Карл Ларсон (Larsson)(1853-1919), шведский живописец и график. Изысканные, пронизанные светом и воздухом акварели, альбомы рисунков и офортов («Моя семья», 1895) тонко передают колорит шведской жизни конца XIX в. Подлинной биографией Карла Ларссона являются написанные им работы: творчество художника было тесно связано с обстоятельствами его жизни. Картины Ларссона – не плод воображения художника; большая часть его акварельных работ выполнена с натуры и является своеобразным дневником мастера. Ларссон был сторонником компактности, частичного изображения объектов и плоскостных решений, характерных для японской гравюры по дереву, его иллюстрациям была также свойственна тонкость восточных карандашных и чернильных рисунков. Благодаря этому индивидуальный стиль художника вписался в общий контекст ар нуво с его декоративностью и изысканностью. Карл Ларссон приобрел особую популярность в Швеции благодаря жанровым акварелям, действие которых происходит в его усадьбе, где они вместе с женой — тоже художницей — создали весьма живописную обстановку, ставшую олицетворением «типичного шведского дома». То есть, большинство картин Ларссона - не плод воображения художника; большая часть его акварельных работ выполнена с натуры и является своеобразным дневником мастера.

1. 

Французский художник и дизайнер Жорж де Фёр родился 6 сентября 1868 года в семье состоятельного архитектора. Отец его был голландцем , мать — бельгийкой. Звали рожденного Жорж Жозеф ван Слайтерс. В своём художественном творчестве де Фёр был символистом и одним из основателей парижского модернизма. Начинал он как художник по костюмам и декоратор, потом примкнул к символистам, попав под влияние Пюи де Шаванна. Но его учителем стал Жюль Шере. Жорж де Фёр был истинным парижанином по духу. Ценитель женской красоты, как жрец, поклоняющийся единственному божеству, Жорж де Фёр воспел в своем искусстве Женщину, воплотив её в изящных и утонченных формах Ар Нуво (модерна). Выступая духовным наследником Бёрдсли, художник создает изысканный образ парижанки, женщины эпохи 1900, вызывающе-обольстительный и болезненно-порочный ("Искательницы Бесконечности", ок. 1897). Первые же представленные художником акварельные работы в салоне "Роза + Крест" приносят ему известность. Выступая в роли дизайнера, он выстраивает для своего божества "храм". Его интересует, что окружает женщину: одежда, мебель, внутренняя отделка помещений, начиная с туалетной комнаты и будуара. Фёр использует только самые дорогие и ценные материалы: оникс, серебро, позолоченное дерево, сливающиеся в единой гармонии нежно-серых цветов. Помимо живописи и дизайна художник успешно работает и в других областях искусства: увлекаясь ковроткачеством, создает эскизы для ковров, делает иллюстрации в любимой им технике акварели, в частности, к "Вратам грез" М. Швоба. В 1900 г. по заказу Зигфрида Бинга он оформляет фасад павильона на Всемирной выставке в Париже. Де Фёр быстро стал одним из ведущих дизайнеров Бинга. Бинг призвал Де Фёра расширить свои таланты во всех областях искусства и дизайна. Его работы демонстрировались в галерее Бинга с 1894 до его закрытия в 1904 году, за год до смерти Бинга. В 1902 году его работы были представлены на первом Salon Des Industries Du Mobilier в Гран-Пале в Париже. Для Maison De L'Art Nouveau Жорж сделал изделия из серебра в деликатном, линейном стиле, похожие на его графические работы и мебель для Бинга. До начала 1-ой Мировой войны, он переехал в Англию, где работал в основном как сценограф. Одаренный весьма изобретательным умом, Джордж создал самолеты, как театральные декорации и костюмы. В 1928 году Жорж вернулся в Париж, где был назначен профессором в Высшей национальной школе изящных искусств. Он продолжал работать в течение периода искусства модерн и был одним из самых плодовитых дизайнеров этого периода искусства. Его работы отличает тонкий филигранный орнамент и выраженное женское содержание. Захват сущности женского духа стал его торговой маркой. Жорж де Фёр умер в нищете 26 ноября 1943 в возрасте 75 лет в Париже.

1. 

Анн-Луи Жироде-Триозон (фр. Anne-Louis Girodet de Roucy-Trioson; 1767—1824) — французский исторический живописец, портретист, рисовальщик литографий и писатель.Ученик Л. Давида, в начале художественной деятельности увлекался греческой мифологией, и среди псевдоклассицизма, господствовавшего в то время в французском искусстве, стал предвозвестником романтизма, вскоре сменившего это направление. Получив в 1789 большую премию за картину «Сыновья Иакова узнают своего брата Иосифа», он провёл 5 лет в Риме, откуда был прислан им в Париж «Эндимион» (находится в Лувре) — произведение несколько слащавое и жеманное, но, несмотря на это, встреченное, как некая новинка, одобрением публики и художественной критики.Новаторство Жироде-Триозона ещё яснее проявились в другой, также римской, работе: «Гиппократ отказывается от подарков Артаксеркса» (1792). Из немногочисленных картин Жироде-Тризона заслуживают внимания «Даная и Аврора, подающая ей зеркало», «Тени французских генералов, встречаемые в Елисейских полях Оссианом» (1801); «Погребение Аталы» (на сюжет из повести Шатобриана, 1808; находится в Лувре), «Наполеон I принимает ключи города Вены» (1808, находится в Версальской исторической галерее), знаменитая «Сцена во время Всемирного потопа» (1810, находится в Лувре) и «Пигмалион и Галатея» (1819).После 1810 из под кисти Жироде-Триозона вышло лишь очень мало картин — он занимался преимущественно рисованием иллюстраций к произведениям Анакреона, Сафо, Вергилия, Расина и других поэтов. Пробуя свои силы на литературном поприще, он сочинил поэму о живописи, написал несколько рассуждений об этой отрасли искусства и упражнялся в переводах древнегреческих поэтов и в подражаниях им.При написании этой статьи использовался материал из Энциклопедического словаря Брокгауза и Ефрона (1890—1907).

1.  Girardet Anne Louis Study for the sleep of Endymion

Карло Боссоли (Carlo Bossoli) родился в 1815 г. в швейцарском Лугано в семье ремесленника. Через пять лет семейство Боссоли переселилось в Одессу. Здесь будущий маринист пошел в школу, а когда ему исполнилось 11 лет, начал работать в антикварной лавке по продаже эстампов, где много рисовал и копировал в свободное время. С 1828г. он работал в мастерской театрального художника Одесской оперы Наннини. Успехи молодого итальянца были замечены губернатором Новороссийского края и Бессарабии графом М.С. Воронцовым, который заказал Карло Боссоли ряд работ с видами Одессы, чем вывел его семейство из бедственного положения, последовавшего за смертью отца. В 1837г. в одесской типографии Д. Кленова на основе этих рисунков был выпущен альбом черно-белых литографий – первое издание работ К. Босоли. В 1839-1840 гг. графиня Е.К. Воронцова пригласила Боссоли в путешествие по Италии, что позволило ему углубленно изучать классическую школу живописи, познакомиться с современными итальянскими художниками. Вернувшись из Рима, он приезжает в Крым, останавливается в Алупке. За два года (1840-1842) Карло Боссоли объездил практически весь Крым. Крымские впечатления выразились в серии прекрасных акварелей и гуашей (часть из них хранится в Эрмитаже), свидетельствующих о том, что именно к этому времени он стал блестящим рисовальщиком. Помимо декоративности и живописных достоинств, эти произведения интересны особой точностью передачи деталей, будь то виды центральных улиц Севастополя, Симферополя, торгового порта и части ялтинской набережной или детальное изображение военных кораблей и фортификационных сооружений севастопольской бухты. В 1843г., уступая желанию престарелой матери, мечтавшей вернуться на родину, художник покидает Россию, где прожил 23 года и где сформировался его талант. О последних годах жизни художника известно немногое. Он обосновался в Турине, выстроил дом, частично напоминавший эклектикой архитектуры Воронцовский дворец, столь поразивший воображение юноши. Не создав собственной семьи, воспитывал горячо любимого племянника. В 1884 году в возрасте 69 лет Карло Боссоли скончался и был похоронен в своем родном городе Лугано.

1. 

Отец Абрахама Блумарта — скульптор и архитектор Корнелис Блумарт. Абрахам Блумарт учился в Утрехте и Париже, а в 1597 г. стал гражданином Амстердама и с 1611 г. работал в Утрехте, где предположительно проживал вплоть до своей смерти. Блумарт оказал большое влияние на развитие голландской живописи. Среди его многочисленных учеников — Ян Бот с братом Андрисом, Якоб Кейп, его сын Альберт Кейп, Ян Баптист Веникс и Николаус Кнюпфер. Объединив в своём творчестве традиции голландской и фламандской живописных школ, он писал полотна на исторические темы, портреты, жанровые сцены и пейзажи. Многочисленные гравюры и ксилографии, созданные по мотивам его работ, отражают художественные устремления живописца. Манера работы художника с цветом напоминает творчество маньеристов XVI в. Большинство сохранившихся полотен Блумарта хранится в Музее изящного искусства Сан-Франциско, а также в картинных галереях Берлина и Лувре.

1. Bloemaert Tares

О детстве и юношестве художника известно очень мало. Родился в семье ремесленника. Его отец занимался росписью картонов для ковров. Оденардские ковры ценились во всей Европе. С детства будущий художник помогал отцу в мастерской, рисуя причудливые узоры будущих ковров. Предполагается, что в 1621 г. он покинул Бельгию, а в 1626 г. документальными источниками подтверждается пребывание Браувера в Харлеме. В 1631—1632 гг. художник переехал в Антверпен. В 1628 г., находясь в Голландии, Браувер берёт уроки у Франса Халса, в 1630 г. его принимают в антверпенскую гильдию художников св. Луки. Не смотря на фламандское происхождение, Браувер ипытывал большое влияние голландской живописи и был далек от пышной барочной фламандской школы. Не смотря на это картины Браувера очень ценил Рубенса, который приобрёл у него несколько полотен для своей художественной коллекции и старался оказывать "неисправимому гуляке" свое покровительство. В 1633 г. Браувер арестован испанскими властями. Точная причина его ареста не известна, возможно он был арестован за участие в гентском восстании 1631 года. С 1634 г. и вплоть до своей смерти от чумы в январе 1638 г. Браувер проживал у антверпенского гравёра Паулюса Понтиуса. Браувер писал жанровые сцены из крестьянской жизни, крестьянские танцы, игроков в карты, курильщиков, бражников и драки, которые отличаются живостью и гениальностью замысла. Однако при жизни художника его полотна не были в цене, поэтому он испытывал нужду, так что его домашнее имущество было взыскано в пользу его кредиторов. Большинство полотен Браувера хранится в мюнхенской Пинакотеке, в Санкт-Петербурге, Мадриде, Дрездене и Вене (галерея Лихтенштейн). Браувер умер в возрасте 32 лет в Антверпене и был похоронен в общей могиле. Позднее, при содействии членов гильдии был перезахоронен 1 февраля 1638 года на территории церкви кармелитов.

1. Brouwer Pancake

Эдмунд Дьюлак родился в 1882 году в семье тулузской буржуазии, не чуждой к искусству. Его отец, суконщик по профессии, занимался реставрацией старых картин, а его дядя по материнской линии интересовался произведениями искусства востока: японскими гравюрами, персидскими и индийскими миниатюрами. Эдмунд начал рисовать очень рано. Его школьные годы прошли в небольшом лицее в Тулузе. Получив в 1899 году степень бакалавра, Дьюлак поступает в Тулузский университет на факультет права. Одновременно он слушал лекции Тулузской академии изящных искусств, где получил многочисленные премии за 1900 год. Этот успех побудил его оставить университет и полностью посвятить себя обучению в Академии, которой руководил в то время Жан-Поль Лоранс. По окончании академии Эдмонд Дьюлак работает иллюстратором программок и таких журналов, как L’Effort, Le T?l?gramme и L'?me latine. После нескольких лет учёбы в Париже он переехал в 1905 году в Лондон. 17 февраля 1912 года он получил британское гражданство.[1] [править] Творческая деятельность Первой работой Э. Дьюлака в Лондоне стала серия из 60 иллюстраций к полному собранию сочинений сестёр Бронте, заказанная книготорговцем и издателем Джозефом Дентом. Этот заказ был свидетельством высокого уровня 22-летнего художника. Его работа привлекла внимание Галереи Лестера (англ. Leicester Gallery), которая заказала ему иллюстрацию сборник сказок «Тысячи и одной ночи». Этот сборник с красочными иллюстрациями молодого художника был издан в Великобритании в 1907 году. Дьюлак оставил целую галерею женских образов, например, сотрудничая с Уолтом Диснеем, он участвовал в разработке типажа Белоснежки. Однако самым известным его произведением считается образ царевны Будур.[2] В России, после того как вышла книга «Волшебные сказки» Шарля Перро с рисунками Дьюлака (1910—1911 год), популяризация его наследия прервалась. [править] Почтовая графика Художник мог свободно переходить от одного жанра к другому. Очень успешна была его работа в области почтовой графики. Он был автором эскизов многих стандартных серий марок Великобритании и Франции и десятков почтовых карточек разных лет. Профильные портреты монархов в духе традиционного медальерного искусства, скупой растительный орнамент, шрифт антических пропорций — все эти особенности выдвинули дьюлаковские марки в число лучших почтовых миниатюр. Создавая марки для Великобритании, он стремился следовать британским национальным традициям, а при проектировании французских знаков почтовой оплаты с такой же скрупулезностью старался сохранить «французскую» линию в почтовом дизайне. Ему принадлежит марка под названием «Лишняя жемчужина», на которой запечатлена королева Елизавета II. При изготовлении клише в жемчужные серьги королевы «вторгся» посторонний элемент.

1. 

Немецкий живописец и график. Представитель классициз­ма. Писала портреты («Гете», 1787), сентиментально-чув­ствительные, мифологические, исторические, религиозные и бытовые сцены («Вышивальщица»). Когда женщина одарена столькими талантами и красотой, как наша героиня, то ей редко удается добиться чего-то путного. Однако имя Анжелики Кауфман многое говорит подлинным ценителям жи­вописи, ибо в свое время она была очень знаменитым художником, заказать портрет которому считалось престижным. Девочка родилась в семье немецкого художника Иоанна Иосифа Кауфмана на захудалом постоялом дворе в маленьком французском городке Type, ибо отец был склонен к перемене мест. Одиннадцати месяцев Анжелику перевезли в Италию, где, наконец-то, семья осела надолго. Богато одаренная натура девочки проявилась очень рано. С шести лет Анжелика начала рисовать, да и трудно было удержаться от того, чтобы не взять в руки уголек или кисточку, проводя целые дни в мастерской отца. Иоанн Иосиф Кауфман не отличался особыми та­лантами живописца и обделенность природы стремился восполнить трудом, с детства он приучал и дочь к каждодневной изнуряющей работе. Анжелика была чрезвычайно привязана к отцу, потому что он заменил ей и подружек, и детские развлечения, и учителей. Часами девочка упражнялась в живописи, а иногда это маленькое красивое существо с папкой рисунков заходило на богатые виллы, чтобы про­дать свои работы и помочь семье. Трудно было отказать столь очаро­вательному ребенку, и однажды даже местный епископ согласился позировать Анжелике. Старый Кауфман отлично сознавал, что талант дочери позволит ей достичь гораздо большего, чем удалось это ему самому, и потому не жалел ни средств, ни сил для шлифовки таланта Анжелики. Во-первых, они предприняли длительное путешествие по Италии. По мнению отца, эта благословенная страна могла стать для девушки источником вдохновения, как и для великих мастеров Возрождения. Во-вторых, старик по-прежнему уповал на изнуряющую работу и не разрешал Анжелике ни часа развлечений. Девушка была покорной дочерью и только однажды ее натура взбунтовалась. Безусловно, чи­татель угадает, если подумает, что это бьыа любовь. Странствуя по свету, но ведя замкнутый образ жизни из-за запретов отца, Анжелика все-таки умудрилась познакомиться с молодым музыкантом. Девушка была одарена от природы удивительным голосом. Парень умолял Анжелику бросить живопись, отца-тирана и посвятить себя пению, уйти с ним. Для девушки наступили дни мучительных сомнений. Впервые она не могла посоветоваться с отцом, впервые в ее размерен­ную жизнь вошли смута и нежелание работать. Решить сама эту жизненную проблему Анжелика не смогла и отправилась к духовнику. Конечно, тот посоветовал ей остаться с отцом, забыть о греховной карьере певицы и выбрать более благородную стезю живописца. От дней влюбленности в творчестве художницы осталась картина, на которой изображен Орфей, пытающийся увести Эвридику из Ада. Черты навсегда покинутого любимого она придала своему живописно­му герою. Есть и еще одно полотно: сама Анжелика между двух муз — Музыки и Живописи, обе зовут ее, но она склоняется ко второй. Итак, выбор состоялся и больше, казалось, ничто не мешало таланту девушки. Действительно, она остро почувствовала веяния галантного века с его стремлением к игре, подражаниям, с его лени­вым полумраком и уютными креслами, с его кукольными пастушками и золотистыми будуарами .^Вскоре слава молодой художницы долетела до Миланского дворца, куда она и была приглашена. Двор был пленен мастерством Анжелики, желающие занимали очередь, чтобы заказать у нее портрет. Девушка, упоенная поклонением и славой, с успехом воспроизводила поверхностный и модный в то время стиль блестяще­го французского двора, работая с пастелью. Пастушье платье — писк сезона, атласные туфельки, шляпа с лентами на напудренном парике, куколка, окруженная массой поклонников — вот портрет Анжелики того времени. Смерть матери заставила семью вновь покинуть насиженное место и отправиться на этот раз в родную Браганцу. Однако здесь отец с дочерью прожили недолго. Кому нужны были нарисованные пастуш­ки, если вокруг полно настоящих. Анжелика едва успела закончить фрески для приходской церкви, как отец решил уехать ко двору графа Монфорт, где для девушки была работа. От веселого двора Монфорта она отправилась в Рим. Здесь она познакомилась с Иоанном-Иоахимом Винкельманом, немецким историком искусств, который имел огромное влияние на современные умы. Анжелика тоже поверила его учению, наконец-то, у девушки появился первый сторонний учитель. Винкельман исключительно высоко отзывался об одаренной худож­нице: «Мой портрет для одного друга сделан исключительной лично­стью, одной немецкой художницей. Она очень сильна в портретах... Ее имя — Анжелика Кауфман». В Риме девушка познакомилась со многими лондонцами и, увлекшись их рассказами о родном городе, решила попытать счастья в туманном Альбионе. 22 июля 1766 года Анжелика прибыла в Лондон, где ее ждал настоящий успех. «Королева всего два дня как приехала. Лишь только ей будет лучше, я буду ей представлена», — писала девушка отцу всего лишь через месяц после приезда. На следующее лето старик Кауфман переехал к дочери. Почти двадцать лет прожила Анжелика в Лондоне. Здесь она написала портреты английской королевы, датского короля Христиана. От заказчиков не было отбоя. Окутанные дымкой загадоч­ности лица на ее картинах полны если не красоты, то во всяком случае очарования. Салонная художница, Анжелика Кауфман, имела успех и как женщина, покоряя мужчин прекрасной фигурой, свежим цветом лица и наивными живыми глазами. Многие современники отмечали магический взгляд художницы и ее оригинальность. На Анжелику даже обратил внимание президент английской Академии художеств — Рейнольдс. Он предлагал девушке разделить его судьбу, богатство и славу. Но Анжелика испугалась гениальности Рейнольдса, она понимала, что такому таланту жена должна принадлежать всецело, а в ней еще не угасло желание соб­ственного самоутверждения. Женихи, однако, не убывали, и однажды мастерскую Кауфман посетил меценат, приобретавший картины художников за баснословно высокие цены, граф Хорн. Даже привыкшая к восторгам зрителей Анжелика не смогла удержаться от довольной улыбки, слушая лестные отзывы графа о своем творчестве. Вскоре Хорн сделал ей предложение Казалось, личное счастье наконец-то улыбнулось знаменитой худож­нице — блестящий молодой человек, принятый в самых уважаемых домах Лондона, богатый, обаятельный светский лев. Только старик Кауфман сразу же невзлюбил жениха, но у него не было права второй раз встать дочери поперек дороги, поэтому, скрипя зубами, он поста­рался промолчать. Вскоре граф тайно явился к Анжелике и в полном отчаянии поведал ей, что его подозревают в серьезном политическом преступ­лении, в котором он, конечно, не виноват, и ему грозит позорная смерть. Только невеста может спасти графа, немедленно с ним обвен­чавшись, ибо только имя Анжелики Кауфман заставит королевскую семью, нежно любящую художницу, внимательно разобраться со слу­чаем ее мужа. Наивная девушка, не искушенная в интригах, не стал­кивавшаяся с подлостью, любила графа и поверила ему сразу. Семейная жизнь, однако, не задалась. Граф требовал немедленно покинуть город, он часто не являлся домой и вообще вел себя доволь­но странно. На вопросы Анжелики отвечал истериками и грубостью. Все закончилось тем, что женщина вынуждена была переселиться обратно к отцу. Вскоре Анжелика узнала правду — муж ее был аван­тюристом и жил под разными вымышленными именами. Последнюю свою фамилию он взял после того, как некоторое время служил у настоящего графа Хорна в Германии. На прощание муж выманил у Анжелики триста фунтов. 10 февраля 1768 года состоялся их развод. Пережив личную трагедию, художница замкнулась в себе и перестала бывать на светских раутах, только небольшой круг интеллигенции продолжал интересовать ее по-прежнему. Клопшток писал одному из своих друзей: «С некоторых пор я почти влюблен в одну немецкую художницу в Лондоне — Анжелику Кауфман». Наша героиня все больше думала о возвращении в Италию. Отец стал совсем стар и часто говорил, что хочет умереть да земле, когда-то взрастившей его. Только одно заботило Кауфмана — Анжелика оставалась совершенно одинокой. Отец сам позаботился о достойном человеке для своей дочери. По настоянию старика Анжелика вышла замуж за посредственного венецианского художника, которому к тому времени исполнилось пятьдесят — Антонио Цукки. В Италии в 1783 году Кауфман умер, а Анжелика с мужем поселились в Неапо­ле при дворе королевы Марии-Каролины. Но и здесь ей тяжело было жить, бесконечно эксплуатируя свое мастерство и создавая похожие один на другой портреты придворных. Новое местожительство — Рим — подарил ей встречу с главным человеком своей жизни — с Гете. Великий поэт по достоинству оце­нил оригинальность и богатый внутренний мир художницы. Долгое время их связывала нежная дружба. Анжелика писала портрет Гете, но он не удался и остался незаконченным. Мастерства Кауфман не хва­тило, чтобы передать гениальность немецкого титана. Уходил в прошлое галантный век. Вместе с ним старилась и медленно угасала Анжелика Кауфман. Одинокая, забытая всеми, она умерла на руках своего дяди 5 ноября 1807 года. По материалам www.biografiworld.org

1. Kauffmann Angelica Portrait Of Philip Tisdal With His Wife And Family

Андреа САККИ (итал. Andrea Sacchi , 30 ноября 1599, Неттуно, близ Рима – 21 июня 1661, там же) – итальянский художник. Андреа Сакки О трех Магдалинах, 1634, палаццо Барберини, Рим Родился в семье художника, учился у Франческо Альбани. В 1621 приехал в Рим, где и работал всю жизнь. Ему покровительствовал кардинал Антонио Барберини. В молодости работал на Пьетро да Кортона (1627—1629), впоследствии соперничал с ним. В публичных дебатах об излишествах в живописи, которые велись в гильдии Святого Луки и в которых Сакки упрекал Пьетро да Кортона, на сторону Сакки встали его друзья и единомышленники Алессандро Альгарди и Никола Пуссен. Там самым Сакки стал одним из мастеров, обозначивших классическую линию в развитии европейской живописи.

1. Sacchi Andrea Three Aged Of Man

Поль Гюста?в Доре? (фр. Paul Gustave Dor?; 6 января 1832, Страсбург — 23 января 1883, Париж) — французский гравёр, иллюстратор и живописец. Родился Гюстав в семье строителя мостов Пьера-Луи-Христофора Доре. С самого раннего детства поражал окружающих мастерством рисунка, например, в десятилетнем возрасте выполнил иллюстрации к «Божественной комедии» Данте. Спустя некоторое время, в 1841 году семья художника перебирается в Бур. Этот переезд оказал огромное влияние на всю художественную деятельность Доре. В 1847 году Доре вместе с матерью переезжает в Париж, где Гюстава определяют в лицей Шарлемань. Затем молодой художник отправляется к главному редактору «Журналь пур рир» Филипону с серией рисунков подвигов Геракла и зачисляется сотрудником, получая при этом зарплату в 5000 франков. В конце этого же года был опубликован альбом литографий «Подвиги Геркулеса», изданный Обером, в котором указывалось, что автор этих литографий — пятнадцатилетний художник, выполнивший их без учителя и классических штудий. Известно, что художник делил свой рабочий день на три части: утро посвящалось графике, полдень — живописи, вечер — снова графике. Доре так и не получил художественного образования, но проводил время в Лувре и Национальной библиотеке, изучая картины и гравюры. В 1848 году художник становится участником салона, где выставляет свои работы. Спустя 4 года он порывает свои отношения с журналом. С этого момента Гюстав Доре занимается оформлением дешёвых изданий. В 1853 году иллюстрировал Байрона. В 1854 году появляются иллюстрации к «Гаргантюа и Пантагрюэлю» и выходит альбом литографий «Парижский зверинец». В 1855 году вышли в свет рисунки к «Озорным рассказам» Бальзака. 1860-е гг. принесли миру иллюстрации к «Аду» и «Раю» Данте, к сказкам Шарля Перро, к приключениям барона Мюнхгаузена и Дон Кихоту. В 1867 году в Лондоне была проведена выставка произведений французского художника. С 1869 года сотрудничает с Блэнчардом Джероллдом. Блэнчарда Джероллда вдохновило издание «Microcosm of London» Томаса Роуландсона, Уильяма Пайна и Рудольфа Акерманна, изданное в 1808 году. Поэтому возникает идея создать многосторониий образ Лондона и уместить его в одном издании. В результате этого Гюстав Доре подписывает пятилетний проект с Grant & Co. Художник обязывается пребывать в Лондоне в течение трёх месяцев и получает сумму в размере 10,000 ? в год в качестве трудовой оплаты. Книга London: A Pilgrimage с 180 иллюстрациями увидела свет в 1872 году. Однако издание было холодно встречено критиками, именно так отнеслись к графику Art Journal и Westminster Review . В 1870-х годах Доре выполнил цикл гравюр «Версаль и Париж», а также оформил издание по истории Испании. Доре называют величайшим иллюстратором XIX века за непревзойдённую игру света и тени в его графических работах. Похоронен на кладбище Пер-Лашез.

1. 

(Elsheimer, Adam) (1578-1610), немецкий живописец и гравер; родился во Франкфурте-на-Майне. С 1600 постоянно жил в Риме, где и достиг известности; был дружен с Рубенсом, Паулем Брилем и Питером Ластманом, впоследствии учителем Рембрандта. Картины Эльсхаймера - в основном пейзажи небольшого размера со сценами на библейские или мифологические сюжеты. В последние годы жизни художник отдавал предпочтение ночным пейзажам, скорее лирического, чем драматического характера. В картине Бегство в Египет (1609, Мюнхен, Старая Пинакотека) он использует живописные эффекты лунного света и горящего костра на переднем плане. В картине Юпитер и Меркурий у Филемона и Бавкиды (1608-1609, Дрезден, Картинная галерея) действие происходит в интерьере, написанном с виртуозностью, достойной кисти Рембрандта. Сохранилось несколько гравюр Эльсхаймера. В них элементы нидерландской, венецианской и римской художественных традиций соединяются в сугубо индивидуальный и зрелый стиль. Корни искусства Эльсхаймера - в нидерландской традиции, на которую он, в свою очередь, оказал глубокое воздействие, что доказывает творчество Рубенса, Рембрандта и Сегерса. Умер Эльсхаймер в Риме в 1610.

1. ELSHEIMER Adam Ceres And Stellio

Известный американский художник-карикатурист Томас Наст (Thomas Nast) родился 27 сентября 1840 г. в городе Ландау, Германия. Когда Насту было шесть лет, его родители эмигрировали в США. Интерес Томаса Наста к рисованию проявился уже в раннем возрасте, в течение года он ходил в студию Альфреда Фредрикса и Теодора Кауфмана, а затем в школу Национальной академии дизайна. В возрасте 15 лет Наст начал работать в иллюстрированной газете Фрэнка Лесли, а через 3 года - в еженедельном журнале Harper's Weekly. Наст работал в Harper's Weekly в 1859-1860 и 1862-1886 гг. В перерыве он побывал в Лондоне, где делал зарисовки главного спортивного мероприятия того времени – боксерского поединка между американцем Джоном Хенаном и англичанином Томасом Сойером. Сотрудничая с Illustrated London news, Наст ездил к Гарибальди (народный герой Италии, полководец) в Италию, где рисовал и писал статьи о военных походах. В 1862 г. появилась первая карикатура "Мир", нацеленная на оппонентов гражданской войны в США 1861-1865 гг. Карикатуры Наста во время гражданской войны и последующей Реконструкции издавались в Harper's. Он описывал поля боев на границе и в штатах Юга. Рисунки притягивали такой колоссальный интерес публики, что Абрахам Линкольн прозвал Наста "нашим лучшим рекрутирующим сержантом". Позднее Наст оппонировал президенту Эндрю Джонсону и его политике Реконструкции. Изображения Наста стали одной из главных причин падения Уильяма Твида (лидера Демократической партии США в Нью-Йорке, его имя стало нарицательным для обозначения политической коррупции), который до того боялся художника, что послал своего эмиссара с целью подкупа Наста, предложив 500 тысяч долларов, лишь бы тот "бросил это дело", и уехал в заграничное турне. Но Наст отверг предложение и увеличил свои нападения на Твида. В итоге в 1873 г. Твид был задержан и осуждён за мошенничество. В декабре 1875 года Твид убежал на Кубу, а оттуда - в Испанию, где был узнан американским туристом по одному из изображений Наста и вновь арестован. Наст был убежден, что хорошо сформированное ирландское иммигрантское сообщество гарантирует базу помощи Твиду. Это вместе с антикатолическими и нативистскими (проамериканскими) взглядами Наста привело его к представлению ирладского сообщества в Америке и католических лидеров церкви с крайним порицанием. В работе "Американская река Ганг" (1875) Наст представил католических священников в виде крокодилов, караулящих и бросающихся на американские семьи. В своих политических творениях Наст поддерживал американских индейцев, китайских иммигрантов и выступал за запрет рабства. Позднее он затрагивал темы сегрегации (политика принудительного отделения какой либо группы населения по расовому или этническому признаку, одна из форм расовой дискриминации) и насилия Ку-клукс-клана. На одном из рисунков "Хуже, чем рабство" Наст изобразил отчаявшуюся негритянскую семью, чей дом был предан огню, и двух членов Ку-клукс-клана и Белой лиги, поздравляющих друг друга. В рисунках Наста главный сюжет часто сопровождался многочисленными детальными дополнительными второстепенными сюжетами. Томас Наст является автором эмблем республиканской и демократической партий США – осла и слона; изображения дядюшки Сэма – персонифицированного образа США, который возник во время британо-американской войны 1812 г. Именно Наст изобразил дядюшку Сэма высоким пожилым человеком с тонкими решительными чертами лица, со старомодной бородкой, в цилиндре цветов американского флага, в синем фраке и полосатых панталонах. Томас Наст первым нарисовал американского Деда Мороза – Санта-Клауса. До этого времени никто и представления не имел, как выглядит Санта-Клаус и каким образом добирается он до рождественских носочков. Его представляли и маленьким старичком, похожим на эльфа, и суровым духом зимы. Детям и взрослым хотелось еще и увидеть Санту. Санта-Клаус был нарисован Томасом Настом для журнала Harper's Weekly в 1862 г. Образ был взят с мифического немецкого бородача Николаса, который, согласно поверью, появляется во сне чересчур шаловливым детям. Художник поселил Клауса на Северном полюсе (в Лапландию он «перебрался» в ХX веке). Обложки журнала пользовались невероятной популярностью. Во время Гражданской войны Линкольн попросил Наста нарисовать Санту вместе с северянами. Историки утверждают, что армию конфедератов деморализовало появление Клауса на стороне противника. У Санты Томаса Наста оказался один недостаток – он был черно-белым. Красную шубу сказочному дедушке пожаловал в 1885 г. издатель Луис Пранг. В 1902 г. президент США Теодор Рузвельт определил Наста генеральным консулом в Гуаякиль в Эквадоре. Во время вспышки жёлтой лихорадки Наст беззаветно помогал бесчисленным дипломатическим и деловым миссиям избежать заболевания, однако сам заразился и умер 7 декабря 1902 г. Тело Наста было привезено в США и захоронено на кладбище Вудлаун в Бронксе (Нью-Йорк).

1.  Front Cover

Антуан Жан Гро (барон Gros) 1777-1835) - французский живописец, знаменитейший из учеников Давида. 14-ти лет от роду он поступил учеником в мастерскую этого художника, в 1794 году получил первоклассную медаль на конкурсе Парижской академии изящных искусств и отправился в Италию с целью усовершенствоваться в живописи. Будучи принужден поступить на военную службу, он попал в армию генерала Бонапарта и вскоре достиг офицерского чина. Супруга полководца, Жозефина, находясь в Генуе, обратила внимание на портреты работы молодого офицера и повезла его в Милан, чтобы он написал портрет Наполеона. Там был им исполнен прекрасный эскиз, изображающий главнокомандующего итальянской армии на Аркольском мосту. В награду за этот эскиз Гро был назначен членом комиссии для собирания в побежденных городах произведений искусства для Луврского музея. После неудач французской армии в Италии в 1799 году Гро возвратился во Францию. Первою его исторической картиной была "Чума в Яффе" - картина, возбудившая всеобщее внимание. Вслед затем им были написаны: "Абукирское сражение", "Сражение при Эцлау", "Взятие Мадрида", "Пирамиды", "Ваграм". В 1812 году император поручил Гро написать в куполе Пантеона колоссальный плафон с фигурами Хлодвига, Карла Великого, св. Людовика и самого Наполеона. Возвращение династии Бурбонов, которая была забыта в проекте этого плафона, изменило его, и художнику было приказано заменить фигуру Наполеона фигурой Людовика XVIII. Работа была окончена только в 1825 году; за нее Гро получил 100000 франков и титул барона. Плафон Пантеона останется навсегда произведением, выходящим из ряда обыкновенных по грандиозности композиции, замечательной правильности рисунка и прекрасному колориту. Гро был по преимуществу живописец империи и ее величия, которое и прославлял с необыкновенным талантом в картинах, блестящих по композиции и драматизму, но страдающих несколько ходульным, театральным пафосом, свойственным школе Давида. Позднейшие произведения Гро свидетельствуют об упадке его таланта. Он не понимал романтической школы, которая начинала тогда поднимать голову, и не мог примириться с ней. Потерпев в салонах 1831 и 1833 годов сильное поражение, он попробовал еще раз бороться и выставил в Салоне 1835 года картину "Геркулес и Диомед", но также безуспешно. Увидев себя окончательно побежденным новой школой, он закрыл свою мастерскую, говоря: "Я не знаю ничего ужаснее, как пережить себя", и вскоре затем окончил свою жизнь самоубийством. Кроме вышеупомянутых картин Антуана Гро, следует указать еще на следующие его произведения: "Свидание Наполеона с императором австрийским в Моравии", "Франциск I и Карл V перед королевскими гробницами в соборе Сен-Дени", "Сафо", "Карл Х в Реймском лагере". Из написанных им портретов особенно замечательны: генерала Лассаля, императрицы Жозефины, Людовика XVIII, Карла Х, Шапталя. Он несомненно оказал огромное влияние на французскую живопись последующего периода, и едва ли кто-либо другой из художников Франции имел стольких, как он, учеников. Энциклопедический словарь. Брокгауз Ф. А., Ефрон И. А.

1. Gros Jean Antoine Portrait of Mademoiselle Recamier

Джеймс Тиссо (англ. James Tissot, собственное имя Жак-Жозеф Тиссо, 15 октября 1836 — 8 августа 1902) — французский художник, работал в Англии. Родился в Нанте. Учился в парижской Школе Изящных искусств, а также у Энгра и Фландрена[1]. В первый раз выставился в Салоне в возрасте 23 лет. В 1861 г. выставил «Встречу Фауста и Маргариты», которая была приобретена государством для Люксембургской галереи. Первый период художника характеризуется его вниманием к образам хорошеньких женщин, в частности, в серии работ, названной им La Femme a Paris. Сражался на франко-прусской войне. Подозреваемый в сочувствии к коммунарам, уехал из Парижа в Лондон, где начал учиться гравюре у сэра Сеймона Хэдена, рисовал карикатуры для журнала Vanity Fair и писал многочисленные портреты и жанровые картины. «Бал», 1880, музей Орсе, Париж В 1870-гг. Тиссо встретил разведённую с мужем миссис Кэтлин Ньютон, которая стала его спутницей и натурщицей для многих его полотен. Она переехала в его дом и жила с ним до своей смерти в 1882 г. в возрасте 28 лет по причине самоубийства из-за страданий от поздней стадии туберкулёза. Художник покинул Париж, куда он вернулся после смерти Кэтлин Ньютон, и отправился в Палестину. Он обратился к основной теме своего художественного наследия — созданию семисот акварелей, иллюстрирующих жизнь Иисуса и Ветхий Завет. В 1896 г. серия из 350 рисунков по Новому Завету была выставлена в Париже, на следующий год — в Лондоне. Затем они были опубликованы парижской фирмой «Лемерсье», заплатившей за них 1 100 000 франков. В настоящий момент коллекция из полутысячи рисунков, акварелей и картин маслом из этой серии находится в коллекции Бруклинского музея. Затем настала очередь ветхозаветных сюжетов, работой над которыми он продолжал заниматься до самой смерти. Достоинства библейских рисунков Тиссо — скорее в аккуратности, с которой он изучал детали быта, чем в уровне религиозного чувства.

1. 

Содома (итал. Il Sodoma, собственное имя Giovanni Antonio Bazzi, 1477, Верчелли, Пьемонт — 15 февраля 1549, Сиена) — итальянский художник сиенской школы живописи.Содома принадлежит к выдающимся художникам Высокого Возрождения и раннего маньеризма. В XVII и XVIII веках его считали второстепенным живописцем, однако, начиная с XIX века интерес к нему возрос, и в дальнейшем художник занял надлежащее место в ряду великих мастеров.Джованни Антонио происходил из семьи башмачника из Бриандате по имени Джакомо ди Антонио деи Бацци, который к 1475 году перебрался в городок Верчелли (Пьемонт), а в 1476 году женился на некой Анджелине из Бергамо. У них было трое детей, два сына — Джованни Антонио и Никколо, и дочь Амадея. Будущий художник был старшим среди детей Бацци, он родился в 1477 году, а в 1490 г. поступил в обучение к пьемонтскому живописцу Джованни Мартино Спанцотти. В нотариальных архивах Верчелли сохранилось соглашение от 20 ноября 1490 года, которое отец Содомы, Джакомо Бацци, заключил с художником Джованни Спанцотти о том, что тот будет обучать его сына всем разновидностям живописи, включая работу по стеклу и дереву, в течение семи лет. Вместе со Спанцотти Содома некоторое время жил в Милане, где попал под влияние творчества Леонардо да Винчи, хотя точных свидетельств об их контакте не существует. Около 1501 г. художник оказывается в Сиене.Вазари сообщает, что в Сиену Содома прибыл по приглашению купцов из семейства Спанокки.Приехав в Сиену, Содома получил первые большие престижные заказы. В 1508 году он закончил фрески, начатые в 1497 году Лукой Синьорелли в монастыре Монте Оливето, который находится по пути из Сиены в Рим. Вазари описывает скандал, связанный с этими фресками — они были посвящены сценам из жизни святого Бенедикта Нурсийского. В одной из сцен святой Бенедикт, стараясь навести порядок во вверенном ему монастыре, прогоняет куртизанок, присланных монахом Флорентиусом для совращения монастырской братии. По словам Вазари, Содома нарисовал этих женщин обнажёнными, вызвав смятение у монахов и возмущение у руководства монастыря. Куртизанок пришлось одеть, хотя в данном случае, похоже, Содома просто строго следовал каноническому описанию жития св. Бенедикта. С другой стороны, в свои тридцать лет он вряд ли не знал, какую реакцию могут вызвать в мужском монастыре изображения голых женщин.Паоло Джовио, составивший в 1523-27 годах «Жизнеописание Рафаэля», сообщает о Содоме, что ему присуще «абсурдное и переменчивое, с печатью безумия мышление». Тем не менее, Джовио считает его «наследником Рафаэля», а это свидетельствует о высоком почтении и уважении, которое художник имел среди своих современников. Однако, основным источником, обрисовывающим характер мастера, служит жизнеописание Содомы, составленное Джорджо Вазари (1568 г.). Вокруг версии, изложенной этим автором, возникало множество дискуссий. Одни исследователи считают, что Вазари почти во всём прав, другие утверждают, что порочащие художника истории сочинил его соперник и бывший ученик Доменико Беккафуми, а Вазари некритически их пересказывалВазари описывает Джованни Антонио как «сумасброда» и «скотину». Он считал, что художник не стремился к общению с людьми мудрыми и достойными, но вместо этого «…держал у себя дома всякого рода диковинных зверей: барсуков, белок, обезьян, мартышек, карликовых осликов, лошадей, берберийских призовых рысаков, маленьких лошадок с острова Эльба, соек, карликовых кур, индийских черепах и других подобного же рода животных… Кроме этих всех зверюг был у него ворон, которого он научил говорить, и который часто передразнивал голос Джованни Антонио… Равным образом и все остальные животные были ручными настолько, что постоянно ходили за ним по дому, разыгрывая самые странные игры и издавая самые дикие звуки, какие только бывают на свете…». Словом, Джованни Антонио любил общаться со зверушками, это доставляло ему удовольствие, и зверушки отвечали ему взаимностью. Слова Вазари частично подтверждаются фреской «Чудо с решетом» в монастыре Монте Оливето, в которую Содома вписал свой портрет. У его ног можно видеть двух ручных барсуков, и, вероятно, того самого ворона, который говорил его голосом.Вокруг прозвища «Содома» также было множество дискуссий и предположений. Существует мнение, что изначально его семейным именем или прозвищем было «Содона» (иногда он так подписывал картины), которое потом трансформировалось в «Содома». Впрочем, это мало что меняет в эксцентричном характере художника, который, судя по описаниям Вазари, с удовольствием принимал прозвище Содома, намекающее на содомский грех. И не просто принимал, но бравировал им, дабы эпатировать почтенную публику. Джованни Антонио пристрастился к конским бегам — сиенскому палио. Сохранились документы, согласно которым он участвовал в палио и приобретал для этих целей дорогих скакунов. По сообщению Вазари, как-то однажды, во время пребывания Джованни Антонио во Флоренции, его конь выиграл бега. В соответствии с правилами, имя владельца победителя нужно было громко выкрикивать при вручении приза. Джованни Антонио спросили, какое имя выкрикивать, он ответил: «Содома». Так и кричали. "Однако, услыхав столь грязное имя, некоторые добронравные старцы стали шуметь и говорить: «Что за свинство такое, что за срам оглашать наш город таким позорным именем?» — пишет Вазари.В описании Вазари Содома предстает экстравагантным и необычным человеком, которого обожала сиенская молодёжь: «…большинство сиенских юношей бегали за Содомой, прославляя его как человека необыкновенного». К этому надо добавить, что Джованни Антонио сочинял куплеты непристойного содержания, и имел привычку распевать их под собственный аккомпанемент. Вазари пишет, что прозвище «Содома» художник получил за то, что «… всегда и общался и жил с безбородыми юнцами». Однако это в большой мере опровергается тем, что в октябре 1510 года художник женился на Беатриче ди Лука Галли, дочери процветающего предпринимателя Луки Галли. Беатриче вступила в брак, принеся в качестве приданого собственный дом, а в 1511 году родила сына, названного Апеллесом, крестным отцом которого стал художник Джироламо Дженга. Однако мальчик в младенчестве умер; через год супруга родила дочь Фаустину, которая впоследствии вышла замуж за художника Бартоломео Нерони, известного как Риччо, бывшего ученика её отца.Эксцентричные выходки Содомы, вероятно, помогали ему обрести связи и покровителей среди знати и богатых предпринимателей. Среди них был Агостино Киджи, меценат и банкир, ссужавший деньгами римских пап. Судя по всему, Киджи нравились необычные и талантливые люди; благодаря нему Содома вступил в дружеские отношения с Пьетро Аретино, и получил престижные заказы. Среди поклонников его таланта были принц Пьомбино, папа Лев X, с восторгом принявший картину Содомы с изображением Лукреции, и пожаловавший художнику рыцарский титул «кавальере ди Кристо», а также император Карл V, давший художнику графское звание (пфальцграф).Содома не был богат, и ему, судя по всему, не удавалось удачно вкладывать гонорары в недвижимость, как это делали некоторые процветающие художники эпохи Возрождения. Его увлечениями были чудачества и скачки, а кони стоили больших денег (в конце XV века простой дом стоил 100—200 флоринов, «улучшенной планировки», то есть каменная коробка в три этажа в городском квартале, 300—400 флоринов, а хорошая верховая лошадь 70-85 флоринов). В 1531 году он сам для себя составил шуточный список для налогообложения своего имущества. В нем значились то ли сад, то ли ферма в Фонте Нуова, дом в квартале Валероцци, и восемь лошадей. Следующими пунктами в списке шли обезьяны, вороны, павлин, совы, и «три злых зверя, которыми являются три женщины». В 1534 году он купил ещё один дом, однако в 1537 году и дом и сад ушли из его рук.Вазари пишет, что «… жена ему вскоре надоела, и так как он был скотиной, он навсегда от неё отказался, и она жила в одиночестве собственными трудами…», однако документы от 1531 и 1541 года свидетельствуют о том, что, по крайней мере, в эти годы Содома и его супруга жили вместе. Вазари также сообщает, что в старости он был немощным, бедным и дряхлым, и, заболев, окончил свои дни в больнице в возрасте 75и лет в 1554 году, однако проверить его сообщение можно лишь частично. Содома скончался в Сиене 15 февраля 1549 года в возрасте семидесяти двух лет — эта дата известна из письма от 15 февраля 1549 года, посланного Алессандро Буонинсеньи своему брату Бернардино, служившему послом в Неаполе — « … кавальере Содома скончался прошлой ночью». Посмертная опись имущества от 1549 года сообщает об оставшемся в его мастерской небольшом количестве картин, «антиков», и личных вещей художника.Самое раннее творчество художника остаётся неизвестным; его работы, созданные до переезда в Сиену, не сохранились. Первым крупным произведением Содомы являются фрески в трапезной оливетского монастыря Св. Анны в Кампрене недалеко от Сиены. Согласно контракту, подписанному со стороны монастыря Фра Андреа Косса, работы были начаты в 1503 году и завершены к июню 1504. В контракте содержалась краткая инструкция, касающаяся иконографической программы и размещения отдельных сцен. Некоторых монахов Содома изобразил del proprio, то есть писал с натуры. На стене напротив входа художник изобразил «Чудо с хлебами и рыбами», напротив этой фрески — «Пьету» (то есть оплакивание Христа), слева «Конфирмацию Ордена оливетов» (по другой версии — «Св. Бенедикт с монахами»), а справа «Святую Анну с Богоматерью и двумя оливетскими монахами». В других местах он в монохромной технике изобразил «Сцены из жизни Св. Анны», а также фриз с гротесками. Эти фрески дают представление о том, какую школу художник прошёл в Милане. Например, во фреске «Пьета» видно внимание, которое художник уделял жестам персонажей и выражению их лиц. Это свидетельство влияния на него Леонардо да Винчи, считавшего, что «жесты лучше всего передают состояние души».Следующим большим заказом стали фрески в монастыре Монте Оливето, которые были созданы вскоре после завершения работ в монастыре Санта Анна. Они и сегодня являются самым крупным и известным фресковым циклом Содомы. Художник приступил к работам в 1505 году, и трудился там до 1508 года. По крайней мере, в двух фресках исследователи усматривают влияние «Битвы при Ангиари» Леонардо да Винчи, которая явно послужила источником вдохновения для таких сцен, как «Св. Бенедикт принимает римских мальчиков Мавра и Плацидия» и «Св. Бенедикт предсказывает разрушение Монтекассино». На последней изображена группа солдат с несколько карикатурными лицами. В этой композиции исследователи видят также влияние Рафаэля. Рафаэлевскую идею с солдатами Содома повторил в картине «Снятие с креста» (Пинакотека, Сиена), которая была создана для алтаря семейства Чинуцци в сиенской церкви Сан Франческо. Стиль произведения значительно отличается от фресок в монастырях Санта Анна и Монте Оливето; это послужило поводом для предположения, что картина была написана после завершения фресок в двух монастырях, то есть после 1508 года, несмотря на то, что сохранился документ от 1502 года, в котором заказчик, Герардо Чинуцци, высказывает желание начать работы по созданию алтаря.Во время работ над фресками в двух монастырях Содома написал несколько мифологических и исторических сюжетов в сиенском дворце Сигизмондо Киджи (сцены из «Метаморфоз» Овидия, и сцены из жизни Юлия Цезаря).Содома и Рафаэль Санти. Роспись свода Станца делла Сеньятура. 1508г. Ватикан.В 1508 году художник уезжает в Рим. Согласно Вазари, из Сиены его туда привёз меценат и папский казначей Агостино Киджи. Содоме была поручена роспись папских покоев, Станца делла Сеньятура. Он расписал гротесками и орнаментами свод зала, однако большая композиция на стене не понравилась папе Юлию II, он приказал ее сбить, отстранил художника от работ, и распорядился, чтобы его место занял Рафаэль. Трудно сказать, какие отношения после этого сложились у Содомы с Рафаэлем, однако, последний в своей фреске «Афинская школа» написал совместный с Содомой портретПосле этой неудачи художник вернулся в Сиену, но позднее вновь приехал в Рим, так как Агостино Киджи предложил ему работы в своём дворце, ныне известном как вилла Фарнезина. Вилла Фарнезина была построена в 1505 – 6 годах за пределами Рима, перед его городскими воротами и холмом Джаниколо по заказу Агостино Киджи в качестве его загородной резиденции. Пиры и празднества, которые устраивал в своей сельской вилле банкир Киджи, ещё при его жизни обросли легендами. В произведениях поэтов райские сады виллы Фарнезина и сама постройка прославлялись в качестве новой обители богов и муз. Здание было спроектировано Бальдассаре Перуцци, а его внутренние покои расписаны лучшими художниками той эпохи – Перуцци, Рафаэлем, Содомой и Себастьяно дель Пьомбо.Содома расписал спальню этого дворца фресками с сюжетами из жизни Александра Македонского, среди которых выделяется сцена с изображением свадьбы Александра и Роксаны, благодаря ей комнату ныне именуют Stanza delle Nozze di Alessandro e Rossane (Комната бракосочетания Александра и Роксаны). Спальня примыкает непосредственно к пиршественному залу, который позднее был расписан Бальдассаре Перуцци. В общей сложности Содома написал здесь три фрески: «Бракосочетание Александра и Роксаны», «Семейство Дария перед Александром», "Битва". Четвёртую фреску «Александр с Буцефалом» исследователи ныне не считают работой Содомы. Предположительно её выполнил кто-то из близких художников, достаточно удачно имитировавших его манеру.Из сочинения Лукиана известно, что в античные времена существовала картина художника Этиона, посвященная бракосочетанию Александра и Роксаны. На ней было изображено, как Александр протягивает венец Роксане, восседающей на брачном ложе, а по сторонам от неё находятся Гефестион и бог – покровитель брака Гименей, в то время как амуры играют оружием Александра. Судя по всему, художники в вилле Фарнезина стремились воссоздать либо превзойти этот древний образец. Интересно, что первоначально Киджи хотел отдать заказ на роспись комнаты Рафаэлю, который подготовил рисунки (один из них хранится в венской Альбертине), однако Содома на сей раз оказался успешнее. Тем не менее, и в этой фреске Содомы можно видеть влияние Рафаэля – фигура служанки, удерживающей на голове кувшин, явно позаимствована из рафаэлевского «Пожара в Борго», написанного в «Станца дель Инчендио» Ватиканского дворца.Напротив фрески «Бракосочетание Александра и Роксаны» ранее стояло роскошное ложе Агостино Киджи, словно бы сошедшее с композиции. Все росписи виллы Фарнезина были призваны провести параллели между героями античной эпохи, и возвышенностью жизни банкира Киджи, ощущающего себя неким «новым Александром.Содома. Бракосочетание Александра Македонского и Роксаны. На правой стене спальни Содома изобразил фреску «Семейство Дария перед Александром». На ней мать убитого Дария Сисигамбия ошибочно принимает за Александра его друга Гефестиона, в то время истинный повелитель любезно склонился перед нею. Стоящие слева дочери Дария изображены с рафаэлевской грацией. На уровне цоколя Содома написал Вулкана, кующего в своей кузнице стрелу Амура, и Амура, подбирающего стрелы. Эти произведения датируют 1516-17 годами (хотя существуют и другие датировки)Во время пребывания в Риме Содома написал одну из своих самых известных картин, «Лукрецию» (Будапешт, Художественный музей). Трагический сюжет с полуобнаженной Лукрецией, обесчещенной, и заколовшей себя кинжалом, чтобы кровью смыть свой позор, так пришелся по вкусу папе Льву X, что тот наградил Содому крупной суммой и рыцарским званием (Cavalliere di Cristo). Картина была прославлена серией эпиграмм, написанных Эуралио д’Асколи (Аурелио Асколано). Впоследствии художник возвращался к этой теме, и сегодня картина «Лукреция» существует в четырёх вариантах. Это произведение, в частности, даёт представление, чем отличалось пребывание Содомы в сохранившем античные древности Риме от пребывания в набожной Сиене: справа от Лукреции изображён персонаж, чей облик был списан со статуи колоссального «Версальского Юпитера» (статуя была найдена на вилле кардинала Франческо Армеллини). Позднее художник неоднократно включал этот типаж в свои картины.Несколько документов этого периода сообщают, что в 1515 году художник побывал во Флоренции, а также о том, что он был связан заказами с Якопо д’Аппиано, правителем Пьомбино, и с Альфонсо I д’Эсте, герцогом Феррары, для которого Содома написал картину «Св. Георгий и дракон» (1518 г. Вашингтон, Национальная галерея). Сохранилось письмо, которое 3 мая 1518 года художник написал Альфонсо I; в нём он сообщает, что заказ на создание произведения был ему передан послом герцога при дворе папы Льва Х, когда Содома был в Риме. Содома изобразил св. Георгия с копьём, верхом на коне, свирепый вид которого выглядит более устрашающим, чем сам поверженный дракон; справа от него спасённая принцесса Клеодолинда в сильном волнении воздела очи горе, а в небе посланный Господом ангел освящает произошедшее событие.В1518 году Джованни Антонио возвращается в Сиену. Там он пишет фрески со сценами жития Марии в оратории св. Бернардина Сиенского — «Введение Марии во храм», «Посещение св. Елизаветы», «Небесное венчание» и «Успение». Наряду с Содомой в оратории свои фрески писали Джироламо дель Паккья и Доменико Беккафуми.Содома. Св. Себастьян. 1525г. Галерея Питти, Флоренция.Период с 1518 по 1525 год остается неясным. Известно, что в 1518 году Содома отправил письма герцогу Феррары Альфонсо д’Эсте и правителю Мантуи Франческо Гонзага в надежде получить работу при их дворах, однако было ли реализовано это желание, или оно осталось неосуществлённым, неизвестно. Ученые считают, что в это время Содома совершал поездки в Ломбардию и по городам Тосканы. 3 мая 1525 года он получил заказ на изготовление gonfalone, то есть хоругви, для сообщества Сан Себастьяно ди Камоллья в Сиене (ныне в Галерее Питти, Флоренция). Из документов известно, что деньги за неё выплачивались художнику частями в течение 1526 года, а последней выплаты ему пришлось дожидаться до 1531 года. На одной стороне хоругви Содома изобразил пронзённого стрелами святого Себастьяна, на оборотной — Мадонну с младенцем во славе в окружении святых. Произведение выполнено в приглушенной, неяркой гамме; за анатомически безукоризненно выписанной фигурой св. Себастьяна простирается богатый пейзаж с античными руинами; голову святого ангел венчает короной мученика. В лепке фигуры Себастьяна ощущается влияние античной скульптуры.Вдохновение от античной скульптуры видно и в следующем крупном произведении мастера — фресках в капелле св. Екатерины Сиенской в церкви Сан Доменико, Сиена (1526 г.). Художник изобразил три сцены из жизни святой, в частности, «Казнь Николо ди Тульдо» — молодого аристократа из Перуджи, которого сиенский суд приговорил к смерти только за то, что тот резко высказался о сиенском правительстве. Св. Екатерина долго навещала Николо в застенке, уговаривая смириться с судьбой, а затем присутствовала при его казни. Художник изобразил самый кровавый момент в этом сюжете, и, несмотря на то, что событие происходило в конце XIV века, обрядил стражников в древнеримские костюмы — настолько был притягателен дух античности в то время. Однако самой выдающейся фреской в цикле со времён Вазари считается «Стигматизация св. Екатерины». Джорджо Вазари приводит мнение художника Бальдассаре Перуцци, который сказал, что «… никогда ещё не видел человека, который сумел бы выразить состояние людей, упавших в обморок и лишившихся чувств, лучше, и изобразить это более правдоподобно, чем Джованни Антонио». Росписи в капелле не были Содомой завершены, поскольку заказчики не смогли далее оплачивать работу.В этот же период Содома создал фрески в церкви Санта Кроче (ныне сняты со стен, и хранятся в Пинакотеке, Сиена). В 1529 году он стал как бы «официальным художником» Сиены, и получил правительственные заказы на работы в городской ратуше, Палаццо Пубблико, где он написал фрески и оставил два алтарных образа — «Святое семейство» и «Мадонна со святыми». Приблизительно в эти же годы он расписал фресками капеллу св. Якова в сиенской церкви Санто Спирито. Эти росписи были заказаны представителями испанской колонии, имеющей там свою усыпальницу. Сиена в этот период находилась под защитой Карла V, в городе стояли французский и испанский гарнизоны. Художник завершил работы к 16 апреля 1530 года. Испанцы были очень довольны, и прибывший в Сиену император Карл V пожаловал Содоме титул «Граф-палатин».К 1530 м годам относятся две его работы для церкви Сан Агостино — роспись ворот (1530 г., фреска очень плохо сохранилась) и «Поклонение волхвов» (1536 г.), которое он выполнил внутри храма. В 1538 году художник уезжал в Пьомбино к правившему там принцу Якопо, с которым его связывала давняя дружба (второй раз в 1545г), однако судьба работ, выполненных для Якопо д’Аппиано, неизвестна. Затем, в 1539-40 годах он работал в Вольтерре, где, по словам Вазари, выполнял заказ «…богатого и почтенного дворянина, мессера Лоренцо ди Галеотто деи Медичи», однако созданное для него произведение не сохранилось. В 1540-43 годах Содома работал в Пизе, написав для пизанского собора «Оплакивание Христа» (1540 г., Пизанский собор) и «Жертвоприношение Авраама» (1542 г., там же), а также «Мадонну со святыми» (1542 г., Пиза, музей Сан Маттео). Далее художник работал в Лукке (1545г), где, согласно Вазари, расписывал оливетский монастырь Сан Понциано, однако ни фресок, ни документов о его пребывании в Лукке, не сохранилось. От этого времени остался только один документ — письмо, которое Пьетро Аретино написал Содоме в 1545 году. О том, писал ли что-то художник с 1545 года по 1549-й, год своей смерти, ничего не известно.Самое большое собрание произведений Содомы находится в Пинакотеке Сиены. Кроме знаменитого «Снятия с креста», там есть «Христос, привязанный к колонне», «Бичевание Христа», «Рождество Христово», «Святое семейство», «св. Екатерина Сиенская», «Юдифь» и фрески, снятые со стен церкви Санта Кроче. За свою жизнь Содома написал множество «Мадонн с младенцем», теперь они хранятся в музеях Лондона, Рима, Милана, Турина, Балтимора, Филадельфии, Вашингтона, Вены, Мюнхена, Монтепульчано и Синалунги. Три варианта изображения Лукреции находятся в Ганновере, Гамбурге и Турине. Кроме этого, множество других картин на религиозные и мифологические темы хранятся в лучших музеях мира и частных коллекциях. Фресковый цикл в клуатре Монте Оливето МаджореЭтот цикл является самой крупной живописной работой Содомы. Но, кроме того, он является самым крупным и подробным живописным изложением жития «отца западного монашества» св. Бенедикта. В Тоскане сохранилось два предыдущих варианта жития св. Бенедикта, изложенного во фресках: в Сан Миньято аль Монте (закончены Спинелло Аретино после 1387 года), и в Кьостро дельи Аранчи в Бадии. Остальные фресковые циклы, посвященные житию св. Бенедикта, стали жертвами позднейшей модернизации церкви и секуляризации.Аббатство Монте Оливето Маджоре расположено в гористой местности к юго-востоку от Сиены. Его основал состоятельный учёный-юрист Джованни Толомеи (1272—1348), который отказался от должности сиенского подеста, предпочтя жизнь отшельника. Его единомышленниками были Амброджо Пикколомини и Патрицио Патрици. Втроём они создали прибежище, в котором в течение ряда лет пестовали аскетическую коммуну. 26 марта 1319 года Гвидо Тарлати, епископ Ареццо, освятил эту коммуну, дав ей статус нового религиозного ордена. Содома в 1504 году изобразил сцену освящения (конфирмации) на своей фреске в монастыре Св. Анны, который также основали монахи из Монте Оливето. На ней можно видеть коленопреклонённого Толомеи, уже принявшего монашеское имя Бернардо, с монастырским уставом в руке перед епископом Тарлати. В 1344 году орден освятил папа Климент VI . В своей практике монахи ордена руководствовались принципами Бернарда Клервосского. Во время страшной эпидемии чумы 1348 года, Бернардо Толомеи с монахами отправился в Сиену, дабы помочь больным и соборовать умерших, но сам заразился, и в том же году скончался.Основная идея росписей клуатра Монте Оливето заключалась в желании представить житие св. Бенедикта как идеал монашеской жизни, который всегда находился бы перед глазами монастырской братии, и служил для неё примером. Согласно Вазари, работы в клуатре монастыря начал Лука Синьорелли, расписавший западную стену. К сожалению, монастырские хроники до сих пор полностью не опубликованы и не изучены, поэтому точная дата начала работ неизвестна. Синьорелли написал 10 фресок, и традиционная точка зрения относит их создание к 1497-8 гг. Однако у исследователей накопились серьезные сомнения в отношении справедливости такой датировки. Некоторые считают, что он там работал после Содомы, приблизительно 1510е годы, а изобретательность и общую тональность росписей приписывают таланту Содомы, Синьорелли же, по их мнению, лишь шёл по его следам. Фреска. 1505-8. Монте Оливето Маджоре.Работу над циклом Содома начал в 1505 году, он расписал в клуатре три стены. Сохранились записи выплат ему денежных сумм в сентябре 1505 и в апреле 1506 года за стенную роспись, обозначенную как «prima storia», то есть первая сцена. За неё Содоме выплатили 10 дукатов, в отличие от обычных семи, которые платили впоследствии за каждый сюжет. Вероятно, эта сцена была наиболее трудоёмкой. К октябрю 1506 года Содома расписал всю южную стену, за что в сумме получил 62 дуката. Современные исследования подтвердили, что Содома начал роспись клуатра именно с южной стены. Двигаясь против часовой стрелки, он далее перешёл на восточную стену, и закончил работу на северной стене. В 1508 году за 12 «storia» (сцен) Содома получил в сумме 84 дуката (588 лир). Последняя выплата помечена в документах 22 августа 1508 года — эта дата и считается временем окончания работ над росписями (в октябре 1508 года имя Содомы фигурирует уже в Риме). Одну фреску в цикле, а именно «Св. Бенедикт отсылает Плацидия и Мавра» позднее написал зять Содомы, Бартоломео Нерони (Риччо). Дело в том, что фреска, созданная до того Синьорелли, располагалась над дверью, которую в 1534 году заложили кирпичом, и Риччо пришлось заново расписать стену.Основным литературным источником сведений о жизни св. Бенедикта является труд Григория Великого «Диалоги», созданный в 593-94 гг. 38 глав второй книги этого труда посвящены житию св. Бенедикта Нурсийского. В 1260е годы Иаковом Ворагинским была составлена «Золотая легенда», последовательность изложения материала в которой в значительной степени облегчила художникам выстраивание отдельных сцен в хронологическом порядке. Однако самой подробной стала версия жития св. Бенедикта, изложенная в начале XIV века доминиканским монахом из Пизы Доменико Кавалька (ок.1270 — ок.1342). В неё вошли некоторые сюжеты, не попавшие в «Золотую легенду», в частности, встреча св. Бенедикта с Тотилой, и предсказание св. Бенедиктом разрушения Монтекассино. Несмотря на то, что не все сюжеты из труда Кавалька были использованы в росписях клуатра в Монте Оливето, этот труд и «Золотая легенда» послужили главными источниками для создания фрескового цикла.Исследователи отмечают параллели между росписями Содомы и циклом, посвященным св. Бенедикту, который написал в Кьостро дель Платано в Неаполе художник Антонио Соларио в начале 1500х годов. Несмотря на то, что во фресках Содомы обнаруживаются идеи, заимствованные то у Пинтуриккьо («Бенедикт покидает родительский дом»), то у Рафаэля («Бенедикт принимает Плацидия и Мавра», «Бенедикт предсказывает разрушение Монтекассино»), в них видна рука большого мастера, синтезировавшего заимствования в собственный стиль. Содому часто обвиняют в "хамелеонской манере", поскольку исследователи давно отметили, что даже в рамках одного крупного произведения Содома мог использовать несколько разных приёмов и манер позаимствоованных у коллег, тем не менее никто не оспаривает того, что определить произведения Содомы достаточно легко. В некоторых фресках ощущается несколько наивный пафос, характерный для маньеризма, тем не менее, они выглядят реалистично и достоверно. Главным историческим достоинством фресок является то, что они очень подробно и наглядно отражают монашескую жизнь начала XVI века.

1. Sodoma St. Sebastian

Альберт Бирштадт, нем. Albert Bierstadt (7 января 1830, Золинген — 18 февраля 1902, Нью-Йорк) — один из наиболее известных американских пейзажистов XIX века. Представитель неоромантизма, изображал в своих картинах Дикий Запад и индейцев. Относился к Школе реки Гудзон. Через год после его рождения семья переехала в Америку. Позднее путешествовал по Европе, в особенности по Италии. Сделал множество рисунков Альп. В 1859 году, участвуя в геодезических измерениях в составе экспедиции Инженерного корпуса армии США, впервые посетил Скалистые горы. Во время экспедиции выполнил множество рисунков и дагерротипов, которые позднее использовал как заготовки для создания своих пейзажей. В пейзажах Бирштадт умело использовал эффект игры света и тени. Приобрёл большую популярность, одна из его картин была продана за 25000 долларов. Позднее, однако, утратил своё реноме, изготавливая низкокачественные копии своих известных работ.

1.