8 июля 2017 года мы решили сходить в Генуе в театр Карла Феличчи на БАЛЕТ "Кармен" на музыку Ж.Бизе.

Я всегда считал, что существует только опера "Кармен"на музыку Бизе.

Появился повод поговорить о замечательном французском композиторе.

БИЗЕ (Bizet) Жорж родился в Париже 25 октября 1838 года. Отец - преподаватель пения, мать - пианистка (была первой учительницей музыки Бизе).

Жоржу нравилось заниматься музыкой и с отцом, учителем пения, и с матерью, профессиональной пианисткой. В то же время, он, как любой мальчишка, хотел бегать по улицам и играть с другими детьми. Родители думали по-другому. В четыре года мальчик уже знал ноты и умел играть на фортепьяно, а за две недели до десятилетия поступил в Парижскую консерваторию. Детство закончилось не начавшись. В тринадцать лет Жорж начал сочинять музыку.

В 1848-57 годах учился в Парижской консерватории, где занимался у А. Ф. Мармонтеля (фортепиано), Ф. Бенуа (орган), П. Циммермана и Ш. Гуно (контрапункт), Ф. Галеви (композиция; дочь Галеви Женевьева стала женой Бизе в 1869 году).

Учиться Жоржу было легко, он схватывал все на лету. В девятнадцать Бизе закончил консерваторию и стал самым молодым лауреатом, получившим Большую Римскую премию, – за кантату «Кловис и Клотильда». Эта премия давала возможность на 4 года поехать в Италию и получать государственную стипендию. В Италии Бизе, очарованный благодатной южной природой, памятниками архитектуры и живописи, много и плодотворно работает (1858-60). Он занимается изучением искусства, читает множество книг, постигает красоту во всех ее проявлениях. Идеалом для Бизе становится прекрасный, гармоничный мир Моцарта и Рафаэля. Истинно французское изящество, щедрый мелодический дар, тонкий вкус навсегда стали неотъемлемыми чертами стиля композитора. Бизе все больше привлекает музыка оперная, способная «слиться» с изображаемым на сцене явлением или героем. Вместо кантаты, которую композитор должен был представить в Париже, он пишет комическую оперу «Дон Прокопио», выдержанную в традициях Дж. Россини. 

В 1860 году он закончил симфонию-кантату «Васко да Гама» (по эпической поэме «Лузиады» Л. Камоэнса). В том же году вернулся в Париж, где для заработка был вынужден давать частные уроки, писать танцевальную музыку и заниматься переложением чужих сочинений.

 С возвращением в Париж связано начало серьезных творческих исканий и одновременно тяжелой, рутинной работы ради куска хлеба. Бизе приходится делать переложения чужих оперных партитур, писать развлекательную музыку для кафе-концертов и одновременно создавать новые произведения, работая по 16 часов в сутки. "Я работаю, как негр, я истощен, я буквально разрываюсь на части... Я только что закончил романсы для нового издателя. Боюсь, что получилось посредственно, но нужны деньги. Деньги, вечно деньги - к черту!"

Бизе вернулся в Париж в конце сентября 1860 года. Череда событий его жизни оказалась гораздо трагичнее его ожиданий.

    Жорж Бизе – Эрнесту Л'Эпину
    Париж, осень 1860 г.

    «Моя мать тяжело больна. Мы потеряли всякую надежду спасти ее. У меня нет времени ни на что, кроме слез. Как горько мое возвращение домой и сколь ненавистен мне Париж». 

Через год после возвращения Бизе в Париж Эме Бизе, его мать, едва ли не самый его близкий друг скончалась. Пытаясь как-то справиться с невозвратимой потерей, Бизе пробовал углубиться в работу. В качестве отчета Академии он сдал почти законченную еще в Италии оду-симфонию «Васко да Гама», симфонические пьесы «Скерцо» и «Траурный марш», договорился с одним из либреттистов «Доктора Миракля» Людовиком Галеви – племянником своего учителя Ф. Галеви – о создании либретто комической оперы. Но уже через несколько недель он понял, что о создании буффонной музыки не может быть и речи.

    Жорж Бизе – Людовику Галеви
    Париж, октябрь 1860 г.

    «О сочинении и думать не могу… Кончина моей матери причинила мне величайшее горе… Но я не теряю надежды на совместную с вами работу».

    Надежда эта станет реальностью в «Кармен».

     Через полгода после смерти матери Бизе ждал новый удар. Скончался его учитель, композитор Фроменталь Галеви. Бизе был его любимым учеником, и смерть мастера, казалось бы, лишила его последней опоры в оперном мире Франции. Дружескую поддержку Бизе оказал тогда Шарль Гуно. Но она как-то не выглядела совсем уж бескорыстной. Бизе был буквально завален черновой работой по изданиям и постановкам опер Гуно.

В 1863 году в Париже была поставлена опера Бизе «Искатели жемчуга» на модный тогда ориентальный сюжет. Несмотря на отдельные мелодически выразительные номера (знаменитый романс Надира из 1-го действия), опера в целом не имела успеха у публики, однако получила одобрительный отзыв Г. Берлиоза.

Послушайте этот романс в исполнении Пласидо Доминго. Какая божественная музыка!

Целиком оперу можно послушать здесь

И я хочу представить вам Дуэт-воспоминание Надира и Зурги «И там, среди цветов» полон восторженного чувства; плавная мелодия в восточном духе звучит на фоне волшебно прозрачного оркестрового сопровождения.

Сюжет оперы довольно простой: Зурга и Надир любят одну и ту же девушку. Чтобы не стать врагами, они расстаются. Их любимая, Лейла, принесла обет целомудрия, она стала жрицей, помогающей своим пением искателям жемчуга. Зурга избран вождем, а Надир возвращается. Он понимает, что все ещё любит Лейлу. Её сердце тоже ещё не остыло. Надир стремится вывезти её из храма на вершине скалы. Едва он входит в храм, как его схватывают по приказу жреца Нурабаду. Зурга хочет спасти друга, но узнав, что жрица, нарушившая обет — это Лейла, решает не вмешиваться. Но вдруг он по ожерелью Лейлы узнаёт, что это именно она некогда спасла ему жизнь, и отвлекает внимание жителей деревни, поджигая их хижины. Надиру и Лейле удаётся скрыться. По приказу жреца Зургу бросают в костёр.

«Искатели жемчуга» были первой оперой, которую молодому композитору заказал парижский Театр-Лирик, в середине XIX века – главный театр французской столицы. Бизе сочинял оперу стремительно. Она была написана всего за несколько месяцев. После премьеры Гектор Берлиоз писал, что партитура оперы «содержит множество прекрасных выразительных моментов, полных огня и богатого колорита». «Искатели жемчуга» пленяют мелодическим богатством и драматической выразительностью. 

Впервые на суд зрителей «Искатели жемчуга» были представлены в сентябре 1863 года в Парижском Théâtre-Lyrique. При жизни композитора «Искатели» не имели поклонников, как впрочем, и другие оперы.

Сдержанно была принята и следующая опера - «Пертская красавица» (по одноимённому роману В. Скотта, 1867 год).

В 1867 году Бизе опубликовал (под псевдонимом Гастон де Бетзи) полемическую статью «Беседа о музыке» («Causerie musicale») - своего рода художественный манифест, где требовал от композитора непосредственности и правдивости. 

Успех этих опер был не так велик, чтобы упрочить положение автора. Самокритика, трезвое осознание недостатков «Пертской красавицы» стали залогом будущих достижений Бизе. Он писал о своей опере "Пертская красавица": «Это эффектная пьеса, но характеры мало обрисованы... Школа избитых рулад и лжи умерла — умерла навсегда! Похороним ее без сожаления, без волнения — и вперед!» Ряд замыслов тех лет остался неосуществленным.

Ему 30 лет, но Жорж еще не женат. Полноватый и близорукий, с кудрями, завивавшимися так туго, что их сложно было расчесать, Бизе не считал себя привлекательным для женщин. Говорил он всегда быстро, немного сбивчиво и был уверен, что такая манера изъяснения женщинам вовсе не нравится. Первый раз он познакомился с двушкой еще в Италии, но она не поехала за ним во Францию. Следующая попытка была, когда юноше было 28 лет. Однажды в поезде Жорж Бизе познакомился с Могадор – оперной дивой мадам Лионель, писательницей Селестой Венар, графиней де Шабрийан. Юность она провела в притонах, потом стала танцовщицей, а затем увлеклась литературой и стала описывать то, что знала о жизни, в романах. Ее книги не залеживались на полках. О них старались не говорить в приличных домах, но о существовании этой женщины знал каждый парижанин. Во время встречи с Бизе прелестная Могадор была вдовой и владелицей музыкального театра, где пела главные партии.  Ему двадцать восемь, ей сорок два. Все его невзгоды и горести утонули в непритворной страсти этой женщины. Счастье было недолгим. Перепады настроения Могадор ввергали Жоржа в отчаяние. В порыве гнева просыпались все дурные привычки Могадор. Бизе с его тонким вкусом и ранимой душой страдал. Могадор старела. Ее преследовали финансовые неурядицы, он ничем не мог ей помочь. Его доходы по-прежнему едва позволяли оплачивать счета, а его любовь была ей ни к чему. Но расстаться с этой женщиной Бизе был не в силах. Во время очередного скандала любимая окатила Жоржа с головы до ног ушатом холодной воды. Бизе вышел на улицу, где тихо кружил снег.

 «…Встретил восхитительную девушку, которую обожаю!» – письмо Бизе 1867 года. Кто же эта обожаемая девушка? Это Женевьева Галеви, дочь учителя Бизе Фроменталя Галеви, ныне уже покойного. О семье Галеви стоит сказать несколько слов. Это состоятельная, влиятельная семья. Ее члены: банкир, финансист, историк (это Леон Галеви, член французской академии), ученый талмудист (дед Женевьевы), исследователь религий (дядя Женевьевы Ипполит Родриг), знаменитый оперный композитор (Фроменталь Галеви), известный драматург и либреттист (его племянник, двоюродный брат Женевьевы) Людовик Галеви. Мать Женевьевы – Леони Галеви – дама весьма своеобразная. В молодости – светская львица, далее – коллекционер произведений искусства и талантливый скульптор (одна ее работа хранится в музее Версаля, другая – скульптурный портрет мужа – в парижской мэрии).

    Разумеется, породниться с малоудачливым композитором Жоржем Бизе такая семья не спешит.

    Жорж Бизе – Эдмону Галаберу
    Октябрь 1867 г.

«…Я был глубоко удручен. Разбили надежды, которые я так лелеял. – Семья воспротивилась. Я очень несчастлив».

    Ноябрь 1867 г.
    «Быть может, еще не все потеряно…»

    Это состояние – «еще не все потеряно» – длилось около полутора лет. Семья размышляла, то подавая влюбленным друг в друга Женевьеве и Жоржу какую-то надежду, то отбирая ее. Наконец упрямство Женевьевы и терпенье Бизе было вознаграждено.

    Начало мая 1869 г.

    «Сообщаю вам секретно. Я женюсь. Мы любим друг друга. – Я совершенно счастлив. Временно мы будем бедны, но какое это имеет значение. Ее приданое пока равно 150000 франков, впоследствии же 500000. Никому ничего не говорите».

Итак, через полтора года после отказа согласие на брак было получено. Не исключено, что не последнюю роль в этом решении сыграло то обстоятельство, что оперы Ф. Галеви постепенно сходят со сцены, и вдова композитора видит в Бизе музыканта, способного продлить их жизнь. Во всяком случае, в брачном контракте большая часть приданого Женевьевы связывается с получением авторского гонорара от опер Ф. Галеви и, кроме того, оговаривается обязанность Бизе, срочно завершив неоконченную оперу Галеви «Ной», добиться ее постановки. (Оперу Бизе завершил, но до сцены при его жизни она не дошла.) Впрочем, тогда, подписывая брачный контракт, влюбленный Бизе не слишком вникает во всю эту оперно-финансовую казуистику.

    Жорж Бизе – Ипполиту Родригу
    Июнь 1869 г.

    «Я потрясающе счастлив, Женевьева изумительно хороша. Мы влюблены друг в друга и любим вас за то, что вы сделали возможной нашу совместную жизнь».

    Ипполит Родриг – единственный из клана Галеви, симпатизировавший этому браку. Свадьба поставила перед семьями Бизе и Женевьевы проблему веры будущих супругов. Но на предложение перейти в католичество (за это ратовал ревностный католик Гуно) Женевьева ответила: «Я не настолько религиозна, чтобы менять религию». Решено было отказаться от церковного брака. Для Бизе это не имело значения. Появление в его жизни Женевьевы было для него «встречей с чудом». Он видел в жене воплощение идеала, «открытого всему светлому, всем переменам, не верящего ни в бога евреев, ни в бога христиан, но верящего в честь, долг и мораль».

    Людовик Галеви. Дневник.

    «Сегодня Женевьева стала женою Бизе. Как она счастлива, бедное и дорогое дитя! Сколько катастроф вокруг нее за последние годы! Сколько горя и сколько утрат. Если кто-либо имеет право просить у жизни немного покоя и счастья, то это именно Женевьева. У Бизе есть ум и талант. Он преуспеет».

Позже для Бизе стали очевидны факты, совершенно его обескуражившие. Мать его жены страдает периодически повторяющимися припадками безумия. Ее муж Ф. Галеви не раз покидал жену и вновь возвращался. В первый год супружества он доходил до полного нервного истощения. Душевная нестабильность, тяжёлые депрессии и неврозы свойственны и ее дочери. (Биограф Пруста называл Женевьеву «королевой неврастении».) Детство Женевьевы не было счастливым. Она неоднократно сбегала из дома, жила то у одних, то у других родственников. Возможно, этим и определялись отношения дочери к матери. Дочь любила ее, но только издали. Общение с матерью было для нее мучением. Если Леони Галеви появлялась в доме Бизе, дочь билась в истерике. Бизе, любивший жену и безо всякой враждебности относившийся к теще, оказался между двух огней.

Эти две женщины постоянно претендовали на время и душевное спокойствие композитора. Ко всему этому прибавлялось холодное, подозрительное отношение к любому поступку Бизе со стороны почти всех родственников жены. Жизнь подчас превращалась в ад. И то, что во всех этих ситуациях Бизе удавалось, проявляя терпение и спокойную рассудительность, ни разу не дать вывести себя из равновесия – факт просто поразительный. Не нам осуждать женщину, которую любил Бизе. Но, размышляя о его послесвадебной жизни, трудно оспаривать мрачный вывод биографа Бизе Савинова, «3 июня 1869 года он женился на Женевьеве Галеви. Часы были пущены. Ровно через шесть лет – день в день – его не стало».

В 1870 г., во время франко-прусской войны, когда Франция находилась в критическом положении, Бизе вступает в ряды Национальной гвардии. Спустя несколько лет его патриотические чувства нашли выражение в драматической увертюре «Родина» (1874). 70-е гг. — расцвет творчества композитора. В 1872 г. состоялась премьера оперы «Джамиле» (по поэме А. Мюссе), тонко претворившей; интонации арабской народной музыки. Для посетителей театра Комической оперы (Opera-Comique) было неожиданностью увидеть произведение, рассказывающее о беззаветной любви, преисполненное чистой лирики. Подлинные ценители музыки и серьезные критики увидели в «Джамиле» начало нового этапа, открытие новых путей. В произведениях этих лет чистота и изящество стиля (всегда присущие Бизе) отнюдь не препятствуют правдивому, бескомпромиссному выражению драмы жизни, ее конфликтов и трагических противоречий. Теперь кумирами композитора становятся В. Шекспир, Микеланджело, Л. Бетховен.

1870-е годы - расцвет творческой деятельности композитора, сосредоточившегося на музыке для театра. Опера «Джамиле» (на сюжет поэмы «Намуна» А. де Мюссе, поставлена в 1872 году, Париж) лишена условно-«восточных» черт; воспользовавшись подлинными арабскими мелодиями, Бизе тонко воссоздал национальный колорит (действие оперы происходит в Каире). Вершины творчества Бизе - музыка к драме А. Доде «Арлезианка» (1872 год, театр «Водевиль», Париж; на её основе Бизе составил сюиту, 1872 год; так называемая 2-я сюита из «Арлезианки» составлена другом Бизе - композитором Э. Гиро, 1885) 

1875 - Кармен (Carmen)

Прежде, чем говорить о музыке, послушайте эту великую оперу, которая по иронии судьбы стала последней оперой Ж.Бизе, которому было всего 37 лет.

Bizet- "Carmen". Государственный академический Большой театр СССР. 1982 г. Жорж Бизе - "Кармен". Классическая постановка Большого театра известной оперы Жоржа Бизе. Режиссер-постановщик и балетмейстер: Ростислав Захаров. Дирижер Марк Эрмлер. Главные партии исполняют: Кармен - Елена ОБРАЗЦОВА, Дон Хозе - Владимир АТЛАНТОВ, Эскамильо - Юрий МАЗУРОК, Микаэла - Людмила Сергиенко, Фраскита - Ирина Журина, Мерседес - Татьяна Тугаринова, Моралес - Игорь МОРОЗОВ, Ремендадо - Андрей Соколов, Данкайро - Владислав Пашинский, Цунига - Юрий Королев.

Немногие оперы XIX века могут сравниться с этой: мир музыки был бы неполон без «Кармен» (здесь можете посмотреть Кармен на сцене Париэжской оперы), а Бизе достаточно было бы написать только эту оперу, чтобы стать Бизе. Но не так думали зрители «Опера комик», когда в 1875 году впервые принимали оперу со все большим равнодушием и даже негодованием. Особое неприятие вызвали наиболее бурные сцены и реалистическое исполнение Мари-Селестины Галли-Марье, исполнительницы главной роли, способствовавшей впоследствии утверждению шедевра Бизе на сцене. Во время премьеры в зале присутствовали Гуно, Тома и Массне, похвалившие автора только из вежливости. Либретто, в которое сам композитор несколько раз вносил изменения, принадлежало двум мастерам легкого жанра — Галеви (двоюродному брату жены Бизе) и Мельяку, поначалу развлекавшим публику в сотрудничестве с Оффенбахом, а затем и самостоятельно, создавая комедии, которые очень ценились. Они почерпнули сюжет в новелле Мериме (еще раньше предложенной им Бизе) и должны были потрудиться, чтобы его приняли в «Опера комик», где любовная история с кровавым концом и на довольно простонародном фоне вызвала немалое замешательство. Этот театр, старавшийся, впрочем, всегда быть менее традиционным, посещала благонамеренная буржуазия, которая использовала спектакли для устройства брачных дел своих детей. Пестрота персонажей, в основном двусмысленных, которых ввел в свою новеллу Мериме,— цыгане, воры, контрабандисты, работницы сигарной фабрики, женщины легкого поведения и тореадоры — не способствовала поддержанию добрых нравов. Либреттистам удалось создать живой испанский колорит, они выделили несколько ярких образов, обрамив их изысканными хорами и танцами, и добавили в эту довольно темную компанию персонаж невинный и чистый — юную Микаэлу, которая, хотя так и осталась за порогом действия, позволила создать ряд цельных и трогательных музыкальных страниц.

Музыка воплотила замысел либреттистов с точным чувством меры; эта музыка сочетала чувствительность, пыл и сильный аромат испанского фольклора, отчасти подлинного и отчасти сочиненного, и должна была доставить наслаждение даже враждебному вкусу. Но этого не случилось. Тем не менее, несмотря на провал, «Кармен» выдержала в год премьеры сорок пять представлений. Это был настоящий рекорд, которому безусловно способствовало любопытство, желание увидеть в своем роде «скандальный» спектакль. После тридцать пятого представления прибавилось также потрясение, вызванное смертью еще молодого автора, убитого, как говорили, незаслуженной неудачей. Первые признаки действительного одобрения оперы появились после венской постановки в октябре того же года (разговорные диалоги были заменены в ней речитативами), привлекшей внимание и получившей одобрение таких мастеров, как Брамс и Вагнер. Чайковский видел «Кармен» в Париже не один раз на протяжении 1876 года и написал такие восторженные слова в одном из писем 1880 года к фон Мекк: «...я не знаю в музыке ничего, что бы имело большее право представлять собой элемент, который я называю хорошеньким, le joli... Пикантных гармоний, совершенно новых звуковых комбинаций множество, но все это не исключительная цель. Bizet — художник, отдающий дань веку и современности, но согретый истинным вдохновением. И что за чудный сюжет оперы! Я не могу без слез играть последнюю сцену!» А что некоторые мелодии и гармонии, как и частично инструментальный колорит, оказали впоследствии влияние на него самого — это вне всякого сомнения: Бизе слишком хорошо изобразил страсть, разгорающуюся и бушующую в душе красавицы, как бы испорченной собственной красотой,— красота и порочность героини питают пламя трагедии.

«Кармен» была принята публикой враждебно, её «низменный» сюжет признали безнравственным, музыку - безобразной; спектакль был снят со сцены. Бизе скоропостижно скончался спустя 3 месяца после премьеры. Триумфальный успех оперы на мировой сцене начался после постановки в 1875 году в Вене, для которой Э. Гиро заменил разговорные диалоги речитативами и дополнил 4-й акт балетными номерами из музыки к «Арлезианке» и из «Пертской красавицы». В 1878 году «Кармен» была впервые поставлена в России (Санкт-Петербург, на итальянском языке), в 1883 году возобновлена в Париже. Почитателем Бизе стал П. И. Чайковский, который находил в «Кармен» «бездну гармонических смелостей». «Кармен» поныне остаётся одной из самых репертуарных опер мировой сцены.

Русская премьера состоялась в 1885 (Мариинский театр, дирижер Направник, в партии Кармен Славина). «Кармен» имеет беспрецедентную популярность вот уже более 100 лет. Её зажигательные мелодии: хабанера «L’amour est oiseau rebelle», куплеты тореадора «Votre toast», проникновенные лирические эпизоды (ария Хозе «с цветком» из 2 д. и др.) на слуху также, как самые популярные народные и эстрадные песни. В 1967 Караян осуществил постановку фильма-оперы «Кармен» с участием Бамбри, Викерса, Френи. Новую версию оперы снял в 1983 Ф. Рози (дир. Маазель, солисты Михенес-Джонсон, Доминго и др.). Среди постановок последних лет отметим спектакли 1996 в Метрополитен-опере (Грейвз в заглавной партии) и в Мариинском театре (дир. Гергиев).

Рихард Вагнер был бы и тогда великим гением, если бы не написал ни одной ноты.
Марсель Прэви

Вчера открыл для себя оперу Р.Вагнера "Нюрнбергские мейстерзингеры", которую передавали по каналу Mezzo.

Эту гениальную музыку когда-то я слушал в исполнении оркестра Евгения Мравинского.

Именно эту увертюру очень любил А.Гитлер, который был поклонником творчества Р.Вагнера.

На фото слева А.Гитлер присутствует в Мюнхенской опере на представлении "Мейстерзингеров".

Творчество Вагнера и его мировоззрение произвели глубокое впечатление на Гитлера. Многое из литературного и философского наследия композитора находило отклик в представлениях Гитлера о великом предназначении немецкой нации, призванной править миром.
     Немцы, говорил Вагнер, предназначены для великой миссии, о которой другие народы не имеют представления. Миссия Германии состоит в том, чтобы избавить мир от материалистической цивилизации французов. Это не строго "национальная миссия", а скорее вселенская: весь мир, а не только одна Германия, должен быть избавлен от подобного материалистического влияния. Эта цель должна быть достигнута с помощью национальных средств... Лучи германской свободы и германской доброты принесут свет и тепло и французам, и казакам, и бушменам, и китайцам.

Для Гитлера и нацистских идеологов Вагнер являлся истинным героем. Его музыкальное и литературное творчество представлялось им наиболее выразительным проявлением великогерманского национального духа. Гитлер считал Вагнера своим духовным учителем: "На каждом этапе моей жизни я возвращался к Вагнеру". Близость взглядов Гитлера и Вагнера хорошо видна, если сопоставить некоторые их высказывания:
    

Вагнер: В государстве общество обязано жертвовать частью собственного эгоизма ради благополучия большинства. Непосредственной целью государства является стабильность, достижение спокойствия.
     Гитлер: Государство - лишь средство достижения конечного. Его высочайшей целью является забота о достижении тех первобытных расовых элементов, которые создадут красоту и достоинство более высокой цивилизации.

Вагнер: Народ составляют те, кто думает инстинктивно. Народ ведет себя бессознательно и на этом основании природно-инстинктивно.
       Гитлер: Мертвый механизм [старого государства] должен быть заменен живым организмом на основе стадного инстинкта, возникающего, когда все становятся одной крови.

Вагнер: Мы должны сейчас найти героя будущего, который восстанет против разрушения собственной расы. Барбаросса-Зигфрид скоро вернутся, чтобы спасти германский народ в минуту глубочайшей нужды.
        Гитлер: Никто не должен забывать: большинство никогда не заменит вождя. Оно [большинство] не только глупо, но и трусливо. Не найти ни одного умного среди сотни дураков, и героическое решение не примет сотня трусов.

Вагнер: Еврей - это гибкий демон упадка человечества.
          Гитлер: Евреи - это паразиты на теле нашего народа; они создают государства в государстве.

Вагнер: Демократия - это вообще не немецкое, а откуда-то заимствованное понятие. Франко-иудейско-немецкая демократия - омерзительная вещь.
          Гитлер: Демократия - это власть сумасшедших.

Итак, для начала поговорим о Рихарде Вагнере. Я когда-то написал эссе о Рихарде Вагнере, а потому не буду повторяться. Напомню лишь несколько строк из его биографии.

Вильгельм Рихард Вагнер родился 22 мая 1813 года в Лейпциге, девятым ребенком супругов Фридриха и Иоганны Розины Вагнеров. Мальчика крестили в Томаскирхе г. Лейпцига, в которой раньше был кантором И. С. Бах. Фридрих Вагнер, отец будущего композитора, служивший в полиции, скончался через пять месяцев. Летом следующего года мать Рихарда Иоганна снова вышла замуж за художника и актера Людвига Гайера, который заменил мальчику отца, и переехала вместе с детьми к мужу в Дрезден. В 1821 году Гайер внезапно скончался, и семья снова вернулась в Дрезден, где Рихард под фамилией Гайер стал учеником Кройц-школы и некоторое время брал уроки игры на фортепиано. В это время Рихард увлекался античной Грецией, переводил песни «Одиссеи», писал эпическую поэму «Битва на Парнасе» и всерьез собирался стать писателем.В 1827 году семья снова вернулась в Лейпциг, где Рихард поступил в Николайшуле и стал носить фамилию Вагнер. Он брал уроки по гармонии у Кристиана Готтлиба Мюллера, а летом 1829 года написал свои первые сонаты и струнный квартет. В это время Рихард переписывал партитуры произведений Бетховена и вскоре познакомился с Робертом Шуманом. Через два года он написал «Семь композиций к «Фаусту» Гете и поступил учиться музыке в Лейпцигский университет. Рихард сочинил в этот период много произведений для оркестра, но прервал свое обучение в Лейпциге, уехав в Вюрцбург к брату Альберту, который был певцом. В 1834 году Вагнер познакомился со своей будущей женой, актрисой Минной Планер, которую он очень сильно любил, и стал музыкальным директором в театре Магдебурга. Он уехал вслед за Минной сначала в Кенигсберг, где они заключили брак, а затем в Ригу. В 1849 году нарушение королем Саксонии законодательства привело к восстанию в Дрездене, которое было подавлено прусскими войсками. Вагнер принял участие в разработке листовок, призывающих к солидарности с восставшими. Композитору удалось избежать ареста, выехав в Швейцарию. Вплоть до 1861 года Вагнер был вынужден жить в эмиграции. До 1858 года он оставался в Цюрихе, а после жил в Венеции, Луцерне, Вене, Париже, Бибрихе, Берлине. В 1853 году Вагнер поехал вместе с Ф. Листом в Париж, где впервые увидел его дочь Козиму, ставшую впоследствии его второй женой. В 1864 году Вагнер обрел покровителя в лице 18-летнего короля Баварии Людвига П. Почитатель таланта Вагнера, Людвиг пригласил композитора приехать в Мюнхен. Король принял Вагнера, освободил его от бремени долгов, предоставил в его владение дом и с этого момента постоянно материально поддерживал. 1879 и 1881 годы Вагнер проводит в Италии. В январе О. Ренуар гостит у Вагнера и пишет его портрет. 13 февраля 1883 года после сердечного приступа Вагнер скончался, а 18 февраля был похоронен в саду дома Ванфрид в Байройте. Там он покоится под мраморной глыбой, обрамленной очень простой резной работой, без эмблемы и даже без надписи.

Этот портрет кисти О.Ренуара, который мне очень нравится, был написан в 1882 году в Палермо. Ренуар пишет портрет Вагнера, говорит о Париже, уверяет композитора, что аристократы духа поддерживают его творчество, что льстит мэтру, так как он был убеждён, что французы любят только музыку немецкого еврея Мейербера. Но неожиданно после двадцати минут позирования он вдруг поднялся и заявил: «Достаточно! Я утомился», — а взглянув на портрет, воскликнул: «Ах! Ах! Я похож на протестантского пастора!». Этот портрет висел в одном из помещений Гранд Опера в Париже. Он очень понравился Гитлеру, но французы отказались дарить ему этот портрет несмотря на настойчивые просьбы Геббельса. Сейчас портрет висит в музее Орсе в Париже.

Но вернемся к опере "Нюрнбергские мейстерзингеры". Вначале определимся с названием. МЕЙСТЕРЗИНГЕРЫ (немецкое Meistersinger, буквально - мастер-певец).

МИННЕЗИНГЕРЫ - певцы любви, немецкие средневековые поэты, авторы-исполнители произведений рыцарской лирики ХII-ХV вв.
МЕЙСТЕРЗИНГЕРЫ – немецкие поэты-певцы ХIV-ХVII вв. Продолжая лирическую поэзию миннезингеров, они устраивали поэтические состязания, придавая главное значение искусственной форме, разнообразию содержания. Но, подчинив поэзию строгим правилам, М. низвели её до степени ремесла, образуя особые цеховые общества со строгим уставом и особой иерархией (5 ступеней).

Вот несколько строк из поэзии Ганса Сакса,( 1494, Нюрнберг —  1576, Нюрнберг) — немецкого поэта, мейстерзингера и драматурга. Творческое наследие Сакса — важнейший памятник бюргерской городской культуры в Германии XVI века. Гансу Саксу принадлежат более 6000 стихотворений, что особенно удивительно, учитывая, что он зарабатывал на жизнь не литературным творчеством, а сапожным ремеслом. Произведения совершенно различны. Так, например, среди песен встречаются как духовные, так и светские.

Трудитесь! Мир не будет раем
Для тех, кто хочет жить лентяем.

…Мир не кровью,
А дружбой и любовью
Должны мы уберечь.

За честным мужем и жена
Сама становится честна.

Добро и ласку обнаружа,
Вы переделаете мужа. Жена худая — злое зелье,

А добрая жена — веселье.
Чтоб мир в семье был укреплен,
Воспитывать должны вы жен.

В Нюрнберге стоит памятник Гансу Саксу.

Школа-гильдия мейстерзингеров в Нюрнберге и образ ее главы - Сакса получили отражение в опере Р. Вагнера "Нюрнбергские мейстерзингеры" (1867).

Рихард Вагнер создал новую форму искусства, музыкальную драму. В ней он сообщил свои идеи о судьбе человека в символической форме. Он был не только музыкантом, талант которого неоспорим, но и драматургом, эстетом и мыслителем. Цель всей поэзии вообще, и драмы в особенности - изображать внутреннего человека, его чувства, эмоции и вызывать соответствующие эмоции в душе зрителя. Вагнер считал, что музыка является адекватным и непосредственным выражением эмоции, которого не может найти слово. Поэзия исходит от сердца, и через посредство разума и воображение говорит сердцу. Музыка же исходит от сердца и говорит непосредственно сердцу, не имея иного посредника, кроме слуха. По мнению Вагнера, каждое из этих искусств находит, одно в другом, свое естественное дополнение.

А напоследок давайте прогуляемся по Нюрнбергу и послушаем интересный рассказ об этой опере.

Опера Римского-Корсакова «Моцарт и Сальери»

К сожалению, это замечательное произведение Римского-Корсакова недооценено. Интересна история создания этой оперы.

В начале 1897 года Римский-Корсаков положил на музыку небольшую сцену из «маленькой трагедии» Пушкина «Моцарт и Сальери». Летом композитор написал еще две сцены, а в августе того же года завершил оперу. Многие причины побудили его обратиться к этому сюжету.

«Лучшей биографией Моцарта» назвал А. К. Лядов пушкинскую трагедию. Римский-Корсаков преклонялся перед Пушкиным. Особенно пленяла его мудрость поэта в прославлении оптимического, этически совершенного начала в деятельности человека. Сам композитор стремился отразить в своей музыке светлые стороны жизни. «Сочинение это, — указывал композитор, — было действительно чисто голосовым; мелодическая ткань, следящая за изгибами текста, сочинялась впереди всего; сопровождение, довольно сложное, образовалось после, и первоначальный набросок его весьма отличался от окончательной формы оркестрового сопровождения».

В ноябре 1897 года Римский-Корсаков показал «Моцарта и Сальери» у себя на дому. «Всем понравилось. В. В. Стасов много шумел», — позже отмечал композитор. Публичная премьера состоялась 6 (18) ноября 1898 года на сцене Русской частной оперы (театр С. И. Мамонтова). В роли Сальери выступил Ф. И. Шаляпин, имевший большой, все более возраставший успех. Гениальный актер очень любил эту роль и, по его желанию, опера часто давалась русскими музыкальными театрами. (На сцене петербургского Мариинского театра впервые была поставлена в 1905 году). В музыке возник новый стиль. Это была дань времени.

«Новый стиль, — говорил Римский-Корсаков, — можно было бы охарактеризовать словом „пластический“, и этот тип музыки особенно ясно сказался в романсах, а также в ариозном стиле речитативов „Садко“ и „Моцарта и Сальери“». Сразу после окончания «Моцарт и Сальери» был отдан для разучивания мамонтовской труппе, но композитор в данном случае не был уверен в пригодности сочинения для сцены. В письме к Крутикову, исполнявшему роль заведующего репертуарной частью при Частной опере, он выражает сомнения: «Боюсь, что оркестр „Моцарта“ слишком прост и скромен (что между тем необходимо) и требует тонкой отделки, так как в нем нет обычной современной пышности, к которой все привыкли теперь. Боюсь также, не есть ли „Моцарт“ просто камерная музыка, способная производить впечатление в комнате, с фортепиано, без всякой сцены, и теряющая все свое обаяние на большой сцене.

Директор Музыкально драматического училища Московского филармонического обществаСемен Николаевич Кругликов писал Римскому - Корсакову :"Ваша пьеса при внимательном слушании... просто потрясает. <...> Это большое произведение. Конечно, его интимность, его уклонение от общеоперных эффектов — не для ежедневной оперной публики... но все-таки она — большое произведение...». Несколькими месяцами ранее, после прослушивания оперы в исполнении Шаляпина (он пел обе партии) под аккомпанемент Рахманинова, подобное впечатление выразила Н. И. Забела: «Музыка этой вещи такая изящная, трогательная и вместе с тем такая умная...».

В некоторых рецензиях после премьеры высказывалось мнение, что, при удачной в целом «декламации» и «интересной» музыке, композитор оказался здесь поглощенным поэтическим текстом и звук в опере только оттеняет слово. Казалось бы, это мнение перекликается с суждением самого композитора о стиле «Моцарта и Сальери»: «Этот род музыки... исключительный и в большом количестве нежелательный... а написал я эту вещь из желания поучиться... Это, с одной стороны, чтобы узнать, насколько это трудно, — а с другой и сверх того, из-за несколько задетого самолюбия». Однако музыкальная драматургия произведения отнюдь не копирует источник, она ставит свои акценты в пушкинской «маленькой трагедии».

В превосходных анализах «Моцарта и Сальери», выполненных А. И. Кандинским, показано, как это происходит (Кандинский А. И. История русской музыки. М., 1979. Т. II. Кн. 2; Кандинский А. И. О музыкальных характеристиках в операх Римского-Корсакова 1890-х годов). Прежде всего, если у Пушкина центром трагедии, бесспорно, является фигура Сальери, то в опере главенствует образ Моцарта и его искусства, что глубоко согласуется с общей концепцией творчества Римского-Корсакова, направленной всегда к идеалу гармонии. Это выражено в композиции двух сцен оперы: первая сцена представляет собой концентрическую форму, где монологи Сальери обрамляют его беседу с Моцартом, ядро которой — импровизация Моцарта; сердцевина второй сцены — рассказ Моцарта о «черном человеке» и Реквием. По наблюдению А. И. Кандинского, различие персонажей выражено в различных типах их музыкально-интонационной характеристики. Так, в партии Сальери преобладает речитативно-ариозное письмо, близкое манере «Каменного гостя»; в партии же Моцарта не только постоянно возникают фрагменты его музыки — изящная ария из «Дон-Жуана», фортепианная импровизация, стилизованная Римским-Корсаковым по образцу Сонаты и Фантазии ре минор, фрагмент Реквиема (для сравнения: в партии Сальери цитировано лишь два такта из его «Тарара», и напевает эти такты не автор, а Моцарт), но и речевые эпизоды носят мелодический, завершенный характер: личность Моцарта — сама музыка. Кроме того, имеет значение стилистическое наклонение партии Сальери к признакам «домоцартовской» эпохи, интонационно-жанровым элементам «серьезного», «высокого» стиля — тема в духе сарабанды из оркестрового вступления, полифонический эпизод из первого монолога Сальери («Когда высоко звучал орган...») и т. д. Этот «строгий стиль» в соседстве со «свободной» музыкой Моцарта создает определенный драматургический контраст.

Как эстетический феномен «Моцарт и Сальери» — в высшей степени интересное произведение.

Хормейстер нашего хора выпускников СПбУниверситета Филипп Селиванов пригласил нас на премьеру оперы, которую ставит Молодежный оперный театр Дома молодежи "Рекорд" (Садовая 75)

Филипп Селиванов
Музыкальный руководитель и главный дирижёр Молодежного опреного театра

Творческая биография Филиппа Селиванова:

Родился в 1992 году в СПб. В 1999 году поступил в Хоровое училище им. М.И. Глинки, где учился дирижированию, игре на фортепиано, скрипке, флейте, вокалу, хоровому искусству.
В 2010 году окончил Хоровое училище с отличием и поступил в Санкт-Петербургскую Консерваторию им. Н.А. Римского-Корсакова (класс хорового-дирижирования проф. Хитровой Т.И.)
В 2013 году поступил в Консерваторию (класс оперно-симфонического дирижирования проф. Полищука А.И.)
Как дирижер выступал с различными коллективами в Капелле, актовом зале СПбГУ, Петеркирхе, малом зале им. Глазунова Санкт-Петербургской Государственной Консерватории.
Является музыкальным руководителем и главным дирижёром Санкт-Петербургского Молодёжного Оперного Театра.

А это зал Дома молодежи "Рекорд", где будет представлена великая опера моего любимого русского композитора
Николая Андреевича Римского Корсакова "Моцарт и Сальери". Удачи вам, ребята.

Молодежный оперный театр создают молодые для того, чтобы пропагандировать искусство камерного оперного театра.

А что такое камерный театр?

Камерный театр — Всем известно, что слово камерный произошло от итальянского слова camera - комната. Когда то давным-давно, когда еще не было ни концертных залов, ни филармоний и тд, музыкальные произведения исполнялись дома у любителей прекрасного. Соответственно состав исполнителей и инструментов был небольшим, так же как и число зрителей. Так появилась камерная музыка – музыка, предназанченная для исполнения не в большом зале театра или в церкви, а в комнате, музыка домашняя (комнатная) . 

В XVIII-XIX веках камерная музыка звучала в гостиных, в салонах, в небольших залах. При дворах были даже специальные должности камер-музыкантов. Несмотря на изменение социальных условий, камерная музыка не исчезла, она получила новые, более демократичные формы бытования в XIX и в XX веке.

Обстановка камерного музицирования предполагает довольно непринужденную атмосферу, когда слушатели и исполнители находятся близко друг к другу. В отличие от больших залов и театров, в камерной обстановке исполнители могут знать всех своих слушателей, хорошо их видеть, играть и петь специально для конкретных знакомых людей, обращаться к ним своим искусством.

Это накладывает отпечаток и на музыку, которая отличается тонкостью, доверительностью, изысканностью, углубленностью. Камерная музыка рассчитана на более узкий круг слушателей, искушенных в этом виде искусства.

Обладая способностью глубоко проникать во внутренний мир человека, камерная музыка, когда ее слушаешь, кажется, написана специально для тебя. Когда вечером ее иногда слышишь по радио, дома становится уютнее, теплее, появляется ощущение комфорта, несуетности, стабильности, традиционности.

Жанров и форм камерной музыки великое множество: сонаты, дуэты, трио, квартеты, квинтеты, секстеты и т. д., романсы, всевозможные миниатюры (ноктюрны, прелюдии, интермеццо и т. п.). Камерными могут быть концерты, кантаты, фантазии, сюиты, фуги. В XX веке стали писать произведения, которые так и называются "камерная музыка".

Стали создаваться камерные театры.

Камерный – означает предназначенный для небольшого, узкого круга слушателей, зрителей. Здесь не имеет право на существование ни одна неверная фальшивая нотка. Слишком все близко, сцена и зрительный зал – на расстоянии вытянутой руки друг от друга.

Камерный театр существовал в семье Юсуповых в их доме на Мойке, по форме он был точной копией Большого театра, но по размеру зал был рассчитан на 150 мест, а в доме была также акустическая музыкальная гостиная и зал для приемов, где оркестр располагался на втором этаже.

В 1910 году по инициативе графа Александра Дмитриевича Шереметева в доме на углу Невского и Большой Морской улицы (ныне Невский пр-т, дом 16) был создан домашний театр, состоящий из камерного оркестра и хора.

В Эрмитаже также был небольшой театр — Эрмитажный, в котором давались представления.

Представление в Эрмитажном театре

В центре Петербурга, красуется небольшой уютный особняк на улице Галерной, в конце XIX века принадлежавший барону Сергею Петровичу фон Дервизу.

Дворянский род русских немцев фон Дервизов, насчитывающий более трёхсот лет, во все времена славно служил России. Среди его представителей — офицеры, правоведы, сенаторы, коннозаводчики, учителя, врачи, живописцы, геологи, историки, строители, горные инженеры, учёные, художники, певцы и композиторы.

В этом ряду общественный деятель, меценат, благотворитель и коллекционер Сергей Павлович фон Дервиз. 

Все представители рода фон Дервизов были очень музыкальны, Сергей и его брат Павел получили прекрасное музыкальное образование. Их отец строил железную дорогу вместе с миллионером К.Ф. фон Мекком, жена которого Надежда Филаретовна была покровительницей композитора Петра Ильича Чайковского. Брат Павла Григорьевича фон Дервиза, дядя Сергея Иван учился вместе с Петром Ильичом в Училище правоведения. Н.Ф. фон Мекк любила проводить сезон в Ницце, где встречалась с семейством Павла Григорьевича, а с Иваном Григорьевичем её связывали очень тёплые отношения. Имея такие знакомства, Дервизы могли приглашать к своим детям лучших педагогов-музыкантов. Встречаются в литературе о фон Дервизах упоминания, что сам Чайковский давал уроки музыки Сергею. Не удивительно, что Сергей стал прекрасным пианистом и даже сочинял музыку. В нотном отделе Российской государственной библиотеки сохранилась партитура романса для голоса и фортепиано на музыку и слова Сергея фон Дервиза «Как любила я летнюю пору», которая была издана Юргенсоном в 1888 году в Москве.

Слева на фотографии С.П. фон Дервиз музицирует со своей женой.

С.П. фон Дервиз был почётным членом Петербургского отделения Российского музыкального общества, основанного в 1858 году. Именно он организовал в своем особняке на Галерной улице домашний театр, где в 1987 году возник Камерный театр "Санкт-Петербургская опера" 

Этот театр был создан режиссером Юрием Александровым в то время, когда возникла потребность общества в новых творческих идеях. Вопреки всем трудностям периода «перестройки», театр, задуманный как творческая лаборатория, сразу занял видное место в музыкально-театральном Петербурге, завоевав репутацию «живого оперного театра», «театра поиска».

Со временем Камерный театр вырос в профессиональный Государственный театр «Санктъ-Петербургъ Опера», хорошо известный по всей России, а также далеко за ее пределами.

История особняка включает несколько эпох. От домашнего театра фон Дервизов до театральной площадки Всеволода Мейерхольда, от советского Дома культуры до театра Юрия Александрова.

И вот теперь в Петербурге возникает новый Молодежный оперный театр. Хочется пожелать и этому театру всяческих успехов. Дорогу осилит идущий.

Послушайте арию Сальери в исполнении Ф.И.Шаляпина

Мы снова говорим о Верди - самый оперный композитор. Двадцать шесть опер создано им на протяжении почти шестидесяти лет -- от 30-х до 90-х годов XIX века.  Премьера двадцать первой оперы Верди "Бал-маскарад" состоялась 17 февраля 1959 года.

16 февраля 2014 года мы идем в Михайловский театр слушать одну из лучших опер Дж.Верди "Бал-маскарад". Переведенное на итальянский язык либретто Скриба представляет собой историю заговора против короля Швеции Густава III и его убийства.

В 1792 году На бале-маскараде в стокгольмской опере был смертельно ранен 46-летний король Швеции Густав III.(его портрет на фото слева) Стрелял граф Якоб Анкарстрем, участник заговора дворян, недовольных планами правительства присоединиться к антифранцузской коалиции. Графа, естественно, арестовали и казнили — после трех дней избиения плетьми ему сначала отрубили правую руку, а затем голову. В 1858 году Верди написал оперу «Месть в домино» на либретто, составленное по пьесе Эжена Скриба «Густав III Шведский». Но как раз в это время в Париже анархист Феличе Орсини совершил неудачное покушение на Наполеона III, и во избежание крамольных аллюзий власти навязали композитору новый сюжет, сочиненный цензорами. Действие было перенесено из Швеции в Америку, а место Густава занял губернатор Бостона граф Ричард. Тем не менее римская премьера оперы прошла триумфально.

Опера организована изящно и эффективно уже на уровне сюжетного замысла. Ведь король Густаво (в одной из редакций, возникших под цензурным давлением, - губернатор Бостона Варвик), который является объектом мщения, - вовсе не подлый и развратный деспот. Он влюблен, и отнюдь не безответно, в жену Ренато - своего преданного друга и секретаря. Но влюбленная пара жертвенно преодолевает свою страсть, Ренато же, в силу роковых обстоятельств, искренне убежден в измене жены и низости короля, ради которого он готов был пожертвовать жизнью.

Послушайте Увертюру оперы Бал-маскарад (дирижирует Герберт-фон-Кароян)

В  этой опере нет романтики, а музыка очень жесткая. Во многих кусках музыкального материала слышен Бетховен, причем не просто цитаты Бетховена, как цитаты лейтмотивов, а большими кусками. Опера создавалась в период войны и, конечно, образ Бетховена стал образом австро-венгерской истории. Это история власти, история борьбы за нее, история предательства. Именно это было важно. Мне кажется, вряд ли можно найти оперу, в которой главные герои – правитель и оппозиция. Об этом опера "Бал-маскарад" , которую поставил в Михайловском театре несколько лет назад Андрейс Жагарс. латвийский режиссер, генеральный директор Латвийской национальной оперы .

В одном из интервью на вопрос о любимой своей оперной партии Паваротти ответил,неожиданно для многих,-Рикардо из Бал Маскарада!

Первый акт обрамлен хоровыми сценами. В центре его — арии-характеристики главных действующих лиц. Ария Ричарда «Вновь передо мной блеснет она», построенная на лейтмотиве любви, рисует обаятельный, восторженный и искренний образ молодого влюбленного. Полно благородства ариозо Ренато «Облеченный свыше властью», написанное в ритме болеро.

Баллада Оскара «С ней звезды заодно» звучит весело и беззаботно.

Ричард встретился в поле с Амелией и он умоляет ее о любви, но она указывает ему на бесчестность такой любви, поскольку ее муж, Ренато, самый преданный друг Ричарда. Будучи благородным человеком, он соглашается с ней; Послушайте, как прекрасны Лучано Паворотти и Леонтина Прайс.

Второе действие начинается с драмы возвращения Ренато домой вместе со своей женой, Амелией. Ему совершенно очевидно, что она изменила ему вместе с его лучшим другом, и — по традиции французской драмы и итальянской оперы — только одно может потребовать оперный баритон — смерти своей жены. Она страстно желает все объяснить, но тщетно. И затем, в арии «Morro, ma prima in grazia» («Позволь мне перед смертью») с облигатной виолончелью она обращается с жалобной просьбой: она просит позволить ей в последний раз увидеть и обнять их маленького сына. Послушайте, как поет эту арию великая Леонтина Прайс.

Когда она уходит, Ренато поет арию, которую знают абсолютно все — «Eri tu che macchiavi quell' anima» («Это ты отравил душу ядом»). Он адресует ее своему другу-предателю Ричарду, портрет которого висит на стене, Ричарду, который разбил все счастье Ренато. Послушайте, как поет ее молодой Хворостовский. Такого юного Хворостовского я не помню.

Мрачный характер носит оркестровое вступление к второму акту. Заклинание Ульрики «Царь тьмы подземной» зловеще и величественно. Печальное обращение Амелии к колдунье «Позабыть хочу я» своими интонациями напоминает бытовой романс. В терцете широкий мелодический распев партий Амелии и Ричарда сплетается с короткими речитативными репликами колдуньи. Романтически приподнятая баркарола Ричарда «Волна не изменит мне в море седая» дополняет музыкальный портрет графа, данный в первом акте, новыми чертами — мужеством, отвагой, юношеским задором. Беспечность Ричарда, не верящего предсказанию, трепет заговорщиков, боящихся разоблачения, страх и смятение Оскара, удивление Ульрики переданы в квинтете.

В третьем акте большая оркестровая прелюдия рисует старое кладбище, выражает чувства, волнующие Амелию. Очень выразителен ее монолог «Вот то место», развивающийся от спокойной грусти к напряженному, полному отчаяния драматизму. Большой диалог Ричарда и Амелии богат контрастами: короткие восклицания, мольбы испуганной Амелии, подвижная, словно задыхающаяся мелодия страстного признания Ричарда, поэтически возвышенная лирика заключительного раздела подводят к драматическому терцету (Амелия, Ричард и Ренато). Великолепен финал акта: насмешливые реплики заговорщиков подчеркивают отчаяние Амелии, гнев и горечь Ренато.

В первой картине четвертого акта выделяется трагическая ария Ренато «Ты разбил сердце мне» и квинтет, в котором мстительности заговорщиков и Ренато и горю Амелии противопоставлена беспечность Оскара.

Вторая картина четвертого акта — монолог Ричарда; в оркестре повторяется тема любви.

Заключительная картина оперы — блестящий бал. Песенка Оскара «Мы то скрываем» — изящный вальс, полный наивного лукавства.

Прощальный дуэт Амелии и Ричарда, написанный в ритме менуэта, глубоко драматичен. В заключительном ансамбле участвуют почти все действующие лица оперы: прощающийся с жизнью Ричард, охваченный раскаянием Ренато, глубоко скорбящие Амелия и Оскар, потрясенные великодушием графа заговорщики.

Более  подробно можете посмотреть описание оперы здесь.

А на этом сайте вы найдете много фрагментов оперы в исполнении великолепных артистов.

Я в предвкушении наслаждения от встречи с прекрасной музыкой Верди и после Паворотти, Прайс и Хворостовского мне трудно ожидать потрясения от солистов Михайловского театра. Посмотрим. А пока посмотрите маленький фрагмент из этого спектакля

Будут петь:

Густаво — Фёдор Атаскевич
Ренато — Александр Кузнецов
Амелия — Мария Литке

Ну и, наконец, предлагаю вам послушать оперу Верди "Бал-маскарад" целиком. Партию Густаво исполняет Пласидо Доминго.

На телеканале "Культура" посмотрел оперу Дм.Дм.Шостаковича "Леди Макбет Мценского уезда" в исполнении артистов Нидерландского оперного театра. Когда-то в юности я слушал эту оперу под названием "Катерина Измайлова" в Михайловском театре. Помню, что мне не понравилось. На сей раз я слушал ее с интересом.

Сегодня о Шостаковиче пишут и говорят по-разному: восторженно и скептически, почтительно и снисходительно, равнодушно и запальчиво. Как ни один из лидеров музыки XX века, он до сих пор остается объектом споров. Видно, на роду ему было написано быть центром полемики — как при жизни, так и за ее пределами.

Остается один вопрос - в России ощущается некоторое охлаждение к Шостаковичу, а на Западе его тем временем все чаще называют первым среди равных в семье величайших композиторов XX века. В России видимо срабатывает не очень лицеприятная мысль-"Тут своих проблем хватает. Зачем же еще и в концертном зале душу разрывать на части..." И вот потому я решил написать о Шостаковиче.

Шестакович написал эту оперу в 1932 году. В то время ему было всего 26 лет. Сюжетом оперы послужила повесть Н. С. Лескова «Леди Макбет Мценского уезда», с сокращениями, с иной расстановкой акцентов.

Николай Семенович Лесков (1831−1895). Его называли самым национальным из писателей России: «Лескова русские люди признают самым русским из русских писателей и который всех глубже и шире знал русский народ таким, каков он есть». Отец Лескова, Семён Дмитриевич Лесков - выходец из духовной среды, по словам Николая Семёновича, был «…большой, замечательный умник и дремучий семинарист». Порвав с духовной средой, он поступил на службу в Орловскую уголовную палату, где дослужился до чинов, дававших право на потомственное дворянство, и по свидетельству современников, приобрёл репутацию проницательного следователя, способного распутывать сложные дела. Мать Мария Петровна Лескова (урожд. Алферьева) была дочерью обедневшего московского дворянина. Одна из её сестёр была замужем за состоятельным орловским помещиком, другая — за англичанином, управлявшим несколькими поместьями в разных губерниях.

Мало мы знаем о Николае Лескове. Слышали о таком произведении, как "Левша", "Очарованный странник", "Тупейный художник", ну и "Леди Макбет Мценского уезда". Без знания истории России того времени понять его творчество невозможно. Вся история его жизни и деятельности представляет собой картину медленного, трудного и часто даже мучительного роста на протяжении почти полувека - от конца 40-х до середины 90-х г. Трудность этого роста зависела как от сложности самой эпохи, так и от особого положения, которое занял в ней Лесков. Он был, конечно, "дитя своего времени" не меньше, чем другие, но отношения между ним и этим временем приняли несколько своеобразный характер. Он закончил всего два класса Орловской гимназии, учился плохо, отец пристроил сына на работу писаря в судейском ведомстве. В 1857 году Лесков уволился со службы и начал работать в компании мужа своей тетки А. Я. Шкотта (Скотта) «Шкотт и Вилькенс». В предприятии, которое (по его словам) пыталось «эксплуатировать всё, к чему край представлял какие-либо удобства», Лесков приобрёл огромный практический опыт и знания в многочисленных областях промышленности и сельского хозяйства. При этом по делам фирмы Лесков постоянно отправлялся в «странствования по России», что также способствовало его знакомству с языком и бытом разных областей страны. «…Это самые лучшие годы моей жизни, когда я много видел и жил легко», — позже вспоминал Н. С. Лесков. Он всегда говорил, что  попал в литературу "случайно". Склонность к сочинительству в полной мере проявилась, когда Лесков стал рассказывать о своих путешествиях по России в письмах к одному из родственников.

Тридцатилетний Лесков вступил на литературное поприще в начале 60-х годов 19 века, когда уже пришли в большую литературу старшие его современники Толстой, Достоевский, Тургенев, Гончаров, Писемский. В 1861 году он перебрался в Петербург, а затем в Москву, где сделался профессиональным журналистом, сотрудничал со многими периодическими изданиями.

В 1865 году Н.С.Лесков опубликовал свою повесть «Леди Макбет Мценского уезда». Сам Лесков называл свою повесть историей мрачной, в строгих тонах выдержанным этюдом о сильном и страстном женском характере. Главная героиня повести — молодая купчиха, Катерина Львовна Измайлова. Её муж постоянно в работе, в отлучках. Ей скучно и одиноко в четырёх стенах большого богатого дома. Супруг бесплоден, но вместе со своим отцом попрекает жену. Катерина влюбляется в молодого красивого приказчика Сергея, постепенно её увлечение переходит в страсть, любовники проводят ночи вместе. Она на все готова ради своей грешной, преступной любви, ради своего возлюбленного. И начинается череда убийств: сначала Катерина Львовна отравляет свёкра, чтобы спасти Сергея, которого свекр запер в погребе, затем, вместе с Сергеем, убивает своего мужа, а потом душит подушкой малолетнего племянника Федю, который мог бы оспорить её права на наследство. Однако в этот момент со двора врывается толпа праздных мужиков, один из которых заглянул в окно и увидел сцену убийства. Вскрытие доказывает, что Федя умер от удушья, Сергей во всём сознаётся после слов священника о страшном суде. Следователи находят замурованный труп Зиновия Борисовича. Убийцы предстают перед судом и после наказания плетьми идут на каторгу. Сергей мгновенно теряет интерес к Катерине, как только она перестает быть богатой купчихой. Он увлечен другой узницей, ухаживает за ней на глазах у Катерины и смеётся над её любовью. В финале Катерина хватает свою соперницу Сонетку и тонет вместе с ней в холодных водах реки.

У Шостаковича в центре оперы — простая русская женщина, искренне полюбившая и не размышляющая о последствиях своей любви. Главным для композитора стали глубина чувства, переживания героини, ее угрызения совести. В либретто оперы, которую написал сам Шостакович вместе с неким А.Прейсом, который учился в 1930 году на режиссерском отделении Института сценических искусств, как тогда назывался Санкт-Петербургский театральный институт (Академия), переосмыслен характер Катерины Измайловой: не хищная страсть одуревшей от сытости и пятилетнего «заточения» купчихи, а всепоглощающая любовь владеет героиней. Катерина Измайлова — жертва духовно-нищего общества, но одновременно и его палач.

В 1934 опера была поставлена в Ленинграде и Москве, шла под названием "Катерина Измайлова"; затем последовал ряд премьер в театрах Северной Америки и Европы (опера 36 раз выходила в Ленинграде, 94 раза в Москве, ее также ставили в Стокгольме, Праге, Лондоне, Цюрихе и Копенгагене. Это был триумф, и Шостаковича поздравляли как гения.) В январе 1936 спектакль "Катерина Измайлова" посетил Сталин. Опера шокировала его. Реакция нашла свое выражение в редакционной статье "Сумбур вместо музыки", опубликованной в "Правде". Кстати, стоит отметить, что жена Сталина погибла в конце 1932 года. Может быть Сталину она вспомнилась во врем просмотра оперы? Однако, появилась разгромная статья, написанная очень умелой рукой. Говорят, что к ней приложил руку и Иосиф Виссарионович.

Вот несколько строк из этой статьи.

"...Слушателя с первой же минуты ошарашивает в опере нарочито нестройный, сумбурный поток звуков. Обрывки мелодии, зачатки музыкальной фразы тонут, вырываются, снова исчезают в грохоте, скрежете и визге. Следить за этой «музыкой» трудно, запомнить ее невозможно.
...Так в течение почти всей оперы. На сцене пение заменено криком. Если композитору случается попасть на дорожку простой и понятной мелодии, то он немедленно, словно испугавшись такой беды, бросается в дебри музыкального сумбура, местами превращающегося в какофонию. Выразительность, которой требует слушатель, заменена бешеным ритмом. Музыкальный шум должен выразить страсть.  Это – перенесение в оперу, в музыку наиболее отрицательных черт «мейерхольдовщины» в умноженном виде. Это левацкий сумбур вместо естественной, человеческой музыки.      Левацкое уродство в опере растет из того же источника, что и левацкое уродство в живописи, в поэзии, в педагогике, в науке. Автору «Леди Макбет Мценского уезда» пришлось заимствовать у джаза его нервозную, судорожную, припадочную музыку, чтобы придать «страсть» своим героям. Сцена преподносит нам в творении Шостаковича грубейший натурализм. Однотонно, в зверином обличий представлены все – и купцы и народ. Хищница-купчиха, дорвавшаяся путем убийств к богатству и власти, представлена в виде какой-то «жертвы» буржуазного общества. Бытовой повести Лескова навязан смысл, какого в ней нет.
...И все это грубо, примитивно, вульгарно. Музыка крякает, ухает, пыхтит, задыхается, чтобы как можно натуральнее изобразить любовные сцены. И «любовь» размазана во всей опере в самой вульгарной форме. Купеческая двуспальная кровать занимает центральное место в оформлении. На ней разрешаются все «проблемы». В таком же грубо натуралистическом стиле показана смерть от отравления, сечение почти на самой сцене.
...Это воспевание купеческой похотливости некоторые критики называют сатирой. Ни о какой сатире здесь и речи не может быть. Всеми средствами и музыкальной и драматической выразительности автор старается привлечь симпатии публики к грубым и вульгарным стремлениям и поступкам купчихи Катерины Измайловой. Наши театры приложили немало труда, чтобы тщательно поставить оперу Шостаковича. Актеры обнаружили значительный талант в преодолении шума, крика и скрежета оркестра. Драматической игрой они старались возместить мелодийное убожество оперы. К сожалению, от этого еще ярче выступили ее грубо-натуралистические черты. Талантливая игра заслуживает признательности, затраченные усилия — сожаления."

Почему Дмитрий Дмитриевич Шостакович заинтересовался творчеством Лескова?

Этот портрет Дмитрия Шостаковича был написан Б.Кустодиевым в 1919 году, когда композитору было всего 13 лет, но он уже поступил в Ленинградскую консерваторию.

Сам Шостакович в своих воспоминаниях напишет об этом портрете :"Это мое лучшее, самое правдивое и при том не оскорбительное изображение. Мне оно очень нравится"

Тяжелая болезнь приковывает Кустодиева с 1916 к инвалидному креслу.

Шостаковича привела к Кустодиеву его дочь Ирина, с которой они учились в 108 трудовой школе. Она сказала мальчику, что папа очень больной человек, и он должен для него поиграть на рояле. Борису Михайловичу очень понравилась его игра. Подросток стал часто бывать в гостях у семьи Кустодиева. Он подружился с дочерью Бориса Михайловича Ириной, которая была на год старше Дмитрия. Шостакович нередко развлекал Кустодиевых игрой на фортепиано.

В левом нижнем углу портрета (1919) Борис Михайлович сделал дарственную надпись: "Моему маленькому другу Мите Шостаковичу - от автора. "

Отец будущего композитора, Дмитрий Болеславович, — инженер-химик, сотрудник Менделеева, был большим любителем музыки. Обладатель мягкого, приятного баритона, он с тонким вкусом исполнял романсы и народные песни, выступая на домашних вечерах.

Любовь к пению, музыке перешла к нему от отца — Болеслава Шостаковича — профессионального революционера, сосланного царским правительством на вечное поселение в Сибирь.

Поэтическая тонкость души, настоятельная потребность в общении с искусством были присущи и другим членам семьи Шостаковичей. Музыкально одаренной была мать будущего композитора — Софья Васильевна.

Незаурядные способности мальчика были многими замечены, и на одном из музыкальных вечеров, он был представлен известному композитору, директору Петроградской консерватории Александру Константиновичу Глазунову, который внимательно отнесся к начинающему музыканту. Не отрицая его исполнительского дарования, Глазунов посоветовал ему всерьез заняться композицией, считая ее основным призванием талантливого юноши.

Это тоже рисунок Б.Кустодиева.

Рассказывали, что Глазунов назвал его новым Моцартом — так поразил он всех своей необыкновенной музыкальностью, прекрасной памятью, тонким слухом и композиторским даром, который проявился в небольших прелюдиях для фортепиано, сочиненных им незадолго до поступления в Петроградскую консерваторию и исполненных перед экзаменационной комиссией.

Развитие талантливого юноши, уже в стенах Петроградской консерватории, протекало стремительно и бурно. Окружающих — и профессоров, и студентов — поражала необыкновенно яркая и разносторонняя его одаренность: блестящая музыкальная память, умение прекрасно читать с листа не только фортепианную литературу, но и сложные оркестровые партитуры, пытливый, острый ум, способный быстро воспринимать и оценивать все, что он слышал в классах консерватории, на концертах.

В 1937 году Дмитрий Дмитриевич становится преподавателем Ленинградской консерватории и через два года получает звание профессора. Было ему тогда 33 года. Шостаковичу выпало счастье при жизни познать мировую славу, услышать о себе определение—гений, стать признанным классиком, в ряду с Моцартом, Бетховеном, Глинкой, Мусоргским, Чайковским.

По словам одного современника, «философская сила произведений Шостаковича огромна, и кто знает, возможно в будущем наши потомки смогут, слушая их, постичь дух нашего времени более глубоко, чем благодаря десяткам увесистых томов». Познавая личность композитора из его музыки, полной нервного напряжения, юмора и трагической силы, мы чувствуем в ней жесткий, героический и все же глубоко личный и трепетный ответ на вызов трудного и опасного времени и сочувствие человечеству, бьющее через край, но никоим образом не сентиментальное.

Нет страны, которая в двадцатом веке пострадала бы больше, чем Россия, и, принадлежа к этому «великому и трагическому народу» (как называл русских Дж. Уэллс), Шостакович формировался как личность в годы войны и глубоких социальных потрясений.

Именно Кустодиев повлиял на то, что Шостакович написал оперу "Леди Макбет Мценского уезда". Кустодиев Сделал иллюстрации к книге Н.С.Лескова. Эти иллюстрации рассматривал Дмитрий, и у него родилась мысль написать оперу на сюжет рассказа Лескова. Он в то время впервые познал, что такое любовь. В тринадцать лет, влюбленный в десятилетнюю девочку Наталью Кубе, будущий композитор написал и посвятил ей небольшую прелюдию. Тогда юному Шостаковичу казалось, что это чувство останется с ним на всю жизнь и никогда не уйдет из его романтичного и ранимого сердца. Однако первая любовь постепенно угасла, зато желание сочинять и посвящать свои произведения любимым женщинам у композитора осталось на всю жизнь. В 1923 году Шостакович успешно онончил Петербургскую консерваторию. В то же время в жизни начинающего композитора появилась девушка, в которую он влюбился с новой, уже юношеской страстью. Избранницей Дмитрия стала его ровесница из Москвы, дочь известного литературоведа Таня Гливенко. Татьяна Гливенко была ровесницей Шостаковича, хороша собой, прекрасно образована и отличалась живым и веселым нравом. Семнадцатилетний Митя без памяти влюбился в приезжую москвичку, и у новых знакомых завязалось романтичное и долговременное знакомство. В год встречи с Татьяной впечатлительный Дмитрий принялся за создание Первой симфонии, в которой передал бурю сомнений, душевных мук, терзаний и противоречий. Испытывая самые нежные чувства к любимой девушке, Шостакович тем не менее не желал даже думать о предстоящем браке. Внутри у него жили необъяснимые противоречия, о которых писатель Михаил Зощенко говорил: «...Казалось, что он — «хрупкий, ломкий, уходящий в себя, бесконечно непосредственный и чистый ребенок»». Это так... Но, если бы было только так, то огромного искусства... не получилось бы. Он именно то... плюс к тому — жесткий, едкий, чрезвычайно умный, пожалуй, сильный, деспотичный и не совсем добрый». Шли годы, но Дмитрий Шостакович избегал затрагивать тему брака и семьи, а в одном из писем к матери он так объяснял собственную нерешительность: «Любовь действительно свободна. Обет, данный перед алтарем, это самая страшная сторона религии. Любовь не может продолжаться долго... моей целью не будет связать себя браком».
Татьяне, которой уже было почти двадцать восемь лет, хотелось детей и законного мужа. И однажды она открыто заявила Дмитрию, что уходит от него, приняв предложение руки и сердца от другого поклонника, за которого вскоре и вышла замуж. Свадьба бывшей возлюбленной Шостаковича и молодого химика Берлина состоялась в начале 1929 года. Композитор даже не попытался остановить Татьяну от столь решительного шага, и тогда обиженная девушка предпочла больше не поддерживать с ним никаких отношений.
Однако забыть Татьяну не получилось: композитор продолжал встречать ее на улице, писать пылкие и восторженные письма, говорить о любви уже чужой женщине, супруге другого мужчины. Через три года, все-таки набравшись смелости, он попросил Гливенко уйти от мужа и стать его женой, но та не восприняла предложение Шостаковича серьезно. К тому же она в то время уже ждала ребенка. В апреле 1932 года Татьяна родила сына и попросила Шостаковича навсегда вычеркнуть ее из своей жизни. Окончательно убедившись, что любимая к нему никогда не вернется, в мае того же года композитор женился на молодой студентке Нине Варзар. Этой женщине предстояло провести с Дмитрием Дмитриевичем более двадцати лет, родить композитору дочь и сына, пережить измены мужа и его увлечения другими женщинами и умереть раньше обожаемого супруга. Она была астрофизиком, теща Шостаковича была астрономом, а тесть юристом. После смерти Нины Шостакович женился еще два раза: на Маргарите Кайоновой, с которой прожил весьма непродолжительное время, и на Ирине Супинской, окружившей уже стареющего мужа теплотой и заботой, которые сохранились в их семье до конца жизни великого русского композитора. Дмитрия Дмитриевича Шостаковича не стало 9 августа 1975 года.
Почему так пылко влюбленный в Татьяну Гливенко Шостакович не предложил ей руку и сердце, а на других женщинах, не вызывавших в его сердце страстных чувств, он женился необдуманно и быстро — ни сам композитор, никто другой ответить не могли. Двум молодым людям, так романтично влюбленным друг в друга, не суждено было создать прочный семейный союз, однако после их вдохновенной любви остались знаменитая Первая симфония Дмитрия Шостаковича и Трио для фортепиано, скрипки и виолончели, посвященные Татьяне Гливенко.

Главные проблемы бытия всегда остро волновали Шостаковича. Как жить по совести? Быть или не быть? Гений и злодейство. М.Растропович рассказывал, что однажды композитор спросил его: «Слава, если бы вы узнали, что Шопен убил человека, смогли бы вы слушать его музыку?»

Потому не мог не написать Шостакович "Леди Макбет", ему необходимо было понять, что такое любовь и страсть. Основа любви – это близость между людьми, взаимопонимание и уважение сильных и слабых сторон друг друга. Страсть – это влечение, желание обладать. Часто эти понятия переплетаются. Так как страсть может существовать как сама по себе, так и присутствовать в любви. Разница между любовью и страстью велика, но не настолько, чтобы противопоставлять эти два чувства друг другу. В любви страсть проявляется, как желание еще больше сблизиться с партнером. И пока любовь властвует над страстью, отношения будут прочными и непоколебимыми. В страсти же любви места нет. Ее вытесняют неосмотрительность, безразличие и эгоизм. Совсем несложно ответить на вопрос, что сильнее – любовь или страсть. Ответ до неприличия прост, конечно любовь. Она проверяется временем и испытаниями. Тогда как страсть, основанная на потребительском отношении, пропадает так же быстро, как, например, чувство голода. В произведении Лескова нет любви, а у Шостаковича любовь определяет поступки Катерины. Вот потому-то сходит с афиш зарубежных театров великая опера Шостаковича "Леди Макбет Мценского уезда".

Большую часть седьмой картины занимает куплетная песня полицейских; запевалой выступает квартальный («Создан полицейский был во время оно»), в припеве к нему присоединяется хор, аккомпанирующий в ритме плавного вальса. Эта гротескная зарисовка дополняется опереточно-пародийным заключительным хором «Скоро, скоро, скоро, скоро, чтобы не было укора».

Необычным было мое восприятие оперы ”Леди Макбет”. Это‚ быть может‚ один из редчайших примеров восприятия оперы‚ когда едва ли не каждому‚ кто‚ впервые прослушав её‚ необходим особый разговор с самим собой. Нашему нравственному чувству потребно немедленное‚ внятное‚ выраженное словами‚ а не эмоциями‚ объяснение: почему я не осуждаю Катерину Львовну? В чём причина моего безнравственного сочувствия? А между тем, идущая от музыки сила эмоций‚ нас захлестнувших‚ столь велика‚ что разумный, рациональный анализ своих чувств не в силах пробиться к нашему сознанию. Идущая от музыки эмоция колоссальна. Но в этой опере уникальна не столько сила воздействия музыки, сколько содержание её воздействия на фоне именно этого сюжета. Музыка вселенского масштаба соприкасается с простеньким сюжетом .

Это старый фильм 1966 года, где пела Г.Вишневская.

Но современные постановки Леди Макбет оставляют ощущение омерзения. Режиссёры как будто соревнуются в том, кто "чернушнее" поставит оперу. Вот и в той постановке, которую я послушал, великолепно играл оркестр под управлением М.Янсонса, прекрасно звучал хор Амстердамского театра оперы, великолепно звучали солисты, но сама постановка Мартина Кушея вызывает у меня  некоторый протест. Мартин Кушей оголил оперу до основных людских порывов, сделал ее достаточно натуралистической и жестокой. Катерина живет скучая в своей стеклянной коробке посреди болот, и от нечего делать собирает туфли. А мир вокруг как раз - это грязь. Вышла Катерина из своей коробки в мир и оказалась в грязи. Сцена изнасилования Аксиньи настолько натурально показана, что даже больно смотреть. Сама сцена производить невероятное впечатление на зрителя и заставляет серьезно задуматься о внутренних людских порывах, что как раз из-за этого и становится немножко страшно.
Одна из самых запоминающихся сцен - это сцена секса между Катериной и Сергеем. Используя стробоскопы, Кушей создает очень натуралистическую, но не пошлую сцену, оставляющий некоторый зловещий осадок у зрителя. Ну и сцена на каторге вызывает протест. Почему все артисты поют в нижнем белье?

Солисты мне понравились. Понравились хор и оркестр.

Katerina Lvovna Ismailova - Eva-Maria Westbroek
Sergey - Christopher Ventris
Boris Timofeyevich Ismailov & Old Convict - Vladimir Vaneev
Zinovy Borisovich Ismailov - Ludovít Ludha
Aksinya & Femme prisonnière - Carole Wilson
Shabby Peasant - Alexandre Kravets
Chief of Police - Nikita Storojev
Priest & Guard - Alexander Vassiliev
Teacher - Valentin Jar
Sonyetka - Lani Poulson

Партию Катерины пела в Нидерландской опере Эва(Ева)-Мария Вестбрук - сильное голландское сопрано, сегодня пользуется заслуженным уважением и любовью мировой оперной общественности. Но так было не всегда. Получив хорошее музыкальное образование, эта статная, красивая женщина с глубоким голосом прошла очень не простой путь к своей оперной вершине. 

После неудачного старта на одном из фестивалей возникли сомнения в её профессиональной подготовленности и ей пришлось некоторое время работать официанткой в одном из Амстердамских кафе.
Но желание петь на большой сцене и постоянное совершенствование своих данных позволили ей после очередного прослушивания вернуться на мировую оперную сцену. Репертуар примадонны составляют произведения оперных мастеров итальянской, немецкой и русской школы, в которых она великолепно раскрывает свой талант, играючи сплетает узоры нот и своей сценической харизмой излучает магнетический свет ясности и доброты.

Послушайте, как она поет Катерину!

Надеюсь, что вам было интересно. Но под конец давайте задумаеся, Что нового внес Шостакович в музыкальный язык XX века, в чем именно заключалось его новаторство?

Сегодня мы смотрим на творчество Шостаковича иначе, чем тогда. На наших глазах творчество великого художника, которое еще не так давно переживалось как актуальное настоящие, совершило переход в историю. Изменился его статус, а к тому же исчез тот социальный контекст, который расшифровывал символы его музыки для современников.

Вполне тривиальна мысль о том, что каждый художник ведет особый диалог со своим временем, но характер детерминированности его творчества эпохой, «привязанности» к ней во многом зависит от свойств его личности. Если Прокофьев излучал здоровье и оптимизм, а Стравинский демонстрировал спокойствие олимпийца, то Шостакович жил бедами и болями своего времени, аккумулируя в себе, кажется, все его катастрофы. Его музыка — великий плач по человеческой судьбе в этом чудовищном по злодеяниям XX веке. Разумеется, Шостакович не был исключением. Злодеяния столетия имели планетарный масштаб, и потому искусство нашего века в целом преимущественно трагично. Но многое зависело от личности художника (речь идет, разумеется, о тех, кто занимался серьезным искусством). Человек со столь ранимой психикой и обостренной реакцией на ужасы современности не мог писать эпически спокойные полотна. Самой своей природой он был обречен стать великим «трагическим поэтом», как назвал его Соллертинский.

У Шостаковича зло имеет сугубо земное происхождение, что подчеркнуто и самим его происхождением. Зло есть порождение самого человека, и именно он несет за него всю полноту ответственности. В этом смысл всего его творчества. «Сон разума рождает чудовищ», — сказал Гойя. «Сон совести, — мог бы добавить Шостакович, — превращает в чудовище самого человека». Предстоит еще подумать, в какой степени шостаковическую тему ответственности личности можно связать с известными постулатами христианства об изначальной греховности человека. Зато аналогия с Достоевским напрашивается здесь как бы сама собой. Тем более что его влияние не обошло стороной Шостаковича и сказалось в частности на трактовке образа Катерины Измайловой, несмотря на лесковский первоисточник оперы.

Вчера побывали на концерте Юлии Лежневой.

28 апреля, 19.00 •
Филармония им. Д. Д. Шостаковича Малый зал им.М.И.Глинки
В программе: Арии из опер Броски, Вивальди, Гендель, Моцарт, Россини.
Солисты: Юлия Лежнева сопрано, Михаил Антоненко фортепиано.

Колоратурное сопрано - это самый высокий и подвижный женский голос. Колоратурным он называется потому, что легко исполняет разные вокальные украшения - колоратуры.

Ю́лия Миха́йловна Ле́жнева (род. 5 декабря 1989, Южно-Сахалинск) — российская оперная певица (колоратурное сопрано).

Юлия Лежнева «бесспорно является одной из немногих музыкантов, достигшей такой широкой международной известности в столь юном возрасте» (The Independent) благодаря своему голосу «ангельской красоты» (The New York Times), обладающему «чистейшим тоном» (Opernwelt, Die Welt), «безупречной техникой» (The Guardian) и «диапазоном фортепиано» (The Krakow News). Норман Лебрехт, описывая дарование певицы, называет её «взлетающей на стратосферу».

Лежнева в интервью говорила, что они в 11 лет с подружкой дурачились, подражая оперным певицам. Ее услышала мама, обалдела и потащила ее к педагогу по вокалу, и началась ее карьера.

В 2004 году она окончила Музыкальную школу № 28 имени А.Гречанинова (класс вокала Т. В. Черкасовой). В 2008 году Юлия с отличием окончила Академический Музыкальный Колледж при Московской Государственной Консерватории им. П. И. Чайковского по классу вокала (класс И. М. Журиной) и фортепиано (класс Е. Д. Цветковой). Будучи студенткой Колледжа, Юлия совершенствовала вокальное мастерство на мастер-классах Елены Образцовой в Санкт-Петербурге в 2007 году и в академии Россини в Пезаро (Италия) у маэстро Альберто Зедда в 2008 году. Юлия завоевала Гран-при на двух международных конкурсах Елены Образцовой: I конкурсе юных вокалистов в 2006 году и VI конкурсе молодых оперных певцов в 2007 году. Певице тогда же был присуждён Приз зрительских симпатий и Приз телеканала СТО. В 16 лет Юлия дебютировала на сцене Большого зала Московской консерватории в «Реквиеме» Моцарта с Московским государственным академическим камерным хором под управлением Владимира Минина и Государственным камерным оркестром «Виртуозы Москвы» (художественный руководитель — Владимир Спиваков).

С 2008 по 2010 гг. Юлия обучалась в Международной академии вокала в Кардиффе (Великобритания) у выдающегося тенора Денниса О’Нилла. Певица также принимала участие в мастер-классах Ричарда Бонинга, Карло Рицци, Джона Фишера, Леди Кири Те Канава, Илеаны Котрубас, Ребекки Эванс, Важи Чачавы, Терезы Берганца, Томаса Квастхоффа и Чечилии Бартоли. В июне 2008 года в испанском Сантьяго-де-Кампостелла Юлия исполнила партию сопрано в концерте и аудиозаписи «Мессы си минор» И. С. Баха с Марком Минковским и оркестром «Музыканты Лувра».

Юлия с неизменным успехом выступает в таких залах, как Роял Альберт Холл и Барбикан в Лондоне, «Эвери Фишер Холл» Линкольн Центра в Нью-Йорке, театр Елисейских Полей, Зал Плейель и Зал Гаво в Париже, Кливлендсий Severance Hall, Венский Концертхаус и Theater an der Wien, Большой зал Московской консерватории, Малый и Большой залы Санкт-Петербургской филармонии, а также в рамках фестивалей в Зальцбурге (Летний Фестиваль и «Неделя Моцарта»), Вербье, Бон и Тороэллья.

Гран-при на международном конкурсе Елены Образцовой в 2007 году принес девушке известность.
Едва открыв рот, она заставила развесить уши не только публику, но и заседающих в жюри отпетых оперных деятелей. Невероятно легкий, подвижный и гибкий голос с потенциалом колоратурного меццо-сопрано, почти бесплотный и лишенный всего мирского тембр, идеально подходящий для духовной музыки. За все это Лежневу тут же поспешили возвести в ранг "второй Чечилии Бартоли". 

Можно соотнести Лежневу с тремя великими русскими певицами прошлого века. Голос в две с лишним октавы и пристрастие к Россини напоминает о Заре Долухановой, ангельская бестелесность звука — о Виктории Ивановой, европейская стилевая просвещенность — о Нине Дорлиак.(супруга С.Рихтера). В дружной советской семье луженых глоток для них не нашлось ни места, ни репертуара, и всем троим пришлось ретироваться с оперной на концертную сцену.

Все идет к тому, что на Западе новая звезда бельканте Юлия Лежнева придется ко двору быстрее, чем на родине. То есть опять все как всегда. Конечно, за вычетом голоса и таланта. И можно вспомнить слова Ломоносова, немного переиначив: "И может собственных талантов Российская земля рождать!"

На концерте звучала музыка барокко. Условно музыкой барокко называют множество существовавших в течение 150 лет композиторских стилей обширного, в географическом смысле, западноевропейского региона. К музыке термин «барокко» применяется в 1746 году французским критиком и писателем Н. А. Плюшем. Позже этот термин фигурирует в «Музыкальном словаре» (1768 год) Ж.-Ж. Руссо. Каждый из них под словом «барокко» подразумевает «странную», «необычную», «причудливую» музыку доклассической эпохи. В «Музыкальном словаре» Х.Коха (1802 год) слову barock сопутствуют такие качества музыки как «спутанность», «высокопарность», «варварская готика». Гораздо позже Б. Кроче в «Истории итальянского барокко» (1929 год) утверждает, что «историк не может оценивать барокко как нечто позитивное; это чисто отрицательное явление… это выражение дурного вкуса». "Итак, судьба слова «барокко» отвечает заложенному в нём оттенку экстравагантности. Поначалу оно обозначало совсем не стиль эпохи (тем более, что в образцовых для всей Европы французских художествах 18 века — поэзии, живописи, театре — господствовали классические тенденции), а было лишь оценочной категорией — отрицательной кличкой «непонятного искусства (аналогичная ситуация — и не случайно! — возникает в 20 столетии со словом „модернизм“)» Юлия Лежнева в одном из интервью сказала, что музыка барокко покорила меня.

Имя итальянского композитора Рикардо Броски мало известно у нас. Он был был братом известного кастрата Фаринеллии. Фаринелли-кастрат (контр-тенор) был сыном простого придворного, ставшего одним из самых богатых персон Испании. Его голос будоражил сознание и воображение публики. Во время спектакля, в момент «фиоритуры голосом» особо впечатлительные дамы теряли сознание, мужчины выкрикивали браво и аплодировали стоя. К ногам же артиста благодарные зрители бросали цветы, золотые и серебряные монеты, кольца, драгоценные подвески и ожерелья. Успех был достоин «богов Олимпа». Король Испании Филипп Пятый заключил контракт с Фаринелли. Этот контракт в шутку называли «полцарства за голос».  И действительно контр-тенор пел исключительно для короля за $50 млн. в год (переводя на наши деньги с учетом инфляции). Помимо «пенсии» певца возвели в звание рыцаря, назначили руководителем королевских театров. В услужении у «звезды» были десятки слуг, ему принадлежало несколько дворцов, две золотые кареты, подаренные Фердинандом Шестым, многочисленные произведения искусства и знаменитая брошь с громадным бриллиантом Анны Австрийской. Состояние же на момент смерти «великой звезды» оценивалось в $400 млн.

Среди композиторов и «продюсеров» эпохи Барокко, особняком стояло имя Георга Фридриха Генделя. Истинный гений, современник Иоганна Себастьяна Баха, писал две-три оперы в год для своего театра и выбирал самых ярких и знаменитых певцов мира, боясь провала постановок. Жизнь Георга Фридриха - хозяина театра, была как на вулкане. Сегодня успех (в среднем постановка одной оперы приносила до $1 миллиона), а завтра - незаслуженный провал, кредиты и долги. 

Джоакомо Россини открыл в музыке Италии блестящий XIX век, за ним последовала целая плеяда оперных творцов: Беллини, Доницетти, Верди, Пуччини, словно передававшие друг другу эстафетную палочку мировой славы итальянской оперы. Автор 37 опер, Россини поднял на недосягаемую высоту жанр оперы-буффа. Умер Россини 13 ноября 1868 года на своей вилле в Пасси под Парижем. В завещании он выделил два с половиной миллиона франков на создание музыкальной школы в родном Пезаро, где за 4 года до того ему был поставлен памятник. Здесь в Пезаро Юлия Лежнева стажировалась и получила международное признание.

Антонио Вивальди создавал оперные шедевры с расчетом «на эффект», наполняя партитуры большим количеством сложных пассажей, скачков, фиоритур и длиннот. За это музыкальное «трюкачество» зритель охотно отдавал не малые деньги. Билет в среднем стоил $500 (в пересчете на современную валюту). На эти средства в 20-ые годы 18 века можно было прожить несколько месяцев, ни в чем себе не отказывая. Тем самым театры были заполнены знатью, аристократами, придворными, богатыми вельможами и представителями церкви.

В одном из писем к отцу Моцарт писал, что <<в опере поэзия должна быть послушной дочерью музыки>>.. Чайковский, говоря о Моцарте, писал:"Моцарт – гений сильный, многосторонний, глубокий –  в области оперы он не имеет до сих пор ни одного соперника".

Бог подарил миру новую звезду.
Она родилась в России, но теперь принадлежит всему миру.
Ее имя - Юлия Лежнева.

В 2012 музыкальные критики единодушно признали Юлию Лежневу открытием года, одной из самых перспективных российских сопрано. Ее тембр называют перламутровым, а интерпретации барочной музыки уже сравнивают с эталонными.С первых своих шагов на сцене Юлия Лежнева получила поддержку великого дирижера Марка Минковски и оперной певицы Кири Дженет Те Кáнава и может гордиться впечатляющим и грамотно направленным началом своей карьеры.

Как важно во-время получить поддержку!

И все-таки я должен закончить свое эссе на грустной ноте. Опера стала элитарным искусством.Опера – это не только большое искусство, но и весьма прибыльный бизнес. Далеко не каждый человек может позволить себе сходить на хорошую театральную постановку. Билет на концерт в малый зал Филармонии стоил 2000 рублей. Много это или мало, трудно судить. В свою очередь для богатых людей посетить «Метрополитен опера» или «Ла Скала» скорее имиджевый ход, искусственное приобщение к «высокому». Для такого рода публики этот процесс сравним с коллекционированием произведений искусства. Что до самих постановок опер, то они обходятся продюсерам не слишком дорого, а прибыль получают они солидную.

Да, мы были очень рады, что удалось послушать восходящую звезду.

А вот совсем свежее (9 апреля 2016 года в Будапеште) потрясающее исполнение арии главной героини из оперы Хассе "Сирой" на либретто Метастазио, использованное и другими композиторами, в том числе и Генделем, вошла в историю тем, что при первом исполнении длилась чуть ли не 6 часов. Редко кто берется за исполнение музыки барокко. Лучше Юлии никто этого сделать не сможет!

Кстати, это повод поговорить великолепном, мало кому известном немецком композиторе Иоганне Адольфе Хассе (1699-1783).

Он жил в и творил в Дрездене под покровительством курфюрста саксонского Фридриха Августа II. Время то было неспокойное. Саксония боролась за свою независимость с Карлом Великим, но проиграла, и курфюрст бежал в Польшу, а И.А.Хассе в 1763 году вместе с женой Фаустиной покинул Дрезден навсегда. Новым пристанищем для них стала Венеция. После более чем тридцатилетней службы при саксонском дворе они не получили никакого вознаграждения.

В Венеции он прожил 10 лет и умер от артрита вскоре после кончины жены, и был забыт. Интерес к композитору возродился в лишь в 1820 году после выхода его биографии, написанной Ф. С. Кандлером.

Хассе написал более 60 опер (писал примерно по 2 оперы в год), написал несколько ораторий, множество серенад, кантат и значительное количество музыкальных произведений духовной тематики. Он использовал либретто для своих опер, написанные известнейшими современниками, такими как Пьетро Метастазио, Апостоло Дзено, Стефано Паллавичини, Джованни Пасквини и др. Также композитор написал большое количество камерно-инструментальных произведений, в их числе около 80 концертов для флейты, сонаты, симфонии. Значительная часть произведений была утеряна в ходе Семилетней войны и бомбардировки Дрездена союзниками во время Второй мировой войны.

Несмотря на то, что сочинения Хассе практически ушли с мировой сцены, опера «Сирой» представляет особый интерес среди ценителей старинной музыки. В основе произведения – легенда о персидском царе, которому приходится раскрыть все политические заговоры, чтобы занять доставшийся ему по наследству престол.

Если Вам интересно, то послушайте эту оперу в концертном исполнении.

Итак, Концертный зал имени П. И. Чайковского, 15 октября 2015, начало в 19:00

«Сирой» – опера в концертном исполнении

Кто не любит музыки, тот не способен ни к чему великому и благородному!
В.Шекспир

На сей раз хочу изменить традиции и написать до события, которое должно произойти в воскресенье. Мы решили посмотреть нашумевшую два года назад и как-то незаметно промелькнувшую в театральном мире оперу "Иудейка" в Михайловском театре.

«Эта опера действительно очень значительное произведение. После долгого времени отсутствия в репертуаре многих театров она возвращается. В последнее время она шла и в Вене, и в Париже, и в Лондоне, сейчас добралась и до Петербурга: в прошлом сезоне под названием «Иудейка» она была поставлена в Михайловском театре.

Немного из истории. Оперу эту называли шедевром французской оперной сцены еще в середине 19 века. 

"Иудейка" (1835) Жака Франсуа Галеви, прославившаяся в театрах XIX века под названиями "Дочь кардинала" и "Жидовка" (La Juive), появилась на сцене Михайловского театра, где когда-то, в 1837 году, была дана ее российская премьера.

В декабре 1888 Казанский театр оперы посетил Владимир Ульянов (Ленин) вместе с братом — Д. И. Ульяновым. В 1901 году Владимир Ульянов писал матери: «Был на днях в опере, слушал с великим наслаждением „Жидовку“: я слышал её раз в Казани (когда пел Закржевский), лет, должно быть, 13 тому назад, но некоторые мотивы остались в памяти».

Почему мы решили пойти на этот спектакль?

Во-первых, я никогда не слышал об этом композиторе.

Жак Франсуа Фроманталь Эли Галеви.  Будущий композитор родился во Франции в 1799 году в семье известного поэта Эли Галеви (Халфона), эмигранта из Баварии. Поселившись во Франции, отец был вынужден к своей фамилии Леви добавить приставку для евреев "а-". Эли Галеви был еще и кантором, и учителем еврейского языка. О нем известно, что зятем Жака Галеви был композитор Бизе, С 1816 года он преподавал в Парижской консерватории. Среди учеников — Шарль Гуно, Жорж Бизе, Камиль Сен-Санс,

Галеви написал около сорока опер. Среди них:

• Мушкетеры королевы (фр. Les mousquetaires de la raine) (1846)
• Пиковая дама (1850) (фр. La dame de pique) (по повести Александра Пушкина в переводе Проспера Мериме)
• Карл Шестой (фр. Charles VI) (1843)
• Ной (1858—1862)
• Буря, по итальянскому либретто на основе одноименной пьесы Уильяма Шекспира (1850)
• Королева Кипра (фр. La reine de Chypre) (1841) (заслужила множество похвал Рихарда Вагнера)
• Ремесленник (фр. L'artisan) (1827)
• Жидовка (фр. La Juive) (1835)

Для стиля его опер характерны монументальность, сочетание драматизма с внешней декоративностью, обилие сценических эффектов. Большинство опер Галеви написано на исторические сюжеты. Лучшие из них посвящены теме борьбы против национального угнетения, но эта тема трактуется с позиций буржуазно-либерального гуманизма.

«Музыка Галеви относится к той, которую нельзя по-настоящему оценить с первой попытки. Она обладает сложной внутренней красотой, хотя ей не достаетсовершенства формы, яркости выражаемых чувств, отмечаемых при первом прослушивании» ,- писал Г.Берлиоз.

Восторгался музыкой Галеви и Р.Вагнер; "«Чтобы написать хорошую оперу, нужны не только хороший поэт и хороший музыкант, нужно еще, чтобы имелось определенное согласие между талантом одного и другого» Вагнер назвал оперу Иудейка" «памятником, который будет выделяться в истории музыки».

Густав Малер провозгласил "Жидовку" одной из самых потрясающих опер, когда-либо созданных на земле.

Помимо опер, Галеви принадлежат 2 балета, кантаты, романсы, хоры, фортепьянные пьесы, произведения культовой музыки.

Главным произведением Галеви, обессмертившим его имя, явилась опера "Еврейка" ("Иудейка"), по либретто Эжена Скриба, о преследовании евреев инквизицией.

В дореволюционной России опера называлась "Жидовка", а в СССР — "Дочь кардинала".
В опере использованы еврейские мотивы, многовековые страдания еврейского народа нашли в ней глубокое музыкальное выражение. Героиня "Еврейки" Рахель проявляет самопожертвенную преданность иудаизму, хотя сама она вовсе не еврейка по рождению.
Сирота, воспитанная евреем Элеазаром, бросается в костер, не желая изменить своим идеалам. В опере впервые нашли применение оркестровые приемы, о которых впоследствии восторженно отзывался Берлиоз. Она была впервые поставлена в 1835-м году.

В своем авторском вступлении Алексей Парин предлагает к прослушиванию несколько образцов исполнения этой оперы из дальних времен: Каватина де Броньи из первого акта в записи 1927 года, ария Рошель из второго действия в исполнении несравненной Розы Понсель, а также великий Энрико Карузо в партии Элеазара в записи от 1920 года…

Очень интересно рассказывает об этой опере музыковед, ведущий разных радиостанций Алексей Парин. Послушайте его.

Я впервые услышал об этой опере, познакомившись с творчеством великого американского тенора Нейла Шикофа, который в 2011 году удостоен был нашей высшей театральной премии "Золотая маска" за исполнение партии Элиозара опере "Иудейка" в Михайловском театре.

Внешне Шикофф  чем-то похож на руководителя американского компьютерного концерна «Эппл» Стива Джоббса

Итак, что день грядущий нам готовит? Поживем, увидим. Но музыка мне уже нравится, и Нил Шикофф тоже хорош!

На сайте Михайловского театра написано:

Иудейка

опера в 3-х действиях, 5-ти картинах

музыка Жака Франсуа Фроманталя Галеви

___________________________________________________

А во-вторых, всегда меня интересовал вопрос о том, что позволяет евреям выжить и подняться к вершинам каждой последующей цивилизации. Почему их всегда преследовали во все века? События, описанные в опере, затрагивают времена инквизиции 15 века.

Евреи для меня всегда были загадочным народом. Свой путь в историю евреи прокладывали неприметно и с большим опозданием. У них не было ни каменного, ни бронзового века. У них не было и века железного. В течение первых восьми столетий своего существования они кочевали внутри и вовне больших цивилизаций, окружавших их. У них не было ни зданий, ни городов, ни армии. В сущности говоря, у них не было даже оружия. Все их богатство составляли те идеи, которые со временем покорили мир, хотя и не сделали евреев его хозяевами.

Еврейская история не может быть рассказана только как история одних лишь евреев, ибо они почти на всем протяжении своего исторического пути жили во взаимодействии с другими цивилизациями. Судьба евреев была сходной с судьбой этих цивилизаций, за одним весьма важным исключением. Евреи каким-то образом сумели избежать той культурной смерти, которая, как оказалось, была уготована всем цивилизациям, их окружавшим, и продолжали свое культурное развитие в рамках новых цивилизаций, возникавших к этому времени.

На нашей планете насчитывается свыше трех миллиардов человек, из них лишь 12 миллионов - меньше половины процента - составляют евреи. Статистически они как будто бы так же мало могут претендовать на заметную роль в мировых событиях, как, скажем, какое-нибудь племя айну, затерянное в глубинах восточной Азии, на обочине истории. В действительности, однако, роль евреев совершенно не пропорциональна их малой численности. Не менее 12 процентов всех Нобелевских премий по физике, химии и медицине принадлежат евреям. Вклад евреев в величайшие достижения человечества в области религии, науки, литературы, музыки, экономики и философии поражает своими масштабами.

И еще надо не забывать, что Антисемитизм всегда был частью еврейской истории и наложил глубокий отпечаток на менталитет евреев, особенно в странах рассеяния, и особенно в России. Самые ужасные гонения евреи претерпели не со стороны язычников, а со стороны тех, кто называл себя христианами. В словарях антисемитизм определяют как враждебное отношение к евреям как к таковым. То есть, негативное отношение, которое обусловлено не теми или иными поступками или словами человека, а одной лишь его национальностью. Почему антисемитизм существует? Чем он вызван?
Если спросить, за что не любят евреев, можно услышать самые разные ответы. Одни обвиняют евреев в убийстве Христа, а другие, наоборот, в том, что они были первыми христианами и написали книги Нового Завета. Третьи – в некой особой природной жадности, жажде накопительства, стремлении эксплуатировать труд других народов, в том, что их религия (иудаизм) якобы проповедует расовую исключительность, но в любых своих проявлениях антисемитизм мне был всегда непонятен и неприятен. В течение длинных, мрачных лет Средневековья евреев часто ставили перед выбором “крещение или изгнание”, “крещение или мучение”, “крещение или смерть”. Против них издавались всевозможные унизительные законы.

Период расцвета античной Греции продолжался пять столетий. Затем греки превратились в народ пастухов. Они никогда не достигли вновь своего былого величия. Совершенно иначе обстоит дело с евреями. Они сохраняют творческую активность на всем протяжении своей четырехтысячелетней истории.

В ходе столетий евреи выработали такие понятия, как молитва, церковь, спасение души, всеобщее образование, благотворительность. Они ввели их в свой обиход за много веков до того, как все прочее человечество оказалось способным их воспринять. И тем не менее вплоть до 1948 г., в течение почти двух тысяч лет, евреи не имели даже собственной страны. Они обитали среди вавилонян, жили в окружении эллинистического мира, присутствовали у смертного одра Римской империи, преуспевали в исламской цивилизации, вновь вышли на сцену из двенадцативекового мрака, именуемого средними веками, и достигли интеллектуальных вершин в новое время.

За что же не любили евреев во все века? За то, что они придумали для себя право на обогащение за счет общества. Они придумали ростовщичество. За это их и не любили. В основе ростовщичества лежит предоставление денег в кредит под сложный процент, когда процент начисляется не только на основную сумму долга, но и на сумму процента по предыдущему сроку выплаты. Такие  взимания процента в математике подчинены закону геометрической прогрессии, имеющей в своем пределе экспоненциальный рост.

Классический пример проявления закона геометрической прогрессии - известная история, происшедшая с одним персидским падишахом. Он был так восхищен новой игрой — шахматами, что пообещал исполнить любое желание их изобретателя. Умный математик  попросил положить на первый квадрат шахматного поля одно хлебное зернышко, а на каждый последующий класть в два раза больше, чем на предыдущий. Вначале царь обрадовался скромности просьбы, но скоро понял, что во всем царстве не хватит зерна, чтобы исполнить это “скромное” желание. Не трудно подсчитать, что  требуемое количество зерна  составит более 440 мировых урожаев.

Математические законы геометрической прогрессии продолжают действовать и при взимании сложных процентов в экономике. Расчеты поражают. Если бы кто-нибудь вложил капитал в размере 1 пенни в год Рождества Христова с 4% годовых, то в 1750 году на вырученные деньги он смог бы купить золотой шар весом с Землю. В 1990 году он имел бы уже эквивалент 8190 таких шаров. При 5% годовых он смог бы купить такой шар еще в 1403 году, а в 1990 году покупательная способность денег была бы равна 2200 млрд. шаров из золота весом с Землю. 

Действительно, за счет взимания процентов и сложных процентов денежные состояния удваиваются через регулярные промежутки времени: период времени, необходимый для удвоения размера вложенной суммы денег: при взимании 3% годовых для этого понадобится 24 года, при 6% — 12 лет, при 12% — 6 лет.

Обратное состояния у  лица, взявшего кредит под проценты. Долгосрочный кредит, взятый, например,  на 25 лет при сложных 3 % годовых, к сроку выплаты удваивается (при сложном 1%, долг удваивается приблизительно через 70 лет). Если проанализировать отношение даже очень небольших процентных ставок к самым, казалось бы, «земным» срокам выплат, то выясняется, что чем ближе к моменту выплаты долга, тем менее благополучно выглядит финансовое состояние должника и связано это, прежде всего с экспоненциальной «хитростью» функциональной зависимости: маленький сложный процент / долгий срок выплаты. Период удвоения суммы к выплате от исходной приблизительно можно для сложного процента подсчитать по формуле 70/ставка процента.

На самом деле антисемитизм возник на основе борьбы с ростовщичеством.

Действие оперы происходит во Франции. Всё позднее средневековье евреи Франции жили в условиях постоянных нападок церковников, феодалов и простонародья. Притеснения варьировались от поборов и убийств отдельных евреев до погромов и массовых убийств.

Введение в середине XIII в. инквизиции усилило преследования евреев.

Чтобы продемонстрировать торжество христианства и его преимущества перед иудаизмом, католическая церковь вынуждала раввинов принимать участие в религиозных диспутах. Публиковались многочисленные трактаты, направленные против иудаизма.

Особенно ожесточенным нападкам подвергался Талмуд. В 1239 г. апостат Николай Донин изложил перед папой обвинения против Талмуда, указывая, что в нем есть нападки на христианство. В результате была разослана папская булла, направленная против Талмуда.

В июне 1240 г. в Париже состоялся диспут о Талмуде. Несмотря на блестящие выступления еврейских ученых, особенно рабби Иехиэля бен Иосефа из Парижа, трибунал вынес постановление о сожжении Талмуда. В 1242 г. Талмуд был запрещен, и было сожжено 24 воза еврейских книг.

Король и крупные феодалы стали рассматривать евреев, проживавших на их землях, как свою собственность; в юридических документах они именовались «евреи короля». Опасаясь лишиться денег, которые им платили в виде налогов и всевозможных сборов, феодалы стали заключать между собой договоры в отношении прав на евреев.

Католическая церковь резко осуждала любые финансовые сделки с евреями. Множество людей, задолжавших евреям, среди которых были представители всех слоев населения, активно поддерживали требование церкви разрешить христианам не возвращать долги евреям.

Вот это тот фон, на котором Галеви построил свою оперу, взяв за основу либретто Эжена Скриба.

Сюжет пятиактной оперы, сочиненный Эженом Скрибом (известным в России по пьесе «Стакан воды»), разворачивается опять же вокруг проблемы выбора. Действие происходит в XV веке в Констанце. Главный герой — купец Элеазар, пострадавший от рук святой инквизиции, посылает свою приемную дочь Рахиль отомстить палачу, кардиналу де Броньи, который на самом деле ее отец. Элеазару нужно решить, что важнее — защитить свою веру и свой народ или спасти свою дочь от мучительной смерти. У Рахили — свой выбор: во имя любви к христианскому юноше она жертвует собой и забывает о мести.  Таков сюжет этой оперы, которую мы идем смотреть.

Вернемся к спектаклю

Только что пришли из театра. Сидели в центре в ложах бенуа. Билеты по 2500 р. Но это тот случай, когда денег не жалко, так как музыка увлекла с первой минуты. И хотя спектакль длился 4 часа с двумя антрактами, музыка великолепна. и она не надоедала однообразием.Великолепно звучал хор и оркестр. У солистов ОЧЕНЬ сложные партии, но они справились. Режиссерски спектакль решен несколько банально. Действие зачем-то из 15 века перенесено в 30-е годы 20 века. Костры инквизиции заменили газовыми камерами в конце спектакля. Очень понравились исполнители. О Ниле Шикоффе мы говорили.  Но следует сказать несколько слов и о других артистах.

Режиссер Бернар окунул нас в атмосферу антисемитизма с первых минут спектакля. Мы пришли слушать музыку, а нам пропагандируют идеи Холокоста. Зачем?

Действие спектакля происходит в глухой серой коробке, играющей то роль еврейского гетто, то городской площади, где происходит праздник (у Бернара – антисемитский митинг), то военной комендатуры с бездушными машинистками, суетящимися штабистами и картой очередного блицкрига. Лейтмотив событий – подготовка массового уничтожения евреев. Конечно, Бернар задался благородной целью воспеть чувство достоинства у жертв, особенно сильное у ювелира и его дочери, и обличить погромщиков. Уже во время увертюры краснорубашечники избивают дубинками и ногами беззащитных молящихся иудеев, причем так достоверно, что зал не обращает внимания на музыку – все смотрят на побоище. Дальше – больше: евреев станет поносить толпа горожан, их будут бить, запугивать и всячески унижать, а под конец отправят в концлагерь, заменяющий костер для иноверцев. Но ведь опера не совсем (или не только) о расовой или религиозной ненависти. Скорее она о губительности фанатизма.

Центральная фигура в спектакле - это ювелир Элиазар, роль которого блистательно исполнил Нил Шикофф.

Конечно, можно сравнивать Нила Шикоффа с Энрико Карузо, для которого роль Элиазара была одной из последних в его жизни

Арию Элиазара можно послушать и в исполнении Марио дель Монако

Эта ария, пожалуй всегда была у меня на слуху, благодаря этим исполнителям.«Рахиль, ты мне дана небесным Провиденьем» - пел кто-то давным-давно в детстве, с очень древней пластинки. Мотив казался банальным, хоть и с восточным колоритом.

Любил эту арию и Пласидо Доминго:

В 1956 году эту арию по-русски спел Михаил Александрович :

Это эмоциональная вершина спектакля – знаменитая ария Елеазара, «Rachel, quand du Seigneur».  Элеазар стал последней трагической ролью смертельно больного Карузо. Нил Шикофф поёт эту арию, словно в последний раз, «кровью сердца». В общем, ради одной этой арии стоило придти на спектакль, пребывать в предвкушении чуда и дождаться его.

Пресловутый любовный треугольник.. Рахиль, дочь Кардинала, которую во время пожара давно-давно спас ювелир Элиазар и воспитал как свою дочь, она во главе угла, она - ИУДЕЙКА.   Рахиль,олицетворяющая все пороки и праведности, в неуёмном желании жить и любить.. благодаря и вопреки.Роль Рахиль исполняла солистка Михайловского театра МАРИЯ ЛИТКЕ. Браво! Мария Литке (сопрано) - Лауреат Всероссийского конкурса, в 2005 г. закончила Санкт-Петербургскую консерваторию по классу народной артистки СССР, профессора И. П. Богачёвой. Голос М. Литке диапазоном в две с половиной октавы ярко и темброво неповторимо звучит во всех регистрах: в нижнем он отличается глубиной и насыщенностью, в среднем - мягкостью и проникновенностью, в верхнем - сочетанием нежности и силы.Она пела Рахиль хорошо, но ее голос иногда "торчал". Голос у нее очень сильный, а иногда надо слушать партнеров. И образ Рахель, который она создала, был довольно странный. Некий синий чулок в очках, очень нервно бегала по сцене, Ее Рашель - с одной стороны, тихая забитая мышка, живущая в мире своих фантазий и книжек. Она постоянно книжку читала - то ли иудейские молитвы, то ли какой-то любовный роман. Даже в тюрьме читала. Может быть артистка плохо знала слова?  Правда, не вполне понятно, как принц мог променять красавицу Евдоксию на такую Рахель. А когда Леопольд признался, что он христианин, то Рахель показала свой буйный нрав, стала рвать и метать, как будто для нее Тора намного важнее любви. Любить такую Рахель трудно.

Второй угол треугольника - Избранник избранной.. христианин Леопольд, ради обладания любимой, выдающий себя за художника Самуила..Джанлука Пазолини (Gianluca Pasolini) – тенор, выпускник флорентийской Академии Maggio Musicale Fiorentino, находится на пике своей творческой карьеры. Зарекомендовал себя как одаренный педагог. Регулярно выступает на многих известных площадках Европы и США (Ла Скала, Берлинская Опера, Зальцбургский фестиваль).Поет все правильно, но иногда, как мне показалось, кое-что не вытягивал. И немного староват для роли любовника. Итальянец Джанлука Пазолини на фоне остальных оказался несколько слабее. Красивый тембр, даже какой-то русский тенор, но звучал голос почему-то напряженно и тихо.

И замыкает фигуру треугольника - невеста притворщика, племянница императора - Евдокия. В спектакле эту партию спела НАТАЛЬЯ МИРОНОВА,солистка Михайловского,украсившая колоратурным сопрано выдающуюся Оперу. Евдокия - Наталья Миронова - просто великолепна. Она плетет вокальные кружева с французским изяществом. У нее голос красивый, мягкий, но… слишком матовый и, все-таки…воспринимался  он в зале в основном, как мне показалось, недостаточно звучно. Особенно это было заметно на фоне  очень эмоционального пения исполнительницы партии Рахили.

Особенно в музыкальном плане интересен финальный дуэт Рахили и Евдоксии. Но режиссер решил эту сцену, на мой взгляд, очень плохо. Принцесса приходит к сопернице в тюрьму, её выводят, но всё бурное объяснение происходит на фоне канцелярской рутинной работы: человек двадцать статистов стучат на машинках, крутят телефонные аппараты, особо старательно водят длинными указками по карте города (составляют план тотальной облавы на евреев!). Рахиль всё время рвётся убежать, военный чиновник её ловит, приковывает наручником к стулу, она опять дёргает, стул падает и т. д. Все это слушать мешает! А поют девушки чудо как хорошо. Евдоксия уговаривает осужденную на казнь Рахиль спасти от смерти за связь с иудейкой Леопольда, которого они обе любят.

Это из Метрополитен опера. Дуэт Евдоксии (Элизабет Футрал) и Рашель (Сойл Исокоски)

А это из Венской штатс-оперы отрывок из второго действия, когда Рахиль встречается с Леопольдом. (The Vienna State Opera, 2003
Krassimira Stoyanova, Jianyi Zhang, Neil Shicoff)

Несколько слов о кардинале. Бас из Голландии Гарри Питерс обладает не очень мощным голосом, который, тем не менее, очень хорошо наполняет зал. В партии Кардинала де Броньи Питерс был очень убедителен; его герой – не столько религиозный фанатик, сколько несчастный отец, готовый на любые жертвы ради возвращения единственной дочери – в изумительной по мелодической красоте сцене, где Де Броньи умоляет Элеазара раскрыть ему тайну, Питерс добился необыкновенной эмоциональной выразительности. Правда, кардинал в окружении фашиствующих молодчиков смотрится не очень здорово.

Ну и в заключение, о чем эта опера? Эта опера не является ни "прохристианской", ни "проеврейской", здесь каждый из главных действующих лиц - одновременно и жертва, и палач, все преисполнены высокомерия и ненависти, гордясь своей верой и презирая чужую - именно об этом речь, о разрушительной сущности нетерпимости.

В дневнике Звонова Валерия Степановича 
Вы найдете много любопытных рассуждений о музыке, о живописи, о театре, о музеях

У великого скульптора Огюста Родена в  книге -"Размышления об искусстве" есть такая фраза:

"Но мир будет счастлив лишь тогда, когда каждый будет наделен душой художника, то есть когда каждый будет находить в своем труде удовольствие."

А потому я счастливый человек, всю жизнь жил в радости.

Радость я находил от общения с людьми. Вот и сейчас, я рад, что Вы посетили эту страничку. Здесь собраны самые сокровенные мои мысли от встреч с искусством.

"Задача искусства — волновать сердца",- говорил Гельвеций.
Поэтому поговорим о нем, ибо сердце должно волноваться!

ДОБРО ПОЖАЛОВАТЬ В МИР ИСКУССТВА.

Мы поговорим о музыке, о театре, о живописи, о поэзии и о кинематографе: 

О МУЗЫКЕ

Музыка – тончайшая нить, которая связывает душу с прекрасным.
Она слагает из хаоса звуков гармоничные мелодии.
И тот, кто предан ей, отличается тонким душевным строем,
магичностью, одухотворенностью.

"Музыка - часть нашей жизни".
Музыка хранит в себе много загадок и тайн.

Начнем наш разговор с рассказа о Галине Павловне Вишневской, великой оперной певице
Галина Вишневская родилась в Кронштадте в простой семье и стала звездой.

Сейчас Детская музыкальная школа №8 г.Кронштадта носит имя Галины Павловны Вишневской.

Музыкальная школа была создана 65 лет назад замечательным музыкантом Иваном Игнатьевичем Орел. Он открыл для мира талант Г.П.Вишневской.

Итак, начнем 

__________________________________________________________________________________________

Значение музыки для человека

Музыка - голос души (о влиянии музыки на человека)

Поговорим о полифонии в музыке 12.10.2017

___________________________________________________________________________________________

Поговорим о музыке Дм.Дм.Шостаковича (квартет №4 и квинтет) - (концерт памяти Игоря Урьяша)

Поговорим о музыке. 16 декабря 2015 года исполнилось 100 лет со дня рождения Г.В.Свиридова - великого русского композитора

Поговорим о музыке. Желтые звезды (Чакона Баха, 2 концерт Шостаковича для ф-но с орсестром, Желтые звезды И.Шварца)

31 марта 2015 года 330 лет со дня рождения И.С.Баха

___________________________________________________________________________________________

Поговорим о пианистах. Рихтер и его современники.

20 марта 2015 года 100 лет со дня рождения С.И.Рихтера

Поговорим о пианистах. Пианист Григорий Соколов (Воспоминания о Барселоне)

Поговорим о пианистах. Пианист Александр Лубянцев.

Фортепьянные концерты Моцарта

_____________________________________________________________________________________________

Памяти Елены Образцовой

Поговорим о музыке. Вагнер. Лоэнгрин.

Поговорим о музыке. Вагнер. Нюрнбергские мейстерзингеры.

Фортепьянные концерты Бетховена.

Фортепьянные концерты Моцарта

На "Музыкальном Олимпе" Бетховен, Шостакович, Пуччини. 

Поговорим о музыке. ЯН  СИБЕЛИУС

Поговорим о музыке. Кто такой Альфред Шнитке.

Последние рыцари прекрасной эпохи. Рахманинов и Сибелиус (октябрь 2018)

Бетховен. Опера Фиделио (11.05.2018)

Поговорим о музыке. Опера "Сельская честь" (П.Доминго и Е.Образцова)

Поговорим о музыке. Опера Верди "Бал-маскарад"

Поговорим о музыке. Опера Верди "Травиата"

Поговорим о музыке. Опера Верди. "Сила судьбы".

Опера Верди "Симон Бокканегро"

Поговорим о музыке. Опера Шостаковича "Леди Макбет Мценского уезда"

Поговорим о музыке. Опера Моцарта Дон Жуан.

Поговорим о музыке. Опера Р.Щедрина "ЛЕВША"

Поговорим о музыке. Борис Годунов в Мариинском театре

Поговорим о музыке. Князь Игорь

Поговорим о музыке. Князь Игорь в исполнении Юрия Любимова

Опера "Золотой петушок" на сцене Мариинского театра и в Большом.

Поговорим о музыке. Опера Россини "Севильский цирюльник"

ПОГОВОРИМ О МУЗЫКЕ. ВИЛЬГЕЛЬМ ТЕЛЛЬ. РОССИНИ

Поговорим о балете. Минкус. Балет «Дон Кихот»

Французская органная музыка. Мари Михара

Бог подарил миру новую звезду из России. Юлия Лежнева (сопрано)

ХИБЛА ГЕРЗМАВА. КОНЦЕРТ В МАРИИНСКОМ-2

Большой театр в своем репертуаре. Опера "Воццек".

Поговорим о музыке. "Иоланта" в Михайловском театре

Большой театр в своем репертуаре. Балет Пиковая дама

Поговорим о музыке. Брамс.Шостакович.

23 февраля 2015 года исполнилось 330 лет Г.Ф.Генделю  (Послушайте знаменитую Аллилуя Генделя)

Поговорим о музыке. Г.Ф.Гендель

Оратория Генделя "Мессия" - одно из величайших произведений мировой классики (сентябрь 2018)

Киприотская музыка  (11.05.2018)

Поговорим о хоровой музыке

Поговорим о музыке. Павел Чесноков.

Поговорим о музыке. А.А.Архангельский - родоначальник романтического направления в духовной хоровой музыке

Поговорим о хоровом искусстве. Хормейстер Илья Кузнецов.

Хор им.Сандлера

Концерт в Смольном соборе. (Оратория Прокофьева "А.Невский и оратория И.Кузнецова "Блокадный дневник")

Концерт хора имени Сандлера в Национальной библиотеке

История одной песни (Эх, Ладога). 73 годовщина со дня снятия Блокады Ленинграда. 27.01.2017 

Хор имени Сандлера закончил свой сезон 2016 года

Выступление хора имени Сандлера в Сапсониевском соборе

Поговорим о хоровой музыке. Свете тихий. Отец и сын Кедровы.

Поговорим о музыке. Мадригал и Томас Морли. 

Поговорим о хоровой музыке. Николло Йомелли.

Поговорим о музыке. Бортнянский

Поговорим о музыке. Петербургские серенады Даргомыжского (06.06.2022)

_________________________________________________________________________________________

Поговорим о музыке. Гайдн.Моцарт.Бетховен

Поговорим о музыке. Гайдн (концерт для скрипки). Брукнер (симфония №8) 22.10.2017

Поговорим о музыке. Контртенор

Поговорим о музыке. Мусоргский

Поговорим о музыке. История одной мелодии (Глюк,Альбинони,Свиридов)

Кинчев, Цой, Тальков - герои ушедшего времени

Поговорим о музыке. Рахманинов

Поговорим о музыке. Рихард Вагнер

Поговорим о музыке. Вальсы Штрауса

Поговорим о музыке. Тенор

Чечилия Бартоли поет в Музикферайне. (музыка барокко сопрано и виолончель Соло Габетты) 

Поговорим о музыке. К.Дебюсси - творец музыки 20 века

Поговорим о музыке. Жорж Бизе. 

Концерт в малом зале Филармонии. Два квартета. Дебюсси и Равель 

Последние рыцари прекрасной эпохи. Рахманинов и Сибелиус (октябрь 2018)

Квартету Стравинского 25 лет (17.11.2017)- Стравинский, Шостакович, Франк

Юбилей скрипача Виктор Лисняк.

Скрипичный концерт. Германия. Шедевры забытые и незабытые. В.Лисняк.

Дирижер Нелло Санти - просто гений

Вертинский

Марк Бернес

Поговорим о музыке. Нотр Дам де Пари

Поговорим о музыке. Рахманинов, Мясковский, Прокофьев

Звуки музыки.Штраус и Малер.

Великолепная Вена. Штраус

Великолепная Вена. Бетховен

Великолепная Вена. Гайдн

Великолепная Вена. Моцарт

Великолепная Вена. Музикферайн.

Поговорим о музыке. Верди

Органная музыка в Мальтийской капелле

Поговорим о музыке. Сопрано (Casta Diva)

Поговорим о музыке. Фредди Меркьюри - величайшая звезда мировой эстрады. 

Поговорим о рок-музыке. Кирилл Комаров и Сергей Калугин

Памяти Виктора Цоя

Поговорим о музыке. Творчество Лойда Уеббера (Webber) (Иисус  Христос суперстар и др.мюзиклы, Реквием)

Поговорим об оперетте. (10.10.16)

ПОСЛЕ СПЕКТАКЛЯ. ИМРЕ КАЛЬМАН "СИЛЬВА"

Поговорим о Древней Пальмире и послушаем концерт оркестра Мариинского театра в окружении древних руин. (13.12.2016)

О ЖИВОПИСИ

Живопись самое прекрасное из всех искусств,
в ней объединяются все ощущения,
при виде ее каждый может по воле своего воображения создать роман,
с помощью одного только взгляда
наполнить душу самыми глубокими воспоминаниями,
никаких усилий со стороны памяти — все схвачено в одно мгновение.

Поговорим о живописи. Эдвард Мунк

Поговорим о живописи. Казимир Малевич

Современное искусство. Марат Гельман.

Поговорим о живописи. Илья Глазунов

Поговорим о живописи и скульптуре. Выставка современного искусства в Кишиневе

Поговорим о живописи. Нестеров и Фешин

Поговорим о живописи и о России. Выставка в Русском музее.

Великолепная Вена. Климт.

Выставка Модильяни в доме Фаберже. (16.03.2018)

Художник Марк Шагал вместе с Юрским (размышления о спектакле и о художнике) (23.11.2018)

В.СТЕРЛИГОВ - ПОСЛЕДОВАТЕЛЬ АВАНГАДА

Поговорим о художниках. Михаил Врубель

В рубрике ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА
Вы найдете много интересного о картинах разных художников 

Серия сообщений " ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА":

Часть 1 - История одной картины.Леонардо да Винчи. Благовещение
Часть 2 - История одного шедевра . «Грачи прилетели» Алексей Саврасов
Часть 3 - История одного шедевра."Последний день Помпеи
Часть 4 - История одного шедевра. Ян Вермеер «Искусство Живописи»
Часть 5 - История одного шедевра . Этьен Морис Фальконе - «Медный всадник»
Часть 6 - История одного шедевра: Василий Верещагин- «Торжествуют»
Часть 7 - История одного шедевра: «Давид» Микеланджело
Часть 8 - История одного шедевра .Хендрик Аверкамп «Катание на коньках за городскими стенами»
Часть 9 - История одного шедевра- «Розовые горы» Рериха
Часть 10 - История одного шедевра: Правда ли, что серьга на картине «Девушка с жемчужной серёжкой» на самом деле не жемчужная?
Часть 11 - История одного шедевра:«Девушка с жемчужной серёжкой» Янa Вермеерa
Часть 12 - История одного шедевра. "Поцелуй" Густава Климта
Часть 13 - История одного шедевра: «Золотая осень» Левитана
Часть 14 - История одного шедевра. Аркадий Острицкий «Ночь Исхода».
Часть 15 - История одного шедевра:"Иней" Иван Вельц
Часть 16 - История одного шедевра. Исаак Левитан"Над вечным покоем"
Часть 17 - История одного шедевра: Василий Верещагин- Апофеоз войны "
Часть 18 - История одного шедевра. Н. П. Богданов-Бельский "Устный счет в народной школе С. А. Рачинского"
Часть 19 - История одного шедевра: «Юдифь I» Климта
Часть 20 - История одного шедевра:Василий Поленов " На лодке. Абрамцево"
Часть 21 - История одного шедевра: Иван Крамской "Неизвестная"
Часть 22 - История одного шедевра... "Явление Христа народу" Александра Иванова, художника, который опередил свое время. (2 видео)
Часть 23 - История одного шедевра". Лучшее из мира живописи.«Сватовство майора» Федотова
Часть 24 - История одного шедевра.«Неравный брак». Художник Василий Пукирев
Часть 25 - История одного шедевра . Кузьма Петров-Водкин."Утро. Купальщицы
Часть 26 - История одного шедевра,Рембрандт. "Ночной дозор"
Часть 27 - История одного шедевра."Рождение Венеры" Боттичелли. Тайна божественной красоты
Часть 28 - История одного шедевра . "Золотая Адель" или "Портрет Адели Блох-Бауэр" Густава Климта, 1907
Часть 29 - История одного шедевра .Франсиско Гойя (Francisco Goya, 1746-1828, Spanish) - "Маха обнажённая" и "Маха одетая".
Часть 30 - История одного шедевра .Карл Брюллов . Последний день Помпеи
Часть 31 - История одного шедевра.Карл Павлович Брюллов . Всадница
Часть 32 - История одного шедевра. Валентин Серов.Девочка с персиками.
Часть 33 - История одного шедевра. Рембрандт.«Возвращение блудного сына»
Часть 34 - История одного шедевра.Леонардо Да Вични . "Тайная вечеря"
Часть 35 - История одного шедевра:Суриков Василий Иванович (1848 - 1916). «БОЯРЫНЯ МОРОЗОВА»
Часть 36 - История одного шедевра: «Утро стрелецкой казни» Сурикова
Часть 37 - История одного шедевра: Джон Эверетт Милле «Офелия»
Часть 38 - История одного шедевра: Константин Савицкий "Отец"
Часть 39 - История одного шедевра: Василий Суриков "Вечер в Петербурге"
Часть 40 - История одного шедевра: Илья Репин "Какой простор"
Часть 41 - История одного шедевра: Андрей Рублев «Святая Троица»
Часть 42 - История одного шедевра . Алексей Кондратьевич Саврасов. "Грачи прилетели"
Часть 43 - История одного шедевра.Александр Иванов "Явление Христа народу. "
Часть 44 - История одного шедевра.Михаил Врубель."Демон сидящий"
Часть 45 - История одного шедевра. Эдгар Дега."Голубые танцовщицы"
Часть 46 - История одного шедевра: «Аленушка» Виктор Васнецов
Часть 47 - История одного шедевра. Рафаэль Санти.«Сикстинская Мадонна»
Часть 48 - История одного шедевра.Борис Кустодиев.«Купчиха за чаем»

О ТЕАТРЕ

Театр — и зрелище и школа для народа, Будить сердца людей — вот в чем его природа!

Поговорим о театре. Доктор философии. Нушич. (Театр Комедии)

Алиса в БДТ  - конец БДТ или новая эра А.Могучего?

"Дядя Ваня" в постановке А.Кончаловского (поговорим о Чехове и о смысле жизни)

"Укрощение строптивой" в Александринском театре.

"Лес". Размышления после спектакля

"РОМУЛ ВЕЛИКИЙ" ??? Размышления после спектакля театра на Васильевском.

О ПОЭЗИИ

Поэзия обладает одним удивительным свойством.
Она возвращает слову его первоначальную, девственную свежесть.
Самые стертые, до конца «выговоренные» нами слова,
начисто потерявшие для нас свои образные качества,
живущие только как словесная скорлупа,
в поэзии начинают сверкать, звенеть, благоухать!

Поэт Алексей Шадринов - великий поэт России

ДАНИИЛ ХАРМС - ГЕНИЙ АБСУРДА

Евгений Евтушенко - поэт юности Советской России

О КИНЕМАТОГРАФЕ

Ребус Тарковского. фильм "Зеркало"

Фильм М.Швейера "Крейцерова соната" или исповедь развратника???

Кино — это полная противоположность театру. Фильмы надо смотреть сразу, как только они выходят на экран, потому что потом можно только разочароваться, тогда как на спектакли лучше идти как можно позже, ни в коем случае не в начале ( генеральные — это кошмар, актеры играют хуже обычного, им надо дать время «обкатать» спектакль, а автору — время поправить пару реплик в случае чего). Кино потребляется мгновенно, театру же надо отстояться, как вину. Кино — свежий скоропортящийся продукт, а театр — это блюдо, которое лучше есть остывшим. Надо смотреть новые фильмы и старые спектакли.

Великие композиторы

Биографии Великих композиторов

• Йозеф Гайдн
• Никколо Паганини
• Иоганнес Брамс
• Георг Фридрих Гендель
• Сергей Прокофьев
• Людвиг ван Бетховен
• Сергей Рахманинов
• Антонио Вивальди
• Джузеппе Верди
• Вольфганг Амадей Моцарт
• Игорь Стра

Французский телеканал Mezzo показывает теперь регулярно постановки Большого театра. Недавно посмотрел Руслана и Людмилу, поставленную на современный лад. В спектакле, например, Наина предстает как содержательница публичного дома, а Людмила - обкурившаяся гашишем дочка олигарха. Но сегодня речь пойдет еще об одной "современной постановке оперы Альбана Берга "Войцек". Правда, в постановке Чернякова название звучит как Воццек. Сегодня по Mezzo посмотрел эту оперу и делюсь с Вами своими впечатлениями.

Произведение, считающееся самым ярким произведением музыкального экспрессионизма, воплотили на московской сцене дирижер Теодор Курентзис и режиссер Дмитрий Черняков

 .

"Воццек" был написан Бергом в начале 20-х годов и впервые поставлен в Берлине в 1925 году. В то время Советский Союз еще не отгородился железным занавесом от западной культуры. Российская премьера "Воццека" прошла в 1927 году - раньше, чем в Вене, родном городе Берга. Композитор лично приехал на премьеру в Ленинград, и это воспринималось без изумления.

Сочиняя оперу, Берг взял за основу драму Бюхнера "Войцек", написанную в первой половине XIX столетия, изменил одну букву в имени персонажа и переосмыслил многие мотивы. В частности, он снизил социальный пафос драмы и добавил главному герою экзистенциального отчаяния. Оперный Воццек сходит с ума и убивает свою сожительницу не только от нищеты и ревности. Мотивы его преступления кроются в сфере иррационального, а житейские лишения лишь обостряют маниакальные черты.

Черняков от социального объяснения отказывается вовсе. Он стирает все приметы бытового унижения. Его Воццек живет в благоустроенной современной квартире с жидкокристаллической телевизионной панелью на стене. Уходит мотив греховного сожительства: Воццек, Мари и их сын образуют нормальную ячейку общества. Таких вокруг пруд пруди - спектакль начинается с того, что мы видим многоквартирный дом в разрезе. В каждой из квартир-ячеек стоят стол и стулья, в каждой горит свет, в каждой кто-то есть. Ближе к финалу этот образ становится еще более определенным: в каждой из квартир появляется по ребенку, у каждого из детей есть отец и мать.

Ничего осмысленного эти люди не делают - так, маются, как бы живут. В свободное от ничегонеделания время ходят в бар - все сцены, которые в оригинале проходят на улицах города и за городом, перенесены в интерьер со стойкой, столиками и все тем же телевизором на стене. На экране все время идут спортивные состязания: летят в мишень дротики дартс, переливаются одна в другую покерные комбинации, рвутся к воротам футболисты. В баре текут странные, полубезумные разговоры. Здесь же Мари кокетничает с тамбурмажором, и тот затаскивает-таки ее на любовное свидание в туалет.

Полная урбанизация сюжета - пожалуй, самый спорный ход постановщика. Для Бюхнера и Берга очень важно противопоставление города и окружающего его "пустого пространства". В городе Воццек попираем и презираем, за городом с него спадает непосильное давление, но свобода мыслить оказывается еще более тяжким грузом. Объединяя место действия, Черняков снимает этот контраст. Катастрофа Воццека тем самым приближается к современным алогичным преступлениям и суицидам, от стрельбы в супермаркетах и школах до самоубийства вратаря Роберта Энке. Снижается степень сопереживания, которое подменяется любопытством.

Впрочем, послушайте, как Черняков рассказывает об опере

В одной из знаменитейших постановок оперы, впервые показанной в Париже в 1992 году и затем объехавшей Европу, режиссер Патрис Шеро главной героиней сделал Мари. В Москве центром спектакля становится Воццек в исполнении австрийского баритона Георга Нигля. В то время как остальные герои похожи на картонных кукол, он живет на сцене и увлекает за собой в те высокие сферы, куда зовет нас музыка Берга.

Посмотрите последние картины этой постановки, а потом поговорим о музыке Берга и о постановке Дмитрия Чернякова.

А здесь вы можете подробнее познакомиться с замечательной оперой Воццек и потом поговорим об этой музыке.

Альбан Берг родился в Вене в 1885 году.  С 1904 по 1910 год учился у Арнольда Шёнберга вместе со своим другом и коллегой Антоном Веберном.

Эти три великих композитора на заре 20 века создали новую музыку. Этих композиторов называют создателями нововенской музыкальной школы.

Мы привыкли наделять превосходными эпитетами Баха, Моцарта, Чайковского, Пуччини – и вполне заслуженно.  Это – великие имена, оставившие бесценные шедевры в музыке. Даже у тех, кто далёк от мысли просто сесть и послушать их произведения, на слуху фрагменты их творений, их мелодии, их ритмы. Эта музыка, хотим мы этого или нет, живет с нами всегда и везде, – даже в звуковых сигналах мобильников. Но Альбана Берга трудно отнести к их числу,  его произведения знают, главным образом, искушенные в  музыке знатоки-любители и профессиональные музыканты.  И это не совсем справедливо по отношению к Бергу, ибо он заслуживает самого широкого признания.

Один известный музыковед Филипп Гершкович написал в своих воспоминаниях о Берге: "Впечатление, которое произвёл на меня Альбан Берг, когда я впервые пришёл к нему домой, и сегодня так же свежо, как и шестьдесят лет назад. Впечатление — которое потрясает человека без того, чтобы его подавить. (Веберн подавлял, уничтожал человека, чтобы построить из него что-то другое, новое.) Альбан Берг был неповторимым олицетворением мягкой красоты, приправленной удивительной иронией. И чем добрее обнаруживала себя эта ирония, тем легче превращалась она в выражение абсолютной надменности. Он был открыт для всех, и именно потому его душа была сейфом. Сейфом, в котором замыкалось его целомудрие — музыкальное и человеческое целомудрие. Поэтому он и был таким дружелюбным, так легко доступным для дружбы: друзья, без того, чтобы они они могли это замечать, всегда принимались Альбаном Бергом в прихожей его души, хотя там — в переносном смысле слова — бывали хорошо приняты; музыка, его музыка, его отношение к музыке требовали от него большого внутреннего одиночества, которое (это моё глубочайшее убеждение) совсем сознательно скрывало себя за сердечной общительностью."

Чувственное постижение мира – вот характерная черта этого художника. Его музыка достаточно сложна, она не может служить фоном во время вашей работы или отдыха, её нельзя слушать, размышляя о вещах чисто житейских.  Её  нужно слушать внимательно и отрешённо,  чтобы можно было уловить тончайшие оттенки,  сложные гармонии.

Шёнберг и Берг – одни из тех, кто оказал огромное влияние на творчество таких гигантов как Дмитрий Шостакович, Алфред Шнитке, Эдисон Денисов, Витольд Лютославский и совершенно изумительная, ныне здравствующая Софья Губайдулина. 

Шостакович сложный, Шнитке сложный, Берг сложный,... А иностранные книги читать в оригинале сложно? Мы говорили о 66 сонете Шекспира. Несколько десятков переводов есть на русский язык, но все они не передают дух Шекспира. Ближе всех, как мне кажется был Пастернак, но и его перевод небезупречен. Чтобы прочитать Шекспира в оригинале, надо хорошо знать не только английский язык, но и дух того времени, а как этого достичь? Если не понимаешь автора, надо читать других авторов, а потом возвращаться к непонимаемому. У меня так было с Гоголем. Мне всегда нравился его сочный язык, но понимать его произведения я стал только после того, как прочитал Бердяева о нем. Так и с музыкой Берга. Ее нельзя понять, если не познакомиться с теорией додекафонии (от греч. δώδεκα — двенадцать и греч. φωνή — звук).

Это способ сочинять музыку, пользуясь "двенадцатью лишь между собой соотнесёнными тонами" ("Komposition mit zwцlf nur aufeinander bezogenen Tцnen", А. Шёнберг), один из видов совр. муз. техники. Возник в процессе развития атональной музыки. Известны разл. роды додекафонной техники. Из них наибольшее значение приобрели методы Шёнберга. Сущность шёнберговского метода Д. состоит в том, что составляющие данное произведение мелодич. голоса и созвучия производятся непосредственно или в конечном счёте из единств. первоисточника - избранной последовательности всех 12 звуков хроматич. гаммы, трактуемых как единство. Совокупность высотных отношений между звуками серии со своей стороны потенциально определяет интонац. выразительность додекафонного сочинения. Некоторые из наиболее очевидных высотных отношений звуков указаны в следующих примерах (цифрами обозначены интервалы в полутонах):

А. Шёнберг. Квинтет для духовых инструментов ор. 26.

А. Веберн. Концерт для 9 инструментов ор. 24.

Как всегда в искусстве, какие-то системы устаревают и на их место приходят новые. В данном случае на протяжении второй половины ХIХ в. постепенно устаревала привычная нам по музыке Моцарта, Бетховена и Шуберта так называемая диатоническая система, то есть система противопоставления мажора и минора. Суть этой системы заключается в том, что из 12 звуков, которые различает европейское ухо (так называемый темперированный строй), можно брать только 7 и на их основе строить композицию. Семь звуков образовывали тональность. Например, простейшая тональность до мажор использует всем известную гамму: до, ре, ми, фа, соль, ля, си. Наглядно - эта тональность использует только белые клавиши на рояле. Тональность до минор отличается тем, что вместо ми появляется ми-бемоль. То есть в тональности до минор уже нельзя употреблять простое ми, за исключением так называемых модуляций, то есть переходов в родственную тональность, отличающуюся от исходной понижением или повышением на полтона. Постепенно к концу ХIХ в. модуляции стали все более смелыми, композиторы, по выражению Веберна, "стали позволять себе слишком много". И вот контраст между мажором и минором постепенно стал сходить на нет. Это начинается у Шопена, уже отчетливо видно у Брамса, на этом построена музыка Густава Малера и композиторов-импрессионистов - Дебюсси, Равеля, Дюка. К началу ХХ в. композиторы-нововенцы, экспериментировавшие с музыкальной формой, зашли в тупик. Получилось, что можно сочинять музыку, используя все двенадцать тонов: это был хаос - мучительный период атональности. Где же выход? Его-то и нашли нововенцы, о которых мы говорили. В истории музыки венской гармонии предшествовал контрапункт, или полифония, где не было иерархии мелодии и аккомпанемента, а были несколько равных голосов. Нововенцы во многом вернулись к системе строгого добаховского контрапункта. Отказавшись от гармонии как от принципа, они легче смогли организовать музыку по-новому.

Послушайте, что говорят о Шенберге два величайших исполнителя Гульд и Менухин.

Они говорили о фантазии Шенберга, которую вы пожете послушать в их исполнении

Интересно вспомнить и теорию английского философа Джона Вильяма Данна. Он вошел в историю фи­лософии XX века прежде всего как создатель многомерной модели времени. Истоки философии Данна — это, во-первых, довольно приблизительно понятая общая теория относительности и, во-вторых, также довольно поверхностно воспринятый психоанализ. Из первой он почерпнул идею о том, что время можно рассматривать как пространственноподобное измерение. Из второго — интерес к сновидениям. В результате получился интеллектуальный бестселлер. Человек видит сны, которые сбываются. Почему это происходит? Потому что время многомерно.

Одним из основополагающих понятий концепции Данна является серия. Серийную концепцию Данна легче всего представить, приведя фрагмент из его книги "Серийное мироздание" (1930). Называется этот фрагмент "Художник и картина":

"Один художник, сбежав из сумасшедшего дома, где его содержали (справедливо или нет, неизвестно), приобрел инструменты своего ремесла и сел за работу с целью воссоздать общую картину мироздания. Он начал с того, что нарисовал в центре огромного холста небольшое, но с большим мастерством выполненное изображение ландшафта, простиравшегося перед ним. Изучив свой рисунок, он тем не менее остался недоволен. Чего-то не хватало. После минутного размышления он понял, чего не хватало. Он сам был частью мироздания, и этот факт еще не был отражен в картине. Так возник вопрос: каким образом добавить к картине самого себя? Тогда он отодвинул свой мольберт немного назад, нанял деревенского парня, чтобы тот постоял в качестве натуры, и увеличил свою картину, изобразив на ней человека (себя), пишущего эту картину". Но и на сей раз (дальше мы пересказываем близко к тексту) художник не был удовлетворен. Опять чего-то не хватало: не хватало художника, наблюдающего за художником, пишущим картину. Тогда он опять отодвинул мольберт и нарисовал второго художника, наблюдающего за первым художником, пишущим картину. И вновь неудача. Не хватало художника, который наблюдает за художником, наблюдающим за художником, который пишет картину. "Смысл этой параболы, - пишет Данн, - совершенно очевиден. Художник, пытающийся изобразить в своей картине существо, снабженное всеми знаниями, которыми обладает он сам, обозначает эти звания посредством рисования того, что могло нарисовать нарисованное существо. И совершенно очевидным становится, что знания этого нарисованного существа должны быть заведо моменьшими, чем те, которыми обладает художник, создавший картину (см. ФИЛОСОФИЯ ВЫМЫСЛА). Другими словами, разум, который может быть описан какой-либо человеческой наукой, никогда не сможет стать адекватным представлением разума, который может сотворить это знание. И процесс корректировки этой неадекватности должен идти серийными шагами бесконечного регресса".

Идеи Данна очень сильно повлияли на литературу 20 века. Мастер и Маргарита Булгакова, произведения Набокова, Борхеса  содержат идеи серийного мышления Данна. Становятся более понятны фильм Феллини «8 1/2», «Все на продажу» Вайды, «Страсть» Годара Безусловно, столь популярные ныне идеи гипертекста, в частности компьютерного романа, используют модель многомерного времени, когда из любой точки повествования путем нажатия клавиши можно вернуться в прошлое или перенестись в будущее и разыграть сюжет по-новому.  Мы читаем мое эссе, но идя по гиперссылке, мы можем уйти в другой мир. И новые идеи овладеют нами.

Идеи Данна надо иметь ввиду, когда говорим о музыке Берга. На этом мы, пожалуй и остановимся, говоря о музыке Берга.

Ну а если говорить о постановке Воццека в Большом театре, то мне понравилась работа безусловно талантливого молодого режиссера Дмитрия Чернякова, но не надо ему трогать великую русскую классику. Зачем ему надо в угоду западным представлениям о России измываться над русской культурой? Грустно вспоминать, как Ленский поет свою знаменитую арию, сидя в ушанке возле стола в доме Лариной. И зачем надо было превращать в фарс его убийство? А Руслан и Людмила - это тоже позор Чернякова. Неужели он не понимает, что его руками убивают русскую культуру?!! В угоду иностранцам из русских делают недоумков....

Я упоминал уже о выдающемся композиторе современности Софье Губайдулине, которая живет сейчас в Германии, но не теряет связей с Россией, которую покинула в 1991 году. Ей сейчас 82 года. В одном из последних своих интервью она сказала:

Благополучные люди, будь то на Западе или в России, зачастую несколько ущербны в своей духовной, душевной, интеллектуальной жизни. Некоторые трагические вещи они могут себе только представлять, вообразить, но не пережить по-настоящему то, что человек неблагополучный пережил. Идет общемировой процесс, который ставит высокую, серьезную музыку на грань исчезновения.

О ней, о ее творчестве мы как-нибудь поговорим. А сейчас на этом и закончим.

Рекомендую для затравки послушать ее удивительное произведение "Последние семь слов распятого Христа"

Музыка эта проникает прямо в кровь. Она написала это произведение в 1982 году, и слушать его лучше, расслабившись и глядая на распятие Христа.

Тема распятия, смерти и Воскрешения Иисуса Христа – это одно из центральных мест Библии, и один из краеугольных камней противоречий между разными религиями: христианством, исламом и другими. Любопытный читатель сможет познакомиться с диспутом на эту тему, если перейдет по ссылке: “Был ли распят Иисус?”.  Это диспут между Ахмадом Дидатом, писателем и исламским проповедником  и Робертом Дуласом, Директора Христианского центра.

Ахмад Дидад бросил вызов христианским миссионерам и поставил под сомнение традиционное господство западной культуры. Публично обсуждая религиозные вопросы с некоторыми из высокопоставленных представителей христианских церквей, он помог мусульманам, уставшим ощущать себя «гражданами второго сорта», вновь обрести чувство уверенности в себе. На протяжении шести десятков лет преподавательской деятельности А. Дидата, дебатов и наставничества многие люди обратились в Ислам.

Ну а закончим мы все-таки, вспоминая вместе с Андреем Вознесенским СЕМЬ ПОСЛЕДНИХ СЛОВ ХРИСТА:

«Господи, прости им, ибо не ведают, что творят»
«Господи, помяни мя, егда приидише во Царствие Твоем».
«Жено (Мать), се сын Твой»
«Боже Мой, Боже Мой, для чего Ты Меня оставил?»
«Жажду»
«Свершилось»
«Отче, в руки Твои предаю Дух Мой»

Андрей Вознесенский на эту тему написал поэму

Мои Палестины дымятся дыбом.
Абсурдный кругом театр.
Боже, прости им, ибо
не ведают, что творят.

Джентльмены фригидны.
После «Смирновской»
дамам невмоготу.
Father, forgive them, for they know
not what they do.

Нанижи жемчуга из Китежа,
сны нижи на печаль свою.
Говорю тебе истинно, ныне же
будешь со Мной в раю.

Нету рая, кроме любви.
Завтра друг мой меня продаст.
This day shalt thou be
with me in Paradise.

За тебя я боялась во сне
ив толпе, где тебя оборжали.
Ты — мой Дух. Я тебя обожаю.
Обожаю, когда Ты во мне.

В нашей Богом забытой стране
Ты — единственный нравственный кодекс.
Я люблю, когда Ты в меня входишь.
Обожаю, когда Ты во мне.

Истинно говорю — се, сынТвой!
Ученик! Се, Матерь твоя!
Женоненавистники пахнут псиной,
прах в семантике растворя.

Ученица моя, Магдалина,
мандарины дари с куста.
Смерть моя нас не отдалила.
Звон малиновый пьют уста.
словно грешница, ноги осине
я в слезах смываю сам.
МатерьБожия, утешьСына!
Mother, behold thy son.

Господи, Боже мой, Отче!
Для чего Ты меня оставил?
Погляди на земные корчи
очной ставкою из астрала.
Отче! Дух мой меня оставил,
Не достать луны кочергой.
Нож наКаина поднял Авель.
Отче, Господи, отчего?

Отчего мы под фарисеями?
Луна клеит скотч на чело.
My God, why has Thou forsaken me?
Для чего?

Длятся годы мои вне правил.
Новый век объявил «очко».
Для чего Ты Россию оставил?
Чтоб спасать людей? Для чего?

Над отчизной хохочет дьявол.
Реет пепл родных очагов.
Для чего Ты меня оставил?
Отче, Господи, отчего?

Пить! Ненасытно.
Волгу выпил бы дважды.
Citio!
Жажду.
Нутро мое оросите!

Москва горит, Нью-Йорк-сити,
трещат, как кассеты-видео...
Citio.
Все на продажу!
Жаждет клеточкой каждой,
жаждет, сжатый, как дайджест,
внутри пересохший торс.
I thirst.

Снежку бы... грязного даже...
с обочины лавки Сытина...
Боже, спаси Россию!
Citio.

Жажду любви, хоть росиночку...
Мы кончили с жизнью тяжбу.
Как женщина, жизнь ушла.
Винною губкой страждущие
освежите мои уста!

Пожарища. Душно. Тяжко.
Страдания остужа,
рождается — жажду, жажду,
жажду, жажду! —
ДУША.

К духовным вершинам
Ты душу вынешь из казематных мест.
Свершилось!
It's finished!
Consumatumest!

Кончено, Отче.
Корчатся мощи.
Страдания — Божий тест.
Мне тело, как силос.
Мне жизнь как приснилась.
Прощаясь, целую крест.

It's finished.
Свершилось.
Consumatumest.
Малиновый звон окрест.

Окончены муки.
В очи светится путь домой.
Я в Твои руки, Отче,
передаю дух Мой.

Сложишь ладони домиком —
ныне же мы в раю.
Вырвавшись от подонков,
дух Мой передаю.

Что ж я страшусь разлуки
с жизнью? Пропел петух.
Боже, я вТвои руки
передаю Мой дух.

Хватит играть комедь.
Сад мой вишневый спилят.
Into Thy hands, I commend
my spirit.

Гаснет все, что имеем.
Монитаризм лукав.
In maims commendo spiritum.
Дух Мой вТвоих руках.

Века без возлюбленной женщины
мне пребывать в бессоннице.
Одна без меня во Всенощной
к колонне она прислонится.
Над брошенными погостами
останется мыслить камень.
К Тебе возвращаюсь, Господи.

Амен.

И попробуем вместе с Вознесенским ответить на очень сложный вопрос:

Для чего Ты Россию оставил?
Чтоб спасать людей? Для чего?

Над отчизной хохочет дьявол.
Реет пепл родных очагов.
Для чего Ты меня оставил?
Отче, Господи, отчего?

В сентябре прошлого года я написал этот пост. А вчера посмотрел по"Культуре" премьеру "Князя Игоря" из Большого театра. 8 июня состоялась громкая премьера. Прочитайте, что я писал полгода назад, а потом поговорим о премьере.

Любимову сегодня, 30.09.2012 года, 95 лет. А он еще в Большом ставит Князя Игоря. Вот и есть повод поговорить о князе Игоре, о Бородине и о музыке.

Юрий Любимов подписал контракт с Большим театром на постановку оперы Бородина "Князь Игорь". Премьера спектакля состоится 16 декабря 2012 года. Кастинг оперных певцов также уже состоялся. Для исполнения главных партий отобраны, в частности, Паата Бурчуладзе, Владимир Маторин, Вероника Джиоева, Елена Заремба.

Из-за болезни маэстро премьера спектакля состоится в июне 2013 года.

Елена Зарембо в своем интервью сказала, что – Сейчас, конечно, век режиссеров – не певцов. Певец – пешка. Иногда, правда, и он может выступить. Самое печальное, что все словно забыли, что спектакль на сцене делают певцы, сотрудничая с дирижером и оркестром.

Трудно не согласиться с Еленой Зарембо, но я бы добавил, что коммерческий успех заставляет менять репертуар. Директор Большого театра кандидат экономических наук Анатолий Иксанов прокомментировал инновации в театре так: Надо понимать, что Большой театр должен делать новые постановки "золотого фонда" русской национальной классики. Необходимость нового прочтения, интерпретации классики - веление времени. Мы помним скандальную постановку Евгения Онегина в Большом, когда Ленский поет в зимней шапке-ушанке, убивают его случайно из охотничьего ружья... Настало время Князя Игоря.

В духе времени и появление Любимова на сцене Большого театра, Музыкальным советником по постановке Любимов выбрал композитора Владимира Мартынова, который однажды заявил: "«Моя Россия — это Россия до XVII века. Знаменный распев и древнерусское богослужение. То, что делали русские композиторы в XIX веке, при всем уважении, — это вампука. Именно опера XIX века закрывает людям вход в ту Россию, которая представляется мне настоящей». Юрий Петрович Любимов, хоть и придерживается других взглядов, о музыке Бородина тоже отзывается нелестно: «Мне предстоит большая сложная работа, так как опера Бородина рыхлая, музыка — средняя. Недаром к ней прикладывали руку, выправляли, сокращали и Римский-Корсаков, и Глазунов. Лучшее, что там есть — это половецкие пляски». Но половецкие пляски Любимов считает не главной темой.  Увертюра, написанная Александром Глазуновым, представляется Любимову слишком длинной и будет сокращена. Любимову не хватает в опере батальных сцен, которые будут «наращивать» из неоперной музыки Бородина. Делать это Любимов поручил 41-летнему композитору-минималисту Павлу Карманову.

Юрий Любимов представляет одного из своих "подельников" Владимира Мартынова

Кстати, Владимир Мартынов назвал вампукой все, что делали РУССКИЕ композиторы 19 века. Он боится говорить прямо и по-русски, что Вампу́ка — выражение, обозначающее трафаретные, шаблонные, исключительно банальные и нелепые ходы в оперных, а также сами оперы, написанные по подобным шаблонам. В определенной мере является аналогом выражения "развесистая клюква" в литературе и синонимом распространившегося несколько позже слова «халтура» (в значении «неряшливая, непрофессиональная работа»). Он сам-то, конечно профессионал! А кто такой, Владимир Мартынов? В своем сайте он называет себя исследователем древнерусской музыки и композитором. Он написал музыку к 36 современным фильмам. Среди них "Остров", «Холодное лето пятьдесят третьего». Это не вампука! Это, конечно "шедевры".

Вот образец одного из его шедевров.

Владимир Мартынов как теоретик музыки, развивает по мнению другого композитора-минималиста Павла Карманова теорию "конца времени композиторов".

В книге Мартынова «Конец времени композиторов», изданной в 2002 году, утверждается, что для существования музыки фигура композитора отнюдь не обязательна: вплоть до Средневековья европейская музыка прекрасно обходилась без нее, а в неевропейских культурах или в фольклоре ее и вовсе не знали. Профессия композитора как появилась, так и исчезнет, доказывает Мартынов.

А кто такой Павел Карманов? Он известен тем, что пишет уже 12 лет музыку для рекламы. Такова жизнь, на которую надо зарабатывать любым трудом. Самый известный анекдот про композитора-минималиста, зарабатывающего сочинением мелодий для телерекламы, тоже предельно короток, минималистичен: «М-м-м, данон», вот и весь сказ.  Серьёзный и глубокий композитор Павел Карманов, сочинивший немало прекрасной музыки, экспериментировал и телерекламой, и выступлениями в составе рок-группы «Вежливый отказ». Однако лучше всего у Карманова получается собственное оригинальное творчество, тактично вплетаемое в классическую традицию: с выходами, например, на Шуберта или Райха. Музыка композитора Павла Карманова приятна на слух, нежна и красива. Все как-то давно уже привыкли, что современная музыка должна быть дискомфортна и деструктивна. Но, оказывается, для передачи внутренних состояний есть самые разные пути и варианты — Карманов выбирает гармонию.

Вот образец музыки для пива.

Но есть и серьезная музыка у Павла Карманова. Эту композицию "Весна в январе" играет Юрий Башмет.

Вот таких музыкальных помощников выбрал для себя Юрий Любимов.

Любимов видит «Князя Игоря» как статичную, монументальную фреску. Все бытовизмы и «случайные черты» будут максимально затерты. Перед зрителем должна предстать музыкальная «икона с клеймами», по выражению Юрия Петровича. В этой же эстетике была выдержана любимовская постановка «Бориса Годунова» в La Scala в 1979 году. Борис Годунов всегда рассматривался, как народная драма. Любимов по его выражению освободил оперу от народа, чтобы музыка пошла в уши. Что же он сделает с князем Игорем? Князем Игорем будет, конечно сам Любимов, Он уже говорит в одном из интервью :"О дайте, дайте мне свободу! Я свой позор сумею искупить!". Позором он называет свое изгнание из Таганки в прошлом году. "Спасу я честь мою и славу"-говорит Любимов.. Кончак будет олицетворением Запада: Запад готов приютить князя (Мастера, изгнанного из Отечества), сулит ему дружбу и братскую любовь: "О нет, нет, друг, нет, князь, Ты здесь не пленник мой, Ты ведь гость у меня дорогой!" Но Игорь (Мастер) предан Родине и мечтает о возвращении. Трусоватый народ Путивля будет у Любимова актерами с Таганки. Есть, где развернуться его злобной мести. Ну.ну...

Но все-таки вернемся к опере Александра Порфирьевича Бородина "Князь Игорь"

Для ачала послушайте мою одну из самых любимых арий в исполнении Дмитрия Хворостовского

и половецкие пляски

Время действия: 1185 год.
Место действия: Путивль, половецкий стан.
Первое исполнение: Санкт-Петербург, Мариинский театр, 23 октября (4 нoябpя) 1890 года.

Все поразительно в «Князе Игоре». Во-первых, конечно же, гениальная музыка. Во-вторых, то, что опера сочинена человеком, профессиональным занятием которого была не музыка, а химия (А. П. Бородин был академиком-химиком). В-третьих, многое в опере, хотя и было сочинено Бородиным, но не было им записано и оркестровано; оперу завершили друзья композитора — Н. А. Римский-Корсаков, А. К. Глазунов и А. К. Лядов (М. П. Беляев, первый издатель «Князя Игоря», извещает в своем предисловии: «Оставшаяся неоконченной, по смерти автора, опера «Князь Игорь» закончена Н. А. Римским-Корсаковым и А. К. Глазуновым...») Увертюра, хотя и была сочинена А. П. Бородиным, но не была им положена на бумагу. Записана же она, закончена и оркестрована после его смерти и по памяти А. К. Глазуновым, слышавшим ее много раз в исполнении на фортепиано самого автора. В-четвертых, все эти композиторы часто работали в таком тесном контакте друг с другом, что почти невозможно определить, что в «Князе Игоре» написано одной рукой, а что — другой; иными словами, музыкальный стиль оперы представляет нечто художественно абсолютно цельное. При этом необходимо подчеркнуть (как это сделал Н. А. Римский-Корсаков в связи со своим участием в работе над «Борисом Годуновым»), что «Князь Игорь» полностью опера А. Бородина.

Вместо заключения.

Золотая Орда после Кучума еще развивалась более 300 лет и достигла вершины своего расцвета в первой половине четырнадцатого века . Однако после смерти хана Бердибека (1359 год) в Орде начался затяжной политический кризис. Русские воспользовались благоприятной ситуацией и попытались отстоять свою независимость. На западе, под предводительством великого князя литовского, они отвоевали значительную часть территории, первоначально оккупированную монголами, и даже, на определенное время, вышли к берегам Черного моря. Образование в тот период двух сильных государств: Великого княжества Литовского, контролирующего ресурсы Западной Руси, и Великого княжества Московского (номинально Владимирского), управляющего большой и постоянно увеличивающейся частью Восточной Руси, – факт первостепенного значения в русской истории.Оно привело к разделению русских земель между Литвой и Московией. Первоначально единая русская нация разделилась на три народа – великороссов (в настоящее время называемых просто русскими) на востоке, малороссов (украинцев) и белорусов на западе. Долгое время, однако, народы каждой из этих трех ветвей продолжали называть себя просто русскими.

Что же касается этих названий, то Малая Русь (позже использовалось в форме МалоРусь), судя по всему, появилось в конце тринадцатого или начале четырнадцатого века. Когда в 1303 константинопольский патриарх по настоянию короля Юрия I согласился учредить в Галиче митрополичью кафедру, новый прелат получил титул Митрополита Малой Руси (по-гречески – Μικρα Ρωσια, по-латыни – Russia Minor. Кроме Галича ему подчинялись следующие епархии: Владимир-Волынский, Холм, Перемышль, Луцк и Туров. Таким образом, Малой Русью в то время называли Галицкую, Волынскую и Туровскую земли. То, что название было связано не только с церковными делами, но получило также и политическое значение, ясно из указа Юрия II (1335 год), в котором он именует себя «князем Малой Руси» (Dux Russiae Minoris)

Происхождение названия «Белая Русь» (позже Белоруссия; на польском Biala Rus) неопределено. Было бы весьма заманчиво усмотреть в нем древние сарматские корни. Как мы знаем, сармато-славянское племя, поселившееся в Галиции в раннем Средневековье, в девятом столетии называли Белыми хорватами, что, согласно китайской системе цветов, значит – Западные хорваты. Возможно какое-либо другое западное сарматское племя несколько раньше вышло к верховьям Днепра. Напомним, что одна из ветвей аланской группы сарматов была известна как аорсы (белые) или аланорсы (белые аланы).. Однако не существует убедительных свидетельств, подтверждающих гипотезу сарматского происхождения названия Белая Русь. К тому же его необходимо рассматривать вместе с «Черной Русью» (Rus Czarna), район под этим названием был занят литовцами на начальной стадии формирования Великого княжества Литовского. Эти два названия, судя по всему, составляли ономастическую пару и поэтому должны анализироваться вместе. Возможность объяснения терминов в свете их религиозных основ рассматривается в фольклористике, по крайней мере для Белой Руси. Высказывается предположение, что название «Белая Русь» было связано с культом Белбога (Белого Бога), гипотетического языческого божества славян. Сейчас в славянских мифологиях иногда упоминается также Чернобог (Черный Бог); используя подход, применяемый к Белой Руси, мы должны бы считать Черную Русь сферой культа Черного Бога. Однако достоверность существования Белбога и Чернобога находится под сомнением.

Название «Великая Русь» (позже – Великороссия) впервые появляется в указе византийского императора Иоанна Кантакузина князю Любарту Волынскому в 1347 году, подтверждающем упразднение митрополичьей кафедры в Галиче. Император повелел «по всей Руси – Великой и Малой – быть одному митрополиту, Киевскому». Можно добавить, что в середине семнадцатого века царь московский, Алексей (второй царь династии Романовых), сделал официальными все три названия Руси, включив их в свой титул: «Царь Всея Великой и Малой и Белой Руси» (1654).

Эти строки из истории России я привел из великолепной книги Г.В.Вернадского. Георгий Владимирович Вернадский, стал по признанию одного из его критиков, столпом новейшей историографии США. Он родился и вырос в России, но в 1920 году вынужден был ее покинуть. Г.В. Вернадский принимает приглашение Йельского университета, которому требовался специалист по русской истории. В 1927 г. Вернадские выехали в США. В первый год своего пребывания за океаном Георгий Владимирович по заказу университета пишет учебник по истории России. В 1927 г. книга была издана на английском языке, затем переведена почти на все европейские языки, она переиздавалась в Дании, Нидерландах, Аргентине и даже в Японии. Георгий Владимирович с головой окунулся в работу: его пригласили читать лекции в Гарвардском, Колумбийском, Чикагском университетах. В 1933 г. в Лондоне на английском языке вышла его книга «Ленин. Красный диктатор»,

В 30-е годы 20 века Вернадским и его близким другом, профессором Гарвардского университета, Михаилом Михайловичем Карповичем был задуман грандиозный по своему масштабу проект: создание многотомной «Историй России». По замыслу авторов серия должна была состоять из десяти томов: первые шесть — до создания Российской империи — пишет Г. В. Вернадский, следующие четыре — с начала XIX по XX век включительно — М. М. Карпович. Несмотря на то, что проект был совместным, авторы в предисловии к первому тому подчеркнули, что каждый из них несет персональную ответственность за свою работу. Вернадский написал пять книг. Первый том — «Древняя Русь» — вышел в 1943 г., второй -"Киевская Русь" — в 1948, в 1953 г. появился третий — «Монголы и Русь», спустя 5 лет — в 1958 г. — четвертый — «Россия на пороге нового времени», и в конце шестидесятых, в 1968 г. — пятый -"Московское царство". Смерть Михаила Михайловича в 1959 году помешала завершить проект, и «История России» Вернадского и Карповича осталась «Историей» одного Вернадского.

В своей «Истории...» Вернадский развивал историческую концепцию, изложенную им в более ранних работах. Идея взаимосвязи природы и общества как главного двигателя всемирно-исторического процесса легла в основу его исторической концепции. По Вернадскому, своеобразие национального развития русского народа было обусловлено саморазвитием социального организма и влиянием на общество природно-географических факторов. Причем Георгий Владимирович главную роль в прогрессе материальной и духовной культуры отводил саморазвитию общества, а природно-географический фактор рассматривал лишь как элемент своеобразия.

Я полагаю, что все это свидетельствует о сложных хитросплетениях в развитии государства росиийского. И 1150-летие, которое мы по Указу Д.А.Медведева отмечаем в этом году должно просто подтолкнуть нас к необходимости уважать свою историю, свое прошлое, и бережно относиться к культуре всех народов, населяющих нашу великую Русь.

Вот какой большой экскурс мы совершили от Любимова до Вернадского.

В заключение Вы можете почитать глубокие мысли музыкального советника Любимова Владимира Мартынова из книги "Конец времени музыкантов". Владимир Мартынов — констатирует, что мы живем в мире, в котором объявлено о смерти Бога, крушении Космоса и конце Истории. В задачу книги не входит установление истинности этих утверждений. Ее задача — попытаться понять мир, для которого подобные заявления становятся все более характерными

Электронное издание публикуется на портале «Русский путь» с разрешения автора.

Ну а теперь о премьере.

Внука повели на Иоланту в Михайловский театр. Мы уже были с ним в этом театре 2 раза. Первый раз смотрели скучнейший балет  на прекрасную музыку Чайковского "Лебединое озеро". А во второй раз он слушал "Волшебную флейту" Моцарта. Ему очень понравился Папагено и музыка.

И вот сегодня Иоланта.

«Иоланта» П. И. Чайковского — одно из самых лирических и поэтических произведений композитора. Либретто было создано Модестом Чайковским по пьесе датского поэта и драматурга Г. Герца «Дочь короля Рене», основанной на старинной легенде.

Слепая от рождения дочь короля Прованса не знает о своем несчастье, но молодой рыцарь, которого она полюбила, открывает ей страшную правду.

Желание Иоланты увидеть мир, усиливаемое притворной угрозой короля казнить рыцаря, если попытка врача восстановить ее зрение окончится неудачно, приводит к счастливой развязке: Иоланта прозревает.

Великолепное либретто оперы вы найдете здесь

Я помню прекрасный фильм-оперу Иоланта, где поют непревзойденный король Рене - Иван Петров, Павел Лисицыан, Зураб Анджапаридзе и Галина Олейниченко.

Этот фильм для меня с юности был эталоном. Мне интересно было как меняются эталоны.

Раньше в искусстве эталоны определяли люди, понимающие хоть что-то в искусстве. А теперь во главе музыкальных театров стали менеджеры. Вот и теперь с 2007 года С.Л. Гаудасинского (народного артиста России, лауреата Государственных премий России, профессора консерватории) сменил на должности директора Михайловского  театра известный российский бизнесмен В.А. Кехман - председатель совета директоров компании по импорту фруктов JFC (фруктовый король). Он теперь создает эталоны в искусстве.

В опере, которую мы слушали в Михайловском театре, главные партии исполняли Мария Литке и Фёдор Атаскевич

Они пели неплохо, но Рене и остальные исполнители были не на высоте. Понравились декорации.

Плохо звучал оркестр. Он заглушал певцов и иногда звучал не в унисон. Многое в музыкальном театре зависит от музыкального руководителя.

В 1940—60-е годы главными лидерами театра стали дирижеры. За пультом стояли прекрасные музыканты — Б.Хайкин (сменивший на посту главного дирижера С.Самосуда, многолетнего сподвижника и единомышленника Н.Смолича), К.Кондрашин, Э.Грикуров, Ю.Темирканов, К.Зандерлинг. Но как это ни парадоксально, при длительном дефиците полнопенной и планомерной режиссерской работы и, как следствие, неизбежном спаде актерского мастерства не смогло удержаться на должной высоте и музыкальное качество спектаклей.
 Возвращение к режиссерскому театру наметилось в 70-е годы, когда в театр пришел Эмиль Евгеньевич Пасынков ( Смотрите интереснейшую статью об этом человеке, который долгое время возглавлял еще и кафедру режиссуры музыкального театра в Ленинградской Консерватории).  Очень осторожно режиссер длолжен вторгаться в структуру музыкального произведения, - говорил Пасынков своим ученикам. Этому должна предшествовать огромная научно-исследовательская работа.

Потом пришел С.Гаудасинский. Гаудасинскому, возглавившему театр с 1981 г. удалось восстановить традиции «театра певца-актера», которыми славился Малегот в пору своего становления. Повседневную репетиционную работу режиссер направил на сценическое осмысление пения, на выработку у певцов органичного синтеза телесной пластики и вокальной речи. Совершенно преобразился хор, из недифференцированной людской массы вдруг превратившийся в необычайно мобильный многоликий коллектив актеров. Сцена театра стала настоящей школой актерского мастерства для солистов. Потом была Елена Образцова, которую сменил словацкий дирижер Петер Феранец .

Здесь вы подробнее прочитаете о становлении Михайловского театра.

Сегодня стало правилом то, что в Михайловском театре художественные руководители надолго не задерживаются. Ответов на вопрос почему так происходит, может быть несколько, поскольку речь идет о театре, который пытается совмещать государственные и частные интересы, вырабатывая свою финансово-экономическую модель существования.

С 1 января 2012 года музыкальным руководителем и главным дирижёром Михайловского театра  стал Михаил Татарников, до этого пять лет проработавший в  Мариинском театре , Он сменил на этом посту дирижера Петера Феранеца, который занимал должность музыкального руководителя с июня 2009 года.  

Михаил Татарников окончил Санкт-Петербургскую государственную консерваторию имени Римского-Корсакова по классу скрипки, а затем обучался на факультете оперно-симфонического дирижирования. Впервые Татарников вышел дирижировать на большую сцену в 2006 году в Мариинке  Как долго продержится этот молодой дирижер? Хватит ли у него мудрости и терпения? Не закружится ли голова от такого взлета? Ведь он еще очень молод. А у молодых очень много амбиций Будет ли он уважать музыкальные традиции театра? Или пойдет вслед за Бархатовыми, Черняковыми, которые ломают оперу через колено?...

Оперу убивают режиссеры, сказал однажды в интервью Ю.Темирканов. Дирижер несет равную ответственность за развал этого жанра, если он участвует в спектакле, где Хозе выезжает на мотоцикле, или если действие "Пиковой дамы" происходит на кладбище. Многие думают, что это современно. Но у дирижера должно хватать смелости говорить, что это плохо.  Хватит ли у молодого дирижера авторитета и мужества противостоять банановому королю и не дать убить оперу и способствовать развитию русского национального искусства?

Кехман Владимир Абрамович, по мнению бывшего музыкального руководителя театра Петера Ференца, "так увлекся балетом, что практически перестал уделять внимание оперной труппе. Если вы посмотрите на афишу театра, то увидите, что в декабре назначено семь оперных спектаклей, в январе — одиннадцать, в феврале — снова семь. Эта статистика говорит сама за себя. Если мой сменщик сможет вернуть интерес Михайловского театра к опере, я буду только счастлив. Если у него получится сделать что-то лучше, чем у меня, — буду счастлив еще больше". 

Продолжается соперничество между Мариинским и Михайловским театром. Великолепное исполнение и безобразная режессура проявилась в полной мере в постановке Иоланты в Мариинском театре.

Концепция прочтения оперы «Иоланта» польским режиссером Мариушем Трелиньским показалась многим критикам неоправданно мрачной, полной пессимизма и довольно запутанной. Режиссер был вдохновлен обстоятельствами биографии Чайковского, он объяснял в интервью, что концепция «Иоланты» не могла быть оптимистичной, поскольку он где-то читал, что у композитора были большие сложности с женщинами и в связи с этим даже попытки самоубийства.

«Иоланту» в Мариинском театре поставила иностранная команда постановщиков (режиссер М. Трелинский, художник Б. Кудличка), что само по себе уже явилось смелым экспериментом. Но, как выяснилось, на этом эксперименты только начинались. Вместо павильона в готическом стиле и красивого сада с роскошной растительностью озадаченной публике было явлена некая комната-клетка с кроватью и единственной стеной посреди местности, переживающей последствия ядерной катастрофы.

Эта комната, больше похожая на больничную палату, и есть жизненное пространство слепой от рождения Иоланты. Вдоль её несуществующих стен она бродит, опекаемая любящим отцом и заботливыми сиделками, которых она принимает за подруг. Лишь один шаг отделяет Иоланту от незнакомого ей мира. Но какого? Мира оставленного, бездыханного, с висящими в воздухе голыми стволами деревьев и колючей проволокой вместо травы. Чёрно-белого мира, где о полевых цветах и звёздном небе напоминает лишь скудная видеографика.

И вот в этот апокалипсический ужас вторгаются двое юношей. Они не в скафандрах, но в легкомысленных спортивных курточках и с лыжами в руках, они – с другой планеты. Своей молодой энергией они преображают безжизненное пространство, привнося туда главное – любовь. Иоланте открывается истина, в ней просыпается желание совершить прыжок за пределы тщательно огороженного мирка, чтобы увидеть свет...

Главная героиня спектакля в Мариинке – Анна Нетребко – украсила спектакль и не разочаровала своих поклонников, создав трепетный и нежный образ Иоланты. Голос певицы после рождения ребёнка стал более объёмным, не утратив полётности. 

Экспериментальная постановка оперного шедевра соответствует духу сегодняшнего дня, и в этом заключается, пожалуй, единственное её достоинство. В ней есть многие черты катастрофы, которую почему-то именуют кризисом. Она дёшева и неэстетична, не имеет национальности; логика и взаимосвязи происходящих событий ведомы лишь её создателям. Но если от кризиса нам, в силу объективных обстоятельств, никуда не деться, то постановки подобного рода вполне можно обойти стороной. Даже Мариинка вслед за Большим театром близка к разрушению оперы, как жанра. 

А под конец послушайте, как звучит голос Галины Вишневской

Пусть живет опера!

Иксановы, Кехманы, Бархатовы, Черняковы - не убивайте оперу! 

С Новым годом!