество приживалов, сотрапезников и прихлебателей, которые ходили по богатым домам, где держали открытый стол, и питались там "на халяву". Вполне возможно, что и мушкетеры из числа бедных дворян этим не брезговали. Зато во время военных походов старшие офицеры мушкетерских рот имели право обедать за королевским столом.

"Большой королевский стол" был ритуалом, соблюдавшимся со времен Средневековья. Ужин за большим королевским столом подавали в десять часов вечера в передней апартаментов короля или королевы; на нем присутствовали сам король, королева, их дети и внуки. Стулья монархов ставили спиной к камину; кроме них, сидеть могли только герцогини, складные стулья для которых расставляли полукругом. Позади них стояли придворные и все прочие гости. Людовик XIII отдавал дань традиции, при Людовике XIV такие трапезы устраивали чуть ли не ежедневно, при Людовике XV – гораздо реже, а при Людовике XVI – только по праздникам и воскресеньям: Мария-Антуанетта не скрывала своей скуки, присутствуя за столом, и даже не снимала перчаток.

В XVII веке во время званых обедов на стол ставили блюда, и гости должны были отрезать куски и класть себе на тарелку или просить соседей о любезности, если не могли дотянуться (индивидуальные тарелки ввел в обиход кардинал Мазарини, их так и называли – "мазаринки"). Посуда все еще была металлической: серебряной и золотой, а в простых домах – оловянной. Из столовых приборов использовали ложку и нож; вилку ввели в употребление еще в 1575 году, что стоит поставить в заслугу королеве Екатерине Медичи, однако в XVII веке ее по-прежнему считали вредной новинкой и высмеивали в сатирических произведениях. Король-Солнце запрещал пользоваться этим предметом в своем присутствии, священники проклинали эту "дьявольскую выдумку" и не разрешали пользоваться ею в монастырях. "Французская система" сервировки стола была хороша для холодных блюд, салатов и десертов, но не приспособлена для рыбных и мясных блюд, которые полагается подавать прямо с огня, пока они еще не пережарились или не остыли. В результате большое распространение получили паштеты и пироги: эстетика стояла выше вкусовых качеств. Чтобы блюда не успевали совсем остыть, их подавали в следующем порядке: первая перемена – супы и рыба; вторая перемена – основное блюдо; третья перемена – жаркое, птица, дичь; затем закуски, сыры, фрукты, десерты, варенья.

Закуски подавали на всем протяжении трапезы: они сопутствовали блюдам.

Людовик XIV не пробовал всех блюд, подававшихся на стол, их было слишком много. Он всегда ел несколько супов, клал себе добавки птицы или дичи, иногда пропускал несколько блюд, но объедался соусом. В соусы тогда крошили поджаренный хлеб, он становился густым, и король, практически не пользовавшийся столовыми приборами, предпочитал есть руками.

7 августа 1661 года Людовик XIV в сопровождении мушкетеров и гвардейцев прибыл в замок Во-ле-Виконт, принадлежавший сюринтенданту финансов Никола Фуке. По такому случаю Франсуа Ватель – кондитер, метрдотель и распорядитель торжеств – устроил грандиозный пир, накрыв восемьдесят столов и приготовив тридцать буфетов. Гостям подали пять перемен блюд из фазанов, куропаток, перепелок и овсянок на золотой посуде, а на десерт Ватель приготовил сюрприз: изобретенные им взбитые сливки. Самолюбие короля было задето: он не мог себе позволить так сорить деньгами, поскольку был вынужден переплавить собственную драгоценную посуду, чтобы покрыть расходы на Тридцатилетнюю войну. Людовик пообещал хозяину замка, что тот "о нем еще услышит", не остался ночевать и вернулся к себе в Фонтенбло, а 5 сентября д'Артаньян арестовал Фуке по приказу монарха, который заменил чересчур богатого и могущественного министра, приговоренного к пожизненному заключению, Жаном Батистом Кольбером. Ватель не знал, что король намеревается взять всю обслугу Во-ле-Виконта в недавно построенный Версаль, а потому бежал в Англию, опасаясь тюрьмы, и впоследствии поступил на службу к принцу Конде.

Принц, находившийся в опале, поскольку с оружием в руках выступил против юного короля во время Фронды, потратил последние деньги на реконструкцию замка Шантильи и 21 апреля 1671 года пригласил туда Людовика со всем двором – три тысячи человек, включая шестьсот придворных и множество слуг. Великолепные празднества продолжались три дня и три ночи; каждый вечер устраивали роскошный пир. У Вателя было всего две недели на их подготовку. В первый вечер для почетных гостей накрыли двадцать пять столов, но за двумя из них не хватило холодного супа, подававшегося на закуску, – там оказались "лишние" люди. Ватель решил, что задета его честь. В довершение несчастья, на следующий день поутру в замок не доставили заказанную рыбу и моллюсков из Булонь-Сюр-Мер, расположенного в двухстах километрах от Шантильи. Этого Ватель уже не пережил и закололся шпагой в тот самый момент, когда рыбу все-таки привезли, причем в достаточном количестве. В отличие от ужина Вателя спасти не удалось; его тихо похоронили, чтобы не испортить настроения королю, которому принц Конде из любезности проиграл своего метрдотеля в карты. Этот пир закончился для принца совсем иначе, чем для Фуке: он получил прощение короля и поправил свои финансы, одолжив монарху свою армию (одну из самых мощных в королевстве) для войны с Голландией.

В знатном и богатом семействе обычный обед состоял как минимум из трех перемен по три блюда в каждой (их ставили на стол одновременно): например, три супа, три основных блюда, три жарких; три супа, три рыбных блюда, три "вторых"; три супа, три рыбных блюда, три жарких, а потом еще закуски, фрукты, сыры, десерты.
Главенствующее место в меню отводилось густым супам, маринадам и паштетам.

Надо отметить, что одной из основ французской национальной кухни стала кухня гасконская, основанная на древних традициях Аквитании и Пиренеев. Гасконцы отличались завидным долголетием, несмотря на то, что любили плотно поесть; считалось, что этому способствует использование для жарки утиного и гусиного жира, в отличие от средиземноморской кухни, предпочитающей растительное масло, или северной, где используют сливочное. Помимо этого для гасконской кухни характерно употребление чеснока, петрушки, лука, овощей (в том числе гасконского сладкого перца), большое место отводится грибам, дичи, морепродуктам (устрицы) и рыбе (угри, миноги, сельдь; в департаменте Жиронда добывали даже черную икру), а также овечьему сыру.
В Париже д'Артаньян не чувствовал себя оторванным от родины: меню обедов в обществе его супруги в марте 1659 года, кардинала Мазарини в 1646-м или барона де Кадиллака весной 1659 года (упоминания о них сохранились в архивах) не слишком отличалось от трапез в Кастельморе.

Свежая рыба поступала в столицу из Дьеппа или Онфлера. Карпы и угри соперничали с лососем (который был сезонным деликатесом). Угрей наделяли определенными целебными свойствами (они якобы давали мужскую силу), а потому они удерживали первенство. Паштет из угрей, запеканка из лосося, блюда из карпа по старинным рецептам вступали в конкуренцию с миногами и сельдью. У первых трех видов рыбы было то преимущество, что они дольше хранились.

Из мясных блюд популярностью пользовались фаршированные телячьи или свиные ножки и холодец. Дичь ели с душком (опять же трудности с хранением).

При Людовике XIV, проводившем колониальную политику, на столе у вельмож появились редкие продукты из заморских владений Франции: ананасы, ром, тростниковый сахар, финики, лимоны, жаркое из цесарки, суп из морской черепахи.

Сахар был дорог и даже продавался в аптеках, как лекарство, а потому десертами лакомилась только аристократия. Они были многочисленными и очень сладкими: пирожные с кремом, засахаренные цветы (фиалки, розы), экзотические фрукты – свежие или сушеные, фруктовое мороженое, особенно в летнюю жару. О мороженом во Франции узнали в XVI веке благодаря Екатерине Медичи, супруге короля Генриха И: оно представляло собой фруктовый сироп на основе малины, апельсинов или лимонов, замороженный с солью. Рецепт мороженого считался государственной тайной, он стал частью приданого сестры Людовика XIII Генриетты-Марии, вышедшей замуж за английского короля Карла I. Французский кондитер Жерар Тирсен додумался добавлять в мороженое молоко и сливки. Около 1643 года появилось ванильное и шоколадное мороженое, а Ватель удивил королевских гостей, подав им "сладкий ледяной сюрприз, твердый, как мрамор". Во второй половине XVII столетия король своим декретом предоставил цеху изготовителей лимонада привилегию на изготовление фруктового и цветочного мороженого в обмен на уплату пошлины.

С XVII века во Франции начала угасать любовь к пряностям, которой пока еще не изменила вся остальная Европа. В кулинарии теперь использовали только перец, гвоздику, корицу и мускатный орех в ограниченных количествах. Изменились и ароматные приправы: вместо иссопа, руты, майорана и мяты в еду добавляли тимьян, лавровый лист, петрушку, лук, эстрагон и розмарин.
С того же времени запрет на употребление сливочного масла в пост стал менее строгим, чему немало обрадовались жители тех мест, где не произрастали масличные культуры. Масло быстро проникло во все соусы и наравне с трюфелями стало одной из отличительных черт "высокой кухни". С 1635 года использование сливочного масла привело к созданию слоеного теста, заново изобретенного Клодом Желле из Туля (слоеное тесто было известно древним грекам). На столе теперь красовались многочисленные слоеные пироги с разными начинками.

Соусы были жирными и пряными. В них использовали топленое сало, растительные масла, а теперь еще и сливочное масло. С рыбой полагалось подавать "белый соус", кисловатый из-за уксуса, но густой благодаря маслу Сметаной повара пока еще пренебрегали. Все остальные соусы делали на основе жира, стекавшего с мяса в поддон под вертелом, смешивая его с соком незрелого винограда в соотношении один к четырем и добавляя муку, яичные желтки, хлеб и масло, поджаренное на огне. Рагу для аристократа приправляли миндальным молоком с зернышками граната, артишоками, кусочками гусиной печени и т. д. В XVIII веке маршал Ришелье привез из города Маон на Балеарских островах соус "маоннез", название которого со временем преобразилось в "майонез". Соусы хранили в отдельных емкостях для использования в процессе готовки.

С начала XVIII века "французская система" подачи блюд была заменена "русской": разные блюда приносили по очереди и ставили непосредственно перед гостем. Кушанья заранее разрезали на куски на кухне, они не успевали остынуть. Перед тарелками гостей теперь расставляли бокалы для вина, ликеров, шампанского: они составляли часть сервировки. Фаянсовая посуда постепенно вытеснила собой металлическую. К 1750 году столовые приборы обрели свою окончательную форму; к ним добавилась десертная ложечка. Кроме того, в обиход вошла новая утварь: половник (суповая ложка), ложечки для соли, горчицы, рагу, специй, сахара; соусник, горчичница, кувшинчики для растительного масла, уксуса; масленка, сахарница, солонки и перечницы.

https://tito0107.livejournal.com/1194767.html


Метки:  

Троицкая церковь в селе Выголово

Четверг, 07 Сентября 2017 г. 18:55 + в цитатник
Церкви, о которых шла речь в предыдущем посте - типично барочные по формам, но таких в окрестностях Нерехты немного. Во второй половине 18 века в архитектуре тех мест продолжает господствовать традиционный тип храма, сложившийся в 17 веке - четверик, увенчанный пятиглавием с трапезной и колокольней (чаще всего шатровой) на одной оси. Барокко (а, впоследствии, и классицизм) проявляется, в основном, в декоре, впрочем, и декор зачастую следует традиционным формам узорочья. Таковы церкви в селах Выголово и Федоровское.

Выголово расположено рядом с детским лагерем, в котором я работал в 2000 году, так что пока шел туда предавался воспоминаниям. Места очень красивые.



IMG_2459.JPG
Церковь Рождества Богородицы в селе Поздеевское, 1801 г., в 3,5 км. от Выголова. Раздумывал: идти туда, или в Ковалево? Выбрал последнее.

Церковь Троицы с приделом в честь Смоленской иконы Божией Матери была построена в 1772 г.

IMG_2464.JPG

IMG_2517.JPG

Церковь давно заброшена и разрушается. Свод трапезной обрушился и теперь там растут деревья, стена, отделяющая основной объем храма от апсиды тоже грозит обвалиться. Ворота относятся к началу 20 в.

IMG_2466.JPG

IMG_2468.JPG

IMG_2502.JPG

IMG_2482.JPG
Вид на колокольню из разрушенной трапезной.

IMG_2508.JPG

IMG_2497.JPG

IMG_2490.JPG

IMG_2495.JPG
Пишут, что живопись исполнена в кон. 19 в. в позднеакадемической манере, но, по мне, выглядит очень архаично.

IMG_2498.JPG

IMG_2472.JPG

IMG_2476.JPG

IMG_2486.JPG

IMG_2483.JPG
Декор колокольни

IMG_2484.JPG

IMG_2519.JPG
Изразцы

IMG_2511.JPG

О Федоровском - в следующий раз.



https://tito0107.livejournal.com/1194721.html


Метки:  

Куда делась куча картин Репина и других русских художников

Четверг, 07 Сентября 2017 г. 11:45 + в цитатник
В "Крестном ходе в дубовом лесу" Репин изобразил своего протодьякона. Действительно, не пропадать же столь колоритному типажу. Некоторые картины и рисунки даже на фотках выглядят сомнительно.
Оригинал взят у shakko_kitsune в Куда делась куча картин Репина и других русских художников
По поводу Репина разговорились тут в комментариях, и всплыл вопрос:

Но интересно ещё вот что. При его проработке сюжета у него известных работ же должно быть раз в пять больше чем есть в наличии? Куда делись все его эскизы, графическая проработка, варианты? Похоже как раз огромный пласт где-то у коллекционеров, и даже не описан.

И тут мне вспомнился интересный старый материал о том, что нашлось в Чехии -- выкладываю.


На фото -- один из ранних вариантов знаменитого "Крестного хода".


Фото: Владимир Поморцев

Мало кто знает, что на территории Чехии хранится самая большая коллекция русской живописи за пределами бывшей Российской Империи.

Некоторые картины покупалась еще до революции чешскими русофилами, остальное привезли с собой русские эмигранты. За редкими исключениями работы самых выдающихся мастеров русского искусства десятилетиями не покидают запасников чешских музеев или надежно спрятаны в чешских частных коллекциях. Возможность увидеть хотя бы некоторые шедевры представилась лишь нынешним летом. Картинная галерея в городке Глубока-над-Влтавой в Южной Чехии устроила первую за последние полвека масштабную выставку русской живописи из чешских собраний.

1. Кураторы выставки русской живописи Петра Лексова и Властислав Токош выбирают место для картины Николая Богданова-Бельского "Чаепитие у учительницы" (1910) из собрания Остравской галереи изобразительного искусства. Всего на выставке представлено почти сто полотен, многие из которых не выставлялись по несколько десятилетий.

1.jpg

2. Портреты кисти Ильи Репина на выставке русского искусства в Южночешской картинной галерее имени Миколаша Алеша в городе Глубока-над-Влтавой. Мужской портрет (1899) из собрания Остравской галереи изобразительного искусства в современной истории вообще не выставлялся и до сих пор был известен только по черно-белым репродукциям. Портрет старика (1910) из этого же собрания, по мнению многих искусствоведов, является фальшивкой. Подпись на портрете точно подделана, а живописная манера совсем не характерна для позднего Репина.

2.jpg

3. Рабочие готовятся закрепить на стене огромную картину Ильи Репина "Пушкин на акте в лицее 8 января 1815 года читает свою поэму Воспоминания в Царском Селе" (1911) из собрания Пражского Града. Самое крупногабаритное произведение русской живописи в чешских собраниях было приобретено в 1933 году лично первым президентом Чехословакии Томашем Масариком за 120 тысяч чехословацких крон и с тех пор украшает одно из служебных помещений Пражского Града. За последние полвека картина выставляется лишь второй раз.

3.jpg

4. Посетители выставки русского искусства перед картиной Ильи Репина "Автопортрет за работой" (1915) из собрания пражской Национальной галереи. Автопортрет был написан по заказу Игоря Грабаря, тогдашнего директора Третьяковской галереи, однако по неизвестным причинам не был куплен Третьяковкой и впоследствии оказался в Чехословакии. Один из ключевых шедевров позднего периода творчества Репина последний раз выставлялся в 1950-е годы.

4.jpg

5. Куратор выставки Петра Лексова выбирает место для картины из библейского цикла Василия Поленова "За кого меня почитают люди" (1909) из собрания пражской Национальной галереи. Справа видны пейзаж Василия Поленова "Татарская деревня в Крымских горах" (1905) из этого же собрания и картина Юлия Клевера "Старая Москва" (1912) из собрания Находской галереи изобразительного искусства.

5.jpg

6. Рабочие вывешивают картину Ивана Айвазовского "Прибрежный пейзаж с церковью в полнолуние" (1852) из собрания пражской Национальной галереи. Картина была приобретена музеем в 1953 году у частного коллекционера. Всего в запасниках чешских музеев хранится почти три десятка полотен Айвазовского.

6.jpg

7. Куратор выставки Петра Лексова помогает перенести картину Филиппа Малявина "Каменоломня" (1930-е годы) из собрания Остравской галереи изобразительного искусства. В 1933 году в Праге с большим успехом прошла персональная выставка Филиппа Малявина. Многие его картины тогда были куплены местными коллекционерами и остались в Чехословакии.

7.jpg

8. Кураторы выставки Юлия Янчаркова и Властислав Токош переносят картину кисти Филиппа Малявина "Молодуха" (1925) из собрания Остравской галереи изобразительного искусства. Картины русских художников из чешских собраний не выставлялись десятилетиями, поэтому часто даже специалисты не имеют представления о хранящихся там произведениях. Эта картина, например, хоть и приписывается Филиппу Малявину, однако подозрительно напоминает картину Абрама Архипова "Молодуха из Рязанской губернии" из собрания пражской Национальной галереи.

8.jpg

9. Рабочие вывешивают крупноформатное полотно Александра Александрова "Стенька Разин" (1912) из собрания Находской галереи изобразительного искусства.

9.jpg

10. Картина Михаила Нестерова "Благословение" (1923) из собрания Остравской галереи изобразительного искусства.

10.jpg

11. Рабочие закрепляют на стене картину Ильи Репина "Пушкин на акте в лицее 8 января 1815 года читает свою поэму Воспоминания в Царском Селе" (1911) из собрания Пражского Града.

11.jpg

12. Кураторы выставки Властислав Токош и Петра Лексова выбирают место для картины Николая Богданова-Бельского "Герой минувшей войны" (1924) из собрания пражской Национальной галереи.

12.jpg

13. Первые посетители выставки русской живописи в Южночешской картинной галерее имени Миколаша Алеша в городе Глубока-над-Влтавой перед картиной Виктора Васнецова "В костюме скомороха" (1882) из коллекции Третьяковской галереи. Почти сотня полотен из запасников чешских музеев, многие из которых не выставлялись по несколько десятилетий, удалось дополнить тремя картинами из знаменитого московского собрания.

13.jpg

14. Картина Ивана Шишкина "Утро в лесу" (1888) из собрания пражской Национальной галереи.

14.jpg

Одним из крупнейших собраний русской живописи на территории Чехии располагает картинная галерея небольшого городка Наход на чешско-польской границе.

При коммунистах сюда передали фонды расформированного Славянского института Академии наук Чехословакии. Возможность увидеть хотя бы некоторые шедевры этой коллекции представляется раз в два года, когда в Находской галерее проходит традиционная выставка русского искусства.

***

15. Подготовка к выставке русской живописи в Находской галерее изобразительного искусства. Сотрудница галереи Марцела Троянова выносит из запасников картину Сергея Светославского "Весеннее половодье" из собрания галереи.

15.jpg

16. Директор Находской галереи Ян Капуста и его сын Ян переносят картины Филиппа Малявина "Весна" (1927) и Абрама Архипова "Молодуха из Рязанской губернии" (1920-е годы) из собрания пражской Национальной галереи.

16.jpg

17. Картина Василия Поленова "Татарская деревня в Крымских горах" (1905) из собрания Национальной галереи.

17.jpg

18. Сотрудники Находской галереи вывешивают полотно Ильи Репина "Крестный ход в дубовом лесу" (1877–1924) из собрания Галереи современного искусства в городе Градец-Кралове.

Художник работал на этой картиной в общей сложности почти полвека, несколько раз кардинально меняя композицию и цветовое решение. После посещения Коренной пустыни в окрестностях Курска в 1881 году он отложил почти готовое полотно и начал новую картину. Так появился знаменитый "Крестный ход в Курской губернии", ныне хранящийся в Третьяковской галерее. Только 1891 году "Крестный ход в дубовом лесу" был впервые показан на выставке, а продать картину удалось лишь три десятилетия спустя. В 1925 году на пражской выставке Репина картину прямо у автора приобрел чешский промышленник Томаш Маглич. Непосредственно перед продажей 80-летний художник третий и последний раз переработал картину. Сегодня "Крестный ход в дубовом лесу" считается самым значительным и одновременно одним из самых крупногабаритных произведений русской живописи в чешских собраниях.

18.jpg

19. Портреты Николая Васильевича Лопухина и его супруги Екатерины Николаевны Лопухиной кисти неизвестного русского художника начала XIX века и другие картины русских художников в запасниках Находской галереи изобразительного искусства.

19.jpg

20. Подготовительные наброски Ильи Репина к картине "Запорожцы пишут письмо турецкому султану" (1890).

20.jpg

21. Директор Находской галереи изобразительного искусства Ян Капуста с сыном выносят из запасников картину Ивана Шишкина "Елагинский парк в Петербурге" (1896) из собрания пражской Национальной галереи.

21.jpg

22. Сотрудница Находской галереи изобразительного искусства Марцела Троянова готовит выставочное паспарту для карандашного рисунка Ильи Репина "Портрет молодого человека" (1870) из собрания галереи.

22.jpg

23. Сын директора Находской галереи изобразительного искусства Ян Капуста выносит из запасников портрет писателя Александра Николаевича Струговщикова кисти Карла Брюллова из собрания галереи. Принято считать, что это авторское повторение портрета, хранящегося ныне в Третьяковской галерее, хотя сегодня некоторые искусствоведы ставят под сомнение авторство Брюллова. Картина попала в Чехословакию в 1930-е годы из частного собрания в Берлине.

23.jpg

24. Картина Абрама Архипова "Молодуха из Рязанской губернии" и картина Филиппа Малявина "За самоваром" в запасниках Находской галереи изобразительного искусства.

24.jpg

25. Картина Владимира Маковского "Свадебная процессия в Орловской губернии" (1888) из собрания Национальной галереи.

25.jpg

***

Произведения русских художников из чешских частных собраний время от времени всплывают на аукционах.

Так в октябре 2010 года на аукционе пражской галереи Pictura была продана картина Филиппа Малявина "Портрет певицы Надежды Плевицкой в костюме боярыни Курской губернии". Исполнительница русских романсов Надежда Плевицкая была чрезвычайно популярна в дореволюционной России. Большим почитателем таланта "курского соловья" слыл царь Николай II. Потом последовали долгие годы эмиграции и в конце-концов смерть в заключении во французской тюрьме, куда певица попала по обвинению в пособничестве НКВД при похищении генерала Миллера. Филипп Малявин написал портрет Плевицкой в 1924 году.

Картина демонстрировалась на персональной выставке художника в Праге, после чего осела в одной из местных частных коллекций. Работ кисти русских художников такого уровня не всплывало на чешских аукционах уже около десяти лет. В итоге портрет был продан за 2,5 миллиона крон (примерно 120 тысяч долларов) при стартовой цене 650 тысяч крон (примерно 30 тысяч долларов). Причем менее чем через год картина была перепродана на лондонском аукционе MacDougall's почти втрое дороже. Неизвестный покупатель заплатил за полотно уже 233,7 тысяч фунтов (примерно 375 тысяч долларов).

26. Картина кисти Филиппа Малявина "Портрет певицы Надежды Плевицкой в костюме боярыни Курской губернии" (1924) на предаукционной выставке в пражской галерее Pictura.

26.jpg

Еще более неожиданным результатом закончилась продажа неизвестной картины кисти Константина Маковского "Рождение Венеры" на аукционе пражского аукционного дома Dorotheum в марте 2013 года. Старший брат знаменитого передвижника Владимира Маковского в своем творчестве вдохновлялся французской салонной живописью. Обнаруженная в одной чешской частной коллекции картина "Рождение Венеры" является прекрасным примером позднего периода творчества этого художника. Картина была продана с аукциона почти в десять раз дороже стартовой цены. Анонимный покупатель предложил за полотно 10,2 миллионов крон (примерно 525 тысяч долларов) при стартовой цене 1,2 миллиона крон (примерно 62 тысячи долларов).

27. Картина Константина Маковского "Рождение Венеры" на предаукционной выставке пражского аукционного дома Dorotheum.

27.jpg

Самым дорогим произведением русской живописи, проданным на чешских аукционах за последние годы, стала картина кисти Константина Коровина "Летний день. Охотино". Рекордная сделка была совершена на аукционе пражского аукционного дома Dorotheum. Константин Коровин написал этот пейзаж летом 1916 года на своей даче в местечке Охотино Владимирской губернии. Впоследствии полотно приобрел чехословацкий дипломат Йозеф Кошек, первый консул Чехословакии в Латвии. Долгие годы картина хранилась в семье наследников дипломата. В мае 2012 года пейзаж был продан анонимному покупателю за рекордных 11,7 миллионов крон (примерно 560 тысяч долларов) при стартовой цене 1,9 миллиона крон (примерно 92 тысячи долларов). Причем всего через год картина была перепродана на лондонском аукционе MacDougall's за вдвое большую сумму. В июне 2013 года новый владелец заплатил за "Летний пейзаж" уже 747 тысяч фунтов (примерно 1,1 миллиона долларов).

28. Сотрудник пражского аукционного дома Dorotheum устанавливает картину кисти Константина Коровина "Летний день. Охотино" (1916) на предаукционной выставке.

28.jpg

Далеко не всегда произведения русских художников находят своего покупателя. Так в марте 2009 года пражский аукционный дом Meissner Neumann безуспешно пытался продать набросок Ильи Репина к его знаменитой картине "Бурлаки на Волге". Желающих выложить почти пять тысяч евро за карандашный портрет бурлака Ваньки Каина не нашлось.

29. Супруга владельца пражского аукционного дома Meissner Neumann Дана Нойманова демонстрирует набросок Ильи Репина к картине "Бурлаки на Волге" на предаукционной выставке.

29.jpg

30. Владелец аукционного дома Meissner Neumann Ян Нойман ведет аукцион.

30.jpg

Последняя громкая продажа случилась в ноябре 2013 года, когда на аукционе пражского аукционного дома Dorotheum было выставлено первоклассное полотно Ильи Репина "Наталья Нордман за книгой". Портрет второй жены художника был написан предположительно летом 1900 года на австрийском курорте Целль-ам-Зе. Сам Репин никогда не расставался с этой картиной, как, впрочем, и с другими портретами своей супруги, которую он пережил на пятнадцать лет.

После смерти художника в 1930 году картина перешла по наследству к его дочери от первого брака Татьяне Ильиничне Репиной-Язевой. В марте 1934 года она демонстрировалась на выставке русских художников в Остраве. Очевидно сразу после выставки портрет был продан одному из чешских ценителей живописи. С тех пор почти восемьдесят лет картину никто не видел, хотя она и упоминалась в монографии Игоря Грабаря о Репине, изданной в Советском Союзе в 1937 году. Безупречный по качеству и происхождению портрет кисти Репина был продан анонимному покупателю из России за 5,98 миллионов крон (примерно 296 тысяч долларов). С учетом комиссионных аукционного дома, цена за картину составила 7,1 миллионов крон (примерно 356 тысяч долларов) при стартовой цене 3 миллиона крон (примерно 157 тысяч долларов).

31. Сотрудник пражского аукционного дома Dorotheum устанавливают картину Ильи Репина "Портрет Натальи Нордман" ("Наталья Нордман за книгой") на предаукционной выставке.

31.jpg

32. Картина Константина Маковского "Рождение Венеры" на афише аукционного дома Dorotheum.

32.jpg

Одна из самых значительных частных коллекций русской живописи на территории Чехии на короткое время стала доступна для обозрения в Музее русского искусства, открывшемся в декабре 2010 года в самом центре Праги. Коллекционер Валерий Ларионов почти четверть века целенаправленно занимался поиском и покупкой картин русских художников, осевших в чешских собраниях. Результатом его усилий стала превосходная коллекция, насчитывающая более четырехсот произведений живописи и графики, которая и легла в основу экспозиции нового музея.

33. Первые посетители пражского Музея русского искусства перед портретом мадам Франкенштейн (1875) кисти Ильи Репина.

33.jpg

34. Подготовка к открытию Музея русского искусства.

34.jpg

35. Рабочий выравнивает картину Федора Бурхардта "Весенний пейзаж на Волге" накануне открытия Музея русского искусства.

35.jpg

36. Проверка уровня освещенности на портрете Маши Морозовой кисти Владимира Россинского накануне открытия музея.

36.jpg

37. Первые посетители пражского Музея русского искусства перед картиной "Переход горцев через реку на рассвете" (1880) кисти Франца Рубо. К сожалению, музей закрылся спустя всего полгода после открытия.

37.jpg

38. Книга чешского искусствоведа Владимира Фиалы "Русская живопись в собраниях Чехословакии" вышла в 1974 году и до сих пор остается единственным серьезным исследованием на эту тему. Многие картины русских художников сегодня известны только по цветными или черно-белым репродукциям в этой книге. Например, картина Абрама Архипова "Смеющаяся женщина в красном" (1924) из собрания пражской Национальной галереи последний раз выставлялась в 1961 году.

38.jpg

Фотографии этого очерка сняты в период с февраля 2009 года по июнь 2015 года.

Copyright © 2015 Vova Pomortzeff
Оригинал статьи - вообще очень рекомендую этот сайт

Автор фотографий:
Документальный фотограф и фотожурналист.
Последние шестнадцать лет живет и работает в Праге.
Член Союза журналистов России.
Сотрудничает с фотоагентством Focus Agentur, Германия.
UPD unclesasha
Ф. Малявин. "Европа под угрозой". 1926
Обнаружил её в художественном музее города Острава в Чехии.


https://tito0107.livejournal.com/1194383.html


Метки:  

Хедрик Смит о советских СМИ

Четверг, 07 Сентября 2017 г. 11:01 + в цитатник
"Ежевечерний 30-минутный выпуск телевизионных новостей состоит из длинного перечисления данных о сборе зерна «нашими выдающимися тружениками» украинского колхоза «Заря Коммунизма», сообщений о том, что ударники Магнитогорского металлургического комбината обязались завершить план года на три недели раньше срока и из интервью с ливанским коммунистом, который ухитрился ответить на один вопрос непрерывным пятиминутным речитативом, лишь незначительно отличавшимся от передовицы «Правды» о событиях на Среднем Востоке. Эти основные темы подводили к изображениям из Ирландии, демонстрации перед американским посольством в Греции, различным спортивным новостям и сообщениям о погоде. Сопровождением текста главных тем служат заготовленные киноизображения зерна, сыплющегося в железнодорожные вагоны, хлебоуборочных комбайнов, стройными рядами движущимися по полям, и сталеваров, разливающих пышущий жаром металл из ковшей в ряды раскалённых белых слитков, по которым скользит объектив камеры. Темы и изображения не меняются изо дня в день и не имеют отношения к дате съёмки...

Советские читатели становятся экспертами и в извлечении кочерыжки новости из кочана пропаганды. Некоторые из моих знакомых интеллектуалов поняли в 1973 году, что президент Египта Анвар Садат выслал из страны советских военных советников, когда советская пресса опубликовала небольшую заметку о том, что египтяне поблагодарили советских специалистов за успешно завершенную миссию (хотя многие другие такого вывода из этого сообщения не сделали). Кто-то догадался, что 1972 и 1974 год были неурожайными из-за того, что в эти годы не были, как обычно, опубликованы бодрые данные о валовом сборе зерна. Одна знакомая супружеская пара поняла, что под городом Сочи произошла авиакатастрофа, заметив в газетах пять некрологов подряд с именами супругов и словами сожаления о «безвременной кончине» - эвфемизме, часто употребляемом для обозначения смерти от несчастного случая. Ещё одна методика заключается в том, чтобы проецировать внутрь страны склонность советских пропагандистов к рассказам о проблемах других стран.
«Если вы прочтёте в нашей прессе о большой авиакатастрофе в Америке, это значит, что подобное событие произошло у нас», - сказала одна сотрудница издательства литературы для детей.
«Это не совсем так, - поспешил поправить её муж. – Дело происходит следующим образом: если в России была авиакатастрофа, то в следующем месяце советская пресса опубликует подборку о крушениях самолётов в Америке, Западной Германии, на Формозе – где угодно. Вот так мы можем судить, что и у нас что-то подобное случилось». Та же самая логика, по его словам, была применима и к эпидемиям, повышению цен, увеличению преступности, в отношении плохого урожая, перебоев в водоснабжении, посадки политзаключённых и т.д. Западные проблемы преподносятся как наглядные уроки плохой жизни при капитализме и служат для отвлечения от подобных проблем у себя дома."


https://tito0107.livejournal.com/1194107.html


Метки:  

Почему Репин дешевле Малевича и Кандинского?

Вторник, 05 Сентября 2017 г. 11:37 + в цитатник
Оригинал взят у shakko_kitsune в Почему Репин дешевле Малевича и Кандинского?
Уважаемый читатель спрашивает:
— Я вот смотрю на всякие продажи на аукционах картин русских художников, и не понимаю, почему Репин продается дешевле, чем Малевич и Кандинский? Он же лучше!




Отвечаю на первую часть вопроса "почему дешевле"
(реплика "он же лучше" является вкусовщиной и ответу не поддается).

Итак, Малевич и Кандинский продаются дороже Репина, потому что:


1) ...потому что Репин — это "старый мастер", а они — нет.

Кто такие "старые мастера"? У искусствоведов в различных странах есть разные оттенки этого определения, но можно грубо обобщить — это вот такие великие художники, которые творили после Средневековья и примерно до Новейшего времени. Отличались великолепной техникой, красотой и проч. Рафаэль, Леонардо да Винчи, Вермеер, Дюрер и так далее. Те самые художники, картины которых — основное ядро коллекции классического музея; а любовь к ним — признак хорошего воспитания.

"Старых мастеров" можно найти и в XIX веке, но к его концу они иссякли (потому что в 1860-е появляется "модернизм" — с приходом импрессионистов, потом постимпрессионизм и так далее; кто пропустил выпуск моих ответов про отличие этого друг от друга и периодизацию ХХ века — читайте тут).

Про русских художников говорить "старые мастера" не вполне корректно, потому что у нас светская живопись появилась поздно, в 18 веке, но для того, чтобы отличить Репина, Сурикова и прочих реалистов, передвижников и академистов от тех, кто наступит им на пятки — авангардистов, он сойдет.

Тициан. "Венера Урбинская". 1538.

Эдуард Мане. "Олимпия". 1863


— Так вы чепуху говорите, по определению же тогда получается, что "старые мастера" должны быть дороже, потому что это общепризнанные гении уже много веков и авторы великих шедевров. А новые художники — недавно появились, наоборот. Старое вино драгоценней, чем древнее книга — тем ценнее, и проч.

Нет, тут именно что есть парадокс, я все правильно говорю.
Этот парадокс связан с рынком, концепцией спроса и предложения.
Как раз по той причине, что "старые мастера" такие великие, знаменитые, а также потому, что они старые, их картины на аукционах стоят дешево.

Потому что
до аукционов от "старых мастеров" добираются только ОБЪЕДКИ.



Вот, например, Дюрер.
Про него уже пятьсот лет всем известно, что он великий. И уже пятьсот лет за его наследием охотятся коллекционеры, причем начавшие это делать еще при жизни художника. Причем делают это коллекционеры, имевшие все возможности для этой охоты, включая военные, потому что это были короли и герцоги. Естественно, что уже к началу XIX века все "дюреры" были хорошо и надежно пристроены, иногда и с криминалом, которым не гнушались собиратели (вот история про короля, например). Поэтому на аукционах его не продают, поэтому и цены, стоимости у него нет (только какая-нибудь страховочная).

Та же самая ситуация, скажем, с Тинторетто. Все его качественные вещи давно уже "сосватаны" и давно нашли свой дом. На рынке появляется только всякая фигня, из маленьких церквей, монастырей, позабытых коллекций и так далее. И их качество, художественный уровень (красота), сохранность, количество авторских повторений, а также доверие к ее происхождению (не подделка ли) и правильной атрибуции (не ученик ли, не мастерская/конвеер) достаточно малы, и все это влияет на понижение цены.

Вот, посмотрите, картина
Тинторетто "Святая Екатерина и ангел".

В прошлом году она была продана на Сотбис всего за 190 тыс. фунтов (ок. 240 тыс. долларов).
Картина происходит из коллекции певца Дэвида Боуи. Как она попала в его руки? После наполеоновских войн, в 1818 году, какой-то английский полковник был в Италии, купил, и привез в Британию, там она и наследовалась. (Наполеоновские войны были одним из последних крупных переделов искусств; как и все войны впрочем).

Картина, действительно, так себе. Сравните с этой музейной
Тинторетто. "Появление Млечного пути".


Чем красивей картина (да, так тупо), тем она дороже продается.

Чем она качественней, чем знаменитей — тем она дороже.

А также — чем она типичней, характерней для творчества мастера.
Вот, гляньте, на какое произведение Репина-то аукционный рекорд поставлен — 7,43 млн. долл.

Илья Репин. "Парижское кафе" (1875)

Да кто в здравом уме вообще подумает, что это "репин"?
Никто. Это "картина Репина", но не "репин" (с маленькой буквы). Скажи мне кто, что это Джеймс Тиссо, могу вполне поверить.

Происходит оно из частной коллекции, что логично. Это полотно в 1916 году купил один шведский коллекционер (русские сразу поняли, что это не "репин", и он нафиг им был нужен), и с тех пор оно оставалось скрытым от глаз публики. За 95 лет его показывали только трижды — последний раз на предаукционной выставке в Москве в XXI веке.

Сценка из парижской жизни написана молодым художником во время его учебы в Париже. Тогда он еще не заматерел, еще не создал свой бренд, поэтому позволял вот такие вещи.

Сравните вот эту картину Валентина Серова —
14,5 млн. долл, "Портрет Марии Цетлиной",
с музейными вещами его ("Портрет Орловой").



Серов, "Портрет Прасковьи Мамонтовой" (1,9 млн. долл.)
и его же "Девочка с персиками" (Портрет Веры Мамонтовой, ее кузины).



Объедки.

Если б кисти Репина и Серова продавались настоящие шедевры, цена бы на них была совсем другой.

***

Та же самая ситуация со всеми "старыми мастерами" в мире.
Все уже давно поделено.

Последний крупный относительно некриминальный выброс "товара" 1-го сорта случился в 1930-х, когда большевики распродавали Эрмитаж. Тогда хозяйственные американцы приобрели для своих музеев великие шедевры.

Тициан. "Венера перед зеркалом". Ныне в Вашингтоне, а был в Питере.


После этого еще бывали переделы — в первую очередь Вторая мировая война: конфискаты картин нацистами и позже "грабь награбленное" воинами-победителями (вот пример про недавно найденного в России "рубенса").
Но это считается неприличным, были приняты законы о реституции, и подобные приобретения сейчас многие государственные музеи вынужденны отдавать обратно, если наследникам еврейских коллекционеров удается доказать злой умысел.

Вот, например, "Золотая Адель" Климта целых 65 лет провела в венском государственном музее. Но в 2006 году потомку владельца удалось доказать экспроприацию, картину отдали ему, и он за 135 млн. долларов быстренько продал ее американцу. Вена потеряла свой знаковый шедевр.



То есть, чтобы Репин установил на аукционе гигантский рекорд, теоретически лучший рецепт — это сменить правительство в России, например, на монархию, и чтобы император приказал продать музейных "Бурлаков на Волге" (кстати, честно купленных его предками за кровные рубли, целых 3 тысячи; великий князь Владимир Александрович в бильярдной повесил). Вот тогда посмотрим, сколько за них дадут, это ж не раннее "Парижское кафе".

Есть и другой ныне вариант, как на арт-рынок попадают шедевры старых мастеров.

Обычно это Англия: продавец — какой-нибудь чистокровный герцог, у которого имеется прапрадедушка, в период наполеоновских войн, а то и реставрации Карла II, купивший картину в Италии.
Чем это "хорошо" — эти картины всем хорошо известны, они двести лет на виду, везде опубликованы, репутация у них безупречная, все их в герцоговском замке видели, еще Байрон про них в фейсбучек гадость написал, что задницы у теток там толстые.

Если глянуть List of most expensive paintings, то большинство "старых мастеров" в таблице — именно такие.

— Но я смотрю этот список, и Тицианы и Рубенсы там все равно дешевле всякого "современного искусства"!

Ага, но только там другой процесс ценообразования потому что.
Обычно это происходит так. Пропившийся и разорившийся герцог объявляет, что у него завалилось барахлишко на продажу. Кристис и Сотбис начинают кружить аки соколы. Государство (Великобритания) объявляет мораторий на продажу. Устанавливается определенный срок, в течении которого государство может собрать деньги на выкуп данной картины у герцога-кокаиниста. Причем герцог знает — на аукционе он бы ее продал миллионов за 140, а музею придется продать за 40, но за эту "доброту" ему будут определенные бонусы. И в течении, скажем, года, музей краудфайтингом собирает пожертвования на выкуп картины.

Тициан. "Диана и Актеон",
продан герцогом Сазерлендом за 50 млн. долл. Лондонской национальной галерее в 2009 году.



Иногда случается, что не набирается назначенная сумма — если картина "некрасивая", незнаменитая, плохо пропиаренная. Так был продан ранний портрет какого-то негра, который то ли первым что-то сделал, то ли что-то еще, к сожалению, детали забыла, а так найти не могу. Денег на выкуп картины у хозяина британский музей найти не сумел, картина уехала.

Так что цены на подобным образом выкупленных "старых мастеров" в списке самых дорогих картин не являются отражением их истинной коммерческой стоимости, а лишь результатом частной договоренности. Что было бы, попади они на открытый рынок — неизвестно.

***

А еще есть мой "самый любимый" способ, каким в продажу попадают старые мастера. Я о нем все время по тэгу "art & crime" пишу. Это когда висела себе картина в частной коллекции, считалась работой анонимного художника или какого-нибудь с фамилией, но полного лузера, всеми позабытого.
И вдруг специально обученные вольно пасущиеся искусствоведы ВНЕЗАПНО обнаруживают, что на самом деле это картина Леонардо да Винчи.

Свеженайденный "леонардо" - "Спаситель мира"


Картину втюхивают какому-нибудь восторженному коллекционеру. В данном случае обнаружилось, что русскому.
Причем позже выяснилось, что русского нагрели как минимум на 25 миллионов долларов: посредник взял у него 118 млн., а владельцам картины заплатил 93 млн. Если копать эту историю дальше, то криминала всплывет больше, но кто знает правду.

Поэтому одно дело, когда происходит переатрибуция картины в стенах музея (хотя музею тоже приятно, если у него вдруг образовалось из неизвестности громкое имя). А другое — когда у картины в частном собрании "вдруг узнают" великого автора, или такую картину обнаруживают на чердаке/в подвале/под подушкой у бабушки. Сплошной скепсис и понимающие улыбки.



***

Итак, первая мораль такая: условные Малевич и Кандинский продаются дороже условного Репина, потому что они "новее", на рынке их кисти качественных вещей больше, не все расхватаны по музеям.

Есть и второй пункт:
Малевич и Кандинский продаются дороже Репина, потому что:

2) ...потому что Репин — это "великий русский художник", а Кандинский — это просто "великий художник".

Вот сейчас будет обидно для национальной гордости, но куда деваться.

Изобразительное искусство России в основной массе своей— "провинциально". Официальный термин. Есть арт-центры (Париж например), а есть "провинция".

Виноват не только географический фактор, но и то, что в Европе светское искусство появилось в 1400-х, а у нас в 1700-х. Триста лет форы — это вам не баран чихнул.

Неизвестный русский художник. Портрет Г. Чернышева. 1740-е.
Томас Гейнсборо. Портрет супругов Эндрюс. 1750. (Кстати, приобретена Лондонской портретной галереей у потомков в 1960 году кстати тоже на средства от нескольких пожертвователей)


Учителя тоже были не очень: весь XVIII век из европейских художников к нам приезжали работать в основном лишь глубоко безработные несчастные алкоголики.

То, что было у нас в XIX веке — для нас это очень важно (Иванов, Репин, Суриков, Серов), но в Европе в каждой стране было ровно то же самое, свои местные региональные мастера, которые работали в аналогичных течениях.

Мы смотрим на "наши" картины и типа чувствуем гордость, а европейский искусствовед с большой эрудицией видит, что наши просто "ловили ту же волну".

Хрестоматийный пример — история с поддельным "шишкиным", когда за, скажем, 10 тыс. долларов был куплен европейский представитель той же дюссельдорфской пейзажной школы, где Шишкин учился, а после добавления фальшивой подписи и трех медведей этого "шишкина" продали за миллион.

Проверить себя и узнать, кто автор (и из какой страны) можно, подведя курсор на картину.






Для нас фамилии испанца Сорольи и шведа Цорна, авторов некоторых из картин выше — белое пятно, они известны лишь эрудитам. Так и для шведов с испанцами — Репин и Серов. В отличие от Кандинского.

***

Есть лишь два периода русского периода, которые считаются "великими" — это иконопись Древней Руси (и то лишь отдельными кусками); а также русский авангард.

Почему второе случилось — вообще непонятно.
Если говорить словами лжепророка Льва Гумилева, именно в начале ХХ века внезапно центр пассионарности заполыхал на территории России, и началось единственное время, когда наша родина начала пачками выдавать таланты и открытия.

Эль Лисицкий. Клином красным бей белых. 1919


Дополнительный аспект: большинство из этих художников мудро свалили из нашего дурдома в 1910-1920-х, приобрели славу за рубежом и стали истинными "гражданами мира".

Поэтому в списках "самых дорогих русских художников" первые строчки стабильно занимают эмигранты, покинувшие Россию (Империю, Союз) в 30-летнем, 20-летнем, а некоторые даже в 10-летнем возрасте, и "русского" у них только место рождения порой, зачастую даже не пятая графа не совпадает.

Но мир знает именно их.
И "репиных" и "серовых" продает на специальных "Русских торгах" — это когда специально для безумных русских миллионеров выделяют специальную неделю аукционов, и они могут вальяжно бегать между лондонскими залами Сотбис, Кристис, Бонемс, Макдугалл и так далее. И никто, кроме русских, эти вещи не покупает.

А Кандинского с Малевичем, а также Шагала, Хаима Сутина, Ротко, Явленского, Веревкину, Гончарову и проч. — ставят просто так, без национальности, на торги модернистского "западного искусства", вместе с другими великими мастерами ХХ века.

Наталья Гончарова. "Испанка". Ок. 1910. 6,43 млн. фунтов (ок. 11 млн. долл.)



Итак, вторая мораль такая — те, кем мы гордимся дома, для западного зрителя могут быть совсем непонятными и неизвестными. А порой даже смешными (как в этой реакции итальянцев на репинскую "Царевну Софью").

На самом деле, на вопрос, почему искусство ХХ века стоит так дорого, нужно отвечать еще долго, многими пунктами.
Но к ним сравнение с Репиным уже не будет иметь никакого отношения, поэтому пока остановлюсь здесь.

***

Предыдущие выпуски рубрики читайте по тэгу "вопросы про искусство".

Интересующие вас глобальные вопросы про искусство задавайте в комментариях, можно самые дурацкие, не стесняйтесь, на них интересней всего отвечать, меня заносит в удивительные дебри.

***
Подписывайтесь на мой канал с трансляциями в телеграмме.

Списки для любопытства и расширения кругозора:
ПРАВИЛА БЛОГА: нельзя материться, ругать любые национальности, оскорблять комментаторов и меня.
А также нельзя обзывать нехорошими словами картины и художников (да, вот такое непривычное правило пришлось ввести).


https://tito0107.livejournal.com/1193755.html


Метки:  

Рогир ван дер Вейден. Четыре лика святого Луки (текст и новое видео)

Понедельник, 04 Сентября 2017 г. 12:05 + в цитатник
Оригинал взят у lilac2012 в Рогир ван дер Вейден. Четыре лика святого Луки (текст и новое видео)
Оригинал взят у agritura в Рогир ван дер Вейден. Четыре лика святого Луки (текст и новое видео)

Рогир ван дер Вейден "Святой Лука пишущий портрет Мадонны с Младенцем". Фрагмент Бостонской картины

У меня кода-то уже был рассказ о Рогире ван дер Вейдене, но он был обзорный и не очень удачный. Думаю, есть смысл подробнее остановиться на некоторых его работах, ведь его значимость в Ранней Нидерландской живописи практически равнозначна значимости Яна ван Эйка, он разве что несколько уступает в живописной технике.



Я залила новое видео (второе о Рогире) на свой канал, кому облом читать, можете посмотреть и послушать, там о "Луке" есть немного.

Также подобный рассказ есть в моей книге, но не все же кинулись ее скачивать и читать, так что здесь можно с некоторыми фрагментами повествования ознакомиться. Кроме того, если вы думаете, что я просто взяла кусок из книги и тупо вставила его в блог, то вы меня плохо знаете - простых путей мы не ищем!



Рогир ван дер Вейден "Святой Лука пишущий портрет Мадонны с Младенцем". 137 × 110 см (Бостонская версия)

Существует версия, предполагающая, что картина была написана в честь назначения ван дер Вейдена главой гильдии святого Луки и главным городским художником Брюсселя. Это весьма возможно, ведь в образе святого Луки художник скорее всего изобразил себя Традиция "присваивать" апостолу-иконописцу свое лицо, появилось у художников как раз в XV, и не исключено, что начал ее как раз Рогир ван дер Вейден. Святой Лука-евангелист издавна считался покровителем живописцев и, соответственно, покровителем гильдии художников. Кстати, интересно, что в Брюсселе это была гильдия художников и седельщиков, вероятнее всего потому, что седла делали из тисненной кожи, на которой продавливали узоры и изображения. Видимо, это ремесло считалось чем-то сходным с живописью.


"Евангелист Лука, пишущий икону Богородицы". Русская икона XVI века

Святой Лука не был одним из 12 ближайших апостолов, но был учеником и сподвижником Христа ("апостол из семидесяти"). Считается, что он написал третье по счету евангелие Нового завета (синоптическое), содержащее много деталей из жизни Иисуса и его близких, которых не было в других евангелиях – это говорит о том, что Лука входил в круг приближенных Христа. Считается, что Лука был врачом, в своем евангелии он называет себя лекарем и очень подробно описывает симптомы заболеваний, которые на его глазах излечивал Спаситель. Что для нас важно для нашего рассказа, он же по более поздней легенде был первым художником, написавшим икону с ликом Богородицы.


Фрагмент картины и рисунок Рогира ван дер Вейдена из Лувра (все картинки в посте кликабельны)

Если такой персонаж существовал исторически, был он человеком незаурядным – весьма образованным и всесторонне одаренным: лекарь, художник и писатель в одном лице (прям как я, Господи). Ведь апостолы, в основном, были очень простыми людьми – рыбаками, ремесленниками, да и сам Христос был из семьи плотника (кровельщика, "тектона"). Предполагают, что Лука был единственным апостолом-неиудеем, он происходил из семьи образованных греков. Как уж он затесался в группу учеников молодого иудейского проповедника, не известно.

Первое упоминание о нем, как о живописце, создавшем первую икону с изображением Богородицы, появляется в VI веке в "Церковной истории" Федора Анагноста. Предание рассказывает, что апостол Лука пытался по памяти написать портрет Марии с младенцем, но у него ничего не получалось – через много лет он почти забыл ее лицо. Когда он после множества попыток почти уже отчаялся, Богоматерь сжалилась над ним и явилась ему, чтобы позировать.


Четыре варианта картины (слева направо): Бостонский музей, Эрмитаж, Мюнхенская пинакотека, Музей Брюгге

В годы гонений изображение якобы бережно сохранялось ранними христианами и использовалось как тайный объект поклонения. Из Иерусалима его переправили в Константинополь, где после принятия христианства в качестве официальной религии Византийской империи икону явили миру и с нее было сделано несколько списков. С тех пор существует довольно много икон, которые приписываются кисти Луки (в православии более десятка). Речь, разумеется, идет о списках (копиях) с них; к таким иконам относится, например, знаменитая икона Владимирской Богоматери.

Есть такие изображения и в католичестве, например, "Мадонна Камбрейская" - это скорее всего итальянской работы список с византийской иконы, сделанной в XIV веке.

Мне не известно, часто ли изображали ли Луку-живописца до создания ван дер Вейденом свой картины, в манускриптах, например. Чаще Луку на картинах и иконах мы все-таки видим с письменными принадлежностями, в образе евангелиста, но после картины ван дер Вейдена Лука-живописец стал тиражироваться очень широко, причем не только в Нидерландах. Да что говорить, с работы ван дер Вейдена позднее будет написаны еще три практически точные копии!


Вероятные "списки" с первой иконы Луки:
-Владимирская икона Богоматери,XII век, Византия (тип илеуса)
-Мадонна Камбрейская, 1340, Италия (тип илеуса)
-Ченстоховская Богоматерь, Византия, IX—XI (тип одигитрия)


Если говорить о иконографическом типе изображения, то православные "иконы Луки" обычно илеусы ("Умиление") или одигитрии), Рогир ван дер Вейден применил здесь тип "Млекопитательница", если можно в подобной живописи вообще говорить о каком-то типе иконографии - канонов-то особо строгих в Северной Европе не существовало.

Художники XV века не особо стеснялись изображать целомудренную Марию с обнаженной во время кормления грудью, и это не считалось предосудительным, такая иконография не была редкостью. Подобный сюжет есть и в православии, такие иконы как раз и называются "Млекопитательница" ("галактотрофуса"), но они относительно редки. Надо сказать, что древнейшее сохранившееся до наших дней изображение Богородицы – фреска II века, на которой Мария изображена именно в образе кормящей грудью матери.

Кормящей Богоматери особенно истово поклонялись в годы эпидемий и голода. Напомню, что в самом начале XV века по Европе прокатилась вторая по количеству жертв эпидемия чумы (вторая после катастрофического поветрия середины XIV), возможно это было причиной широкого распространения изображений такого типа и укрепления культа Марии вообще.


Дирк Боутс "Святой Лука пишущий портрет Мадонны с Младенцем" (интересно, что эта картина тоже перенесена на холст, поэтому затруднена ее датировка)



Неизвестный автор, "Святой Лука". Копия створки алтаря Хуго ван дер Гуса , 1475-80


Святой Лука ван дер Гуса и фрагмент его "Снятия с креста", вероятный автопортрет

Позднее Дирк Баутс, которого считают учеником ван дер Вейдена, тоже обратился к этому сюжету, созданная им картина – практически реплика вейденовской. Такой спрос объясним: картина признавалась современниками очень удачной, поэтому такую же могли заказать члены гильдии художников и в других городах.

Первая же, оригинальная работа предназначалась для часовни гильдии живописцев в соборе Святого Михаила и святой Гудулы в Брюсселе. К слову, когда пришло время, в этом самом соборе погребли и самого ван дер Вейдена.
Сейчас эта картина находится в Бостонском музее живописи, первенство признали за ней, так как при исследовании в инфракрасных лучах обнаружена масса изменений и переписок: автор явно мучился в творческом поиске, как когда-то и сам небесный покровитель художников. Остальные три копии находятся в российском Эрмитаже, в Старой пинакотеке в Мюнхене и в музее Грунинге в Брюгге.


Сравнение размеров бостонской и эрмитажной версии картины.

Бостонский "Лука" написан на дубовой панели, сделанной из соединенных четырех дубовых досок, Эрмитажная копия перенесена на холст. Вообще, у картины из Эрмитажа очень интересная история – она меньше остальных, так как в XVIII веке ее распилили пополам и отпилили небольшие полосы сверху и снизу, так что верхнее перекрытие балюстрады с круглым окном на картине мы не видим. Половинки панели долгое время путешествовали по Европе по отдельности и были приобретены Эрмитажем в XIX веке в разное время, с разницей в 34 года: правая - куплена на торгах в 1850. Она поступила из коллекции Виллема II, короля Нидерландов, мужа Анны Павловны (дочери Павла Первого). Левая в 1884 году куплена у парижского антиквара Антуана Бера. Ее происхождение - из собрания королевы Испании в изгнании Изабеллы II. В 1867 и 1884 соответственно производилось так называемое паркетирование - обе половины перенесены с дерева на холст реставратором Александром Сидоровым.


Нынешнее состояние копии из Эрмитажа (фото отсюда)


На холст их перенесли, так как реставраторы опасались, что дерево при ненадлежащих условиях хранения с переменной влажностью может менять свой объем, и это может безвозвратно повредить красочный слой.

Эрмитажная картина интересна тем, что пережила самую "свежую", совсем недавнюю реставрацию 2016 года, все остальные реставрировались давненько. При реставрации с нее сняли потемневшие и пожелтевшие слои лака, и обнаружилось, что у нее очень приятный, светлый колорит, она полноцветная и довольно яркая. Так, плащ Богородицы не почти черный, как на остальных копиях, а ярко синий. Обязательно почитайте статью об этой реставрации ЗДЕСЬ, только не забудьте вернуться.


Ян ван Эйк "Мадонна канцлера Николя Ролена", 1435

Композиция явно позаимствована у ванэйковской "Мадонны канцлера Ролена", это очевидно всякому, кто имеет глаза; однако очевидно также, что это не было бездумное копирование, бросаются в глаза и разительные отличия. Так, инвертировано положение Богоматери – у ван Эйка она справа, у ван дер Вейдена – слева. Видимо, современники Рогира нашли это положение более удачным, и во многих подобных композициях (включая многочисленные "Поклонения волхвов" или "…Пастухов", в работах последователей Мадонну мы чаще видим слева.


Еще один неизвестный последователь воспользовался композицией "Ролена", 1475

Комната более скромная по сравнению с часовней Ролена, зато над головой Мадонны раскинулся парчовый балдахин. Плащ Марии у ван дер Вейдена более "канонического" цвета – он синий, в то время как у "Ролена…" красный; здесь в красном мы видим как раз Луку. Обратите внимание, как проигрывает ван дер Вейден ван Эйку в изображении тканей – складки у него более графичны, светотень на них несовершенна, узоры на парче несколько условны; все-таки гений ван Эйка долгое время оставался недосягаемым, в области живописной техники он надолго опередил своих современников.

Ян ван Эйк в качестве фона избрал городской вид со множеством церковных шпилей и башен, у него они натыканы так густо, что принимают вид нереальный, фантастический, справа скорее всего мифический город и изображен – это Новый Иерусалим. У Рогира ван дер Вейдена город выглядит более естественно, больше свободного пространства, причем только часть его пейзажа "урбанизирована", большую часть занимает вполне дикая природа.


Портрет Рогира ван дер Вейдена. Предполагается, что рисунок сделан с натуры современником Рогира

По многочисленным правкам, видимым в инфракрасном свете, можно определить, что над композицией проводилась кропотливая работа: река изначально была уже, тело младенца было больше наклонено в столону Луки, а над головой Марии изначально планировалось написать ангела, и т.п.

Очевидно, что Дева писалась не с натуры – если сравнивать лицо Марии с Лукой, видно, что ее черты все-таки несколько формальные, уплощенные. Чего не скажешь о святом Луке – здесь явно выражены индивидуальные черты, взятые с натуры. На Эрмитажной копии хорошо видна седоватая щетина на подбородке. Так что очень даже может быть, что ван дер Вейден писал Луку с себя.

Мы можем видеть, в какой технике "работает" Лука-живописец: он делает быстрый набросок портрета Марии при помощи серебряного карандаша. Это была обычная техника для художников того времени. Занятно, что подобный набросок портрета Мадонны, сделанный самим Рогиром, хранится в Лувре.

Позади Луки справа мы видим часть дверного проема, ведущего в его келью. Можно рассмотреть традиционные атрибуты святого: евангелие, письменные приборы на столе и быка с готической лентой, на которой начертаны слова молитвы.
Позади главных действующих лиц на балконе видны две небольшие фигуры, облокотившиеся на балюстраду – как и у ван Эйка. Здесь это мужчина и женщина, предполагаются, что это родители Марии – апокрифические Иоаким и Анна. Мужчина указывает на что-то, его жест направлен в сторону города. Занятно, что обычно сдержанный живописец изобразил хулиганский эпизод: горожанин на набережной мочится на стену. Возможно, на это безобразие человек на балконе и указывает своей спутнице. Похоже, некая "брейгелевская" шаловливость была свойственна и ван дер Вейдену.


"Акт вандализма" у городской стены слева

Множество симпатичных деталей можно углядеть, если рассматривать картину внимательно (а лучше с лупой в руке) – не поленитесь, поищите качественную репродукцию в Интернете. Очень крупные эпизоды фрагменты есть на сайте Эрмитажа.
Точный "возраст" всех четырех версий картины определили относительно недавно при помощи дендрологического исследования. Этот анализ позволяет узнать, в каком году было спилено дерево и сделана доска; для живописи эта заготовка обычно использовалась в течении 20 лет. Бостонская картина до этого датировалась 1450 годом, но после дендрологии остановились на дате 1435-36 – это соответствует версии о том, что ее создание было приурочено к присвоению Рогиру ван дер Вейдену звания главного городского живописца.

Выяснилось, что Мюнхенская версия была написана значительно позднее, примерно в 1480 году, т.е. уже после смерти художника. Панель из Брюгге сделана еще позже – примерно в 1490-1500 году. Что касается картины из Вернисажа, мы теперь, похоже, никогда не узнаем, когда точно ее написали, и мог ли сделать эту копию сам Рогир ван дер Вейден – ведь ее перенесли на холст, а сами деревянные панели не сохранились.


Мой канал в YouTube. Мою книгу "Фламандские примитивы" можно заказать в печатном варианте или скачать на Ридеро, электронные версии на "Озоне", "Амазоне" и "Гугл-книгах".

Ранее ван дер Вейден - https://lilac2012.livejournal.com/353521.html
https://lilac2012.livejournal.com/393537.html
https://lilac2012.livejournal.com/487215.html
https://lilac2012.livejournal.com/487771.html
https://lilac2012.livejournal.com/488244.html
https://lilac2012.livejournal.com/488457.html
https://lilac2012.livejournal.com/489042.html

https://tito0107.livejournal.com/1193490.html


Метки:  

Гертген, воспитанник госпитальеров.

Понедельник, 04 Сентября 2017 г. 12:00 + в цитатник
В тексте есть несколько моментов с которыми я бы поспорил, но мне лень.
Оригинал взят у lilac2012 в Гертген, воспитанник госпитальеров.
Дополняю свой пост - http://lilac2012.livejournal.com/461928.html - исторической справкой

Оригинал взят у agritura в Гертген, воспитанник госпитальеров


"Гертген тот Синт Янс" - оспадя, и не выговоришь. У нас получается "Чем дальше в лес, тем крупнее и толще партизаны - чем более позднего периода нидерландский примитив, тем сложнее у него фамилия.

Как хорошо в давние времена было: "Ян ван Эйк" - коротко и ясно. А у этого, оказывается, даже не имя, а кличка. На самом деле звали его Герард, "Гертген" - значит "маленький Герард", "Герардчик". Тот Синт Янс – "от святого Иоанна", "принадлежавший святому Иоанну". Видимо, он жил при монастыре иоаннитов или воспитывался там. В любом случае, он каким-то образом был связан с иоаннитами, об этом свидетельствует не только его кличка, но и многие его работы, с которыми мы ниже познакомимся.


Считается. что этот скромный юноша в толпе иоаннитов на самой знаменитой картине художника "Сожжение мощей Иоанна Крестителя" - автопортрет художника

Учтите, его нельзя называть "фламандским примитивом" - только "нидерландским", так как родился он и прожил большую часть своей жизни не на Юге (где-нибудь во Фландрии и Валлонии), а в Северных Нидерландах, а именно в Харлеме, столице современной провинции Северная Голландия. Так что его и голландцем вполне можно было бы назвать, вот только голландцами жителей Северных Нидерландов стали называть уже после Нидерландской революции, а до этого пока далеко.
"Нидерландский Вазари" XVII века, Карел ван Мандер, считал, что Гертген был учеником другого харлемца – Альберта ван Оуватера, но, думаю, это всего лишь его предположение, так как попросту на то время были известны только два этих харлемских художника. Не могу сказать, что есть какие-то ключевые совпадения стилей в работах этих двоих, они похожи ровно настолько, настолько сходны друг с другом картины всех Северян.

В любом случае, обоих упомянутых художников можно считать родоначальниками того, что позднее назовут голландской живописью.


Гертген тот Синт Янс "Воскрешение Лазаря" (1475-80). Лувр, Париж. 127х97 см.
Мастеру было меньше 20! Обратите внимание - если сравнить с работой Альберта ван Оуватера, здесь совсем иная трактовка: все происходит под открытым небом, и фигура Христа не является вторичной, он очевидно доминирует. Правда, как и у ван Оуватера, мы видим воскрешенного поднимающимся из каменной гробницы, а не выходящим из пещеры, как его чаще изображали.


Вся биография Гертгена покрыта мраком забвения, только картины его могут говорить за него, да и то немногое.
О жизни его известно очень мало. Знаем мы точно, что жил он катастрофически не долго – что-то около 28 лет. Его ранняя смерть – действительно настоящая катастрофа для искусства; ведь в его немногочисленных сохранившихся картинах очевидны задатки гения. То наследие, которое мы имеем – вполне зрелые, самобытные работы, как для молодого человека 25-28 лет, а ведь Рогир ван дер Вейден, к примеру, только в 27 поступил в обучение к Роберу Кампену.


Церковь Святого Иоанна, построенная иоаннитами в Харлеме в XIV веке, существует до сих пор. Монастырские постройки почти не сохранились, а храм стоит. Правда, сейчас здесь не служат, тут расположен архив.

Родился Гертген примерно в 1460-1465 годах, предположительно в Лейдене (40 км от Харлема). В то время эпицентр культурной жизни был на Юге, все значимые художественные школы находились в Брюсселе, Брюгге, Генте и Турне. Ван Мандер может быть прав, и Гертген вполне мог быть учеником Оуватера, однако он мог обучаться и в Южных Нидерландах. В архивах Брюгге упоминается некий художник "Герард из Харлема", это может быть наш парень.


Геррит Беркхейде. "Харлем. Площадь Старого рынка" 1696

Северные "Нижние земли" тогда пребывали в некоторой "заброшенности", они позднее присоединились к Бургундскому герцогству, да и географически находились дальше от блистательного герцогского двора. Основная часть нидерландских примитивов так или иначе была связана со двором герцога Филиппа Доброго – мецената и покровителя искусств, ведь основной расцвет их пришелся на период его успешного 45-летнего правления. Герцог умер в 1467, когда Гертген был еще совсем маленьким, еще 10 лет правил его сын Карл (человек спартанских привычек, который, по всей видимости, к живописи был равнодушен), потом 5 лет – внучка, Мария Бургундская - и все, Бургундское герцогство кончилось, так что творчество Гертгена расцвело уже после падения роскошного Бургундского дома, во времена Габсбургов.

Кроме того, Харлем находился в эпицентре длительного политического конфликта – так называемой "Войны крючков и трески". Это было противостояние бюргерства и аристократии, а заодно и драчка бургундцев с графами Голландскими. По всей видимости, это не могло не сказаться на экономике северной части Нидерландов, поэтому в тот период с искусствами и ремеслами здесь какое-то время было намного хуже, чем на Юге. Разборки начались еще в середине XIV века и закончились только в конце XV. Последние вооруженные столкновения произошли в 1491 году, когда художник уже вероятно умер (а умер он примерно в 1490-м). Причина смерти нам не известна, не исключено, что он погиб во время описанных столкновений, ведь его родной Харлем был вовлечён в конфликт.


Неизв. XVII в. "Подвиг ван Шаффелара"
Драматический эпизод "Войны крючков и трески". Когда во время одного из сражений 1484 года "Крючков" (аристократов) осадили в крепостной башне поселка Бранневельд, они решили капитулировать. Представители "Трески" (бюргерства) согласились только при одном условии - осажденные должны убить своего командира. Те отказались, и тогда командир, офицер Ян ван Шаффелар (1445 – 1482), решил пожертвовать собой, чтобы его товарищи могли спастись - он бросился с колокольни церкви. Погиб не сразу, его добили. Так что страсти тогда кипели нешуточные. То ли еще будет!

Вероятно, в буре исторических потрясений погиб не только Алтарь иоаннитов работы Гертгена, но и некоторые другие его работы.

Пару слов и об иоаннитах скажу. Думаю, вам сразу понятно станет, о ком идет речь, если я вам напомню другие названия этого ордена – госпитальеры. А еще – родосские рыцари, а потом – мальтийские (так их и сейчас называют); сначала они в Святой земле обитали, где была основана их первая церковь и резиденция, еще во времена Крестовых походов, потом их вытеснили на Родос, а в XV веке турки изгнали их и оттуда. Так их занесло на Мальту, где они обитают до сих пор.



Мне посчастливилось побывать на Родосе, я видела крепость госпитальеров (восстановленную по большей мере, но очень удачно), у меня была пара постов о госпитальерах, кому интересно, можете почитать. Напомню, что в XII веке были основаны сразу два знаменитых военно-монастырских ордена (для охраны и помощи пилигримам, путешествовавшим в Святую землю) – госпитальеров (иоаннитов) и тамплиеров (храмовников). Первый существует до сих пор, второй был уничтожен еще в начале XIV века, так как развил очень успешную банковскую деятельность, раздражавшую папу и Французскую корону.


Карел ван Мандер в своей книге пишет: "Кроме того, в Большой церкви Харлема, на южной стороне, есть еще одна его картина, сильно и прекрасно написанный вид этого здания". Судя по всему, речь идет об этой самой картине. Она и ныне на том месте, как я понимаю.

С творчеством Гертгена я тогда и познакомилась, когда заинтересовалась госпитальерами: купила книгу "Крестоносцы" и увидела там иллюстрацию – картину Гертгена тота Синт Янса "Сожжение останков Иоанна Крестителя". Еще тогда обратила внимание на меткие, остросатирические изображения "врагов" - похлеще, чем у Босха.


Гертген тот Синт Янс "Сожжение останков Иоанна Крестителя", после 1484. Исторический музей, Вена

Если говорить о стиле Гертгена (можно я его и дальше буду так называть? А то нет сил с этими всеми "тот", "этот", "Синд"…., "Сингх"…, "Сим"….), то он вполне узнаваем. Ни один художник не рисовал своим персонажам таких смешных голов правильной яйцевидной формы. Причем, у него особенно почему-то пострадали женщины. На одной картине у него может присутствовать и тетечка с абсолютно условным, игрушечным личиком и идеально-овальной головой, и "злодюга"-язычник с прекрасно выписанной морщинистой физиономией, на которой можно рассмотреть каждую седую щетинку на подбородке.



Да, при первом беглом взгляде на работы Гертгена именно эти "неумело" написанные тёти в глаза и бросаются, вся картина из-за них кажется забавной и до смешного наивной, но я рекомендую вам не полениться и остановить взгляд на отдельных деталях, и вы получите огромное удовольствие от живописи Гертгена.

Давайте этим и займемся – разберем его картины на отдельные пазлы.

Думаю, надо начать с главной его работы - "Сожжение останков Иоанна", репродукция чуть выше.
Это была часть большого полиптиха, всего лишь одна его створка. Створка была двусторонней, и обе части ее сохранились и сейчас экспонируются в Вене в разделенном виде. Внутренняя сторона - "Оплакивание", мы ее тоже разберем ниже. Ван Мандер написал свою книгу в 1603 году, и уже тогда он сообщает, что сохранилась только эта единственная створка. Остальные части алтаря были разрушены либо во время иконобрческих бунтов 1566 года, либо во время осады испанцев 1573-74 года, когда погибли не только предметы искусства, но и большая часть населения многострадального Харлема - они умерли от голода.




Заказчики-госпитальеры. Их одеяния украшены мальтийскими крестами. На самом художнике (если это действительно он, вот он справа) креста нет - он не был членом ордена, хоть и жил при монастыре. Обратите внимание на кости в руках рыцарей - бедренная кость и палец. Считается, что во время сожжения мощей Иоанна Предтечи христианам, присутствующим при варварском действе, удалось похитить несколько фрагментов мощей.

Госпитальеры в отдаленных командорствах ордена в то время уже не носили рыцарских лат, у них были вот такие обычные, "не рыцарские" постные лица и вполне будничная одежда. Их отличали только черные плащи с белыми крестами - они и сейчас носят такие (орден функционирует до сих пор). Совершенно очевидно, что лица иоаннитов художник писал с натуры, это реальные члены ордена, имен которых мы не знаем. Лица этих персонажей очень отличаются от гротескных физиономий язычников на картине (фрагмент с ними вынесен во главу поста)

Написание этой картины для алтаря было, вероятно, связано с очень важным для ордена событием - обретением десницы (ладони без пары пальцев) Иоанна Предтечи в 1484 году.

Основная резиденция рыцарей тогда еще находилась на Родосе. После взятия Константинополя турками в 1453 году Родос оставался последним христианским оплотом на Восточном Средиземноморье. Турецкий султан Баязид Второй заигрывал с госпитальерами, так как ему нужна была военная поддержка в борьбе за трон с собственным братом Джемом. Говорят, он заплатил им большую сумму денег и подарил мощи, хранившиеся до тех пор в Стамбуле. Многие христианские святые почитаемы у мусульман, и турки после захвата Константинополя бережно хранили в казне султана ладонь Иоанна (мусульмане его звали Яхья) .

Десницу святого не постигла судьба костей дожа Энрике Дандоло. Он был погребен прямо в храме Святой Софии в 1205 году, и во время переоборудования собора в мечеть, османы попросту выбросили его кости собакам. Вполне заслужено, я считаю - ведь именно он был инициатором разграбления Констонтинополя крестоносцами в 1204 году; правда, надгробие его сохранилось.

О злоключении мощей Иоанна следует рассказать отдельно. Как известно, после того как Иоанн Креститель был обезглавлен, голову его преподнесли "заказавшей" его Иродиаде. В евангелиях упоминается только один факт - тело Иоанна было погребено его учениками (по преданию - в Севастии-Самарии), этот эпизод мы видим на картине:


.
Согласно более поздним богословским трактатам (апокрифам), Иродиада долго глумилась над мертвой головой, колола ее кинжалом и втыкала в язык булавки, после чего приказала выбросить ее на свалку. Но добрая служанка Иоанна, супруга начальника дворцовой стражи, забрала голову и спрятала ее в укромном месте, вот:



Помните, где мы уже видели спрятанную голову? Правильно, на "Алтаре двух Иоаннов" Ханса Мемлинга. Там голова спрятана в нише в стене и не сразу заметна:


Фрагмент "Алтаря двух Иоаннов" Ханса Мемлинга, 1494 (на 10 лет позднее)

С тех пор глава Иоанна начала путешествие отдельно от тела.

Практически идетичные фрагменты "главы" (лицевая часть без нижней челюсти) сейчас хранятся во Франции (якобы из Константинополя) и в Италии (неясного происхождения). Фрагменты черепа сохраняются и в мечети Омейядов в Дамаске, причем там для нее выстроили шикарную гробницу:


Гробница с частицами главы Иоанна Предтечи в мечети Омейядов в Дамаске

Еще одна глава захоронена в Нагорно-Карабахском монастыре Гандзасар. Некоторые фрагменты черепа хранятся в Греции на Афоне.

А что же с телом, нас оно даже больше интересует?

Во времена правления Юлиана Отступника (племянника христианского императора Константина Великого), вновь активизировались язычники - ведь сам Юлиан поклонялся старым богам. Могилу Иоанна в Севастии вскрыли, останки извлекли и сожгли, а пепел развеяли по ветру. Этот эпизод Гертген как раз и изобразил на своей картине.


Развеивание пепла


Особенно хорошо у художника получился вот этот колоритный гад. На лопатке мы видим подвздошную кость, часть крестца, бедро и 4 ребра.


Эту же сцену изобразил и Мемлинг на упомянутом алтаре, но у него мощи выглядят не как кости, а как свежий труп:



Повторюсь, христианам, тайно затесавшимся в толпе, якобы удалось выхватить несколько фрагментов, так мощи начали свое путешествие по миру. Есть еще более радикальные версии: мол, накануне сожжения христианами было похищено все тело Иоанна, а вместо него подложили другого мертвеца.

По другой легенде, десницу забрал еще евангелист Лука, он перенес ее в Антиохию, а в Х веке она была перевезена в Константинополь, затем Баязид передал ее родосцам, потом они стали мальтийцами и подарили ее Павлу І, который, как известно, оказывал им покровительство. После революции 1917 года десницу из России вывезла императрица Мария Федоровна, и сейчас она находится в Черногории. Интересно, что еще в XVI веке фрагмент десницы (одна кость) вернулся в Турцию, он экспонируется сейчас в музее Топ-Капы:



В результате всего этого "мощетворчества", в разных храмах и обителях на сегодняшний день хранится 11 указательных пальцев Иоанна Крестителя и много других "дублированных" частей тела.



Оборотная сторона створки - "Оплакивание"


Гертген тот Синт Янс "Оплакивание", 175х139 см, после 1484. Исторический музей, Вена

На заднем плане мы видим два опустевших креста, на третьем еще висит казненный. Мертвого разбойника буквально утрамбовывают в яму головой вниз:



Ван Мандер описывает сцену Оплакивания так: ""Лица же святых жен выражают такую скорбь, что изобразить это чувство сильнее было бы невозможно". И это правда!:



Удивительно, что при всей "неправильности" и условности в изображении лиц, Гертген умудряется передать весь накал и драматизм эмоций!

Помните, как писал слезы Рогир ван дер Вейден? У него были ручьи слез. У Гертгена - это просто град!:



Действующих лец знаете? Четыре Марии (Богоматерь, Магдалина (в тюрбане), Зеведеева и Клеопова - родственницы первой), Иосиф Аримафейский (в зеленом - знатный иудей, тайный последователь Христа, упросил Пилата отдать тело для погребения сразу и предоставил купленную для себя гробницу, купил саван), Никодим (с черной бородой - еще один тайный последователь из фарисеев, принес бальзамы и благовония для погребения), Иоанн Богослов (в красном плаще - любимый ученик Христа, призванный опекать Марию).


Два моих любимых персонажа картины: Иосиф Аримафейский и слуга, несущий плащаницу-саван. Особенно прекрасен слуга!


ЕЩЕ НЕСКОЛЬКО КАРТИН


"Иоанн Креститель в пустыне", 1490, Берлинская картинная галерея, 42х38 см

И опять Иоанн! На этот раз не очень большая картинка. Иоанн тут просто очаровательный - задумчивый, но немного забавный. Потрясающий пейзаж на заднем плане - кликните и рассмотрите в деталях, это чудесно! Для "оживления" пейзажа Гертген нарисовал птичек в небе.


Фрагмент


"Поклонение младенцу", 1490-е, Лондонская национальная галерея. 34х25 см

Это "Мистическое рождество" "по святой Бригитте": младенец появился сам собой, минуя родовые пути, и сиял в темноте. На заднем плане ангел, сообщающий пастухам о рождении Христа, тоже светится:



Это очень необычная работа и весьма новаторская. У Гертгена впервые появляется "караваджийская" светотень (хоть сам Караваджо еще не родился). При всей его типичной "яйцеголовости" героев, свет показан мастерски. Позднее нидерландские художники очень полюбят вот это ночное освещение:


П.П. Рубенс "Старуха с жаровней" Дрезденская галерея, 1616, 116х92 см



Гертген тот Синт Янс "Прославление Богоматери", прим. 1490. Роттердам, Музей Бойманса — ван Бёнингена. 24,5х20,5

Тоже очень необычная работа. Мария - "Жена, облечённая в солнце" из "Откровения Иоанна Богослова", она попирает поверженного дракона. Вокруг нее - хоровод ангелов, играющих на музыкальных инструментах. Кликните, очень необычно выглядит при увеличении. Целый симфонический оркестр старинных инструментов!




Возм. Гертген тот Синт Янс "Муж скорбей", 1490-е. Музей собора Екатерины, Утрехт. 34,5х24 см.

" Нет в нем ни вида, ни величия… который привлекал бы нас к Нему. Он был презрен и умален пред людьми, муж скорбей и изведавший болезни, и мы отвращали от Него лице своё; Он был презираем, и мы ни во что ставили Его. Но Он взял на Себя наши немощи и понес наши болезни; а мы думали, что Он был поражаем, наказуем и уничижен Богом. Но Он изъязвлен был за грехи наши и мучим за беззакония наши; наказание мира нашего было на Нем, и ранами Его мы исцелились.
(Ис. 53:1-3) "


Гертген тот Синт Янс (?) "Мадонна с младенцем", 1487 Берлинская картинная галерея


Гертген тот Синт Янс "Поклонение волхвов", 1480-85, 91.6 × 71.8 см. Амстердамский музей

Мавр Бальтазар у него получился черным, как сапог. Иосиф тут совсем не старый. И обут он в деревянные шлепанцы, которые в Нидерландах надевали поверх хорошей обуви, чтобы защитить ее от слякоти.


Гертген тот Синт Янс "Святая родня", 1480-85, Амстердамский музей (кликабельно)

В синем одеянии - Мария с младенцем Христом, слева - ее мать Анна. Позади Анны - ее муж Иоахим (отец Марии, он более пожилой) и Иосиф, земной супруг Марии. Справа - Елизавета, кузина Марии, мать Иоанна Предтечи. Сам Иоанн сидит у нее на ручках и тянется к Христу. Справа стоит в черном плаще - Мария Саломея Зеведеева, возможно, дочь Анны от ее первого мужа (т.е. сводная сестра Марии Богоматери). Полубоком, в розовом плаще сидит Мария Клеопова. Она была то ли дочерью, то ли женой Клеопы, брата Иосифа. По другой версии - еще одна сводная сестра Девы Марии. Играющие мальчики на заднем плане - Симон (Петр), Иосиф и Иоанн (два последних - братья, сыновья Зеведея), будущие апостолы. Мужчины у алтаря - Алфей (или Клеопа), Зеведей и Захария (отец Иоанна Крестителя). Свечу зажигает Иуда Фаддей (возм. сын Клеопы).

Отдельного упоминания и похвалы заслуживают пейзажи Гертгена. Пусть это пока не отдельные картины, а только фон, но их уже можно брать в рамку и вешать на стену:














Так что Гертген - по-настоящему первый голландский пезажист. Их потом будет много, но только через 150 лет.

Удивительный, очень самобытный художник. Как жаль, что он так мало успел!



Мою книгу "Фламандские примитивы" можно заказать в печатном варианте или скачать на Ридеро, электронные версии на "Озоне", "Амазоне" и "Гугл-книгах".

https://tito0107.livejournal.com/1193275.html


Метки:  

Псков. Часть 9. 1837. Галерея видов города Пскова и его окрестностей, снятых с натуры

Понедельник, 04 Сентября 2017 г. 11:22 + в цитатник

Метки:  

Поиск сообщений в lj_tito0107
Страницы: 139 ... 18 17 [16] 15 14 ..
.. 1 Календарь