Знаменитая «Джоконда» кисти Леонардо да Винчи относится к числу наиболее загадочных портретов в истории мировой живописи. Здесь все тайна: возникновение картины, личность изображенной женщины, необъяснимая изменчивость ее лица. Замечено, что в зависимости от освещения и угла зрения оно выражает абсолютно разные настроения – от легчайшего намека на улыбку до недоброй усмешки. Этой картине размером 77х53 см посвящены сотни книг, тысячи статей, фильмы, спектакли… А тайна все равно остается. Тайна, имя которой – улыбка…



КТО ЕСТЬ КТО

«Взялся Леонардо выполнить для Франческо Джокондо портрет Моны Лизы, жены его, и, потрудившись в течение четырёх лет, оставил его незавершенным. Во время писания портрета он держал людей, которые играли на лире или пели, и тут постоянно были шуты, которые удаляли от нее меланхолию и поддерживали веселость. Потому улыбка ее столь приятна».

Это единственное свидетельство о том, как создавалась картина, принадлежит современнику да Винчи, художнику и писателю Джорджо Вазари (правда, ему было всего восемь лет, когда умер Леонардо). На основании его слов вот уже несколько веков женский портрет, над которым мастер трудился в 1503-1506 годах, считается изображением 25-летней Лизы – жены флорентийского магната Франческо дель Джокондо. Так написал Вазари – и все поверили. Но вероятностно, это ошибка, и на портрете другая женщина.



Доказательств немало: во-первых, головной убор – вдовья траурная вуаль (между тем Франческо дель Джокондо прожил длинную жизнь), во-вторых, если существовал заказчик, почему Леонардо не отдал ему работу?

Известно, что художник держал картину у себя, а в 1516 году, покидая Италию, увез ее во Францию, король Франциск I в 1517 году заплатил за нее 4000 золотых флоринов – фантастические деньги по тем временам. Впрочем, и ему «Джоконда» не досталась. Художник не расставался с портретом до самой смерти.

В 1925 году у искусствоведов возникло предположение, что на половине изображена герцогиня Констанция д'Авалос – вдова Федерико дель Бальцо, любовница Джулиано Медичи (брата папы Льва Х). Основанием для гипотезы послужил сонет поэта Энео Ирпино, в котором упоминается ее портрет работы Леонардо.

В 1957 году итальянец Карло Педретти выдвинул иную версию: на самом деле это Пачифика Брандано, еще одна любовница Джулиано Медичи. Пачифика, вдова испанского дворянина, имела мягкий и весёлый нрав, было хорошо образованна и могла украсить любую компанию. Немудрено, что такой жизнерадостный человек, как Джулиано, сблизился с ней, благодаря чему появился на свет их сын Ипполито.



В папском дворце Леонардо предоставили мастерскую с подвижными столами и столь любимым им рассеянным светом. Художник работал не торопясь, тщательно прописывая детали, особенно лицо и глаза. Пачифика (если это она) на картине вышла как живая. Зрители изумились, нередко пугались: им казалось, что вместо женщины на картине вот-вот возникнет чудовище, какая-нибудь морская сирена. Даже пейзаж за её спиной заключал в себе нечто таинственное.

Знаменитая улыбка никак не ассоциировалась с представлением о праведности. Скорее, здесь было что-то из области колдовства. Именно эта загадочная улыбка останавливает, тревожит, завораживает и зовет зрителя, как бы вынуждая вступить в телепатическую связь.

ГЕНИЙ ВОЗРОЖДЕНИЯ

Художники ренессанса максимально раздвинули философско-художественные горизонты творчества. Человек вступил в соперничество с Богом, он подражает ему, он одержим великим желанием творить. Его захватывает тот реальный мир, от которого отвернулось Средневековье ради мира духовного.

Леонардо да Винчи анатомировал трупы. Он мечтал взять верх над природой, научившись менять направление рек и осушать болота, он хотел похитить у птиц искусство полета. Живопись была для него экспериментальной лабораторией, где он вел постоянный поиск все новых и новых выразительных средств. Гений художника позволял ему увидеть за живой телесностью форм подлинную сущность естества. И тут нельзя не сказать об излюбленной мастером тончайшей светотени (сфумато), которая являлась у него своеобразным ореолом, заменившим средневековый нимб: это в равной мере и божественно-человеческое, и природное таинство.



Детали лица Моны Лизы показывают технику сфумато, особенно тени возле глаз

Техника сфумато давала возможность оживлять пейзажи и удивительно тонко передавать игру чувств на лицах во всей ее изменчивости и сложности.

Сфума́то (итал. sfumato — затушёванный, буквально — исчезающий как дым) — в живописи смягчение очертаний фигур и предметов, которое позволяет передать окутывающий их воздух. Приём сфумато разработал Леонардо да Винчи в теории и художественной практике.

Чего только Леонардо не изобретал, надеясь осуществить свои замыслы! Мастер неутомимо смешивает различные вещества, стремясь получить вечные краски. Кисть его так легка, так прозрачна, что в ХХ веке даже рентгеноскопический анализ не выявит следов ее удара, Сделав несколько мазков, он откладывает картину, чтобы дать ей высохнуть.

Его глаз различает малейшие нюансы: солнечные блики и тени одних предметов на других, тень на мостовой и тень печали или улыбки на лице. Общие законы рисунка, построения перспективы лишь подсказывают путь. Собственные поиски обнаруживают, что свет обладает способностью искривлять и выпрямлять линии: «Погружать предметы в световоздушную среду – значит, по сути, погружать их в бесконечность».

Портрет Джоконды – подлинный манифест великого художника. В него вложены мучительные усилия гения. В нем воплощен сам дух Возрождения.

СКВОЗЬ ВЕКА В ОРЕОЛЕ ТАЙНЫ

Ее звали Мона Лиза Герардини дель Джокондо, может, Изабелла Гуаландо, Изабелла д'Эсте, Филиберта Савойская, Констанция д'Авалос, Пачифика Брандано… Кто знает?

Неясность происхождения лишь способствовала ее известности. Она прошла сквозь века в сиянии своей тайны. Долгие годы портрет «придворной дамы в прозрачном покрывале» был украшением королевских коллекций. Её видели то в спальне мадам де Ментенон, то в покоях Наполеона в Тюильри. Людовик ХIII, резвившийся еще ребенком в Большой галерее, где она висела, отказался уступить её герцогу Букингемскому, заявив: «Невозможно расстаться с картиной, которую считают лучшей в мире». Повсюду – и в замках, и в городских домах – дочерей пытались «обучить» знаменитой улыбке.

Так прекрасный образ превратился в модный штамп. У профессиональных художников популярность картины всегда была высока (известно более 200 копий «Джоконды»). Она породила целую школу, вдохновляла таких мастеров, как Рафаэль, Энгр, Давид, Коро. С конца XIX века «Моне Лизе» стали посылать письма с объяснением в любви. И всё же в причудливо складывающейся судьбе картины недоставало какого-то штриха, какого-то сногсшибательного события. И оно произошло!



Справа - самая ранняя копия знаменитой «Джоконды». Существует несколько десятков репродукций «Моны Лизы», выполненных в XVI–XVII веках. Эксперты считают, что обнаруженная копия была сделана с оригинала одним из учеников да Винчи в XVI веке.

21 августа 1911 газеты вышли под сенсационным заголовком: «Джоконда» украдена!» Картину энергично разыскивали. О ней горевали. Опасались, что она погибла, сожженная неловким фотографом, снимавшим ее при помощи магниевой вспышки под открытым небом. Во Франции «Джоконду» оплакивали даже уличные музыканты. «Бальдассаре Кастильоне» кисти Рафаэля, установленной в Лувре на месте пропавшей, никого не устраивал – ведь это был всего лишь «обыкновенный» шедевр.

«Джоконду» нашли в январе 1913 года спрятанной в тайнике под кроватью. Вор, бедный итальянский эмигрант, хотел вернуть картину на родину, в Италию.

Когда кумир столетий вновь оказался в Лувре, писатель Теофиль Готье язвительно заметил, что улыбка стала «насмешливой» и даже «торжествующей»? особенно в тех случаях, когда адресовалось людям, не склонным доверять ангельским улыбкам. Публика разделилась на два враждующих лагеря. Если для одних это была лишь картина, пусть и отличная, то для других – едва ли не божество. В 1920 году в журнале «Дада» художник-авангардист Марсель Дюшан пририсовал к фотографии «загадочнейшей из улыбок» пышные усы и сопроводил шарж начальными буквами слов «ей невтерпеж». В такой форме излили свое раздражение противники идолопоклонства.



ГЛАВНАЯ ТАЙНА

Главная тайна Джоконды скрыта в ее улыбке. Как известно, улыбки бывают разные: счастливые, печальные, смущенные, обольстительные, кислые, язвительные. Но ни одно из этих определений в данном случае не годится. В архиве музея Леонардо да Винчи во Франции хранится множество самых разнообразных толкований загадки знаменитого портрета.

Некий «специалист широкого профиля» уверяет, что изображенная на картине особа беременна; ее улыбка – попытка уловить движение плода. Следующий настаивает, что улыбается она своему возлюбленному… Леонардо. Кто-то вообще считает: на картине изображен мужчина, поскольку «его улыбка очень привлекает гомосексуалистов.

По мнению британского психолога Дигби Квестега, сторонник последней версии, в этой работе Леонардо показал свою латентную (скрытую) гомосексуальность. Улыбка «Джоконды» выражает широкий диапазон чувств: от смущения и нерешительности (что скажут современники и потомки?) до надежды на понимания и благосклонность.

С точки зрения сегодняшней этики такое предположение выглядит в полнее убедительно. Вспомним, однако, что нравы эпохи Возрождения были куда более раскрепощенными, чем нынешние, и Леонардо вовсе не делал тайны из своей сексуальной ориентации. Его ученики всегда были скорее красивы, нежели талантливы; особым же расположением пользовался его слуга Джакомо Салаи.



Ещё одна схожая версия? «Мона Лиза» - автопортрет художника. Недавнее сравнение на компьютере анатомических особенностей лица Джоконды и Леонардо да Винчи (по автопортрету художника, сделанному красным карандашом) показало, что геометрически они идеально совпадают. Таким образом, Джоконду можно назвать женской ипостасью гения!.. Но тогда и улыбка Джаконды – его улыбка.

Подобная загадочная улыбка была и в самом деле присуща Леонардо; о чем, например, свидетельствует картина Вероккьо «Товия с рыбой», на которой архангел Михаил написан с Леонардо да Винчи.

Высказал своё мнение о портрете и Зигмунд Фрейд (естественно, в духе фрейдизма): «Улыбка Джоконды – это улыбка матери художника».

Идею основоположника психоанализа позднее поддержал Сальвадор Дали:

«В современном мире существует настоящий культ джокондопоклонства. На Джоконду много раз покушались, несколько лет назад даже были попытки забросать её каменьями – явное сходство с агрессивным поведением в отношении собственной матери.

Если вспомнить, что писал о Леонардо да Винчи Фрейд, а так же все, что говорят о подсознании художника его картины, то можно без труда заключить, что, когда Леонардо работал над Джокондой, он был влюблён в свою мать. Совершенно бессознательно он писал новое существо, наделенное всеми возможными признаками материнства.



В то же время улыбается она как-то двусмысленно. Весь мир увидел и все ещё видит сегодня в этой двусмысленной улыбке вполне определённый оттенок эротизма. И что же происходит со злополучным беднягой-зрителем, находящимся во власти Эдипова комплекса, то есть комплекса влюбленности в собственную мать?

Он приходит в музей. Музей – это публичное заведение. В его подсознании – просто публичный дом или попросту бордель. И вот в том самом борделе он видит изображение, которое представляет собой прототип собирательного образа всех матерей.

Мучительное присутствие собственной матери, бросающий нежный взор и одаривающей двусмысленной улыбкой, толкает его на преступление. Он хватает первое, что подвернулось ему под руки, скажем, камень, и раздирает картину, совершая таким образом акт матереубийства».

ОКОНЧАТЕЛЬНЫЙ ДИАГНОЗ

Улыбка Джоконды почему-то особенно не дает покоя врачам. Для них портрет Моны Лизы – идеальная возможность потренироваться в постановке диагноза, не опасаясь последствий врачебной ошибки.

Известный американский отоларинголог Кристофер Адур из Окленда (США) объявил, что у Джоконды паралич лицевого нерва. В своей практике он даже назвал этот паралич «болезнью Моны Лизы», видимо, добиваясь психотеропевтического эффекта за счет внушения пациентам ощущения причастности к высокому искусству.

Один японский врач абсолютно уверен в том, что у Моны Лизы был высокий уровень холестерина. Свидетельство тому – типичной для подобного недуга узелок на коже между левым веком и основанием носа. А это означает: Мона Лиза неправильно питалась.



Джозеф Борковски, американский стоматолог и эксперт по живописи, считает, что женщина на картине, судя по выражению ее лица, потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил шрамы вокруг рта Моны Лизы. «Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы», - утверждает эксперт.

Внесли свою лепту в разгадку тайны и нейрофизиологи. По их мнению, дело не в модели и не в художнике, а в зрителях. Почему нам кажется, что улыбка Моны Лизы то угасает, то возникает вновь? Нейрофизиолог Гарвардского университета Маргарет Ливингстон полагает, что причина тому – не магия искусства Леонардо да Винчи, а особенности человеческого зрения: появление и исчезновение улыбки зависит от того, на какую часть лица Джоконды направлен взгляд человека.

Существует два типа зрения: центральное, ориентирование на детали, и периферическое, менее отчетливое. Если вы сосредоточены не глазах «натуры» или пытаетесь охватить взглядом все ее лицо – Джоконда вам улыбается. Однако стоит сфокусировать взгляд на губах, как улыбка тотчас исчезает. Более того, улыбку Моны Лизы вполне можно воспроизвести, считает Маргарет Ливинстон. Для чего в процессе работы над копией нужно постараться «нарисовать рот, не глядя на него». Но как это сделать, знал, похоже, только великий Леонардо.



Некоторые практикующие психологи говорят, что Секрет Моны Лизы прост: это улыбка самой себе. Собственно, следуют советы современным женщинам: подумай, какая ты замечательная, милая, добрая, неповторимая – ты стоишь того, чтобы радоваться и улыбаться себе. Неси свою улыбку естественно пусть она будет честной и открытой, идущей из глубины души. Улыбка смягчит твое лицо, сотрет с него следыусталости, неприступности, жесткости, которые так отпугивают мужчин. Она придаст твоему лицу таинственное выражение. И тогда у тебя будет столько же поклонников, сколько у Моны Лизы.

ИСТОЧНИК: http://www.softmixer.com/

Как читать искусство? Эдуард Мане "Бар Фоли-Бержер" - что же хотел сказать художник в своей картиной?

ИСТОЧНИК: https://artifex.ru/

Творческий альманах Artifex представляет серию авторских программ по истории изобразительного искусства.

Как ни прискорбно, но среднестатистический человек разбирается в живописи, мягко говоря, не очень хорошо. Большинство из нас не просто путает Моне и Мане, но и Дали от Пикассо слабо отличает. А ведь иногда так хочется разобраться, что же хотел сказать художник своей картиной?

Шедевр и смерть - "Княжна Тараканова".




ИСТОЧНИК: https://artifex.ru/

Как ни прискорбно, но среднестатистический человек разбирается в живописи, мягко говоря, не очень хорошо. Большинство из нас не просто путает Моне и Мане, но и Дали от Пикассо слабо отличает. А ведь иногда так хочется блеснуть познаниями в искусстве перед друзьями или новыми знакомыми!

Эта шуточная шпаргалка научит вас, как быстро и безошибочно определить полотно какого художника сейчас перед вами.
И помните: во всем уместна доля юмора. Даже в таком серьезном деле как искусство 🙂

Если у людей на картине пышные формы — это Рубенс



Если все мужчины похожи на кудрявых женщин с коровьими глазами — перед вами полотна Караваджо



Если у людей на полотнах не хватает частей тела или наоборот — много лишних и все не на местах, это Пикассо



Если кажется, что перед осмотром картины вам подсыпали наркотики — это Дали



Если люди выглядят так, будто их пытают — это Тициан



Полотно, где много людей и выглядят они нормально — дело кисти Брейгеля



Если все (даже женщины) выглядят как Путин — это Ян ван Эйк



Много людей и всё, что на картине, выглядит как безумие — Босх



Если люди на портретах похожи на бродяг под уличным фонарем — это Рембрандт



На полотнах много амуров или их можно добавить без потери композиции — это Буше



Все красивые, голые и прекрасно сложенные — работа кисти Микеланджело



Много балерин — Дега



Все очень контрастно, изображены изможденные бородатые лица — полотно Эль Греко



Изображена женщина с монобровью — полотно кисти Фриды Кало



Буйство цветов, но нет людей — это Клод Моне



То же буйство цветов, но уже с счастливыми людьми — Ренуар



То же буйство цветов, но люди несчастные — Мане



Пейзажи из «Властелина Колец» и все кудрявые — перед вами полотно Да Винчи



Лист Excel с цветными квадратами — это Мондриан



ИСТОЧНИК: http://prikol.is/

Почти три четверти территории Финляндии покрыты лесами, и разнообразие животных в этой стране восхищает и завораживает. Особенно, когда за дело берется финский фотограф Осси Сааринен, умеющий показать сказочную сторону природы. На его фотографиях животные будто нарочно позируют, превращая каждое фото в произведение искусства.


Снегири.


Волшебный лес.


Белка зимой.


Лось.

Осси Сааринену (Ossi Saarinen) всего 22 года, но его фотоработы дадут фору самым именитым фотографам природы. В поисках новых встреч с животными, он регулярно путешествует по стране, так что ему не по наслышке знакомо разнообразие птиц и зверей Финляндии — и он старается показать всё это богатство северной страны и остальным людям.


Зимний лес.


Еноты.


Утренний перекус.


Послеобеденный сон.


Фотографии Осси Сааринена.

Как рассказывает фотограф, обычно он не снимает днем, так как большинство зверей в это время суток не активны и "свет довольно скучный". Лучшие свои снимки, включая многочисленные фотографии лис и грызунов, он снял на закате. А год назад он встретил у дома маленького лесного мышонка, назвал его Бильбо, и этот грызун стал одним из постоянных героев фотографий Осси.


Вперед к сказке.


Ночь.


Ночной хищник.


Не все любят снег.


Иногда мне кажется, будто я со своей камерой попал прямо в сказку.


Детеныш енотовой собаки.


Олененок среди цветов.


Бильбо принюхивается к зиме.


Во сне.


Мы можем подружиться?


Милота.


Сон в лесу.


Бильбо.


Сэр, не найдется зубочистки?


Можно ли попробовать осень на вкус? Instagram soosseli.

ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Ничто так не поражает воображение человека как то, что создает сама матушка-природа. Ее нерукотворные произведения можно с полной уверенностью назвать, гениальными творениями искусства. А особое место в плеяде ее художников занимает мороз-кудесник. В преддверии нового года подборка работ этого уникального и непревзойденного мастера, творящего свои шедевры без рук, кистей и инструментов, весьма актуальна.

МОРОЗ - ГЕНИАЛЬНЫЙ ХУДОЖНИК


Мороз - гениальный художник природы, без рук творящий невероятные шедевры.


Морозная роспись.

Когда зима в разгаре, мороз не только лютует, пытаясь пощипать за щеки прохожих, но и талантливо создает свои шедевры пока те ночью спят. Стоит лишь внимательней осмотреться вокруг и увидим его и уникальные росписи, и изваяния необыкновенных форм, и украшения, в которые он одевает природную среду, превращая ее в сказку. На помощь морозу конечно же приходят и вода, и снег, и солнце, и ветер. Все вместе они создают ни с чем не сравненное чудо, от которого воистину захватывает дух.


Финская зима.

Уникальные и неповторимые рисунки на стекле, ледяные кристаллы на ветках деревьев и кустарников, напоминающие иголки, обледеневшие предметы и многое другое, что заставляют нас любить зиму, восторгаться ее причудами и каждый год с нетерпением ожидать ее прихода.


Хрустальные композиции изо льда и живых цветов.


Зимняя вишня.


Узоры на стекле.


Чудеса мороза-ювелира.


Снежные призраки


Яблони во льду.


Рассветный луч в лесу.


Изящное кружево из паутины.


Зимнее украшение.


Ледяные цветы.


Цветы в ледяных капсулах.


Ледяное ожерелье из лесных ягод.

НЕРУКОТВОРНЫЕ ЛЕДЯНЫЕ СКУЛЬПТУРЫ


Замерзший маяк на берегу озера Мичиган в США на время превращается в замок Снежной Королевы.

На земном шаре немало удивительных мест, где стихии, соединяясь воедино создают невероятные вещи. Так, в Швейцарии на берегу Женевского озера есть удивительное место, где раз в несколько лет, если посчастливится, можно стать свидетелем невероятного природного зрелища.


Набережная Женевского озера в Версуа, Швейцария.

Сильный ветер, озерная вода и крепкий мороз в одну ночь перевоплощают набережную озера в Версуа в величественное владение Снежной королевы. К утру все автомобили и яхты, деревья и кустарники, фонарные столбы и лавки, ограждения и перила превращаются в гигантский ледовый парк вычурных скульптур.


Набережная Женевского озера в Версуа, Швейцария.


Набережная Женевского озера в Версуа, Швейцария.


Набережная Женевского озера в Версуа, Швейцария.


Набережная Женевского озера в Версуа, Швейцария.


Набережная Женевского озера в Версуа, Швейцария.


Набережная Женевского озера в Версуа, Швейцария.

ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Тому, кто в первый раз видит эти удивительные творения художника Александра Маранова, наверняка сразу же пришла в голову мысль: мастер использует какие-то супер новые искрящиеся металлическим блеском краски. Эффект действительно потрясающий, чем-то напоминающий россыпи самоцветов. А внимательно всмотревшись в картинную плоскость, можно понять, что никаких сияющих красок на холсте и в помине нет - лишь необыкновенная техника и уникальный почерк живописца, подчиненные потокам энергии и пульсации света.


Александр Маранов - русский художник современности.

Русский художник Александр Маранов родом из Ташкента. Его предки, спасаясь от голода, в военные годы оказались в теплом хлебном крае. Там родился, вырос, получил художественное образование и до тридцати лет жил Александр.



Закончил он в Ташкенте и художественное училище и театрально-художественный институт имени А.Н. Островского. Но стремление художника расти в своем мастерстве, заставило его заниматься своим самообразованием. Очень много писал и параллельно постигал приемы и тонкости живописи современников и мастеров прошлых веков.



До 1992 года, как вспоминает сам мастер, был самым обыкновенным художником, работы свои создавал в реалистичной манере. Пейзажи, натюрморты, портреты были подчинены классическому видению и не имели индивидуальных черт и авторского почерка. Однако в 30 лет наступил полный творческий кризис, да и личная жизнь также дала огромную трещину.



Убегая от прошлого, и находясь в поиске самого себя, Маранов перебрался в Москву.
Однако переезд толком ничего не решил, и жизнь уже казалась окончательно потерянной. Творчество зашло в глухой тупик: по прежнему работать он уже не мог, да и не хотел, а новое было скрыто и никак не хотело открыться сознанию живописца. Но однажды произошло озарение, а вернее вспышка, которая полностью перевернула жизнь Маранова.



Как-то, лежа на диване, в едва освещенной комнатушке, художник начал пристально вглядываться в тускло мерцающую точку, излучающую свет. Это была электрическая лампочка в 40 Ватт. Неожиданно эта точка в видении художника начала разрастаться и импульсивно вибрировать. В душу художника мгновенно проникли умиротворение и покой. И с того мгновения и начался отсчет новой жизни.



«Я испытал сильный удар, потрясение. Тут же вспомнил фразу мудреца: «Только выстраданное и пережитое может быть настоящим». Я вдруг понял, что ощутил настоящее! И теперь вижу мир по-другому. Он весь состоит из светящихся тел! Свечение пульсирующее и живое. И моя душа обрела свет, я понял, как жить и что писать».



Маранов тут же встал к мольберту и взял кисти и краски, пытаясь запечатлеть увиденное свечение. Он нигде, и ни у кого в живописи такого еще не видел, а это значило, что он первый. Справедливости ради нужно отметить, что художнику не мало времени и сил пришлось потратить, чтобы добиться неповторимого эффекта сияния на своих холстах.



«Именно в это время после мучительных раздумий о смысле жизни, об истинном призвании художника, о его миссии ко мне пришло знание, в один миг перевернувшее всю мою жизнь, – мне открылось Сияние. И теперь я пытаюсь передать людям красоту Сияния, которое спасло меня и ввело в чудесный мир Красоты и Нежности, чего так недостает сейчас человеку и к чему он так стремится...» - так вспоминает о своей находке мастер.



И теперь вот уже более 15 лет основой живописи Александра Маранова является движущийся свет, иногда взрывающийся фейерверком серебрящихся звездочек. Струящиеся потоки разливаются во всех направлениях по картинной плоскости и, утолщаясь, обретают формы и образы, затем вновь растворяются в пространстве. И зрителю кажется, будто мастер видит мир сквозь волшебный магический кристалл.



А сам художник признается, что источник трансформирующегося света приходит в его сознание из медитаций, во время которых будущая картина является мастеру во всех деталях и подробностях. Все это действо равноценно сну, которым наяву грезит художник. При том этот сон обладает четко выраженной композицией и образами. Мастеру остается лишь зафиксировать это движущееся чудо в своем сознании и перенести на холст.



Первой картиной, которую он создал в новом стиле, был образ богоматери. И с тех пор для художника не существует понятия: «писать краской». Он на полотно выплескивает энергию, которая растекается по холсту. А домыслы зрителей и экспертов о необычной светящейся краске полностью безосновательны. Художник использует обычные ленинградские краски, а потрясающего свечения картины добивается приёмами, известными только ему самому.



На сегодняшний день, полностью освоив удивительную технику, художник будто высекает волшебное свечение на каждом квадратном сантиметре своего творения. Пишет он медленно, так как технически это трудоемкий процесс. Поэтому и произведений у него не так уж и много, зато они воистину шедевральны.

Портретная живопись Александра Маранова.





Повторить такое чудо очень сложно, и не каждому мастеру это под силу. Тут уж не только талант нужен от Бога, а и трудолюбие, скрупулезность в деталях, спокойствие и выдержка, которые берет себе в помощники художник.



На выставках работ Маранова зритель будто бы попадает в иное измерение, запечатлевая в памяти увиденное на всю жизнь. В этом и есть истинная сила искусства. И, думаю, не стоит говорить много слов о том, как творчество уникального мастера высоко ценится на отечественном и международном уровне среди коллекционеров и среди ведущих галерей мира.



Художественные приемы, которые находят, а потом мастерски совершенствуют живописцы, дают им возможность обрести не только авторский почерк, а и узнаваемость, и признание.

ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Самыми известными произведениями Карла Фаберже являются, конечно же, знаменитые пасхальные яйца. Однако знатоки ювелирного искусства считают подлинным шедевром его цветы.

«Родословная» изысканных цветов Фаберже имеет восточные корни. Ведущий мастер фирмы Франц Бирбаум оставил письменное свидетельство: «Впервые мы обратили внимание на эту отрасль китайского искусства, когда нам принесли в починку букет хризантем... Благодаря искусному подбору тонов и прозрачности некоторых камней, работа эта производила прекрасное впечатление».



С реставрации китайского букетика начался драгоценный гербарий. Фаберже загорелся, стал придумывать собственные цветочные композиции. Ко всякому делу он подходил основательно: при московской мастерской построили теплицу — выращивали растения, служившие «моделями» для каменных букетов. Сохранился рабочий альбом Фаберже с подробными фотографиями живых цветов, в том числе ландышей, послуживших прообразом корзинки императрицы.



В 1896 году Александра Федоровна получила в подарок от купечества Нижнего Новгорода букетик ландышей работы Фаберже — копию старинного китайского дворцового украшения. Императрицу привели в восторг жемчужно-бриллиантовые ландыши с нефритовыми листьями, в золотой корзинке. С тех пор этот букетик обычно стоял у нее на столе.



Дизайнерами дома Фаберже не раз повторялись шиповник, ландыши, рябина, малина, одуванчики. Вазочки почти всегда делали из горного хрусталя, прозрачность которого создавала иллюзию сосуда, наполненного водой. Стебли, чаще золотые, со специальной гравировкой. Листья — нефритовые, изящно вырезанные или эмалевые. Цветы обычно не клеймили — слишком хрупкие. Не было клейма и на платине Фаберже.



Знаменитый «Одуванчик» сегодня хранится в Оружейной палате Кремля. Стебелек из золота, листья из нефрита. Но самое поразительное, на концах серебряных тычинок натуральный одуванчиковый пух. До сих пор ювелиры не могут понять, как удалось Фаберже закрепить нежнейший пушок, который мнется от любого прикосновения. Но и этого мастеру показалось мало, сверху разбросаны мелкие бриллианты огранки «роза», которые при правильном освещении сверкают подобно утренней росе. Ученые долго сомневались в естественности пушинок. В музей пригласили эксперта из Ботанического сада МГУ, который подтвердил: да, это настоящий пух и назвал дату сбора. Что абсолютно идентифицировало раритет с годом производства.



«Анютины глазки» — единственный цветок в мире Фаберже, оборудованный механизмом с портретными миниатюрами. Цветок был сделан в 1904 году и подарен Николаем II императрице Александре Федоровне на десятилетие их брака. При нажатии на кнопку лепестки цветка открываются и становятся видны миниатюрные портреты дочерей и сына императорской четы.

              







       

ИСТОЧНИК: http://izbrannoe.com/

Работы белорусской художницы Татьяны Черных.

Татьяна Черных — белорусский художник, работающая в жанре пейзажа и натюрморта. В ее стиле легко сочетаются реализм с импрессионизм. Любимой темой художницы является природа и деревенский быт, который она наполняет светом и жизненной энергией.

Так и хочется потереть глаза, дабы убедиться в том, что это не фотоснимки. Интересно, что таким светлым началом дышит практически каждый пейзаж, созданных этим мастером мастехина. Любуясь ее картинами невольно забываешь о многих проблемах, о том, что творится сегодня в мире! Согласитесь, полная гармония в душе!























ИСТОЧНИКИ: https://samodelych.ru/; https://ok.ru/sozdanosvo/

Более 200 лет назад стекольных дел мастер крепостной Александр Вершинин создавал уникальные двухслойные стаканы, между стенками которых располагались целые картины, точнее, маленькие макеты пейзажей, сделанные из камешков, мха, соломы, цветных ниточек и бумаги. Понять секрет их изготовления и воспроизвести подобные изделия до сих пор никому не удалось.



Никольский стекольный завод в Пензенской области был основан в 1764 году помещиком Бахметьевым по указу Екатерины II –"делать хрустальную и стеклянную посуду самым добротным мастерам…". Из европейских стран сюда стали завозить образцы изделий, на которых следовало учиться местным бахметьевским мастерам.


Мастера за работой


Шлифовальный цех завода

И они, очень быстро освоив все премудрости стекольного дела, смогли не только повторить европейские образцы, но и привнесли в производство стеклянных изделий свою неповторимую манеру.



Страница из каталога предприятия Бахметьева

Очень много сложных выдувных форм...

Для украшения своих изделий мастера использовали матовую гравировку, обработку алмазной гранью, роспись золотом, серебром, красками. Применяли и древнюю технику декорирования – филигрань (венецианскую нить).

ИЗДЕЛИЯ БАХМЕТЬЕВСКОГО ЗАВОДА



Шар с цветочной клумбой внутри, 1830 г. Техника «миллефиори» – миллион цветов. Разновидность древней техники, когда узор выполняется с помощью тонких стеклянных дротов, заплавленных в толщу стекла


Хрустальное распятие. В толщу хрустального креста вплавлено маленькое фарфоровое распятие, 1830 годы





Ваза на ножке с цветочной росписью. Середина XIX века.


Ваза с цветными каплями — имитация драгоценных камней, 1860-80 гг.


Ваза венецианской нити


Графин-холодильник


Ваза большая для фруктов. Хрусталь, серебро, резьба «русский камень». Дизайн фирмы «К. Фаберже»



Прибор для пива Золотая медаль на выставке в Париже 1900 год

СТЕКОЛЬНЫЙ ВИРТУОЗ А. ВЕРШИНИН

В стенах завода выросло много талантливых стекольщиков, но самым незаурядным из них был Александр Вершинин. Многие работы этого мастера уникальны. Но он проявил себя не только, как виртуозный стекольщик, но также и как химик, и как художник.


«Мастер Александр Вершинин». Худ.А.С. Шуршилов (1917-1971). Портрет является вымышленным, поскольку фотографий Вершинина не сохранилось

Вершинин изготавливал сервизы по заказу царской семьи, бокалы, декорированные на тему войны 1812 года, рюмки и графины с великокняжескими гербами...

За один из сервизов, изготовленный Вершининым для царского стола, на 70 персон, государь-император "пожаловать соизволил мастеру Вершинину золотые часы, изъявив свое удовольствие, что в России отделка хрусталя доведена до такого совершенства”.




Но больше всего прославился этот мастер своими уникальными стаканами, которые теперь так и называют – «вершининские».

Вот о них и пойдет речь...

ЗНАМЕНИТЫЕ СТАКАНЫ ВЕРШИНИНА

Сколько этих шедевров сохранилось до наших дней – точно не известно. Часть из них находятся в личных коллекциях и лишь изредка «всплывают» на аукционах, несколько штук хранятся в музеях.

Один из таких стаканов экспонировался в Никольском музее, являясь его гордостью.


Стакан двустенный
Ок. 1800 г. Бахметьевский завод стекло бесцветное, трава, камни, бумага, роспись золотом и сепией


Стакан с обратной строны

На стенках этого стакана изображен целый пейзаж – в парке усадьбы Бахметьевых кавалеры прогуливаются с дамами, неподалеку играют дети, в пруду плавают утки и гуси, на ветвях деревьев сидят птицы, полная идиллия… Вроде бы ничего особенного, но удивительным является то, что вся эта композиция не нарисована, а сделана из соломы, тоненьких веточек, мха, бумаги и находится внутри стекла. Как такое можно было сделать и не сжечь макет, когда стаканы изготавливают при очень высокой температуре?

К сожалению, полюбоваться на этот стакан больше нельзя. В августе 1996 года этот шедевр был украден из музея и до сих пор не найден.

Еще несколько подобных стаканов с разными сюжетами, изображенными на них, хранятся в других музейных собраниях.


Стакан, хранящийся в Егорьевском художественно-историческом музее



В Музее Тропинина в Москве




Из коллекции Федора Викторовича и Екатерины Петровны Лемкуль

Оказались «вершининские стаканы» и в США.


Корнингский музей стекла, штат Нью-Йорк

СЕКРЕТ УНИКАЛЬНЫХ СТАКАНОВ ВЕРШИНИНА

Долгое время технология изготовления этих стаканов оставалась полнейшей загадкой, но впоследствии, при исследовании одного подобного стакана, имеющего небольшой скол по краю, обнаружили, что у него двойные стенки, и композиция размещена не в стекле, а между стенками.

И, тем не менее, остается ряд загадок, оставляющих специалистов в восхищении и недоумении: Как мастер прикреплял свои макеты к стеклу – стаканы совершенно прозрачные, и следов клея на них не видно. Каким образом умудрялся вставлять один стакан в другой, чтобы картинка не съехала – зазора между стаканами практически нет. И, наконец, как запаивал стенки стаканов сверху, оставив при этом в целости всю композицию.

В последние годы чисто теоретически предложены варианты, как можно было это сделать. В качестве клея можно использовать лед. Сначала картинка наносится на мокрую поверхность, которую потом замораживают. В дальнейшем, когда стаканы будут вставлены друг в друга, лед растапливают. Для того чтобы вставить один стакан в другой, наружный стакан нагревают, а внутренний охлаждают. Зазор между ними увеличивается, и стаканы осторожно вставляют один в другой, используя в качестве направляющих, допустим, соломинки.

А для сварки краев стекла можно обмазать их фосфором и поджечь наподобие фейерверка. Выделится большое количество тепла, которое будет достаточным для местной сварки. А возможно, что края не заварены, а просто заполнены специальной мастикой. Но даже если это так, все равно это весьма кропотливая и трудоемкая работа, которая под силу лишь настоящему виртуозу. Но пока никто не пробовал это повторить.



Есть сведения о том, что одна московская семья является обладательницей одного совершенно уникального – даже не двухслойного, а трехслойного стакана. Конечно, его цена баснословна. Именно поэтому сведения об этом стакане крайне скудны и не разглашаются. Но, может быть, этот уникальный стакан все же когда-нибудь попадет в музей, и великий русский мастер Александр Вершинин еще удивит нас?

ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Сегодня я хочу рассказать об известном итальянском скульпторе и архитекторе семнадцатого века Джованни Лоренцо Бернини, который создавал свои невероятные произведения во времена барокко в красивейшем итальянском городе Риме.


Джованни Лоренцо Бернини. Автопортрет, 1623. Галерея Боргезе, Рим, Италия

Барокко (итал. barocco, букв. - причудливый, странный) - один из главенствующих стилей в европейской архитектуре и искусстве конца XVI - середины XVIII вв. Стиль, который прославлял физическую составляющую нашей жизни, как любовь, страсть, желание, боль, счастье и т.п., но выраженные чрезмерно, на пределе.

Бернини же, как никто, знал о страсти почти все, выражая ее через физику тел, неистовое отражение эмоций на лице. В своей известной скульптуре «Аполлон и Дафна»,

Джованни Лоренцо Бернини. «Аполлон и Дафна», 1622-1625, мрамор. Музей и галерея Боргезе, Рим.

нашел отражение кульминационный момент чувственного преследования. В позах фигур, выражении лиц, напряженности тел мы можем почти физически ощутить бушующие эмоции персонажей.



Апполон пытается схватить Дафну, а она пытается вырваться, ее рот открыт в немом крике, они полуобнажены, так же, как и откровенны их души.


В работах Бернини мы осознаем всю серьезность ситуации, например в его скульптуре «Давид»

Джованни Лоренцо Бернини. «Давид», 1623-1624, мрамор. Галерея Боргезе, Рим.

можно почти сознательно ощутить силу, с которой он натягивает веревку.


В отличие от статичного, созерцательного, внешне спокойного «Давида» у Микеланджело.

Микеланджело «Давид», 1501-1504, мрамор. Галерея Академии художеств, Флоренция.



У Бернини же нет спокойствия, только движение, чувства и эмоции.


Известно, что Бернини начал рисовать после увиденных картин Караваджо, и в скульптуре тоже он смог воплотить начатое великим художником, передать всю страсть и бушующие эмоции через холодный мрамор.

Будучи совсем молодым, он создал скульптуру «Мученичество святого Лаврентия», где пытался показать наивысший момент боли.

Джованни Лоренцо Бернини «Мученичество святого Лаврентия», 1614-1615.


Посмотрите на его закатанные кверху глаза, напряженное лицо, где мышцы словно свело судорогой, полуоткрытый рот, его выгнутое тело – все говорит, даже кричит о нестерпимой боли.

Также стоит отметить бюст Шипионе Боргезе, который был кардиналом, любителем искусств, коллекционером, а также покровителем Караваджо и Бернини.

Джованни Лоренцо Бернини. Бюст Шипионе Боргезе, 1632.


Интересно, что скульптор смог передать характер кардинала в очень реалистичной манере через небрежные детали одежды, выражение лица, игру света и тени.

Вечным соперником Лоренцо был известный и опытный на тот момент, амбициозный архитектор Франческо Борромини, который завидовал успешному Бернини.


Лоренцо же умел очаровывать и находить к людям подход, а также он был лучшим другом Папы Римского Урбана VIII.

и личным скульптором его племянника небезызвестного кардинала Шипионе Боргезе. Таким образом, по мнению архитектора Борромини, Лоренцо получал лучшие заказы, например, невероятно притягательный по красоте и величию, пышно отделанный скульптурами, позолотой, живописно сочетающий различные материалы внутренний интерьер Базилики Святого Петра.




Что ж, они действительно по-разному видели одно и то же решение, например купол Церкви Сан Карло, которую создает Борромини, представляет собой слитную однотонную конструкцию из геометрических фигур, не пропускающих свет, ты словно задыхаешься в этом пространстве.


И напротив, купол Базилики Святого Петра Лоренцо Бернини легок, грациозен и живописен за счет окон по всему периметру, пропускающих свет, колорита, ритмов, я бы это назвала «дышащей» конструкцией.


Немного поговорим о его личной жизни, поскольку хочу наглядно показать связь между его эмоциями, объектом выражения и результатом их проявления. Известно, что у Бернини была любовница, замужняя женщина Констанция Буонарелли, он создает ее бюст,

Джованни Лоренцо Бернини. Бюст Констанцы Буонарелли, ок. 1647 г., мрамор.

который, вероятнее всего, показывает его влечение к девушке через ее полуоткрытую грудь и страстное выражение лица, а также мы видим ее широко открытые глаза с бушующими внутри эмоциями и страстями, это все позволяет раскрыть ее характер. В конце концов, история закончилась весьма печально, она изменила Лоренцо с его младшим братом, которого он сильно избил, а Констанцию посадил в тюрьму. Благодаря связям его не посадили, но после смерти Урбана и некачественного исполнения важного заказа двух колоколен для базилики Святого Петра, которые дали трещину и их пришлось снести, он перестал быть популярным, а его место занял Борромини. Однако через несколько лет, благодаря кардиналу Карнало, он смог восстановить свое доброе имя, создав величайший шедевр «Экстаз святой Терезы».


Джованни Лоренцо Бернини «Экстаз святой Терезы», 1645-52, мрамор. Санта Мария делла Витториа, Рим.

В лице святой Терезы он смог передать свое видение страсти, божественного экстаза через этот полуоткрытый рот, полузакрытые глаза, сладостное выражение на лице,


напряженное тело,


но в тоже время у ангела мы видим невероятное выражение лица


и этот мягкий жест руки,


Ее эмоции и общая тема композиции сродни срединному чувству между неприличием и мистическим озарением, моментом сиюминутного вселенского счастья. Ее лицо словно охвачено сексуальной эйфорией.


Она словно воспаряет к небесам, благословленная любовью Бога. Бог вошел в ее сердце, и Бернини показал нам этот наивысший момент ее всепоглощающей любви к Богу. Также он интересно расположил эту скульптуру, развернув ее фигуру, при этом ее рука и нога обессилено свесились вниз, показывая, что ее тело ей уже не принадлежит, это всего лишь ее обнаженная душа.

Творческий альманах Artifex представляет серию авторских программ по истории изобразительного искусства. В новом выпуске - как читать искусство на примере творчества Джованни Лоренцо Бернини "Страсть и Камень":



Я преклоняюсь перед талантом такого невероятного скульптора, который мог так ясно передавать через материю, через холод камня всю градацию чувств и эмоций, ощущений и неясных сомнений, выраженные в невероятно образном выражении лиц, расположении тел, использовании контраста света и тени, детальной проработки каждого элемента, ритмов, масштаба, композиции, - все это находится в невероятной гармонии, созвучной самому небесному звучанию сфер.

ИСТОЧНИК: https://veneya.livejournal.com/

Свою золотую историю, расшитую бриллиантами, Карл Фаберже начал ковать не сразу. Азам ювелирного искусства он учился у отца Густава, и на заре становления их изделия мало чем отличались от предложений конкурентов, в общем они были рядовыми ювелирами.



Все изменилось с приходом в бизнес его родного брата Агафона, именно он внес эту оригинальную приправу в виде иного взгляда на дизайн, и началась великая эра пасхальных яиц с заметным изменением всей линейки выпускаемой продукции, но без тени сомнений хочу сообщить, что именно яйца принесли этому дому такую известность.

ИСТОРИЯ РОДА

В отличии от других ювелиров братья пришли к своей формуле успеха через исследования и когда поняли, что все новое - хорошо забытое старое, они с головой окунулись в различные временные рамки и культуры, искали новое в античности и в восточном искусстве, черпали свои мотивы из путешествий, так, например, родились сюжеты с животными.



Новый взгляд на древнее мастерство подарил им узнаваемость. Главным же источником их вдохновения стал Эрмитаж, они тщательно изучили все представленные там эпохи, копировали старинные украшения и использовали их опыт в своих новых композициях.



От желающих купить изделия Фаберже не было отбоя, за украшениями с их лейблом постоянно забегал будущий император Николай II, в том числе и за обручальным кольцом для Алике Гессен-Дармштадтской. Хочу отметить, что императорская семья постоянно заказывала у Фаберже сервизы, подарки для заграничных путешествий, огромное количество сувениров для коронации Николая II, а впоследствии и празднования 300-летия Дома Романовых, ну и пасхальные подарки в виде яиц тоже.

После того как Фаберже приняли участие во Всемирной выставке в Париже 1900-го года фирма стала знаменита и за рубежом. В предреволюционные годы, теперь уже полноценный холдинг Фаберже коснулся облаков, только представьте, что в этот магазин приезжали за товаром из самой Америки, а на братьев работало более 500 ювелиров.



Ведь все благодаря удачно выбранной нише "полезных" предметов роскоши - часов, звонков, ламп, рамок для фотографий, ручек для зонтиков и тростей, портсигаров, письменных приборов и прочих вещиц, полезных в быту, но при этом мгновенно узнаваемых и подчеркивающих статус их владельца. Дело даже было не в количестве бриллиантов или украшений, иногда они были сделаны просто из дерева и эмали, но в любом случае они были безупречно элегантны и ценны. Фаберже полюбили за стиль! Даже сам Карл утверждал: "...

Если сравнить с моим делом такие фирмы, как Тиффани, Бушеран, Картье, то у них, вероятно, найдется драгоценностей больше, чем у меня. У них можно найти готовое колье в 1.500.000 рублей. Но ведь это торговцы, а не ювелиры-художники. Меня мало интересует дорогая вещь, если ее цена только в том, что насажено много бриллиантов или жемчуга."



ДОМ НА БОЛЬШОЙ МОРСКОЙ, 24

По законам бизнеса конкуренция его не убивает, а только делает лучше. Поэтому Фаберже не случайно выбрал этот адрес, здесь уже были ювелирные магазины конкурентов Болина, Бутца и других. Да и вообще сам Карл Петрович вырос на этой улице, здесь же росли его дети, тут он открыл свой первый магазин. Разве есть место для главного офиса и флагманской точки продаж лучше?



У одного из родственников, архитектора Шмидта он заказал перестройку, и в 1900 году свои двери для покупателей открыл новый ювелирный дворец, на первом этаже которого продавали золотые и бриллиантовые украшения. В этом же доме была его 15-комнатная квартира и мастерские, а на последнем этаже раскинулась студия для художников и дизайнеров, которые придумывали новые ювелирные образцы, ну и конечно же нашлось место для администрации всего торгового дома "Фаберже".



Естественно в новом "дворце" огромную роль играла и безопасность. Карл Фаберже заказал у берлинской специализированной компании целый лифт-сейф, который каждый вечер опускался в бетонное подвальное помещение, а утром на умиление обеспеченной публике поднимался назад.

Но в 1918 году, среди революционеров нашлись умельцы которые смогли его ограбить несмотря на придуманные ювелирами сложности. Не напоминает вам сюжет фильма 11 друзей Оушена? Таким образом не только революция, но и сгустившаяся над страной обстановка вынудила Фаберже переехать из Петербурга в Лозанну.



Сегодня в этом доме также расположился ювелирный магазин, правда вот совсем иной, но главной же его изюминкой назову сохранившиеся там фабержешные витрины. Только вот яиц не хватает, а украшениям, продающимся там, влиятельной руки великих мастеров.



ПАСХАЛЬНЫЕ ЯЙЦА

Моя история была бы не полной без рассказа о тех самых яйцах. Самый первый пасхальный подарок заказанный Александром III в 1885 году произвел такой фурор на весь царский дом, что позже традицию подхватил и Николай II. Истории известно про 52 яйца, хоть до наших дней дошло 45.



Некоторые яйца Фаберже готовил в течение года, но всегда были неизменными три основных правила: яйцеобразная форма, сюрприз внутри и никаких повторов!



Каждое из них настоящий венец ювелирного дела, но про некоторые хочется рассказать отдельно. Например, про карету из пасхального яйца "Коронационное"! Ведь в этом макете каждая крошечная деталь была действующей. Ручки поворачивались, дверцы закрывались, ремешки амортизировали, корпус - покачивался на шасси.

"Покачивающийся корпус, Карл!", - наверное так кричал его брат Агафон. Говорят, Николай II вел себя в этот момент как ребенок, хлопал в ладоши и прыгал на пяточках при виде такого подарка. Не верите? А вспомните свои эмоции, когда родители дарили вам Kinder Surprise основанный на той же идее, только гораздо скромнее.



Вспомнили? Теперь представьте себе яйцо с действующей моделью поезда из пасхального подарка "Великий Сибирский путь", а ведь внутри была точная копия локомотива и вагонов транссибирского экспресса!



ЖИРАФ ИЛИ СЛОН?

Самые же красивые легенды о Фаберже связаны с экзотическим животными, уезжая в Африку его друг сахарозводчик Кенинг спросил о сувенире, который тот хотел бы получить из этой поездки. Богатые люди довольно избалованные, поэтому магнитик на холодильник, сувенирные тарелочки, кружки, статуэтки и снежные шарики им не подходят, вот Фаберже в сердцах и крикнул: "Жирафа, привези мне жирафа".



Успешные предприниматели свое слово обычно сдерживают. "Сказал будет"? Значит будет! Так спустя два месяца в магазин зашел дворник, посмотрел внимательно на потолки и сказал: "Так яму никак не пройтить в ворота!", ну и когда в ответ на это Фаберже подошел к окну, то увидел толпу зевак окружающих настоящего жирафа. Так Кенинг оказался человеком слова, а петербургский зоопарк пополнился экзотическим животным.



Достоверная же история из мемуаров внука Фаберже под названием "блестки", гласит о том, что во время их путешествию по Цейлону на отца свалился царский подарок от магараджей в виде хорошо обученного слона, в которых он так влюбился там. Агафон Фаберже не знал с какой стороны обнять этот подарок, но осознал что в России тому будет не место. Поэтому оставил его там, а у себя в Левашово распорядился строить для него загон и планировал слона перевести когда все будет готово, правда эти планы разрушила первая мировая война, а слон так и остался жить среди пальм и моря.



Есть в Петербурге и полноценный музей Фаберже, с их творениями, но про него мы потом поговорим отдельно.

ИСТОЧНИК: https://pikabu.ru/