Объявлены номинанты на антипремию «Золотая малина» за 2015 год

«Пятьдесят оттенков серого», «Восхождение Юпитер», «Пиксели» — премия «Золотая малина» назвала претендентов на звание худшего фильма 2015 года.

Организаторы антипремии «Золотая малина», придуманной 36 лет назад для того, чтобы немного разбавить пафос больших кинонаград, а заодно напомнить, что у Голливуда есть не только успехи, назвали номинантов по итогам 2015 года.

В главной категории представлены «Пятьдесят оттенков серого», «Фантастическая четверка», «Восхождение Юпитер», «Пиксели» и «Толстяк против всех».

Выбор этого года представляется очевидным. Историю сложных взаимоотношений молодой студентки Анастейши и не менее молодого миллиардера Кристиана Грея из «Пятидесяти оттенков серого» не критиковал только ленивый (тем удивительней рейтинг 25% на Rotten Tomatoes); не понравился он и зрителям. На кассовый успех «Золотая малина» традиционно внимания не обращает (мировой прокат принес картине $570,4 млн при 40-миллионном бюджете), но, скорее всего, отметит и два уже запланированных сиквела «Пятидесяти оттенков» — именно столько романов на эту тему уже написала британская писательница Э.Л. Джеймс.

Всего у «Пятидесяти оттенков серого» шесть номинаций и хорошие шансы выиграть большинство из них.

«Золотая малина» отметила игру исполнителей главных ролей (Джейми Дормана и Дакоты Джонсон), их взаимодействие в кадре (номинация «Худшая экранная комбинация»), режиссера (Сэм Тейлор-Джонсон) и, разумеется, сценарий. Наверное, если бы у «Малины» была категория, в которой можно было бы учесть литературные труды, в нее обязательно попала бы и книга-первоисточник.

Столько же — шесть — номинаций у фантастического боевика с заявкой на блокбастер «Восхождение Юпитер».

Новая работа Энди и Ланы Вачовски тоже попала под огонь критики, а заодно и провалилась в прокате ($183 млн сборов при затратах в $176 млн). «Золотую малину» могут получить режиссеры (Вачовски), сценаристы (они же), Мила Кунис и Ченнинг Татум как исполнители главных ролей, а также Эдди Редмэйн за роль второго плана: у оскаровских лауреатов тоже случаются неудачи при выборе проектов.

Заявку «Фантастической четверки» на «Золотую малину» еще до выхода фильма в прокат оформил режиссер Джош Транк, который снял с себя ответственность за окончательную версию монтажа. Так и получилось: перезапуск приключений известных супергероев не понравился никому, провалился в прокате и закономерно получил пять номинаций на «Малину» — за фильм, режиссуру, сценарий, актерский ансамбль и как худший сиквел.

 С «Пикселями» история совсем другая. Фильм по мотивам аркадных видеоигр 80-х, возможно, достоин получения (или просто номинации) на «Малину» — эту историю можно было рассказать гораздо лучше. Но участие в картине Адама Сэндлера, которого антипремия нежно любит, не оставило «Пикселям» шансов — и фильм получил пять номинаций.

А вот сам Сэндлер может получить премию сразу за два фильма — кроме «Пикселей» ему зачли драму «Сапожник».

Этот фильм не понравился организаторам премии гораздо больше — во всяком случае, именно за него актер был номинирован на «Худшую экранную комбинацию»; если он выиграет, то награду получит сам Сэндлер и любая пара обуви из «Сапожника».

В принципе, категория про «экранную комбинацию» оказалась самой интересной на «Золотой малине – 2016». Больше всего, судя по этой номинации, организаторам премии не нравятся накладные усы. Награду могут получить эта деталь грима и Джонни Депп из комедийного боевика «Мордекай» или усы и Кевин Джеймс из полицейской комедии «Толстяк против всех». Если они, конечно, выиграют у «Фантастической четверки», героев «Пятидесяти оттенков серого» и Адама Сэндлера.

С прошлого года организаторы «Золотой малины» дали возможность своим лауреатам искупить прошлые грехи — тогда номинацию «Восстановление репутации» выиграл Бен Аффлек. На этот раз шанс перечеркнуть прошлые ошибки получили Элизабет Бэнкс, Сильвестр Сталлоне, Уилл Смит и режиссер М. Найт Шьямалан.

Лауреаты «Золотой малины» будут названы 27 февраля: по сложившейся традиции торжественная церемония проходит в Лос-Анджелесе за день до вручения «Оскаров». Правда, в отличие от награды Американской киноакадемии не все номинанты готовы подняться на сцену и получить выкрашенный золотой краской приз стоимостью в $4,97.

Выжившие в новогодних непотребствах минчане слабой, прерывающейся струйкой потянулись в кинотеатры, посмотреть на то, каково приходилось первооткрывателям Северной Америки двести лет назад. Команда во главе с Алехандро Гонсалесом Иньярриту постаралась на славу — первооткрывателям приходилось ой как непросто.

Равно как актерам, участвовавшим в съемках. Сорокаградусный мороз или, наоборот, отсутствие необходимого в данный момент снега, томительное ожидание нужного светового режима, превратности работы с животными. Да и мясо, как признался исполнитель главной роли Леонардо ДиКаприо, приходилось есть в кадре по-настоящему, сырое. В общем, «Выживший» — редкое по теперешним, компьютерным, временам натуральное кино. Где всё, ну, или почти всё, не понарошку, а взаправду. А действующим лицам приходится куда больше стрелять, сражаться с враждебной северной природой и друг с другом, чем говорить.

Не режиссерский, а операторский шедевр, который требует большого экрана, «Выживший» — очередное путешествие в сердце тьмы, холодной и снежной. Но как раз такой, в которой лучше всего проявляется сущность человека.

Мексиканец Иньярриту снял специфическое голливудское зрелище, своеобразный подвид вестерна, в котором действуют еще не ковбои, а первопроходцы — открыватели земель, охотники-трапперы, сухопутные пираты. Они — завоеватели суровой, переполненной сокровищами земли, что пока еще не стала привычными Соединенными Штатами. Именно впечатляющие виды заснеженной канадской Альберты являются главными действующими лицами этой тяжеловесной лесной драмы. Кто знает, может, совсем скоро Выжившего будут показывать на школьных уроках истории, чтобы показать не только Америку двухсотлетней давности, но и то, как выглядел настоящих снег?

Леонардо ДиКаприо в фильме «Выживший»

Природа в фильмах этого жанра действует наравне с человеком, подавляя своей суровой монументальностью и величавой справедливостью. Хищные, зверовидные торговцы шкурками жестоко охотятся на благородных, слитых воедино с экосистемой индейцев, вина белого человека перед которыми сквозит в каждом кадре (как тут не вспомнить «Танцы с волками»Кевина Костнера или прозу знаменитого бытоописателя «черноногих» Джеймса Вилларда Шульца!). Дикое зверье в таких фильмах практически не боится человека, кремниевые ружья не перезаряжают, а скальпы в кадре снимают с регулярностью прибытия поездов на станцию метро «Кастрычніцкая».

Читать далее...

Рождаются гениями или становятся — вопрос извечный. Насколько бы меньше пушкинский Сальери завидовал природному гению Моцарта, если бы знал, что гениальность последнего вколочена отцовским ремнем под загубленное за клавиатурой детство!

Вторая правда в том, что если бы гениальные результаты можно было бы просто высидеть, накопить, и складировать в условных единицах, мир был бы переполнен гениями как арбуз семечками.

Автор великолепной «Одержимости» Дамьен Шазель уверен, что все дело в бойцовском характере. Барабанщик Эндрю, герой его фильма, преодолевает звуковой барьер гениальности в буквальном смысле в кровавой борьбе с самим собой на той сладкой каторге, которая зовется искусством.

«Одержимость» — фильм, от которого оторваться очень трудно. Недаром он получил Гран-при кинофестиваля «Санданс», самого престижного смотра независимых в Западном полушарии, на котором почти не бывает скучного фестивального кино в европейском понимании, в большинстве случаев интересного только профессиональным критикам и самим авторам. От фильма Шазеля веет энергетикой Нового Голливуда, временами молодых Скорсезе, Копполы и Богдановича, в которые все решал не огромный бюджет, а настоящий талант. Молодость и драйв — отличительные черты картины Дамьена Шазеля. Постановщику «Одержимости» и в самом деле нет еще тридцати и, судя по данной картине, он чертовски талантлив. Шазелю и его команде за относительно небольшие деньги, без суперзвезд и спецэффектов, удалось сделать камерное, но очень содержательное, доступное и интересное кино.

Несмотря на весь флер «независимого» победителя «Санданса», «Одержимость» — яркий укор Голливуду современному, прекрасный пример того, каким должно быть настоящее кино, сосредоточенное на остром столкновении характеров, конфликте личностей, сосредоточении талантов, а не технологий и капиталов. При том, Дамьен Шазель предлагает еще одну версию истории успеха, трудного, политого кровью и потом пути к пресловутой Американской Мечте, в последние годы, фактически, отодвинутой с экрана яркими и плоскими сюжетами кинокомиксов.

Читать далее...

"Оскар" Камбербэтчу!

Итак, 15 января американской киноакадемией объявлен список претендентов на престижную ежегодную премию «Оскар».

В числе лидеров по количеству номинаций и совместная киноработа США и Великобритании – военная драма «Игра в имитацию» с Бенедиктом Камбербэтчем в главной роли. Лента снята по книге Эндрю Ходжеса «Алан Тьюринг: Энигма» и уже удостоена звания «Лучший британский фильм - 2014» и номинирована на 5 «Золотых глобусов» в основных номинациях. 

Сюжет ленты основан на реальной биографии реального человека – гениального английского математика, логика, криптографа Алана Тьюринга. 

Режиссер фильма Мортен Тильдум представляет на суд зрителя несколько иную версию событий, предрешивших исход Второй мировой войны. Аудитория, выросшая на учебниках истории СССР, наверняка найдет ее весьма неожиданной. Ведь большинство из нас привыкло к информации о том, что армию Гитлера ценой огромного количества человеческих жертв победили советские войска под чутким руководством тирана Сталина. В «Игре в имитацию» война выигрывается благодаря небольшой группе ученых, которые на протяжении многих месяцев работают в глухой английской деревушке над взломом кода главной немецкой шифровальной машины Enigma. В результате этого титанического труда рождается прототип современного компьютера, с помощью которого Великобритания получает возможность расшифровывать все сообщения гитлеровской команды, которыми буквально кишит радиоэфир. 

Читать далее...

Год только начался, впереди много разных интересных фильмов, а среди них такие, у которых есть литературный первоисточник и читатели, которые ждут не дождутся воплощения своих грез на экране. Правда самые преданные читатели становятся обычно самыми недовольными зрителями. Но это такие мелочи.

 

AdMe.ru собрал для вас 13 интересных фильмов, с сюжетами которых можно ознакомиться заранее в литературном первоисточнике и потом уже подготовленными оценить работу режиссера и актеров.

Вдали от безумной толпы

kinopoisk.ru

Фильм по классическому роману Томаса Гарди «Вдали от обезумевшей толпы» (Far From The Madding Crowd). На русский язык роман был переведен еще в 1970 году издательством «Художественная литература». 
Премьера фильма в России: 2 июля 2015 г.
В ролях: Джуно Темпл, Кэри Маллиган, Майкл Шин, Маттиас Шонартс. 
Сюжет: Молодая красивая женщина все никак не может разобраться со своими предпочтениями и выбрать себе жениха. Встречается потихоньку с тремя кандидатами, а это, как правило, в романах хорошо не заканчивается, обязательно назреет конфликт.

 

50 оттенков серого

kinopoisk.ru

Фильм снят по знаменитому эротическому роману британской писательницы Э.Л.Джеймс «50 оттенков серого». В России вышел в переводе издательства «Эксмо». 
Премьера фильма в России: 12 февраля 2015 г.
В ролях: Джейми Дорнан, Дакота Джонсон, Люк Граймс, Виктор Расук.
Сюжет: Скромная студентка литературного факультета нечаянно знакомится с красавцем-миллиардером, и ей открывается тайный мир сексуальных увлечений богача. Детям до 16-ти просьба не беспокоиться — книжку не продадут, в кино не пустят.

Читать далее...

Рождаются гениями или становятся — вопрос извечный. Насколько бы меньше пушкинский Сальери завидовал природному гению Моцарта, если бы знал, что гениальность последнего вколочена отцовским ремнем под загубленное за клавиатурой детство!

Вторая правда в том, что если бы гениальные результаты можно было бы просто высидеть, накопить, и складировать в условных единицах, мир был бы переполнен гениями как арбуз семечками.

Автор великолепной «Одержимости» Дамьен Шазель уверен, что все дело в бойцовском характере. Барабанщик Эндрю, герой его фильма, преодолевает звуковой барьер гениальности в буквальном смысле в кровавой борьбе с самим собой на той сладкой каторге, которая зовется искусством.

«Одержимость» — фильм, от которого оторваться очень трудно. Недаром он получил Гран-при кинофестиваля «Санданс», самого престижного смотра независимых в Западном полушарии, на котором почти не бывает скучного фестивального кино в европейском понимании, в большинстве случаев интересного только профессиональным критикам и самим авторам. От фильма Шазеля веет энергетикой Нового Голливуда, временами молодых Скорсезе, Копполы и Богдановича, в которые все решал не огромный бюджет, а настоящий талант. Молодость и драйв — отличительные черты картины Дамьена Шазеля. Постановщику «Одержимости» и в самом деле нет еще тридцати и, судя по данной картине, он чертовски талантлив. Шазелю и его команде за относительно небольшие деньги, без суперзвезд и спецэффектов, удалось сделать камерное, но очень содержательное, доступное и интересное кино.

Несмотря на весь флер «независимого» победителя «Санданса», «Одержимость» — яркий укор Голливуду современному, прекрасный пример того, каким должно быть настоящее кино, сосредоточенное на остром столкновении характеров, конфликте личностей, сосредоточении талантов, а не технологий и капиталов. При том, Дамьен Шазель предлагает еще одну версию истории успеха, трудного, политого кровью и потом пути к пресловутой Американской Мечте, в последние годы, фактически, отодвинутой с экрана яркими и плоскими сюжетами кинокомиксов.

Майлз Теллер в фильме «Одержимость»

Именно благодаря простому и доходчивому режиссерскому почерку Дамьена Шазеля джазовые классы из «Одержимости» оказываются для минского зрителя, в не самую лучшую погоду заполнившего зал столичной «Победы», такими же близкими и понятными как хоккейные арены. Будет не удивительно, если в принципе считающийся элитарным джаз после «Одержимости» получил в Минске массу новых адептов. Тем более, что азарт в фильме Шазеля достигает почти спортивного накала.

В голливудской интерпретации сюжета о сражении за успех главный соперник — ты сам. Чаще всего этот бродячий сюжет приобретает вид спортивной драмы, хотя вариантов здесь  море, вплоть до «Тутси» Сиднея Поллака, где отчаявшийся герой Дастина Хоффмана тоже преодолевает барьер собственных возможностей. По форме «Одержимость» — фактически, фильм-портрет, с длинными, крупными планами и обманчиво простой операторской работой Шерона Мейра. Драматургически и монтажно фильм выверен с точностью до миллисекунды. Собственно, главное достоинство фильма — вопрос «каким образом это сделано» ни разу не возникает. Высокий уровень зрелищности достигается в первую очередь с помощью драматургии, с точки зрения которой «Одержимость» почти идеальна.

Настоящим и естественным на фоне картонных звезд высокобюджетных блокбастеров выглядит и исполнитель главной роли Майлз Теллер, герой которого истязает себя во имя искусства. Кровь капает с барабанных палочек настойчивого юноши, который мечтает стать гениальным ударником-джазистом. Эндрю Теллера близок к помешательству, совсем как героиня Натали Портман в«Черном лебеде» Даррена Аронофски, еще одном голливудском рассказе о цене успеха на артистическом поприще.

Дж. К. Симмонс в фильме «Одержимость»

Практически ровеснику режиссера, Теллеру удается очень убедительно изображать свойственный юности максимализм и жажду выиграть у жизни и у себя самого все и сразу. Со спортсменом барабанщика Эндрю роднит еще и то, что в его жизни, кажется, отсутствует такой элемент как вдохновение. Его репетиции и в самом деле больше напоминают тренировки. Борьбу с самим собой в «Одержимости» иллюстрируют противостоянием с дирижером Флетчером, великолепно сыгранным харизматичным Дж.К. Симмонсом. Последний, в абсолютно голливудской традиции, похож даже не на спортивного тренера, а на злобного сержанта из какого-нибудь лагеря морской пехоты.

А главный герой Майлза Теллера неожиданно и внешне, и внутренне похож на главного героя украинского фильма «Гамер». Последний два года назад был показан в конкурсе «Молодость на марше» нашего «Лiстапада», а сейчас получил скандальную известность после ареста в Крыму его режиссера Олега Сенцова. И в американском, и в украинском фильме речь идет об одержимом своим увлечением и закинувшем ради него весь остальной мир молодом человеке. Только вот заканчивается «Одержимость» все-таки по-голливудски. «Гамер» оказывается ближе к нашей действительности.

В общем, голливудскость «Одержимости» единственное, что можно поставить (можно ли?) в упрек этому прекрасному фильму. Будем надеяться, Дамьен Шазель получит своего заслуженного «Оскара» и не поддастся на многобюджетные, но пустые соблазны, которые ему теперь несомненно предстоят.

А что касается Нью-Йорка и музыки, то рассказывают, что музыкальные школы и репетиторы Бруклина сейчас загружены почти исключительно китайскими и корейскими ребятишками — кто хочет, тот всегда добьется.

СМОТРЕТЬ ОНЛАЙН:

Минувший год за всей его катастрофичностью (о, что грядущее еще готовит?..) оказался удивительно интересным с точки зрения кинематографических событий. Минский прокат словно воспрянул от спячки и кроме тяжеловесных голливудских блокбастеров смог предложить какое-то количество весьма интересного кино, причем не только арт-хаусного.

Хорошее кино в 2014 не ограничивалось одним «Лiстападом», хотя Минский Международный кинофестиваль и в этот раз предложил чрезвычайно увлекательную игровую и документальную программу. Интересные фильмы в этом году в Минске выходили на большом экране едва ли не каждую неделю и не только в паре центральных кинотеатров. Кроме того, одними кинотеатрами дело не ограничивалось — примечательные показы проходили в музеях (в первую очередь, разумеется, в нашем любимом Музее истории белорусского кино) и других площадках, где люди собираются вместе, для того чтобы не только посмотреть, но и пообщаться.

В общем, одними торрентами в Минске дело не ограничивалось, что и предлагаем считать главным достижением 2014-го. Не ограничивалось дело и просто показами чужого. В этом году у нас показывали и свое. Причем, полнометражное. Цифровая революция и любовь к киноискусству приводят к тому, что все больше и больше молодых белорусов хотят оказаться не только по эту сторону экрана. И, самое интересное, оказываются: несколько раз в этом году минский кинопрокат предоставлял возможность белорусским наследникам Эда Вуда попробовать свои силы на широком зрителе. Зритель самопальные извержения начинающих дарований демонстративно игнорировал, но лиха беда начало.

Открытие года

Между тем, один из новичков, чей фильм презентовали столичной публике как раз в стенах Национального Художественного музея еще в февральские морозы, оказался тем самым «Открытием года» по версии «КиноЧтива». Относительно недавно освоившая ремесло документалиста Анастасия Мирошниченко своими собственными силами сняла фильм о гомельском художнике Валерии Ляшкевиче и завоевала самые большие международные награды для белорусского кино в 2014-ом. «Перекресток» — не просто хорошая картина. Работа Анастасии Мирошниченко еще раз доказала, что в современном мире кино должно быть чем-то большим чем просто кино. По сути, «Перекресток» — это социальный краундфандинговый проект по помощи одинокому бездомному человеку и съемки стали только хорошим поводом сделать доброе дело.

Собственно, именно документалисты по сложившейся традиции не ударили в грязь лицом и поддержали реноме национального кинематографа в этом году. Жаль, что в Минске, за исключением того же «Лiстапада» документалистику на большом экране было почти не видно. Куда-то запропастился «Клуб документального кино» в «Центральном», игнорирует отечественную документалистику реанимированная «Ракета». Хотя все игровые премьеры того же «Беларусьфильма» получали возможность состязаться с Голливудом за кошельки и сердца минчан в кинотеатрах на равных. Но в свой юбилейный, 90-й, год белорусское кино все еще находилось, аккуратно выражаясь, в перспективном состоянии, обещая приятно удивить когда-нибудь потом, но не сейчас.

Читать далее...

До изобретения кино история не знала сослагательного наклонения. С тех пор, как известных персонажей прошлого начали воскрешать на экране, школьные учебники потеряли всякий смысл: историю теперь изучают не умом, а сердцем.

С этой точки зрения принцесса Уэльская Диана — идеальная героиня экрана, «Королева сердец», ставшая мифом буквально в следующую минуту после гибели в автокатастрофе. Ее появление в игровом кино было лишь вопросом времени. И первым на роман с мифом неожиданно решился немецкий режиссер Оливер Хиршбигель, известный как создатель жесткой психологической драмы «Эксперимент» и масштабного кинополотна о последних днях третьего рейха «Бункер».

«Бункер» для немецкого кино стал заметным явлением, в основном потому, что в нем было преодолено табу на появление в игровом кино образа Гитлера и других главарей нацистов. «Диана. История любви» в смысле изображения известных исторических персонажей что-то совсем другое. Хиршбигель не пытается реконструировать события последних лет жизни принцессы Уэльской, а сосредотачивается на любовной связи Дианы и кардиохирурга Хасната Хана. Последний был куда менее известен, чем погибший вместе с Леди Ди Доди Аль-Файед. Но, судя по фильму Хиршбигеля, сыгравший в жизни принцессы не менее значительную роль.



Наоми Уоттс в фильме «Диана: История любви»

Учитывая шумиху, которая до сих пор не улеглась вокруг личности Дианы Спенсер в прессе, Оливеру Хиршбигелю удалось снять картину неожиданно камерную и очень лирическую по настрою. Возможно именно европейское происхождение и опыт режиссера помогли ему сгладить острые углы штампов, которыми нашпигован сценарий Стивена Джеффриса и Кейт Снелл. При этом «Диана. История любви» не стремится к чрезмерной оригинальности — общепринятая версия о непонятой и отвернутой «злыми» Винзорами чувствительной и в чем-то наивной «Королевы сердец» сомнению в ленте не подвергается.

Конечно, авторам хватило ума не погружаться в море конспирологии, подхватывая известные по таблоидам теории о заговоре спецслужб и прочей ерунде. Никакой системы и мистических построений в картине Хиршбигеля не наблюдается: его фильм — это своеобразный реквием несостоявшейся любви. Еще одна сказка, правда, с несчастливым финалом, о любви принцессы и простолюдина. Не претендуя на какие-то художественные открытия или биографические сенсации, Оливер Хиршбигель сделал, тем не менее, очень эмоциональную и запоминающуюся картину.

Нэвин Эндрюс и Наоми Уоттс в фильме «Диана: История любви»

Больше похожая в этой роли на Мерлин Монро Наоми Уотс исполняет не принцессу и, даже, не селебрити, а вполне себе обычную женщину, абсолютно случайно попавшей в королевский переплет. Жизнь под прицелами объективов папарацци — печальную обязанность дома Виндзоров — героиня Уотс выполняет с трудом. В конце концов, правда, ей удается самой воспользоваться услугами таблоидов, но, по Хиршбигелю, не для того, чтобы манипулировать общественным мнением, а чтобы вернуть потерянного возлюбленного. Возлюбленный киноДианы в довольно монотонном исполнении специалиста по восточно-индуиским типажам Навина Эндрюса у более-менее требовательного зрителя вызывает закономерный вопрос — мог ли такой персонаж заинтересовать одну из самых известных женщин планеты?

Первая кинематографическая Диана, в отличие от Дианы реальной, кажется абсолютно незаинтересованной в том, чтобы стать влиятельной политической персоной. Она словно бы и не выходила из пространства частной жизни, и сцены побега от папарацци и на яхте Доди Аль-Файеда выглядят какими-то необязательными. В отличие от «Королевы» Стивена Фрирза и «МЫ» Мадонны, избавленная державного привкуса картина Олдивера Хиршбигеля выглядит очень простым но, тем не менее, хорошим способом представить на экране современную мелодраму без обязательного хэппи-энда. В подробностях известном сюжете о Диане, как в жизни, — хорошие воспоминания важнее хорошего финала. 

 

Батальный жанр всегда стоял особняком от себе подобных. В первую очередь, в силу своей дороговизны. Во вторую, в силу зацикленности на нем как публики, так и самих кинематографистов.

Каждый из последних в душе мечтает прогреметь грандиозным полотном, где дивизии в полном составе будут носиться из угла в угол экрана, а потрясенный полотном зритель выходить из зала со вздыбленной прической и усиленным сердцебиением.

По меркам былых, великих кинематографических эпох,«Сталинград» — кино едва ли не камерное. Хотя все атрибуты большого батального зрелища в виде массовых сцен, впечатляющих панорам и яростных схваток в нем присутствуют. Изменилось само время, а вместе с ним, подход к конфликту и персонажам.

Идеологические битвы в кино с большего отгремели, и вместо глобального противостояния непобедимых армад под взаимоисключающими лозунгами, в кино теперь сражаются за свое персональное счастье. Сюжетный ракурс «Сталинграда» поэтому быстро суживается до одного-единственного микрофрагмента, действительно, величайшей битвы в истории ХХ века.

Опрянув от сокрушительного провала своего предыдущего проекта «Обитаемый остров», Федор Бондарчук явно старался сделать «Сталинград» более емким, а главное, более содержательным. Мудрые продюсеры Роднянский и Мелькумов, которые подрядили ради «Сталинграда» саму «Коламбию пикчерз», не позволили сыну автора «Они сражались за Родину» каких-либо авторских эскапад. Как и в случае с«Легендой №17», здесь использована стандартная и тысячу раз опробованная голливудская схема со всеми характерными штампами. Только, если в случае с фильмом Николая Лебедева схемы, в принципе, сработали, то насчет «Сталинграда» вопрос спорный.

Петр Федоров в фильме «Сталинград»

Если идеология «Сталинграда» почерпнута вовсе не из предвыборных листков «ЕдРа», как, наверное, многие с содроганием ожидали, то визуальная составляющая фильма родом из клипмейкерской молодости режиссера.

 

К собственно батальным сценам в исполнении Федора Бондарчука и прекрасного оператора Макса Осадчего особых претензий нет. Хотя все бои и схватки можно было выстроить драматургически более логично, все-таки действие разворачивается не на экране PlayStation. В отличие от «Девятой роты», своего первого и пока самого успешного фильма, в «Сталинграде» Бондарчук пользуется эстетикой видеоигр — той области развлечений, которая в последние годы оказывает огромное влияние на развлекательный кинематограф.

Отдельно стоит отметить удачные стерео-эффекты. Так что просмотр «Сталинграда» с так называемыми 3D-очками может вполне сгладить острые углы, которыми картина ощетинилась со всех сторон.

Драматургически она, скажем так, гораздо слабее, чем визуально.

Возможные параллели с одной из главных русских книг ХХ века, романом «Жизнь и судьба» Василия Гроссмана, да и вообще, с серьезной литературой, здесь абсолютно неуместны. «Сталинград» словно задуман людьми догриффитовской эпохи, в которой сюжету фильма отводилось тридцать пятое место.

Фильм Бондарчука — сплошной монтаж аттракционов и все, что между этими аттракционами, можно без особого ущерба выкинуть для содержания картины. Например, рассчитанные на кретинов диалоги или занудные, бессмысленные, по сути, характеристики героев, которые зачитывает за кадром сам режиссер. Без них «Сталинград» смотрелся бы куда динамичнее и кинематографичнее. А так, рыхлая драматургия заставляет поглядывать на часы уже к середине ленты. Интригой в духе «Спасти рядового Райана» здесь и не пахнет. Единственный вопрос, который остается непонятным до финальных титров: кому из бойцов в конце концов даст миловидная Катя?..

В целом, складывается впечатление, что в стремлении сделать фильм по-коммерчески простым и понятным каждому, создатели опустились до примитива, рассчитанного на выпускника той школы, которую нацисты хотели оставить покоренным народам: с набором из трехсот слов и четырьмя простейшими арифметическими действиями.

К примеру. Не иначе как на выпускника колониальной школы рассчитана история бойца, который куда-то на передовую получает письмо из оккупированного нацистами (!) Гомеля. Или гипсокартонные образы военнослужащих вермахта, которых бы прогнал с площадки даже Юрий Озеров. В общем, большой привет нашему беларусьфильмовскому любимцу —«Днепровскому рубежу» Дениса Скворцова: безупречным в «Сталинграде» выглядит только вооружение и униформа, которые наверняка оценят фанаты соответствующего направления.

Кроме того, само название фильма к знаменитому городу над Волгой привязано искусственно. Такая же история гипотетически могла произойти и во множестве других точек Второй Мировой.

Томас Кретчманн в фильме «Сталинград»

К исполнителям, занятым в «Сталинграде», претензий нет. Просто режиссер  использовал только их типажи, почти полностью проигнорировав актерские способности. Так что даже харизматичный Петр Федоровв роли отважного капитана Громова почти не отличается от других персонажей. Из всех актеров больше всего запоминается сердобольный немец Томаса Кречмана. На его месте мог бы оказаться Тиль Швайгер, но сообразительная звезда в свое время решила не сниматься в российском проекте.

 

Зрителям из Беларуси может быть интересно мелькающее в японском прологе фильма лицо Игоря Сигова — минского актера, фильм с которым в главной роли — «Дверь» ирландского режиссера Хуаниты Уилсон — несколько лет назад выдвигался на «Оскар».

Никто не будет отрицать, снимать по голливудским рецептам в России можно. Даже про Великую Отечественную. В конце концов, ведь снял же шесть лет назад Александр Буравский, видимо, так же не без расчета на «Оскар», фильм «Ленинград» — вполне интересную блокадную, хотя абсолютно голливудскую историю, причем со звездами первой величины.

А почитателям интеллектуального кино про войну, фанатам лент такого масштаба как «Военный реквием» Дерека Джармена или хотя бы поклонникам «Жизни и судьбы» в версии Сергея Урсуляка, стоит подождать экранизации «Благоволительниц» Джонатана Литтелла. Добрый кусок действия этого близкого к гениальности романа происходит как раз в Сталинграде, причем, по другую линию фронта. Но, в любом случае, посмотреть на этот город с разных точек зрения представиться еще не раз.

Источник.

 

Ускользающая красота ранней юности — устоять перед ней невозможно! Ни любовнику, ни зрителю, ни художнику.

Ни Франсуа Озону, который сложил весь твой талант у ног двадцатитрехлетней Марины Вакт, семнадцатилетней Изабель из своего нового фильма. Безукоризненно соблазнительная Изабель все два часа экранного времени открывает в себе женщину, и этот процесс не может не завораживать.

Находящийся со времен «Ангела» в явном творческом кризисе Озон в этот раз сумел сделать вполне цельное и самодостаточное произведение, которое, как и в его лучшие, ранние времена, воздействует не на разум, а на чувства. «Молода и прекрасна» — это заход на wild side человеческих взаимоотношений. Туда, где царят эмоции и инстинкты, а законы сводятся к единственному — «Молодость всегда права».

Но молодость можно купить. Хотя бы на ночь, хотя бы на час. Чем и пользуются клиенты Изабель — более чем взрослые и состоявшиеся. Именно с убеленными сединами юная Изабель резко и радикально переступает границу детства. Осознать свою юность и красоту можно только на контрасте со зрелостью и сединами взрослых половых партнеров. Гонорар в этом случае важен, но сам по себе не имеет значения, лишь подчеркивая пропасть между красавицей и чудовищами. Ведь только чудовища оценивают красоту по-настоящему.

Марин Вакт в фильме «Молода и прекрасна»

Фильм Озона хорош тем, что не имеет никакого отношения к морализаторскому кино. Он не поднимает ни проблемы социализации тинейджеров, ни всегда спекулятивной темы подростковой проституции. Лента «Молода и прекрасна» максимально далека от страниц газет и телевизионной хроники. Озон идет вразрез с модной тенденцией постдокументального левого искусства, никого не бичует и не обличает.

Поэтому в этот раз ему и его героине удалось наконец-то оказаться по ту сторону добра и зла. Там, где когда-то самый перспективный французский автор находился в своих «Криминальных любовниках» и «5х2». В этом смысле «Молода и прекрасна» принадлежит недавно прошедшей кинематографической эпохе девяностых — начала двухтысячных, в которой запечатленное время еще имело самостоятельную ценность, а содержание основывалось на обильном культурном фундаменте. Сюжет картины Озона ближе всего к «Дневной красавице» Бунюеля, атмосфера и стиль принадлежат французским послевоенным романам. На свою героиню Озон смотрит глазами Саган и Дюрас.

Начитанный мальчик Франсуа вырос в холодного эстета и гомосексуалиста. Его северный галльский стиль противоположность марсельской витальности нового француза Абдельатифа Кешиша. Озон явно проигрывает в темпераменте в сравнении со своими близкими по возрасту коллегами Кешишем, Одиаром, Клапишем. «Молода и прекрасна» не хватает энергии, в фильме отсутствуют звуки, краски, характерные именно для того периода жизни, когда на мир смотрят максимально открытыми глазами. (Сравните с лентами юного  вундеркинда из КвебекаКсавье Долана, который стартовал явно под влиянием своего французского коллеги!) Ведь молодость — штука внешняя, и каждый изначально ощущает себя на определенный возраст.

Жеральдин Пайля и Марин Вакт в фильме «Молода и прекрасна»

«Молода и прекрасна» оказывается в итоге парадоксально бесстрастной работой, несмотря на обилие удачных эротических сцен и обнаженного великолепия Марины Вакт. Причем, последняя оказалась ближе к нордической красоте англичанки Ребекки Холл из «Викки, Кристина, Барселона» Вуди Алена, чем к тем актрисам, которых мы привыкли ассоциировать с Францией. Недаром альтер эго Изабель в итоге оказывается женой ее покойного клиента в исполнении Шарлотты Ремплинг — англичанки, востребованной именно во французском кино.

Озон разделил фильм на четыре условные времени года, и время в его фильме действительно бежит медленнее как и в сознании более юного существа по сравнению с сознанием взрослого, для которого годы отщелкиваются словно вагоны пролетающего поезда. Но плотное содержание ленты не выигрывает от этого в драматургии. Внезапное пробуждение Изабель выглядит необязательным и ничего не добавляет к пониманию картины. Взрослая и состоявшаяся женщина присутствует в Изабель с самых первых кадров на пляже, но героине нужно прожить целый год, чтобы понять то, что понимает зритель с первых мгновений.

Показательно, что в фильме режиссер абсолютно на стороне своей героини и смотрит на мир глазами  осознавшей себя женщины, что дает повод позлословить о сублимации его личных комплексов. Впрочем, кому это кино максимально полезно посмотреть, так именно мужчинам. Чтобы еще раз убедиться в том, что умом противоположный пол не понять, его, как домашнего зверька, можно только почувствовать и вовремя покормить. Собственно, правило вполне обратимое. Так что будем ожидать такое же кино о мужчинах от режиссера-женщины.

Источник.

Преждевременный уход Алексея Балабанова заставляет вглядываться в его последний фильм с удвоенным вниманием. Ироничный парафраз «Сталкера» стал прощальным высказыванием автора, который лучше других приблизился к пониманию своей страны на экране.

В отличие от работ других режиссеров с ярко выраженным и неизменным стилем, картины Балабанова не воспринимаются как «всю жизнь снимал один и тот же фильм». Вот и «Я тоже хочу» выглядит вполне самодостаточным произведением. Его вполне можно рекомендовать тем, кто не смотрел ни «Брата», ни «Замок», ни «Груз 200», но очень хочет получить представление о том, кто же такой Алексей Балабанови что же такое страна, в которой он жил и работал. Практически все картины режиссера были предельно откровенными, но последняя оказалась еще и максимально исповедальной. Балабанов появляется в ней собственной персоной, чтобы умереть на экране и навсегда остаться в нашей жизни.

«Я тоже хочу» содержит все приметы абсурдистского лубка — главного российского жанра последних трехсот лет. Всю свою творческую карьеру Балабанов никогда не был абсолютно серьезен, часто балансируя со своими темами и героями на грани сатиры на людей и нравы. А его последняя картина явно отдает горькой иронией на вечную погоню за чужим счастьем.

Самого Алексея Балабанова в творчестве, по крайней мере, можно считать счастливым и удачливым человеком. Он один из немногих (был еще гениальный творческий дуэт Петра Луцика и Алексея Саморядова, к сожалению, также не вовремя ушедших), кто сумел найти себя в кино во времена, когда кино на постсоветском пространстве было почти официально объявлено несуществующим. После того, как «настало великое землетрясение» и оказалось, что зрителю глубоко плевать на  вкусы и пристрастия тех, кто делал вино все предыдущие десятилетия, Балабанов внезапно предложил бывшим советским их собственный мир под совершенно прямым углом и оказался бешено востребован.

Александр Мосин в фильме «Я тоже хочу»

Мир в «Я тоже хочу» также абсолютно узнаваем, несмотря на сюрреалистические детали, вроде радиоактивной, вечно заснеженной зоны и чудо-колокольни, выстреливающей душами осчастливленных граждан. Россия как метафизическое пространство, которое живет не по законам, а по понятиям, — обрисована короткими фразами ее «хотящих» обитателей. История каждого из них и реалистична, и сказочна одновременно. Как только и бывает в стране, где в любой момент может произойти все что угодно.

Особенно запоминается колоритный герой Александра Мосина — одного из самых любимых актеров-непрофессионалов Балабанова — с фразой про «завалил ночью четверых, исповедался и в баню». Но общество, в котором насилие так же обыденно, как прием пищи или сон, в «Я тоже хочу» только фон для попытки высказать в принципе невысказываемое: всегдашнюю тоску русской души, ее стремление к отрыву от действительности, к попытке покинуть «грешный» мир.

И Алексей Балабанов расстается с ним легко и красиво. «Я тоже хочу» один из самых совершенных в своей кажущейся простоте фильмов режиссера. В картине сошлись все достоинства наработанного за два десятилетия авторского подчерка: определенная скупость на эмоции, закадровый «русский рок» (на этот раз «АукцЫон», лидер которого Олег Гаркуша исполняет одну из главных ролей), идеально наполненный кадр. За последнее спасибо стоит сказать и оператору Александру Симонову, который работал с Балабановым на «Груз 200».

Алиса Шитикова и Олег Гаркуша в фильме «Я тоже хочу»

Лаконичный, но очень содержательный, без лишних деталей, «Я тоже хочу», тем не менее, целая вселенная. «Крайний» (не хочется говорить «последний»!) фильм Балабанова — то же самое антикино, которое он изобрел в самом начале 1990-х и которое позволило ему найти дорогу к увлеченному Голливудом русскоязычному зрителю.

«Я тоже хочу» оказался не столько путешествием по русской земле, сколько путешествием по русской душе — мятущийся, нелепой и очень трагичной. Прощальное роуд муви Балбанова можно сравнить с фильмом «Счастье мое» мятущийся, нелепой и очень трагичной. Прощальное роуд муви Балбанова можно сравнить с фильмом — дебютной картиной Сергея Лозницы, еще одного, полностью погруженного в Россию режиссера. Но если Лозница препарирует труп и выносит паталагоанатомическое заключение, Балабанов признается в любви, пускай и не очень привычным образом.

Не рассчитанный на вкусы юного обывателя, заполонившего поп-корновые мультиплексы в двухтысычные, Алексей Балабанов, тем не менее, не оказался в гетто арт-хауса. И новейшей истории русскоязычного кино он останется как едва ли не единственный пример режиссера-«звезды», собиравшей публику сама по себе, а не на имена актеров. Кино и жизнь в «Я тоже хочу» оказались переплетены самым причудливым образом, определить который мог только его изобретатель.

Источник.

Если для большинства режиссеров мир — театр, то для прижившегося в Голливуде австралийца База Лурмана он представляет собой бесконечный клип.

По иронии судьбы, связанный всю карьеру с музыкальным театром Лурман в своих нечастых, но громких киноработах использует взращенную модными музыкальными телеканалами восьмидесятых-девяностых форму. Апофеоза стиль Лурмана достиг в оскароносном «Мулен-руж» (2001), где в гротесковом мире парижского кабаре разгорались душераздирающие страсти опереточных персонажей. С тех пор режиссер находился в творческом и финансовом поиске. Но попытка снять мегаблокбастер а-ля Спилберг («Австралия», 2008) провалилась, несмотря на суперзвезду Николь Кидман в главной роли. И Лурман вернулся к отработанному в «Ромео+Джульетта» и «Мулен Руж» верному приему.

Надо сказать, набросить гламурный клиповый флер на хрестоматийные сюжеты Лурману, на удивление, удается без пошлости и примитивных стереотипов, неизменно возникающих у других осовременивателей классики. При том, что с формой и содержанием режиссер не церемонится. «Великий Гэтсби» меньше всего напоминает стилизацию под знаменитую «Эпоху джаза». Несмотря на то, что клиповый монтаж был изобретен в те самые 1920-е, в которых и происходит действие знаменитого романа Фицджеральда, фильм Лурмана — скорее, гимн скоротечной эпохе глянцевых вечеринок сгинувших в пламени финансового кризиса двухтысячных. Чего режиссер в своих интервью, собственно, и не отрицает. А ультраяркий изобразительный ряд ленты (оператор Саймон Дагган и цифровые камеры RED Epic) приводит на ум сравнения с провинциальным китчем участников современного песенного конкурса «Евровидение».

Кэри Маллиган и Леонардо ДиКаприо в фильме «Великий Гэтсби»

Разумеется, лучше рекламы этой картине, чем Леонардо Ди Каприо в главной роли и участие в качестве фильма-открытия на Каннском фестивале, сложно и пожелать. Вокруг «Великого Гетсби» была спровоцирована великая рекламная шумиха. В Москве после пресс-показа прокатчики взяли подписку о неразглашении сюжета фильма у критиков и журналистов. Хотя, откровенно говоря, особых расхождений с классическим сюжетом Фицджеральда в фильме База Лурмана не наблюдается.

Лурман берет внимание зрителя не хорошо известным со школьной парты сюжетом. А особой атмосферой сумасшедших вечеринок, американского купеческого разгула и светских безумств в кадре. Точно так, как и в книге Ф.С.Фицджеральда главной является неповторимая атмосфера общества, прожигающего жизнь между двумя Мировыми войнами. «Великий Гэтсби» именно тот пример голливудского кино, которое мы ожидаем в кинотеатрах: высокотехнологичное, но одновременно простое и доступное зрелище, которое, однако, не скатывается в подростковый аттракцион.

Баз Лурман дивным образом скрестил беспечный Нью-Йорк эпохи преступных бутлегерских империй и китч современной глобальной поп-культуры. «Великий Гэтсби» вызывающе фонтанирует в ритме трип-хопа и изливается на зрителя-слушателя композициями Beyonce и Lana Del Ray, которые бы в другом месте звучали бы слишком вульгарно.

На фоне невероятных безумных вечеринок, которые устраивает в своем роскошном поместье-ксанаду Гэтсби Ди Каприо, даже любовный треугольник главных героев выглядит совсем не обязательным. И, тем не менее, Лурман (не иначе как в интересах кассы) во второй половине фильма педалирует мелодраматическую линию, что не очень хорошо сказывается на ритме картины. Из безумного клипа «Великий Гэтсби» на несколько десятков минут проваливается в «Санта-Барбару», и богатые плачут в кадре в тех местах, где должны были веселиться.

Кадр  фильма «Великий Гэтсби»

Отдавая дань открывшему его в «Ромео+Джульетта» 17 лет назад Базу Лурману, красиво повзрослевший Леонардо Ди Каприо старательно разыгрывает не вполне убедительный любовный дуэт с трогательной блондинкой Кэри Маллиган. В свое время блистательно исполнивший роль авиационного магната Говарда Хьюза в «Авиаторе» Скорсезе, в «Великом Гэтсби» Ди Каприо играет общие представления о том, как может выглядеть влюбленный богач. Ярчайшей (без преувеличения!) голливудской звезде здесь явно не хватает природного дуализма, который позволяет быть одновременно и сладким, и гадким. Как, к примеру, герою актерского двойника Ди Каприо Майкла Питта в той же «Преступной империи». Ведь Гэтсби, как и эксцентричный гражданин Кейн великого Орсона Уэллса, был персонажем с двойным дном — расчетливым дельцом с ранимой и нежной душой.

С другими актерами дело обстоит проще — их игра добротна и оттеняет существование на экране героя Великого Лео. Коротышка Тоби Магуайр отлично вписывается в образ вечно удивленного приятеля Гэтсби, от имени которого ведется повествование. Вышеупомянутая Кэри Маллиган вполне могла бы свести с ума разбогатевшего на нелегальном виски сына нищих фермеров. Джоэл Эдгертон в роли мужа-рогоносца демонстрирует ровно ту степень инфернальности, которую в представлении среднего зрителя может себе позволить светский жуир середины 1920-х.

Любопытно эпизодическое появление в фильме суперзвезды индийского кино Амитабха Баччана в роли делового партнера Гэтсби Мейера Вульфшема. Не исключено, его роль — символ вклада какого-нибудь очередного индийского нувориша в уже который год стагнирующий Голливуд. Если бы Баз Лурман и его коллеги-продюсеры «Великого Гэтсби» были посмелее, то они, безусловно, сделали бы главного героя индусом, русским или бразильцем, на худой конец, а действие перенесли бы в ошалевший от бабок из БРИКСа Лондон. Вот это были бы страсти! А так, «Великий Гэтсби» вызывает исключительно однократное восхищение.

После «Криминального чтива» многие считали, что в истории кино сделано еще одно важное открытие. После «Джанго» стало понятно, что ничего принципиально нового в кино придумать нельзя. Даже если тебя зовут Квентин Тарантино.

Можно только еще раз вернуться к хорошо известному старому. Для того, чтобы порадоваться за своих предшественников и поиграть в давно оставленные ими игрушки.

Тарантино, как и многие из режиссеров второй половины ХХ века, фанатичный киноман-любитель. Из фильма в фильм он наслаждается самой возможностью почувствовать себя демиургом, которую человеку может подарить только искусство. Подобно Агате Кристи, Тарантино успокаивается, только укокошив несколько десятков старушек. В случае с «Джанго» роль старушек выполняют мерзкие рабовладельцы-южане, до которых пока еще не добрались доблестные кавалеристы генерала Шермана.




Кристоф Вальц и Джеми Фокс в фильме «Джанго освобожденный»

Немецкий акцент героя Кристофа Вальца звучит в фильме не случайно. По сути, «Джанго» — своеобразное продолжение предыдущего опуса Квентина «Бесславные ублюдки». Только место преследуемых евреев заняли чернокожие рабы, а в роли безжалостных нацистов выступают подлые работорговцы. В общем, Маргарет Митчелл активно переворачивается в гробу — скарлетт о'хары и рэтты батлеры в варианте Тарантино настоящие исчадия ада. Главному из них, особо циничному владельцу чернокожей жены заглавного героя, не помогает даже миловидная внешность Леонардо Ди Каприо. Мир, представленный в «Джанго», четко разделен на добро и зло. И разделение это, в буквальном смысле, черно-белое.

Взошедший на кинонебосклон на фоне продолжительного заката великой эпохи Тарантино пытается наследовать ей в мелочах. В своем наивном маньеризме Тарантино избыточен, как может позволить себе быть избыточным человек, которому наплевать на мнение окружающих. «Джанго» — это дикая смесь анти-вестерна и кровавого компьютерного шутера. Тарантино купается в прекрасно смонтированных потоках клюквенного сока — в его новой ленте все без меры, выстрелы, разговоры, покойники. На той территории, где братья Коэн виртуозно перепели лихой мотив «Железной хватки», автор «Джанго» ведет себя как слон в посудной лавке. И классики жанра, безусловно, расступились перед неуемной энергией наивного почитателя.



Джеми Фокс и Леонардо ДиКаприо в фильме «Джанго освобожденный»Джанго

Удивительно, но со времен «Убить Билла» Тарантино только глубже погрузился в массовую культуру времен своего кинопленочного детства и видеокассетной юности. Вселенная «Джанго» начисто отрицает здравый смысл и превращает зрителя в стопроцентно инфантильное существо, которому прощается даже неполиткорректный термин «ниггер», услышанный с экрана добрую тысячу раз. Обилие музыки в «Джанго» тоже отсылает к ранней юности, когда редким диском гордились больше, чем карьерой папы-дипломата, который этот диск привез.

Распространенное презрение к тем режиссерам, которые пользуются музыкой в фильме как ритмической и эмоциональной подпоркой, к Тарантино не применимо. «Джанго» если и будут пересматривать фанаты «Криминального чтива», то благодаря изумительному саундтреку, вполне самодостаточному даже без Эннио Морриконе. Свою истинную страсть и сущность коллекционера Тарантино продемонстрировал именно в подборе музыки для «Джанго».

Хотя коллекционирует он жанры и страны. Не будет удивительным, если следующим фильмом Тарантино станет пеплум из истории угнетения первых христиан (пеплумы скоро опять будут в моде). Богатое воображение автора «Джанго» наверняка в полной мере освоит кровавую атмосферу древнеримских амфитеатров. Интересно, каким тогда будет саундтрек.

Экранизировать Льва Толстого — дело благодарное. Обеспеченное гарантированным вниманием публики.

Главный русский диссидент всех времен рассказал о человеке и его мирах и войнах так много и так интересно, что даже нечитающая публика осведомлена о сюжетах книг отшельника из Ясной Поляны. Во многом благодаря столетним усилиям служителей самого массового из искусств.

И, тем не менее, реакция на новейшую экранизацию «Карениной» Джо Райтом/Томом Стоппардом у русскоязычной публики предсказуема. Те, кто постарше и которые читали роман более внимательно, обвинят авторов-англичан в поверхностном мышлении и «и вообще, лучше Самойловой Каренину никто не играл». Тем, кто вырос на видеоиграх, будет сложновато врубиться в предложенную Райтом и Стоппардом образную систему.

Остаются те, кто рос на ежегодных каникулярных повторах «Обыкновенного чуда» Марка Захарова, а потом до смерти закручивал видеокассеты с фантасмагориями Кена Рассела. Таким в новой «Карениной» ничего не покажется странным. Ни утрированная условность «vopol'ibieriosska…» райтовской России, в которой Россию реальную могут искать только глупцы или зануды, ни непрерывная балетность блестящей музыки Дарио Марианелли, в ритме которой и проживают свои увлекательные судьбы персонажи картины.

Весь-мир-театр у Райта-Стоппарда воплощен в буквальном смысле в виде зрительного зала, сцены и внутренностей сложносочиненного храма Мельпомены. В нем поместились и несчастливая только по-своему семья Облонских, и поместье мечтателя Левина, и ипподром с конями и жокеями. Действие покидает павильон только считанные разы вместе с прекраснодушным мечтателем Левиным. Все остальные персонажи ограничены рамками своего мира, искусная искусственность которого воистину завораживает.

Такой прием выглядит по теперешним, тяготеющим к натурализму на экране временам, довольно смелым. Драматург и режиссер решительно размежевались с обычным иллюстративным подходом к экранизации толстых романов. И взяли банк, сняв с вечно актуального толстовского романа сливки. Перед драматургическим талантом Тома Стоппарда стоит снять шляпу: его «Анна Каренина» не торопливый пересказ сюжета, а адекватный перевод описанного Толстым конфликта на язык кино.

Словно предупреждая обвинения в развесистой клюкве, авторы новой «Карениной» насытили свой фильм множеством доказательств своей насмотренности. Имеющий глаза увидит в британской «Анне Карениной» больше русского, чем, например, в последней киноверсии романа за авторством Сергея Соловьева. Фильм не пародирует, но мягко иронизирует над толстовской вселенной и над миром «русского» искусства. То есть, в первую очередь, над стереотипами, которые довлеют над западной публикой.

Назло пуристам Райт и Стоппард не цитируют, а играют в «Анну Каренину» и ее эпоху, в которой нашлось место и «Полю маков» Клода Моне, и пшеничному полю из финала «Нескольких дней из жизни И. И. Обломова». И замечательному персонажу Мэтью Макфейдена, представляющего Стиву Облонского в виде одной из ранних актерских ипостасей усатого автора киноОбломова.

Самое главное достоинство экранизации Райта-Стоппарда — дистанция между толстовскими персонажами и зрителем сокращена до минимума. Как в театре, где всегда присутствует искушение протянуть руку и дотронуться до героя на сцене. Герои Найтли, Лоу, Тейлора-Джонсона выглядят живыми и вполне близкими современной публике, несмотря на театральный антураж. Все актерские образы в фильме эмоционально заполнены и великолепно исполнены. На экране появляются не голливудские селебрити, а Вронские, Каренины и Облонские. Не такие как у Толстого, не такие как у Зархи и трех десятков других экранизаторов. Но при этом, как минимум, не менее интересные.

Анна Киры Найтли — не угнетенная высшим светом супервумен с урока русской литературы в советской школе. А поддавшаяся инстинктам и потерпевшая великую победу в самом главном человеческом желании почувствовать себя любящим и любимым. И не беда, что Вронский Аарона Тейлора-Джонсона фигура, мягко говоря, не дотягивающая до идеала. Ведь любят не за что, а вопреки. И Каренин Джуда Лоу оказался не мерзко-отталкивающим, а просто нелюбимым и надоевшим.

В общем, условно-театральная «Анна Каренина» оказалась куда более правдивой, чем большинство картонных экранизаций классики. Навряд ли она продвигает нас ближе к торжеству бессмертных толстовских идей. Увы, но с теми недостатками в устройстве общества и отдельных его ячеек, которые граф Толстой порицал с высоты своего рационального века угля и пара, теперь стараются примириться — ХХІ столетие все больше впадает в растерянность перед неисправимой натурой и иррационализмом человека. Талантливо спланированный театральный абсурд постановки Джо Райта и Тома Стоппарда хорош в том числе и тем, что не содержит явных моралите. История любви и смерти Анны Карениной пережила большинство своих интерпретаторов и в дополнительных пояснениях не нуждается.

Источник.

Последние европейские ленты Вуди Аллена неизменно приводят в восторг самые широкие массы публики, которые до этого и знать не знали, кто такой Вуди Аллен, зато обожают сами понятия «Париж», «Барселона» и, вот теперь уже, «Рим».

На этот раз Аллен абсолютно не скрывает, что создал признание в любви Вечному городу в виде полнометражного рекламного ролика, и прямо призывает устами одного из своих персонажей всех обожателей дольчевиты обязательно посетить Чудо-над-Тибром.

Отметим, что причин не приехать в Рим, действительно, не существует. Этот удивительный город словно бы создан, чтобы быть посещенным и запечатленным в миллионах отпускных фотоальбомов, а также в цветных и черно-белых кинолентах классиков. Вуди Аллен едва ли не последний из них, кто добрался до Колизея и фонтана Треви. Он, как всегда, умудрился остаться собой, хотя к вершинам его творчества «Римские приключения» отнесешь едва ли.

Последовательно расширяя личный внутренний Манхэттен на просторы европейского континента, Вуди Аллен переносит своих милых городских невротиков из столицы в столицу. Но если в Париже и Барселоне декорации были только декорациями, в «Римских приключениях» местный колорит сыграл более значительную роль. Что, в принципе, не удивительно. Ведь для того, чтобы полюбить итальянское, Манхэттен покидать совсем не обязательно. В конце концов, для владельца прекрасного венецианского палаццо Вуди Аллена Италия совсем не чужая.

Алессандро Тибери, Роберто делла Каза и Пенелопа Крус в фильме «Римские приключения»

Новая картина Аллена — прямолинейное и очень простое для Аллена признание в любви не только к Риму, но к Италии и всему итальянскому, включая пасту, оперу и фильмы Федерико Феллини. Как и автор «Джинджер и Фред», Аллен не удержался, чтобы не пройтись и по знаменитой итальянской медиакратии и культе случайных телевизионных знаменитостей, одну из которых исполнил Роберто Бениньи — герой последней картины Феллини «Голоса луны». Забавно, что «Римские приключения» созданы на деньги компании «Медиасет» главного итальянского телевизионного олигарха Сильвио Берлускони, которым местные левые пугают на ночь детей. Над левыми Аллен тоже иронизирует, но любя, как и над остальными римскими слабостями.

Ведь в «Римских приключениях», как и в предыдущих «туристических» картинах Аллена, европейская столица предстает в виде своеобразного покинутого рая, в который стремится каждый американский интеллектуал. И неинтеллектуал тем более. Преуспевший на позорном, но прибыльном строительстве безобразных торговых центров архитектор приезжает в Рим, чтобы посетить места своей юности, в которых был так счастлив тридцать лет тому назад. Изучающий архитектуру молодой студент, что только мечтает удивить мир своими будущими творениями, счастлив в Риме прямо сегодня, но счастья своего пока не осознает. Зато имеет возможность общаться сразу с двумя красивыми девушками. Оперного режиссера, которого неожиданно исполняет сам Аллен, именно в Риме осеняет новая, блестящая творческая идея.

В Риме все чувства острее, а краски ярче — кажется, именно это Вуди Аллен пытается донести до зрителя в своей по-настоящему веселой картине. Всегда обладавший необыкновенно легким стилем повествования, в «Римских приключениях» Вуди Аллен вплотную приблизился к стандартам чисто развлекательного кино. Хотя в фильме и мелькают обрывки прежнего Аллена в виде упоминаний Фрейда и Достоевского, психоанализом в фильме зрителя не пугают.

Моника Наппо и Роберто Бениньи в фильме «Римские приключения»

Рим Вуди Аллена состоит из киновпечатлений многолетней давности, итальянских кинозвезд тех же времен, что появляются в кадре на несколько секунд, пары-тройки хрестоматийных достопримечательностей, которые показаны в фильме нарочито в лоб, в лучших традициях туристических проспектов, и трех, достойных пера Петрония историй, изложенных Алленом с феллиниевским абсурдом. Чрезмерность во всем — именно та римская черта, что только украшает Вечный город, и которую радостно смакуют в «Римских приключениях». Мотивы дебютного для Феллини «Белого шейха», а также знаменитого «Рима» Вуди Аллен использует без всякой тени смущения. Наоборот, всячески подчеркивает заимствования, намекая, что в Риме он не пришелец, но приемник, пускай, и с другого континента.

И Рим отвечает Алену взаимностью, принимая в ряд своих вечных селебрити.

Аллен это прекрасно осознает. Как справедливо замечает один из эпизодических персонажей «Римских приключений»: «Быть знаменитым в тысячу раз лучше, чем незнаменитым». Заметим, если уж и быть незнаменитым, то, желательно, именно в Риме.

Источник.

«Больше, чем любовь, возбуждают только деньги» — утверждал в свое время британский политик Бенджамин Дизраэли. С тех пор прошло более сотни лет, но время только подтвердило правоту викторианского премьер-министра.

В новой картине Дэвида Кроненберга секс и бизнес и вовсе синонимы. Главный герой «Космополиса» в инфернальном исполнении кумира старшеклассниц Роберта Пэттинсона захвачен самоистребительной страстью к тому и другому настолько, что никаких иллюзий насчет дальнейшей судьбы нашей пропащей цивилизации у зрителя после просмотра больше не остается.

Запутанный и малопонятный русскоязычному зрителю, новый фильм Дэвида Кроненберга больше других фильмов текущего репертуара претендует на определение авторского кино. Формально жанр «Космополиса» можно определить как абсурдистскую антиутопию. Но множество ярких примет настоящего говорят о ленте Кроненберга как о пародии на наше время — фильм поставлен по одноименному роману малоизвестного в русскоязычном мире американского писателя Дона Делило, что был издан в 2003 году.

Роберт Пэттинсон в фильме «Космополис»

Беспощадному сарказму в фильме подвергается общество виртуального потребления, вершиной которого определен двадцативосьмилетний миллиардер Эрик — прилизанное, во многих потерявшее человеческий облик, существо. Эрик, подобно Мао, огромное количество времени проводившего в железнодорожном вагоне, весь фильм действует из своего офиса-лимузина и давно находится по ту сторону Добра и Зла. Эрик здорово напоминает героев другого популярного на рубеже прошлых десятилетий американского писателя Брэта Истона Эллиса. В общем, сверхчеловек в современном понятии — сверхуспешный финансист, который управляет вселенной с помощью биржевого терминала.

Правда, подчеркнутая аморальность бога финансового мира вполне соответствует миру за стеклами его ослепительно белого лимузина: Нью-Йорк Кроненберга выглядит как символ современной цивилизации — сумасшедший мегаполис с не менее сумасшедшими обитателями. Дорожное движение в нем парализовано и, кажется, что навсегда, а население зашлось в неперерывном протестном оргазме, постепенно перерастающем в хаос непослушания. Так что, «Космополис», в принципе, это кино о конце света.

Складывается впечатление, что хитроумный Кроненберг постарался максимально запутать зрителя. «Космополис» топчется на той же делянке, что «Синекдоха, Нью-Йорк» Чарли Кауфмана и «Вечное сияние чистого разума» Мишеля Гондри. То есть, вопросов после просмотра и выхода из кинозала остается куда больше, чем ответов. Но далеко не каждый зритель захочет смотреть ленту второй раз, чтобы разобраться в хитросплетениях ее нюансов, да и до конца осилят ее далеко не все.

Пол Джаматти и Роберт Пэттинсон в фильме «Космополис»

Наш минский зритель вообще рвет и мечет — для поколения, которое выросло на жанровом голливудском кино, фильм Кроненберга абсолютно непонятен и неприемлем. В том, что «Космополис» случай неординарный — нет сомнений. Но уже с первых фраз персонажей становится понятно, что разобраться в нем будет очень и очень непросто. Разговорные фильмы в принципе требуют куда более качественного перевода, чем тот, каким его сделали российские дистрибьютеры.

Складывается впечатление, что вся работа над переводом «Космополиса» ограничилась прогонкой оригинального текста через гугл транслэйт: фразы персонажей выстроены коряво, смысл многих из них понятен лишь приблизительно. В общем, желающим до конца разобраться в «Космополисе» можно посоветовать или прочитать роман Делилло или дождаться других, более удачных переводов картины.

А пока ее можно посоветовать или поклонникам спорного удовольствия лицезреть обнаженный торс Роберта Пэттинсона или заядлым киноманам, которым интересны творческие достижение Пола Джаматти, Жюльет Бинош и Матье Амальрика. Небольшие эпизоды с этими актерами, пожалуй, самое яркое, что останется в памяти от нового фильма Кроненберга.

Потратил время на фильм «Время»
Четверг, 17 мая 2012


Кто до сих пор не посмотрел достаточно разрекламированный фильм «Время», прошедший в кинотеатрах – скажем так, я бы – не рекомендовал.

Довольно мутная анти-утопия, где единственная идея, заявленная уже в рекламе фильма, что время становится единственным эквивалентом и используется вместо денежного оборота – обсасывается весь фильм, а новых идей никаких не дается. К тому же, повествование сюжета довольно затянутое, а зрелищных сцен нет вообще.

Посмотрел «Ковбои против пришельцев»

Посмотрел фильмец «Ковбои против пришельцев». В принципе, вполне неплохой для обычного проходного кино. Примечательно, что самые «сочные» голливудские темы, такие, как ковбои, пришельцы, призраки, катастрофы и шпионы сами по себе уже настолько «обсосаны» со всех сторон, что появляются такие вот симпатичные пересечения.

Социальная сеть – фильм
 
Кинцо «Социальная сеть», было номинирована на премию «Золотой глобус» в 6 номинациях, победил в номинациях «лучший драматический фильм», «лучшая режиссура», «лучший сценарий» и «лучшая музыка». Номинирована на премию «Оскар» 2011 года в 8 номинациях.

Фильм вызвал в США широкий общественный резонанс. Критики писали о том, что фильм высветил давно накопившиеся вопросы о том, как сетевая интерактивность меняет восприятие современниками самих себя, о том, что на «Фейсбуке» выросло поколение подростков, для которого опыт общения не связан с традиционными ограничениями этического свойства. В частности, Трэверс объявил «Социальную сеть» определяющим фильмом последнего десятилетия, подчеркнув типичность для нынешнего поколения завершающего фильм «образа одинокого Марка, который сидит перед мерцающим экраном и притворяется, будто не одинок»

В общем, мне тоже, не скрою, фильм понравился, я даже посмотрел его пару раз, а музыка, звучащая по ходу титров, так запала, что я узнал – это The Beatles – Baby You’re A Rich Man. И клип и фильм к просмотру рекомендую!

О том, что стриптиз (даже мужской) — не баловство, а отдельный бизнес со своим особым миром, правилами, секретами, героями и антигероями, давно известно даже последней школьнице. Но из нового фильма Стивена Содерберга ничего нового о волшебном мире голопопых пупсов зритель, к сожалению, не узнает.

«Супер Майк» весьма далек и от ожидаемой молодежной комедии на эротическую тематику. Новая работа автора многочисленных Друзей Оушена, скорее, производственная драма в духе самого махрового соцреализма: хорошие стриптизеры пытаются перестриптизировать еще более хороших.

В то, что если захочешь жить, научишься вертеться даже вокруг шеста в стрип-клубе, верится охотно. Поэтому бодрый старт «Супер Майка», в котором тридцатилетний житель Флориды Майк в два счета рекрутирует в стриптизеры безработного девятнадцатилетнего Малыша, выглядит вполне натурально и настраивает на конструктивный лад. Зритель с маломальским жизненным опытом, скажем прямо, устал от детских сказок на большом экране, и после весьма реалистичного начала от режиссера с репутацией Содерберга ожидаешь захватывающей истории про покорение стриптизерского Олимпа со всеми сопутствующими коллизиями.

Алекс Петтифер и Чэннинг Татум в фильме «Супер Майк»

К сожалению, по-настоящему интересного в «Супер Майке» оказалось не так много. Конечно, кому-то интересен и непрерывно раздевающийся Чэннинг Татум. При всем уважении к актерскому мастерству последнего, следует признать, что в ленте Содерберга, действительно, более всего выделяется именно его идеальное телосложение и умение ловко имитировать наивные номера провинциального стриптиза.

Слащавое, однако слишком затянутое содержимое «Супер Майка» начинает затягивать в сон минуты с сороковой, а то и раньше. Приблизительно на половине фильма ровным счетом ничего, не считая бесчисленных и довольно-таки однообразных номеров мужского стриптиза (дамы, трепещите!), не происходит. Характеры красавчиков-героев Чэннинга Татума и Алекса Петтифера остаются все такими же плоскими как и в самом начале всей истории.

 Предсказуем и очевиден и финал вялотекущего романа между развратным героем Татума и целомудренной сестрой втянутого в обнаженный бизнес героя Петтифера. В фальшивой страсти полуголых мужиков, трясущих своим хозяйством над плотными телами флоридских теток, оказалось куда больше любви и нежности, чем в подмороженных героях Татума и Коди Хорн. При этом, обе линии — любовная и стриптиза — сочетаются в фильме весьма слабо. Для чего Содерберг городил этот огород со стриптизерами, в итоге так остается непонятным. 
В принципе, «Супер Майк» вполне бы мог стать еще одним рассказом о тернистом (через развратное занятие стриптизом) пути к заветной Американской Мечте в виде мастерской по созданию авторской мебели, о которой тоскует заглавный герой. Но сам стриптиз у Содерберга изначально выглядит куда привлекательнее, чем мутная перспектива провести остаток жизни в столярной мастерской, занимаясь выпиливанием дизайнерских столиков. Поэтому и душевные страдания тридцатилетнего героя, которому и хочется, и колется, но скоро придется оставить помост, выглядят слишком ненатуральными.

Примечательно, что картина Содерберга все-таки могла бы похвастаться весьма качественной актерской игрой. В тех местах, где актерам есть что играть, они действительно демонстрируют вполне приличный голливудский уровень. Но для неспециализированного неэротического фильма картина чрезмерно заполнена бритыми мужскими ляжками и внушительного размера подкладками в кожаные стриптизерские стринги. С мужским телом в кадре Содерберг явно переборщил. В интересном и захватывающем фильме оно должно выглядеть по-другому.    

Источник.

Эрин Уоссон и Бенджамин Уокер в фильме «Президент Линкольн: Охотник на вампиров»

Добро должно быть с кулаками. А лучше всего с топором. В новом фильме за продюсерством Тимура Бекмамбетова и самого Тима Бертона и то, и другое наконец-то объединились в бессмертном образе самого популярного президента Соединенных Штатов.

В то, что национальные лидеры со временем превращаются в объекты масскульта, жителям бывшего СССР известно лучше других. Не одно поколение будущих строителей коммунизма выросло под фильмы про кристальную как слеза и романтичную как мексиканский сериал «Дикая роза» юность вождей. Икона и бессмертный идеал для строителей демократического капитализма, Авраам Линкольн в фильме Бекмамбетова-Бертона даром что не обманывал жандармов и не читал «Капитал» под подушкой. Из выдающегося оратора в фильме Бертона-Бекмамбетова он превращен в выдающегося потрошителя вампиров.

В то, что враги свободного мира в сознании Голливуда не имеют ничего общего с человеческим обликом, известно едва ли со «Звездных войн». Вот и бекмамбетовские вампиры только притворяются людьми, а на самом деле зубастые твари жуткого вида, которые питаются, о, ужас, кровью подневольных афроамериканцев. Разумеется, свободолюбивый Линкольн, мать которого вполне в духе комиксов про суперменов тоже была засосана до смерти, решает освободить несчастных томов и джимов от гнета плантаторов-монстров. Своим главным оружием — серебряным топором — Суперлинкольн владеет куда лучше дилетанта Раскольникова, в лихом шаолиньском стиле снося жуткие качаны вампирской мафии, задумавшей поработить свободолюбивые Штаты.

Очередной крупномасштабный голливудский проект Бекмамбетова получился по-настоящему ярким, громким и предсказуемо бессмысленным. Визуальная роскошь «Линкольна» вполне органично сочетается в нем с интеллектуальным наивом, вполне логичным для кинокомикса такого рода. Любитель подвешивать героев в псевдокрасивых позах при якобы замедленной съемке Тимур Бекмамбетов в «Линкольне» превзошел самого себя, беспрерывно подмораживая на экране главного героя Бенжамина Уокера и его экранного приятеля — «хорошего» вампира в исполнении Доминика Купера. Облагораживающие влияние Тима Бертона позволило создателю «Ночного дозора» избавится от московского неестественного глянца в кадре. «Охотник на вампиров» гораздо более красив и стилистически выдержан, чем остальные кинокомиксы.

Бекмамбетов и Бертон уже работали вместе над мультфильмом «9». «Президент Линкольн», по сути, тоже является формой анимации, настолько широко, хотя и очень аккуратно в нем используется компьютерная графика. Особенно удались две сцены: сражение Линкольна с одним из вампиров в самом центре несущегося во весь опор табуна мустангов и схватка на паровозе на горящей железнодорожной эстакаде. Последняя, учитывая исторический фон ленты Бекмамбетова, отсылает к знаменитому «Генералу» Бастера Китона.

Герой Китона, впрочем, выступал как раз на стороне Конфедерации. В «Президенте Линкольне» до взаимопонимания и взаимопримерения дело не доходит, кинокомикс в принципе не рассчитан на нюансы и полутона. Суперпрезидент с удовольствием и без раздумий снес бы башку даже самой Скарлетт О'Хара — ее плантатарского статуса владелицы поместья Терра, думается, было бы вполне достаточно. Нетерпимость к вампирам, которые после киношного поражения под Геттисбергом пугающе расползлись в «Южную Африку, некоторые страны Европы и Азии», в фильме Бекмамбетова зашкаливает. Она не вполне соответствует тому отношению, с которым должны относится в демократическом социуме к преследуемому меньшинству. Правда, эксплуататоры-кровососы совершили роковую ошибку — посягнули на ценности свободного общества. И продолжают посягать на них, судя по оптимистичному финалу фильма, и по сей день.

В общем, у вас еще есть вампиры?.. Тогда мы идем к вам!

Источник.