В прошлый раз мы рассказывали о «Матрице», сегодня же поговорим о «Шоу Трумана». Кроме года создания – 1998 – эти два непохожих фильма объединяет очень многое. Возможно, даже сама идея Матрицы родилась в фантазии какого-нибудь Трумана, параноика из калифорнийского потребительского рая, который вдруг начал подозревать, что мир, в котором он живет – это разыгранный ради него одного спектакль, а все вокруг только искусные актеры и статисты гигантской постановки?


В прошлый раз мы рассказывали вам о фильме «Матрица», сегодня же поговорим о «Шоу Трумана». Такой выбор напрашивается сам собой. Кроме года создания – 1998го – эти два непохожих фильма объединяет очень многое. Было бы весьма симптоматично, если бы Труман, как и Нео в «Матрице» решил почитать книгу «Симулякры и симуляция» Жана Бодрийяра. Возможно, даже сама идея Матрицы родилась в фантазии какого-нибудь Трумана, параноика из калифорнийского потребительского рая, который вдруг начал подозревать, что мир, в котором он живет – это разыгранный ради него одного спектакль, а все вокруг только искусные актеры и статисты гигантской постановки?


Австралийский режиссер Питер Уир снял «Шоу Трумана» когда ему было уже за пятьдесят. На то время он более 15 лет проработал в Голливуде. Для тех, кто предпочитает голливудское кино, «Шоу» остается самым известным фильмом в карьере Уира. В то же время, некоторые критики называют главным шедевром режиссера мистический фильм «Пикник у висячей скалы» 1975 года. В любом случае именно Уир первым привлек внимание киноманов к Австралии.
Половина успеха «Шоу Трумана» - это актерская игра. Самого Трумана, главного героя, воплотил Джим Керри – это была его вторая драматическая роль. Первая, условно говоря, серьезная роль в фильме «Кабельщик», несмотря на блестящую игру Керри была вяло воспринята зрителями. Зато уж Трумана они оценили по достоинству. Чтобы облегчить Керри процесс вживания в роль, режиссер запретил съемочной группе произносить реплики из предыдущих «глупых» картин Джима.
Исполнитель второго ключевого персонажа – упивающегося статусом творца режиссера Кристофа – попал на проект почти случайно. На роль Кристофа был утвержден Деннис Хоппер, однако ему пришлось спешно оставить работу над фильмом. Заменивший его Эд Харрис сыграл настолько хорошо, что получил «Золотой Глобус» за лучшую мужскую роль второго плана и номинацию на Оскар в этой же категории.
Оригинальный саундтрек к фильму создал австрало-немецкий композитор Бурхард Долвитц. Кроме того, в фильме звучит «Первый концерт» Шопена для фортепиано и несколько композиций Филиппа Гласса, одного из самых известных композиторов современности. Хотя его часто относят к минималистам, сам Гласс предпочитает называться «классицистом». К его главным заслугам приписывают стирание границ между классической и популярной музыкой. – он не только пишет музыку для фильмов, но даже не чурается камеры. В «Шоу Трумана» Гласс «засветился» в эпизодической роли композитора телестудии.


Реальность «Шоу Трумана» - это реальность жителя провинциального американського городка, единственная особенность котрого в том, что в нем все слишком хорошо. И не мудрено, ведь этот мир – это огромный съемочный павильон, буквально нашпигованный скрытыми камерами. Все его жители – актеры. Все, кроме одного. Этот ничего не подозревающий человек, страховой агент Труман Бербенк является персонажем непрекращающегося ни днем ни ночью телешоу. Он даже родился под взглядами камер и сразу с момента рождения был помещен под купол павильона. Сюжет «Шоу Трумана» во многом перекликается с новеллой «Свихнувшееся время» Филиппа Дика. Ее герой, живущий своей скромной жизнью в маленьком городке в конце 50-х, постепенно начинает понимать, что весь этот город - фальшивка, созданная ради его удовольствия.
Направление, в котором надо прочитывать фильм, заложено в самом имени Труман, которое по-английски звучит как «настоящий человек». Ведь Труман в отличии от всех окружающих не играет, он всегда равен сам себе, он живет, он настоящий. Именно это и придает пикантности всей ситуации. Милоны вуайеристов во всем мире без устали подсматривают в замочную щель телеэкрана за настоящей жизнью.
Наш герой живет в мире механизации человеческих действий, поведенческих клише и стереотипов. Каждый будущий день его жизни похож на предыдущий. Как бы следуя наперед заданному алгоритму он ходит на работу, любит жену, «наслаждается» жизнью. Но потихоньку, Трумана начинают одолевать паранойя и воспоминания о подростковой любви. Это единственное, что осталось ему человеческого от театрального мира. И он пытается вырваться из фиктивного мира в мир реальный, мир настоящей любви, находящийся по ту сторону купола, по ту сторону идеологии.

В антиутопическом бестселлере «1984», посвященном ужасным годам правления тоталитарного режима, Джордж Оруэлл огромную роль уделил телевизионным экранам. В отличие от знакомых нам телевизоров, эти поверхности гибридные – так сказать, проектор и камера в одном. Именно они становятся ключевыми элементами системы контроля. С их помощью Большой брат наблюдает за людьми, контролирует каждый их шаг. Удивительно, но у описанной модели гораздо больше общего с фильмом «Шоу Трумана», чем может показаться на первый взгляд. Казалось бы, речь идет о цивилизованном демократическом обществе, чуждом проявлений насилия и тотального контроля. Однако стоит лишь заменить Большого брата множеством телезрителей, сфокусировать всеобщее внимание на фигуре маленького человека - Трумана и мы получим ситуацию, разыгранную в фильме. Более того, зрители шоу принимают участие в этот тоталитарной схеме – впрочем, как и мы с вами, зрители фильма.
Отдельного внимания заслуживает сконструированный под куполом провинциальный городок, в котором и происходят события реалити-шоу. Это пространство идеалистических фантазий среднестатистического зрителя имеет совершенно определенную историческую окрашенность. Речь идет о пятидесятых годах двадцатого века, несомненно дорогих сердцу каждого американца. Переместив действие в 1950-ые создатели фильма верно подметили, что наиболее ценные в историческом отношении периоды существуют исключительно в форме образов, поставляемых кино и телевидением. Но почему именно пятидесятые? Чтобы понять это, надо совершить экскурс в историю США. Послевоенное десятилетие для американцев - это точка отсчета современности, настоящего, начало формирования общества потребления. Именно в то время Америка заложила первый камень в фундамент современного, позднекапиталистического общества. Обращаясь к пятидесятым, наше время как бы демонстрирует свою историчность. Именно поэтому пятидесятые стали излюбленным объектом кинокартин в жанре «ретро». Это утопия провинциального городка, сплоченной семьи, процветающей белой Америки, по-прежнему наивной и безвинной. Эта страна еще не знала ни ужасов Вьетнама, на борьбы за гражданские права, ни размаха и последствий феминизма.


Конечно же, фильм заканчивается оптимистическим финалом. Труман, аккумулировав всю свою силу воли, решается покинуть декорированный мир павильона и выйти мир настоящий. В конце концов, слезами счастья умывается зритель шоу, одновременно с ним, радуется и ликует кинозритель. Вот оно, торжество справедливости. Однако этот жест, а именно выход Трумана за границы, автоматически ставит ряд существенных вопросов, ответы на которые остаются вне фильма. И главный из них, а сможет ли вообще Труман жить дальше нормальной жизнью? Как он, жертва телевидения - собственно как и его фанаты – сможет социализироваться в мир реальный? Не будет ли его «родовая травма» преследовать его и в новом мире? Не превратится ли его пост-телевизионная жизнь в кошмар наяву?
Зритель торжествует, однако не является ли это усыпляющее бдительность торжество идеологией в самом чистом виде? Ведь радующаяся аудитория исходит из предпосылок, что за пределами замкнутой Вселенной существует другая "истинная реальность", в которую можно войти. Возможно, между этими мирами нет никакой принципиальной разницы и они давно стали отражениями друг друга. Может быть, это имел в виду Питер Уир, снимая «Шоу Трумана» в формате 1,66:1, то есть максимально приближая разрешение фильма к телевизионному формату?
При всей своей сверхрреальности реальный позднекапиталистический рай, на самом-то деле оказывается суррогатом, профессиональной ложью. И дело даже не в том, что Голливуд конструирует поддельную жизнь и режиссирует эмоциями по обе стороны экрана. Изменения происходят в самом обществе позднего капитализма. Мы давно уже стали элементами гигантского шоу, где соседи ведут себя как актеры и статисты, а взаимоотношения между людьми свелись к чисто математическим функциям. В потребительском обществе, образцом которого остается Америка (на которую равняются развивающиеся страны) "реальная социальная жизнь" сама каким-то образом приобретает черты искусственной постановки.

А послушать эту программу в аудиоформате можно тут: http://mediananny.com/podcast/33

Кинопрокат в минувшем году не слишком радовал: к потокам привычной дряни добавилось то огорчение, что европейские классики выдавливали из себя либо занудство, либо самоповторы. С другой стороны, тем интересней намывать в этом иле золото. Итак, о том, как Брюс Уиллис и Арнольд Шварценеггер помолодели на 20 лет, а Бред Питт постарел на 40, как Шон Пенн и Борат Сагдиев сменили ориентацию, как вернулись к нам Джейсон Вурхис и Эдвард Каллен, как Том Круз пытался убить Гитлера, а Роланд Эммерих – вообще всех, вы НЕ узнаете из топ-12 лучших фильмов года, составленного газетой ВЗГЛЯД.

«Райское озеро» Джеймса Уоткинса

Стандартный с сюжетной точки зрения ужастик неожиданно удачно поднял остросоциальную проблему – проблему быдла.

История о влюбленной парочке на отдыхе, которую терроризирует компания подростков, весьма наглядно проецирует страх миддл-класса перед «деревенщиной», вызванный непониманием её законов и принципов её солидарности. Отнюдь не классовой, как казалось Ленину, а самой обыкновенной, когда люди делятся на «местных» и «чужаков» (или на «коней» и на «мясо» – по желанию).

Казалось бы, после «Забавных игр» Ханеке сказать что-то новое про подростковую жестокость сложно, но Уоткинсу это удалось. Отказавшись от философских метафор, он с очевидным знанием дела изображает распределение ролей в заурядной подростковой банде (вожак, девушка вожака, «малой», «скептик» и «ущербный» – наиболее опасный на поверку тип, хотя жестокость его вызвана лишь страхом за самого себя). А главное – резонно замечает, что территориальный сепаратизм («ты с какова раёна?») рано или поздно перерождается в сепаратизм морали, закрепляемый с каждым поколением: если вы считаете, что дети необоснованно жестоки, это означает лишь, что вы не знакомы с их родителями.

Забавно, что это вполне британское наблюдение вполне уместно и для наших палестин. Конечно, двухэтажные дома тамошних аборигенов мало похожи на квартиры в рабочих районах Люберец, но вот в обстановке нет-нет да и мелькнут интернациональные приметы «мещанского счастья» вроде безвкусных занавесок, а в лицах их обитателей – знакомое по питерским подворотням хищное мурло.

Словом, о лучшем подарке-аргументе, чем «Райское озеро», как британские, так и российские сторонники легализации огнестрельного оружия даже мечтать не могли.

«Вверх» Пита Доктера и Боба Питерсона

Как и в прошлогоднем шедевре от Disney-Pixar – «ВАЛЛ*И», – изначальный концепт романтиков натолкнулся на противодействие студии. Первые желали поговорить с детьми на непростую тему, вторые, заботясь больше о прибыли, нежели о чистом искусстве, требовали проверенного временем набора: герой, злодей, приключение, зверюшки. Но, как и в случае с «ВАЛЛ*И», спор художника с бизнесменом пошел мультфильму только на пользу – сложные истины прозвучали, а типично диснеевский сюжет обеспечил их усвояемость.

При этом создателям «Вверх» явно пришлось сложнее: роботов для удобной метафоры уже не было, и объяснять детям, что такое смерть, бездетность или предательство, пришлось на людях. В отрыве от высококлассной мультипликации звучит такое жутковато, но будьте спокойны: в этой ленте признание того, что жизнь подчас жестока, отнюдь не рушит радужные миры. Оно лишь подготавливает детей к взрослению – к тому периоду, когда эти миры рухнут сами собой.

Да, малыш, хорошие люди иногда умирают. Да, если папа ушел от мамы, он может забыть и про тебя. Да, твои теперешние герои на поверку могут оказаться подонками. Но все это не повод отказаться от мечты, от попытки сделать счастливым себя самого.

По большому счету это тест: намеки, полунамеки и разъяснения сложнейших законов бытия надежно скрыты в вихре разноцветных шаров, что несут главного героя – 80-летнего старичка Карла – к Южной Америке и заветной мечте. И если ваш ребенок из всего мультфильма запомнил лишь эти шары, волшебную птичку да говорящих собачек, значит, взрослеть он еще не готов. И слава Богу.

Но если ваш ребенок в принципе не смотрел «Вверх», вы не мать, вы – ехидна.

«Хранители» Зака Снайдера

Главный узел истории о супергероях на службе правительства – извечный спор силовиков с либералами. «Ежовые рукавицы», крепкие решетки, устранение потенциально опасных бунтарей, жестокая, а потому эффективная война подрывают свободы, но обеспечивают сохранность главного – человеческих жизней, которыми питается хаос. А если для спасения миллиарда нужно уничтожить миллион, значит, так тому и быть.

Логика этого довода кажется нерушимой, но автор первоисточника Алан Мур мудро подложил под нее две бомбы. Во-первых, исповедуют сей подход психически неполноценные суперы. Во-вторых, место и время действия – альтернативная Америка, где по-прежнему правит Никсон, благо журналистов, расследовавших «Уотергейтский скандал», до смерти избил социопат Роршах. Ключевые слова – «альтернатива» и «прошлое». В реальности уничтожать миллион для спасения миллиарда, грозящего сцепиться в ядерной войне, как известно, не понадобилось. Войны попросту не было.

Тем не менее экранизация графического романа Watchmen начисто рассеяла извечную комиксовую иллюзию о том, что у зла есть конкретный проводник. Нет, не сумасшедший ученый со стальными щупальцами, не ходящий магнит и не зеленоволосый клоун в шрамах – источники бед и хаоса, а человечество как таковое. Слепая, бездушная толпа.

На что-то такое нам впервые намекнул как раз клоун в шрамах. Год спустя в два рывка, на пару с «Темным рыцарем» «Хранители» окончательно вытащили жанр кинокомикса из болота банальной чуши, в котором он успешно тонул последнее десятилетие. Другое дело, что супергерои-социопаты предпочли говорить с человечеством без экивоков, чего человечество не стерпело – сборы фильма по миру ненамного превысили бюджет.

Как говорят в подобных случаях, «кисо обиделось».

«Фрост против Никсона» Рона Ховарда

Этим неспешным, театральным по духу фильмом Ховард приглашает зрителей на внутреннюю кухню сразу двух профессий: политика и журналиста. Неприглядными на поверку оказываются обе.

История «Уотергейтского скандала», стоившего Никсону президентского кресла, всегда преподносилась в кино и учебниках на джедайском уровне логики: светлые рыцари с ручками вместо лазерных мечей против темного лорда – властолюбивого, алчного беззаконника. Ховард же впервые рванул с первых белые одежды, а второму дал оправдаться. И выяснилось вдруг, что мотив иных репортеров не борьба со злом, а вип-столовка, всенародная слава да девичья любовь – и всего этого они желают достигнуть, сплясав на политических костях престарелого слона.

Слон, напротив, хотя и побывал в посудной лавке со злым умыслом, но человечины не ест, имеет объективные заслуги перед обществом, по-слоновьему мудр, самоироничен и в целом ведет себя гораздо достойнее своих визави, отмечающих факт победы над пенсионером шампанским и купанием без трусов.

Понятно, что российскому зрителю эти сугубо американские разборки глубоко фиолетовы, но и ценен фильм отнюдь не ими, а уничтожающей силой крупного плана, редкой в наш век драматургией и уникальными, на грани инфаркта актерскими работами. Главный «мужской» «Оскар» пролетел в этом году мимо Фрэнка Лангеллы (Никсон) потому только, что гетеросексуал Шон Пенн слишком уж убедительно целовался в кадре с другими мужчинами.

Ричарда Никсона на этих киноакадемиков нет!

«Безумный спецназ» Гранта Хеслова

Взвод потенциальных медиумов, коих Пентагон желает подготовить на случай психической атаки со стороны СССР, отдают на откуп Джеффу Бриджессу, тренерская метода которого – танцы, легкие наркотики, фенечки, молитва природе-матери и добрая проповедь о непротивлении злу насилием.

Понятно, что ничего, кроме очередной комедии про военных, на выходе получиться не могло. Но «Безумный спецназ» (в оригинале – «Люди, которые пялятся на козлов») безумно весело и одинаково едко прошелся и по американской военщине с её иракской авантюрой, и по американской антивоенщине ака хиппи с их исканиями на тему «истина, свет, добро, путь и знаки».

Беда лишь в том, что подобный коктейль для восприятия сам по себе слишком сложен, а уж сложные щщи съемочной группы (особенно Джорджа Клуни), которая, не мигая, рассказывает на пресс-конференциях, как снималось это «во многом документальное» и «правдивое» кино, делают его для иных желудков совершенно непереносимым.

Столь же бесстыдно серьезен Клуни, когда несет на руках козла (или агнца?) впереди процессии иракских боевиков, что вышли в вольную пустыню из пыточных камер (возможно, самый сильный постмодернистский образ за последние 10 лет). Столь же серьезен, когда сообщает – внимание – Эвану Макгрегору, что у того есть зачатки джедая. Столь же серьезен сам Макгрегор – и когда фиксирует бессмысленные жертвы перестрелки заехавших в Ирак чопов, и когда проходит – достигнув определенной стадии просветления – через стену офиса, и когда узнает, что жена изменила ему с одноруким боссом.

«Спецназ» – комедия не для всех, таблетка-плацебо смысла, пародирующая другие таблетки-плацебо смысла (вроде учений тех же хиппи): в кинозалах не его показе гомерически хохочущая публика сочеталась с публикой, сохраняющей все ту же звериную серьезность. Но, к какому бы вердикту ни подтолкнуло вас субъективное восприятие картины, не предлагайте её к просмотру настоящим хиппи: велик риск, что они совсем не заметят подвоха

«Миллионер из трущоб» Дэнни Боила

Хвалить по итогам года фильм, осыпанный ранее «Оскарами», обычно западло. Особенно если фильм этот – очередная опера нищих, причем нищих индийских со всеми вытекающими: разлученные братья, украденная невеста, злой хозяин, а в конце все поют, поют.

Однако придираться к «Миллионеру из трущоб» с технической стороны невозможно (операторская работа, монтаж, декорации, звук – все это тянет на эталон, по крайней мере для нищебродской супердержавы Индии), а с сюжетной – довольно глупо. История разносчика чая, выигравшего в лотерее жизни миллион и личное счастье, – очередной аналог хрестоматийной Золушки, с которой взятки гладки: туфельки, конечно, из хрусталя не делают, а тыквы не превращаются в кареты, но ты, мил человек, вообще-то, сказку смотришь.

Да, режиссер слишком настойчиво ковыряет камерой в чумазых лачугах, бельевых веревках, горькой долюшке, кривой дороженьке и просящих корма детках. Но это именно золушкин непроходимый ад, создающий нужный контраст для эффектного появления доброй феи, в качестве которой задействован Бог. Вся история Индии 80–90-х годов дробится, как учебник по главам, на отдельные липкие ужасы, которые липнут к герою лишь для того, чтобы спустя годы, заняв кресло игрока в «Кто хочет стать миллионером?», он знал ответы на все вопросы. Причем версия о Его Величестве Случае отметается режиссером начисто: любой нравственный просчет героя, любая хитрость, любой поворот головы в сторону «золотого тельца» в ущерб немигающему взгляду, что однажды остановился на «самой красивой женщине на свете», отвел бы руку Творца в классических библейских традициях. Словом, несостоявшийся католический священник в Бойле чувствуется.

В итоге фильм проскользнул буквально «между струйками». Даже потоками – благоглупостей, общих мест, пошлой морали, социального нытья и клюквы в сахаре развесистой. За то и любим.

«Вальс с Баширом» Ари Фольмана

Ветеран Великой Отечественной войны Виктор Астафьев написал «Прокляты и убиты», а позднее, довеском – много-много писем про поедающих икру комендантов блокадного Ленинграда, про бездарность советского командования и про «войну, которую Россия проиграла». Ветеран Ливанской кампании Ари Фольман снял автобиографический мульт «Вальс с Баширом». Про войну, где нет героев (одни убийцы). Про офицеров, смотрящих порнуху в захваченном доме. Про солдат, курящих гашиш в то время, пока авиация бомбит своих. Снял, чтобы под самые титры заменить картинки на документальную хронику. Рисунок – на реальные трупики палестинских детей.

Не то чтобы мало мы видели фильмов про трупики детей чеченских или боснийских (трупикам русским или сербским с пиарщиками повезло значительно меньше). Но в случае с Фольманом это не гуманистическая нотация непричастных, а дембельский альбом. Личный стыд за невольное соучастие в шокирующей резне беженцев в лагерях Сабра и Шатила, который он проецирует на все государство Израиль (еврейские солдаты в резне не участвовали, однако и останавливать ее не стали).

Имея на руках учебник истории (только, конечно, не советский), с режиссером солидаризоваться сложно, а вот заподозрить его в национальном предательстве – запросто. Однако ветеран Фольман, как и ветеран Астафьев, имеет абсолютное право на окопную, а потому субъективную правду.

И главное: его «Вальс с Баширом» несет в себе не историческую (никакой объективной картины событий в Ливане, несмотря на документальный характер, фильм не дает, так как из окопа хорошо видны только персональные кровавые мальчики), а именно художественную ценность. Шокировать детскими трупами может любой дурак (упомянутые выше прекраснодушные непричастные проходят именно по этой категории), но, согласитесь, сложно подозревать мультфильм в излишнем натурализме: образы Фольмана садятся в мозг ржавым гвоздем лишь благодаря гениальной рефлексии режиссера, которому однажды не повезло стать солдатом.

«Сумасшедшая помощь» Бориса Хлебникова

В год кризиса явление, прозванное критиками «русской новой волной», оформилось окончательно, сделав своей стилистической особенностью живописание спальных районов, будничной жестокости мещан и свинцовых мерзостей русской жизни.

Апологеты большого стиля и патриотического фуфла уже успели окрестить режиссеров «волны» «очернителями», а Его Превосходительство Никита Михалков нажаловался Госдуме, произнес слово «шлак» и отлучил их копеечные ленты от национальных премий и главных фестивалей.

В этом и состоит отличие НРВ от оригинального французского явления. Годар, Трюффо, Шаброль и их единомышленники сознательно клеймили жанровые и исторические ленты за оторванность от действительности, составляли манифесты, объединялись в артели и с лозунгом «отныне не только послушные дети играют в картинки забавные эти» коллективно бросали вызов «папиному кино». В нашем случае «папы» атаковали первыми, причем никаких манифестов, артелей, да и, собственно, бунта в рядах назначенных ими врагов не прослеживается. И уж тем более не прослеживается в них идеологического единства. Пока НРВ – та реальность, что дана нам исключительно в ощущениях. И эти же ощущения подсказывают, что главным фильмом «волны» стал не расхваленный на фестивалях «Волчок», не сомнительная по части смотрибельности «Сказка про темноту», а данный трагифарс Бориса Хлебникова, примечательный как минимум блестящими актерскими работами.

Белорусский гастарбайтер по итогам гоп-стопа лишается денег, документов и обуви, но будет спасен от холодной смерти городским сумасшедшим, что обогреет ему ноги ладонями в полном соответствии с евангельской традицией. Режиссерский вывод, что в наших условиях доброта и бескорыстная помощь – свидетельство ненормальности, а милиционеров довела до звериной жестокости бытовуха, конечно, не бесспорен. Но тот факт, что до смерти забивший престарелого дурачка участковый даже внешне напоминает майора Евсюкова, придает картине провидческую харизму.

«Аватар» Джеймса Кэмерона

Во время операции в Ираке американский морпех, ужаснувшись корыстью родного правительства, переходит на сторону моджахедов, принимает ислам и начинает физически устранять бывших товарищей, ибо они мешают моджахедам жить по-моджахедски.

Прочитав такую аннотацию, любой будет подозревать в режиссере либо идиота, либо исламиста, либо анархо-радикала, но умница Кэмерон заменил Ирак на планету Пандора, а моджахедов на синекожих гуманоидов нави. И пошло на ура.

С «Аватаром», в общем, случилась та же история, что и с «Титаником». Обожающий большие игрушки Кэмерон изначально хотел построить большой корабль, чтобы красиво утопить его в большом бассейне, а любовная линия была лишь довеском – явно лишним с точки зрения режиссера, но, увы, необходимым с точки зрения продюсера. В случае же с Пандорой совмещающий обе ипостаси Кэмерон положил все силы на флору, фауну и аборигенские традиции своего «дивного нового мира», прописав сюжетную часть большим пальцем левой ноги (так что напрасно Борис Стругацкий жалуется, что идею фильма позаимствовали у него: если чем «Аватар» и силен, то только картинкой, доведенной до того уровня совершенства, «что не можно глаз отвесть»).

Вообще, работай этот человек главным архитектором «Диснейленда», владей он сетью Discovery – цены б ему не было, как не было бы и шизофрении, внутренней войны продюсера с режиссером. С другой стороны, мировой кинематограф лишился бы фигуры, задающей уровень зрелища на пять лет вперед.

С очередной вехой вас, мистер Кэмерон. Прыгай выше, Бубка ты наш.

«Гран Торино» Клинта Иствуда

Тру-республиканец Иствуд отливает в граните (поклон Медведеву) образ жизни тех, на ком Америка раньше стояла и кого теперь отправила на пенсию. Его герой вкусно курит, ловко чинит, метко стреляет, чтит жену, исправно стрижет газон, тянет пиво на родном крыльце, холит машину (разумеется, американскую – предпочитающий «японок» сын заклеймен предателем), ненавидит проколотые пупки, а еще пуще – меньшинства и понаехавших. Местами это напоминает расизм, но расизмом не является. По Иствуду, американцем можно стать, если ездить на американском, стричь газон да уважать оружие, чему он и учит соседского паренька-азиата.

По факту изрядно постаревший и помудревший Грязный Гарри предлагает единственно верный взгляд на проблему «чужих». Скрученная перед носом как политкорректных терпил, так и реднеков дуля видна в фильме совершенно отчетливо: понаехал – живи, но изволь уважать мои обычаи и мою лужайку, хотя бы и под дулом пистолета. Главным критерием «американскости» (или, если хотите, «русскости») он при этом логично выводит законопослушность (неуплаченный много лет назад налог с проданной лодки оказывается чуть ли не единственным грехом, о котором старикан вспоминает на последней исповеди), отбрасывая подальше фактор происхождения (его Уолт Ковальски лишь рядится васпом, тогда как сам – поляк и католик).

Впрочем, подсмыслов в этой истории куда как больше: это и одиночество старости, и неоднозначность справедливости, и непонимание поколений, и зудящие грехи солдата, за которые он, однако, не считает возможным каяться. Главный же из них сформулируем так: отличное кино с богатым саспенсом по-прежнему можно снимать на обывательские темы, причем без сеченого монтажа, тройной интриги, заходов в постмодернизм, претензий на новацию и пакета спецэффектов. Правда, для этого нужно быть Клинтом Иствудом.

«Царь» Павла Лунгина

Главный русский фильм года определился не по художественным достоинствам (местами не бесспорным), а по громкости дискуссии вокруг себя, получившей меткое определение «царесрач». Поднаторевшая на защите Сталина общественность искренне возмущалась, почему показанную в картине гадину зовут царем Иваном Васильевичем и почему этот Иван Васильевич в перерыве между массовыми казнями не взял Казань и Астрахань.

Меж тем очевидно, что хоругвеносец Лунгин базировал свое видение не на исторических фактах, а на историографической традиции (Карамзин, Костомаров), русской литературе (Толстой, Лермонтов), народных представлениях о царе-душегубе и, что самое главное, на литургических преданиях РПЦ, где Иван IV поминается как «новый Ирод» (изыскания покойного жидобора Иоанна, митрополита Петербургского и Ладожского, по понятным причинам можно проигнорировать). Итогом стала условная притча, к коему жанру в той или иной степени относятся все лучшие отечественные фильмы последних лет (включая «Дикое поле» Калатозишвили, которое отсутствует в данном топе потому лишь, что потенциал гениального сценария режиссеру удалось реализовать в лучшем случае наполовину).

Что до художественных достоинств, восхищает в первую очередь тот факт, что «Царь» начисто лишен ярмарочной потешности и рашен-деревяшен-показухи, которыми грешат многие наши картины о нафталиновых временах. Со своею привычкой вырезать образы давно минувших дней из высококачественного картона (касается это не только средневековых бояр, выглядящих леденцами на палочке, но и куда более недавних дворян с тошнотворным «да-с» и «извольте-с») нынешние бондарчуки рискуют окончательно перевести отечественную школу исторического кино в разряд дорогого треша (см. «1612»). «Царь» этой хохломы счастливо избежал, в чем безусловна заслуга не только Лунгина, но и художника Сергея Иванова, оператора Тома Стерна с его «мягкой камерой» и, конечно, Мамонова с Янковским.

Прощальная роль Олега Ивановича в принципе вне критики, шарм же мамоновского упыря обладает той отрицательной притягательностью, той дикой симпатичностью, что сравнение с Джокером Хита Леджера или привидением из Вазастана представляется вполне уместным.

«500 дней лета» Марка Уэбба

Пожалуй, самый случайный фильм в этом списке. Из тех, что под определенное настроение не могут не понравиться, но признаваться в этом стыдно. Ибо ромком. Хуже того, ромком, оправдывающий существование на этом свете романтических мальчиков с недостатком тестостерона в крови (таких, конечно, любят некоторые девочки, но – до определенного возраста, до случайной драки в темном переулке, до первой необходимости прибить на кухне полку).

Но, черт бы с ним, признаем: картина у клипмейкера Уэбба вышла совершенно очаровательная. Причем не за счет якобы стильных клипмейкерских примочек, а ввиду умения показать атмосферу Большого и Красивого города глазами тех, кто не наблюдает часов просто в силу возраста. Эти будни хипстеров в мегаполисе вполне могли бы крутить по каналам для особо взыскательных марсиан (смотрим же мы время от времени «В мире животных»).

И пускай в определенных кампаниях хвалить такие фильмы себе дороже. Зато вы можете сослаться на то, что в главной роли здесь занят Джозеф Гордон-Левитт – один из самых интересных американских актеров поколения 20-летних, «без трех минут звезда» (был «без пяти минут» – до выхода «500 дней»), которая абы у кого не снимается, предпочитая независимых режиссеров с «особым видением». Если же добавить в этот доказательный ряд моднючую музыкальную дорожку, заигрывания с синефилами (так, в кадре можно наблюдать Левитта в фильмах Бергмана) и непривычный для ромкомов здраво-циничный подход к любви как таковой, окончательно понимаешь, что «500 дней лета» – явление уникальное. Тот редкий фильм с сюжетом «он её любит, она его не очень», который и фанатам Годара понравится, и их младшим сестрам. Тем более отдельные примочки у клипмейкера Уэбба действительно стильные.

«Бесславные ублюдки» Квентина Тарантино

«Ублюдки» вышли в прокат вскоре после того, как, растеряв последние остатки самоиронии, российская госпропаганда вступила в неравный бой с «фальсификаторами истории». Это Тарантино, разумеется, нарочно сделал. И гореть бы ему в аду священной ненависти Первого канала, но с наиболее выигрышной стороны в его фильме показаны не подлые прибалты и не неблагодарные поляки, а французы, раз и навсегда опозоренные резонным уточнением Кейтеля во время подписания капитуляции: «Что, Франции мы тоже проиграли войну?»

В фильме, конечно, много удивительной наглости, но удивляет только одно: почему режиссер с имиджем вечного тинейджера от камеры, с манерой смешивать ходульные жанры и поднимать китч до уровня высокого кино только сейчас снял вольную экранизацию считалки «сегодня ночью под мостом поймали Гитлера с хвостом»? Ведь Адольф Алоисович уже добрых лет 10 – личность вполне мультипликационная, «тарантиновская». Ничем не хуже Мистера Оранжевого или банды «Смертоносные гадюки».

Примечательно также, что помимо профессиональных патриотов на фильм ополчились местные кинокритики-«небыдло»: Тарантино явно не смогли простить за то, что он впервые снял «народный фильм», зажарил недопустимо обывательский бифштекс. В «Ублюдках» практически нет цитат из картин постановщиков типа Чанга Хо Чена (все больше из спагетти-вестернов и идеологически верных пострелялок), режиссер шутит не для избранных, а для масс («вас, американцев, ведь бесполезно спрашивать – какими языками, кроме английского, вы владеете?»), примитивно-понятно рифмует Геббельса с продюсерами, переходит на олбанский (в названии две нарочитые ошибки), наконец, в «Ублюдках» не играют столь любимые синефилами (понять бы – за что?) Траволта, Мэдсен и Л. Джексон, даже Бред Питт не играет, а играют только желваки Бреда Питта. Словом, какого человека потеряли – был для нас, а стал для каждого (что не замедлило отразиться на сборах).

Но если с государственнического фронта мы этому злостному фальсификатору еще ответим («Утомленные солнцем – 2» на подходе, кто выживет – не забудет), то продвинутых кинокритиков пока порадовать нечем: собственного аналога Тарантино нам не светит, чувство юмора не то. Так что довольствуйтесь Михалковым. Если сможете.
.
Загляните к нам, поддержите нас, мы работаем для Вас: http://mediananny.com/
.
С уважением,
Мырумыр

Журнал Empire обнародовал рейтинг худших фильмов в истории человечества, составленный на основе интернет-голосования читателей.

Главную роль в самой неудачной по версии журнала картине сыграл Джордж Клуни

Последний фильм звезды Голливуда Джорджа Клуни «Мне бы в небо» был номинирован в этот вторник на «Оскар» в пяти категориях, однако, по версии журнала Empire, «есть одна картина, которой актер, наверное, не очень гордится», - «Бэтмен и Робин».

Фильм 1997 года, где Клуни сыграл супергероя Бэтмена, Крис О'Доннелл – его напарника Робина, а Алисия Сильверстоун – Бэтгерл, занял первую строчку в хит-параде худших фильмов в истории человечества.
По данным издания, «Бэтмен и Робин» не просто вышел на первое место, но и набрал в три раза больше голосов, чем его ближайший «конкурент» - «Поле битвы: Земля» с Джоном Траволтой в главной роли, пишет Взгляд.ру.

В десятке также оказались следующие картины:
1. «Бэтмен и Робин» (1997). В ролях: Джордж Клуни, Алисия Сильверстоун, Арнольд Шварценеггер, Ума Турман.
2. «Поле битвы: Земля» (2000). В ролях: Джон Траволта, Форест Уитакер.
3. «Секс Гуру» (2008). В ролях: Майк Майерс.
4. «Поднять Титаник» (1980). В ролях: Джейсон Робардс, Дэвид Селби.
5. «Очень эпическое кино» (2007). В ролях: Кэл Пенн, Адам Кэмпбелл.
6. «Врата Рая» (1980). В ролях: Крис Кристофферсон, Кристофер Уокен.
7. «Сексуальная жизнь картофельных парней» (2004). В ролях: Джонни Вегас, Маккензи Крук.
8. «Явление» (2008). В ролях: Марк Уолберг, Зои Дешанель.
9. «Горец 2: Оживление» (1991). В ролях: Шон Коннери, Кристофер Ламберт.
10. «Комната» (2003). В ролях: Томи Визо, Джульетт Даниэль.

Тут много интересного о Кино, ТВ и инете: http://mediananny.com/

Онлайн – опросы: интересно и полезно. Каждому из нас важно иметь возможность выразить свое мнение. А если это мнение еще и учитывается, еще и ценно, то, что может быть лучше?
На сегодняшний день интернет-технологии дают возможность каждому выразить свое мнение по важным и интересным вопросам путем интерактивного голосования.
В новом выпуске «За кулисами Интернета» мы расскажем вам об актуальных сейчас опросах и о том, как принять в них участие: выразить свою позицию да еще и получить ценные призы.
.
Слушать тут: http://mediananny.com/podcast/74
.
С уважением,
Мырумыр

Представляем топ-15 самых дорогих фильмов в истории кинематографа. Обзор представило издание Chicago Now.
15. Скорость 2: контроль над круизом (1997) - 215 млн долл.
Финальная сцена крушения корабля в этом фильме стоила больше денег, чем вся остальная картина. На нее и ушла большая часть бюджета картины. В мировом прокате фильм заработал всего 220 млн долл - это еле-еле покрывает расходы на его создание. Какая уж тут прибыль!
14. Люди Икс: Последняя битва (2007) - 218 млн долл.
Что ж, последняя часть триквела про "людей икс" стала не только самой высокобюджетной. В отличие от предыдущего фильма с неудачным и дорогостоящим крушением корабля, в прокате этот фильм тоже собрал достаточно: кассовые сборы составили 478 млн долл.
13. Дикий, дикий Вест (1999) -220 млн долл.
Кассовые сборы кино с популярным реппером Уиллом Смитом составили всего 285 млн. долл. Это еле-еле покрывает расходы на фильм.
12. Хорники Нарнии: Принц Каспиан (2008) - 225,9 млн долл.
Вторая часть Хроник Нарнии в мировом прокате собрала 420 млн долл.
11. Человек-паук 2 (2004) - 228 млн долл.
Вторая часть человека-паука была обласкана как критиками, так и зрителями. В мировом прокате фильм собрал 896 млн долл.
10. Кинг Конг (2005) - 229 млн долл.
Римейк Питера Джексона понравился критикам, но не сразу стал набирать в прокате. В конце концов мировые сборы фильма составили 608 млн долл.
9. Терминатор 3: Восстание машин (2003) - 234 млн долл.
Обворожительная девушка-терминатор из Теминатора 3 помогла фильму собрать в прокате 508 млн долл, несмотря на не особенно восторженные отзывы критиков.
8. Пираты Карибского моря 2: Сундук мертвеца (2006) - 241 млн долл.
Создатели не зря раскошелились на спецэффекты вторых "Пиратов". Кассовые сборы фильма составили 1 млрд (!) долл.
7. Водный мир (1995) - 248 млн долл.
-Люди живут под водой!
-Но как они дышат?
- С помощью жабр!
В начале девяностых этот разговор в недрах студий Голливуда привел к созданию фантастического боевика "Водный мир". Фильм собрал в прокате США 124 млн долл, но на мировом рынке показал более успешные результаты.
6. Человек-паук 3 (2007) - 268 млн долл.
Это самый высокобюджетный фильм из всех, когда-либо снятых о человеке-пауке. Сумма "отбилась" с лихвой: картина собрала в прокате 927 млн долл.
5. Титаник (1997) - 269 млн долл.
История о том, как траты режиссера Титаника Джеймса Камерона настолько вышли из под контроля киностудии, что его даже хотели сместить с режиссерского кресла, стали притчей во языцах. Впрочем, для Камерона все закончилось благополучно: "Титаник" завоевал бешеную популярность у зрителей и собрал огромную сумму в прокате: 2,48 млрд долл. Это дало режиссеру зеленый свет тражирить деньги на фильмы дальше, что он и осуществил в "Аватаре".
4. Возвращение супермена (2006) - 289 млн долл.
Это был коммерчески провальный проект Брайана Сингера. В прокате фильм собрал 419 млн долл. Этого оказалось недостаточно, чтобы покрыть огромные расходы на рекламу и маркетинг, оспровождавшие раздутый бюджет картины.
3. Клеопатра (1963) - 310 млн долл.
Эпическая сага с Элизабет Тейлор в главной роли до сих пор считается одним из самых дорогих фильмов в истории кинематографа. К счастью, он вышел на экраны задолго до появления мультиплексов и видеокассет. За то долгое время, пока картину крутили в театрах, она смогла окупиться: кассовые сборы в одной лишь Америке составили 402 млн. долл.
2. Пираты Карибского моря 3: на краю света (2007) - 317 млн долл.
Третья часть "Пиратов" дороже второй, а в кинотеатрах собрала почти одинаково: чуть больше 1 млрд долл. Вот такая удачная получилась трилогия.
1. Аватар (2009) - ожидаемый бюджет 500 млн долл.
"Аватар" - самый дорогой фильм в истории кинематографа. Его бюджет значительно превосходит другие дорогие картины. "Двадцатый век Фокс" еще не объявила официальные цифры, но сообщает, что только на само создание картины ушло 230 млн долл. без учета расходов на рекламу. Впрочем, никто не утверждал, что создание целого мира - затея из дешевых.
.
Загляните к нам, у нас много интересного: http://mediananny.com/
.
С уважением,
Мырумыр

Согласно легенде, идея фильма «Терминатор» буквально приснилась режиссеру Джеймсу Кэмерону. В 1981 году в Риме, заканчивая работу над своим первым крупным фильмом «Пираньи-2», Кэмерон заболел лихорадкой. В бреду он увидел человека с красным глазом, преследовавшего девушку. Сценарий написал в 1982 году в соавторстве со своим другом Уильямом Вишером. Найти финансирование долго не удавалось, крупные кинокомпании отказались браться за проект. В итоге сценарий был продан за символическую цену в один доллар начинающему продюсеру Гэйл Энн Херд, которая в последствии стала второй женой Кэмерона.

Фанаты «Терминатора» давно составили перечень предшественников фильма. Идею путешествия во времени вынес на всеобщее обсуждение Герберт Уэллс, а о роботах, восстающих против человека, писал еще Карел Чапек. Однако если говорить о конкретной кинематографической преемственности, стоит вспомнить фильм «Киборг 2087» 1966 года. Его идея прямо противоположна «Терминатору»: из далекого тоталитарного будущего группа людей отправляет киборга Горта, цель которого – разыскать некоего ученого, работающего над техникой тотального контроля над человеческим сознанием, и помешать ему сделать свое открытие. Однако в процессе выполнения миссии Горт понимает, что за ним охотятся правительственные агенты, также прибывшие из будущего. Несмотря на отличия, сюжетное сходство «Киборга» и «Терминатора» не случайно – идея подобного фильма просто витала в воздухе. Возможно, именно попаданием в яблочко коллективного желания можно объяснить небывалый успех всех 4-х «Терминаторов».
Уже при работе над первым фильмом у режиссера возник замысел робота из жидкого металла, способного изменять свою форму в зависимости от обстоятельств, но в середине 80-х спецэффекты ещё не достигли необходимого уровня. Эта идея была реализована в 1991 году, когда Джеймс Кэмерон снял не менее культовое и на порядок более масштабное продолжение своей легендарной картины - «Терминатор-2: Судный день». По сравнению с первой частью, производственный бюджет второго «Терминатора» вырос в 15 раз с 6,5 до 102 млн долларов. Сборы составили астрономическую сумму: 519 млн долларов (против 78 млн первой части).
В России и Украине «Терминатор» стал известен в эпоху перестроечного видеобума конца 80-х. В версии знаменитого «переводчика с прищепкой на носу» Леонида Володарского фильм фигурировал под названием «Киборг-убийца».


Вначале в качестве претендента на роль Терминатора рассматривался черный актер и баскетболист Оу Джей Симпсон, однако продюсеры побоялись, что он не будет воспринят всерьез. И правильно сделали: трудно представить себе Терминатора-негра! Потом Кэмерон хотел сделать Терминатором своего давнего друга Лэнса Хэнриксена, а Шварценеггеру была уготована роль положительного героя - Кайла Риса. Однако Арни настоял, чтобы роль Терминатора отдали ему, и Хэнриксену досталась незаметная роль детектива Вуковича. После того, как съемки закончились, Шварценеггер сказал, что больше никогда не будет играть отрицательные роли. Впоследствии он умудрился сыграть, не нарушив своего обещания, в «Терминаторе-2» и «Терминаторе-3». А все очень просто: начиная со второго фильма Т800 стал положительным героем, а его негативные функции принял на себя киборг Т1000.
Готовясь к роли Терминатора, Арни три месяца тренировался с оружием: пулеметами, автоматами, винтовками (ведь до этого его единственным оружием был меч). Образ киборга вышел настолько убедительным, что после выхода фильма на экраны в студию Стэна Уинстона стало поступать много писем от инвалидов с просьбами изготовить такие же замечательные протезы, как руки и ноги у терминатора. Авторам фильма даже пришлось потом специально объяснять людям, что как протезы эти части тела использоваться никак не могут...
Визитной карточкой главного героя стали фразы «I'll be back» («Я вернусь») и «Аста ла виста, беби». А еще песня «Bad To The Bone» блюз- и рокмузыканта Джорджа Торогуда, которая звучит в момент, когда Т800 выходит из бара. Композиция, название которой в примерном переводе звучит как «Плохой до мозга костей», не вошла в официальный саундтрек. Тем не менее она не только стала ключевой для образа Терминатора, но и принесла всемирную славу Торогуду.


Саундтрек к "Терминатору" писался на самой продвинутой в те годы звукозаписывающей студии "Glen Glenn Sound", основанной ветераном звукорежиссуры Гленом Гленном. Несмотря на отдельные цифровые спецэффекты и электронную музыку, для записи использовалась традиционная аналоговая технология, и фильм в прокат был выпущен с моно-дорожкой. А ведь подожди Джеймс Камерон еще пару лет, и могло быть все иначе, потому что именно "Glen Glenn Sound" стояла у истоков цифрового кино-звука, и в год выхода "Терминатора" уже вела разработки в этом направлении.
Несмотря на внешнюю незамысловатость музыки, композитору картины Бреду Фиделу пришлось преодолевать изрядные трудности. Во-первых, в фильм постоянно добавлялись новые куски, если не менявшие концепцию, то по крайней мере изменявшие длительность эпизодов, и партитуру тоже приходилось подгонять буквально на ходу. Во-вторых, поскольку у продюсеров почти не осталось денег на музыку, Фидел не мог себе позволить партнера - только он и его синтезаторы. Цифровые технологии тогда еще были развиты слабо, и каждую ноту ему приходилось играть самому, вживую, собирая потом музыку из наигранных предварительно кусочков.
Казалось бы, в фантастическом фильме, подобном "Терминатору", и звуки должны быть фантастическими. Однако у Гари Райдстрома, саунд-дизайнера второго «Терминатора» было другое мнение: Задача звука, - считал он, - не только сделать что-то фантастическим, как визуальные эффекты, но также сделать это реальным. Звук не конкурирует с визуальными спецэффектами, потому что люди воспринимают звук и изображение по-разному. Например для озвучивания трансформации Райдстром распылял спрей в густую смесь воды и муки, и записывал это через микрофон, обернутый в презерватив и опущенный в эту липкую смесь. Спрей медленно создавал в смеси большие пузыри, и это рождало звук с искомыми металлическими нотками. А вот основным элементом звука, с которым Т-1000 проходит сквозь решетку, была собачья еда, медленно вываливающаяся из миски. Также большой заслугой Камерона было то, как он использовал тишину. Это не бросается в глаза, но в фильме есть несколько моментов, когда из динамиков не раздается ни одного звука, и подсознательно это воздействует сильнее иных спецэффектов.


Название Терминатора-2 «Судный день» как бы подталкивает зрителя к библейскому прочтению фильма. В нем Сара оказывается пророком, таким как Исайя, Илья или Иоанн, ведь она абсолютно убеждена, что Судный День приближается. Джон – это обыватель, рожденный в мире необузданного зла и унаследовавший характер бунтовщика. T-800 в аллегорическом мире «Терминатора-2» выступает в роли Христа, он не только постоянно защищает Сару и Джона, но и жертвует ради них своей жизнью. T-1000 оказывается дьяволом, несущим смерть и разрушение всякому на своем пути. Он коварен, и, как и полагается дьяволу, может менять форму, чтобы обмануть.
Конечно, эта интерпретация довольно наивна, но она открывает дорогу различным истолкованиям всей серии о «Терминаторе». И главный вопрос, к которым сводятся все прочтения фильма – это вопрос, может ли «Терминатор», продукт массовой культуры, нести в себе больший смысл, нежели чистая развлекательность, заложенная на поверхности? Вообще же принято считать, что в отличии от интеллектуального кинематографа массовое, мейнстримное кино подавляет в зрителе сомнения в устройстве общества и усыпляет его социальную бдительность. Однако «Терминатор» наоборот демонстрирует подрывной потенциал мысли, заложенный в массовом продукте. В этом плане полезно взглянуть на фильм как на пример смешения жанров. Да, в нем присутствуют не только очевидные элементы научной фантастики, но и определенное родство с фильмами ужасов. Т-800 (а во втором фильме Т-1000) – это чудовище наподобие Франкенштейна, которое человечество создало своими руками. И, как и другие герои фильмов ужасов, например Джейсон из фильма «Пятница, 13-е», Т-800 отличается полным отсутствием сознательной мотивации, он просто сеет зло вокруг себя. Но маньяк-Джейсон появляется как бы из ниоткуда, поэтому чтобы восстановить статус-кво достаточно его убить, ликвидировать. В случае же Терминатора творцы фильма указывают, что он не иррациональное зло, которое нужно стереть с лица земли, а продукт общества. В фильме присутствует прямая критика холодной войны и ее ключевой особенности – работы науки на службе у военных технологий. Когда научная цель рационализировать и очистить жизнь общества смыкается с военной задачей уничтожения, человек становится жертвой собственных изобретений, тем мусором, от которого машины очищают построенную по новым рациональным законам жизнь. В последние годы этот мотив все чаще звучит в американском кино, однако «Терминатор» без сомнения остается одним из первых и самых бескомпромиссных фильмов на эту тему.
.
Полностью программу послушать в аудио формате можно тут: http://mediananny.com/podcast/5
.
С уважением,
Мырумыр

Даже когда кинематограф оставался немым, не имея возможности воспроизводить звук, сеансы в большинстве случаев сопровождались живой музыкой, которая направляла внимание зрителей, расставляла эмоциональные и смысловые акценты. С приходом звукового кино, исчез живой аккомпанемент, но осталась глубокая связь между звуками, музыкой и картинкой. Ведь саундтрек – это не только фон, но важнейшая часть фильма, которая зачастую меняет восприятие зрителя…
В программе «Саундэффект» мы расскажем вам о культовых фильмах и о том, как звук в кино может трансформировать восприятие изображения. Слушайте наши размышления под аккомпанемент «Саундэффектов» каждый вторник в 22.00 на «Медианяне».

«Англи́йский пацие́нт» (англ. The English Patient) — фильм-драма 1996 года, снятый Энтони Мингеллой. Картина основана на одноимённом романе Майкла Ондатже, за который он в 1992 году получил Букеровскую премию. Писатель тесно сотрудничал с кинокомпанией во время создания фильма и заявил, что он доволен тем, как получился фильм.

Премьера фильма в США состоялась 6 ноября 1996 года в Лос-Анджелесе, Калифорния. Дистрибьютором фильма выступила компания Miramax Films. Бюджет картины составил 27 миллионов долларов, а кассовые сборы по всему миру свыше 230 миллионов долларов.

В 1997 году фильм был выдвинут на соискание премии Американской киноакадемии в 12 номинациях, в результате получил 9 из них, включая награду за «Лучший фильм». Также фильм был удостоен двух премий «Золотой глобус» и шести премий Британской академии кино и телевидения.
.
Жанр драма / мелодрама
Режиссёр Энтони Мингелла
Продюсер Саул Зейнц

Авторсценария
Энтони Мингелла (сценарий)
Майкл Ондатже (роман)

В главных ролях
Ральф Файнс
Жюльет Бинош
Кристин Скотт Томас
Уиллем Дефо

Оператор Джон Сил
Композитор Гэбриел Яред
Кинокомпания Miramax Films
Длительность 160 мин
Бюджет 27 млн $
Страна США
Год 1996
.
Мнение (одно из):
После прочитанной книги фильм воспринимается особенно остро и это, пожалуй, еще один из тех уникальных случаев, когда фильм выглядит куда более выигрышнее книги. Говорить о разнице можно, но лучше отметить другое — из психологической драмы с военным уклоном, каким был изначально роман Майкла Ондатже, Мингелла сделал масштабную мелодраму. Вообще-то, в книге линия Графа Алмаши дана лишь в общих чертах, сплетена из полунамеков и отступлений. Так что, история любви Кэтрин и Лазло заслуга именно кинодеятеля. Многие линии изменены, кое-какие убраны или даже переставлены местами, а главное — изменен основной акцент. И несмотря на все поправки, это гениальнейшая экранизация. Часто бывает, что режиссер меняет сценарий и остается только негодовать за вольное обращение с первоисточником. В случае с «Английским пациентом» эти перемены заслуживают бурных оваций, ибо только прочитав книгу и сразу же посмотрев фильм можно понять, насколько трепетно Мингелла переложил, а главное, дополнил историю английского пациента.

История начнется в полете над пустыней. Маленький спортивный самолет с мужчиной и женщиной попадает под обстрел и загорается в воздухе. Бедуины смогли выходить мужчину и обеспечили ему еще некоторое время отведенное для жизни. Однако теперь он лишь изуродованный человек без лица и прикованный к постели, обреченный на подобное существование до конца жизни. Больше он не встанет. Когда его перевезут в Италию, Хана, медсестра настолько привяжется к этому человеку, что останется с ним на заброшенной вилле, чтобы не мучить пациента переездами. Вскоре у них в доме появится и еще один жилец — вор Дэвид Караваджо, а позже и еще один — сапер по кличке Кип. Канадка, итальянец, сикх и, возможно, англичанин, но на деле-то мы знаем, что венгр. Казалось бы идеальная заготовка вопроса национальностей, и вот тут главный минус экранизации — Мингелла принес эту тему в жертву другой линии, флэшбэкам, идущим параллельно с жизнью на вилле и рассказывающим о том самом таинственном английском пациенте без лица, без имени и без национальности.

Политическая идеология у Мингеллы также осталась, и особенно остро она проявляется в любовной линии. Идея заключается как раз таки в отречении от национальностей, имен и прочей атрибутики. Эта идея, словно судьба и бросает графа Алмаши из одной национальности в другую — сначала он был венгром, затем отправился в пустыню, где все были равны, потом началась война, где из-за его имени, похожего на немецкое, и происходит трагедия, а после и сам Алмаши перебирается на сторону германцев, и в конечном итоге в его медицинской карте напишут только одну фразу: английский пациент. «Я должен был вернуться в пустыню, я обещал… Остальное было не важно», — одна из последних реплик Алмаши, и она-то и доказывает, что он не был ни шпионом, ни предателем, ведь чтобы предавать нужно принадлежать к какой-то из сторон, а этот человек всю жизнь только и делал, что бежал от любой собственности, от любых названий и границ. «Это все, чего я хотела, отправиться на землю без карт», гласит последняя запись Кэтрин. Для некоторых этой страной стала пустыня, но и туда пришла война и принадлежность человека вдруг стала главным определяющим фактором.

Отмечать в фильме можно много чего и количество заслуг огромно. Во-первых, раскошные съемки пустыни, Италии, Каира. Но особенно завораживает эта безмолвная песчаная бездна. Что-что, а романтику этого места удалось передать на отлично. Во-вторых, незабываемая музыка, из которой особенно запоминаются композиции Габриэля Яреда и в том числе саундтрек, придавший фильму то божественное обаяние, за которое его хочется пересматривать не один раз. В-третьих, это сама постановка, масштабность, затраченные силы и люди, принимавшие участие во всем этом действе. Заслуг много и перечислять их бесполезно, этот фильм просто надо видеть. В заключении скажу только об актерах, исполнивших главные роли. Наиболее ярким я считаю, разумеется, Ральфа Файнса, влившегося в образ Лазло Алмаши. Еще при первом просмотре эта роль просто задела меня за живое и заставила считать Файнса лучшим актером современного кино. Да, это первый фильм, о котором нужно вспоминать в связи с его именем. Не отстают и Уильям Дефо в роли Дэвида Караваджо, Кристин Скотт-Томас (Кэтрин Клиффтон) и Жюльетт Бинош (Хана). Очень понравился Нэвин Эндрюс, вот только специфическая внешность никак не позволяла отделить Кипа от образа Саида в сериале «LOST». Ну и конечно же Колин Ферт в роли любящего мужа и английского агента. Когда читал книгу было особенно интересно присмотреться к актеру игравшему Мэдокса, и Джулиан Вэдхэм не разочаровал — именно такой, каким себе представлял этого человека. В общем, здесь каждый на своем месте и каждый превосходен.

Итог: великолепный образец сложной, тонкой и наполненной огромным смыслом мелодрамы. Масштабное кино, которое обязательно нужно смотреть. Все девять Оскаров заслужены, однако фильм заслуживал куда большего числа статуэток. И этот фильм входит в число моих самых любимых фильмов и может быть, самую малость слукавлю если назову его самым лучшим из всего что когда-либо смотрел.
.
Загляните к нам на огонек : http://mediananny.com/
.
Оставляйте свои коменты, нам интересно ваше мнение.
С уважением,
Мырумыр

Каждую неделю Радио Медиа Няня угощает вас обзором международных музыкально-медийных новостей.
Основные ингредиенты music-media mix от 15 февраля 2010:

- Социальная сеть "Одноклассники" откроет для своих пользователей прекрасный мир музыки
- Участники группы The White Stripes обвинили ВВС США в плагиате и добились сатисфакции
- В Тернополе не рады участникам Украинской Фабрики звезд-3, а в американском шоу талантов American Idol заговорят матом
- Massive Attack запустили "фестиваль" клипов к своему новому альбому «Heligoland»
- U2, основатель The Jam и покойный барабанщик Led Zeppelin были увековечены "глянцем"

Программа выходит каждый понедельник в 22:00, повтор: вторник 11:40
music-media mix - "Смешать, но не взбалтывать!"

Слушать тут: http://mediananny.com/
.
С уважением,
Мырумыр

В этом списке есть и чарующие, нежные мелодии, и воинственные марши, и легкая красивая музыка, но нет ни одной мелодии, фильм которой Вам оказался бы неизвестен.
1. «Шербурские зонтики»
Мелодия «Les Parapluies De Sherbourg» Мишеля Леграна (Michael Legrand) впервые прозвучала в одноименном фильме «Шербурские зонтики» 1964 года с Катрин Денёв и Нино Кастельнуово. Кроме этой волшебной мелодии мы позволили себе добавить в список чудесную песню «If It Takes Forever, I Will Wait For You» на музыку Мишеля Леграна в исполнении Конни Френсис (Connie Francis).
2. «Имперский марш»
В «Звездных войнах» есть и странные пародии на джаз, и замечательная героическая музыка, но каленым железом в мозгу отпечатывается именно тяжелая поступь Энакина Скайуокера (ака Дарта Вейдера) под звуки «Имперского марша» (The Imperial March), сочиненного Джоном Уильямсом (John Williams).
3. «Музыкальная тема «Гарри Поттера»
Основную музыкальную тему «поттерианы» все тот же Джон Уильямс развивал на протяжении трех частей магической франшизы, пока ветерана музыкального фронта не сменили Патрик Дойл и Николас Хупер, и музыка вместе с фильмом стала мрачной и угрюмой. А Джон Уильямс, как мы помним, наигравший жуткую музыку для «Звездных войн», для фильмов Криса Коламбуса сочинил чудесные легкие мелодии детского утренника. В подтверждение своих слов мы прилагаем к этому обзору мелодию «Prologue» из фильма «Гарри Поттер и философский камень».
4. «James Bond Theme»
О создании знаменитой бондовской темы, что прозвучала в титрах первого фильма о Бонде – «Доктора Но», ходят легенды. Одно неоспоримо: ее написал композитор Монти Норман. Говорят, что эту мелодию он сочинил для мюзикла, который так и не был поставлен. Согласно другой версии, Норман услышал запоминающуюся мелодию от уличных музыкантов на Ямайке. Но, как бы там ни было, продюсеры предложили эту мелодию доработать и пригласили Джона Бэрри, но по договору он должен был отказаться от всех авторских прав. И именно его аранжировка стала самой популярной шпионской мелодией всех времен.
5. «Love Theme from The Godfather»
Достоверно известно, что Нино Рота не получил Оскара за музыку к «Крестному отцу» только потому, что использовал для ее создания отрывки из старой, к «Фортунелле» 1958 года. Но ни для кого из нас, я, думаю, это не отменяет ни величия фильма, ни красоты и соответствия музыки восхитительной саге Френсиса Форда Копполы. Может быть, Нино Рота просто хотел сделать лучший музыкальный римейк в истории?
6. «He Is A Pirate»
Изначально музыку для фильма «Пираты Карибского моря» должен был написать Алан Сильвестри, но был заменен Клаусом Баделтом. Теперь это мало кому известно, и, скорее всего, мало кого огорчает. Ну, разумеется, кроме Алана Сильвестри, упустившего возможность стать автором саундтрека к лучшему пиратскому фильму начала XXI века. Впрочем, он еще успеет отметиться в нашем рейтинге лучших саундтреков.
7. «Once upon a time in America»
Вы можете не поверить мне, но Эннио Морриконе сочинил музыку более чем к 470 фильмам, начав трудиться над этим впечатляющим списком еще в 1959 году. И продолжает работу и теперь: музыка восьмидесятилетнего композитора будет звучать в итальянском фильме «Ленинград» и новом фильме Брайана Де Пальмы, «Неприкасаемые: Становление Капоне». Значительную часть этой музыки он сочинил для своего одноклассника, Серджо Леоне, срежиссировавшего и фильм «Однажды в Америке».
8. «Терминатор»
Главная музыкальная тема из фильма «Терминатор 2: Судный день» (это та, где обезображенный Т-800 спускается в ванну кипящего металла, а зрителя неудержимо тянет плакать) сочинена Брэдом Фиделем (Brad Fiedel). Это известно почти всем. Но мало кому известно, что замечательный лязгающий звук, придающий мелодии жуткий механистичный колорит, на самом деле – звон чугунной сковородки о микрофон.
9. «Chi mai»
«Профессионал» - одна из лучших картин Жана Поля Бельмондо, музыку к которой писал Эннио Морриконе. «Chi Mai» - мелодия удивительно минималистичная, но при этом невероятно человечная и нежная, к сожалению, не принесла «Сезара» профессионалу от музыки за поддержку профессионала-ассасина.
10. «Mission: Impossible Main Theme»
Вторая из самых известных шпионских мелодий после музыки к «Джеймсу Бонду» – музыкальная тема из фильма «Миссия невыполнима». Работали над музыкой к фильму Дэнни Эльфман, Лало Шифрин, уже известный нам Алан Сильвестри и нежно любимая мной солистка ирландского коллектива «Cranberries», Долорес О’Риордан. И конечно, главная мелодия из «Миссии» так же разошлась на модные римейки, как и тема «Джеймса Бонда».
.
Еще больше вы можете узнать на сайте инет радио Медиа Няня: http://mediananny.com/

«Медиа Няня» и магазин оригинальных подарков «FUNLIFE» представляет новую рубрику - «В кино с Медиа Няней!»
Теперь, каждый четверг мы будем ходить на украинские премьеры новых кинофильмов и, уже в пятницу, Вы будете знать наши впечатления и мнения зрителей, от увиденного. Мнения зрителей фильма, которым удалось первыми посмотреть премьеру фильма Вы сможете услышать в эфире Медиа Няни, а вот мнение наше о фильме, Вы сможете понять не только прочитав рецензию, но и увидев оценку по шкале FUNометр.
Каждый фильм мы будем оценивать, в зависимости от наших впечатлений, так: FUNтастика, суперFUN, FUN, недоFUN, проFUN

И первым фильмом, который мы выбрали для нашей рубрики, стал новый фильм от легендарного голливудского режиссера Гарри Маршала. Настоящий мастер, снявший самые известные голливудские мелодрамы, среди которых, «Как стать принцессой», «Как стать принцессой 2», «Сбежавшая невеста» и, конечно же, «Красотка», которая сделала известной Джулию Робертс, приготовил нам всем сюрприз на День Святого Валентина.
Вчера мы сходили на премьеру этого фильма и теперь спешим поделиться с Вами нашими впечатлениями, а также мнением зрителей, которым удалось первыми, вместе с нами, увидеть премьеру самого романтического фильма года.
Итак!

День Святого Валентина (Valentine's Day), США
Премьера (в Украине): 11.02.2010
Жанр: комедия, романтика
Режиссер: Гарри Маршалл
Роли исполняют: Эштон Катчер, Джессика Альба, Джессика Биль, Брэдли Купер, Эрик Дэйн, Джейми Фокс, Дженнифер Гарнер, Энн Хэтэуэй, Эштон Катчер, Квин Латифа, Тэйлор Лотнер, Эмма Робертс, Джулия Робертс, Кристин Лейкин

Существует определенная разновидность фильмов, чисто ситуативных, которые появляются раз в году, чтобы впоследствии о них фактически никто и не вспомнил. Среди таких примеров можно вспоминать рождественские фильмы, романтические комедии, приуроченные к 8 марта и тому подобное. Правда, некоторым из них удается резонировать дольше праздничного периода. Нет ничего удивительного в том, что фильм под прозрачным названием «День Святого Валентина» выходит в канун одноименного праздника, хотя бы из чисто маркетинговых соображений. Собственно, отправляясь на такой фильм, уже четко представляешь себе горизонт ожиданий и спектр вопросов, поднимаемых в нем. Это в очередной раз подтверждает, что радость зрительского узнавания желанных образов и сюжетов играет не последнюю роль при выборе фильма для вечернего досуга.
Гарри Маршалл давно зарекомендовал себя непревзойденным специалистом в амурных делах – в его послужном списке значится классика жанра «Красотка» и «Сбежавшая невеста». В новом же фильме режиссера сразу бросается в глаза довольно-таки внушительный актерский состав. В кадре как глубокоуважаемые статусные звезды (Джулия Робертс), так и юные трендовые актеры (Тэйлор Лотнер). Такое впечатление, что студии Karz Entertainment и New Line Cinema пошли экстенсивным путем завоевания аудитории, ведь за ту же сумму зритель получает не одну романтическую историю, а целую таблицу Менделеева. И тут нужно отдать должное сценаристам, умудрившимся сплести под знаком случайности разнообразные жизненные истории, и сделать это довольно бодро и динамично. Естественно, что этим связующим элементом, универсальной силой, способной объединить непохожих друг на друга людей, оказывается любовь, которой, как известно, все возрасты покорны. Гарри Маршалл успешно развивает эту житейско-народную мудрость. Любовь в «Дне Святого Валентина» - это не только мужская и женская, мужская и мужская, но также любовь материнская и детская. Чего же явно не хватает этой радужной картинке для окончательной констатации универсализма, так это социального разнообразия. Внимание в фильме приковано к людям определенного – и отнюдь не низкого достатка. «Бедные» персонажи если и присутствуют, то скорее для контраста или драматизации, которая, конечно же, закончится хэппи-эндом.
Можно не уважать подобный жанр, не разделять чрезмерно приторных и сладких взглядов Гарри Маршалл, сглаживающего почти все острые углы непростых отношений между представителями разных полов. Тут вы не встретите трагических разрывов, безысходного одиночества. Все это вы найдете в жизни, а в кинотеатре думайте о приятном. И если сделать все поправки на жанровую специфику романтической комедии, жанра безусловно утопического и эскапистского, то стоит признать, что команда, работавшая над «Днем Святого Валентина», безусловно справилась с поставленной задачей на отлично. Особенно хочется отметить рефлексивность фильма, отдающего себе отчет в том, что день Святого Валентина – это по большей части коммерческий проект. На авансцену, пусть ненадолго, выходят ненавистники этого, прямо скажем, «высосанного из пальца праздника». К тому же, все это происходит на фоне весьма приличного юмора. Единственное, от чего может «стошнить» при просмотре «Дня всех влюбленных», так это до боли конвенциональная музыка, маркирующая наступление драматических и не очень моментов. Однако она не мешает уловить три последних слова, услышать которые, по версии сценаристов, жаждет каждый: «Давай скорей разденемся».

Станислав Мензелевский

Наша оценка фильма: FUN
Мнения зрителей можно услышать в эфире Медиа Няни
С нетерпением ждем Ваших впечатлений от фильма, и не забудьте поздравить своих Любимых с 14 февраля.

Тут вы сможете не только услышать в эфире первые отзывы зрителей на этот фильм, но и много еще чего интересного о кино, ТВ, инете и других СМИ: http://mediananny.com/
.
С уважением,
Мырумыр

В этом выпуске Телемира. Как и в предыдущем, мы расскажем Вам об одном из целого списка сериалов, присланного слушателями Медиа Няни на наш форум. Сегодня поговорим о сериале «Life on Mars» от ВВС.


Слушайте нас сегодня в 12:20, с повтором в 18:40.

Слушать тут: http://mediananny.com/
.
С увжением,
Мырумыр

Билл Конти - популярный композитор, чьей визитной карточкой можно назвать музыкальное оформление фильма "Рокки. Выпускник "Джилльярда", Конти делал итальянские оркестровки для композиторов и песенников, писавших для кино. Номинации на "Оскар" были удостоены темы "Gonna Fly Now" (Рокки) и "For Your Eyes Only" ("Только для твоих глаз"), 1981. "Оскара" же получил за музыкальное сопровождение к филму " Парни что надо", 1983. Много лет Конти выполняет обязанности дирижера на церемониях вручения "Оскаров".

Трудно найти любителя американского кино, не слышавшего о фильме «Рокки». В свое время эта картина принесла известность Сильвестру Сталлоне. Впрочем, фильм любят, но вряд ли считают серьезным произведением искусства, скорее качественным продуктом масскульта. Однако для дотошных кинокритиков на родине фильма в США «Рокки» остается одной из лучших картин своей эпохи, то есть 1970-х годов. Кому-то, это может показаться голливудской блажью – о каком «Рокки» может идти речь после фильмов Тарковского? Да после «Апокалипсиса сегодня» на худой конец? А все дело в том, что американские кинокритики зачастую оценивают фильмы по непривычным для нас критериям – их интересует не эфемерный вклад в вечную сокровищницу искусства, а то, как в конкретном фильме преломилось время и люди, его населяющие. Нужно признать, что в этом отношении «Рокки» остается культовой лентой.

ТРЕК 1 - Take You Back (Street Corner Song)

1976 год был не самым легким в американской истории. Страну лихорадило. Бессмысленная жестокость Вьетнамской войны, уотергейтский скандал, экономический кризис – и, наконец, все более удушающее приближение консервативной реакции на либерализм и свободы 1960-х. Что касается американской киноиндустрии, она в какой-то степени отражала общее смятение. Еще в начале десятилетия кинопроизводство стало убыточным: с 1969 по 1972 год студии потеряли 500 млн. долларов. Пытаясь любой ценой выплыть на поверхность, кинобосы начали приглашать молодых малоизвестных режиссеров и сценаристов. Раньше режиссер, будь он хоть сам Орсон Уэллс, был обязан починяться целой батарее исполнительных продюсеров в рамках студийной системы. В 1970-х режиссеры получили невиданную доселе свободу: они могли сами выбирать сценарий и актеров и даже иногда получали право окончательного монтажа. Небольшое послабление контроля принесло неожиданно щедрые плоды: на волне киносвободы появились такие нынешние корифеи, как Браян ле Палма, Стивен Спилберг, Френсис Форд Коппола и Мартин Скорсезе. В это же время продюсеры киностудии «Юнайтед артистс» решают экранизировать сценарий никому не известного актера и сценариста Сильвестра Сталлоне. В сценарии рассказывалось о судьбе боксера-неудачника Рокки Бальбоа, который сумел победить себя и достойно сразиться с чемпионом мира. Сценарий Сталлоне написал за три дня, вдохновившись увиденным по телевизору боем Мухаммеда Али. В тот момент ему было уже под 30 и он долго и он несколько лет пытался пробиться на актерском и сценаристском поприще. Однако безуспешно: единственной главной ролью, которую Сталлоне удалось сыграть до Рокки был персонаж порнофильма «Итальянский жеребец». Как позже признался Сталлоне, сценарий стал аллегорией его собственных мыканий в мире кино. Увидев, что продюсеры заинтересовались идеей, Сталлоне набрался смелости и поставил условие: главную роль в фильме должен сыграть он сам.

ТРЕК 2 – Marines Hymn/Yankee Doodle

Со временем «Рокки» займет второе место в рейтинге лучших фильмов о спорте, уступив лишь еще одной боксерской ленте, «Бешеному быку». Однако картина повествует не только и не столько о боксе. Она еще и рассказывает об американском обществе, его классовой структуре и мифах, главным из которых оказывается миф о социальной мобильности. Содержание этого мифа можно описать идиомой «из грязи в князи». Вот только в русской пословице присутствует некоторое презрение к такому скачку «наверх», а в американской версии, оно отсутствует. Наоборот, считается, что именно возможность для каждого, даже самого последнего человечишки, получить образование, разбогатеть и стать уважаемым членом общества делает США страной равных возможностей. Впрочем, критики американской культуры утверждают, что «равные возможности» - это всего лишь миф, ведь получить образование могут только дети богачей, а представители рабочего класса вынуждены довольствоваться низкооплачиваемой работой и страдать от безработицы. Именно таким, безработным и необразованным, предстает перед нами Рокки в начале фильма. Однако дальнейший сюжет, напоминающий сказку о Золушке, пытается развеять неверие, сгустившееся в 1970-е вокруг мифа о равных возможностях. Благодаря тяжелому труду над собой из простого третьесортного боксера Рокки превращается в представителя боксерской элиты. Скептики повержены, принцип «равных возможностей», эта базовая основа американской демократии, восстановлен.

ТРЕК 3- Gonna Fly Now (Theme)

Однако не все так просто. Как это всегда бывает в сфере мифов или, если угодно, идеологии, часть фактов замалчивается, часть – перекручивается. От внимательного зрителя не скроется то, что успех Рокки – это результат не только его действий. Никому не известного бойца приглашает сразиться сам Аполло Крид, чемпион мира. В его лице вся общественная система, которая зиждется на дискриминации и делении на классы как бы обращается к Рокки и дает ему шанс «подняться наверх». Сам Рокки колеблется и только псевдопатриотическая риторика противного менеджера, заставляет боксера одуматься.
Но в тени остаются миллионы таких же, как Рокки, бесправных и необразованных рабочих. Системе гораздо проще подпитывать миф о равных возможностях, ведь тогда обездоленные, такие как Рокки и его друг Полли – будут во всех своих бедах винить только себя, а не общественное устройство.
Еще одна драма, разворачивающаяся в фильме – расовая. Соперником Рокки неслучайно оказывается образованный, уверенный в себе и успешный чернокожий боксер Аполло Крид. Не смотря на то, что образ в целом позитивный, в фильме присутствует страх белых представителей рабочего класса перед черными как консервативная реакция на либерализм 60-ых. Афроамериканцы тоже пострадали от экономического кризиса 1970-х, но, в то же время, сумели выйти из него победителями – все больше темнокожих американцев причисляли себя к среднему классу, в то время как все больше белых разорялось. По официальным данным, на протяжении двадцати лет (1950-70) количество состоятельных афроамериканских семей возросло в четыре раза.

ТРЕК 4- The Final Bell

Успех Крида в первую очередь указывает на то, что в Америке наступили времена расового беспорядка. Например, Рокки тренируется вморозильном цеху, «обрабатывая» туши коров, в то время как Аполло ведет переговоры на кожаном диване то и дело демонстрируя двойные моральные стандарты.
В этом контексте Рокки символизирует политическое тело евроамериканцев, борющихся против афроамериканцев, воплощенных в фигуре Аполо Крида. И оружием Рокки в его заведомо проигрышной борьбе являются не слова и политические лозунги, а окровавленные кулаки.

МУЗЫКА (КОНЕЦ)
.
Послушать эту программу можно тут: http://mediananny.com/podcast/20
.
Если не сложно оставляйте коменты, нам интересно Ваше мнение.
С уважением,
Мырумыр

Десять худших романтических комедий в истории:
1. «Джильи» (Gigli, 2003);
2. «Красавица и уродина» (The Hottie & the Nottie, 2008);
3. «От Джастина к Келли» (From Justin to Kelly, 2003);
4. «Господин Ошибка» (Mr Wrong, 1996);
5. «Парикмахерша и чудовище» (The Beautician and the Beast, 1997);
6. «Грязная любовь» (Dirty Love, 2005);
7. «Манекен в движении» (Mannequin: On The Move, 1991);
8. «Потому что я так хочу» (Because I Said So, 2007);
9. «Летние игры» (Summer Catch, 2001);
10. «Всё о Стиве» (All About Steve, 2009).
.
Зайди и послушай все подробности на новом инет радио "Медиа Няня": http://mediananny.com/

Тема Афганистана у нас остается все такой же невостребованной, несмотря на появление «Девятой роты». А годы идут. Участники тех событий не молодеют, молодое же поколение практически ничего не знает об этой странице нашей истории.
Новая работа Андрея Кавуна под названием «Кандагар» вряд ли станет переломным моментом в сознании людей, да и история фильма связана не с войной в Афганистане, а с другой печально известной трагедией. Речь в нем идет о захвате талибами русского грузового самолета в 1995 году, когда наша страна переживала далеко не лучшие времена.
Тогда об этом плене много говорили в прессе и по телевидению, но помощи от своих наши летчики так и не дождались, поэтому вспомнили старую поговорку-гимн «Спасение утопающего – дело рук самого утопающего» и, улучив подходящий момент, попросту угнали свой же самолет. Благополучно добравшись до российской границы, они стали героями, немного покрасовались на экранах телевизоров и были вновь забыты почти на пятнадцать лет.
Их вспомнил Андрей Кавун со своей сложившейся командой помощников и актеров. После успеха одного из самых вменяемых отечественных «боевиков» «Охота на пиранью» режиссеру хотелось вновь окунуться в жесткий и бескомпромиссный мир настоящих мужчин. А чем является побег наших летчиков, как ни героическим поступком бравых парней?! И посему было решено собрать сильных актеров, надеть на них белые рубашки с синими полосками на рукавах и бросить их в марокканскую жару. В придачу к ним еще подкинули настоящий ИЛ-76 да шумную массовку сплошь из местного не говорящего по-русски населения.
В результате получился драматичный фильм о судьбе русских в странах, где не очень-то жалуют белых людей. Правда, и у коренных жителей есть своя жизнь. Они не показаны однообразной орущей массой (хотя в картине нашлось место и ей), у каждого своя правда и привычки.
Если бы не было таких уважаемых актеров, как Александр Балуев, Владимир Машков и Андрей Панин, возможно, у Кавуна бы и не получилось никакой драмы. Из всех щелей бы повыползал лживый патриотизм, а где-то в пустыне бы шагала в окружении спецназа нша «прекрасная няня». Но нет, актеры поработали на славу, отбросив весь пафос куда подальше и постаравшись изложить историю как можно более правдиво. Нет ни лубка, ни клюквы, как в «Девятой роте», но и крови также немного – все-таки это не «Взвод».
Правда, мне показалось, что у создателей не получилось и «тюремной» драмы. Нет ни «Мотылька», ни «Хладнокровного Люка». Есть просто люди, которые пытаются выжить в предложенных судьбой обстоятельствах, не потеряв при этом достоинства и чести.
А самое главное, перед нами хорошо рассказанный сюжет. Нашлось место и конфликтам, и экшну, и малой толике саспенса, и мелодраматическим ноткам, но все это преподносится небольшими дозами, чтобы сохранить ощущение рассказа очевидца. Возможно, можно было более драматичней построить повествование, но в этом случае пришлось бы лишить картину авантюрной жилки и, как следствие, захватывающего зрелища.
Остается только надеяться, что Кавун напрочь отойдет от сериальной продукции и полностью переключится на полный метр. Ведь у него получаются неплохие приключенческие фильмы, а в наше время и в нашей стране это стало большой редкостью…

В прокате с 4 февраля.
Макс Милиан

Еще много интересного о киноновинках тут:http://mediananny.com/

Паутина-это последние новости Инета. Новые технологи, онлайн проекты, самые последние игры, все о том, что происходит в виртуальном мире. Слушайте нас каждый будний день в 21-00. Мы плетем свою ПАУТИНУ и для вас тоже. Не потеряйтесь в сети.
.
Нить паука-кругопряда очень упругая, и может быть растянута на 30-40%, прежде чем оборвется. Сталь может быть растянута только на 8%, а нейлон - где-то на 20%.Мы тоже плетем свою ПАУТИНУ.
.
Слушать тут: http://mediananny.com/