Много веков назад Софийский собор в Киеве был главным храмом Киевской Руси. Этот шедевр архитектуры сам по себе уникален, однако есть в нем настоящее чудо – знаменитые на весь мир старинные фрески. Их справедливо считают самыми подлинными мозаиками XI столетия, потому что они никогда не подвергались переделке и их не дополняли реставраторы. Ведь эти изображения сделаны настолько мастерски, что их не нужно обновлять – достаточно просто очищать от многолетней копоти и пыли.


Софийский Собор в Киеве. /Фото:my-kiev.com

ИСТОРИЯ ХРАМА

Считается, что Софийский собор построил князь Ярослав Мудрый, который приурочил его возведение к битве над печенегами на реке Альте и, по преданию, фундамент будущего собора он заложил именно в том месте, где были разбиты враги. По другой версии, строительство собора началось немного раньше, в последние годы жизни князя Владимира Великого.

По мнению ученых, в строительстве и отделочных работах принимали участие четыре десятка мастеров и еще около ста человек трудились в качестве помощников.


Над созданием Собора работали мастера из Византии. /Фото:os1.i.ua

Софийский собор, возведенный с помощью византийских и греческих зодчих и впитавший всю красоту стилистики древней культуры Византии (но, тем не менее, не имеющий аналогов), был освящен в 1049 году митрополитом Феопемптом. Впоследствии облик здания несколько видоизменялся.

МОЗАИКА, КОТОРОЙ НЕТ АНАЛОГОВ В МИРЕ

Помимо колокола, отлитого по приказу Ивана Мазепы в 1705-м и называемом в народе «Мазепа», Триумфальной колокольни и других известных достопримечательностей, в Софийском Соборе есть невероятно красивые, завораживающие мозаичные иконы. Их, как и росписи на стенах и куполах, также готовили византийские мастера, приглашенные в Киев Ярославом Мудрым.


Софийская мозаика. /Фото:pravlife.org

Интересно, что мозаика покрывает не все внутренние части храма, а представляет собой сочетание мозаичного искусства и фресковой росписи. И причина тому чисто прозаическая: в XI столетии Русь была по сути на задворках Византийского мира, цена на мозаику была невероятно велика (плюс расходы на её транспортировку), и именно поэтому ею обкладывали лишь наиболее важные части храма (алтарь, купол и так далее), а всё остальное строители Собора решили покрыть фресками.


В Софийском Соборе сохранились 2 тысячи фресок, изначально же их было не менее 5 тысяч. /Фото:sau.org.ua

Мозаики Софии Киевской выполнены в так называемом Македонском стиле, который наблюдался в творчестве в период возрождения и рассвета церковного искусства после долгого периода гонений, которых православные христиане претерпели от иконоборцев. Для этого стиля характерны строгость, аскетизм, отсутствие слащавости и излишних украшательств, что связано с ростом популярности монашества. Именно поэтому все персонажи на мозаиках выглядят непривычно суровыми и как бы застывшими. Яркий представитель этой эпохи и пример аскетизма – преподобный Симеон Новый Богослов.


Поздний Македонский стиль предполагает лаконичность и строгость изображений святых. /Фото:pravlife.org


На этой фреске Иисус Христос изображен в повседневном одеянии. /Фото:pravlife.org

Увы, по причине пожаров и перестроений храма, к началу XXI века сохранилась лишь небольшая часть мозаичных изображений, впрочем, и те, что остались, поражают своим масштабом, оригинальностью и красотой. Кусочки смальты почти 180 разных цветовых оттенков сложены с невероятным мастерством, и если смотреть издалека, кажется, что это не мозаика вовсе, а старинные рукописные иконы.


Мозаика киевского Собора - настоящий шедевр. /Фото:pravlife.org

О богатстве цветовой палитры киево-софийских мозаик можно судить хотя бы по этим цифрам: здесь присутствуют более двадцати оттенков синего, более тридцати – зеленого и 25 вариантов золотого.


Богатство оттенков мозаики поражает. /Фото:pravlife.org

МОЗАИКА "ХРИСТОС-ПАНТОКРАТОР"

Христос-Вседержитель (Пантократор) – очень известная мозаика Собора. Она расположена в главном куполе, в гигантском медальоне. Интересно, что три из четырех архангелов, изображенных вокруг Христа, выполнены маслом, причем, относительно недавно – в позапрошлом веке, поскольку ранее изображения были утрачены. Мозаичный образ остался только один.


Одна из самых знаменитых мозаик Собора. /Фото:pravlife.org

Кстати, изображения архангелов восстанавливал великий Врубель, причем воспроизвел утраченные фигуры весьма точно – в частности, при помощи мазков, имитирующих мозаичную кладку.

Образ Христа очень аскетичен и суров. Интересно, что промежутки между ангелами (золотого цвета фон), если смотреть снизу, с большого расстояния, как бы образуют крест, и этот интересный прием можно увидеть и в других частях Собора.

МОЗАИКА "МАРИЯ-ОРАНТА"

Величественная фигура Богоматери в апсиде алтаря сразу бросается в глаза при входе в храм. Высота изображения – почти 5,5 м, а свет на изогнутую поверхность апсиды падает таким образом, что кажется, будто бы вокруг фигуры Богородицы идет золотистое свечение. Кубики смальты, расположенные под разным углом, делают фигуру объемной и таинственной.


Первое, на что падает взгляд при входе в Собор – это образ молящейся Богородицы. /Фото:posmotrim.by

Мозаичная Богородица, которую также называют Оранта (в переводе – «молящаяся»), изображена в момент ее молитвенного обращения к Богу: она стоит в возведёнными к небу руками (очень древний христианский жест) на помосте, украшенном драгоценными камнями.

Интересно, что этот мозаичный образ с давних пор называют «Нерушимая стена». Изначально это было связано с 12-м икосом акафиста Богородице, в котором есть слова: «Радуйся, царствия нерушимая стена», однако со временем в народе появилось более распространенное объяснение такому названию: мол, это означает, что храм Святой Софии и, в частности, находящийся в нем образ Богородицы невозможно разрушить. Принято считать, что пока это мозаичное изображение существует, будет стоять и древний Киев.


Считается, что пока эта мозаика остается в сохранности, Киеву ничего не грозит. /Фото:pravlife.org

МОЗАИКА "ЕВХАРИСТИЯ"

На этой старинной мозаике изображен момент причащения святых апостолов в присутствии архангелов, когда Иисус раздает своим последователям хлеб и вино (Тело и Кровь Христову). Интересно, что Спаситель изображен два раза: он стоит и слева, и справа от престола.


Фрагмент знаменитой мозаики. /Фото:pravlife.org

Эта мозаика также необычайно насыщенна с точки зрения цветовой гаммы: апостолы изображены в белых одеяниях, Господь – в синем плаще и пурпурном хитоне с золотом. Дополняет эту картину престол малинового цвета.


Мозаика «Евхаристия». Центральная её часть. /Фото:pravlife.org

СОРОК МУЧЕНИКОВ

На четырех подпружных арках Собора, которые поддерживают его купол, древние мастера изобразили 40 мучеников Севастийских. В руках у каждого из них Крест и Венец. Увы, сохранились не все их мозаичные образы.


Один из образов мучеников, сохранившихся в первозданном виде. /Фото:pravlife.org

Как известно, святые воины погибли в Севастии за веру в Христа, и очень символично, что их изображения украшают Собор: это олицетворяет незыблемость веры прихожан.


Реставратор очищает мозаику от пыли и копоти. /Фото:ukrinform.com

Комплекс мозаик Софии Киевской считается единственным мозаичным ансамблем Киевский Руси, сохранившимся до наших дней, если не считать встречающиеся в других храмах небольшие фрагменты.

Текст: Анна Белова
ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Стрекозы и вьющиеся растения, бабочки и прекрасные длинноволосые девушки – украшения ювелирного дома Фуке с первого взгляда кажутся очень знакомыми каждому, кто хоть немного знаком с историей искусства. В этом нет никакой ошибки – самые выдающиеся украшения для этого предприятия создал знаменитый художник Альфонс Муха. Но история дома Фуке гораздо шире этого легендарного сотрудничества...


Украшения дома Фуке.

Основателем ювелирного дома, известного теперь в первую очередь сотрудничеством с выдающимися художниками модерна, был отец Жоржа Фуке – Альфонс. Он прошел долгий путь от подмастерья в квартале Марэ до основателя собственного дела. Знаменитым он стал после победы на конкурсе по созданию свадебного подарка для наследника египетского престола, а спустя пять лет открыл магазин украшений в венецианском стиле. Альфонс Фуке был одним из первых, кто ощутил всю прелесть зарождающегося стиля ар нуво, но смерть помешала ювелиру насладиться расцветом модерна. В 1895 году компанию унаследовал его сын Жорж.


Украшения по эскизам Альфонса Мухи.

Жорж был человеком творческим, но при этом обладал редкой деловой хваткой и в некоторой степени беспринципностью. Ювелирный дом Фуке перенимал чужие идеи и адаптировал к вкусам публики – например, без зазрения совести перенимал образы работ Рене Лалика. Самым успешным дизайном Жоржа Фуке был браслет «Роза руки», который тонкая изящная цепочка соединяла с кольцом – время от времени и по сей день этот браслет оказывается на пике моды.


Брошь-орхидея.

Но в первую очередь Жорж известен самой успешной коллаборацией в истории ювелирного дизайна – приглашением художника Альфонса Мухи для разработки эскизов украшений. Фуке видел, что ар нуво набирает популярность, однако осознавал, что конкуренция уже достаточно высока. На одной из выставок он обратил внимание на роскошные украшения, которыми художник одаривал героинь своих картин и плакатов.


Эскиз Альфонса Мухи для Фуке.


Эскиз Альфонса Мухи для Фуке.

Муха внимательно исследовал мир природы, чтобы найти свежие образы.


Эскиз Альфонса Мухи для Фуке.


Слева - реализация эскиза, справа - применение восточных мотивов.


Эскиз Альфонса Мухи для Фуке.


Украшение на основе эскиза выше.

Наряду с утонченными девами, запутавшимися в собственных косах – самым растиражированным образом творчества Мухи – в брошах и браслетах появляются кувшинки и душистый горошек.


Нетипичные растительные мотивы, введенные Мухой.


Женские образы с картин Мухи в украшениях.

Ирис – цветок модерна – предстает столь же часто. Крылья насекомых и побеги растений оказываются переплетены и стилизованы настолько, что уже трудно угадать реальный образ. Европейская публика увлечена искусством Востока, и Муха не пренебрегает использованием формы лотоса, но трактует его в собственной манере.


Шпильки с восточными мотивами.


Гребни в японском стиле.

Иногда в украшения включаются утонченные фантастические пейзажи, выполненные в сложных, декадентских оттенках.


Пейзажи в украшениях дома Фуке.

На смену драгоценным камням в украшениях Фуке периода сотрудничества с Мухой приходят опалы и ониксы, смело включается эмаль, переживают новый период популярности жемчужины неправильной формы – ведь в моде все неправильное, иррациональное, искривленное. Перламутр входит в число любимых материалов ювелиров модерна.


Новые материалы в украшениях модерна.


В моде жемчуг неправильной формы.


Жемчуг, эмаль и поделочные камни.

Результатом совместной деятельности гениального художника и талантливого коммерсанта стало множество украшений, вошедших в анналы истории декоративно-прикладного искусства.


Работы Мухи для дома Фуке - своего рода классика модерна.


Украшения по эскизам Альфонса Мухи.

Именно Фуке и Муха придумали золотой браслет-змею, ставший буквально символом ювелирного искусства модерна. Украшение было создано для легендарной актрисы Сары Бернар к премьере ее спектакля «Медея». Жорж Фуке представил украшения, созданные по эскизам Мухи, на Всемирной выставке в Париже, где завоевал золотую медаль.


Слева - культовый браслет-змея.

Сотрудничество Мухи и Фуке не ограничивалось созданием украшений. В 1900 году, на заре XX века, Фуке пригласил художника спроектировать внешний вид и интерьер его магазина – от вывески до дверных ручек, от мебели до светильников. Муха задумал магазин как целостное произведение искусства, как бы продолжающее плавные линии и изысканные формы созданных им украшений. Он стремился создать особый мир, в котором главную роль играла бы красота. Художник, как и все создатели интерьеров эпохи модерна, обратил взор к природным мотивам. Сверкающие многоцветные витражи создают ирреальное впечатление, а роскошь интерьера подчеркивают грациозные павлины. Вывеска выполнена специально разработанным «модерным» шрифтом.


Экстерьер бутика Фуке.

Судьба этого интерьера была непростой. В год открытия бутика его обстановка произвела настоящий фурор, и в неизменном виде интерьер существовал до 1923 года. Затем, после прекращения сотрудничества с Мухой и по причине изменения доминирующего стиля ювелирного дома, на место изысканных и роскошных решений Мухи пришла более современная мебель – строгие формы, четкие линии… В начале Второй Мировой войны семья Фуке передала музею Карнавале на хранение уцелевшие фрагменты интерьера, созданного Мухой. В конце 80-х музей Карнавале завершил труднейший свой проект – реконструкцию интерьера бутика Фуке.


Интерьер бутика Фуке.

В 1923 году союз Мухи и Фуке был расторгнут. Виной тому стали падения доходов, финансовый кризис и неспособность Фуке более оплачивать дорогостоящие услуги знаменитого художника. Вкусы публики тоже менялись, силу набирал стиль ар-деко – более агрессивный, функциональный, опасный.

Сын Жоржа, Жан, получил классическое образование и мечтал стать писателем, но в начале 1920-х занялся работой в ювелирном доме отца. Он был большим поклонником современного искусства, абстракционизма и других модернистских течений, что позволило ему создавать узнаваемые, стильные и простые украшения в геометризированной манере. Украшения, созданные Жаном, считаются выдающимися изделиями ар деко.


Украшения по эскизам Альфонса Мухи.

Ювелирный дом Фуке стал тем редким предприятием, которое сумело быстро адаптироваться к появлениям двух революционных декоративных стилей – модерна и ар-деко. Жан по примеру своего отца пригласил к сотрудничеству ювелира Луи Фертея и художника-плакатиста Адольфа Мурона.

Несмотря на социальные, экономические и политические потрясения, еще несколько десятилетий после разрыва с Мухой дом Фуке продолжал создавать украшения, которые сегодня притягивают внимание коллекционеров по всему миру.

Текст: Софья Егорова.
ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Сегодня только редкие коллекционеры способны вспомнить о нем, но в 1920-х годах имя Деметра Чипаруса гремело по всей Европе. Он был удивительно современным скульптором, творил будто за пределами своей эпохи и в то же время сочетал в своем творчестве все лучшее, что могли предложить миру ар нуво и ар-деко. Безумная слава сменилась забвением – но скульптуры Чипаруса потрясают зрителя до сих пор.


Мотивы театральных постановок.

Стиль ар-деко - это стиль эпохи джаза, первых автомобилей, женского раскрепощения и шикарных небоскребов. Небоскреб Крайслер-билдинг, динамичная живопись Тамары де Лемпицкой, изображения чешуи и колосьев в орнаментах, образы яростных и стремительных животных – всего несколько лет богачи всего мира окружали себя экстравагантными вещами в роскошных зданиях, но именно за это время искусство, дизайн и мода вышли на новый уровень. Прославляя скорость, сексуальность и богатство, ар-деко подарил миру множество выдающихся произведений. Особняком в этом ряду стоят работы румынского скульптора Деметра Чипаруса.


Скульптура Деметра Чипаруса.

Он родился в 1886 году, и на исходе первого десятилетия двадцатого века отправился в далекую солнечную Италию – на родину, как ему казалось, настоящего искусства. Там он учился у знаменитого скульптора Романетти, но вскоре ощутил, что его тянет к чему-то иному, чему-то новому. Он переехал в Париж, где набирали силу новые художественные течения.


Скульптура Деметра Чипаруса.

Какое-то время Деметр учился у парижских скульпторов, но уже тогда нащупал собственный путь в искусстве. Его первые работы – великолепно выполненные фигурки детей, - не получили отклика привередливой парижской публики.


Первые работы Чипаруса.

Но уже в то время Чипарус начал экспериментировать с материалом, используя бронзу и слоновую кость – через пару десятилетий скульпторы, дизайнеры и ювелиры массово начнут использовать их, но пока Деметр почти одинок в своих экспериментах.


Танцовщицы


Египетские танцовщицы Чипаруса.

В 1922 году археологи обнаружили гробницу Тутанхамона, и Европа заболела Египтом. Фантастические сокровища древнеегипетских фараонов будоражили умы художников. Писательница Мария Корелли написала предостережение против вторжения в гробницу, что совпало со смертью одного из археологов, и «египетская лихорадка» достигла небывалых масштабов. Деметр Чипарус тоже не избежал «проклятия фараонов» - повсеместного помешательства на египетском искусстве, но даже не предполагал, что несколько образов египетских танцовщиц принесут ему феноменальный успех.


Египетская тема принесла славу Чипарусу


Образы царицы Клеопатры


Клеопатра.

Другим источником вдохновения для Чипаруса послужили дягилевские «Русские сезоны», которыми Европа «переболела» чуть ранее. Принципиально новая визуальная часть этих представлений предложила художникам иначе взглянуть на фактуры, пластику и материалы.


Фактура в скульптуре Чипаруса


Мотив "Русских сезонов".

Эксперименты с рельефом, сложные сочетания металлов и кости, ранее считавшихся недостаточно респектабельными и слишком «поделочными», геометризация – все это новаторские решения в мелкой скульптуре.


Образы русского балета


Чипарус любил "Русские сезоны"


Мотив "Русских сезонов".

Эпоха ар-деко принесла миру образ новой женщины – энергичной любительницы джаза и автомобилей, коротко постриженной, облаченной в дерзкое платье с бахромой и ни в чем не уступающей мужчинам. Однако героини Чипаруса – несколько иные: расслабленные, отвлеченные лица, взгляд внутрь себя, утонченные силуэты, обилие орнаментов и застывшие в веках танцевальные движения.


Женские образы в работах Чипаруса


Скульптуры Деметра Чипаруса.

Часто это танцовщицы – новых и былых времен, иногда –прекрасные средневековые девы.


Средневековые мотивы


Историзм в скульптуре Чипаруса.

Чипарус вводит в скульптурные композиции фигурки животных – элегантных и стремительных.


Чипарус вводил в композиции фигурки животных


К концу жизни Чипарус полностью перейдет к анималистическому жанру.

Права на изготовление скульптур по моделям Чипаруса была приобретена бронзолитейным заводом Дрейфуса и мастерскими Леманна. Помимо бронзы и слоновой кости Чипарус использовал шпиатр – цинковый сплав. Лица и другие открытые части тела выполнялись из ивуарина – искусственного заменителя натуральной слоновой кости. Скульптуры покрывались патиной, что делало их почти неотличимыми от бронзовых. Многие идеи Чипаруса оказались не востребованы дорогими магазинами – и он предпочитал реализовать их в более дешевых материалах.


Темы Чипаруса часто повторялись.

Он редко выставлялся на ежегодных парижских салонах современного искусства, не нуждаясь в дополнительной рекламе.


"Лучница"

Уже зрелым человеком, состоявшимся художником, Деметр встретил еще одну свою любовь – женщину из плоти и крови, которая показалась ему прекраснее всех созданных им скульптур. Ее звали Жюльен, и ей было всего двадцать два. Они прожили вместе пятнадцать лет, прежде чем пожениться. У них не было детей, но черты Жюльен находили продолжение в творениях Деметра – пусть он и утверждал, что в работе не обращается к реальным образам.


Женские образы в работах Чипаруса.

Он писал множество этюдов, моделью для которых служила его возлюбленная. Кроме любимой супруги, Деметр изображал и балерин Русских Сезонов, фантастически преобразуя их облик – например, исследователи узнают в некоторых его героинях Брониславу Нижинскую. Ряд скульптур он создал по фотографиям известных танцовщиц мюзик-холлов.


Танцовщицы


Женские образы в работах Чипаруса.

Чипарус был бешено популярен в 1920-30 годах, что позволило ему приобрести дорогой дом и оборудовать там прекрасную мастерскую.


Танцовщицы.

Но ар-деко становился историей, пришло время для нового искусства, и изысканные статуэтки Чипаруса становились все менее интересными для покупателей. К тому же близилась война, закрывались бронзолитейные мастерские, где воплощались в материале замыслы Чипаруса. Однако он не собирался жить по средствам, и вскоре паре пришлось продать дом, чтобы расплатиться я с долгами. В 40-х годах в оккупированном Париже он продолжал творить и даже выставлять свои работы– хорошо известны его терракотовые анималистические этюды.


Скульптура Чипаруса.

Он часто посещал зоопарк, где наблюдал за животными, присматривался к их пластике, разнообразию созданных природой форм. В 1947 году на пути из зоопарка с художником случился удар, от которого он так и не оправился. В семидесятые годы произошел всплеск интереса к его наследию, но сегодня имя Деметра Чипаруса известно лишь немногим коллекционерам – имя уникального мастера, переплавившего в своем искусстве модерн, ар-деко, балет и древние культуры.

Текст: Софья Егорова
ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Чем дольше смотришь, тем больше неожиданных деталей замечаешь.



Головокружительные работы канадского художника Роберта Гонсалвеса чудесным образом играют с твоим восприятием пространства и времени. Подолгу всматриваясь в его необычные картины, начинаешь задаваться вопросом «Реально ли это всё?»

У большинства завораживающих полотен Роба нет четких границ между историями, которые они нам рассказывают с помощью образов, и оптическими иллюзиями, вызывающими неописуемый восторг от увиденного.

Необычный стиль, в котором творил Гонсалвес, называют магическим реализмом-сюрреализмом.



За свою долгую и весьма успешную карьеру художник был не раз отмечен престижными международными наградами.



Родился Роберт в цыганской семье в Торонто в 1959 году.



С малых лет Гонсалвеса интересовало искусство, особенно картины.



В 12 лет мальчик уже знал основы перспективы и нарисовал свои первые, по-настоящему взрослые картины.



Он вырос на творчестве таких известных художников-сюрреалистов, как Пабло Пикассо, Сальвадор Дали, Ив Танги, Рене Магритт, Жоан Миро, Макс Эрнст и другие.



Также Гонсалвес черпал вдохновение в произведениях Андре Бертона, Поля Элюара, Луи Арагона.



Образование Роберт получил в архитектурном колледже.



Последующие годы канадец работал по специальности.



Также немало времени он уделял своему увлечению.



Навыкам черчения и познанию в проекции нашлось применение в картинах художника.



В 1990 году в Торонто Гонсалвес выступил на выставке уличного искусства.



После этого он полностью посвятил себя живописи.



Несмотря на то, что работы Гонсалвеса относят к сюрреализму, они всё-таки не полностью выдержаны в этом стиле.



Его образы всегда четко спланированы и являются скорее результатом осознанной мысли, в отличие от работ сюрреалистов.



Художник использовал тщательно выверенные иллюзионистские приемы.



Гонсалвес добавлял волшебство в реальные сцены.



Поэтому термин «магический реализм» в точности описывает его работы.



Сам он утверждал, что его живопись — это попытка продемонстрировать людям, что невозможное возможно.



Большинство работ Роберта хранятся в частных коллекциях и перепродаются за огромные деньги.



В 2003-м издательством Simon & Schuster была выпущена его первая книга с иллюстрациями Imagine a Night.



Спустя два года свет увидел второй сборник работ мастера, а за ним последовал и третий.



Не стало Роберта Гонсалвеса 14 июня 2017 года.



Последние годы своей жизни он пребывал в глубокой депрессии, что и стало причиной суицида.



В 2018 году певица Ариана Гранде в своем клипе God is a Woman ссылалась на работы Роберта Water Dancing и Carved in Stone.



Нам ужасно не хватает новых картин этого гениального творца. Как жаль, что гениальность и безумие шагают рука об руку и забирают лучших слишком рано.

ИСТОЧНИК: http://uduba.com/

Они не выставляются в Лувре и никогда не получат премию Тернера или «Черный квадрат». Имена творцов неизвестны, зато «полотна» — бессмертны. «Моя Планета» — о самых выдающихся наскальных рисунках мира.

СТОЛИЦА ПЕЩЕРНОЙ ЖИВОПИСИ









Пещера Альтамира, Испания
Около 15 000 лет

Эта пещера является одним из самых значимых памятников каменного века. А открыла ее девятилетняя девочка Мария, дочь испанского археолога-любителя Марселино де Саутуолы. Это она в 1879 году, когда пришла сюда с отцом, подняла глаза кверху и воскликнула: «Папа, смотри, нарисованные быки!» Смотреть и вправду было на что: фигурки животных оказались выдержаны в одном стиле и пестрили яркими красками, для придания им объема был использован рельеф скалы.

Лавры, правда, достались не девочке, а ее отцу, да и то не сразу — поначалу его считали обманщиком, выдававшим «новодел» за «антиквариат». Даже самые маститые ученые XIX века не могли поверить, что первобытные предки были способны создать такое. Признание заслуги Саутуолы, как водится, пришло только после его кончины. Именно тогда была осуществлена датировка рисунков, и выяснилось, что им порядка 15 000 лет. Итог — восстановление доброго имени и 1500 туристов каждый день.

Увы, популярность оказалась разрушающей: постепенно потолок пещеры начал покрываться плесенью: влажность и углекислый газ от дыхания посетителей делали свое дело, хрупкие природные краски, которыми нарисованы животные, — уголь и охра — приходили в негодность. Пещеру закрыли для посещений, а чтобы не было обидно, рядом открыли ее точную копию — музей, где поместили панно с рисунками. Справедливости ради надо сказать, что некоторые счастливчики могут все-таки попасть в оригинальную пещеру, но их число исчисляется парой десятков в год.

ГАЗЕТНЫЙ КАМЕНЬ





Местечко Ньюспейпер-Рок, США (штат Юта)
500 — 10 000 лет

Эта достопримечательность действительно похожа на газету, только наскальную. Вместо букв здесь фигурки животных, знаки и символы, концентрация и разнообразие которых на 1 м² просто зашкаливает. Оттого-то скала Ньюспейпер-Рок и напоминает газетную полосу.

А «печатали» ее, судя по всему, индейцы — древние и не очень. Последние «полосы» были, вероятно, оформлены уже после того, как коренные американцы встретились с европейцами (напомним, что Христофор Колумб открыл Америку в 1492 году), потому что здесь есть изображения колеса, которое индейцы, вопреки распространенному мифу, знали, но или почти не использовали его в быту, или это знание было доступно лишь определенному кругу лиц (найдены древние индейские игрушки на монолитных колесах).

А вот самые старые рисунки на «газетном камне» изображают мамонтов, которые, как известно, вымерли около 10 000 лет назад. Поэтому сделаны рисунки, вероятно, никак не позже этой даты.

НА ГРАНИЦЕ ВОЗНИКНОВЕНИЯ ЧЕЛОВЕЧЕСТВА








Пещера Шове, Франция
Не менее 32 000 лет

А вот это воистину древность. Разве думал французский спелеолог Жан Мария Шове, когда в 1994 году спускался в ущелье Пон-д'Арт на юге Франции, что вот-вот совершит открытие, которое назовут одним из самых значимых за весь XX век? Даже и представить не мог!

По обыкновению Жан Мария просто осматривал своды очередной пещеры, пока не наткнулся на красно-коричневое пятно. Вглядевшись внимательнее, мужчина понял, что перед ним не клякса, а сделанный охрой и углем рисунок мамонта. А за ним еще и еще: лошади, бизоны, медведи, волки, носороги. И все это переплетено в каком-то хаотичном танце. Очевидно, древний мастер пытался изобразить движение и грацию животных. И у него получилось. Но самым впечатляющим стал возраст находок.

Проведя радиоуглеродный анализ, ученые установили, что самым ранним рисункам в пещере от 28 000 до 32 000 лет и даже больше — 37 000. А это, как ни крути, почти граница возникновения человека нашего вида — Homo sapiens, который появился порядка 40 000 лет назад. Увы, пещеру ждала та же судьба, что и Альтамиру, — чтобы не разрушить наследие предков, ее закрыли. Сегодня можно посетить расположенный неподалеку музей с копиями рисунков.

ПЕЩЕРА РУК








Куэва-де-лас-Манос, Аргентина
9500 — 13 000 лет

Рисунки здесь просты, как все гениальное. Своды пещеры украшают отпечатки множества ладоней. Хотя изображения животных тут тоже есть, но не мамонтов и бизонов, а местной фауны: страуса-нанду, гуанако, представителей семейства кошачьих. А еще встречаются петроглифы. Но в основном — руки.

Ученые выяснили, что отпечатки делались при помощи костяной трубки (она найдена здесь же), в которую художник выдувал краску минерального происхождения. Кисть руки при этом он прикладывал к стене пещеры — получался отпечаток ладони. Просто и со вкусом. А главное — в соответствии с божественным предназначением: на стенах пещеры запечатлены отпечатки левых ладоней, причем, принадлежат они, как установили исследователи, мальчикам-подросткам. Это позволяет предположить, что обряд был частью инициации.

НЕАНДЕРТАЛЬСКИЕ ТВОРЦЫ






Пещеры Ла-Пасиега, Мальтравиесо, Ардалес, Испания
64 800 — 66 700 лет

До недавнего времени считалось, что наши «двоюродные» братья — неандертальцы — были не то чтобы глупее Homo sapiens (этот миф все же удалось развеять), но уж точно менее талантливы (о геноме неандертальцев мы писали тут). Это и понятно. Все неандертальское искусство сводилось к украшениям из когтей орлана-белохвоста, найденного в хорватском городе Крапина и других местах, окрашенных ракушек, царапины на стене пещеры Горама (юго-восточная часть Гибралтара) и еще несколько подобных же примеров.

Согласитесь, негусто. А уж про изобразительное искусство и говорить нечего. Наскальных рисунков краской, принадлежавших неандертальской кисти, не было найдено вовсе. До того как международная группа ученых в феврале 2018 года не опубликовала датировки рисунков в трех испанских пещерах: Ла-Пасиеге, Мальтравиесо и Ардалес.

В первой найден красный геометрический символ, во второй — просто красный пигмент, а в третьей — отпечаток руки, выполненный красной охрой. Возраст их впечатляет — 64 800, 65 000, 66 700 лет соответственно. В это время наши предки еще сидели в Африке, а неандертальцы как раз жили в Европе.

Так что живопись, вероятно, дело именно неандертальских рук. Похоже, наши вымершие сородичи полностью реабилитированы: они были не только не глупее наших предков, но и умели творить. Известный антрополог Станислав Дробышевский в своей статье «Неандертальский креатив» на сайте «Антропогенез.ру» уже назвал эту находку «величайшим открытием начала XXI века».

СИКСТИНСКАЯ КАПЕЛЛА ПЕРВОБЫТНОЙ ЖИВОПИСИ
















Пещера Ласко, Франция
Около 20 600 лет

Эта пещера считается одним из важнейших позднепалеолитических памятников не только по качеству изображений, но и по их количеству и сохранности. Уникальная картинная галерея, как водится, была открыта не профессионалами, а четырьмя подростками, которые наткнулись на узкое отверстие во внешнем своде пещеры. Появилось оно после падения сосны, в которую попала молния. Ребята сообщили об этом своему учителю Леону Лавалю, а тот — археологу Анри Брейлю. Тот первым и исследовал рисунки в пещере, а впоследствии сказал о ней: «Если Альтамира — столица пещерной живописи, то Ласко — ее Версаль». Было это в 1940 году.

Пещера состоит из нескольких залов, и на сегодняшний день здесь найдено 1900 изображений. По преимуществу это зубры, есть также лошади, олени, бараны, медведи, носороги, представители семейства кошачьих, сцены охоты и сами охотники. Кстати, первое известное изображение Плеяд, группы звезд в созвездии Тельца, было найдено как раз здесь, оно было сделано примерно в XVIII–XV тысячелетии до н. э. Очень много рисунков в цвете, применены разные художественные приемы, например растушевка и перспектива. Найдены костяные и кремниевые орудия. Как и все подобные памятники, сегодня пещера Ласко закрыта для посещений по причине разрушения рисунков, но поблизости открыт музей с точными копиями самых интересных частей пещеры.

КОГДА ВОДА УМЕРЛА В КАМНЕ











Капова пещера, Россия
36 000 лет

А что же наша страна? На родине тоже есть чему подивиться. Например, знаменитой Каповой пещере, которая находится в Республике Башкортостан. Здесь ее называют Шульган-Таш, что в переводе с башкирского означает «вода умерла в камне» (такое название, очевидно, связано с тем, что в пещеру уходят воды реки Белой). Здесь было обнаружено 173 рисунка, сделанных охрой. И хотя они не столь впечатляющи, как описанные выше (на территории России в силу недружелюбного климата жило меньше первобытных предков), у них есть своя уникальная стилистика и красота.

По стенам пещеры идут стройные ряды красных мамонтов, лошадей и охотников. Есть рисунки хижин и разные символы: треугольники, лестницы, линии. А в ноябре 2017 года учеными сделано сенсационное открытие: под слоем кальцита нашли древнейшие в мире изображения верблюда (и единственные в Европе)! Возраст новой находки пока не могут установить точно, но ориентировочно это не меньше 14 500 и не больше 37 000 лет, тогда как самые старые изображения в пещере датируются 36 000 лет.

ИСТОЧНИК: https://www.moya-planeta.ru/
 

Что означают оттенки самого яркого цвета, какой заморский продукт в Средневековой Европе ценили лишь ненамного меньше золота и серебра и в чем проблема картин Ван Гога.

Красный цвет — третий по популярности после черного и белого, его знали и использовали уже в первобытном обществе. На Западе он ассоциируется с привлекательностью и любовными приключениями, в странах Азии — с плодородием и удачей, а в Европе — с духовенством и аристократией. И у каждого его оттенка есть своя интересная история.

КРАСНАЯ ОХРА: пещеры Альтамиры



Один из древнейших оттенков красного — охра. Материал, из которого ее получали, лежит буквально под ногами — это глина с вкраплениями гематита (красный оттенок) или лимонита (желтый оттенок). Из-за своей доступности охра вместе с черным и белым стала главным цветом художников палеолита. Образцы наскальной живописи того времени сохранились, например, в пещере Альтамира в Испании, и им примерно 15 000 — 16 500 лет!

В Древнем Египте охру тоже знали и любили — ее следы были найдены на стенах гробницы Тутанхамона. Кроме того, краску применяли в косметических целях, подчеркивая губы и щеки. В Древнем Китае охру применяли в производстве керамики.

КИНОВАРЬ: Помпеи



Оттенок от алого до кирпичного был назван в честь минерала, из которого его производили, — киновари, или сульфида ртути. В Древнем Риме киноварь добывали как собственно для получения ртути (ее в минерале около 86%), так и для производства пигмента. Последний обладал токсичными свойствами, но тем не менее пользовался популярностью. Более того, высоко ценился римлянами: киноварь была на порядок дороже других красок и использовалась для украшения стен жилища — примеры росписи и фресковой живописи сохранились на стенах Помпеи.

С XII века киноварь начали использовать и в Китае: ее добавляли в лаковые резные изделия. А чуть позже появился другой оттенок — вермилион, который тоже переводится как «киноварь», но подразумевает под собой иной тон.

КАРМИН: ацтеки



Наибольшее распространение кармин получил в XVI веке, когда испанские конкистадоры обратили внимание на яркие малиновые оттенки, используемые ацтеками. Цвет был настолько популярен, что кошенильные червецы, из которых его изготавливали, заняли третье место среди импортных продуктов в Европе после золота и серебра. Многие европейские аристократы носили одежду, окрашенную кошенилью, поскольку она давала необыкновенно красивый цвет.

Художники XV–XVI веков, включая Вермеера, Веласкеса и Рембрандта, также высоко ценили кармин за его насыщенный, глубокий оттенок и использовали в своих работах. Но и у этой краски нашелся минус: она меняла цвет при воздействии света.

МАЛИНОВЫЙ



Этот оттенок красного получали из высушенных тел дубовых червецов — кермесов, которых специально собирали для производства красок и красителей. Постепенно, с появлением кармина, который также делали из насекомых (кошенили), тон утратил свою популярность. Дело в том, что для производства одинакового по интенсивности цвета требовалось в 12 раз больше кермесов, чем кошенили. Первый цвет часто называют «натуральным малиновым», чтобы отличать от второго.

ВЕРМИЛИОН: Тициан



Считается, что Китай первый начал производить вермилион (синтетическую киноварь) — возможно, еще в IV веке до н. э. Этот цвет, символизирующий жизнь и удачу, имел большое значение для культуры страны, так что его прозвали «китайский красный». Вермилион использовался для росписи храмов, экипажей императора, а также при изготовлении книг. В Средние века цена краски была сравнима со стоимостью сусального золота, поэтому ее использовали только для самых важных рукописей.

Чуть позже арабские алхимики привезли краску в Европу, где она получила большую популярность среди художников эпохи Возрождения. Особенно ее любил Тициан — крупнейший итальянский живописец. Однако, помимо токсичности и высокой стоимости краски, нашелся еще один недостаток: со временем пигмент изменял свой цвет, становясь темнее. Так что художникам в итоге пришлось перейти на кадмий.

СВИНЦОВЫЙ СУРИК: Ван Гог



Еще один высокотоксичный краситель, который впервые был изготовлен в Китае во времена империи Хань (206 год до н. э.— 220 год н. э.). Сурик считается одной из первых синтетических красок, потому что для его изготовления обжигали свинцовые белила: чем дольше их грели, тем оранжевее становился цвет.

Его применяли в средневековых рукописях, персидской и индийской живописи. Кстати, краска имеет и второе название — «миниум», от которого, собственно, произошло слово «миниатюра». Большим поклонником сурика был Винсент Ван Гог. Вполне вероятно, что вопрос был не только в эстетике, но и в цене краски, стоившей дешевле киновари, — художник был всегда крайне беден. К сожалению, сурик выцветает со временем, в результате чего красный на картинах Ван Гога исчезает

КАДМИЙ: Матисс



Кадмий получил большое распространение в XX веке из-за своей доступной цены и стойкости цвета. Анри Матисс стал одним из первых известных художников, которые начали использовать его в своих работах. Также его использовали Поль Гоген и Макс Эрнст.

Кадмий и его соединения ядовиты. В 2014 году Европейский союз хотел запретить использование красителя из-за возможной опасности: считалось, что при промывке кисточек он загрязняет воду токсичными веществами. Однако дальнейшие исследования показали, что опасения были напрасны, и краска продолжает занимать значительное место в палитре современных художников.

КИТАЙСКИЙ КРАСНЫЙ: Кристиан Лубутен



Оттенки красного цвета всегда имели большое значение в модной индустрии, но китайский красный (отличный от вермилиона) занял особое место, когда в 1992 году Кристиан Лубутен представил миру обувь с красной подошвой.

Туфли, которые сейчас считаются эталоном стиля, получились совершенно случайно: работая над моделью, дизайнер чувствовал, что в ней не хватает изюминки. Когда его взгляд нечаянно упал на ярко-красные ногти помощницы, решение было найдено. Так подошва модельных туфель стала красной.

ИСТОЧНИК: https://www.moya-planeta.ru/

Встреча двух гениев. Бывает, что гении встречаются, и благодаря таким встречам появляются настоящие шедевры. Режиссёру Тэйлору Хэкфорду удалось в своём фильме «Белые ночи» соединить сразу две гения – барда Высоцкого и танцора Барышникова.



Потрясающая постановка и исполнение Михаил Барышникова в симбиозе с эмоциональным голосом Владимира Высоцкого – вот так через танец можно передать каждое слово и настроение песни. Сила, эмоции и чувства – в каждом движении и каждой строке.



Душа и пластика этого танца пробирают до мурашек!

ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Франц Великолепный, так называли великосветские дамы немецкого портретиста Франца Ксавера Винтерхальтера и выстраивались в очередь, чтобы тот увековечил их в живописных портретах. И нужно отметить, что эти произведения искусства по истине были великолепны и неподражаемы, в чем можете убедиться сами, посмотрев галерею бессмертных образов.


Императрица Евгения в окружении фрейлин. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер.

Живописец мастерски умел подчеркивать достоинства моделей и сглаживать недостатки, сохраняя при этом портретное сходство героинь и погружая их в роскошь и светский блеск. Такое умение принесло Франсуа Винтерхальтеру громкую славу в великосветском обществе европейских государств.

"Дамы в течение месяцев ждут своей очереди, чтобы попасть в ателье Винтерхальтера, – констатировал Александр Дюма в 1859 году, – они записываются, они имеют свои порядковые номера и ждут – одна год, другая восемнадцать месяцев, третья два года. Наиболее титулованные имеют преимущества. Все дамы мечтают иметь в своем будуаре портрет, написанный Винтерхальтером".


Императрица Евгения - супруга Наполеона III. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер


Императрица Евгения. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер.

К сожалению, немецкий живописец в России известен совсем небольшому кругу зрителей, невзирая на то, что в залах западноевропейского искусства Эрмитажа хранится достаточно не мало его работ. И, тем не менее, Винтерхальтер был одним из самых ведущих портретистов XIX века в Европе. Являясь придворным художником короля Луи-Филиппа, Наполеона III и императрицы Евгении, живописец писал так же портреты монархов и их семейств в Австрии, Бельгии и Англии.


Королева Англии Виктория. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер


Королева Англии Виктория. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер.

Среди его многочисленных поклонниц была также Виктория (1819-1901) — королева Соединённого Королевства Великобритании и Ирландии. Однажды посетив ее дворец в Англии, Франц не единожды возвращался туда еще несколько раз, чтобы запечатлеть Викторию, и ее большое семейство. Только с царственных особ Великобритании мастер написал более 120 портретов.


Леди Констанция Левесон-Гоуэр (1834-80), позднее герцогиня Вестминстер. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер


Императрица Сиси Елизавета 1837 - 1898) — супруга императора Франца Иосифа I, по рождению принцесса Баварии. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер.

Со временем Франц Ксавер, отточив свое мастерство портретиста, для ускорения темпов в работе над портретами уже не делал предварительных эскизов и набросков. На смену академическим приемам и скрупулезности, приходит свободный мазок в манере романтизма, что никоим образом не повлияло на уникальность и художественную ценность его произведений.


Клэр де Берн, герцогиня Валломброзийская. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер


Герцогиня Анна де Мучи (1841-1924), урожденная Принцесса Мурат. (1862 год). Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер


Венцеслава Барщевская, мадам де Юрьевич. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер.

Писал превосходно художник и детей - маленьких ангелочков, наследников и наследниц правящих домов.


Бельгийская принцесса Шарлотта (1840-1927). (Принцесса из Саксен-Кобург-Готской династии, после замужества императрица-консорт Мексики. Единственная дочь короля Леопольда I.)


Луиза фон Боден, принцесса Бирон Курляндская. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер


Елена Луиза Елизавета Меклембургская. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер.

ПОРТРЕТЫ РУССКИХ АРИСТОКРАТОК

Российская аристократия, бывавшая в Париже, также любила заказывать свои портреты у этого неподражаемого художника. Он написал целую галерею женских образов, которые в наши дни хранятся в Эрмитаже и в других известных музеях России.


Ольга Николаевна, королева Вюртембергская. (Великая княжна, дочь императора Николая I и императрицы Александры Федоровны, супруга короля Карла I.) Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер


Принцесса Алиса. (Мать последней русской императрицы Александры Федоровны, супруги императора Николая I. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер


Великая княгиня Александра Иосифовна. Супруга Константина Николаевича, младшего брата императора Александра II. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер


Варвара Алексеевна Мусина-Пушкина. Эрмитаж. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер


Портрет С.П. Нарышкиной.1858г. Эрмитаж. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер


Портрет Варвары Римской-Корсаковой, 1864. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер.

Портрет Варвары Дмитриевны Римской-Корсаковой - самый известный портрет русской красавицы кисти Франца Ксавера, хранящийся ныне в Париже, в музее Орсэ. Именно в столице Франции Варвара Дмитриевна провела большую часть своей жизни, блистая и шокируя аристократическое общество Парижа своим эпатажем.

НЕСКОЛЬКО СТРАНИЦ ИЗ БИОГРАФИИ ХУДОЖНИКА

Франц Ксавер Винтерхальтер ( Franz Xaver Winterhalter 1805—1873) - немецкий живописец, один из самых востребованных портретистов середины XIX века. Его светская портретная живопись является единственной в своем роде галереей принцесс и аристократок практически всех стран Европы и России, в том числе.


Франц Ксавер Винтерхальтер.

Франц родился в 1805 году в маленькой деревушке Менценшванд (ныне часть города Санкт-Блазина, Германия). Франц - шестой по счету малыш, рожденный в семье Фиделя Винтерхальтера, фермера и производителя смолы, и его жены Евы Мейер, происходившей из старинного рода.

Начальной грамоте обучался в монастыре, а в 13-летнем возрасте едет в Фрайбург, где в студии Карла Людвига Шулера изучает основы рисования и литографии. В 18 лет поступает в Мюнхенскую академию художеств и проходит курс обучения в мастерской Петера Корнелиуса. Позже перебирается в Париж.


Автопортрет со своим братом Германом (1808—1891), также художником.

Талантливый мастер начинал свой творческий путь из сюжетных полотен, которые высоко ценились на выставках Парижского салона. Слава о его невероятном таланте быстро разошлась по всей Франции, и вскоре молодой художник становится придворным живописцем короля Луи-Филиппа, короля Франции, который доверил ему создание индивидуальных портретов своей многочисленной семьи.

Франц Ксавье быстро заслужил репутацию не только модного художника, а и знатока династической и аристократической портретной живописи. Так как мастерски научился сочетать портретное сходство с едва уловимой лестью, а также воссоздавать царственную помпезность в живой современной манере. Громкая слава великолепного мастера портрета не заставила себя долго ждать. От богатых и влиятельных заказчиков уже не было отбоя.


Три девушки в тени деревьев. Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер.

Однако, невзирая на свою востребованность и популярность при монарших дворах и в аристократическом окружении, Франц Ксавье редко получал высокие похвалы за свои работы от серьезных европейских критиков. Критики, некогда восхвалявшие дебют молодого немецкого живописца на выставке в Салоне 1836 года, отгородились от него как от художника.

Это обстоятельство угнетало мастера, но с этим он уже ничего поделать не мог. Однажды став заложником своей славы, он так и не сумел вырваться из круговорота, куда затянуло его мастерство портретиста. Сам же Франц, выполняя заказы в угоду монархам, некоторое время верил, что еще сможет вернуться к сюжетной живописи и вернет себе авторитет художника. Но, увы...


Автор: Франц Ксавер Винтерхальтер.

А с другой стороны художник достиг в области портретной живописи небывалых высот, разбогател, получил международную славу и покровительство царствующих особ. Не каждому это было дано.



Из-за болезни в последние два года жизни немецкий живописец писал очень мало. А во время очередной поездки во Франкфурт-на-Майне к заказчику, он заразился тифом и скоропостижно умер 68-летнем возрасте.

ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

В искусстве живописи рентгеновские лучи позволяют узнать о старинных картинах много интересных фактов. Приоткрывая тайную завесу, они помогают забытым героям обрести их истинные имена, разоблачают подделки, а так же выявляют неведомые картины под известными шедеврами.

Так, к примеру, рентген-анализ полотна «Монахиня» Ильи Репина неожиданно показал, что при его создании позировавшая девушка была одета в бальное платье, а вместо четок в ее руках был веер, что и было выявлено под верхним слоем краски благодаря рентгенографии. Как же светская женщина оказалась в черном монашеском наряде? Эта увлекательная история и несколько других не менее интересных,- далее в обзоре.

В прошлом году в Третьяковской галерее состоялась выставка под названием "Тайны старых картин". Экспонаты запасников, хранящие легенды и загадки, вызвали немалый интерес публики, а сама выставка имела грандиозный успех.

Предистория первого варианта картины И.Е. Репина «Монахиня» (1878)


«Монахиня»(1878). Государственная Третьяковская галерея. Автор: И.Е.Репин.

Портрет датируется 1878 годом, внимательно присмотревшись к которому, можно увидеть несоответствие наряда и выражения лица девушки. Ее смиренной монахиней вряд ли можно назвать.


«Портрет Софьи Алексеевны Репиной, урожденной Шевцовой». Киевский национальный музей русского искусства. Автор: И.Е.Репин.

Будучи начинающим живописцем и студентом Академии художеств, Репин жил по соседству с семьей архитектора А.И. Шевцова, у которого было две дочери. Многие считали, что Репин увлекся старшей - Софьей, но в 1872 году Илья женился на младшей - юной Вере.


«Портрет жены художника - Веры Алексеевны Репиной». (1876). Государственный Русский музей. Петербург Автор: И.Е.Репин.

Софья же, по иронии судьбы, стала женой его родного брата — Василия, студента петербургской консерватории. Илья не раз писал портреты Софьи Алексеевны, один из которых хранится в Киевском национальном музее русского искусства.

Из мемуаров племянницы художника достоверно известно, что был еще один портрет свояченицы, позировавшей живописцу в бальном платье, и что во время одного из сеансов Софья и Илья крепко рассорились. И художник, будучи эмоционально неуравновешенным и легко воспламеняющимся, одним махом превратил нарядную героиню своего полотна в монашенку. Под черное одеяние он спрятал пышную прическу, бальное кружевное платье и веер. Это был всплеск эмоций, захлестнувший художника.


«Портрет Софьи Алексеевны Репиной». / «Монахиня». (1878). Автор: И.Е.Репин.

В подтверждение правдивости слов мемуаристки сделанная рентгенограмма картины показала это на нижнем слое, который был не счищен автором. И что интересно: истинные отношения Софьи Шевцовой и Ильи Репина остались тайной. Так же как и реакция Софьи на поступок художника. Покрыто тайной времени осталось и то, был ли в отношении этого портрета осведомлен Павел Третьяков, который приобрел его для своей коллекции.


И.Е.Репин «Монахиня» 1878 г. и ее рентгенограмма.

«Монахиня» 1878 года, по всей вероятности, маленькая месть художника. За что? Этого мы уже никогда не узнаем. Вот так человеческие отношения меняют судьбу картины.

Второй вариант полотна И.Е. Репина «Монахиня»(1887)

По истечении десятилетия, в 1887 году, живописец, с уважением относящийся к библейским сюжетам и к религии в целом, как бы в свое оправдание, напишет уже настоящий портрет служительницы церкви. И назовет его также, как и предыдущий — «Монахиня». Только в отличие от первой картины, пред нами художник представит истинный облик послушницы. Практически то же фоновое пространство, тот же ракурс, только героиня настоящая.


Монахиня», 1887. Киевский национальный музей русского искусства. Автор: И.Е. Репин.

Предположительно на картине изображена двоюродная сестра Репина — Эмилия, монахиня женского монастыря, духовное имя которой было Евпраксия.

Тайна «Портрета неизвестного в треуголке» художника Ф.С.Рокотова

Еще одна тайна стала явной благодаря рентген-анализу полотна «Портрет неизвестного в треуголке».


«Портрета неизвестного в треуголке.» (Начало 1770-х). Государственная Третьяковская галерея. Холст, масло 58 х 47. Автор: Федор Степанович Рокотов.

Около двух веков считалось, что это портрет графа А.Г. Бобринского - внебрачного сына Екатерины II и ее фаворита графа Орлова. Но рентген-снимок показал, что под верхним художественным слоем находится первоначальное изображение молодой женщины, лицо которой Рокотов оставил без изменений в поздней живописи.

Достоверно известно, что этот портрет принадлежал семье Струйских и на нем была изображена первая супруга Николая Еремеевича - Олимпиада, скончавшаяся при тяжелых родах. По всей вероятности, перед вторым бракосочетанием, дабы не вызывать ревности новобрачной, Струйский попросил Рокотова замаскировать портрет умершей жены под мужской образ.

В.В. Пукирев «Неравный брак» со своими тайнами и легендами


«Неравный брак». Государственная Третьяковская галерея. Автор: В.В. Пукирев.

У полотна «Неравный брак» есть свои легенды и тайны. Его идейный замысел связан с реальной историей друга В.Пукирева – Сергея Варенцова, который был влюблен Софью Николаевну Рыбникову и собирался взять ее в жены. Но родители, вопреки воле дочери, выдали ее за близкого родственника Сергея – богатого купца Андрея Александровича Карзинкина. А несостоявшийся жених стал шафером на этой свадьбе.


Картина «Неравный брак». / Эскиз «Неравный брак». Автор: В.В. Пукирев.

На эскизе, предшествующем написанию картины, в образе стоящего за невестой молодого мужчины со скрещенными на груди руками Пукирев изначально изобразил Сергея Варенцова. А тот узнав об этом, обиделся на художника, хотевшего сделать его историю несчастной любви достоянием публики. И живописцу ничего не оставалось как на холсте в качестве шафера написать себя самого.


«Неравный брак». Фрагмент. Автор: В.В.Пукирев.

По всей видимости на этот шаг его подвигла собственная драма несчастной любви. Так как прообразом юной невесты он взял сестру друга - Прасковью Варенцову, которую выдали замуж за старика. Сам же Пукирев был страстно влюблен в нее и, чтобы как-то отвлечься от мучительных страданий он выехал за границу. Обе эти истории произошли в 1861 году, а через год был создан «Неравный брак», за который в 1863 году Академия художеств присвоила В.В.Пукиреву звание профессора «по живописи народных сцен». Это было впервые, чтобы присваивали такое звание за картину не исторического, а бытового характера.

И как не удивительно, эта история имела неожиданное продолжение. Совсем недавно в собрании произведений Третьяковки был обнаружен карандашный эскиз, сделанный малоизвестным художником Владимиром Суховым в 1907 году и подписанный автором: «Прасковья Матвеевна Варенцова». Той самой Прасковьи, которая 44 года назад стала героиней полотна влюбленного художника.


П.М.Варенцова. Государственная Третьяковская галерея. Художник В.Д.Сухов, 1907 год

Брак по расчету не принес девушке ни счастья, ни денег: свои дни Прасковья Матвеевна закончила в Мазуринской богадельне.

И.И Бродский. Какую тайну скрывала картина "Аллея парка" (1930).


«Аллея парка».(1930). Государственная Третьяковская галерея. Автор: Исаак Израилевич Бродский.

Судьба этой картины также очень интересна. Было достоверно известно, что незадолго до написания "Аллеи" художник создал полотно "Римский парк", которое долгие годы считалось пропавшим. Исследователи Третьяковки пригляделись к "Аллее", сделали рентген и выяснили, что эта картина и есть пропавший "Римский парк". Бродский закрасил статуи, перерисовал публику и вот - новая картина, без налета буржуазности. Но красота картины от этого не изменилась: уникальная манера художника изображать тени в пространстве удивительна в своем исполнении.

«Портрет Елизаветы Петровны в мужском костюме» кисти неизвестного художника.


«Портрет"

В запасниках Третьяковки был найден «Портрет Елизаветы Петровны в мужском костюме», где она изображена еще в возрасте цесаревны. Это полотно кисти неизвестного художника примечательно он тем, что нарисовано на совершенно несвойственном для русской живописи того времени - тонком холсте, сквозь которое масло и лак просочились и образовали на обороте зеркальный портрет.

Авангардист и реалист Иван Клюн (Клюнков)


Картина в стиле авангарда. / Автопортрет. Государственная Третьяковская галерея. Автор: Иван Васильевиа Клюн (Клюнков).

А эта двусторонняя картина принадлежит кисти Ивана Васильевича Клюна (Клюнкова) - известного русского художника-авангардиста.
На лицевой части холста изображена картина авангардного направления, а на обороте автопортрет самого мастера, что служит прямым доказательством, что художник мог работать и в направлении реализма.

Н.М. Козаков «Девушка с бубном». (1853).


«Девушка с бубном». (1853).Государственная Третьяковская галерея. Автор: Н.М. Козаков.

Примечательно на этой картине то, что автор оставил свою подпись на рукаве девушки, которая издали кажется вычурным узором.

ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Какое воздействие оказывают на людей картины Саврасова, Левитана и других известных пейзажистов?

Чтобы понять эти пейзажи, не нужно ни художественного образования, ни общей эрудиции, ни даже знания имени художника. Картина сама обращается к зрителю, вызывая в нем давно забытые или, наоборот, бережно хранимые чувства, затрагивает в какие-то струны человеческой души, сокровенные, личные. Но эмоции, вызванные пейзажами настроения, все же оказываются сходными с теми, что испытывают и другие при взгляде на эти холсты. А также с теми, которые когда-то заставили художника взяться за кисть.

Что такое пейзажи настроения, и благодаря кому они возникли?


Н.Н. Дубовской «На Волге»

Когда при взгляде на пейзаж вдруг сжимается сердце, охватывает грусть или, наоборот, возникает ощущение счастья, когда кажется, что картина почти передает звуки, свежесть ветра, холод или жар – это и есть пейзаж настроения. Это направление в творчестве художников XIX-XX веков стали выделять недавно. Раньше пейзаж не играл самостоятельной роли, становясь фоном для портрета, библейских или исторических сюжетов. Но благодаря уходу от общепринятых стандартов в живописи, развитию собственных взглядов на роль произведений искусства в человеческом самопознании, пейзаж стал развиваться, превращаясь в самостоятельный и перспективный жанр.


К.А. Коровин «Зимой»

Например, когда говорить напрямую о тюремной, каторжной стороне русской действительности было затруднительно, картина «Владимирка» Исаака Левитана, на которой была изображена лишь дорога, уходящая вдаль, могла вступать со зрителем в молчаливый диалог.

Непосредственным импульсом к появлению пейзажей настроения следует считать появление независимых от Академии художеств мастеров, объединившихся в Товарищество передвижных художественных выставок. И не меньшим значением обладало чутье мецената Павла Третьякова, безошибочно чувствовавшего настроение пейзажа и выкупавшего у авторов их холсты, побуждая и дальше работать в этом же направлении. Так в русской культуре появлялись мастера, практически все свои работы создававшие в жанре пейзажа настроения.


В.Д. Поленов «Река»

Мастерство таких пейзажистов не сводилось к точному воспроизведению природного ландшафта или к запечатлению уникальных и редких природных объектов – в этом их отличие от художников, сделавших документальную достоверность главной своей задачей.
В этих произведениях состояние природы в тот момент, в который она запечатлена на холсте, было подчинено одному общему настроению, отражало оно и характер самого художника. В пейзажах настроения всегда видна личность их создателя, и природа в них изображена такой, какой ее видит человек в определенной душевном состоянии. Это достигается разными способами – особенностями композиции, ритма, «воздухом» и «светом», насыщенностью или разреженностью.

В пейзажах настроения нет смысла искать «говорящие» детали, символы и загадки, главная, всеобъемлющая идея – о взаимосвязи внутренней жизни человека с окружающей его природы.


Н.Н. Дубовской

Одним из родоначальников жанра «пейзажей настроения» считается Николай Никанорович Дубовской, который выбрал занятия живописью вопреки семейной традиции. Рожденный в семье казака, он был обязан посвятить себя военной службе, но и учась в гимназии, тайком, постоянно рисовал. К семнадцати годам ему удалось – не без помощи преподавателей – уговорить отца дать позволение обучаться в столичной Академии художеств.


Н.Н. Дубовской «Зима»

Дубовской блестяще проявил себя по время учебы, и после, когда выбрал для себя пейзажную живопись в качестве главного жанра творчества, сумел добиться признания и успеха. В настоящее время почти забытый, Дубовской был на рубеже XIX-XX веков едва ли не самым популярным среди пейзажистов. Кроме того, он входил в число руководителей Товарищества передвижных художественных выставок.

Будучи романтиком, Дубовской и пейзажи воспринимал как средство для выражения идей романтизма, когда природа становится неотъемлемой частью личности, меняющейся, борющейся со всем рациональным и застывшим. В работах Дубовского часто фигурирует изображение неба, с которым по степени изменчивости может поспорить разве что море.


Н.Н. Дубовской «Родина»

Сохранился анекдот из жизни Дубовского, когда он, собираясь на собственную свадьбу, вдруг увидел из окна потрясающий вид, схватил этюдник и… забыл о времени. Свадьба, к счастью, все равно состоялась.
За картину «Притихло», в которой, по утверждению Левитана, «чувствуешь саму стихию», Дубовской был удостоен Большой серебряной медали Всемирной выставки в Париже в 1900 году.


Н.Н. Дубовской «Притихло»

Алексей Саврасов, Василий Поленов


А.К. Саврасов «Зимний пейзаж»

Алексей Кондратьевич Саврасов, из семьи купцов Соврасовых (написание своей фамилии художник изменил впоследствии сам), тоже поступил вопреки отцовской воле, вместо торговых дел избрав для себя путь художника. Его работы принесли ему награды и звание академика, и наконец Саврасов возглавил пейзажный класс московского училища живописи.


А.К. Саврасов «Вид на Кремль с Крымского моста в ненастную погоду»

Он был одним из учредителей Товарищества передвижников. Особенную популярность Саврасову принесла его картина «Вид на Кремль с Крымского моста в ненастную погоду», в ней, по признанию современников, был необыкновенно правдиво передан момент – можно было угадать и движение туч, и шум ветвей дерева. Пейзажи Саврасова написаны в лирическом духе, отражая одновременно и собственные переживания художника, и его безграничную любовь к родной земле.


А.К. Саврасов «Пейзаж с рекой и рыбаком»

Другим преподавателем Московского училища, впоследствии признанный мастером «интимного пейзажа», был Василий Дмитриевич Поленов, который, хоть и родился в столице, испытывал большую любовь к природе и всю жизнь хранил в памяти детские впечатления от поездок в Карелию и в Тамбовскую губернию, где гостил в усадьбе своей бабушки. В 1890 году Поленов реализовал свою мечту и купил собственное имение – в Тульской губернии на берегу Оки, где выстроил дом и мастерскую.


Портрет В.Д. Поленова работы Ильи Репина


В.Д. Поленов «Заросший пруд»

Исаак Левитан, Константин Коровин

И Саврасов, и Поленов были учителями великого русского пейзажиста Исаака Ильича Левитана.
С его картин начинается знакомство с русской пейзажной живописью – и не случайно. Левитан страстно любил русскую природу, слышал «ее музыку», проникался ее тишиной. Уже в 16 лет он написал один из своих первых шедевров – «Солнечный день. Весна», а в 19 – «Осенний день. Сокольники», картину, которая первой из левитановских попала в коллекцию Третьякова.


И.И. Левитан. Автопортрет

«Владимирку» называют русским историческим пейзажем – на картине изображено одновременно прошлое и настоящее России. В то время, как художник писал этот пейзаж, Владимирка уже не была тем трактом, по которому отправляли на восток каторжников: использовалась железная дорога. Но память о прошлом как будто растворена в самом пейзаже – тревожном, мрачном, почти без тени надежды.


И.И. Левитан «Владимирка»


И.И. Левитан «Вечерний звон»


И.И. Левитан «Над вечным покоем»

Еще один «пейзажист настроения», как и Левитан, учившийся у Саврасова в училище живописи и ваяния, - Константин Алексеевич Коровин, русский импрессионист. Он был родом из купеческой семьи, после обучения в Москве поступил в петербургскую Академию художеств, но был разочарован методами преподавания в ней и, проучившись несколько месяцев, бросил.


Портрет К.А. Коровина работы В. Серова

В тридцать три года Коровин совершил путешествие по русскому и зарубежному Северу, откуда привез несколько пейзажей. В 1902 году художник приобрел дом в деревне Охотино Ярославской губернии.


К.А. Коровин «Мостик»


К.А. Коровин «Ручей»


К.А. Коровин «Осенний пейзаж»

«…Зачем устроены эти города? Что может быть мерзей каменного тротуара, с тумбами, пыль, какие-то дома, окна скучные. Не так живут. Надо же всем жить около леса, где речка, огород, частокол, корова, лошади, собаки» - так писал Коровин более века тому назад.

ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Картина «Сватовство майора» стала визитной карточкой художника Павла Федотова, она принесла ему звание академика и всенародную популярность. Когда публика впервые увидела картину, успех был ошеломляющим.


П. Федотов. Сватовство майора, 1848 | Фото: art-portrets.ru

Весь Петербург покатывался со смеху, люди приходили на выставку неоднократно, чтобы еще раз увидеть «Сватовство» майора». Что же вызвало такую бурную реакцию и так насмешило зрителей?


П. Федотов. Сватовство майора, 1848. Фрагмент | Фото: art-portrets.ru

Павел Федотов намеревался стать художником-баталистом, но когда Иван Крылов увидел его бытовые зарисовки, он порекомендовал ему продолжать работать в этом направлении. Публика в середине ХІХ в. уже пресытилась воспеванием красоты и благородства, а ироничные картины, вызывающие смех, были на тот момент большой редкостью. Бытовой жанр существовал и до Федотова, но художники акцентировали внимание на жизни крестьян, а быт купечества и дворян реже становился объектом их внимания. Федотову удалось «населить» картину типичными представителями купечества и дворянства и создать своеобразную «комедию положений» в живописи. Поэтому стиль Федотова называли «комическим реализмом».


П. Федотов. Сватовство майора, 1848. Фрагмент | Фото: art-portrets.ru

Дело в том, что сюжет картины был не просто хорошо знаком зрителям – подобные браки случались тогда повсеместно. А персонажи были такими типичными и узнаваемыми, что это заставляло хохотать весь город. Браки обедневших дворян с представителями богатого купечества были взаимовыгодной сделкой: одни получали звания и титулы, а другие – деньги.


П. Федотов. Сватовство майора, 1848. Фрагменты | Фото: art-portrets.ru

В центре композиции – невеста, которую сватают майору, которая якобы из смущения пытается убежать в другую комнату. Однако на самом деле она жеманничает, ведь, судя по наряду, к приезду жениха она готовилась. Мать пытается удержать и образумить невесту, и ее поза, и выражение лица выдают властный и волевой характер – наверняка в этом доме всем заправляет именно она. Сам купец скромно стоит в углу за ее спиной и впопыхах пытается застегнуть сюртук, приготовленный специально для торжественного случая. В дверях ожидает майор, он явно не волнуется по поводу сватовства, ведь исход уже предрешен. Покручивая ус и хитро прищурившись, он словно подсчитывает будущие доходы от выгодной женитьбы.


П. Федотов. Сватовство майора, 1848. Фрагменты | Фото: fb.ru

Атмосферу купеческого дома помогают воссоздать и второстепенные персонажи – глуховатая старуха-приживалка, расспрашивающая у помощника купца о происходящем, и кухарка, выполняющая обязанности и горничной, и лакея. Шампанское в этом доме, очевидно, пьют нечасто и поэтому изящно подать не умеют – бутылка и бокалы сиротливо стоят на стуле.


П. Федотов. Разборчивая невеста, 1847 | Фото: ucoz.ru

В поисках героев и подходящего интерьера для этой картины Федотов обошел весь Петербург – он хотел достичь максимальной достоверности. Однажды у Аничкова моста ему встретился «подходящий» купец – с окладистой бородой, солидным брюшком и добродушным лицом. Художник шел за ним следом, а потом принялся упрашивать позировать ему. Позже он вспоминал: «Ни один счастливец, которому было назначено на Невском проспекте самое приятное рандеву, не мог более обрадоваться своей красавице, как я обрадовался моей рыжей бороде и толстому брюху».


П. Федотов. Слева – Завтрак аристократа, 1849-1850. Справа – Свежий кавалер, или Утро чиновника, получившего первый крест, 1848 | Фото: fb.ru и ucoz.ru

В поисках интерьера Федотов под разными предлогами заходил в купеческие дома: спрашивал, не продается ли дом или предметы мебели, не сдается ли квартира. Но подходящую комнату в конце концов нашел в трактире! Один из друзей художника потом вспоминал: «Один раз, проходя около какого-то трактира, художник приметил сквозь окна главную комнату и люстру с закопченными стеклышками, которая «так и лезла сама в картину». Тотчас он зашел в трактир и нашел то, что искал так долго».


П. Федотов. Жена-модница (Львица), 1849 | Фото: artvek.ru

И комната, и персонажи выглядят комично: действие происходит в передней, а не в гостиной или столовой, что не соответствует этикету, жених явился без букета, невеста и маменька в бальных платьях, что противоречит и случаю, и времени суток, скатерть не годится для приема пищи – она уместнее смотрелась бы в кабинете или будуаре, накрытый стол слишком мал для такого количества закусок.


П. Федотов. Игроки, 1852 | Фото: artvek.ru

Несмотря на комичность ситуации и персонажей, создается теплая атмосфера – герои всего лишь заложники обстоятельств, как и многие им подобные, и смеется над ними автор без злобы, а с добродушно-снисходительной иронией. Сюжеты всех своих картин Федотов искал в повседневной жизни, и поэтому они пользовались таким невероятным успехом.

ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Скульптор Малгожата Ходаковская (Malgorzata Chodakowska) создает невероятные фонтаны, в которых бронза и вода дополняют друг друга. Изначально она вырезает скульптуры из дубовых стволов. Когда она только начинает, тяжело себе представить, как из огромного бревна может родиться утонченная женская фигура. Но Малгожата снимает лишнее, слой за слоем — и вот перед зрителем оказывается ее очередной шедевр.



Мы восхищаемся работой скульптора и публикуем для вас удивительные фотографии фонтанов.



Чтобы создать фонтан, деревянную фигуру отливают в бронзе. А после скульптор использует воображение и умелые руки, чтобы струи воды дополнили ее произведение. Так у ангела появляются невесомые крылья, а у балерины — летящая юбка.








Вот как это выглядит вживую:




ИСТОЧНИК: http://fit4brain.com/

В галерее работ замечательного русского художника-славяниста Игоря Ожиганова вы можете увидеть как персонажей славянской, так и скандинавской мифологии. Это не только очень красиво, но и помогает нам более образно и ярко воспринять забытую ныне культуру наших предков...

СЕРИЯ "СЛАВЯНСКИЙ МИР"

Белобог


Явление Сварога


Чернобог


Перун


Сирин


Велес


Священный огонь


Лель


Песнь Бояна


Наваждение


Русалка


Святогор


Берегиня


Водяной


Род


Русы. Воины Севера


Сварог. Небесный кузнец


Морана


Хорс


Царевна Лебедь


Руслан и Голова


Баба Яга


Встреча


Макошь, Доля и Недоля


Девана


Ольга с сыном. Ожидание


Тридцать три Богатыря


Стрибог


Лада


Вещий Олег. Прощание с конём


Жива


Морозко


Святослав. Воины Севера


Игорь Ожиганов о себе:

Родился 3 января 1975 года в г. Йошкар-Ола, республики Марий Эл. Там же окончил среднюю школу.
С 1992 - 1997 год получал высшее образование в Поволжском технологическом институте сервиса (г. Тольятти), на факультете промышленный дизайн. Во время учёбы проходил практику на Волжском автомобильном заводе. С 1999 года по 2008 год проживал в Москве, работая в различных студиях в области дизайна. Занимался дизайном полиграфии, web-дизайном, промышленным дизайном, дизайном интерьеров. В 2008 году вернулся в родной город, где сейчас и живу и работаю.

ИСТОЧНИК: https://www.kramola.info/