швейцарском (альпийском) стиле. хижина в горах, коттедж. Изначально альпийское шале – это надёжное жилище, возведенное из массивного бруса, которое должно защищать от непогоды в горах. Общая характеристика стиля Шале Шале традиционно ассоциируется с теплом и уютом деревенского домика в Альпах и, в общем, является разновидностью стиля кантри, как в архитектуре, так и в интерьере. Стиль шале – это простота, тепло и уют, продуманность деталей. Стены из бруса (или «под брус»), старинные часы с кукушкой, торшер, буфет ручной работы, интимный свет и низкий потолок. На окнах шторы из домотканой шерсти, а на лежанках – меховые пледы. Простая, удобная мебель из натурального дерева, аксессуары из кожи, меха и кашемира.

1. 

Спартако Ломбардо родился в Lulno (Италия), 26-ого марта 1958 года. Современный фигуративный живописец, на сегодняшний день активно принимает участие в многочисленных выставках современного искусства, а также с успехом проводит авторские показы своих личных произведений. Профессиональная деятельность Спартако как художника началась в 1981 году. Живопись становится для мастера смыслом существования, смыслом жизни. Черпая вдохновение из повседневности, Спартако Ломбардо пытается запечатлеть мимолетные мгновения жизни, его работы можно сравнить с “окном открытым в окружающий мир”. Спартако – представитель нового направления, стремящегося к наиболее точной и в то же время аналитической передаче реальности. Картины автора не пытаются рассказывать какую-либо историю или событие, как это делают полотна замкнутых в своих мастерских академических художников. Маэстро стремится изобразить как вещи воспринимаются человеческими чувствами, в то же время ищет способ ухватить динамичный и мимолетный аспект действительности. Ломбардо великолепно чувствует природу, с легкостью упрощая элементы пейзажа, передавая его с помощью пятен разнообразных оттенков. Динамизм пейзажа, являющийся результатом быстрых, энергичных мазков, контрастирует со статичностью персонажей. Спартако использует цвета с большим художественным чувством и изяществом. Находясь в художественном поиске, постоянно экспериментируя, вырабатывает свой собственный стиль, в котором свобода соединяется с точностью восприятия. Одна из любимых тем художника – женщина. Взгляд автора очень чувствителен и свободен от предубеждений. Фон картины – это область вибрации, в которой разнородность цветов способствует тому, что на персонаж попадает интенсивный сноп света. Можно легко заметить следы кисти на поверхности полотна. “Художник нашел способ ухватить, мерцание и отблески, появляющиеся на предметах, и окружающий их воздух… Розовый, светло-фиолетовый цвета, слегка желтоватый свет складываются в удивительную гармонию”. А. Paduano

1. 

Конец XIX - начало ХХ века искусствоведы и коллекционеры называют "золотым веком" русской эмали. Именно в этот период началось вновь возрождение этого казалось бы забытого уже в России вида искусства. Петербург и Москва становятся законодателями моды на изделия из эмалей: крупные ювелирные фирмы открывают собственные эмальерные школы и выпускают изделия самых разнообразных стилей - от древнерусских образцов в фольклорном стиле до барокко и арт-нуво. Русские декоративные эмали принесли славу таким мастерам ювелирного искусства, как Фаберже, Хлебников, Алексеев, Овчинников, Братья Грачевы, Рюкерт и многим другим. Изделия из русских эмалей представляют собой в основном предметы декоративно-подарочного назначения: это и всевозможная стилизованная под древнерусскую посуда и столовые приборы, это и броши, заколки, ручки для тростей, это и предметы домашнего обихода. Подобные ювелирные вещицы часто делались по специальному заказу и преподносились состоятельными гражданами друг другу как эксклюзивные подарки на Новый Год, Рождество, Пасху и к прочим знаменательным датам. Так большим любителем серебра с эмалями был император Николай II, в коллекции которого было множество изделий, исполненных в этой ювелирной технике. Сейчас их можно иногда увидеть на выставках в Эрмитаже. Представленные ниже образцы русских серебряных изделий демонстрируют лишь малую толику из того, что есть в этом виде декоративно-прикладного искусства.

1. 

Молочная лавка Пфунда,одна из достопримечательностей Дрездена, расположена на улице Bautzner Stra?e, в 2,5 км к северо-востоку от Театральной площади. Книга рекордов Гиннеса называет «Пфундс Молкерай» самым красивым молочным магазином в мире. Лавка существует с 1880 года как фирменный магазин «Дрезденского молочного завода братьев Пфунд». Братья Пфунд во многом были пионерами современной молочной промышленности. На их заводе впервые в Германии стала применяться пастеризация молока, начали производить сгущенное молоко и изготавливать молочное мыло и детское питание. Сначала в лавке Пфунда продавалось ежедневно около 150 литров молока. Но уже в 1930-е годы Дрезденский молочный завод братьев Пфунд перерабатывал ежедневно примерно 60 000 литров молока и снабжал Германию и весь мир всем, что можно сделать из молока: сливками, маслом, сыром, йогуртами, кефиром, пахтой, сухим и сгущенным молоком и молочным мылом. Молочная лавка Пфунда Здание лавки было построено в 1891 году: на втором этаже располагался офис компании, на первом - роскошный магазин, интерьер которого был оформлен расписанной вручную в неоренессансном стиле плиткой из майолики, созданной по эскизам художников дрезденской фабрики фаянса Villeroy & Boch (теперь всемирно известной компании по производству плитки, фарфора и элитной сантехники). На плитке изображены сюжеты, связанные с молочным хозяйством, декоративные растительные мотивы и причудливые мифологические существа. Лавка «Пфунда чудом уцелела при бомбардировках Дрездена в 1945 году. С 1978 по 1990 годы она была закрыта. После объединения Германии было решено возродить старые традиции, и лавка вновь открылась под прежним названием, но теперь она уже не принадлежит семье Пфунд. Однако все традиционные молочные товары, появившиеся при братьях Пфунд, а также различные сувениры и молочную косметику, можно и сегодня приобрести в лавке. Также в помещении лавки открыто кафе, где в прекрасных интерьерах конца 19 века можно продегустировать перед покупкой молочные продукты и выпить кофе.

1. 

Изабел ЛеМэй (Ysabel Lemay) из Флориды исследует красоту, сложность и божественность природы. На первый взгляд может показаться, что вы смотрите на гипер-реалистичные картины. Но это не картины, а фотографии, выполненные в стиле «фото-фьюжн», как его называет сама Изабел. Создание каждой работы представляет собой длительный процесс. ЛеМэй отдельно фотографирует каждый цветок, каждую веточку, листики и другие элементы. Затем эти снимки, число которых иногда исчисляется сотнями, соединяются в единую композицию при помощи графического редактора. Изготовление одной работы может длиться от 4 до 8 недель. Карьеру в искусстве она начала в 1987 году с работы в рекламных агентствах в качестве графического художника. В 2002 полностью покинула мир рекламы и сосредоточилась на живописи. В фотографию Изабел пришла в 2010 году. «Моё искусство – дань уважения природе. Каждое растение, каждое насекомое, каждая птица, которые попадают в мой объектив имеют свою индивидуальность. Именно ей я и хочу поделиться с вами. Очень часто в простых вещах живёт божественность».

1. 

Представительница современного искусства, художница и иллюстратор Агнес Буллош и ее причудливые люди и звери. Яркий представитель современного сюрреализма. На интересных картинах Буллош: переплетенье реальных предметов и нереальных образов, одно и то же лицо (автопортрет) в женских изображениях, отличная техника кисти… Агнес родилась в Марокко, но сейчас живет на родине сюрреализма – в столице Франции, Париже.

1. 

МАЙОЛИКА (итал. maiolica), вид керамики, изделия из цветной обожженной глины с крупнопористым черепком, покрытые глазурью. Для майолики характерны мягкие, округлые формы, яркая роспись - по непрозрачной глазури или (т. н. полумайолика) по белой обмазке под прозрачной глазурью. Знаменита итальянская майолика эпохи Возрождения. * * * МАЙОЛИКА (итал. maiolica, от Maiolica, старого названия испанского острова Мальорка), вид керамики, изделия из цветной обожженной глины с пористым черепком, покрытые глазурью. Для майолики характерны мягкие, округлые формы, яркая роспись по непрозрачной глазури или (так называемая полумайолика) по белой обмазке под прозрачной глазурью. Майоликовые изделия были распространены в странах Древнего Востока (Египте, Вавилонии, Иране). В средние века они известны в Средней, Центральной и Передней Азии. В Европе майолика распространяется с 14 века (в это время знаменита итальянская майолика эпохи Возрождения), в 18 веке изделиями из майолики славились Испания, Германия, Франция. В Древней Руси искусство майолики знали уже в 11 веке. В 18 веке майоликовую посуду, изразцы, мелкую пластику с монохромной росписью по белому фону выпускал завод Гребенщикова в Москве, с полихромной — мастерские Гжели. Майолику часто использовали художники стиля модерн. Прекрасные образцы художественной майолики изготовлялись в мастерских Абрамцева. В 20 веке к майолике обращались выдающиеся французские художники П. Пикассо, Ф. Леже, их работам свойственны поиски новых возможностей керамической массы, глазури, эмали. * * * Статья известного русского историка искусства А. И. Сомова ''Майолика'' из ''Энциклопедического словаря Брокгауза и Ефрона'' (1890–1907): Майолика — итал. блюда, вазы, аптекарские банки, различная посуда для домашнего употребления и комнатного убранства, архитектурные украшения и вообще изделия всякого рода из обожженной глины, покрытые непрозрачною глазурью и раскрашенные огнеупорными красками. Название таких изделий произошло от о-ва Майорки (Maiolica — имя о-ва, смягченное итальянским народным произношением), откуда, в 1115 г., были впервые вывезены генуэзцами, как военная добыча в борьбе с пиратами, испано-мавританские керамические сосуды и поливные плиты, послужившие для итальянских гончаров образцами при их опытах производства М. Кроме этих образцов, между которыми особенно замечательны вазы и блюда, орнаментированные чаще всего немногоцветными узорами и отсвечивающие на своей поверхности металлическим отблеском (rifletto, reflet) стали или меди, на развитие М. несомненно имели влияние подобные изделия Малой Азии и Персии, занесенные в Италию через сношения ее торговых городов с Сицилией и Востоком. Колыбелью итальянской М. может считаться Пиза, где впервые появились подражания арабским и персидским работам. Отсюда производство М. перешло прежде всего на берега р. Метауро, в урбинском герцогстве, и затем распространилось как в его столице и других городах, так и в разных, более или менее отдаленных от него, местах Апеннинского полуо-ва. Вначале итальянские мастера изготовляли только так наз. полумайолику (mezzo-maiolica), т., е. предметы из красной глины, покрывавшиеся тонким слоем белой и, после первого их обжигания, получавшие разрисовку и свинцовую глазурь, за которыми следовало вторичное обжигание. Настоящая М. явилась тогда, когда стали употреблять для изделий желтоватую или беловатую глину и; вместо свинцовой поливы, покрывать ее глазурью из смеси окисей свинца и олова, которою уже пользовался для своих терракот знаменитый Лука делла-Poббиa. Развитию М. много способствовали быстро усилившийся запрос на нее в высших слоях общества и покровительство, оказываемое ей владетельными особами, особенно урбинскими, феррарскими и флорентийскими герцогами, также общий подъем итальянского искусства в эпоху Возрождения. Период процветания М. продолжается с конца XIV по конец XVI ст. В эти два столетия она достигает высокого совершенства в отношении форм изделий, блеска и гармонии красок, качества поливы, вообще тонкости и изящества работы; занимающиеся ею мастера нередко выказывают себя истинными артистами; лучшие итальянские художники не гнушаются сочинять рисунки для воспроизведения на сосудах. В особенности пользуются известностью продукты фабрик Урбино, Губбио, Кастель-Дуранте (ныне Урбании), Пезаро, Форли, Деруты, Каффаджоло, Фаэнцы, Феррары; сверх того, существовали майоликовые мастерские в Сиенне, Фьезоле, Римини, Фабриано, Венеции, Падуе, Бассано, Витербо, Неаполе и мн. др. местах. Произведения одной местности отличаются от изделий другой преобладанием и любимым сочетанием известных красок, характером орнаментации, свойством поливы, цветом ее металлического рефлекса и т. п. признаками, по которым современные нам любители и собиратели М. распознают работы различных фабрик и мастеров, независимо от марок, нередко встречающихся на этих предметах. Так, например, мастера Губбио, в числе которых самыми искусными были Джорджио Андреоли, его братья, Салимбени и Джованни, обращали внимание больше всего на силу, а его сын, Виченцио, на гармонию красок, и щеголяли золотистыми и рубиновыми отблесками своих блюд с изображением нестрого нарисованных исторических сюжетов и бюстов красавиц (т. наз. amatorie — блюда, на которых посылались или подносились в подарок сласти по случаю свадеб и др. торжеств). Напротив того, фабрики Урбино, производившие М. в огромном количестве, которое расходилось не только по всей Италии, но и в других странах Европы, славились изяществом форм роскошной посуды и художественностью украшающих ее рисунков, по большой части копий с композиций Рафаеля и др. знаменитых живописцев. Главные мастера здесь были Франческо Гардуччи, Асканио дель-фу-Гвидо, высокодаровитый Франческо Ксанто, семейство Фонтана и др. Рефлекс золотистого или рубинового цвета, нередко встречающийся на урбинским М., нежнее и чище чем тот, которого достигали мастера Губбио. Изделия тосканского городка Каффаджоло узнаются по краскам: темно-синей, почти черной или воронова крыла, густой кобальтовой, а также ярко-желтой и оранжевой, гармонирующей с синим цветом и выделяющейся на ярко-белом фоне. Изображения на этих изделиях состояли преимущественно в арабесках сначала восточного характера, а потом стиля Возрождения, в гербах, аллегорических фигурах и эмблемах и отчасти в религиозных сценах. Отличительными признаками М. пезарского происхождения (главные мастера — Джиронамо дел-де-Габбиче, его два сына, Бернардино Гальярдино и Якомо Ланфранко) преимущественно служат желтая полива и лиловатый металлический отблеск. Здесь впервые стали изображать на чашах и блюдах бюсты и конные фигуры воинов, рыцарские сцены и портреты молодых женщин (amamorie). Специальностью Кастель-Дуранте был глубокий голубой или золотисто-желтый фон, на котором изображались, преимущественно белою и серою красками, арабески, арматура, грифоны, сирены, амуры, густые гирлянды, пучки цветов и т. п. Из мастерской Деруты, устроенной учеником Л., делла-Роббиа, Антонием дель-Дуччьо, выходила посуда с рельефами, вазы в виде сосновых шишек, тонкие М., расписанные орнаментами и изображениями женских бюстов и исторических сюжетов; господствующими в ней красками были голубая или бистрового цвета, рефлексы — янтарные. Фаэнца отличалась легкостью своих изделий и превосходною, белою, блестящею их поливой; орнаментация их состояла по большой части в изящных арабесках, светлых на светлом, преимущественно лиловато-сером фоне. В середине XVI ст. манера исполнения и сюжеты фаэнцских М. несколько изменились, и они стали сильно походить на урбинские вследствие перехода в Фаэнцу тамошних мастеров; желтого цвета с металлическим отблеском эта местность не знала до конца. Производство прекрасных М. развивается, во 2-й половине XV в., в Неаполе и его окрестностях (так назыв. абруццская школа). Из здешних фабрик выдается над всеми достоинством своих работ основанная в Кастелли и управляемая талантливыми мастерами Нордо ди-Кастелли и Антониусом Лоллусом. Последнему приписывают изобретение позолоты по фаянсу, заимствованное от него урбинскими и друг. итальянскими керамистами. После следовавшего затем продолжительного упадка, фабрика эта снова возвышается в конце XVII в., благодаря трудам Джованни Груе, потомство которого поддерживает ее репутацию до самой средины XVIII ст. Из прочих пунктов Италии, имевших мастерские М., следует назвать Венецию. Между ее разнообразными изделиями особенно замечательны, в XVII ст., тарелки и блюда из плотной, стекловидной и легковесной глины, издающие при ударе металлический звук; края их украшены по большой части рельефными изображениями плодов и листьев, а дно — живописью, представляющей человеческие фигуры, иногда копии с картин Тициана и других живописцев. С начала XVIII ст., под влиянием вкуса времени, пристрастного к роскоши и маньеризму, отдающему предпочтение фарфору перед фаянсом, М. начинает падать повсеместно в Италии и превращаться из искусства в рутинное ремесло. Новейшие попытки возродить ее в этой стране не привели пока к результатам, которые затмили бы достоинство старинных изделий того же рода и уменьшили бы их интерес в глазах любителей изящного. Производство М. было занесено из Италии во Францию, где вообще, при королях Франциске I и Генрихе II, изготовление художественной посуды стояло очень высоко; но возникшие здесь майоликовые мастерские мало помалу были вытеснены фабриками фаянса. М. была известна также Швейцарии, Австрии, Германии и Нидерландам; однако, нигде не достигала такого совершенства, как в классической стране искусства. Образцы М. можно видеть в СПб., в Отделении Средних Веков и эпохи Возрождения Имп. Эрмитажа, а также в музеях Имп. общества поощрения художеств и центрального училища прикладного искусства бар. Штиглица. Ср. F. de Mely, ''La Ceramique italienne'' и A. Genolini, ''Maioliche italiane'' (Милан, 1881). А. С — в.

1. 

Китайская перегородчатая эмаль не только традиция культуры Китая, но и признак высокого статуса и богатства. Название обусловлено периодом правления династии Цзинтай (1450-1456 гг.), когда массовое изготовление изделий (ваз, чайных сервизов и т.д.) из лазорево-синей эмали достигло расцвета. Пекинская техника перегородчатой эмали — производство целиком ручное и трудоемкое. Каждое изделие уникально и неповторимо своим орнаментом и цветовой гаммой. Заготовка выковывается из тончайших медных (латунных) листов. В самых изысканных изделиях - из серебра и золота. Придается первоначальная форма, шлифуется. Нанесение сложного рисунка по тканевому шаблону — работа тонкая и кропотливая. Еще более филигранная точность нужна при нанесении границ рисунка — перегородок, шириной всего 1 до 3 мм. Внимательный мастер режет медную или латунную ленту, изгибает ее по форме элементов орнамента. Сотни перегородок прикрепляются специальным клеем и присыпаются измельченными серебряными опилками. При обжиге клей выгорает, а припай надежно закрепляет перегородки. Ручная раскраска – процесс трудоемкий: ячейки заполняются эмалью из смеси порошкообразного стекла и минералов. Смешанные цвета получают при 3-4-кратном заполнении. Несколько повторных обжигов и закреплений эмалевого покрытия. Несколько этапов полировки. У особо дорогих изделий золотое или серебряное покрытие граней. И… готово произведение тончайшего искусства. Отличительный признак перегородчатой эмали — цельное заполнение ячеек. Техника «цзинтайлань» характерна природным орнаментом с изображением птиц и зверей.

1. 

Лиможская эмаль (фр. ?mail de Limoges), прежде известная как Лиможская работа (фр. ?uvre de Limoges, лат. Opus lemovicense) — специальная техника обработки изделий из эмали, называемая выемчатой эмалью, которая появилась в середине XII века во французском городе Лиможе, исторической провинции Лимузен. Получив глубочайшее признание в государствах западной Европы, эмальеры прекратили использовать эту технику в середине XIV века. Далее, в течение XIV и XV веков получили распространение ювелирные изделия, где по рельефу предмета наносилась полупрозрачная эмаль, но Лиможские мастера почти не работали в этой технике. Впоследствии, начиная с конца XV века, во Франции появилась новая технология изготовления предметов эмали — художественная эмаль, или еще известная как раскрашенная эмаль. Очень быстро художественная эмаль, подобно выемчатой эмали, в своё время, стала монопольно производиться в лимузенских мастерских. В настоящее время при производстве изделий эмали одни мастера используют классическую технику, а другие — обновлённую .

1.