Вчера побывал на вечере встречи в школе 425 г.Кронштадта.

Я родился в Кронштадте, в 1953 году поступил в 1-й класс 425 школы, а в 1963 году закончил ее с золотой медалью. Так что мы отмечали в этом году 50-летие выпуска. Собралось из 3-х классов всего 16 человек. Но в школе нас не ждали.

Это раньше школа гордилась своими выпускниками, а сейчас школа превратилась в место, где "оказывают образовательные услуги", и история ее никого не интересует. Что-то не так происходит с нашей нравственностью. Главным стало в школе Частное образовательное Учреждение"Школа Аксон" , открытая на базе ГОУ №425 им. академика П.Л. Капицы, обучение в которой стоит от 6000 до 8500 рублей в месяц. В деятельности этой частной школы заложен принцип "природосообразности". Это означает - развитие природных способностей, задатков и склонностей ученика, право каждого ученика на свой путь постижения знаний за 85000 рублей в год. А тем, кто не может платить 85000 рублей в год нет права на самостоятельный путь постижения знаний. В полной мере частная школа отражает либеральную сущность нашего государства. И не интересует учредителей школы Аксон славная история и традиции  425 школы имени П.Л.Капицы. Им удобно работать под такой славной вывеской. Но недалек тот день, когда останется в памяти только слова, что "на этом месте находилось реальное училище, где учился лауреат Нобелевской премии П.Л.Капица." А потом и это забудут. Как забыло уже министерство обороны о существовании музея Александра Степановича Попова в Кронштадте. Спросите командира части, которому подчиняется этот музей, зачем он ему нужен и сколько денег он тратит на его содержание. На самоокупание этот музей не поставишь, как поставили на самоокупаемость Морской собор, отреставрированный за государственные деньги. Но о соборе мы поговорим - он прекрасен.

А музей Попова в Кронштадте мог бы быть интересным, но без государственной поддержки сделать это трудно. Сегодня музей посещают исключительно курсанты расположенных в Кронштадте войсковых частей. Для широкого круга посетителей уникальный музей закрыт. Причина - отсутствие сотрудников. Сейчас в штате заведующая историко-мемориальным залом Лариса Александровна Сергеева числится в гордом одиночестве. Около 2000 редких экспонатов: первые передатчики, разнообразные механизмы и машины, старинная техническая литература, богатая картотека, коллекция радиоприемников - все это хранится только под её зорким взором на площади равной всего 400 кв. м., в историческом здании, давно требующем ремонта. Решение уже принято об уничтожении музея в этом здании, где работал А.С.Попов. Его присоединят к филиалу Военно-морского музея "Кронштадтская крепость", который сам влачит жалкое существование. Немного печально, что экспозиция покинет родные стены, в которых преподавал Попов. Это связано с тем, что МО приняло решение о выводе из его ведения всех подразделений, напрямую не связанных с обороноспособностью. Уничтожается история. Но НИКОМУ до этого нет дела. А может быть не Попов изобрел радио, а Маркони? Нынешние власти с удовольствием признают этот факт и забудут о Попове, как забыли уже о работавшем в этом здании генерал-майоре Евгении Павловиче Тверетинове, которому принадлежит ряд конструкций электрических приборов и аппаратов. В 1879 году он предложил схему электрического освещения на кораблях, которая используется до сих пор! В 1881 году Е.П. Тверитинов занимается электрическим освещением Гатчинского дворца. К 1883 году он создает первый в России морской аккумулятор, и к апрелю того же года с матросами Минной школы оборудует электрическую иллюминацию московского Кремля на коронацию Александра III. Кремлевские башни, стены, Колокольня Ивана Великого были иллюминированы электрическими лампочками. Матросы превратились в верхолазов и при помощи веревочных страховок поднимались на стены и монтировали электролампочки Эдисона. По инициативе Е.П.Тверитинова в 1880-е годы в Кронштадте был открыт Электрический завод, на котором для русского флота изготовлялись динамомашины, прожектора и аккумуляторы.

Более подробно с краткой историей Кронштадта можно познакомиться здесь. Грустно, что мы забываем свою историю. Но хватит о грустном. Для начала можете посмотреть хороший фильм о Кронштадте

 

 

 

Начнем мой рассказ, пожалуй, с посещения Морского собора., который является "визитной карточкой" Кронштадта. Он поражает с первых минут пребывания в нем.

 

 

Интерьер Морского собора. Вид на иконостас.
1913 год. Фотоателье Буллы.
 

15 октября 1896 года, в связи с двухсотой годовщиной принятия боярской думой указа о начале строительства военных судов, главный командир Кронштадтского порта, военный губернатор Кронштадта вице-адмирал Николай Иванович Казнаков представил в Морское Министерство конкретное предложение (план и смету) о постройке большого каменного храма. В пояснительной записке он высказал мысль о том, что «будущий морской храм должен быть не только местом молитвы, но и памятником, ибо Кронштадт есть колыбель Русского флота». С учетом приближающегося 300-летия правящего Царского Дома правительство приняло план адмирала Казнакова к осуществлению.

Н.И.Кознаков в  1893 году командовал российской эскадрой, посетившей Соединенные Штаты для участия в праздновании 400-летия открытия Америки. После возвращения на родину был назначен 30 августа 1893 года главным командиром Кронштадтского порта и военным губернатором Кронштадта и исполнял эту должность до 6 декабря 1899 года. За свою административную деятельность Николай Иванович был избран почетным гражданином Кронштадта.

6 декабря 1899 года назначен членом Адмиралтейств-совета, а 6 декабря 1901 года произведен в чин адмирала. 13 августа 1902 года Казнаков был назначен генерал-адъютантом к Его Императорскому Величеству.

17 марта 1897 года последовало Высочайшее разрешение начать сбор средств по всей Империи на постройку флотского храма-памятника. При этом, конечно, понималось, что столь крупное предприятие не обойдется без государственной поддержки. В Кронштадте был образован Комитет по сбору пожертвований на постройку Собора. Его председатель адмирал Казнаков издал Воззвание, разосланное во все государственные и церковные ведомства и опубликованное в газетах и журналах по всей России.

 

Одновременно ко всем соотечественникам обратился высокочтимый в России пастырь – святой праведный Иоанн Кронштадтский.

Вскоре был проведен конкурс проектов собора. Комитет Казнакова выбрал место для его постройки на Якорной площади в центре города, рядом с Петровским адмиралтейством, доками и каналами. В мае 1901 года избранный Комитетом проект, разработанный профессором архитектуры Василием Антоновичем Косяковым (1862-1921 гг.) был Высочайше утвержден.

В марте 1902 года Комитет по сбору средств был преобразован в Строительный комитет под председательством вице-адмирала Степана Осиповича Макарова.

8 мая 1903 года состоялась закладка Морского собора, чин освящения места под строительство в присутствии Государя Императора отслужил Иоанн Кронштадтский.

Василий Антонович Косяков (1862-1921) получил общероссийскую известность как архитектор в конце XIX _ начале XX вв.Он получил архитектурное образование в Институте Гражданских Инженеров, который ныне называется Санкт-Петербургский государственный архитектурно-строительный университет. Профессор В.А. Косяков по воле педагогов и студентов стал первым выборным директором института в 1905 году и оставался им до конца своих дней. После блестящего окончания института в 1885 году Василий Антонович активно включился в практическую деятельность, причем его основные творения были созданы в традициях русско-византийского стиля. Одними из первых храмов, автором которых был Василий Косяков и которые вошли в число самых замечательных храмов Санкт-Петербургской епархии, стали церковь Богоматери Милующей (в соавторстве с гражданским инженером Д.К. Пруссаком) на Васильевском острове (1889_1898) и храм Богоявления в порту на Гутуевском острове (1891_1899).      С 1913 года В.А. Косяков - архитектор Священного Синода, строитель многих храмов страны.

Самым выдающимся произведением Василия Косякова стал грандиозный Свято-Никольский Морской собор в Кронштадте (1902_1913), задуманный и осуществленный как храм-памятник героям русского флота.

Сохранилась СПРАВКА профессора Косякова о Морском соборе. Вы можете ее посмотреть. Очень интересный документ, который облегчил работу реставраторов.

Автор проекта профессор В.А. Косяков взял за образец собор святой Софии в Константинополе.

Эту фотографию Святой Софии в Константинополе я привел, чтобы увидели византийские корни Кронштадтского Морского собора.

С приходом к власти Николая I наступил не только расцвет русской литературы, но и, к несчастью, упадок зодчества, в особенности церковного. Следуя монаршей воле, для православных храмов придумали новый «русско-византийский» стиль. «Все новые церкви дышали натяжкой, лицемерием, анахронизмом, как пятиглавые судки с луковками вместо пробок на псевдовизантийский манер», – так отозвался о нем писатель Александр Герцен.

Придумал этот стиль, правда, совсем другой зодчий, Василий Стасов, еще в 1829 году построивший в далеком Потсдаме именно такую православную церковь.

Но еще раньше был другой архитектор К.А.Тон, которого Николай I определил главным архитектором Империи. На самые высокие ступени архитектурной иерархической лестницы К. А. Тону помогла подняться заслуженная слава создателя и лидера официально признанного "русско-византийского стиля" - направления, сумевшего наиболее полно выразить в области зодчества периода господства эклектики идеологическое содержание правительственной программы, суть которой определила известная триада - "православие, самодержавие, народность". Тон создал Храм Христа Спсителя в Москве, Большой Кремлевский дворец, вокзалы Путербуржский в Москве и Московский в Петербурге. В газетах о Храме Христа Спасителя писали: «Храм Тона, сугубо придворного архитектора, идеально точно выражает черты николаевской поры в России: крайний консерватизм, окаменелость жизнеформ. Маниакально-педантичное канцелярство, чиновничью парадность. Имперскую претенциозность на всемирное величие дикой эклектической смеси. Российско-азиатского и Византийского деспотизма». Или: «Постройка Тона казенна, суха и безобразно эклектична. Типичный псевдорус - угод батальному вкусу непросвещенного самодержца. Но тем не менее русско-византийский стиль утвердился в России.

Византийский стиль был выдержан и в стенной росписи и в иконописи, и в оформлении церковной утвари Морского собора. Карнизы, купол и стильные греческие хоросы подсвечивались пятью тысячами электрических лампочек.

Задуманный как памятник всем морякам, погибшим за Отечество в бою или от ран, Кронштадтский собор по праву считался духовным центром всего Российского флота. На памятных досках были высечены имена 12 тысяч погибших за Отечество моряков, за которых в соборе ежедневно возносилась молитва. Здесь бережно сохранялись реликвии, связанные с морской славой державы.

Морской собор являлся единственным: местом в России, где были собраны, воедино имена всех, моряков, отдавших свои жизни за Родину и представлял собой центр, где предполагалось продолжать сбор этих сведений о судьбах погибших моряков.Памятные доски выражали главную идею создания Морского собора как храма-памятника Российскому флоту. "На стенах его, вокруг всего храма, не должно быть других, украшений, кроме черных мраморных досок с именами всех деятелей флота и корпусов, принесших пользу родному флоту и науке, как в военном, так и на. мирном поприще. Вместе с именами славных героев, принимавших участие в сражениях, тут же должны, быть помещены, и имена погибших при исполнении своих обязанностей", — писал адмирал Казнаков.

Списки для Кронштадтского Морского собора были составлены известным историком: русского военно-морского флота генералом. Аполлоном: Семеновичем Кротковым. Они включали имена погибших в сражениях, при кораблекрушениях и при исполнении служебного долга (без различия вероисповедания) офицеров флота, флотских корпусов, адмиралтейства, гардемарин, а также служивших на, военных кораблях гражданских и медицинских чинов и, на отдельных белых досках, священнослужителей; общим числом указывались погибшие нижние чины.

Около тысячи имен офицеров, погибших с 1695 по 1910 годы были помещены на памятные доски храма. Тексты включали имена, звания, дату и обстоятельства гибели. Так в Чесменском сражении “24 июня 1770 г. При взрыве корабля “Евстафий” погибли лейтенанты Александр Бологовский, Герорг Гдель, Александр Трусов...”,  В списках героев японской войны командующий Тихоокеанским флотом вице-адмирал С.О.Макаров, начальник штаба флота контр-адмирала Михаил Молас, художник Василий Верещагин, защитники Порт-Артура и герои Цусимы. А за ними, как предзнаменование будущей трагедии — погибшие во время мятежей 1905-1906 годов от рук своих же матросов командир Черноморского флота вице-адмирал Григорий Чухнин, командир Петербургского порта вице-адмирал К.П.Кузьмич

Эти имена заняли немногим больше половины из подготовленных 130 досок —  были оставлены места для новых героев, и для наших с вами современников. Думалось, что Морской собор будет вечным памятником, вечной могилой, местом вечного поминовения. О славных подвигах, о великих сражениях, о слезах вдов ныне напоминают нам только пустые коричневые прямоугольники в превращенных в коридоры галереях.

Через 10 лет после закладки, 10 июня 1913 года, собор был освящен в Высочайшем присутствии.

Освящение собора свт. Николая Чудотворца (Морской собор) в Кронштадте.
На переднем плане Николай II и императрица Александра Федоровна с дочерьми.

10 июня 1913 года.
Фотоателье Буллы.
 

Газета «Кронштадтский вестник» от 11 июня 1913 года писала:

«Этот новый грандиозный Морской собор будет вместе с тем и памятником чинов флота, т.к. на внутренних стенах его можно читать имена всех деятелей, покрывших себя славою и принесших пользу Родине. Таким образом, этот храм-памятник будет связующим звеном прошедшего, настоящего и будущего русского флота, вечным свидетелем тех трудов, знаний и подвигов, которые послужили к славе Родины и флота».

На следующий год после освящения собора началась Первая мировая война. Боевые действия на Балтике велись достаточно далеко от Кронштадта, но и здесь Морской собор служил флоту. Здесь молились моряки перед уходом кораблей в район боевых действий, их родные и близкие заказывали молебны о здравии. В 1918 году здание собора, как и все церковные строения в Советской России, было национализировано и в марте 1919 года передано по договору в пользование прихожанам.

В первое послереволюционное десятилетие — до начала 1927 года — Морской собор входил в единый приход вместе с Богоявленской церковью, и общий список прихожан в 1919 году составлял 946 человек. 14 октября 1929 года Собор первым из храмов Кронштадта был закрыт, церковная служба прекращена, а здание храма передано в собственность Кронштадтского Совета. Имущество собора по оценочной описи (более двух тысяч предметов, в том числе и памятные доски) на сумму 39 389 рублей 10 копеек в основном перешло в ведение Госфонда. 41 предмет, среди них 14 андреевских знамен бывших флотских экипажей, модель собора и золотой крестик передали Военно-морскому музею, а 49 предметов достались Русскому музею. Серебряные церковные ценности общим весом 37 кг и несколько золотых колец были переданы в Северо-Западную контору Госбанка.

В январе 1930 года все 17 колоколов собора и металлическая церковная утварь были отправлены на переплавку. Вечером 14 февраля 1930 года с собора торжественно сбросили колокола и подняли красные флаги. Оставили только второй по весу колокол в 295 пудов (4 726 кг). Причин тому мого быть нескоько: возможно, с его снятием не справились рабочие, либо он был сохранен для того, чтобы своим звоном оповещать город о химической тревоге. Немногим позднее с храма были сброшены семь позолоченных крестов.

Существует легенда, что Морской собор в 1930 году тоже  хотели взорвать, (как многие соборы Ленинграда, см. фотки.В 1932 году был взорван собор Андрея первозванного), была даже заложена взрывчатка, но собор приподнялся вверх и встал снова на свое место. Больше его трогать не стали. Может быть это и легенда, но 1 июля 1931 года Особая часть по Госфондам сняла с учета мраморный иконостас и 6 мраморных престолов «за неликвидностью», фактически дав разрешение на их уничтожение. Все 150 памятных досок с нанесенными на них золотом именами героев флота за 200 лет его существования также были сняты со стен галерей. О дальнейшей их судьбе практически ничего не известно: они были либо разбиты, либо использованы при изготовлении электрощитов для Морского госпиталя и фортов. По свидетельствам, некоторые попали в общественную баню и использовались в качестве сидений. Несколько мраморных досок из собора были переданы в Центральный Военно-Морской музей, но и там они в 1970 году оказались списаны и пропали.

В 1932 году в Соборе был открыт кинотеатр, названный именем Максима Горького. Во время войны кинотеатр в соборе был закрыт. На вершине купола был оборудован и до снятия блокады Ленинграда действовал наблюдательный и корректировочный пост корабельной и береговой артиллерии Кронштадта. В Собор попало несколько немецких снарядов: три с юго-восточной стороны пробили купол и разорвались внутри здания, один с северной – ударил в восьмигранник основания купола. В конце войны пробоины в куполе заделали, зрительный и обитаемые помещения отремонтировали и кинотеатр возобновил свою работу.

В начале 50-х годов, с целью использовать красивое здание Собора для обеспечения культурной жизни кронштадтских моряков, было решено построить внутри него вместо кинозала – рядов кресел, отделенных от купольного пространства тканевым пологом – настоящий киноконцертный зал со сценой, партером, балконом и вспомогательными помещениями. В феврале 1955 года строительство зала было закончено и состоялось открытие матросского клуба Кронштадтской крепости. Строительством руководил руководил военный инженер И.С. Горелик. Здесь стали проводиться торжественные городские мероприятия. Так на сцене этого зала я выступал в концерте детской музыкальной школы г. Кронштадта 2 или три раза в 1957 и в 1958 гг. и играл на виолончели.

В результате внутренней перестройки собор оказался поделенным по вертикали на две части массивными перекрытиями. В купольной части был нарушен тепловой режим, отсутствовало отопление. В результате неправильной эксплуатации собор оказался в аварийном состоянии, и только оперативное начало восстановительных работ спасло здание от неминуемого разрушения.

В начале 60-х годов размещенный здесь киноконцертный зал стал филиалом Дома офицеров. 8 мая 1980 года в нем состоялось открытие филиала Центрального военно-морского музея «Кронштадтская крепость».

Решением Ленгорсиполкома № 650 от 25 августа 1975 года здание Морского Собора приняли под охрану государства как памятник архитектуры местного значения.

Указом Президента Российской Федерации № 176 от 20 февраля 1995 года памятник получил статус федерального, который подтвержден Постановлением Правительства № 527 от 10 июля 2001 года.

В 2002 года приснопамятный Святейший Патриарх Московский и всея Руси Алексий II благословил возрождение Морского собора в Кронштадте. В тот же год главный купол храма вновь был увенчан крестом.

2 ноября 2005 года, в день рождения святого праведного Иоанна Кронштадтского, в главном храме Военно-морского флота России была совершена первая с момента закрытия Божественная литургия.

По инициативе Святейшего Патриарха Кирилла был создан Попечительский совет по восстановлению собора, и началось его воссоздание как символа морского флота России. Первое заседание Попечительского совета под председательством Его Святейшества, состоявшееся 5 марта 2009 года, положило начало масштабным восстановительным работам.

19 апреля 2012 года Патриарх Кирилл в освятил возрожденный Морской собор

Пока не закончились в соборе реставрационные работы. Морской собор во имя святителя Николая Чудотворца в Кронштадте можно посетить пока только во время богослужений: по субботам с 16.30 до 19.00, по воскресеньям с 09.30 до 12.00.

Окончание восстановительных работ намечено на 2013 год.

Свой столетний юбилей Кронштадтский Морской собор встретит таким, каким он был изначально: грандиозным, могучим и прекрасным.

 

В экскурсии по Морскому собору меня сопровождал мой самый лучший школьный друг Слава Захаренко, с которым мы познакомились в первом классе и с тех пор неразлучны.

Такими мы были в 1958 году.

А в 1961 году мы организовывали вечер встречи выпускников и пригласили нашего выпускника П.Л.Капицу, нобелевского лауреата. Он взял и приехал вместе с сыном. И целый день я был рядом с ним и решил, что тоже буду физиком. И я им стал.

Так как в школе для нас не нашлось места, то мы нашли на улице Ленина в здании бывшего военкомата довольно приличный ресторанчик "Адмирал", который и приютил нас. Мы вспомнили учителей, давно ушедших из жизни, и наших школьных товарищей, уже почивших и поговорили о жизни.

Ну а в конце я предлагаю краткую виртуальную экскурсию по Кронштадту

Про Мемориальный музей А.С.Попова очень мало говорится в материалах виртуального музея.

Его хранительницей долгое время была Лариса Ивановна Сергеева. (слева)

А музей долгое время подчинялся в/ч 49357. Казармы этой части на улице Флотской теперь влачат жалкий вид.(справа)

Музей расположен в помещениях электроминной школы, в которой преподавал долгое время А.С.Попов.(внизу)

Основан музей 24 апреля 1906 г. В этот день в Минном офицерском классе состоялся вечер памяти А.С.Попова. Были прочитаны доклады о деятельности ученого, изобретении им радиосвязи, предствлена выставка приборов, сделанных Поповым собственноручно или по его указаниям. Выставка легла в основу экспозиции музея, созданного решением Совета офицеров в стенах Минного офицерского класса, в кабинете которого с 1883 г. преподавал А.С.Попов. Рядом со зданием находится беседка, с крыши которой проводились опыты по обнаружению и регистрированию электрических колебаний А.С.Поповым и П.Н.Рыбкиным. В этих же стенах А.С.Попов изготовил специальную трубку, с помощью которой были получены одни из первых в России снимки лучами Ренгена, которые хранятся здесь по настоящее время.

На здании еще висит эта мемориальная доска,но экскурсии по музею уже не проводятся.
Дорогой Шойгу С.К., где Вы?

Каюсь, не удержался я от того, чтобы не посидеть за столом А.С.Попова.
Интересно, сохранится ли он (стол) в новой эспозиции музея, а будет ли новая экспозиция????

Хватит о грустном. Будем верить во все хорошее.

Память об А.С.Попове хранят даже на финском острове Куутсало где ...

В 1900 г. А.С.Попов осуществил связь в Балтийском море на расстоянии свыше 45 км между островами Гогланд и Куутсало, недалеко от города Котка. Эта первая в мире практическая линия беспроволочной связи обслуживала спасательную экспедицию по снятию с камней броненосца "Генерал-адмирал Апраксин", севшего на камни у южного берега Гогланда... есть памятник Попову и мемориальная доска, а у нас память ветшает и разрушается.

 

«Отвага. Польза. Труд» – начертано золотыми буквами на белой эмали – вот уже в 16-й раз в Кронштадте вручены почётные знаки заслуженным кронштадтцам. В 2019-м награду «За заслуги перед Кронштадтом» получили Тамара Николаевна Лапина и Лариса Ивановна Сергеева.

В 1976 году, благодаря принципиальной позиции Тамары Николаевны Лапиной, Собор Владимирской иконы Божией Матери в Кронштадте избежал уничтожения и был отнесён к числу наиболее интересных памятников архитектуры второй половины XIX века. 
При участии Тамары Николаевны Лапиной в Кронштадте открыта новая экспозиция филиала Центрального Военно-Морского музея «Кронштадтская крепость». В 1991 году она вместе с другими историками и краеведами Кронштадта принимала активное участие в решении вопроса о создании краеведческого музея, который открылся и существует по настоящее время как Музей истории Кронштадта. 

В 1981 году Лариса Ивановна Сергеева приступила к работе в историко-мемориальном зале изобретателя радио А. С. Попова в Кронштадте, где трудилась 38 лет. 
Благодаря активной позиции Ларисы Ивановны, экспозиция музея сохранилась и работает по настоящее время. 

Школа 425 будет жить, я верю, что нынешние менеджеры от образования не забудут, что главное - это не просто образовательные услуги, а воспитание думающего поколения, которое должно помнить историю и гордиться ею.

В театре Балтийского флота 5 марта 2014 года отметили 140-летний юбилей школы №425 Кронштадтского района. Посмотрите краткий отчет об этом событии. Меня тоже пригласили на это событие.

 

 

О Кронштадте можно говорить бесконечно. Но, надеюсь вам было интересно.

До новых встреч!

Одна из моих читательниц прислала вот такие стихи в ответ на эту заметку.

Никогда не вернется ВЧЕРА
Безвозвратно ушел прошлый год
Мы сегодня проснулись с утра
Время движется только вперед…
Можно либо продолжить свой путь
Или просто сначала начать…
Невозможно назад повернуть
И нельзя повторить все ОПЯТЬ
Нет попытки второй — лишь ОДНА
И дублеров, увы, у нас нет…
Выпить чашу должны мы до дна —
Жизнь подскажет нам нужный ответ…
Память будет хранить до конца
То, что было когда-то давно
Все останется в наших сердцах
Ничего не забыть все равно!
 

/Книга мудрости Диамант/

Закончим мы наш блог песней ВАРЯГ (муз.А.Турищева сл. Р.Грейнц)

Интересна история песни.

Под впечатлением подвига экипажа крейсера «Варяг» австрийский писатель и поэт Рудольф Грейнц написал стихотворение «Der „Warjag“», посвящённое этому событию. Грейнц был пацифистом. Надо отметить важную деталь. В русской традиции песня получила совсем не тот смысл, который вкладывал в свое стихотворение Грейнц. Сохранив формальную точность, Студенская перевела текст патетически, Грейнц же описывает ситуацию подчеркнуто абсурдно и гротескно: тупо идущие на смерть люди ради пустых абстракций, бессмысленная гибель, официально трактуемая как героизм.

Сегодня, 9 февраля 2013 года день памяти морякам легендарного русского крейсера «Варяг» и канонерской лодки «Кореец», принявших неравный бой с японской эскадрой 109 лет назад. Русские корабли находились с дипломатической миссией в заливе у города Чемульпо, который был портом корейской столицы Сеул. В 9 часов 30 минут утра 27 января (9 февраля) капитан "Варяга" Руднев получил извещение японского адмирала Уриу, объявлявшее о том, что Япония и Россия находятся в состоянии войны и требовавшее, чтобы Варяг к полудню вышел из порта, иначе в четыре часа японские корабли дадут бой на рейде.

В состав японской эскадры входили 1 броненосный, 5 легких крейсеров и 8 миноносцев. Таким образом, противник имел многократное превосходство в силах.

Отвергнув предложение Уриу сдаться, "Варяг" и "Кореец" сближались с врагом. К 11 часам 45 минутам дистанция до флагманского корабля - одного из сильнейших в японском флоте броненосного крейсера "Асама" - была уже менее 45 кабельтовых. Японцы открыли по русским кораблям огонь. И тотчас последовал первый орудийный залп с "Варяга".

Русские моряки действовали с большим мужеством и умением. За час боя они выпустили по врагу 1105 снарядов. От их метких выстрелов на "Асаме" загорелась кормовая артиллерийская башня, был сбит командирский мостик. Серьезные повреждения получили два других крейсера, потоплен один миноносец.

Но силы были неравны. "Варяг" и "Кореец" несли большие потери. На крейсере были выведены из строя почти все орудия. В бортах и надстройках зияли пробоины. Чтобы устранить повреждения и затем вновь вступить в бой, Руднев решил возвратиться на рейд Чемульпо. Вслед за крейсером повернул на обратный курс и "Кореец".

Осмотр кораблей показал, что повреждения были очень велики. Чтобы не допустить захвата японцами, экипажи взорвали "Кореец", а "Варяг" затопили и через нейтральные порты возвратились в Россию.

В 1905 году "Варяг" был поднят японцами, отремонтирован и введен в строй под названием "Сойя". В 1916 году Россия выкупила крейсер у Японии, и он получил прежнее название. В феврале 1917 года "Варяг" ушел на ремонт в Англию, где после победы Великого Октября был захвачен англичанами.

Так что 9 февраля 1904 года началась русско-японская война, которая продлилась до 5 сентября 1905 года.

Непосредственные причины войны зрели давно. 23 апреля 1895 года Россия, Франция и Германия, обеспокоенные усилением Японии, предприняли Тройственную интервенцию — в ультимативной форме потребовали отказа Японии от аннексии Ляодунского полуострова. Япония, не имея возможности противостоять объединённому давлению трёх европейских держав, уступила.

Возвратом Ляодуна Китаю воспользовалась Россия. 15 (27) марта 1898 года между Россией и Китаем была подписана конвенция, согласно которой России предоставлялись в аренду незамерзающие порты Ляодунского полуострова Порт-Артур и Дальний и разрешалась прокладка к этим портам железной дороги от одного из пунктов Китайско-Восточной железной дороги.

Осознание того, что Россия фактически отобрала у Японии захваченный в ходе войны Ляодунский полуостров, привело к новой волне милитаризации Японии, на этот раз направленной против России, под лозунгом «Гасин-сётан» (яп. 臥薪嘗胆, «лёжа на хворосте, лизать желчь») (то есть, претерпевать трудности ради великой будущей цели; это китайское выражение взято из притчи о юэском князе Гоу Цзяне, который спал на хворосте и лизал повешенный у двери желчный пузырь, чтобы никогда не забывать о необходимости свергнуть иго победившего его княжества У), призывавшего нацию стойко перенести рост налогообложения ради военного реванша в будущем

В октябре 1900 года русские войска, в рамках подавления восстания ихэтуаней в Китае войсками Альянса восьми держав, оккупировали Маньчжурию.

Японцы планировали вытеснить Россию из Кореи и Маньчжурии, чтобы закрепить за собой право на Ляодунский полуостров. Также в планах Я пони было взять Русские территории на дальнем востоке и вернуть себе, Сахалин. Россия продолжала территориальные приобретения. Северный Китай и Корея вошел в область Русских интересов. Война между Россией и Японией в 1904-1905 была начата за господство в Северо-восточном Китае и Корее. Инициатором войны была Япония. В 1904 Японский флот напал на Порт – Артур, обороняли его до начала 1905 года.Тяжелым ударом для России стала гибель командующего Тихоокеанской эскадрой выдающегося флотоводца С.О.Макарова.

На протяжении года была кровавая битва, в конце концов Россия потерпела поражение на реке Ялу, под Ляояном, на реке Шахэ. В 1905 японцы совершил набег на Русскую армии в самом главном сражении при Мукдене, а Русская флотилия - в Цусиме. Тем самым это были решающие битвы. Окончание войны был подписан Портсмуский мир, где Россия признала Корею сферой влияния Японии, так же Россия уступила Японии Южный Сахалин и Ляодунский полуостров с такими городами как, Порт-Артуром и Дальним. Россия проиграла эту битву,

На Якорной площади в 1913 году был открыт памятник С.О.Макарову. Мне очень нравится этот памятник, около которого мы и закончим экскурсию по Кронштадту.

Собор Андрея Первозванного, где служил Св.Иоанн Кронштадтский

Открытки 60-х годов можно посмотреть здесь

А старые архивные открытки смотрите здесь

 

 

 

Сегодня день снятия блокады Ленинграда. Самый памятный день в нашей семье. Мой отец и отец моей жены воевали на Ленинградском фронте. А моя мать во время блокады была в Кронштадте и теща всю блокаду провела в Ленинграде. В этот день они всегда одевали ордена, и самой высокой наградой своей они считали медаль "За оборону Ленинграда". Вспомним их всех и склоним головы.

У обелиска - ветеран
Лохматит ветер
Гладь седин ...
Подмел блокадный ураган -
Была семья,
Теперь - один.

Пришлось врага
С земли стереть,
Чтобы, домой придя,
Узнать -
В бою нетрудно умирать!..
Трудней -
Без хлеба умирать!..
Их много здесь,
Локтем к локтю,
Ушедших тихо,
Следом вслед.

На камне - хлеб,
Ломтем к ломтю,
Ржаной.
Восьмидесятых лет.

Лев Горшков (1987)

 

Это стихотворение написал мой друг, поэт, доктор технических наук, Заслуженный деятель науки России, исследователь Антарктиды, профессор Ленинградского горного института, Лев Капитонович Горшков.

И вспоминаются мне его другие стихи, написанные в городе Саласпилс в 1986 году.

О ВЕЧНОМ

О Вечном,
Вроде б,
Не кричат...
Зачем салюты, речи, стоны,
Зачем же сыплются патроны
И метрономы гулкие -
Стучат?
О Вечном спрашивай людей -
Не экскурсантов, не судей,
А тех,
Молчащих и беззлобных,
Немногочисленных и скорбных,
Прошедших ад и рай людей.
О Вечном
Ты спроси себя.
К душе однажды прикоснись,
Не отшатнись,
Не отвернись -
И, может быть, скорбя, любя,
Поймешь,
Зачем дается Жизнь!..
К душе однажды -
Прикоснись...

Музыка Альбинони звучит в честь погибших, выживших, умерших, но отстоявших Ленинград!

 

 

Страшные 872 дня из жизни Ленинграда

Немецкие войска, входящие в группу армий "Север", 8 сентября 1941 года захватили станцию Мга и город Петрокрепость в Ленинградской области, полностью перерезав сухопутное сообщение с Ленинградом. Фашисты пытались взять город штурмом, но войска Ленинградского фронта остановили их в районе Пулково. Началась длительная осада города на Неве.

Единственный путь - "Дорога жизни", по которому доставлялось в город продовольствие, был проложен по льду Ладожского озера. С начала блокады в городе были введены продовольственные карточки, хлебная пайка понижалась несколько раз. Самая маленькая пайка - 125 граммов была введена при последнем снижении - 20 ноября 1941 года. Больше месяца - 35 дней - прожили ленинградцы на этой норме.

Всего за блокаду от голода, болезней и бомбежек, по предварительным данным, умерли более 800 тысяч человек.

Блокада была прорвана 18 января 1943 года, однако до ее полного снятия - 27 января 1944 года ленинградцам пришлось ждать еще целый год.

В директиве Гитлера № 1601 «Будущее города Петербурга» от 22 сентября 1941 г. со всей определённостью говорилось:

2. Фюрер принял решение стереть город Петербург с лица земли. После поражения Советской России дальнейшее существование этого крупнейшего населённого пункта не представляет никакого интереса... 4. Предполагается окружить город тесным кольцом и путём обстрела из артиллерии всех калибров и беспрерывной бомбежки с воздуха сравнять его с землей. Если вследствие создавшегося в городе положения будут заявлены просьбы о сдаче, они будут отвергнуты, так как проблемы, связанные с пребыванием в городе населения и его продовольственным снабжением, не могут и не должны нами решаться. В этой войне, ведущейся за право на существование, мы не заинтересованы в сохранении хотя бы части населения.

И это должны знать все, кто говорит, что можно было сдать город Гитлеру и сохранить людей.

Интересную мысль высказал Иерей Алексий Успенский, клирик храма Воскресения Христова у Варшавского вокзала, " Если бы не было революций 1917, то не было бы и Блокады". К этому можно относиться по-разному, но все же есть такое мнение. Хоть и говорит молодой священник, непереживший Блокады, не от имени Церкви а от себя, но мы должны знать разные мнения. А выводы делать свои. Я стою на позициях, изложенных в стихах Льва Горшкова и низко склоняю голову перед памятью моих близких, переживших Блокаду.

27 января 2009 года у Поминального креста в Московском парке Победы Санкт-Петербурга в честь 65-й годовщины полного освобождения Ленинграда от Блокады состоялась панихида по павшим в дни Блокады и годы Великой Отечественной войны, сообщает наш корреспондент. Панихиду отслужил клирик храма Воскресения Христова у Варшавского вокзала иерей Алексий Успенский. На Богослужение собралось более двухсот человек. После панихиды иерей Алексий обратился к собравшимся с пастырским словом, в котором расценил Блокаду Ленинграда как следствие Февральской и Октябрьской революций 1917 года, а также как наказание Божие за недостойное поведение жителей Петербурга во время Первой Мировой войны.

Иерей Алексий Успенский: «Mы должны понимать, за что был наказан наш град такой страшной карой…»

"Прорыв блокады Ленинграда, как известно, начался 18 января в Крещенский сочельник, а закончился 27 января, когда Церковь празднует отдание праздника Крещения Господня. Очевидно, что случайно таких совпадений не бывает, и Господь явно хочет сказать нам нечто через такое совпадение. Если вспомнить историю, то мы с вами поймем, что Господь говорит с нами в том числе и через даты церковного календаря, обращая наше внимание на то, что кроме того, что мы должны помнить огромные жертвы Блокады, кроме того, что мы должны гордиться своим городом, который не сдался врагу, покорившему всю Европу, мы должны понимать, за что был наказан наш град такой страшной карой.

Если вспомнить Первую Мировую войну, которая была за 24 года до Второй Мировой, то мы увидим как во время противостояния с теми же немцами, горажане, даже не будучи осажденными врагом, вдруг начинают бунтовать из-за начавшихся в 1917 году перебоев с поставкой хлеба. И вот в феврале 1917 года из недовольства в очередях за хлебом разрастается бунт, который перерастает в Февральскую, а потом и в Октябрьскую революцию. Но разве можно было бунтовать во время Великой войны?

Но через 24 года после революций в этом же самом городе, когда хлеба вообще не было, никому и в голову не пришло бунтовать, все, от мала до велика, отдавали свои силы фронту и думали только о победе. Так что же помешало народу 24 года до этого вести себя точно так же? Кто помешал ему исполнить долг присяги Царю и Отечеству? Кто мешал нашему народу тогда драться до последней капли крови за свою Родину?

Через 24 года после позорного поведения во время Первой Мировой войны Господь наглядно показал, как можно и нужно было защищать город, Отечество, народ. Сегодня здесь мы с вами стоим буквально на останках тех, кто сложил свои головы за наш город. Но надо вспомнить и то, что среди них были многие из тех, кто 24 года назад до блокады ходил по улицам этого же города и держал транспаранты с надписями: «Долой войну!», «Долой самодержавие!»

Если бы петербуржцы тогда не бунтовали, то не было бы никакой Блокады и, вероятно, вообще не было бы Второй Мировой войны. Ведь по логике вещей Россия должна была победить в 1917 году, так как в апреле было намечено наступление, в результате которого Германия непременно была бы повержена, но этого не произошло, поскольку в марте отрекся Царь Николай II. А если бы Россия победила, то к 50-му году XX века нас должно было бы быть 700 млн, а к XXI веку нас было бы уже порядка миллиарда. И мы не потеряли бы территории, а приобрели бы новые, мы приобрели бы Босфор и Дарданеллы, проход через Суэцкий канал и т. д. И никакая Америка никогда бы за Россией не угналась. Вот что мы потеряли в результате бунта!

И Господь нас наказал Блокадой.

Но надо сказать, что враг так и не вошел в город, а это значит, что Господь принял молитвы и покаяние тех людей, которые, возможно, поняли и осознали свою вину, искупить которую довелось очень дорогой ценой.

Братья и сестры, мы эту цену должны помнить и должны благодарить Бога и тех, кто здесь лежит, за то, что мы имеем возможность не только здесь стоять, но и еще молиться у православного креста. И чтобы так было и впредь, мы не должны этого забывать. А чтобы покаяние и наших предков, и нас было достаточно полным здесь должен вырасти храм за упокой многих и многих душ, которые лежат как на территории этого парка, так и во всем городе, каждый камень которого полит кровью не зря. Мы должны об этом помнить."

670 из 872 блокадных дней  героической обороной Ленинграда руководил Леонид Александрович Говоров.

Имя маршала Говорова сейчас мало где упоминается. Тем не менее, с 1942-го года командующий Ленинградским фронтом, именно он подготовил и осуществил операции по прорыву блокады Ленинграда ("Искра") и по полному снятию блокады (Ленинградско-Новгородская операция), создав уникальный прецедент в мировой военной истории, когда осажденный город был освобожден изнутри. 27 января 1944 г. столица уступила право Ленинграду произвести салют в ознаменование окончательного снятия блокады, а приказ победившим войскам подписал, вопреки установившемуся порядку, не Сталин, а по его поручению - Говоров. Подобной привилегии не получал никто из командующих Великой Отечественной войны.

Указом Президиума Верховного Совета СССР от 31 мая 1945 года Леонид Александрович Говоров был награждён орденом «Победа» за разгром немецких войск под Ленинградом и в Прибалтике.

Кто не слышал вот эту страшную музыку из 7 симфонии Дм.Дм.Шостаковича?

 

Шостакович написал великую 7 симфонию и посвятил ее сражающимся ленинградцам. Вот, что он говорил перед ее исполнением "Надо защитить нашу культуру и наш народ."

 

Надо помнить о Блокаде. Многие хотят переписать Историю, но надо гордиться теми, кто неимоверными страданиями отстояли нашу Родину! В Латвии сегодня пытаются забыть о зверствах фашистов в концлагере Саласпилс, о котором мы упоминали. Этот лагерь в Латвии теперь называют "воспитательно-трудовым". На территории гитлеровской «фабрики смерти» Саласпилс, идёт строительство мемориала, посвященного памяти погибших нацистских солдат и офицеров.

Пока, судя по видео, снятому в прошлом году, Саласпилс еще не разрушен, но очень здесь малолюдно. Народ забывает свою Историю..

 

И вспомним стихи Анны Ахматовой:

Победа у наших стоит дверей...
Как гостью желанную встретим?
Пусть женщины выше поднимут детей,
Спасенных от тысячи тысяч смертей,—
Так мы долгожданной ответим.

Потрясающие фотографии блокадного Ленинграда выложил в своем блоге Станислав Садальский. Посмотрите обязательно.

Ну и, наконец, еще об одном необычном подарке ко дню снятия Блокады сделала всему миру в 1944 году художник Ленинградского фарфорового завода Анна Яцкевич, автор знаменитого синего логотипа ЛФЗ,

Кобальтовая сетка. Самый известный узор ленинградского фарфора стал визитной карточкой ЛФЗ.

Анна Яцкевич расписала сеточкой сервиз скульптора Серафимы Яковлевой в память о заклеенных крест-накрест окнах домов и перекрестном свете прожекторов, освещавших небо блокадного Ленинграда.

В 1958 году в Брюсселе прошла Всемирная выставка, где Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ) представил самые лучшие свои творения. Сервиз с "Кобальтовой сеткой" для выставки специально не готовился, с момента его создания прошло уже 14 лет, и он просто входил в ассортимент завода.
Но неожиданно именно он получил золотую медаль.

К сожалению, Анна Яцкевич не дожила до триумфа своего узора. Она, как и многие блокадники, умерла вскоре после войны, так и не узнав, что ее рисунок стал символом русского фарфора…

 

 

 

Потрясающие фотографии блокадного Ленинграда выложил в своем блоге Станислав Садальский. Посмотрите обязательно.

16 мая 2013 года в Смольном Соборе прозвучала Кантата Блокадный дневник на стихи О.Берггольц.


Тем, кто добрался до конца моего рассказа, я дарю встречу еще с одним моим другом.

Михаил Ефимович Трегер - удивительный человек. Он закончил ЛЭТИ, но заразившись однажды бардовской песней, по-прежнему уже много лет пишет стихи, музыку, песни и бередит мою душу.

Его песня "Мы вряд ли были страшны врагам в своем первом бою" посвящена молодежи. Эта песня всегда берет меня за душу. И к молодежи я обращаюсь - ПОМНИТЕ!

Сегодня, 25 января 2013 года моему внуку исполнилось 12 лет. И в этот день 75 лет назад родился Владимир Семенович Высоцкий.

С днем рождения, Данечка!

Что подарить внуку  - сомнений не было. Мы подарили ему шестиструнную гитару и самоучитель.
 

САМОУЧИТЕЛЬ игры на гитаре можно найти здесь

 

25 января 2013 года исполнилось 75 лет со дня рождения В.С.Высоцкого.

Он написал много замечательных стихов, которые исполнял под гитару.

Здесь можно послушать Песни Владимира Высоцкого

Здесь почитайте Стихи Владимира Высоцкого

Здесь собраны Фильмы с участием Высоцкого

Так получается, что захватывает мое внимание телеканал Mezzo. Вот и сегодня, 17 января 2013 года посмотрел с удовольствием балет Большого театра "Пиковая дама".

Спектакль был поставлен Роланом Пети в 2001 году специально для Николая Цискаридзе и Илзе Лиепа

Вот, что Николай Цискаридзе рассказывает об этом спектакле.

Поставил этот балет Великий французский хореограф Ролан Пети. Идея постановки восходит еще к 1968 году. Именно в тот год труппа Ролана Пети Le Ballet de Marseille гастролировала в Ленинграде и выдающийся французский балетмейстер пришел посмотреть работы Ленинградского театра оперы и балета им. Кирова (так назывался Мариинский театр по-советски). Тогда он увидел танцовщика Михаила Барышникова. Нина Николаевна Аловерт, специалист-теоретик по балету, лично знавшая Ролана Пети и говорившая с ним об истории постановки балета «Пиковая дама», вспоминала: «Как Пети говорил мне позднее в Париже, „он сразу понял, что перед ним — гений“. Они познакомились и подружились. Пети с первой минуты начал мечтать создать русский спектакль для этого необыкновенного танцовщика. Хореограф предложил советскому правительству поставить балет „Пиковая дама“ для Михаила Барышникова и труппы Кировского театра. Хореограф соглашался работать бесплатно, но ему отказали». Трудно сказать, появился бы этот спектакль Ролана Пети, не случись в 1974 году происшествия, потрясшего весь советский балетный бомонд: в 1974 году во время гастролей в составе труппы Большого театра в Канаде Михаил Барышников принял решение не возвращаться на родину, с трудом сбежав от КГБшников, блюдущих советских артистов. В том же году он — уже солист балетной труппы Нью-Йорка American Ballet Theatre (в 1980—1989 гг. там же директор). В 1978 году Ролан Пети, вернувшись к своей давней идее, наконец-то осуществил постановку «Пиковой дамы» для Барышникова и своей Марсельской труппы. Пети использовал музыку П. И. Чайковского к одноименной опере. Нина Аловерт вспоминала: «Пети вначале хотел использовать музыку С. С. Прокофьева, которая, вероятно, больше подошла бы его современному хореографическому мышлению. Но связываться с советским государством по поводу авторских прав не хотел». Добавим от себя, что, конечно, советское правительство, присвоив авторские права на творчество композитора С. Прокофьева (как и творчество любого другого композитора, художника, скульптора, литератора) никогда бы не позволило использовать свою «собственность» для какого-то «отщепенца», «предателя Родины» (Родина как СССР по-советски писалась с большой буквы, тогда как все остальные родины вполне умещались и в строчные).

Из одноименной оперы балетмейстер использовал только музыку. С самого начала постановки Ролан Пети отталкивался не от оперы и оперного либретто, а от самого произведения Пушкина. Напомним, что автор оперного либретто Модест Ильич Чайковский весьма изменил пушкинский сюжет: в его либретто ушел легкий пушкинский стиль «анекдота» («анекдотом» назвал эту пушкинскую повесть критик В. Г. Белинский, а само произведение получило мистически-трагедийное звучание со смертельным исходом главных персонажей; даже изменилось имя главного героя, из Германна (с двойным н) он стал Германом (с одним н). Балетмейстер же хотел вернуть музыкальную часть к замыслу Пушкина. Барышников заявил Пети, что не станет танцевать дуэты со старой графиней, так как, по его мнению, это противоречит русскому первоисточнику. Пети попытался разубедить его, показав отрывок из повести Пушкина, где прямо говорится о том, что Германн готов «сделаться ее любовником», чтоб только узнать тайну трех карт. К сожалению, Барышников не согласился, и хореографу пришлось уступить. Балет утратил новизну решения, став просто иллюстрацией к сюжету. Разумеется, он имел успех: в нем были замечательные декорации, прекрасные костюмы, великолепная музыка, первоклассный исполнитель ведущей партии... Но не было главного — драматургии. Главные партии в премьерном спектакле исполняли Михаил Барышников — Германн и Жаклин Рай в роли Графини. Именно Графиня, а не Лиза, по мнению Р.Пети, являлась основным женским персонажем произведения, ибо главный герой одержим не страстью любви, а страстью игры.

Говоря о той работе М.Барышникова, Нина Аловерт называет весь балет его моноспектаклем, где все остальные персонажи лишь подыгрывали ему. Одержимость танца контрастировала с классическим построением сцен петербургского быта и со сценами самих карточных игр, решенными в гротесковой манере — почти сатанинскими, бесовскими Барышников, безусловно, гениальный танцор. К сожалению, не сохранилось записи выступления Барышникова в Пиковой даме. О его мастерстве можете судить из двух произведений Пети, которые мне удалось разыскать. Это "Юноша и смерть"  и "Кармен", которую он исполняет вместе с женой Пети мадам Зизи

Р.Пети в 2001 году получил приглашение поставить «Три карты» в Большом. Хореограф  написал новое либретто. В качестве музыкальной основы он вновь решил обратиться к опере, но заменив голоса музыкальными инструментами (ведь голос — тот же инструмент!). Однако из этой затеи ничего не вышло: новое либретто никак не ложилось на оперную партитуру. Тогда Пети взял другую вещь Чайковского - Шестую симфонию, и это оказалось именно тем, что я искал! Музыка идеально совпала с либретто.

В новом либретто Р.Пети тематика и сюжет повести рассматриваются глубже, исследуются самые потаенные уголки души Германа, а также тайна трех карт, в которой, как он предполагал, кроется его спасение. Основой работы постановщика стало противопоставление старухи Графини (Илзе Лиепа) и одержимым тайной выигрышных карт Германом (Николай Цискаридзе). В новом балете «Пиковая дама» живет загадочный, едва уловимый подтекст, который превращает спектакль в мистическое сновидение, в галлюцинацию, в лихорадочное и беспокойное действие – такое же, как наваждение главного героя. Всепоглощающая страсть – одна из любимых тем Ролана Пети, но в «Пиковой даме» это не сексуальное влечение, а, прежде всего, желание власти и обогащения, любой ценой. Николай Цискаридзе – великолепен! Ролан Пети позволил артисту продемонстрировать все свои самые лучшие качества, создавая ошеломляющий портрет Германа, виртуозный, драматический, эмоциональный. Его Герман – отчаявшийся и надменный, бравурный и азартный, маниакально увлеченный одной-единственной идеей, заполонившей его разум.

Вот как танцуют Цискаридзе и Лиепа в Пиковой даме.

 

Николай Цискаридзе родился 31 декабря 1973 года в Тбилиси в семье скрипача и преподавателя математики и физики.
С раннего детства увлекался театром, особенно любил кукол и кукольный театр. Но всего себя Николай еще в детстве отдавал танцу.
В 1984 году он поступил в Тбилисское хореографическое училище, где и открылся его необыкновенный талант. Поэтому уже 1987 году мальчик поступает в Московское академическое хореографическое училище, которое в 1992 году с успехом оканчивает и с тех пор танцует в Большом театре.

Илзе Лиепа родилась в 1963 году в семье великого танцовщика Мариуса Лиепа. В 1981 году после окончания Московского академического хореографического училища (её долго не брали в труппу Большого театра. Попасть туда она смогла только ценой ухода из театра своего отца – Мариса Лиепы. Она пишет в книге про своего отца: Всю жизнь для меня было загадкой: талант дается Богом как награда или как испытание? И думается мне, все, что ведет человека к творчеству,  - это награда, но вся жизнь - испытание.

 

 

Об истории балета

Балет зародился при княжеских дворах Италии в эпоху Возрождения и, по мере того как росла его популярность и совершенствовалась техника исполнения.

Балет в России имеет давнюю историю. 8 февраля 1673 г. при дворе царя Алексея Михайловича был поставлен первый в России балетный спектакль — «Балет об Орфее и Евридике». История не сохранила сведений о других балетах ни при дворе Алексея Михайловича, ни во времена правления Петра I.

В 1738 г. открылась первая в России балетная школа (сейчас это Ленинградское хореографическое училище им. А. Я. Вагановой). 12 мальчиков и 12 девочек из дворцовой челяди спустя три года стали первыми в России профессиональными танцовщиками.

Огромное влияние на развитие русской культуры, в том числе и балета оказал Николай Борисович Юсупов, единственный сын генерал-губернатора Москвы.  С 1791 по 1802 год Н.Б. Юсупов занимал важные государственные посты: директора императорских театральных зрелищ в Петербурге (с 1791), директора императорских стеклянного и фарфорового заводов и шпалерной мануфактуры (с 1792), президента мануфактур-коллегии (с 1796) и министра уделов (с 1800). В 1801 г. Н. Б. Юсуповым пригласил в Санкт-Петербург знаменитого французского балетмейстера Карла-Людовика Дидло, где он дебютировал балетом "Аполлон и Дафна" (1802). Его балеты произвели переворот в тогдашней хореографии; он отменил парики, кафтаны, башмаки с пряжками, фижмы, шиньоны, мушки и пр., ввел трикотельного цвета, а также невиданные дотоле полеты. С небольшимпромежутком Д. пробыл на спб. балетной сцене до 1829 г. умер в Киеве. Д.поставил русский балет на небывалую до него высоту и образовал многохореографических знаменитостей русских: Данилову, Истомину, Телешову,Зубову, Лихутину, Гольц, Дидье и др. Пушкин и Грибоедов воспевали балеты Дидло и его учениц.

Вспомним Пушкина:

Блистательна, полувоздушна,
Смычку волшебному послушна,
Толпою нимф окружена,
Стоит Истомина; она,
Одной ногой касаясь пола,
Другою медленно кружит,
И вдруг прыжок, и вдруг летит,
Летит, как пух от уст Эола;
То стан совьет, то разовьет,
И быстрой ножкой ножку бьет.

Авдотья Ильинична Истомина первой из русских танцовщиц делала несколько шагов по сцене на пуантах, что было тогда изумительным, никогда не виданным новшеством.

 

 

 

В 19 веке угасала эпоха романтизма в Европе, а вместе с ним угасал балет.  В 20 в. центром балета стал Петербург, где это искусство издавна находило поддержку царского двора. Еще со времен Дидло петербургское Императорское театральное училище готовило первоклассных солистов и кордебалет для театра, где прославленные балетмейстеры работали в исключительно благоприятных условиях, создавая непревзойденные по роскоши спектакли с участием самых знаменитых балерин. В числе постановщиков были Перро и Сен-Леон, и отчасти благодаря им другой француз – Петипа овладел всеми тонкостями своего ремесла. Мариус Петипа (1818–1910) был с 1863 по 1903 — гл. балетмейстером петербургского балета. Поставил свыше 60 одноактных и многоактных бал., создал новые редакции лучших балетов прошлого. Продолжая традиции, Петипа разработал новую структуру балетного спектакля, где искусно чередовал пантомиму и танцевальные сцены.

К началу 20 в. постоянные балетные труппы работали в Дании и Франции, но истинного расцвета хореографический театр достиг лишь в России. Вскоре из России балет начал распространяться по Европе, обеим Америкам, Азии и по всему миру. В середине века примечательной особенностью его развития стало необычайное разнообразие стилей: каждый хореограф или художественный руководитель труппы предлагал свой собственный подход.

Политические и социальные сдвиги в России в начале 20 в. сказались и на балете. М.М.Фокин, выпускник Петербургского театрального училища, тесно связанного с Мариинским театром, познакомился во время первых гастролей Айседоры Дункан (1877–1927) в России в 1904–1905 с ее танцем, естественным и бесконечно изменчивым. Однако еще до этого у него возникли сомнения в незыблемости строгих правил и условностей, которыми руководствовался в своих постановках М.Петипа. Фокин сблизился со стремящимися к переменам артистами Мариинского театра, а также с группой художников, связанных с С.П.Дягилевым (1872–1929), в состав которой входили А.Н.Бенуа и Л.С.Бакст. В своем журнале «Мир искусства» эти деятели искусства излагали новаторские художественные идеи. Они были привержены в равной мере национальному русскому искусству, в частности его народным формам, и академическому направлению, например музыке Чайковского. Хотя танцовщики Мариинского театра и московского Большого театра и раньше выезжали за пределы страны, все же полное представление об их искусстве и о редкой красочности русских спектаклей Западная Европа получила лишь в 1909, благодаря организованному С.П.Дягилевым парижскому «Русскому сезону». На протяжении последующих 20 лет труппа «Русский балет Дягилева» выступала преимущественно в Западной Европе, иногда в Северной и Южной Америке; влияние ее на мировое балетное искусство огромно.

В России балет не терял своей значимости в годы после Первой мировой войны и при советской власти, даже когда политическая и экономическая ситуация, казалось, угрожала самому существованию Большого и Мариинского (носившего после Октябрьской революции название Государственного театра оперы и балета, ГОТОБ, а с 1934 – имя С.М.Кирова) театров. 1920-е годы – период интенсивных экспериментов как в области формы, так и содержания балетного спектакля. Агриппина Ваганова (1879–1951), бывшая танцовщица Мариинского театра, внесла огромный вклад в дело совершенствования русской школы балета. Она начала преподавать по окончании своей исполнительской карьеры. Став педагогом Ленинградского хореографического училища, Ваганова выработала программу и учебник классического танца и готовила своих учениц, чтобы они могли исполнять как великие романтические балеты прошлого, так и новые советские, с их виртуозной техникой. По всему Советскому союзу, а также в Восточной Европе в основу обучения была положена система Вагановой.

Зрители в Западной Европе и США были практически не знакомы с советским балетом до середины 1950-х годов, когда балетные труппы Театра им. Кирова и Большого театра впервые выехали на гастроли на Запад. Интерес к нему вызвало поразительное мастерство балерин Большого театра Галины Улановой (1910–1998), с проникновенным лиризмом передавшей чувства Жизели и Джульетты, и Майи Плисецкой (р. 1925), поразившей своей блистательной техникой в роли Одетты-Одилии в Лебедином озере. В то время как Большой театр воплощал наиболее эффектные особенности советского стиля, классическая чистота танцовщиков Кировского театра нашли выражение у таких артистов, как Наталья Дудинская (р. 1912) и Константин Сергеев (1910–1992), способствовавших возрождению традиций Петипа. Больших успехов добились следующие поколения артистов: Екатерина Максимова (р. 1939), Владимир Васильев (р. 1940), Наталья Бессмертнова (р. 1941) и Вячеслав Гордеев (р. 1948) в Большом театре, Ирина Колпакова (р. 1933), Алла Сизова (р. 1939) и Юрий Соловьев (1940–1977) в Кировском театре. В 1961 Нуреев, один из ведущих танцовщиков Кировского театра, остался на Западе во время гастролей труппы во Франции. Два других видных артиста того же театра – Наталья Макарова и Михаил Барышников – поступили так же (Макарова – в Лондоне в 1970, Барышников – в Канаде в 1974).

В 1980-х годах административное и политическое давление на искусство в Советском Союзе ослабло, Олег Виноградов (р. 1937), руководивший балетной труппой Театра им. Кирова с 1977, начал вводить в репертуар балеты Баланчина, Тюдора, Мориса Бежара (р. 1927) и Роббинса. Менее склонен к новшествам был Юрий Григорович (р. 1927), который с 1964 стоял во главе балета Большого театра. Его ранние постановки – Каменный цветок (музыка Прокофьева, 1957) и Спартак (музыка А.И.Хачатуряна, 1968) – типично советские спектакли. Григорович опирается на зрелищные эффекты, уверенно управляет большой массой энергично двигающихся танцовщиков, широко пользуется народным танцем, предпочитает героические сюжеты. В течение многих лет на сцене Большого театра шли почти исключительно балеты Григоровича или его переделки старинных спектаклей, таких как Лебединое озеро. К концу 1980-х годов Ирек Мухамедов (р. 1960) и Нина Ананиашвили (р. 1963) из Большого театра, а также Алтынай Асылмуратова (р. 1961) и Фарух Рузиматов (р. 1963) из Театра им. Кирова получили разрешение выступать с ведущими балетными труппами на Западе, затем вошли в состав этих коллективов. Даже Виноградов и Григорович стали искать возможность проявить свои таланты вне России, где государственное финансирование театров значительно сократилось после распада СССР в 1991. В 1995 Григорович был заменен на посту руководителя балета Большого театра Владимиром Васильевым.

Другие труппы в Санкт-Петербурге – балет Малого театра оперы и балета им. М. П. Мусоргского (до 1991 именовался Малым театром оперы и балета), Санкт-Петербургский «Театр балета Бориса Эйфмана», который возглавляет хореограф Борис Эйфман (р. 1946), труппа Хореографические миниатюры, созданная Леонидом Якобсоном (1904–1975), работавшим в Театре им. Кирова в 1942–1969, чьи работы получили известность на Западе. В Москве работает труппа Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко, Театр классического балета. Внимания заслуживает труппа «Эксперимент», созданная в Перми Евгением Панфиловым (р. 1956).

Распад Советского Союза и последовавший экономический кризис принес огромные трудности балетным труппам, которые до этого щедро субсидировались государством. Многие танцовщики и педагоги покинули страну, чтобы обосноваться в США, Англии, Германии и других западных странах. Но балет живет.

Ну а закончим мы разговор о балете рассказом о великом танцоре Рудольфе Нурееве. Он был самым выдающимся балетным танцовщиком своего времени. Его называли «экзотическим, ярким, неистовым», а также «самым часто фотографируемым мужчиной XX века».

 

 

Рудольф Нуреев учился в одном классе с Олегом Виноградовым, который более 20 лет руководил балетной студией Мариинского театрам (тогда он назывался Кировским) в 90-е годы уехал в США по приглашению Дж.Буша старшего (нам было в 90-е годы не до балета). На какие деньги существовал театр в те годы не ясно до сих пор, но директор  Кировского театра был обвинен тогда в получении взятки от иностранного импресарио — Олег Виноградов в недавнем интервью об этом времени сказал: "Не хочу об этом рассказывать, это сейчас каждый день происходит — борьба за сферы влияния. Что в этом приятного? Это грязь. Вот поэтому я и уехал в США. И не жалею об этом." Тогда на Олега Винградова трижды покушались на его жизнь. Естественно, всем этим занималась прокуратура, которая доказала, что ко мне никаких претензий нет, все сфабриковано по заказу. До суда, конечно, не дошло."

Вот и недавно, 3 дня назад было покушение на руководителя балетной труппы Большого театра Сергея Филина. Сергей Филин сменил на этом посту Геннадия Янина, которого в конце 2011 года руководство Большого театра уволило из-за появления на страницах интернета порнографических материалов с его участием. Но говорят, что в ГАБТ много числится в штате актеров, которые не танцуют, но зарплату получают, а молодым невозможно пробиться, но хочется!

У нас криминалитет добрался и до храмов искусства. Падение балета сейчас в России катастрофическое.Почему это все произошло? Олег Виноградов считает: " Потому что эта так называемая псевдодемократия, этот хаос и этот бардак, который творится, он же коснулся всего. Танцевать классику сегодня мало какая труппа может. В балет хлынули дилетанты, и очень многие театры заблудились и потеряли все, ради чего они существовали."

Недавно Виноградова пригласили в Санкт-Петербургскую консерваторию, которой исполнилось в прошлом году 150 лет, поставить балет "Золушка". "После того как я приехал из Америки и стал здесь заниматься, - говорит балетмейстер, - меня больше всего шокировало абсолютное безразличие властей к Консерватории. У меня создалось впечатление, что судьба команды «Зенит» государство волнует больше, чем 150-летие учебного заведения, которое дало миру Чайковского, где преподавали Глазунов и Римский-Корсаков... Вся музыкальная культура рождалась именно здесь! В петербургском Большом театре, здание которого потом было перестроено для Консерватории, состоялась премьера «Ивана Сусанина»! И то, что теперь все это находится в совершенно ужасающем состоянии, просто кошмар. Той нищеты, в которой существует этот театр, я не встречал нигде."

Грустно все это.

Балет – это самый великий вид искусства, который до конца не понятен никому – ни артистам, ни многим хореографам, ни зрителям. И в этом его достоинство. Его хочется понять, потому что это один из самых красивых видов искусства. И вот эту красоту, если, конечно, балет красивый (а некрасивый балет не имеет права на существование), хочется разгадать, понять, что же так притягивает. Смотрите: балет состоит из абстрактных деталей. Казалось бы, какие-то физкультурные движения, которые складываются в определенные фразы, наполняются содержанием, одухотворяются мыслью, ролью, комплексом спектакля, большой литературой, драматургией, – и рождается что-то немыслимое по красоте. И ведь балет – бессловное искусство, которое может иногда сказать больше, чем слово. Именно этим балет и притягивает.

Он никогда не погибнет, как бы его ни уничтожали. Он может исчезнуть, может измениться, но потом обязательно вернется к своим истокам. Ведь этому искусству более 300 лет, и в нем сочетается все – и выразительность, и изобразительность, и графика, и скульптура, и пантомима, и актерское мастерство, и музыка… Какое вы еще найдете искусство, которое все это синтезирует? Нет такого.



В Канадском оперном театре был поставлен еще один балет на музыку Чвйковского "Онегин"

Посмотрите этот балет. Тоже интересно

На этом мы и завершим пока разговор о балете. До следующих встреч!

Джонатан Свифт

Джонатан Свифт родился 30 ноября 1667 года. Наиболее известен как автор сатирико-фантастической тетралогии «Путешествия Гулливера», в которой остроумно высмеял человеческие и общественные пороки.

ПРАВИЛА, КОИХ МНЕ НАДЛЕЖИТ ДЕРЖАТЬСЯ В СТАРОСТИ
написано Свифтом в 1699 году в возрасте 32 лет

1. Не жениться на молодой.
2. Бывать в обществе молодых людей лишь в том случае, если они того пожелают.
3. Не быть брюзгливым, угрюмым или подозрительным.
4. Не насмехаться над современными нравами, суждениями, модами, людьми, войной и так далее.
5. Не относиться с нежностью к детям, и не подпускать их к себе.
6. Не повторять без конца один и тот же рассказ в одной и той же компании.
7. Не скряжничать.
8. Содержать себя в опрятности и приличии, дабы не закоснеть в нечистоте.
9. Не выказывать чрезмерной суровости к молодёжи, а, напротив, быть снисходительным к слабостям и заблуждениям юности.
10. Не поддаваться влиянию мошенников-слуг и не прислушиваться к их наветам.
11. Не раздавать направо и налево советы и не докучать ими тем, кто в них не нуждается.
12. Просить добрых людей указывать мне, какие из этих правил я нарушил и какими пренебрег, дабы я мог исправиться.
13. Не говорить много, особливо о самом себе.
14. Не хвалиться своей былою красотой, силой, успехом у женского пола и так далее.
15. Не слушать льстивых уверений, не воображать, будто меня может полюбить молодая женщина, а тех, которые гоняются за наследством, ненавидеть и прогонять.
16. Не быть самоуверенным и не упорствовать в своей правоте.
17. Не задаваться целью выполнить все вышеуказанные правила из опасения, что не удастся выполнить ни одного.
    
    

    В 1731 году Свифт написал поэму «Стихи на смерть доктора Свифта», где есть такие строчки, точно отражающие его жизненное кредо:

    Поставил автор цель благую —
    Лечить испорченность людскую
    Мошенников и плутов всех
    Хлестал его жестокий смех…

    Скончался Джонатан Свифт 19 октября 1745 года в Дублине

 

ЮРИЙ ГЕРМАН

А теперь познакомимся с Юрием Германом, классиком  русской литературы, прозаик, драматург, киносценарист. Лауреат Сталинской премии 2-й степени. 

Я знаю его, как автора двух книг:

"Россия молодая" о Петре 1.

Кровавая, веселая, жестокая и славная эпоха - "когда Россия молодая мужала гением Петра". Царь-плотник по живому прорубает первое "окно в Европу" на Русском Севере. Здесь кипит жизнь. Здесь под свист плетей и шум вольного ветра строится будущее нашей страны. Здесь смертельно опасные приключения ожидают верных друзей - Сильвестра Иевлева, отчаянного офицера петровской армии, и лихого боцмана Ивана Рябова, склонного ссориться с власть имущими.
 

А вторая - это трилогия о смысле жизни.

Трилогия эта - произведение очень талантливое. Оно еще и крупное обобщение быта и деятельности поколения советских людей, жившего на рубеже двух эпох. Оно дает полное и правильное представление о жизни и деятельности советских врачей. Требовательность к себе и окружающим, непримиримость к равнодушию, ненависть к тупости, консерватизму, карьеризму делают Устименко "неудобным" для тех, кто хочет жить в науке спокойно. В далекой восточной стране, куда посылают Устименко лечить людей, он с честью выполняет свой долг. "Он делал тут свое дело, делал всегда, делал всеми силами. И люди понимали это". Отсюда возвращается Устименко домой, где уже идет война, где льется кровь, где ждет его работа фронтового хирурга. Но это уже тема второй книги трилогии - романа "Дорогой мой человек". Завершает трилогию роман "Я отвечаю за все".
 

Последний роман начинается с эпиграфа:

Чтоб добрым быть,

нужна мне беспощадность.

МОЛИТВА ЧЕЛОВЕКА ПОЖИЛОГО ВОЗРАСТА

Этот текст висит на стене в квартире Алексея Германа.
Это молитва пожилого человека, которую читал его отец, известный писатель Юрий Герман.

 

Французский телеканал Mezzo показывает теперь регулярно постановки Большого театра. Недавно посмотрел Руслана и Людмилу, поставленную на современный лад. В спектакле, например, Наина предстает как содержательница публичного дома, а Людмила - обкурившаяся гашишем дочка олигарха. Но сегодня речь пойдет еще об одной "современной постановке оперы Альбана Берга "Войцек". Правда, в постановке Чернякова название звучит как Воццек. Сегодня по Mezzo посмотрел эту оперу и делюсь с Вами своими впечатлениями.

 

Произведение, считающееся самым ярким произведением музыкального экспрессионизма, воплотили на московской сцене дирижер Теодор Курентзис и режиссер Дмитрий Черняков

 .

"Воццек" был написан Бергом в начале 20-х годов и впервые поставлен в Берлине в 1925 году. В то время Советский Союз еще не отгородился железным занавесом от западной культуры. Российская премьера "Воццека" прошла в 1927 году - раньше, чем в Вене, родном городе Берга. Композитор лично приехал на премьеру в Ленинград, и это воспринималось без изумления.

Сочиняя оперу, Берг взял за основу драму Бюхнера "Войцек", написанную в первой половине XIX столетия, изменил одну букву в имени персонажа и переосмыслил многие мотивы. В частности, он снизил социальный пафос драмы и добавил главному герою экзистенциального отчаяния. Оперный Воццек сходит с ума и убивает свою сожительницу не только от нищеты и ревности. Мотивы его преступления кроются в сфере иррационального, а житейские лишения лишь обостряют маниакальные черты.

Черняков от социального объяснения отказывается вовсе. Он стирает все приметы бытового унижения. Его Воццек живет в благоустроенной современной квартире с жидкокристаллической телевизионной панелью на стене. Уходит мотив греховного сожительства: Воццек, Мари и их сын образуют нормальную ячейку общества. Таких вокруг пруд пруди - спектакль начинается с того, что мы видим многоквартирный дом в разрезе. В каждой из квартир-ячеек стоят стол и стулья, в каждой горит свет, в каждой кто-то есть. Ближе к финалу этот образ становится еще более определенным: в каждой из квартир появляется по ребенку, у каждого из детей есть отец и мать.

Ничего осмысленного эти люди не делают - так, маются, как бы живут. В свободное от ничегонеделания время ходят в бар - все сцены, которые в оригинале проходят на улицах города и за городом, перенесены в интерьер со стойкой, столиками и все тем же телевизором на стене. На экране все время идут спортивные состязания: летят в мишень дротики дартс, переливаются одна в другую покерные комбинации, рвутся к воротам футболисты. В баре текут странные, полубезумные разговоры. Здесь же Мари кокетничает с тамбурмажором, и тот затаскивает-таки ее на любовное свидание в туалет.

Полная урбанизация сюжета - пожалуй, самый спорный ход постановщика. Для Бюхнера и Берга очень важно противопоставление города и окружающего его "пустого пространства". В городе Воццек попираем и презираем, за городом с него спадает непосильное давление, но свобода мыслить оказывается еще более тяжким грузом. Объединяя место действия, Черняков снимает этот контраст. Катастрофа Воццека тем самым приближается к современным алогичным преступлениям и суицидам, от стрельбы в супермаркетах и школах до самоубийства вратаря Роберта Энке. Снижается степень сопереживания, которое подменяется любопытством.

Впрочем, послушайте, как Черняков рассказывает об опере

 

 

 

В одной из знаменитейших постановок оперы, впервые показанной в Париже в 1992 году и затем объехавшей Европу, режиссер Патрис Шеро главной героиней сделал Мари. В Москве центром спектакля становится Воццек в исполнении австрийского баритона Георга Нигля. В то время как остальные герои похожи на картонных кукол, он живет на сцене и увлекает за собой в те высокие сферы, куда зовет нас музыка Берга.

Посмотрите последние картины этой постановки, а потом поговорим о музыке Берга и о постановке Дмитрия Чернякова.

А здесь вы можете подробнее познакомиться с замечательной оперой Воццек и потом поговорим об этой музыке.

Альбан Берг родился в Вене в 1885 году.  С 1904 по 1910 год учился у Арнольда Шёнберга вместе со своим другом и коллегой Антоном Веберном.

Эти три великих композитора на заре 20 века создали новую музыку. Этих композиторов называют создателями нововенской музыкальной школы.

Мы привыкли наделять превосходными эпитетами Баха, Моцарта, Чайковского, Пуччини – и вполне заслуженно.  Это – великие имена, оставившие бесценные шедевры в музыке. Даже у тех, кто далёк от мысли просто сесть и послушать их произведения, на слуху фрагменты их творений, их мелодии, их ритмы. Эта музыка, хотим мы этого или нет, живет с нами всегда и везде, – даже в звуковых сигналах мобильников. Но Альбана Берга трудно отнести к их числу,  его произведения знают, главным образом, искушенные в  музыке знатоки-любители и профессиональные музыканты.  И это не совсем справедливо по отношению к Бергу, ибо он заслуживает самого широкого признания.

Один известный музыковед Филипп Гершкович написал в своих воспоминаниях о Берге: "Впечатление, которое произвёл на меня Альбан Берг, когда я впервые пришёл к нему домой, и сегодня так же свежо, как и шестьдесят лет назад. Впечатление — которое потрясает человека без того, чтобы его подавить. (Веберн подавлял, уничтожал человека, чтобы построить из него что-то другое, новое.) Альбан Берг был неповторимым олицетворением мягкой красоты, приправленной удивительной иронией. И чем добрее обнаруживала себя эта ирония, тем легче превращалась она в выражение абсолютной надменности. Он был открыт для всех, и именно потому его душа была сейфом. Сейфом, в котором замыкалось его целомудрие — музыкальное и человеческое целомудрие. Поэтому он и был таким дружелюбным, так легко доступным для дружбы: друзья, без того, чтобы они они могли это замечать, всегда принимались Альбаном Бергом в прихожей его души, хотя там — в переносном смысле слова — бывали хорошо приняты; музыка, его музыка, его отношение к музыке требовали от него большого внутреннего одиночества, которое (это моё глубочайшее убеждение) совсем сознательно скрывало себя за сердечной общительностью."

Чувственное постижение мира – вот характерная черта этого художника. Его музыка достаточно сложна, она не может служить фоном во время вашей работы или отдыха, её нельзя слушать, размышляя о вещах чисто житейских.  Её  нужно слушать внимательно и отрешённо,  чтобы можно было уловить тончайшие оттенки,  сложные гармонии.

 

Шёнберг и Берг – одни из тех, кто оказал огромное влияние на творчество таких гигантов как Дмитрий Шостакович, Алфред Шнитке, Эдисон Денисов, Витольд Лютославский и совершенно изумительная, ныне здравствующая Софья Губайдулина. 

Шостакович сложный, Шнитке сложный, Берг сложный,... А иностранные книги читать в оригинале сложно? Мы говорили о 66 сонете Шекспира. Несколько десятков переводов есть на русский язык, но все они не передают дух Шекспира. Ближе всех, как мне кажется был Пастернак, но и его перевод небезупречен. Чтобы прочитать Шекспира в оригинале, надо хорошо знать не только английский язык, но и дух того времени, а как этого достичь? Если не понимаешь автора, надо читать других авторов, а потом возвращаться к непонимаемому. У меня так было с Гоголем. Мне всегда нравился его сочный язык, но понимать его произведения я стал только после того, как прочитал Бердяева о нем. Так и с музыкой Берга. Ее нельзя понять, если не познакомиться с теорией додекафонии (от греч. δώδεκα — двенадцать и греч. φωνή — звук).

Это способ сочинять музыку, пользуясь "двенадцатью лишь между собой соотнесёнными тонами" ("Komposition mit zwцlf nur aufeinander bezogenen Tцnen", А. Шёнберг), один из видов совр. муз. техники. Возник в процессе развития атональной музыки. Известны разл. роды додекафонной техники. Из них наибольшее значение приобрели методы Шёнберга. Сущность шёнберговского метода Д. состоит в том, что составляющие данное произведение мелодич. голоса и созвучия производятся непосредственно или в конечном счёте из единств. первоисточника - избранной последовательности всех 12 звуков хроматич. гаммы, трактуемых как единство. Совокупность высотных отношений между звуками серии со своей стороны потенциально определяет интонац. выразительность додекафонного сочинения. Некоторые из наиболее очевидных высотных отношений звуков указаны в следующих примерах (цифрами обозначены интервалы в полутонах):

А. Шёнберг. Квинтет для духовых инструментов ор. 26.

А. Веберн. Концерт для 9 инструментов ор. 24.

 

Как всегда в искусстве, какие-то системы устаревают и на их место приходят новые. В данном случае на протяжении второй половины ХIХ в. постепенно устаревала привычная нам по музыке Моцарта, Бетховена и Шуберта так называемая диатоническая система, то есть система противопоставления мажора и минора. Суть этой системы заключается в том, что из 12 звуков, которые различает европейское ухо (так называемый темперированный строй), можно брать только 7 и на их основе строить композицию. Семь звуков образовывали тональность. Например, простейшая тональность до мажор использует всем известную гамму: до, ре, ми, фа, соль, ля, си. Наглядно - эта тональность использует только белые клавиши на рояле. Тональность до минор отличается тем, что вместо ми появляется ми-бемоль. То есть в тональности до минор уже нельзя употреблять простое ми, за исключением так называемых модуляций, то есть переходов в родственную тональность, отличающуюся от исходной понижением или повышением на полтона. Постепенно к концу ХIХ в. модуляции стали все более смелыми, композиторы, по выражению Веберна, "стали позволять себе слишком много". И вот контраст между мажором и минором постепенно стал сходить на нет. Это начинается у Шопена, уже отчетливо видно у Брамса, на этом построена музыка Густава Малера и композиторов-импрессионистов - Дебюсси, Равеля, Дюка. К началу ХХ в. композиторы-нововенцы, экспериментировавшие с музыкальной формой, зашли в тупик. Получилось, что можно сочинять музыку, используя все двенадцать тонов: это был хаос - мучительный период атональности. Где же выход? Его-то и нашли нововенцы, о которых мы говорили. В истории музыки венской гармонии предшествовал контрапункт, или полифония, где не было иерархии мелодии и аккомпанемента, а были несколько равных голосов. Нововенцы во многом вернулись к системе строгого добаховского контрапункта. Отказавшись от гармонии как от принципа, они легче смогли организовать музыку по-новому.

Послушайте, что говорят о Шенберге два величайших исполнителя Гульд и Менухин.

 

Они говорили о фантазии Шенберга, которую вы пожете послушать в их исполнении

Интересно вспомнить и теорию английского философа Джона Вильяма Данна. Он вошел в историю фи­лософии XX века прежде всего как создатель многомерной модели времени. Истоки философии Данна — это, во-первых, довольно приблизительно понятая общая теория относительности и, во-вторых, также довольно поверхностно воспринятый психоанализ. Из первой он почерпнул идею о том, что время можно рассматривать как пространственноподобное измерение. Из второго — интерес к сновидениям. В результате получился интеллектуальный бестселлер. Человек видит сны, которые сбываются. Почему это происходит? Потому что время многомерно.

Одним из основополагающих понятий концепции Данна является серия. Серийную концепцию Данна легче всего представить, приведя фрагмент из его книги "Серийное мироздание" (1930). Называется этот фрагмент "Художник и картина":

"Один художник, сбежав из сумасшедшего дома, где его содержали (справедливо или нет, неизвестно), приобрел инструменты своего ремесла и сел за работу с целью воссоздать общую картину мироздания. Он начал с того, что нарисовал в центре огромного холста небольшое, но с большим мастерством выполненное изображение ландшафта, простиравшегося перед ним. Изучив свой рисунок, он тем не менее остался недоволен. Чего-то не хватало. После минутного размышления он понял, чего не хватало. Он сам был частью мироздания, и этот факт еще не был отражен в картине. Так возник вопрос: каким образом добавить к картине самого себя? Тогда он отодвинул свой мольберт немного назад, нанял деревенского парня, чтобы тот постоял в качестве натуры, и увеличил свою картину, изобразив на ней человека (себя), пишущего эту картину". Но и на сей раз (дальше мы пересказываем близко к тексту) художник не был удовлетворен. Опять чего-то не хватало: не хватало художника, наблюдающего за художником, пишущим картину. Тогда он опять отодвинул мольберт и нарисовал второго художника, наблюдающего за первым художником, пишущим картину. И вновь неудача. Не хватало художника, который наблюдает за художником, наблюдающим за художником, который пишет картину. "Смысл этой параболы, - пишет Данн, - совершенно очевиден. Художник, пытающийся изобразить в своей картине существо, снабженное всеми знаниями, которыми обладает он сам, обозначает эти звания посредством рисования того, что могло нарисовать нарисованное существо. И совершенно очевидным становится, что знания этого нарисованного существа должны быть заведо моменьшими, чем те, которыми обладает художник, создавший картину (см. ФИЛОСОФИЯ ВЫМЫСЛА). Другими словами, разум, который может быть описан какой-либо человеческой наукой, никогда не сможет стать адекватным представлением разума, который может сотворить это знание. И процесс корректировки этой неадекватности должен идти серийными шагами бесконечного регресса".

Идеи Данна очень сильно повлияли на литературу 20 века. Мастер и Маргарита Булгакова, произведения Набокова, Борхеса  содержат идеи серийного мышления Данна. Становятся более понятны фильм Феллини «8 1/2», «Все на продажу» Вайды, «Страсть» Годара Безусловно, столь популярные ныне идеи гипертекста, в частности компьютерного романа, используют модель многомерного времени, когда из любой точки повествования путем нажатия клавиши можно вернуться в прошлое или перенестись в будущее и разыграть сюжет по-новому.  Мы читаем мое эссе, но идя по гиперссылке, мы можем уйти в другой мир. И новые идеи овладеют нами.

Идеи Данна надо иметь ввиду, когда говорим о музыке Берга. На этом мы, пожалуй и остановимся, говоря о музыке Берга.

Ну а если говорить о постановке Воццека в Большом театре, то мне понравилась работа безусловно талантливого молодого режиссера Дмитрия Чернякова, но не надо ему трогать великую русскую классику. Зачем ему надо в угоду западным представлениям о России измываться над русской культурой? Грустно вспоминать, как Ленский поет свою знаменитую арию, сидя в ушанке возле стола в доме Лариной. И зачем надо было превращать в фарс его убийство? А Руслан и Людмила - это тоже позор Чернякова. Неужели он не понимает, что его руками убивают русскую культуру?!! В угоду иностранцам из русских делают недоумков....

Я упоминал уже о выдающемся композиторе современности Софье Губайдулине, которая живет сейчас в Германии, но не теряет связей с Россией, которую покинула в 1991 году. Ей сейчас 82 года. В одном из последних своих интервью она сказала:

Благополучные люди, будь то на Западе или в России, зачастую несколько ущербны в своей духовной, душевной, интеллектуальной жизни. Некоторые трагические вещи они могут себе только представлять, вообразить, но не пережить по-настоящему то, что человек неблагополучный пережил. Идет общемировой процесс, который ставит высокую, серьезную музыку на грань исчезновения.

О ней, о ее творчестве мы как-нибудь поговорим. А сейчас на этом и закончим.

Рекомендую для затравки послушать ее удивительное произведение "Последние семь слов распятого Христа"

 

Музыка эта проникает прямо в кровь. Она написала это произведение в 1982 году, и слушать его лучше, расслабившись и глядая на распятие Христа.

Тема распятия, смерти и Воскрешения Иисуса Христа – это одно из центральных мест Библии, и один из краеугольных камней противоречий между разными религиями: христианством, исламом и другими. Любопытный читатель сможет познакомиться с диспутом на эту тему, если перейдет по ссылке: “Был ли распят Иисус?”.  Это диспут между Ахмадом Дидатом, писателем и исламским проповедником  и Робертом Дуласом, Директора Христианского центра.

Ахмад Дидад бросил вызов христианским миссионерам и поставил под сомнение традиционное господство западной культуры. Публично обсуждая религиозные вопросы с некоторыми из высокопоставленных представителей христианских церквей, он помог мусульманам, уставшим ощущать себя «гражданами второго сорта», вновь обрести чувство уверенности в себе. На протяжении шести десятков лет преподавательской деятельности А. Дидата, дебатов и наставничества многие люди обратились в Ислам.

Ну а закончим мы все-таки, вспоминая вместе с Андреем Вознесенским СЕМЬ ПОСЛЕДНИХ СЛОВ ХРИСТА:

«Господи, прости им, ибо не ведают, что творят»
«Господи, помяни мя, егда приидише во Царствие Твоем».
«Жено (Мать), се сын Твой»
«Боже Мой, Боже Мой, для чего Ты Меня оставил?»
«Жажду»
«Свершилось»
«Отче, в руки Твои предаю Дух Мой»

Андрей Вознесенский на эту тему написал поэму

Мои Палестины дымятся дыбом.
Абсурдный кругом театр.
Боже, прости им, ибо
не ведают, что творят.

Джентльмены фригидны.
После «Смирновской»
дамам невмоготу.
Father, forgive them, for they know
not what they do.

Нанижи жемчуга из Китежа,
сны нижи на печаль свою.
Говорю тебе истинно, ныне же
будешь со Мной в раю.

Нету рая, кроме любви.
Завтра друг мой меня продаст.
This day shalt thou be
with me in Paradise.

За тебя я боялась во сне
ив толпе, где тебя оборжали.
Ты — мой Дух. Я тебя обожаю.
Обожаю, когда Ты во мне.

В нашей Богом забытой стране
Ты — единственный нравственный кодекс.
Я люблю, когда Ты в меня входишь.
Обожаю, когда Ты во мне.

Истинно говорю — се, сынТвой!
Ученик! Се, Матерь твоя!
Женоненавистники пахнут псиной,
прах в семантике растворя.

Ученица моя, Магдалина,
мандарины дари с куста.
Смерть моя нас не отдалила.
Звон малиновый пьют уста.
словно грешница, ноги осине
я в слезах смываю сам.
МатерьБожия, утешьСына!
Mother, behold thy son.

Господи, Боже мой, Отче!
Для чего Ты меня оставил?
Погляди на земные корчи
очной ставкою из астрала.
Отче! Дух мой меня оставил,
Не достать луны кочергой.
Нож наКаина поднял Авель.
Отче, Господи, отчего?

Отчего мы под фарисеями?
Луна клеит скотч на чело.
My God, why has Thou forsaken me?
Для чего?

Длятся годы мои вне правил.
Новый век объявил «очко».
Для чего Ты Россию оставил?
Чтоб спасать людей? Для чего?

Над отчизной хохочет дьявол.
Реет пепл родных очагов.
Для чего Ты меня оставил?
Отче, Господи, отчего?

 

Пить! Ненасытно.
Волгу выпил бы дважды.
Citio!
Жажду.
Нутро мое оросите!

Москва горит, Нью-Йорк-сити,
трещат, как кассеты-видео...
Citio.
Все на продажу!
Жаждет клеточкой каждой,
жаждет, сжатый, как дайджест,
внутри пересохший торс.
I thirst.

Снежку бы... грязного даже...
с обочины лавки Сытина...
Боже, спаси Россию!
Citio.

Жажду любви, хоть росиночку...
Мы кончили с жизнью тяжбу.
Как женщина, жизнь ушла.
Винною губкой страждущие
освежите мои уста!

Пожарища. Душно. Тяжко.
Страдания остужа,
рождается — жажду, жажду,
жажду, жажду! —
ДУША.

К духовным вершинам
Ты душу вынешь из казематных мест.
Свершилось!
It's finished!
Consumatumest!

Кончено, Отче.
Корчатся мощи.
Страдания — Божий тест.
Мне тело, как силос.
Мне жизнь как приснилась.
Прощаясь, целую крест.

It's finished.
Свершилось.
Consumatumest.
Малиновый звон окрест.

Окончены муки.
В очи светится путь домой.
Я в Твои руки, Отче,
передаю дух Мой.

Сложишь ладони домиком —
ныне же мы в раю.
Вырвавшись от подонков,
дух Мой передаю.

Что ж я страшусь разлуки
с жизнью? Пропел петух.
Боже, я вТвои руки
передаю Мой дух.

Хватит играть комедь.
Сад мой вишневый спилят.
Into Thy hands, I commend
my spirit.

Гаснет все, что имеем.
Монитаризм лукав.
In maims commendo spiritum.
Дух Мой вТвоих руках.

Века без возлюбленной женщины
мне пребывать в бессоннице.
Одна без меня во Всенощной
к колонне она прислонится.
Над брошенными погостами
останется мыслить камень.
К Тебе возвращаюсь, Господи.

Амен.

И попробуем вместе с Вознесенским ответить на очень сложный вопрос:

Для чего Ты Россию оставил?
Чтоб спасать людей? Для чего?

Над отчизной хохочет дьявол.
Реет пепл родных очагов.
Для чего Ты меня оставил?
Отче, Господи, отчего?

 

 

 

Топоним – то же, что и географическое название/имя. Это собственное имя природного объекта на Земле, а также объекта, созданного человеком на Земле, который четко зафиксирован в данном регионе (город, деревня, обработанный участок земли и т. п.).

В недрах Интернета встретил интересную подборку названий русских поселений. Не удержался и я, чтобы оставить эти картинки в своем дневнике.

Вобля - река в Московской области - правый приток Оки. А под Старым Осколом  течет река Убля.

 

 

Меня уже вовсю критикуют за интерес мой к современному искусству. А какое искусство можно назвать современным? Сегодня мы поговорим о рок-музыке.

Вторая половина ХХ века породила свою субкультуру, к которой относят и рок-музыку. Вся история рока  состоит из схожих циклов, в начале каждого из которых — бунт, протест, рождение новых стилей и новых ценностей, возникновение групп и исполнителей-основоположников стиля , а затем — постепенный процесс «приручения», коммерциализации.

Рок-музыка как культурный феномен породила так называемый «рок-н-ролльный образ жизни», определённый стиль поведения и систему жизненных ценностей, своего рода философию. Тем не менее, возникшие на основе различных течений рок-музыки субкультуры порой имеют мало схожего. Рок-музыка обладает относительно большой захватывающей энергией (драйвом). Она может дать личности свободу от устоявшихся общественных принципов и стереотипов, от окружающей действительности. Рок сегодня — один из инструментов шоу-бизнеса, направленный на коммерческую прибыль в индустрии развлечений.

Рок возник после войны, как протест. Слово «rock» — (в переводе с английского «качать, укачивать, качаться») — в данном случае указывает на характерные для этих направлений ритмические ощущения, связанные с определённой формой движения, по аналогии с «roll», «twist», «swing», «shake» и т. п. Такие признаки рок-музыки, как использование электромузыкальных инструментов, творческая самодостаточность (для рок-музыкантов характерно исполнение композиций собственного сочинения) являются вторичными. По этой причине принадлежность некоторых стилей музыки к року оспаривается.

Отличительная черта классической рок-музыки — неизменный ритм, поддерживаемый ритм-секцией. Однако уже начиная с 60-х годов ряд направлений рока использует композиции с усложнёнными структурами и ритмами. Солирующим инструментом является обычно электрогитара. Также в большинстве рок-групп присутствует вокалист. Если в начале своего развития рок-музыка лежала в основном в рамках блюзовой гармонии, то теперь отдельные её направления имеют мало общего в музыкальном отношении.

Первым моим открытием в рок музыке был Элвис Пресли.

Вот под эту музыку я еще в школе танцевал рок-энд-рол

 

А потом были "Битлз". Они меня покорили.

Это знаменитая их песня Yestarday

А потом был рок, который до сих пор звучит в моих ушах.  Can't by me love

 

 

 

 

А не так давно мы познакомились еще с одним современным рок-музыкантом, который живет у нас в Питере. Это Кирилл Комаров.

О нем мало известно. Без пяти минут филолог-тюрколог (бросил аспирантуру тогда еще ЛГУ); автор песен в группе "Присутствие", одной из легенд Ленинградского рок-клуба (поссорился и вышел и из группы, и из клуба); выпустил множество сольных и совместных альбомов, по преимуществу акустических. Еще в 1983-м молодой Борис Гребенщиков провозгласил сакраментальное, что рок-н-ролл мертв, а в это время и начал работать на рок-анд-рольной сцене Кирилл Комаров. И он сумел доказать, что рок еще жив.

 

У него внешность потомственного интеллигента, мальчика из хорошей семьи (и это на самом деле так); он совершенно не пьет, аккуратно одет и коротко - почти всегда - стрижен. У него нормальная семья, милая жена и двое детей, и дом его совсем не похож на рокерскую берлогу. "Я никогда не пробовал наркотиков и, в общем, не чувствую необходимости, причем даже в такие минуты, когда все вокруг забивают косяки... у меня никогда не было желания подключиться к этому". Но вот он берет гитару, и образ пай-мальчика дробится и ломается, и дело даже не в текстах, хотя и в них тоже, а будто колдунья взмахивает над ним полою плаща - и из клубов дыма вырисовывается совсем другой человек: очень собранный, очень жесткий, беспощадный в оценках, безжалостный к себе и другим... прежде всего к себе; и ломаешь голову, пытаясь угадать - какая из двух его ипостасей (а он очень четко разложил себя на эти две ипостаси в самой, пожалуй, злой его вещи "Делать Деньги") так мучительно хочет взять верх над другой? И нет ли там, в глубине, притаившейся и ждущей своего часа третьей?

Сам Кирилл однажды сказал: "Парадокс: чем выше уровень музыканта, вообще художника, тем меньше у него шансов достичь коммерческого успеха. потому что высокие критерии не позволят опуститься до дешевки, до пошлости... А это означает конфликт с подавляющим большинством твоих потенциальных слушателей. Покупают-то в основном дешевый товар - видимо, по причине душевной скупости. Во всяком случае, у нас. Да и у них тоже. Профессиональный и культурный уровень - это позиции уже с обратным знаком. Дело в том, что какой-нибудь ЛАСКОВЫЙ МАЙ не требует от слушателя ничего.

А еще Кирилл-поэт. Здесь вы найдете его стихи, интересные, необычные. Чем-то он мне напоминает Бродского.

А вот эта его композиция мне очень нравится. Она навеяна увлечением его восточными напевами и называется "Сияй", очень радостная, таинственная.

Кирилл учился на Восточном факультете Ленинградского университета и занимался тюркской филологией. Восточная культура тоже находит отражение в его творчестве.

И вот новое имя. Сергей Калугин. Эта композиция называется "Танец Казановы"

А недавно на моем горизонте появился Сергей Калугин. Он родился в Москве. О своих родителях сам он рассказывал следующее:

У моего отца было не то два, не то три класса образования, потом он стал лесником, потом моя мама-учёный привезла его в город, он протолкался там двадцать лет, стал специалистом по микротелевизорам, а после этого опять вернулся в свой заповедник, где и просидел до самой смерти.

Песни и стихи Сергей начал писать в середине 80-х годов.

Сергей Калугин известен как автор довольно протяженных во времени баллад с почти классическим построением стиха, весьма аккуратным использованием старославянизмов; в тематике преобладают оккультизм и средневековая мистика. Музыка весьма эклектична - элементы рок-музыки (преобладает арт-рок) связывают классическую гитару, фламенко и некоторые этнические направления. С февраля 1999 г. Калугин приступил к работе над совместной программой с группой "АRТЕЛЬ". При этом музыка не утратила этнического начала, но приобрела настоящую роковую жесткость (смеха ради музыканты обозначили свой стиль как этно-трэш). После ряда выступлений с легкой руки слушателей проект получил название "ОРГИЯ ПРАВЕДНИКОВ".

Очень жесткая песня в их исполнении "Наша родина СССР".

Сергея спросили про эту песню, что это ирония, или ностальгия? Он ответил: "Это и проклятье, и гимн, и скорбь, и радость. Это некий росчерк пера поколения, которое пережило крушение одной цивилизации и оказалось ввергнуто в другую. Это дневниковая запись человека, который понял, что бытие пластично, нестабильно. Благо тому, кто в одной цивилизации родился, прожил и умер. Самое страшное китайское проклятье "Пусть твоим детям придется жить в эпоху перемен".

Потому что человек, живущий в эпоху перемен, понимает, насколько все зыбко. Это переживание страшное, когда ты понимаешь, что тебя окружают призраки, иллюзии. И это понимание уже не избыть. Сформировалась новая цивилизация, но ты понимаешь, что ее в любую секунду может также снести волной небытия. Многие слышат припев "Наша родина - СССР", но не слышат страшного текста куплетов "Мы пытались увидеть рассвет к восходящему солнцу спиной..."

Однажды Калугин определил так суть своего творчества: "Я всегда говорил и буду говорить, что все наши песни — о любви и смерти. Все существование человека сводится к этим понятиям. Любовь и смерть — это имена Бога. Если мы ставим перед собой задачу свести все в одну точку, то этой точкой окажется Бог. А любовь и смерть — это то немногое, что остается на пути к нему. Когда ты начинаешь путь к Богу, перед тобой находится огромное количество объектов, а потом путь сужается, и в конце остаются только эти два понятия, за которыми и находится Он. И между любовью и смертью нет никакого противоречия, это вечные близнецы-братья Эрос и Танатос, Хаос и Космос…"

И в конце послушайте очень интересное интервью с Сергеем Калугиным  О причинах того, почему гаснет интерес к рок-музыке сегодня.

Происходит угасание культуры в нашей стране, а потому надо поддерживать таких, как Кирилл Комаров и Сергей Калугин. Они тоже подвижники. Они тоже часть нашей культуры. Они тоже пытаются ее сберечь.

William Shakespeare Sonnet 66
Уильям Шекспир Сонет 66

Сонет 66 является одним из самых известных и необычных сонетов Шекспира. В четырнадцати строках Шекспир сумел поместить весь реальный мир, с его пороками, ложью и подлостью, которые всегда были неизменными спутниками и соперниками добра, любви, честности. Сонет 66 - страстный монолог человека, страдающего от безысходности, несовершенства и жестокости мира.

Мы поговорим о трудностях художественного перевода. Сонет представляет собой неординарную трудность для перевода, ибо переводчику важно не только не уйти в формальное перечисление категорий добра и зла и нигде не подменить общие категории на частные (что мгновенно приводит к снижению обличительного пафоса сонета и его мощи), но и необходимо освоить основной человеческий опыт: прожить жизнь и сохраниться как личности.
 

 

1. Tired with all these, for restful death I cry,
2. As, to behold desert a beggar born,
3. And needy nothing trimm'd in jollity,
4. And purest faith unhappily forsworn,
5. And gilded honour shamefully misplaced,
6. And maiden virtue rudely strumpeted,
7. And right perfection wrongfully disgraced,
8. And strength by limping sway disabled,
9. And art made tongue-tied by authority,
10. And folly doctor-like controlling skill,
11. And simple truth miscall'd simplicity,
12. And captive good attending captain ill:
     
13. Tired with all these, from these would I be gone,
14. Save that, to die, I leave my love alone.
    
    Почти дословный перевод:

1. Устав от всего, я взываю к успокоительной смерти,
2. Вместо того, чтобы созерцать достоинство, рожденное в нищете,
3. И духовное ничтожество, живущее в веселии,
4. И чистейшую веру, от которой злобно отреклись,
5. И позолоченное благородство, позорно занимающее чужое место,
6. И девичью честь, грубо развращенную,
7. И истинное совершенство, незаконно ошельмованное,
8. И силу, выведенную из строя слабой властью,
9. И искусство, которому связали язык авторитеты,
10. И глупость, с ученым видом управляющую знанием,
11. И простую правду, неверно называемую простодушием,
12. И взятое в плен добро, прислуживающее верховному злу,
13. Устав от всего этого, я ушел бы отсюда,
14. Удерживает то, что, умерев, я оставлю одиноким того, кого люблю.

 

Существует более 50 русских переводов этого Сонета.

Талантливых переводчиков немного, но никто из них не приблизился к оригиналу, настолько, чтобы мы смогли ощутить всю мощь и величие английского гения.

В этом отношении из всех русских переводов явно выделяется перевод Бориса Пастернака: он гениален. Ни один русский перевод невозможно поставить с ним рядом, настолько он точен, прост и одновременно мощен:

Перевод Б. Пастернака

Измучась всем, я умереть хочу.
Тоска смотреть, как мается бедняк,
И как шутя живётся богачу,
И доверять, и попадать впросак,

И наблюдать, как наглость лезет в свет,
И честь девичья катится ко дну,
И знать, что ходу совершенствам нет,
И видеть мощь у немощи в плену,

И вспоминать, что мысли замкнут рот,
И разум сносит глупости хулу,
И прямодушье простотой слывёт,
И доброта прислуживает злу.

Измучась всем, не стал бы жить и дня,
Да другу трудно будет без меня.

_____________________________________________

Нравится мне и перевод С.Маршака

Перевод С. Маршака

Зову я смерть. Мне видеть невтерпёж
Достоинство, что просит подаянья,
Над простотой глумящуюся ложь,
Ничтожество в роскошном одеянье,

И совершенству ложный приговор,
И девственность, поруганную грубо,
И неуместной почести позор,
И мощь в плену у немощи беззубой,

И прямоту, что глупостью слывет,
И глупость в маске мудреца, пророка,
И вдохновения зажатый рот,
И праведность на службе у порока.

Все мерзостно, что вижу я вокруг...
Но как тебя покинуть, милый друг?!

__________________________________________

Хороший перевод 66 сонета сделал и Михаил Дудин.

Перевод М.Дудина

                     Я умер бы, от всех невзгод устав,
                     Чтоб кровную не видеть нищету,
                     И веру справедливости без прав,
                     И праздного ничтожества тщету,
                     И не по чести почестей черед,
                     И на цветущей  девственности сор,
                     И силу, что калекою бредет,
                     И совершенство, впавшее в позор,
                     И в соловьином горле кляп властей,
                     И глупость в облаченье мудреца,
                     И праздник лжи над правдою страстей,
                     И честь добра под пяткой подлеца.

                     Я умер бы, судьбы не изменя, -
                     Но что ты будешь делать без меня?


______________________________________________________________

И не мог я пройти мимо перевода, сделанного В.Бенедиктовым.

Перевод В. Бенедиктова

 Я жизнью утомлен, и смерть – моя мечта.
 Что вижу я кругом? Насмешками покрыта,
 Проголодалась честь, в изгнанье правота,
 Корысть – прославлена, неправда – знаменита.
 Где добродетели святая красота?
 Пошла в распутный дом, ей нет иного сбыта!..
 А сила где была последняя – и та
 Среди слепой грозы параличом разбита.
 Искусство сметено со сцены помелом,
 Бездумье кафедрой владеет. Праздник адский!
 Добро ограблено разбойническим злом,
 На истину давно надет колпак дурацкий.
 Хотел бы умереть; но друга моего
 Мне в этом мире жаль оставить одного.

_________________________________________________________

66-й сонет - не просто сонет, а сонет - страстный монолог, крик души поэта, который испытывает не личные переживания, а страдает от несовершенства окружающего его мира, ничего не может с этим поделать, и, тем не менее, он продолжает жить и страдать во имя любви. Он обещает это, обращаясь к своему читателю. И задача русского поэта - переводчика состоит в том, чтобы донести его слова до сердец людей из другой страны, людей с другим языком и другой культурой и заставить их почувствовать ту же боль, отчаяние и, может быть, надежду, которую выражает великий английский мастер слова.
История человечества полна крови, ненависти, преступлений. Их можно осуждать, но нельзя предавать забвению. В наше время ничто не изменилось, не изменилась же человеческая природа со времён Сервантеса и Шекспира.

Начали мы отрывком из фильма Кара. А закончим отрывком из нашумевшего на заре перестройки фильмом Тенгиза Абуладзе "Покаяние"

Этот фильм был шоком для нашего поколения на заре перестройки. В кинотеатр Ленинград у Таврического сада было трудно попасть. За билетами на этот фильм люди стояли ночами в очереди.

Это был взрыв. Фильм действительно потряс наше общество. Фундамент, на котором стояли строй и общество, был сломан, – вспоминает режиссер Резо Чхеидзе. – Это был манифест, который стоял выше, чем искусство. Эта философская притча перевернула сознание огромного числа зрителей.

Сюжет фильма очень прост. В солнечной Грузии хоронят местного вождя, уважаемого и влиятельного человека Варлама Аравидзе. А утром находят его тело у богатого дома его сына Авеля. И это повторяется каждый день. Оказывается, торжественные похороны не у всех вызывают печаль и скорбь. Кетеван Баратели, пойманная с поличным в одну из последующих ночей, на суде рассказывает историю своей семьи, о той роли, которую сыграл в её гибели Варлам Аравидзе. Когда Кетеван было восемь лет, местный вождь Аравидзе отправил в лагерь её отца-художника и мать Нино, а саму Кетеван пустил по миру. Однако её рассказ мало интересен судьям, ведь в городе всё давно «схвачено» — власть перешла к сыну покойного. Но неожиданно вину за грехи вождя берет на себя внук Варлама. Он хочет жить и умереть честным человеком, чтобы после его смерти его тело никто не выкапывал из могилы.

Снятый втайне от советского руководства фильм получил в 1988 году высшую советскую государственную награду – Ленинскую премию. «Боже, что за страна? – написал Тенгиз Абуладзе в дневнике. – Я выкопал Ленина из могилы, а мне дали Ленинскую премию!»

В картине было мастерски передано охватившее многих людей ощущение фальши, превращающей настоящее в поток бессмысленных лозунгов и отнимающей у человека его собственное прошлое, прошлое его семьи и страны в целом.

Вот так, начали с сонета Шекспира, а закончили фильмом Покаяние.

Шекспировскому Шестьдесят шестому сонету уже бог знает сколько лет, а звучит он все как новенький. А это потому, что текущая жизнь нам "подбрасывает" все новые и новые свидетельства его вечной правоты. И ведь точно же, ведь и правда невыносимо "наблюдать, как наглость лезет в свет... и знать, что ходу совершенствам нет, и видеть мощь у немощи в плену, и вспоминать, что мысли замкнут рот, и разум сносит глупости хулу".

Кто такой Шекспир? Этот вопрос волнует людей уже много лет. Кем бы он не был, его произведения гениальны!

Почему Шекспировские произведения живут столько лет? С.Я.Маршак, выступая на конференции ев родине Шекспира в Стратфорде-на-Эйвоне, сказал; "Его могут понять самые простые, не умудренные культурой люди, и в то же время он обогащает и тех, кто способен видеть дальше и глубже.
      Когда я переводил его сонеты, такие прекрасные и мудрые, я не раз задавал себе вопрос: Почему эти стихи (так же как и многие отрывки из пьес) действуют на меня сильнее, чем самые мудрые и глубокие строчки всех других поэтов давних времен - поэтов, также, как и Шекспир, говоривших о жизни, смерти, любви, вечности? Шекспир, подобно им, видел светлые и темные стороны жизни, постоянство и непостоянство человеческих характеров. Но его конечный вывод всегда оптимистичен - в подлинном смысле этого слова. Ромео и Джульетта могут погибнуть, и все же они торжествуют над холодной старостью с ее холодными старыми предрассудками.
      Оптимизм Шекспира - оптимизм, сознающий все опасности и ужасы жизни и все же имеющий смелость смотреть на них с широко открытыми глазами - высшее проявление человеческой сущности. Без него люди не смогли бы жить, не смогли бы любить, не смогли бы бороться за лучшую жизнь на земле,
      То, что сближает людей, лежит не на поверхности душ, которая у всех человеческих существ разная. Поверхностное скорее разделяет, нежели объединяет людей. Сближают нас наши более сокровенные мысли и чувства. Тончайший, показанный Шекспиром пример этого - борьба между глубокой любовью, объединившей Ромео и Джульетту, и мелкими предрассудками Монтекки и Капулетти, которые силились их разъединить.
      Свойство, лежащее глубоко в нашем сердце, - любовь к красоте и правде в искусстве и литературе (а оно присуще нам всем), - одна из величайших, связывающих нас сил. И доказательством этому служит место, занимаемое Шекспиром в мире и в сердце человека."

И совершенно мне все равно, кем был Шекспир. Шекспир - это тот, кто написал все, чем люди восхищаются уже много сотен лет.

Шекспир - это тот, кто будоражит душу. А много можно узнать из Интернета сплетен на эту тему, или же "исследований" серьезных и не очень.

Фильм «Аноним» 2011 года режиссёра Роланда Эммериха -  вполне достойное кино. Смущает лишь передёргивание некоторых исторических фактов, и однозначность в понимании того, кто был действительным автором трагедии «Гамлет».

Шекспир интересен, так как в любое аремя он современен. Он живет вне времени.

Но я вдруг обнаружил, что выросла молодежь, которая не знает Гамлета. Да, молодые играют в компьютерные игры, смотрят американские блок-бастеры, фильмы про ментов, но они не читали Шекспира. К молодым я и обращаюсь: "Ну неужели вас не трогают сонеты Шекспира? Для вас достаточны будут романы на уровне смсок? Молодые, Ау....

Ну а в конце моего повествования я хочу обратить ваше внимание на 10 слов из обыденного языка современного человека, которые ввел в обращение великий Шекспир: 1) Как бы существовало современное общество без слова "менеджер"?

2) LUGGAGE ("багаж, вещи")

3) LONELY ("одинокий, в одиночку")

4) HOT-BLOODED ("пылкий, страстный")

5) FASHIONABLE ("модный")

Сейчас в шоу-бизнесе вовсю раскручивают канадского певца Дж.Бибера и американку Л.дель Рей.
Песню Бейби исполняет Дж.Бибер

А в 2007 году шоу-бизнес вытащил наружу 12-летнего Дж.Бибера. Он стал знаменитым, благодаря Интернету. Джастин Бибер побил рекорд Lady GaGa. Видеоклип певца на песню Baby стал популярным роликом на ресурсе Youtube. Юному исполнителю удалось обойти предыдущего абсолютного рекордсмена — клип Lady GaGa Bad Romance. Видео на композицию Бибер Baby уже пересмотрело более 250 000 миллионов пользователей.

А это Лана дель Рей поет песню "Рожденный, чтобы умереть"





На мой взгляд, ничего в ней нет, есть папа милиардер, который и раскручивает свою дочку, которая призналась в интервью одному американскому журналу, что «Я была конченой алкоголичкой. Я бы могла пить каждый день. Я бы могла пить в одиночку. И я думала, что всё это происходящее чертовски круто. Многое из того, что я написала в Born to Die, это упоминание именно о тех днях. Когда я пишу о тех вещах, которые я потеряла, у меня сразу возникает чувство, будто я пишу об алкоголе, потому что это первая любовь моей жизни. Мои родители были обеспокоены, я тоже. Я понимала, что это большая проблема, когда тебе нравится просто пить, а не заниматься чем-либо ещё. Я как-то подумала: „Я облажалась. Конкретно облажалась“. Поначалу ты думаешь, что здорово, когда у тебя есть своя тёмная сторона в чём-то, в этом есть свои прелести, а после ты начинаешь осознавать как ужасно, когда твоя тёмная сторона берёт над тобой верх. Это была самая худшая вещь, которая когда-либо со мной случалась»
Ее настоящее имя Элизабет Грант, но продюсер решил, что псевдоним, составленной из имени Ланы Тернер и названия автомобиля Форд дель Рей, лучше будет соответствовать ее образу.

 

31 декабря мы по традиции ходим в театр. Вчера мы тоже были в театре "Антерприза им. А.Миронова" . Должен был быть другой спектакль, но мы попали на спектакль по рассказу А.П.Чехова "Счастливчик". Впервые этот рассказ был опубликован в «Петербургской газете», 1886, № 121, 5 мая, стр. 3, отдел «Летучие заметки». Подзаголовок: Сценка. Подпись: А. Чехонте. При жизни Чехова рассказ был переведен на болгарский, венгерский, немецкий, польский, сербскохорватский и чешский языки.

 

СЧАСТЛИВЧИК

Этот спектакль собран из рассказов, фельетонов, очерков, анекдотов Антона Павловича Чехова. Авторы спектакля определили это действо, как "Мальчишник в 2-х действиях по мотивам рассказов А. П. Чехова"

Пьеса и постановка
Андрей Дежонов

Художник
Никита Сазонов

Музыкальное оформление
Михаил Мокиенко и «Кавалер-дуэт»
(Владимир Балагин и Анатолий Коптев)

В спектакле использованы музыкальные фрагменты из произведений Чайковского, Мусоргского, Римского-Корсакова и Бородина в исполнении солистов Большого театра СССР

Премьера состоялась 14 февраля 2004 года.

В спектакле заняты:
Жених, счастливчик – Засл. артист России Евгений БАРАНОВ

Крикунов, инженер – Кирилл ДАТЕШИДЗЕ

Пушков, актёр – Владимир БАЛАГИН

Фёдор, он же Мустафа, проводник – Анатолий КОПТЕВ

Создатель спектакля режиссёр Андрей Дежонов определил жанр своего спектакля, как «мальчишник в 2-х действиях» по мотивам рассказов А.П. Чехова.

Спектакль рассказывает о столкновении мужчин с совершенно другим миром. Переиначив слова Достоевского, можно сказать: спектакль о том, что любовь спасет мир. О том, что делает человека счастливым. О том, что если нет любви, человеку безумно тяжело жить. Это банально, но это так.

А о чем могут разговаривать собравшиеся вместе мужчины? Только о женщинах.

В купе четверо. Актер, Инженер, Проводник и Счастливчик. Женские мордочки и женские лики. Встречи, разлуки, страсти, романсы. Дуэль прямо на ходу поезда и стеснительная мужская мечта. О счастье.

Анатолий КОПТЕВ и Владимир БАЛАГИН - В недавнем прошлом актеры БДТ, создали "Кавалер-дуэт", в котором выступают с концертами по всей стране. В этом спектакле они тоже прекрасно пели русские романсы.

 

Кавалер-дуэт поет вместе с Алисой Фрейндлих

В исполнении Кавалер-дуэта прослушайте, как трогательно звучит мой любимый марш "Прощание славянки"

Что подарить вам на Новый год?

Подарю вам списки из лучших книг, лучших стихотворений, лучших песен, лучших фильмов.
Правда, сколько людей, столько и мнений.

Я желаю вам новых впечатлений от услышанного, увиденного, прочитанного.
Пусть пожелания сбываются, а желания остаются!

Это список 100 лучших книг по мнению читателей Интернета. Пройдя по ссылке, можете и почитать эту книгу.

	Название	Год	Баллы	Средний балл	Проголосовало
1	Михаил Булгаков — Мастер и Маргарита	1929-1940	10258	2.29	4476
2	Артур Конан Дойль — Приключения Шерлока Холмса	1887-1927	6885	2.30	2983
3	Федор Достоевский — Преступление и наказание	1866	6866	1.85	3698
4	Александр Пушкин — Евгений Онегин	1825-1837	6667	2.11	3156
5	Илья Ильф, Евгений Петров — Двенадцать стульев	1928	6564	2.26	2898
6	Михаил Булгаков — Собачье сердце	1925	6130	1.90	3221
7	Лев Толстой — Война и мир	1865-1868	5982	1.76	3383
8	Антуан де Сент-Экзюпери — Маленький принц	1942	5851	1.56	3742
9	Михаил Лермонтов — Герой нашего времени	1839-1840	5671	2.00	2833
10	Александр Дюма — Граф Монте-Кристо	1844-1845	5222	2.59	2016
11	Антон Чехов — Рассказы	1883-1885	4929	2.01	2447
12	Эрих Мария Ремарк — Три товарища	1936	4819	2.10	2284
13	Оскар Уайльд — Портрет Дориана Грея	1891	4672	1.98	2356
14	Маргарет Митчелл — Унесённые ветром	1936	4510	1.47	3050
15	Николай Гоголь — Мёртвые души	1842	4273	1.57	2714
16	Федор Достоевский — Идиот	1868-1869	4246	1.85	2286
17	Александр Грибоедов — Горе от ума	1828	4186	1.95	2139
18	О.Генри — Рассказы	1904-1910	4130	2.42	1702
19	Уильям Шекспир — Ромео и Джульетта	1591-92(?), 1595(?)	4075	1.80	2259
20	Александр Дюма — Три мушкетера	1844	3983	1.63	2436
21	Николай Гоголь — Вечера на хуторе близ Диканьки	1831-1832	3819	1.59	2393
22	Марк Твен — Приключения Тома Сойера	1876	3767	1.63	2300
23	Лев Толстой — Анна Каренина	1873-1877	3761	1.74	2157
24	Джейн Остин — Гордость и предубеждение	1796-1797, 1813	3643	1.53	2368
25	Михаил Шолохов — Тихий Дон	1926-1940	3635	1.89	1917
26	Николай Носов — Приключения Незнайки и его друзей	1953-1954	3606	1.79	2005
27	Илья Ильф, Евгений Петров — Золотой теленок	1931	3540	2.02	1748
28	Шарлотта Бронте — Джейн Эйр	1847	3496	1.44	2413
29	Даниель Дефо — Робинзон Крузо	1719	3484	1.69	2059
30	Федор Достоевский — Братья Карамазовы	1879-1880	3443	1.92	1787
31	Иоганн Вольфганг фон Гёте — Фауст	1774-1831	3375	1.89	1778
32	Вениамин Каверин — Два капитана	1938-1944	3369	2.42	1390
33	Александр Волков — Волшебник Изумрудного города	1939	3301	1.84	1793
34	Александр Пушкин — Капитанская дочка	1836	3294	1.76	1869
35	Ганс Христиан Андерсен — Сказки	1839-1872	3278	2.06	1584
36	Иван Тургенев — Отцы и дети	1860-1861	3246	1.52	2127
37	Борис Васильев — А зори здесь тихие	1969	3218	2.54	1263
38	Иван Гончаров — Обломов	1848-1858	3215	1.76	1825
39	Джек Лондон — Белый Клык	1906	3203	2.26	1413
40	Артур Конан Дойль — Собака Баскервилей	1901-1902	3190	1.99	1603
41	Уильям Шекспир — Гамлет	1601	3154	1.84	1710
42	Жюль Верн — Таинственный остров	1874	3151	2.68	1173
43	Роберт Льюис Стивенсон — Остров сокровищ	1883	3149	2.41	1306
44	Виктор Гюго — Собор Парижской Богоматери	1831	3139	1.66	1881
45	Рэй Брэдбери — 451 градус по Фаренгейту	1953	3132	2.25	1389
46	Эрих Мария Ремарк — Триумфальная арка	1945	3131	2.41	1297
47	Александр Грин — Алые паруса	1916—1922	3084	1.56	1968
48	Астрид Линдгрен — Малыш и Карлсон, который живёт на крыше	1955	3067	2.40	1274
49	Леонид Филатов — Про Федота-стрельца, удалого молодца	1985	3032	1.93	1568
50	Жюль Верн — Дети капитана Гранта	1868	3021	2.33	1296
51	Джон Толкиен — Властелин колец	1954-1955	3018	1.04	2893
52	Марк Твен — Приключения Гекльберри Финна	1884	3009	2.05	1461
53	Эрнест Хемингуэй — Старик и море	1952	3001	1.89	1582
54	Николай Гоголь — Ревизор	1836	2969	2.49	1191
55	Джером Д. Сэлинджер — Над пропастью во ржи	1951	2958	1.40	2110
56	Льюис Кэрролл — Алиса в стране чудес	1864	2953	1.36	2165
57	Алан Александр Милн — Винни-Пух	1924-1928	2908	1.80	1614
58	Эрих Мария Ремарк — На западном фронте без перемен	1928-29	2877	2.27	1263
59	Джордж Оруэлл — 1984	1947-1948	2857	2.07	1377
60	Джоан Роулинг — Серия книг о Гарри Поттере	1997-2007	2827	0.91	3105
61	Николай Гоголь — Тарас Бульба	1835, 1842	2808	1.60	1749
62	Кен Кизи — Пролетая над гнездом кукушки	1962	2780	1.75	1587
63	Джек Лондон — Мартин Иден	1909	2771	2.54	1090
64	Габриэль Гарсиа Маркес — Сто лет одиночества	1967	2750	1.19	2298
65	Михаил Булгаков — Белая гвардия	1924	2634	1.97	1333
66	Антон Чехов — Палата № 6	1892	2632	2.40	1095
67	Борис Акунин — Приключения Эраста Фандорина	1998-2009	2561	1.10	2308
68	Патрик Зюскинд — Парфюмер. История одного убийцы	1985	2542	1.00	2529
69	Аркадий и Борис Стругацкие — Пикник на обочине	1972	2540	1.78	1419
70	Александр Пушкин — Повести Белкина	1831	2421	1.97	1227
71	Ярослав Гашек — Похождения бравого солдата Швейка во время мировой войны	1921-1923	2418	2.19	1100
72	Колин Маккалоу — Поющие в терновнике	1977	2409	1.38	1735
73	Эмили Бронте — Грозовой перевал	1847	2359	1.60	1470
74	Александр Беляев — Человек-амфибия	1928	2335	2.10	1108
75	Виктор Гюго — Отверженные	1862	2308	2.07	1114
76	Алексей Толстой — Пётр Первый	1929-1945	2301	2.56	898
77	Александр Пушкин — Сказка о рыбаке и рыбке	1833	2285	2.04	1118
78	Федор Достоевский — Бесы	1870-1872	2269	2.75	823
79	Теодор Драйзер — Американская трагедия	1925	2172	2.03	1066
80	Эдгар По — Рассказы	1833-1849	2157	1.85	1165
81	Джером К. Джером — Трое в лодке, не считая собаки	1889	2142	1.86	1147
82	Аркадий и Борис Стругацкие — Трудно быть богом	1963	2135	1.62	1317
83	Марк Твен — Принц и нищий	1880	2117	2.35	899
84	Станислав Лем — Солярис	1961	2116	1.98	1066
85	Стендаль — Красное и чёрное	1830	2100	1.90	1105
86	Мигель Сервантес — Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский	1615	2078	1.77	1171
87	Владимир Высоцкий — Нерв	1981	2000	2.08	958
88	Жюль Верн — Пятнадцатилетний капитан	1878	1990	2.45	809
89	Иван Бунин — Тёмные аллеи	1938	1969	1.88	1045
90	Эрих Мария Ремарк — Жизнь взаймы	1959/1961	1937	1.99	971
91	Томас Майн Рид — Всадник без головы	1865-1866	1895	2.43	779
92	Борис Пастернак — Доктор Живаго	1945-1955	1881	1.22	1534
93	Аркадий и Борис Стругацкие — Понедельник начинается в субботу	1965	1862	1.45	1279
94	Евгений Шварц — Обыкновенное чудо	1956	1858	2.63	705
95	Александр Куприн — Гранатовый браслет	1910	1851	2.42	764
96	Антон Чехов — Вишневый сад	1903	1850	3.01	613
97	Уильям Шекспир — Король Лир	1605-1606	1819	2.60	698
98	Гавриил Троепольский — Белый Бим Черное Ухо	1971	1809	1.61	1121
99	Виктор Драгунский — Денискины рассказы	1959-1972	1786	1.68	1062
100	Дэниел Киз — Цветы для Элджернона

100 лучших стихотворений

100 лучших фильмов

100 лучших песен

С НОВЫМ ГОДОМ!  Новых впечатлений и новых встреч с прекрасным.

 

AirPano - это некоммерческий проект, специализирующийся на 3D панорамах высокого разрешения, которые снимаются с воздуха. Команда AirPano - группа фотографов-энтузиастов

Сейчас на сайте уже представлено свыше 700 панорам, показывающих с воздуха около 120 известных точек со всех континентов Земли, включая Северный полюс и Антарктиду. По географии съемок, количеству аэрофотопанорам, художественному и техническому качеству материала AirPano является лидером в мире.

К настоящему времени мы провели съемки примерно в 170 точках планеты (большинство панорам уже выставлены на нашем сайте, а часть материала еще ожидает обработки).

Команда AirPano насчитывает 8 человек:

ОЛЕГ ГАПОНЮК - Закончил МИФИ по специальности инженер-математик.

АНДРЕЙ ЗУБЕЦ - Закончил Ленинградский Институт Киноинженеров (правда, он сейчас называется очень сложно: "Санкт-Петербургский государственный университет кино и телевидения".

СЕРГЕЙ СЕМЁНОВ - выучился с отличием на экономиста-международника и даже проработал им 7 лет, благодаря кризису, круто всё поменял: офис - на дом и поездки, костюм - на флиску, кожаный кейс - на фоторюкзак, ноутбук - на компьютер с двумя огромными мониторами, Excel и SAP - на Photoshop.

СЕРГЕЙ РУМЯНЦЕВ- Закончив 2-ой Медицинский институт по специальности Медицинская Кибернетика, попробовав себя на научном поприще и не найдя нужной финансовой базы в сложных "рыночных" условиях сегодняшнего дня, занялся программированием и разработкой вебсайтов. Программирование и привело меня в Новую Зеландию, где началось мое серьезное увлечение пейзажной фотографией...

ДМИТРИЙ МОИСЕЕНКО - выучился в Москве на Биохимика, а впоследствии и на Юриста-Международника.

Переломнным моментом стал просмотр фильма "Каянискацци" режиссера Годфри Реджио с невероятными, потрясающей красоты пейзажами, которые, как тогда думал, были сняты по всему земному шару... Именно тогда было дано себе слово, что он увидит их все лично.

МИХАИЛ РЕЙФМАН - защитил диплом в художественном училище по классу портрета, окончил архитектурный факультет института. В период "перестройки" организовал с партнёрами небольшой полиграфический бизнес, переросший со временем в крупнейшее на Восточной Украине частное полиграфическое предприятие. Потребность в творческом самовыражении, любовь к фотографии и путешествиям "на край света" все же победили, и, выйдя из процветающего бизнеса, мне удалось кардинально изменить свою жизнь.

СТАНИСЛАВ СЕДОВ - С детства мечтал быть летчиком, но стал профессиональным программистом. Детские мечты однажды дали рецидив - я "заболел" радиоуправляемыми моделями. Причем выбрал одно из самых малораспространенных у нас в стране на тот момент и сложных направлений - радиоуправляемые вертолеты.

ИВАН РОСЛЯКОВ - Получил диплом инженера строителя в МГСУ и последующие 8 лет посвятил себя успешному развитию отечественной отрасли теплоснабжения, отопления и вентиляции. Также, ещё в годы студенчества моим страстным увлечением стал сноуборд. Он в свою очередь неизбежно привел в горы

Вот такая разношерстная команда делает потрясающие панорамы. Посмотрите, как страсть и стремление к пректасному и к самовыражению приводит к потрясающему результату!

17-12-2012

Фотографы AirPano Дима Моисеенко и Стас Седов успешно завершили одну из самых сложных съемок. В течение двух дней при сильнейшем морозе -30 градусов и пронизывающем ветре удалось снять извержение вулкана Плоский Толбачик. Несмотря на сложнейшие условия, ребятам удалось не только пролететь над основными лавовыми потоками, но и приблизиться вплотную к кратеру.

Извержение вулкана

 

Римский колизей

Санкт-Петербург

Египетские пирамиды

Эйфелева башня в Париже

Мечети Стамбула

Пизанская башня

Вокруг замка Нойшванштайн

Все панорамы

Еще одно неизвестное у нас имя.
Андре Рю (Andre Rieu) - виртуозный волшебник-скрипач и дирижер из голландского города Маастрихта (Нидерланды), называемый в прессе Королём вальса вслед за Иоганном Штраусом-сыном, считается сегодня одним из самых успешных представителей шоу-бизнесса.

Для начала познакомимся с итальянской музыкой в его исполнении.

А это концерт в Дрездене

И, наконец, знаменитый марш Радецкого в его исполнении.

Не все так однозначно в оценке этого исполнителя. Он начал сравнительно недавно. Основав Маастрихтский салонный оркестр, состоявший буквально из нескольких музыкантов, Рьё выступал с ними в голландских домах престарелых, исполняя венские вальсы. В 1987 г. под руководством Рьё возник Оркестр Иоганна Штрауса, первоначально включавший 12 исполнителей. Эстрадная манера Рьё, включающая разнообразные элементы шоу, вызывает значительную долю критики. Известный певец Томас Квастхофф заметил, в частности, что от игры Рьё «Страдивари переворачивается в гробу».

И еще одно имя связано с Андрю Рье. Это Аким Камара, скрипач, которому было всего тригода, когда он вышел на сцену.

Маленький гений - Akim Camara Аким Камара (родился в 26 сентября 2000 года (12 лет) в Berlin-Mitte) является скрипач кто начал играть в возрасте до двух лет И еще одно имя связано с Андрю Рье. Akim Camara было только два года, когда он получил свою первую скрипку в музыкальной школе Marzahn Hellersdorf в Берлине. В 5 лет он был самым юным студентом музыкального колледжа Ганса Эйслера. Первый свой концерт он давал в возрасте два года (в памперсах). Он еще не мог правильно говорить, но уже знал названия всех оркестровых инструментов. Он начал свои занятия музыкой с двух уроков в неделю по 45 минут. Преподаватели музыкальной школы обратились к знаменитому скрипачу Andre Rieu, который пригласил Акима приехать в Голландию, где они и играли вместе.

ОЖИВШАЯ КАРТА

ГИДРОЛОГИЯ

 

300 занимательных опытов по физике

• Аэродинамика
• Выталкивающая сила жидкости
• Давление воздуха
• Звук
• Инерция
• Капиллярность
• Колебательное движение
• Магнетизм
• Оптика
• Опыты с самодельными приборами
• Реактивное движение
• Сила поверхностного натяжения
• Теплота
• Трение
• Упругость
• Центр тяжести
• Центробежная сила
• Электричество

 

Уравнение Бернулли





Лекция проф.Ципляева об уравнении Бернулли





Определение вязкости жидкости





Лекция проф.Ципляева о движении вязкой жидкости





Уроки из космоса:

МЕХАНИКА:










МИР НЕВЕСОМОСТИ:











Свойства жидкости

20 декабря во Дворце Культуры “Выборгский” мы увидели спектакль Продюсерского центра «Арт-Питер» «Сирано де Бержерак» по одноименной комедии Эдмона Ростана.

В спектакле участвовали:
Сирано де Бержерак - Сергей Безруков, н.а. РФ
Роксана – Елизавета Боярская
Граф де Гиш – Сергей Кошонин, з.а. РФ
Кристиан де Невильет – Андрей Кравчук
Рагно – Сергей Гамов, з.а. РФ
Вальвер – Сергей Сафронов
Ле Бре – Игорь Копылов
Монфлери, Карбон – Александр Черкашин
Брисайль, Гилло – Алексей Васильев
Линьер, капуцин – Сергей Куницкий
Дуэнья, мать Маргарита – Регина Щукина
Лиза, сестра Клара – Наталья Внукова
Фанатка Монфлери, сестра Марта – Наталия Тарыничева
Сант-Аман – Александр Макин
Шапеллен – Максим Меркулов
Мушкетер – Юрий Загребнев
Гвардеец – Роман Грибков
Гижи – Сергей Скоморохов
Жоделе – Александр Синотов

Режиссер-постановщик – Александр Синотов
Режиссер – Сергей Безруков, н.а. РФ


Эдмон Ростан родился в Марселе 1 апреля 1868 года. Его дед был мэром Марселя. Эдмон Ростан достаточно долго и плодотворно работал в литературе, но, как это нередко случается, в историю ее вошел главным образом как автор одной книги - героической комедии об известном в свое время поэте, философе и дуэлянте Сирано де Бержераке. В самом деле: эта пьеса обеспечила ее автору мировую славу и вот уже более 100 лет с успехом идет на сценах театров многих стран. Сирано де Бержерак (1619-1655) – реальная историческая фигура, но, что парадоксально, известность он приобрел как литературный персонаж пьесы Ростана. Имя Сирано стало нарицательным для обозначения истинного гасконца – поэта и дуэлянта. Ростан наделил Сирано невероятно длинным носом, что является для нашего героя серьезным препятствием в любовных делах. Страсти классического любовного треугольника (Сирано – Роксана – Кристиан), дуэли, война, интриги и опасности – всё развивается в спектакле настолько стремительно, что скучать точно не придётся.

В юности я с удовольствием познакомился с Сирано де Бержераком в исполнении артистов Ленинградского театра имени Ленинского комсомола. Потом был фильм по этому спектаклю




В фильме 1983 года Сирано сыграл Георгий Тараторкин .
Мне не нравится в этой роли Тараторкин. Хотя об этой работе писали, что это лучший Сирано. Будем объективными. Вот, что писали о нем критики. «Он не играет уродства (это сделало бы его Сирано более комичным), не играет и безнадежно влюбленного (что обратило бы спектакль в мелодраму). Он играет трагедию человека и художника, одаренного способностью глубоко и тонко чувствовать, глубоко и тонко мыслить. Человека, полного внутреннего достоинства и гордости, во всех отношениях не ординарного, которого, по сути дела, никто не способен оценить», — так писали о нем критики. Очень важно было верно найти внешний облик этого Сирано. Уже вместе, Евлахишвили (режиссер телевизионной версии спектакля) и Тараторкин решили, что Сирано, несмотря на уродливый нос, должен быть красивым человеком. И в этом – особая заслуга гримера Юрия Фомина. Евлахишвили писал потом: «Ставя спектакль, я хотел на ТВ использовать театральную условность. Но в этом смысле у малого экрана очень жесткие критерии. Мы не могли разрешить себе, опираясь на внутреннюю убежденность и эмоциональную игру актера, позволить ему сохранить в Сирано очертания собственного носа, как это сделал Шакуров в Драматическом театре им. К.С. Станиславского. Словесная стихия захватывала театрального зрителя и заставляла додумывать длину этого носа, на который к тому же смотрели с почтительного расстояния. А тот, кто сидит у домашнего экрана, разглядывая поданное крупным планом лицо Бержерака и слушая тирады о необыкновенном носе, усмотрел бы диссонанс. Форму носа надо было искать. А вот найти актрису на роль Роксаны – красавицы, но слепой эгоистки, которая могла столько лет не замечать истинной любви Сирано - оказалось гораздо сложнее. Надо было очень тонко сыграть женщину, которая во имя верности любви могла уйти в монастырь и, любя, не узнавать любимого. После довольно долгих раздумий режиссер остановился на Инне Алениковой — актрисе театра Моссовета. Мне тоже не понравилась Роксана в исполнении Аленниковой. Но смотрите сами.






В театре имени Моссовета Домогаров сыграл Бержерака





Был еще Депардье



Великолепен Жан-Поль Бельмондо

И вот, наконец Сергей Безруков.
Очень хорош!




Почему столь популярен Сирано? Уже более 100 лет он в репертуаре многих театров.

Парижская премьера «Сирано де Бержерака» состоялась в театре «Порт-Сен-Мартен» в декабре 1897 года (в заглавной роли выступил выдающийся актер Бенуа-Констан Коклен-старший (1841–1809)). В январе 1898 года пьеса была издана на родине, и уже в феврале была сыграна российская премьера. Как и другие произведения Ростана, «Сирано» поднялся на подмостки российского театра в качестве бенефисной пьесы. Постановку в театре Литературно-артистического кружка (Суворинском) осуществляли бенефициантка Л.Б. Яворская вместе с переводчицей Т.Л. Щепкиной-Куперник. В 1915 году к героической комедии Ростана обратился крупный режиссер — А.Я. Таиров, но и его спектакль в Камерном театре запомнился публике главным образом благодаря игре исполнителя заглавной роли М.М. Петипа. В качестве бенефисной пьесы «Сирано» преодолел и рубеж русской революции: в 1920 году в спектакле театра б. Корш в роли Сирано выступил сын Петипа Н.М. Радин.

Следующие двадцать лет пьеса не была востребована советской сценой, осваивавшей современную драматургию и классические произведения отдаленных эпох. Интерес к героической комедии Э. Ростана возник на рубеже тридцатых-сороковых годов, в преддверии Великой Отечественной войны.

В 1938 году появился новый перевод В.А. Соловьева. Переводчик стремился сделать текст более мужественным, не боялся сокращений и определенной прозаизации. Его Сирано в духе предвоенного времени был прежде всего солдатом, героем, борцом. Этот перевод усилил героическое, патриотическое звучание пьесы. «Сирано де Бержерак» в новом переводе увидел свет весной 1941 года в Ленинградском театре им. Ленинского Комсомола. Поставил спектакль В.Н. Соловьев, в роли Сирано выступил В.И. Честноков. «Сирано» шел на сцене Ленкома в блокадную осень и зиму. В феврале 1942 года театр был эвакуирован, но В.И. Честноков остался в осажденном городе. Вместе с женой, актрисой Е.В. Аскинази, он создал походный вариант спектакля, а затем «Сирано» был заново поставлен в Театре Краснознаменного Балтийского флота под руководством А.В. Пергамента. История спектакля В.Н. Соловьева оборвалась.

В отличие от соловьевского, спектакль, поставленный Н.П. Охлопковым осенью 1942 года в театре им. Е. Вахтангова, находившемся тогда в эвакуации в Омске, прожил долгие годы и заслужил репутацию одного из самых значительных явлений в сценической истории этой пьесы в нашей стране. (Несмотря на наличие нового русского варианта текста Ростана, режиссер предпочел перевод Т.Л. Щепкиной-Куперник.) В центре спектакля был великолепный актерский дуэт Р.Н. Симонова (Сирано) и Ц.Л. Мансуровой (Роксана). Мощную конкуренцию спектаклю вахтанговцев составила постановка Московского театра им. Ленинского Комсомола (1943 год, перевод В.А. Соловьева). Ее осуществили режиссер С.Г. Бирман и актер И.Н. Берсенев, исполнитель роли Бержерака. Постановки военных лет подарили публике театр-праздник, в котором она так нуждалась.

Владимир Честноков и Иван Берсенев (в ленинградском и московском Ленкоме соответственно) трактовали героя прежде всего как воина; для обоих существенной была ориентация на исторический прототип — поэта-вольнодумца XVII века. Герой вахтанговца Рубена Симонова был скорее созерцателем, мечтателем, одиноким лирическим поэтом — не солдатом. Но, с другой стороны, Симонову импонировали остроумие, насмешничество, шутовство его героя. Не случайно в откликах на такое исполнение роли впервые появляется тема сложного, противоречивого жанра, возникает слово «гротеск». Симоновская трактовка звучала некоторым диссонансом «историческому оптимизму» спектакля.

Версии выдающихся артистов неизбежно что-то высвечивали, а что-то приглушали в герое. Оригинальные, полноценные и непохожие друг на друга интерпретации роли Сирано глубину образа не исчерпывали и не стремились к этому. Существенной оказалась сама возможность столь разных подходов к содержанию «Сирано».

Необходимо подчеркнуть, что спектакли сороковых годов (особенно московские спектакли, продержавшиеся на сцене почти два десятилетия — срок, оказавшийся вполне достаточным для установления новой традиции понимания пьесы) — это важнейший этап и в реальной русской сценической истории пьесы Ростана, и одновременно в ее «теоретической истории». За «Сирано» утвердился статус классической пьесы.

«Осовременивание» Сирано произошло в постановке театра «Современник» 1964 года. Ее авторы О.Н. Ефремов и И.В. Кваша видели вахтанговский и ленкомовский спектакли в школьные годы, и желание создать «Сирано де Бержерака» для своего поколения было для них не только естественным, но и осознанным. На первый план вышло полемическое отталкивание от возникшей традиции. Революционный энтузиазм молодого «Современника» привел к тому, что новый «Сирано» стал действительно новым: в заново сделанном переводе, с новым, совершенно необычным и невозможным в прежних интерпретациях заглавным героем.

Сумрачный Сирано в исполнении Михаила Козакова был сознательно неприятен и персонажам пьесы, и даже зрительному залу — не только огромным уродливым носом, но и своим ожесточением, отчаянием, яростью. Этот герой был масштабен в своей «несимпатичности». Сирано Игоря Кваши был понятнее и человечнее, но проще.В спектакле «Современника» при относительной блеклости основных персонажей — Роксаны (ее играли в очередь Людмила Гурченко и Лилия Толмачева) и Кристиана (в этой роли дебютировал Игорь Васильев) — в спектакле оказались на виду второстепенные. Во-первых, Рагно в исполнении Олега Табакова. Он был заметен и важен потому, что оказался содержательно соотнесен с образом Сирано. Главный герой — «чудак», Дон Кихот. Рагно по сути — тоже чудак, тоже поэт. Только Рагно добрый, а Сирано в этом спектакле — «злой». Вторая выдвинувшаяся фигура и вовсе неожиданна — это Лебре в исполнении Владимира Заманского. В пьесе всего лишь наперсник главного героя, в «Современнике» он оказался существенным персонажем, причем «отрицательным», почти двойником трезвого реалиста де Гиша — Виктора Сергачева.

Благоразумный, здравомыслящий Лебре, уговаривающий Сирано устроиться в жизни, перестать бунтовать, — примета времени. Бороться Сирано приходилось уже не только с врагами, какими бы они ни были: он должен защищаться от друзей и даже от себя. Послевоенный Сирано должен был действовать и отстаивать себя в мирной жизни, продолжать воевать, хотя все его призывают одуматься.
В литературе о театре постановку «Современника» необоснованно считают проходной и малоинтересной. Проанализировав многочисленные отзывы о спектакле, рецензии самых разных критиков, воспоминания участников, Евгения Эдуардовна Тропп в своей диссертации приходит к выводам, не совпадающим с привычной точкой зрения. Это был противоречивый, эклектичный, но весьма содержательный спектакль, обогативший пьесу новыми смыслами, сохранивший ее в российском театре в новом качестве.
Сирано эпохи застоя физически страдал от всеобщего фарисейства, задыхался от невозможности высказаться.
Премьера Сирано де Бержерака Олега Ефремова на сцене МХТ им. Чехова состоялась уже после смерти О.Н. Ефремова, в октябре 2000 года. Ефремовский «Сирано» был задуман как спектакль о любви — не о несчастной или разделенной, даже не платонической, а о любви идеальной.
«Сирано сериальный» трактует о встрече «Сирано де Бержерака» с современной массовой культурой. В основном здесь речь идет о спектакле Театра им. Моссовета (2001 год). Режиссер спектакля Павел Хомский имел опыт постановки пьесы Ростана. Его спектакль 1964 года в Ленинградском театре им. Ленинского Комсомола с П. Гориным и Т. Пилецкой в главных ролях пользовался большим успехом у зрителей и шел полтора десятилетия. Новый вариант, сделанный почти через сорок лет после первого, не базируется ни на острой трактовке, ни на свежем прочтении, он полностью лежит на плечах исполнителя заглавной роли — популярного киноактера Александра Домогарова, полюбившегося публике в сериале «Марш Турецкого». «Сериальный Сирано», таким образом, возвращает пьесу к ее первым годам, когда она ставилась как бенефисная.

С тех пор, как в 1897 году пьеса Эдмона Ростана была впервые сыграна в Париже, Сирано стал одним из излюбленных героев, сыграть которого – мечта любого актера. Потому что история Сирано – это история бесстрашного солдата, готового отдать жизнь за честь друга, за родину, за тех, кого любит. Это история человека потрясающей внутренней свободы, для которого неприемлемо любое преклонение перед сильными мира сего. И, наконец, история Сирано – история большой, жертвенной, трагической любви. Это трагедия человека, который не допускает даже мысли, что он достоин ответного чувства. Потому что, обладая множеством прекрасных качеств, – он пугающе некрасив. Уродливый нос Сирано становится чуть ли не главным его врагом: он готов биться насмерть с каждым, кто косо взглянет на него, доказывая стихом и шпагой, что ум, храбрость и прочие достоинства важнее внешности. Но сам он не верит, что дама его сердца может предпочесть красоту внутреннюю – внешней красоте…

И вот новый проект неизвестной продюсерской компании Арт-Питер. Спектакль Сирано де Бержерак.
В фокусе внимания “Арт-Питера” находятся проблемы, с которыми сталкивается каждый человек, как ребёнок, так и взрослый, в стремлении освоить безграничное пространство мировой культуры.

Создание качественных продуктов в сфере искусства, внедрение инновационных образовательных методик и эффективных образовательных ресурсов является одним из важнейших направлений развития российского общества, способствует распространению нравственных и духовных ценностей, формированию гражданского самосознания и повышению интереса к мировому культурному наследию.
Дети все меньше и меньше читают, что делать, как сохранить культуру?
Об этом интересная беседа произошла недавно.





Продюсерский центр “АРТ ПИТЕР” представил в 2008 году уникальный театральный проект с участием лучших творческих сил Москвы и Санкт-Петербурга - спектакль “Сирано де Бержерак” по пьесе Эдмона Ростана. Главные роли в спектакле - Роксаны и Сирано - исполняет так полюбившийся российской публике актерский дуэт Сергея Безрукова и Лизы Боярской. В остальных ролях заняты известные петербургские актеры.
Темпераментная молодая труппа, заряжающая зал своей мощной энергетикой не оставит равнодушной публику. В то же время классический сюжет, пронзительная история любви главных героев уже не одно столетие производит впечатление на самого широкого зрителя.
Авторы этой версии “Сирано” ставили перед собой задачу создать качественно новое явление в антрепризе, перевести само понятие “антреприза” на более серьезный и глубокий уровень. В связи с чем оригинальность, неоднозначность, а в чем-то даже эпатажность трактовки сочетается в этом спектакле с наличием большого количества музыки, пластических номеров и сценических боев и мультимедийных эффектов. Образ главного героя в исполнении Сергея Безрукова весьма необычен даже в контексте большого количества современных интерпретаций этой пьесы Ростана..
Одна из лучших сцен спектакля - Сцена у балкона в исполнении С.Безрукова и Е.Боярской





После спектакля я стал думать, размышлять - чего же мы ждем от современного театра? Почему не все наши театры выглядят достойно? Зритель ходит в театр в надежде увидеть личность, а личностей очень мало, не только среди артистов, но и среди спортсменов, футболистов. Мне кажется, что большая проблема в том, что им не ноги надо тренировать и не дыхание, а головы надо тренировать, сознание. Среди них очень мало личностей. А ведь только Личность способна повести кого-то за собой. Только Личность может заинтересовать зрителя - арены, стадиона, театра. Все равно это зрелищно, это публично. Этим надо заниматься - развивать Личность. Человек должен понимать, зачем он выходит на сцену, на арену, на стадион, какова цель его появления в этом пространстве, потому что это пространство не просто стадион, сцена или арена – это божественное пространство, это таинственное пространство, откуда человек не может выйти таким, каким он был до этого пространства....

Актер должен понимать сверхзадачу выхода на людей. Что он им несет? Если это понимание войдет в сознание, в головы, тогда изменится и качество. Мне понравились актеры, но серые убогие декорации,костюмы сразу наводят мысли на то что устроители хотят малой ценой получить большой доход. Прежде всего у них в голове прибыль - цены на билеты запредельные - на последнем ряду партера - 1500 рублей!

В Германии случайно открыл для себя новое имя в мире музыки. Чем-то напомнил он мне Элвиса Пресли.

Хельмут Лотти (Helmut Lotti) (настоящее имя Helmut Barthold Johannes Alma Lotigiers) родился 22 октября 1969 года в городе Гент (Бельгия). Популярный у себя на родине в Бельгии, в Германии, Австрии, Швейцарии и других европейских странах, а также в США и Канаде, певец и автор песен.

Любовь к музыке с самых ранних лет мальчику привил его дедушка дирижер Гентской Оперы, который часто брал внука с собой на концерты классической музыки. Кроме классики Хельмут с раннего детства заслушивался пластинками эстрадных певцов-крунеров, а также записями Элвиса Пресли.

В 1989 году Хельмут принял участие в популярном в Бельгии конкурсе молодых талантов "The Sound Mix Show", где занял второе место. Известность пришла к нему практически мгновенно. А за заметное сходство его исполнительской манеры и сценического поведения с Элвисом, его сразу же окрестили "De Nieuwe Elvis" ("Новый Элвис" по-фламандски).

В 1995 году его диски миллионными тиражами расходились по миру. Но у нас он был неизвестен в широких кругах. Он обозначился тем, что в своем "фольклерном " цикле, который он начал с музыки Африки, а затем сделал диск с записями русских народных песен.

Он даже исполнил на Красной площади наш гимн.

По этому поводу Лотти сказал: «Ребенком, я смотрел церемонии награждения на олимпийских играх с изумлением. Иногда казалось, что русские выигрывали все подряд. В результате, я часто слышал их гимн. И чем больше я его слушал, тем больше медалей им должно было доставаться, по моему мнению. Потому что от их государственного гимна у меня мурашки по коже бегали, каждый раз, и я всегда делал звук погромче. Исполнять этот гимн самому — это громадная, почти неописуемая честь для меня.»

 

Но я его не знал. Голос у него чистый, приятный, но без большого числа обертонов.

И нельзя не упомянуть, что благодаря Лотти мы обязаны появлением юного дарования Михаэля Джуниора, который в свои 12 лет покорил весь мир.

Майкл Джуниор (Michael Junior Verschuere) родился 21 Апреля 1986 в небольшом городке Eernegem около Bruges (Бельгия). У него 6 родных сестер и 1 брат. Он начинает петь уже в возрасте трех лет. Mario Lanza, Elvis Presley и знаменитый соотечественник Майкла - бельгийская супер-звезда Helmut Lotti (певец известный всему миру, кроме стран СНГ))), служат ему примером. Уникальный вокальный талант Майкл унаследовал от своей бабушки, которая в прошлом была оперной певицей. Мы изучили все доступные нам сведения о Майкле, и пока не нашли упоминания о том, что он обучался пению в музыкальной школе, или других специализированых учебных заведениях. Похоже, это редкий самородок. Первым учителем его была бабушка, а потом мальчишка сам учился петь под магнитофон!Поверить в это сложно, потому что его пение - высокопрофессионально. Вот так он и тренировался петь под своих кумиров, а потом произошло обыкновенное чудо…

В марте 1998 Майкл уговорил родителей повести его на концерт Хельмута Лотти. После концерта он бежит за кулисы и просит автограф у менеджера Лотти - Piet Roelen. С беспечной природой двенадцатилетнего ребёнка он успел пропеть Роэлену фрагменты хитов из репертуара Лотти. Piet Roelen был изумлен и поражен чистым и даже немного взрослым сопрано паренька и сразу увидел его исключительный талант.

Немедленно ведёт Майкла в гримерную к Лотти. Талант, уверенность и непосредственность юнного певца поразили Лотти и всех присутствующих. Так, 9 Марта 1998 в Казино Oostende (Бельгия), началась волшебная карьера Майкла. Уже через два месяца Майкл дебютирует на сцене оперного театра Gent и поет вместе со своим знаменитым новым другом Хельмутом Лотти

Хельмут Лотти и продюссер Piet Roelen зарабатывают на ребёнке бешенные деньги… Майкл искренне верит в дружбу Лотти, Роэлена. Но в 2001 году, после выступления в Казино в Oostende (где 3 года назад состоялся вокальный дебют Майкла), он исчезает со сцены более чем на пол-года. Причина - ранняя ломка голоса…Никто не предполагал, что это произойдет сейчас, изменение голоса ожидалось только годом позже.

Майкл обретает новый голос - сильный приятный баритон. Исчезла детская звонкость, но на смену ей пришел тёплый бархатный оттенок. Он выходит на сцену с новыми песнями, меняет смокинг на кожанную куртку и удивляет аудиторию красивым и пленительным итальянским репертуаром!Реальное восхищение и удивление вызывает его новый голос. Каждая песня сопровождается овацией стоя.

Роэлен и Лотти везут Майкла в новое турне, но после турне они расторгают договор. Лотти, слегка испугался конкуренции со стороны Майкла). В последнем их совместном туре Майкла принимали не хуже, а иногда и лучше Лотти, ростом он почти догнал своего старшего коллегу, а обаяние и молодость действовали неотразимо, особенно на женские сердца. «Золотой » мальчик перестал быть драгоценной оправой. Он стал сам превращаться в бриллиант. Это в планы его «друзей » Майкла не входило…

Майкл меняет продюссера. Эта смена становится крайне неудачной. В следствии полной бездарности менеджеров, Майкл раскрутки не получает, рвутся связи с Северной Америкой, и через какое-то время родители Майкла всерьёз задумываются над тем, что сыну нужно для страховки дать какое-то практически полезное образование…Мечты терпят крах. Годы упорного труда и…тупик. Три года Майкл учится в колледже на экономиста. Как он пережил это время, что творилось у него в душе… По настоянию родителей он получает это образование. Обретение себя

Но Майкл не был бы самим собой, если бы сдался. Он был рожден, чтобы петь. Он столько сделал для этого, и… стать бухгалтером??? Офисным планктоном??????? Точных сведений у нас нет, но похоже, что Майкл опять меняет продюссеров. И вскоре садится за запись нового альбома. Он больше не будет мириться с выбором родителей. Он должен вернуться на сцену. Туда, где он был по-настоящему счастлив. В конце 2008 года выходит новый альбом Майкла Джуниора «For Life». История певца Michael Jr. сейчас начинается снова.

Очаровательный, молодой, повзрослевший, талантливый, но он пропал из поля зрения. И где он сейчас?

Вот такова судьба вундеркинда. Говорят, что он иногда поет в ресторанах, но звезда его закатилась. Остался только сайт фанов, Микаэля Джуниора, созданный в 2005 году.

А здесь вы найдете хорошую подборку хитов Майкла Джкниора. Звезды зажигаются и гаснут внезапно.

И больше Майкл и Лотти не выступают вместе.

И закончим наш рассказ исполнением Хельмутом Лотти песни Подмосковные вечера. Почему он не известен в России?

С РОЖДЕСТВОМ поздравляют Хельмут Лотти и Сара Брайтман.

По пути из аэропорта во Франкфурте в Бонн мы остановились в Кельне, чтобы посмотреть Кельнский собор, который многие называют одним из чудес света. А потом мы гостили у наших друзей в Эссене два дня. Поделюсь с вами своими впечатлениями от краткого визита.

Кельн

Построенный в честь святого Петра и Марии, Кельнский собор является резиденцией католического архиепископа Кельна.

В XIII столетии перед горожанами Кёльна, одного из самых богатых и могущественных городов Священной Римской (Германской) империи, встала задача сооружения нового городского кафедрального собора. Кёльн переживал в ту пору свой расцвет, и, по замыслу отцов города, масштабы нового собора должны были затмить все остальные храмы.

Были и другие обстоятельства, вызвавшие к жизни этот замысел. Кёльнский архиепископ Рейнальд фон Дассель, канцлер и военачальник императора Фридриха Барбароссы, получил в дар от императора останки Трех волхвов, или Трех царей, — Каспара, Мельхиора и Бальтазара, пришедших к Младенцу Христу на свет Вифлеемской звезды. Так император отблагодарил владыку за военную помощь при покорении Милана во время Второго итальянского похода.

Внутренний и внешний вид собора можно охарактеризовать, как суровое величие, пропитанное и передающее дух средневековья.

Останки Трех волхвов ранее хранились в одном из миланских монастырей, привезенные туда крестоносцами. В 1164 году Рейнальд фон Дассель торжественно доставил эти реликвии в Кёльн. Для их хранения кёльнские мастера в течение десяти лет изготавливали саркофаг из серебра, золота и драгоценных камней — знаменитую Раку Трех Царей, ставшую одной из самых драгоценных святынь христианства. Благодаря обретению этих реликвий Кёльн становился важным религиозным центром христианства, и его высокий ранг требовал воплощения в здании нового монументального собора.

15 августа 1248 года архиепископ Кёльна Конрад фон Хохштаден заложил первый камень в основание Кёльнского собора, положив тем самым начало самому затянувшемуся европейскому «долгострою», — окончательно собор был завершен только в 1880 году. Впрочем, работы в соборе не прекращались никогда и продолжаются до сих пор. Уже в первые годы его создания Кёльнский собор считали чудом готической архитектуры. Но через сто лет после закладки первого камня строительство собора было прервано в связи с начавшейся Реформацией.

«Не будет достроен Кёльнский собор!» — с горечью восклицал Гёте в своей поэме «Германия». Но поэт ошибался: строительство собора возобновилось и было завершено 15 октября 1880 года, через... шестьсот тридцать два года и два месяца после своего начала!

На рубеже XVIII—XIX веков, на волне модного тогда романтизма, в Европе возобладал интерес к готике. Появился даже новый архитектурный стиль — неоготика, образцы которого проникли и в Россию. В Германии все чаще стали раздаваться голоса, призывающие завершить грандиозную постройку — гордость немецкой архитектуры. Но, конечно, решающую роль в завершении Кёльнского собора сыграл рост политического и экономического могущества Пруссии, на волне которого в 1871 году произошло объединение всех германских государств в единую Германскую империю.

15 октября 1880 года в присутствии германского императора Вильгельма I состоялись торжества по случаю завершения постройки.

«Как описать собор? С чего начать? — писал журналист В.А. Бобров.Кёльнский собор поражает своим величием, монументальностью и одновременно легкостью и изяществом. Насколько я знаю, это сочетание и называется в архитектуре гениальностью. Есть музыка звуков. Есть музыка красок. Здесь — музыка линий. Ее нельзя услышать»

Грандиозность пространства ощущается не только благодаря внушительным размерам, но и вследствие нарочитого перепада высот: средний неф в два с половиной раза выше боковых, на разных уровнях расположены неф и хор. Сквозь великолепные витражи в храм льется дневной свет, окрашенный в разные оттенки цветным стеклом витражей.

За высоким алтарем возвышается золотой, щедро украшенный драгоценными камнями саркофаг — знаменитая Рака Трех Царей: Каспара, Мельхиора и Бальтазара. Две тысячи лет назад эти три царя-волхва, ведомые Вифлеемской звездой, пришли в Вифлеем, где в яслях на сене лежал новорожденный Младенец, Царь Царей, Искупитель мира — Иисус Христос. «Увидев же звезду, они возрадовались радостью весьма великою и, войдя в дом, увидели Младенца с Мариею, матерью Его, и, пав, поклонились Ему; и, открыв сокровища свои, принесли Ему дары: золото, ладан и смирну» (Мф. 2: 11).

Эту сцену, запечатленную на знаменитом престольном образе «Поклонение волхвов» Стефаном Лохнером в 1440 году, можно сегодня видеть в Кёльнском соборе в Мариенкапелле — капелле Девы Марии. А короны трех царей-волхвов изображены в гербе города Кёльна. Их обрамляют одиннадцать языков пламени, символизирующие одиннадцать тысяч избитых царем Иродом младенцев.

Лохнер был главным живописцем Кельна. Он жил с 1400 до 1452 год. И это произведение было главным в его творчестве. В Кельнской художественной галерее хранится его картина Страшный суд, которая созвучна с фреской Микельанджело в Сикстинской капелле.

В Новом Завете картина Судного дня и Страшного суда описывается следующим образом.

Ангелы при кончине века соберут избранных от четырёх ветров от края небес до края их (Мф.24:31), а также соберут из царства Его все соблазны и делающих беззаконие (Мф.13:41) и отделят злых из среды праведных (Мф.13:49. По учению апостольскому, «всем нам должно явиться пред судилище Христово» (2Кор.5:10), «все мы предстанем на суд Христов» (Рим.14:10). Бог через Иисуса Христа будет судить иудеев и язычников (Рим.2:9), живых и мёртвых (Деян.10:42; 2Тим.4:1), то есть имеющих воскреснуть из мертвых и тех, которые останутся до воскресения в живых, но, подобно воскресшим, изменятся (1Кор.15:51-52), а также, кроме людей, и злых ангелов (Иуд.6; 2Пет.2:4). Судимы будут не только дела людей, как добрые, так и злые (Мф.25:35-36, 2Кор.5:10), но и всякое праздное их слово (Мф.12:36). Праведным Судия скажет: «приидите благословеннии Отца Моего, наследуйте уготованное вам царствие от сложения мира» (Мф.25:34), грешные же услышат такой приговор: «идите от Мене проклятии во огнь вечный, уготованный диаволу и ангелам его» (Мф.25:41). Существует мнение, что судимы будут не только слова и дела людей, но и их внутренние помышления и намерения («слово Божие… судит помышления и намерения сердечные» (Евр.4:12)). На этом мнении основано учение православной аскетики о мысленной брани — когда нетерпимым и подлежащим безусловному искоренению считается любой греховный помысел.

Страшный суд Стефана Лохнера

Собор, конечно, потрясает каждого, кто выходит из железнодорожного вокзала Кельна. В Кельне мы больше нигде и не были, проведя в соборе более 2 часов. Мы посетили также сокровищницу собора, которая разместилась в подвалах. Ее открыли в 2000 году. Сокровищница, самая большая в Европе. Здесь представлены ценные реликвии: предметы и одеяния для богослужений, символы и регалии архиепископов IV-XX в.в., более 200 рак, средневековые скульптуры, погребальные дары франков, ювелирные изделия, такие как кресты, кубки, жезлы. К числу самых ценных экспонатов относятся цепи и посох Святого Петра.

Впечатляют также витражи в соборе.

Эссен

.В прошлом Эссен – один из угольных центров Рурского района Германии, в настоящее время этот город – одно из немногих мест Германии, откуда делается «большой немецкий бизнес»: одиннадцать из ста сильнейших концернов Германии, в том числе «Крупп» и «Рургаз», управляются именно отсюда. Кроме того, Эссен – крупный выставочный центр. Более ста дней в году здесь проводятся всевозможные выставки и ярмарки.

Это офис концерна Рургаз.

Более тысячи лет назад на месте современного Эссена, название которого со старонемецкого переводится как «ясень», располагалось пять деревушек кузнецов, а потому местечко получило имя Астниде – «кузнечная печь». Здесь был основан женский монастырь, а позже появился купеческий поселок. Городская стена была возведена в 1240 году.

 

В 980 году было создано первое скульптурное изображение Мадонны, выполненное на севере Европы, — «Золотая мадонна из Эссена».

Уголь здесь добывали еще в 14-м веке, но развитие угольнодобывающая промышленность Германии получила в 19-м веке. Последняя шахта Эссена была закрыта в 1986 году.

Большой вклад в развитие экономики города внесла династия Круппов. Основатель империи Арндт Крупп заработал свой первый капитал не на чем-нибудь - на конце света!

...За год до начала нового, семнадцатого века в городок Эссен пришла чума. Жители в ужасе шарахались от мрачных фигур в черных балахонах - монотонно стуча в колотушки, чумные отряды собирали ежедневную жатву Смерти. Город наводнили бродячие проповедники. "Покайтесь! - кричали они. - Конец света близок! Разве вы не видите - сбываются все Божьи пророчества? Бросайте все, искупите свои грехи перед Господом!" День за днем по улицам Эссена брели в никуда толпы оцепеневших от страха людей. Горожане покидали свои дома, закрывали лавки и уходили в поля, монастыри - молиться о спасении душ. И только Арндт Крупп, мелкий эссенский ростовщик, не верящий ни в Бога, ни в черта, с утра до вечера носился по городу, скупая за бесценок дома, амбары и утварь: кому нужна эта рухлядь, если скоро все кончится? По правде сказать, в глубине души он тоже побаивался конца света, но рассудил так: если уж суждено умереть - так пусть я умру богатым. Если же уцелею - богатыми станут мои дети.

Минул канун страшного 1б00 года, а конец света все не наступал. Потихоньку жители возвращались обратно и первым делом шли к Арндту - выкупать свои родовые гнезда, но уже втридорога. Мнимый конец света принес оборотистому ростовщику столько денег, что их хватило еще пяти поколениям Круппов. Потомки вложили деньги в маленькую фабрику скобяных изделий, прикупили земель, пару угольных шахт и жили вполне безбедно - до тех пор пока на свет не появился Фридрих Крупп, отец Короля пушек.

Большую статью о династии Круппов можете прочитать здесь

Это здание театра

Фонтан зимой у здания театра - это круто!

В парке Эссена

Мы посетили также в Эссене Музей Фолькванг (искусство IX–XX вв.) и плаката. Музей Фольксванг был основан в Эссене 1922 году. Сегодня это один из ведущих немецких музеев современного искусства.

В экспозиции представлены произведения живописи и скульптуры различных направлений, в том числе классицизма, импрессионизма, сюрреализма, экспрессионизма, абстракционизма. В коллекции находятся произведения искусства таких мастеров, как Ван Гог, Гоген, Клод Моне, Ренуар, Эдуард Мане.

Весьма интересна эта картина Марка (March).

Еще один художник, чье творчестово неизвестно в России привлек наше внимание. Это Эмиль Нольде. Художник Эмиль Нольде (настоящая фамилия Хансен) родился в1867 году на германско-датской границе, близ деревни Нольде (название деревни стало его творческим псевдонимом), на ферме своей матери.

Диапазон этого художника довольно узок – цветы, фантастические морские пейзажи, библейские сцены. Но дело не в том что он рисовал, а в том как он это делал. Он воспринимал природу не как красивый антураж человеческого быта, а как одушевленное существо, живущее своей жизнью, не зависимой от человека и безразличной к нему. В пейзажах Нольде безлюдная природа то расцветает невиданно яркими красками весны, то замирает под покровом серого снега, то, как сорвавшийся с цепи зверь, рычит разбивающимися о скалы тысячепудовыми волнами океана, кровоточит багровостью заката, то сверкает жёлтым золотом под потоком солнечных лучей. Художник говорил: "Я очень хочу, чтобы краски в моих картинах сами собой изливались через меня, художника, ... как будто сама природа творит свои картины, подобно тому, как самообразуются кристаллы и руда, как вырастают водоросли и мхи, как расцветают цветы под лучами солнца."

Сад цветов, называется эта картина Нольде

Еще один неизвестный нам художник обратил на себя наше внимание. Это Эдвард Мунк. Норвежский художник Эдвард Мунк плохо известен в России, хотя на Западе его считают классиком на уровне Сезанна или Ван Гога. Почему его у нас не знают? Видимо, потому что он не француз, а еще, потому что пик его известности в Европе пришелся на советский период, а для советской власти он был слишком мрачен. А сейчас не знают просто по инерции, как говориться, проехали. Давайте посмотрим некоторые работы Мунка, которые приехали в Эссен на выставку импрессионистов.

Ночь

Самая известная его картина "Крик"

Это Эдвард Мунк. Картина называется "Совершеннолетие"

 

Ну и, конечно, Анри Матисс. Хотя он нам и известен, но привлекает взгляд по-прежнему.

Натюрморт с цветами

Игра с шарами

К концу 1900-х годов Матисс выработал новое понимание роли искусства в современном мире. Мастер верил, что задача современной живописи – создавать усталому, духовно истощённому зрителю гармоничное окружение, отвлекать его от забот и беспокойств современного мира и помогать расслабиться. Матисс ценил идеалы единения человека и природы, его привлекали сплав инстинкта и разума, присутствующего в архаичных культурах.
Матисс добивался чистоты чувств, характерных для детского рисунка или примитивного искусства.

А еще были работы Василия Кандинского, Явленского, Веревкиной.

В кафе музея, где мы пили кофе, один немец, услышав, что мы говорим по-русски, обратился к нам по-английски и сказал, что Кандинский - самый выдающийся художник начала 20 века. Мы с ним согласились и поговорили о Мюнхенской выставке "Синий всадник", которую мы видели в Вене. Цветовая палитра у Кандинского самая яркая.

В беседе мы пришли к выводу,что все эти художники выбирали совершенно оригинальный творческий путь: переосмысление отношений между искусством и природой в своих картинах, они представили живописное пространство через взаимодействие цветов.

Посмотрите еще несколько работ Кандинского и Явленского, а если интересно, то можете посмотреть мое давнее эссе о выставке в Вене, которую мы видели в прошлом году.

Это Василий Кандинский

Это тоже Кандинский

А это работа Явленского называется "Начинающаяся буря"

Художники-экспрессионисты всегда испытывали отвращение к гармонии, душевной и умственной ясности, спокойной строгости формы. Двухслойность — характерная черта искусства экспрессионистов. С одной стороны, они тяготеют к зыбкому, неустойчивому, с другой — допускают нарочитую грубость. В них всегда есть эмоциональный подтекст. Экспрессионисты любят гротеск, внешнюю изломанность формы, открытую, взвинченную эмоциональность. В Эссене мы приобщились к противоречивому, пронизанному анархическим бунтарством и мистикой, ориентированному на постижение высокого духовного смысла искусству экспрессионистов. Полезно иногда взвинчивать свой эмоциональный накал.

Мы еще посмотрели в Эссене здание Старой синагоги.

Эта синагога была построена в 1913 году. Попытка уничтожить синагогу была предпринята нацистами. В 1938 году они подожгли здание. Несмотря на то, что интерьер и хранившиеся внутри книги были уничтожены, само здание пострадало мало. Возникший план по взрыву здания не был осуществлен по той причине, что взрывом задело бы окружающие дома. Не получила серьезных повреждений синагога и в годы Второй мировой войны. Даже сейчас 70-метровое здание с куполом высотой в 37 метров внушает чувство уверенности и покоя. После войны Старая синагога была превращена в музей. Выставка внутри здания повествует об истории евреев города Эссена, их культуре и быте.

 

Это тора в чехле, расшитом золотом, выставлена в музее.

Тора буквально означает «учение, закон»

Вот таким было наше путешествие в Кельн и Эссен

Сегодня, 11 декабря 2012 года умерла великая Галина Павловна Вишневская.

25 октября 2011 года я сделал в своем дневнике в день ее 85-летия памятную запись. Уместно сегодня вновь вспомнить о ней.

Галина Павловна, урождённая Иванова, родилась в Ленинграде, но почти всё детство провела в Кронштадте. Перенесла Ленинградскую блокаду, в возрасте шестнадцати лет служила в частях ПВО.

Имея от природы поставленный голос, в 1944 году поступила в Ленинградский областной театр оперетты в хор, затем стала исполнять сольные партии. В первом браке была замужем за военным моряком Георгием Вишневским, с которым развелась через два месяца, но сохранила его фамилию; во втором браке — с директором театра оперетты Марком Ильичом Рубиным.

С 1951 по 1952 год, уйдя из театра оперетты, Вишневская брала уроки пения у В. Н. Гариной, чередуя занятия классическим вокалом с выступлениями в качестве эстрадной певицы. В 1952 году приняла участие в конкурсе в стажерскую группу Большого театра, была принята, несмотря на отсутствие консерваторского образования, и вскоре (по образному выражению Б. А. Покровского) стала «козырной картой в колоде Большого театра», ведущей солисткой главного оперного театра страны, где исполнила более чем 30 партий, среди, которых — Татьяна в «Евгении Онегине» и Лиза в «Пиковой даме» П. И. Чайковского; Купава в «Снегурочке» Н. А. Римского-Корсакова; Донна Анна в «Каменном госте» А. С. Даргомыжского; Аида в одноимённой опере Дж. Верди (в этой партии в 1962 дебютировала в театре «Ковент-Гарден», Лондон, выступала в «Метрополитен-Опера», Нью-Йорк); «Тоска» и «Мадам Баттерфляй» Дж. Пуччини.

В 1955, спустя неделю после знакомства, вышла замуж в третий раз за знаменитого виолончелиста М. Л. Ростроповича, в ансамбле с которым (М. Л. Ростропович — сначала в качестве пианиста, а впоследствии и дирижёра) выступала на самых престижных концертных площадках мира.

 

Режиссер Большого театра Б.А. Покровский пишет:

"Слияние таланта с любимым трудом делало карьеру Вишневской в театре искрометной и естественной.

У каждого таланта есть свои опасности. Творчеству Вишневской часто мешала легкая, быстро ударяющая подражательность, снова хамелеонство! Отсюда разное качество ролей: а) созданные роли, б) исполненные роли. Одни — ее открытия, часто уникальные для себя и для нас, другие — хорошо, мастерски исполненные, приносящие шумный успех у привыкших к определенному стандарту меломанов.

К первым принадлежит Купава, которую актриса никогда раньше на сцене не видала. Здесь она участвовала в подготовке нового спектакля, а для настоящих артистов это намного предпочтительнее, чем ввод в уже готовый, давно идущий. Это было сжигающее всех любвеобилие. Фиделио — новое, совершенно не похожее на немецкую традицию создание. Катарина в опере В. Шебалина «Укрощение строптивой» была новостью, ибо она была не столько строптивая, сколько умная и честная! Полина (опера С. Прокофьева «Игрок») — мятущаяся гордячка, заблудившаяся в обстоятельствах любви и чести. Катерина Измайлова (в кино) — женская тайна, недоступная даже для нее самой. Наташа Ростова — неизведанный мир радостей и разочарований. Все заново.

Но вот Виолетта, Баттерфляй, Марфа, Маргарита были хорошими, но уже прочитанными книгами. Даже ее знаменитая Аида иногда грешила предрасположением к принятому штампу. В этих ролях она имела большой успех и с удовольствием хамелеонствовала в принятых «звездами» условиях. Здесь предлагаемые обстоятельства: «Я — знаменитая артистка!» — рождали неизменный восторг зрителей.

Г.П. Вишневская сполна ощущала разницу между созданием долгой и кропотливой работой своего образа и высокого сорта штампом в известном, проверенном, наверняка приносящем успех репертуаре".

Анна Ахматова написала стихотворение "Слушая пение..." 19 декабря 1961 в больнице им.Ленина в Ленинграде, слушая исполнение Г.Вишневской «Бразильскую баховиану».
* * *
Женский голос, как ветер, несется,
Черным кажется, влажным, ночным,
И чего на лету ни коснется —
Все становится сразу иным.
Заливает алмазным сияньем,
Где-то что-то на миг серебрит
И загадочным одеяньем
Небывалых шелков шелестит.
И такая могучая сила
Зачарованный голос влечет,
Будто там впереди не могила,
А таинственной лестницы взлет.

 

И мне хочется поделиться с вами моими воспоминаниями о Галине Вишневской, вернее воспоминаниями моей мамы. Она тогда работала учительницей математики в 3 образцовой школе г.Кронштадта. Теперь это 425 школа им. академика П.Л.Капицы.

Мама дружила с учителем пения Иваном Игнатьевичем Орлом и его женой. Она говорила, что именно Иван Игнатьевич открыл певческий талант Гали Ивановой. И когда вышла книга Вишневской "Галина", моя мама беря в руки эту книгу сказала - Ну неужели она не упомянула в книге об Иване Игнатьевиче? И успокоилась, что ему Галина Павловна посвятила несколько страниц. Вишневская пишет:

"

Вот в этой школе я и встретилась с моим первым учителем пения, Иваном Игнатьевичем, совершенно одержимым любовью к своему предмету. Именно по призванию своему он был педагогом, а не по необходимости, как часто случается — что несостоявшаяся карьера певца или пианиста приводит в школу на преподавательскую работу, где человек просто «тянет лямку», отбарабанивая на рояле в положенные часы примитивнейшие мелодии или разучивая с ребятами массовые песни типа:

Конечно, и Иван Игнатьевич обязан был выполнять план и программу отдела народного образования, состоявшую сплошь из подобных «шедевров», но уж зато в школьных концертах он имел возможность отвести душу.

На первом же хоровом уроке он заметил меня, услышал.

— Новенькая девочка, останься после урока в классе.

Я осталась.

— Ты из какой школы к нам поступила?

— Из восьмой.

— В самодеятельности выступала?

— Выступала.

— А что пела?

— Песни пела.

— Какие?

Я запела:

— А еще что?

— Еще?

Я еще громче:

— Так, прекрасно. А теперь спой гамму.

— Чего? (Я впервые слышала это слово.)

— Я буду играть на рояле, а ты за мною повторяй. Сможешь?

— Смогу.

Пою за ним, стараюсь, и так мне нравится!

— Хочешь в следующем концерте на праздник 1 Мая в школе петь?

— Конечно, хочу. А что петь?

— Ты дома поешь?

— Всегда пою.

— Что, например?

— «Очи черные» или «Что наша жизнь? — Игра!». Спеть?

Он хохочет:

— Нет, пока это не нужно. Мы с тобой сейчас начнем учить «Весеннюю песенку».

Я ее тут же выучила — память у меня была всегда блестящая. Помню и сейчас ее прелестный мотив и слова:

Какие еще там фиалки, кукушки, когда у нас во дворе дядя Вася целый день похабные частушки поет? Странно мне такие песни петь, но и сладостно: так все бесхитростно и безмятежно.

На следующем концерте я пела уже дуэтом с девочкой «Баркаролу» — ее я тоже помню:

Чудится теплая ночь, слышу шепот моря… Я пою соло:

а сердце мое наполняется такой истомой!..

Она — соло, низким голосом мне вторит:

И опять вместе:

и т. д. — всего три куплета.

Впервые я почувствовала красоту слияния голосов — хотелось, чтобы никогда это не кончалось. Иван Игнатьевич нам аккомпанировал и совершенно растворялся в блаженстве. Этот дуэт мы пели на детской олимпиаде, и я получила в награду клавир оперы Римского-Корсакова «Снегурочка»."

Вот портрет Ивана Игнатьевича Орел.

 

Иван Игнатьевич Орел - первый учитель Галины Павловны Вишневской

Он был учеником Танеева, прекрасно играл на рояле и пел
Иван Игнатьевич в 1957 году создал в Кронштадте музыкальную школу.

Хор детской музыкальной школы г.  Кронштадта.
Дирижирует хором И.И.Орел. Самый высокий слева - это я.

А это школа № 425

И еще мне хотелось бы вспомнить вместе с вами один странный фильм "Александра" Александра Сокурова, который он показал нам в 2007 году. Фильм о том, как бабушка приехала проведать внука в Чечню… В главной роли – великая оперная певица Галина Вишневская. Она чужая в этом царстве молодых и сильных мужчин, но Александра приехала сюда не просто на свидание. Бабушку волнует не только собственный внук, молодой офицер, живущий только войной. Александра пытается понять этот "раненый" город, людей в нём. Её чувства – гораздо сильнее пушек и танков. Надежда и вера, про которые все окружающие уже успели забыть. Она не может изменить мир, но может излечить души людей, вернуть их к жизни и подарить хоть каплю доброты и сострадания. Ко всем. Таким близким и таким чужим, но всё же... людям.

 

Посмотрите документальный фильм о Ростраповиче и Вишневской. Речь в фильме идет о людях, чей путь, увенчанный лаврами — их перечисление в титрах фильма длится несколько минут, — близится к финишу. Жизненная энергия и мощный творческий ресурс этих людей, сохранивших и в преклонные годы интерес к окружающему миру, любовь к искусству, режиссер открывает как составляющие артистической профессии и таланта.

МИР ВСЕГДА БУДЕТ ПОМНИТЬ О ВАС, ДОРОГАЯ ГАЛИНА ПАВЛОВНА!  

Мы из Кронштадта!