Рихард Вагнер был бы и тогда великим гением, если бы не написал ни одной ноты.
Марсель Прэви

Вчера открыл для себя оперу Р.Вагнера "Нюрнбергские мейстерзингеры", которую передавали по каналу Mezzo.

Эту гениальную музыку когда-то я слушал в исполнении оркестра Евгения Мравинского.

Именно эту увертюру очень любил А.Гитлер, который был поклонником творчества Р.Вагнера.

На фото слева А.Гитлер присутствует в Мюнхенской опере на представлении "Мейстерзингеров".

Творчество Вагнера и его мировоззрение произвели глубокое впечатление на Гитлера. Многое из литературного и философского наследия композитора находило отклик в представлениях Гитлера о великом предназначении немецкой нации, призванной править миром.
     Немцы, говорил Вагнер, предназначены для великой миссии, о которой другие народы не имеют представления. Миссия Германии состоит в том, чтобы избавить мир от материалистической цивилизации французов. Это не строго "национальная миссия", а скорее вселенская: весь мир, а не только одна Германия, должен быть избавлен от подобного материалистического влияния. Эта цель должна быть достигнута с помощью национальных средств... Лучи германской свободы и германской доброты принесут свет и тепло и французам, и казакам, и бушменам, и китайцам.

Для Гитлера и нацистских идеологов Вагнер являлся истинным героем. Его музыкальное и литературное творчество представлялось им наиболее выразительным проявлением великогерманского национального духа. Гитлер считал Вагнера своим духовным учителем: "На каждом этапе моей жизни я возвращался к Вагнеру". Близость взглядов Гитлера и Вагнера хорошо видна, если сопоставить некоторые их высказывания:
    

Вагнер: В государстве общество обязано жертвовать частью собственного эгоизма ради благополучия большинства. Непосредственной целью государства является стабильность, достижение спокойствия.
     Гитлер: Государство - лишь средство достижения конечного. Его высочайшей целью является забота о достижении тех первобытных расовых элементов, которые создадут красоту и достоинство более высокой цивилизации.

Вагнер: Народ составляют те, кто думает инстинктивно. Народ ведет себя бессознательно и на этом основании природно-инстинктивно.
       Гитлер: Мертвый механизм [старого государства] должен быть заменен живым организмом на основе стадного инстинкта, возникающего, когда все становятся одной крови.

Вагнер: Мы должны сейчас найти героя будущего, который восстанет против разрушения собственной расы. Барбаросса-Зигфрид скоро вернутся, чтобы спасти германский народ в минуту глубочайшей нужды.
        Гитлер: Никто не должен забывать: большинство никогда не заменит вождя. Оно [большинство] не только глупо, но и трусливо. Не найти ни одного умного среди сотни дураков, и героическое решение не примет сотня трусов.

Вагнер: Еврей - это гибкий демон упадка человечества.
          Гитлер: Евреи - это паразиты на теле нашего народа; они создают государства в государстве.

Вагнер: Демократия - это вообще не немецкое, а откуда-то заимствованное понятие. Франко-иудейско-немецкая демократия - омерзительная вещь.
          Гитлер: Демократия - это власть сумасшедших.

Итак, для начала поговорим о Рихарде Вагнере. Я когда-то написал эссе о Рихарде Вагнере, а потому не буду повторяться. Напомню лишь несколько строк из его биографии.

Вильгельм Рихард Вагнер родился 22 мая 1813 года в Лейпциге, девятым ребенком супругов Фридриха и Иоганны Розины Вагнеров. Мальчика крестили в Томаскирхе г. Лейпцига, в которой раньше был кантором И. С. Бах. Фридрих Вагнер, отец будущего композитора, служивший в полиции, скончался через пять месяцев. Летом следующего года мать Рихарда Иоганна снова вышла замуж за художника и актера Людвига Гайера, который заменил мальчику отца, и переехала вместе с детьми к мужу в Дрезден. В 1821 году Гайер внезапно скончался, и семья снова вернулась в Дрезден, где Рихард под фамилией Гайер стал учеником Кройц-школы и некоторое время брал уроки игры на фортепиано. В это время Рихард увлекался античной Грецией, переводил песни «Одиссеи», писал эпическую поэму «Битва на Парнасе» и всерьез собирался стать писателем.В 1827 году семья снова вернулась в Лейпциг, где Рихард поступил в Николайшуле и стал носить фамилию Вагнер. Он брал уроки по гармонии у Кристиана Готтлиба Мюллера, а летом 1829 года написал свои первые сонаты и струнный квартет. В это время Рихард переписывал партитуры произведений Бетховена и вскоре познакомился с Робертом Шуманом. Через два года он написал «Семь композиций к «Фаусту» Гете и поступил учиться музыке в Лейпцигский университет. Рихард сочинил в этот период много произведений для оркестра, но прервал свое обучение в Лейпциге, уехав в Вюрцбург к брату Альберту, который был певцом. В 1834 году Вагнер познакомился со своей будущей женой, актрисой Минной Планер, которую он очень сильно любил, и стал музыкальным директором в театре Магдебурга. Он уехал вслед за Минной сначала в Кенигсберг, где они заключили брак, а затем в Ригу. В 1849 году нарушение королем Саксонии законодательства привело к восстанию в Дрездене, которое было подавлено прусскими войсками. Вагнер принял участие в разработке листовок, призывающих к солидарности с восставшими. Композитору удалось избежать ареста, выехав в Швейцарию. Вплоть до 1861 года Вагнер был вынужден жить в эмиграции. До 1858 года он оставался в Цюрихе, а после жил в Венеции, Луцерне, Вене, Париже, Бибрихе, Берлине. В 1853 году Вагнер поехал вместе с Ф. Листом в Париж, где впервые увидел его дочь Козиму, ставшую впоследствии его второй женой. В 1864 году Вагнер обрел покровителя в лице 18-летнего короля Баварии Людвига П. Почитатель таланта Вагнера, Людвиг пригласил композитора приехать в Мюнхен. Король принял Вагнера, освободил его от бремени долгов, предоставил в его владение дом и с этого момента постоянно материально поддерживал. 1879 и 1881 годы Вагнер проводит в Италии. В январе О. Ренуар гостит у Вагнера и пишет его портрет. 13 февраля 1883 года после сердечного приступа Вагнер скончался, а 18 февраля был похоронен в саду дома Ванфрид в Байройте. Там он покоится под мраморной глыбой, обрамленной очень простой резной работой, без эмблемы и даже без надписи.

Этот портрет кисти О.Ренуара, который мне очень нравится, был написан в 1882 году в Палермо. Ренуар пишет портрет Вагнера, говорит о Париже, уверяет композитора, что аристократы духа поддерживают его творчество, что льстит мэтру, так как он был убеждён, что французы любят только музыку немецкого еврея Мейербера. Но неожиданно после двадцати минут позирования он вдруг поднялся и заявил: «Достаточно! Я утомился», — а взглянув на портрет, воскликнул: «Ах! Ах! Я похож на протестантского пастора!». Этот портрет висел в одном из помещений Гранд Опера в Париже. Он очень понравился Гитлеру, но французы отказались дарить ему этот портрет несмотря на настойчивые просьбы Геббельса. Сейчас портрет висит в музее Орсе в Париже.

Но вернемся к опере "Нюрнбергские мейстерзингеры". Вначале определимся с названием. МЕЙСТЕРЗИНГЕРЫ (немецкое Meistersinger, буквально - мастер-певец).

МИННЕЗИНГЕРЫ - певцы любви, немецкие средневековые поэты, авторы-исполнители произведений рыцарской лирики ХII-ХV вв.
МЕЙСТЕРЗИНГЕРЫ – немецкие поэты-певцы ХIV-ХVII вв. Продолжая лирическую поэзию миннезингеров, они устраивали поэтические состязания, придавая главное значение искусственной форме, разнообразию содержания. Но, подчинив поэзию строгим правилам, М. низвели её до степени ремесла, образуя особые цеховые общества со строгим уставом и особой иерархией (5 ступеней).

Вот несколько строк из поэзии Ганса Сакса,( 1494, Нюрнберг —  1576, Нюрнберг) — немецкого поэта, мейстерзингера и драматурга. Творческое наследие Сакса — важнейший памятник бюргерской городской культуры в Германии XVI века. Гансу Саксу принадлежат более 6000 стихотворений, что особенно удивительно, учитывая, что он зарабатывал на жизнь не литературным творчеством, а сапожным ремеслом. Произведения совершенно различны. Так, например, среди песен встречаются как духовные, так и светские.

Трудитесь! Мир не будет раем
Для тех, кто хочет жить лентяем.

…Мир не кровью,
А дружбой и любовью
Должны мы уберечь.

За честным мужем и жена
Сама становится честна.

Добро и ласку обнаружа,
Вы переделаете мужа. Жена худая — злое зелье,

А добрая жена — веселье.
Чтоб мир в семье был укреплен,
Воспитывать должны вы жен.

В Нюрнберге стоит памятник Гансу Саксу.

Школа-гильдия мейстерзингеров в Нюрнберге и образ ее главы - Сакса получили отражение в опере Р. Вагнера "Нюрнбергские мейстерзингеры" (1867).

Рихард Вагнер создал новую форму искусства, музыкальную драму. В ней он сообщил свои идеи о судьбе человека в символической форме. Он был не только музыкантом, талант которого неоспорим, но и драматургом, эстетом и мыслителем. Цель всей поэзии вообще, и драмы в особенности - изображать внутреннего человека, его чувства, эмоции и вызывать соответствующие эмоции в душе зрителя. Вагнер считал, что музыка является адекватным и непосредственным выражением эмоции, которого не может найти слово. Поэзия исходит от сердца, и через посредство разума и воображение говорит сердцу. Музыка же исходит от сердца и говорит непосредственно сердцу, не имея иного посредника, кроме слуха. По мнению Вагнера, каждое из этих искусств находит, одно в другом, свое естественное дополнение.

А напоследок давайте прогуляемся по Нюрнбергу и послушаем интересный рассказ об этой опере.

По телевидению идет сериал "Екатерина". Есть сегодня потребность в привлечении внимания к истории государства Российского.
Екатерина во истину была великой императрицей, достойной преемницей Петра Великого.

История становления личности самодержицы Екатерины Великой с момента ее приезда в Россию на правах невесты Петра III и до восхождения на Российский престол показана в новом фильме. Почти 20 дворцовых интриг, заговоров, борьбы за власть и личных драм.

Список актеров : Марина Александрова, Юлия Ауг, Александр Яценко, Александр Лазарев (мл.), Риналь Мухаметов, Владимир Меньшов, Константин Лавроненко, Сергей Стрельников, Олег Кныш, Евгений Данчевский, Михаил Гаврилов (II), Анастасия Королькова, Михаил Стародубов, Витас Эйзенах, Светлана Корчагина, Петр Нестеров, Кирилл Рубцов, Николай Козак, Виталий Кравченко, Олег Флеер, Изабель Шосниг, Максим Керин

Интересно почитать книги замечательного питерского историка Евгения Анисимова "Дворцовые тайны". Книги подчас интереснее читать, чем смотреть фильм. Сначала составить надо представление о персонажах, о времени, а потом уже смотреть фильм. Во много раз интереснее смотреть будет.

Дворцовые тайны

Евгений Викторович Анисимов;

• Введение

• Неумолимый рок и нелюбимый сын: царевич Алексей Петрович

• Проделки неверной фортуны: Александр Меншиков

• Неистовый генерал-прокурор: Павел Ягужинский

• Конец в замурованной камере: архиепископ Феодосий

• Русский кунктатор: Борис Шереметев

• Размышления у открытого склепа: Роман Брюс

• История старого лиса: Петр Толстой

• Любовь к Сенеке: Корнелий Крюйс

• Командор, посланный за бессмертием: Витус Беринг

• История знаменитой натурализации: Абрам Ганнибал

• Обожаемый обер-камергер: Эрнст Иоганн Бирон

• Солдат удачи: Бурхард Христофор Миних

• Маленький трактат о смехе: Балакирев со товарищи

• «Мешочек смелости» за пазухой: Алексей Черкасский

• Лукавый поп: архиепископ Феофан Прокопович

• Мнимый больной: Андрей Остерман

• «Железная Маска» русской истории: император Иван Антонович

• Тайный муж императрицы: Алексей Разумовский

• Последний гетман: Кирилл Разумовский

• Московский оборотень: Ванька Каин

• Идеальный фаворит: Иван Шувалов

• «Я делаю честь отечеству»: Михайло Ломоносов

• Отец русского единорога и рынка: Петр Шувалов

• Грозный бич пороков: Александр Сумароков

• Секрет «бестужевских капель»: Бестужев-Рюмин

• Жар последней любви: Иван Бецкой

• Гений и тщета человеческая: Денис Фонвизин

• Свой-чужой сын: Алексей Бобринский

• Русский Леонардо: Николай Львов

• Великолепный князь Тавриды: Григорий Потемкин

• Петр, сын Петра: Румянцев

• История любви короля: Станислав-Август Понятовский

• Прогулки по осенним аллеям: братья Панины

• Ропшинский и чесменский герой: Алексей Орлов

• Тайна ночной аудиенции: Емельян Пугачев

• «Алмаз в коре»: Александр Безбородко

• На брегах реки времен: Гавриил Державин

• Петушиный крик гения: Александр Суворов

• Хозяин «русской Бастилии»: Степан Шешковский

• Последний фаворит: Платон Зубов

• Судьба русского Гамлета: Павел I

• Последствия одного путешествия: Александр Радищев

• Преданный бес: Алексей Аракчеев

• Федор Кузьмич: кто ты, старец?

• «Деспотический вихрь»: цесаревич Константин

• Заключение

А вот по этой ссылке если вы пройдете, то можете он-лайн посмотреть и этот фильм.

Приятного просмотра.

Кстати, интересно узнать и о тайне последнего польского короля Станислава Понятовского, любовника Екатерины. Ее стараниями он стал в 1764 году предводителем Речи Посполитой и тридцать лет правил Польшей и Великим княжеством Литовским.

При нем произошел в 1772 году Первый раздел Речи Посполитой между Австро-Венгрией, Пруссией и Россией.

 в 1793 году наступил второй раздел Речи Посполитой (между Пруссией и Россией).

В 1795 году Станислав Август Понятовский оставил Варшаву и под конвоем 120 российских драгунов прибыл в Гродно под опеку и надзор российского наместника, где и подписал акт отречения от престола Речи Посполитой 25 ноября1795 года, в день именин российской императрицы.

Последние годы жизни провёл в Санкт-Петербурге. Внезапно скончался в своей резиденции в Мраморном дворце.
Был похоронен с царскими почестями в Храме святой Екатерины Александрийской на Невском проспекте Санкт-Петербурга.

В 1938 году Сталин разрешил удовлетворить просьбу польского правительства и передать останки короля польской стороне. 30 июля 1938 года прах короля был вывезен в Польшу. Останки хранились в Троицком костеле в поселке Волчин на реке Пулве в 35 км от Бреста, где ранее находилось родовое поместье Станислава Понятовского. После начала Второй Мировой войны Волчин попал в число территорий, присоединённых к Белорусской ССР^[3]. В середине 1950-х годов костёл был исключён из государственного реестра историко-архитектурных памятников и использовался как склад. Захоронение Станислава Августа Понятовского было разграблено.

В октябре 1988 года польское правительство обратилось к М. С. Горбачеву с просьбой дать возможность перезахоронить прах Станислава-Августа в Варшаве. Советская археологическая экспедиция на месте захоронения обнаружила лишь фрагменты одежды и обуви короля, а также части коронационного плаща. О том, что стало с забальзамированным телом, бронзовой короной с позолотой, известно лишь по слухам. Всё немногое, что сохранилось, было возвращено польской стороне в декабре 1988 года. Ныне прах короля покоится в храме св. Иоанна в Варшаве.

В двадцати минутах езды от Бреста, в деревни Волчин, стоит полуразрушенный, давно заброшенный Троицкий костел, памятник позднего барокко, построенный в 1733 году. Несмотря на одинокий и заброшенный вид, костел поражает величием. В нем был похоронен последний польский король Станислав Август Понятовксий. 

Продолжим нашу экскурсию по Петербургу. Мы побывали уже в буддийском храме, в мечети и побывали в католическом храме Успения на 1-й Красноармейской. Кто еще не успел посмотреть, может это сделать, перейдя по ссылке
(Соборы Петербурга. 1 часть)

Мы не закончили еще знакомиться с Католическим Храмом. И следует подробнее поговорить о возникновении Католической церкви в России.

Вот так Храм выглядит со стороны Польского садика, хотя я всегда этот сад называл садом Державина.

Надо рассказать еще и о Католической высшей семинарии «Мария — Царица Апостолов», которая располагается в общем комплексе зданий с собором Успения Пресвятой Девы Марии. Это единственная католическая семинария в России.

Первая Петербургская Академия своими корнями уходит к иезуитской коллегии, основанной в Вильно в 1570 г. и уже через 8 преобразованной в университет. После временного роспуска иезуитского ордена университет был реорганизован и стал Главной школой с тремя отделениями: нравственных, физических и медицинских наук. После разделов Польши Главная школа вновь была преобразована в университет, и хотя он не имел теологического факультета, однако было создано несколько теологических кафедр в рамках факультетов нравственных и политических наук.

Виленская Духовная Академия подчинялась петербургской Духовной Коллегии и министру внутренних дел, а непосредственно ее опекал виленский епископ-ординарий, который имел только право визитации, участия в экзаменах и заседаниях, а также обращений по ее делам в упомянутую Духовную Коллегию. Просуществовала Академия всего лишь несколько лет, так как уже в 1842 г. по ходатайству министра внутренних дел Перовского была перенесена в Санкт-Петербург. Окружение министра старалось оградить будущих церковных деятелей от влияния Вильно, обстановка в котором после ноябрьского восстания не благоприятствовала такому воспитанию духовенства, какого ожидала элита светской власти. Студенты Виленской Академии перебрались в Петербург в конце сентября 1842 г. Академия вынуждена была закончить свою деятельность в 1918 г., сразу же после революции. За 76 лет своего существования Академия воспитала 62 епископа, которые в течение многих лет определяли характер религиозной жизни, а также нравственный и интеллектуальный уровень духовной жизни России, Украины, Белоруссии, Польши, Литвы и Латвии. Из стен Академии вышли варшавский кардинал Александр Каковский, рижский епископ Антоний Шпрингович и рижский кардинал Юлиан Вайводс, люблинский епископ Мариан Фульман, луцко-житомирский епископ Кароль Недзялковский.

В течение первых 22 лет своего существования Могилевская Семинария в Петербурге размещалась на Екатерингофском проспекте, в доме № 37 (сегодня – ул. Римского-Корсакова № 49), а начиная с 1902 г. — на ул. Первой роты Измайловского полка, в доме № 11. В 1913 г. — рассматривалась возможность строительства нового здания для Семинарии. Исторические события воспрепятствовали реализации этих планов.

В 1918 году Митрополитальная Духовная семинария была закрыта, ее здание "временно" отобрано для размещения красноармейского госпиталя, а впоследствии, как водится, не возвращено. Уже в 1919 году в Могилевской архиепархии ощущался острый недостаток священнослужителей — вместе с митрополитом Эдуардом Роппом из страны было изгнано 68 священников, некоторые были заключены в тюрьму, иные не вернулись из-за границы. С каждым последующим годом ситуация становилась хуже. В итоге, было принято решение об открытии тайной семинарии.

Занятия проводились в здании больничного корпуса бывшей семинарии. В марте 1923 года архиепископ Иоанн Цепляк и еще 14 петроградских священников, среди них и ректор семинарии Антоний Малецкий, были арестованы. Им было выдвинуто обвинение в контрреволюционной деятельности, которая была выражена в противодействии декретам о национализации церковного имущества. После нескольких дней разбирательства архиепископ Иоанн и о. Константин Будкевич были приговорены к высшей мере наказания — расстрелу, остальные к тюремному заключению от трех до десяти лет. Вскоре, вследствие многочисленных протестов из-за границы, высшая мера архиепископу была заменена на десять лет тюремного заключения, а через год он выехал из СССР по обмену на польских коммунистов.

В 1993 году 29 июня, архиепископ Тадеуш Кондрусевич подписал декрет об основании в Москве Высшей духовной семинарии "Мария — Царица Апостолов". Ее ректором был назначен о.Бернардо Антонини. Через некоторое время о.Бернардо отправился в Рим и во время аудиенции у Папы Иоанна Павла II вручил ему декрет об основании семинарии. Благословив деятельность нового учебного заведения, Папа передал в подарок семинарии богослужебные принадлежности из своей личной ризницы. Высшая духовная Семинария была открыта 1 сентября 1993 года торжественной мессой, во время которой архиепископ Тадеуш Кондрусевич сказал: "Семинария — сердце епархии, и сегодня это сердце начало биться". На первый курс было зачислено 18 семинаристов из России, Белоруссии и Казахстана. Семинария не имела собственного здания, семинаристы и воспитатели жили в квартире на Малой Басманной улице, а на занятия ездили в храм Непорочного Зачатия Пресвятой Девы Марии, часть помещений которого была возвращена верующим. Весной 1995 года мэр Санкт-Петербурга Анатолий Собчак принял решение о возвращении Церкви здания католической духовной семинарии и кафедрального собора Успения Пресвятой Девы Марии. Возвращение проходило поэтапно, но уже к осени на части последнего этажа дома №11 на 1-ой Красноармейской улице были оборудованы учебные аудитории и места для проживания 50 семинаристов и 6 воспитателей. В начале октября 1995 года семинария переехала в Петербург, а уже 16 октября начался учебный год. С 2000 года семинария является филиалом Папского Латеранского университета.

Католичество, вне всякого сомнения, оказало огромное влияние на культуру и духовное развитие России. Следы католического мировоззрения и отражение разного рода католических идей можно легко обнаружить даже в отечественном православном богословии и русской религиозной философии. Дело в том, что многие видные православные богословы прошлых веков, ввиду резкого дефицита, а, в иных случаях, и полного отсутствия учебного материала разработанного православными авторами, были вынуждены обучаться по переводным книгам известных мыслителей и теоретиков Католической церкви различных эпох. В XVIII – XIX вв. многие русские учебные заведения зачастую курировали католические монашеские ордена. Начиная с эпохи Петра Великого, сама система русского образования была перестроена по европейским образцам, в основе которых лежала теория воспитания, разработанная монашеским Орденом Иезуитов.

В 1691 году в России было зарегистрировано всего 40 католиков, в 1698 – 400, в 1721 уже 600, а в 1723 – целая тысяча.  Главным образом,  это были люди, французской, польской, немецкой и итальянской нации. Такое резкое увеличение числа католиков в России было обусловлено тем, что в первой половине XVIII века, с позволения Петра I, в Россию хлынул поток трудовых мигрантов из Европы, многие из прибывших иностранцев были католиками. Дело в том, что наша страна очень нуждалась в квалифицированных рабочих кадрах. Пётр это понимал, поэтому разрешил им свободный въезд в Россию. Вопросы же религиозной принадлежности – отошли на второй план. Основной принцип отношения правительства к католикам во времена петровской эпохи, заключался в следующем: «терпимое отношение ко всем католикам, при условии их полной политической лояльности» .

В апреле 1702 года царь Пётр I подписывает манифест «О вызове иностранцев в Россию с обещанием им свободы вероисповедания». Данный манифест разрешал иностранцам проводить в России свои богослужения, в том числе и публичные. Невмешательство властей в обрядовую сторону – гарантировалось.

Супруга Петра III, пришедшая к власти путём свержения своего мужа с престола и вошедшая в историю как императрица Екатерина II, «продолжила и развила политику Петра I в отношении инославных религиозных исповеданий»^. Между Россией и Римом был заключен конкордат, который рассматривал условия дипломатических отношений со Святым Престолом, вопросы назначения католических епископов, церковной собственности и проч.

В своём законодательном труде «Наказ комиссии по составлению Уложения» (1765-1767 гг.) императрица провозглашает принцип свободы вероисповедания. Статья № 124 «Грамоты на права и выгоды городам Российской империи» гласит: «Дозволяется иноверным, иногородним и иностранным свободное отправление веры, как от достойныя памяти премудрых российских государей предков наших и нас самих уже установлено и подтверждено; да все народы, в России пребывающие, славят Бога всемогущего различными языками по закону и вероисповеданию праотцев своих, благословляя царствование наше и моля творца вселенной об умножении благоденствия и укрепления силы империи Всероссийской». В другом законе, императрица предоставляет вступающим в брак «избирать для венчания любую церковь по их усмотрению и крестить детей в той вере, которую они выберут по взаимному согласию». Таким образом, ради спокойствия в обществе многонациональной империи, Екатерина II выступает сторонницей «разумной» веротерпимости. Как любила повторять сама императрица: «гонения человеческие умы раздражает, а дозволение верить по своему закону умягчает и самые жестоковыйные сердца».

Политику Екатерины II в отношении в церковных делах отлично характеризует её же высказывание, сказанное ею ещё до восшествия на российский престол: «необходимо уважать религию, но ни за что не пускать её в дела государственные»

В 1772 году состоялся первый раздел Речи Посполитой. Между Российской империей, Прусским королевством и Австрией была подписана конвенция, согласно которой Восточная Белоруссия и часть Инфлянтов отходили к Российской империи. Таким образом, Россия получила сразу более миллиона подданных – католиков: среди которых были как представителей латинского обряда, так и униаты. За первым разделом Речи Посполитой, последовал второй (1793) и третий (1795) разделы. Их итогом стало упразднение польского гражданства и утрата Польшей своей государственности. После третьего раздела Речи Посполитой российскими гражданами стали 8 миллионов католиков.

В результате такого масштабного прироста католического населения, в Российской империи была создана собственная католическая иерархия. Екатерина II в 1774 г. для католических церквей в России «учредила институт католического епископата с центром в Могилеве». Все католические церкви и монастыри (иезуитские, доминиканские, францисканские, бенедиктинские и проч.) были оставлены в неприкосновенности. После 1795 г. в Российской империи функционировало около 10 000 католических церквей и 400 католических монастырей.

На территории России в 18 веке имели свои представительства около 30 католических монашеских орденов. Мужские: францисканцы, в том числе реформаты и капуцины, доминиканцы, пиары, миссионеры, августиане, бернардинцы, кармелиты, тринитары, цистерцианцы, мариане, бенедиктинцы, рохиты, брижды, бонифратеры, камальдулы, картузианцы. Женские: доминиканки, бернардинки, кармелитки, мориавитки, бенедиктинки, цистерцианки, сестры милосердия и ряд других орденов.

Следствием появления на западных границах России такого количества легально функционирующих католических институтов, на исконно русских землях появились католические проповедники. «Латинские монахи и патеры в конце века в большом количестве устраивались на местах священников в столичных храмах, находили возможность служить учителями и библиотекарями в частных дворянских домах, открывали учебные заведения».

Католическая же Церковь, с момента своего основания Иисусом Христом имеющая «надгосударственный и наднациональный характер», чей центр расположен в Риме, следовательно, неподвластен российским монархам, в стратегию укрепления российского абсолютизма никак не вписывалась. «В рамках выяснения вопроса, чья власть более божественна – папская или монаршья, то православие в основном своем содержании целиком и безоговорочно рассматривало монархическую власть как высшую ценность и олицетворение социальной справедливости на земле. Соответственно, и монарх, император провозглашался «помазанником Божьим». Таким образом, для русских самодержцев католичество представляло собой «опасную силу, подрывающую авторитет светской власти». Впрочем, вот так взять, и сбросить со счетов доставшихся России вместе с польскими территориями католиков, государство не могло. Поэтому в 1797 году Павел I был вынужден упорядочить отношения России с Католической Церковью, для этих целей он учреждает Департамент римско-католических дел, главой которого назначает Богуша-Сестренцевича (1731-1836) – католического архиепископа Могилёвской архиепархии. Новое учреждение просуществовало недолго: в 1810 году Александр I упразднил этот департамент, в место него было создано Главное управление духовных дел иностранных исповеданий, руководство которым принадлежало непосредственно латинскому духовенству. Пережив в 1832 году присоединение к МВД, «Управление» стало называться Департаментом духовных дел иностранных исповеданий и просуществовало вплоть до 1917 года.

«Принятие императором Павлом I звания гроссмейстера Мальтийского ордена повлекло за собой наплыв в Россию мальтийских кавалеров, большей частью иезуитов. В западных губерниях целые приходы стали переходить в Католичество. Иезуиты проводили мысль об отсутствии существенных различий между обрядами латинскими и православными; у Грубера был готов проект соединения церквей». Павел I покровительствовал Католической Церкви искренне и от всего сердца. По некоторым данным император вёл тайные переговоры с неаполитанским королём о воссоединении Православной Церкви с Католической. Самой главной заслугой императора Павла I в отношении Римско-католической Церкви является то, что католическое вероисповедание обрело в годы его царствования гражданский статус, тем самым было уравнено в политических правах с Русской Православной Церковью. Впрочем – то права политические. В духовной сфере всё осталось, как было. Православное духовенство по-прежнему внедряло в народные массы убеждение, что католичество – это вера поляков, французов, итальянцев и прочих европейских народов, но не русских. «Измена православию» воспринималась государством всё так же как и прежде, как «род опасного инакомыслия».

В среде простого русского народа XVIII века, который на 90% представлен крестьянством и был неграмотен, отношение к католичеству, под действием православной церковной пропаганды, было резко отрицательным. Какой либо личной неприязни к католикам тут быть не могло, ибо в большинстве своём русскому деревенскому мужику так ни разу за свою жизнь и суждено было в глаза увидеть лицом к лицу живого представителя Римско-католической Церкви. Согласно словарю Даля, «всякий неправославный человек издавна именовался в России «басурманином». Таким образом, всякая неправославная вера для русского простолюдина была одинаково «языческой» и «сатанинской».

По данным статистики в 1850 г., только в одном Санкт-Петербурге проживало 27 590 католиков (из них: российского подданства -16 430 человек, германского – 6 030, французского – 2 004, итальянского – 850, испанского, португальского, английского, бельгийского – 630 человек), в 1892 г. – уже 36 090, католики составляли тогда 3,8 % населения, в 1900 г. на 1 248 122 жителей города приходится уже около 50 000 католиков, что составляет прежние 3,8 %, в 1910 г. петербургских католиков – менее 70 000. Всего же, например в 1900 г., на 1000 жителей Санкт-Петербурга приходилось 73 протестанта и 47 католиков (т. е. 4 % от всего населения).

Считается, что сейчас в России всего около 10.000 католиков, которые регулярно ходят в церковь (Москва — 3.000 - 4.000, С-Петербург — 2.000, Калининградская область — 2.000 - 3.000, Поволжье и Урал — 600 - 800, Северный Кавказ — 500 - 600, Центральная и Северная Россия — менее 500 ). По великим праздникам, таким как Рождество и Пасха, число прихожан удваивается. 

Сколько православных в России? Официальных данных о количестве православных в России, как, впрочем, и о численности представителей иных конфессий, не существует. Говорят, что православных в России около 80млн человек, но я сомневаюсь в этих оценках. 

За годы Советской власти нас отучили задумываться об особенностях православия и католицизма. Доминирующий в западном сознании образ православия - это образ религии и церкви, в которых обрядность вытеснила интеллект, богословие и этику, духовенство покорно и с охотой подчинилось советским властям, а учение Христа не исполнило той роли, какую оно сыграло в Европе и Америке. Кажется, что даже для большей части специалистов по истории европейского христианства русское православие - это по нужде добродетельная Золушка, так и не вырвавшаяся из нищеты и убожества. А в чем состоят социальные и культурные особенности византийско-православной традиции (в том виде, в каком она была усвоена и переработана средневековой Русью) по сравнению с традицией западнохристианской (преимущественно католической)? То что я читал о различиях между двумя ветвями Христианства мне кажется на уровне схоластических споров типа: Исходит Святой дух также как от отца и от его Сына?

 "Живая вера и добрые дела - одно и то же". Поэтому католики придают громадное значение познавательной деятельности, знанию вообще, ищут "религиозное значение какой-нибудь кристаллографии" и уверены, что непонятность оной - только временная. Поэтому же католики и признают идею развития познания, то есть изменения нашего религиозного знания - "для католичества само развитие заложено в сущности христианства"

В.С. Соловьев писал: "Сущность великого спора между христианским Востоком и христианским Западом изначала и до наших дней сводится к следующему вопросу: имеет ли церковь Божия определенную практическую задачу в человеческом мире, для исполнения которой необходимо объединение всех церковных христианских сил под знаменем и властию центрального церковного авторитета". В этом вопросе, продолжает Соловьев, "Римская церковь решительно встала за утвердительный ответ, она остановилась преимущественно на практической задаче христианства в мире, на значении церкви как деятельного царства или града Божия (civitas Dei), изначально представляла собой принцип центрального авторитета, видимым и практическом образом объединяющего земную деятельность церкви". Характерные черты православия, по Соловьеву, напротив, - пассивность, антиисторизм, бездеятельность. Бог православия - "Бог мертвых" вместо "Бога живых". Для католицизма характерна односторонняя практичность, для православия - одностороннее благочестие.

Трудно не заподозрить, что под влиянием православия русский человек, например, XVI-XVII вв. иначе, чем католики и протестанты, понимал и ощущал, что такое деньги, право, справедливость, ответственность, любовь, радость, одиночество, красота, смерть, счастье, знание, плоть, свобода и пр. Быть может, в самом деле существовали Человек Православный и Человек Католический? Если это не фантазия, то как увидеть, понять, описать того и другого, не впадая в спекуляции и благоглупости? Задача чрезвычайно увлекательная, фантастически важная и архисложная. 

Русская культура слагалась, крепла и расцветала в духе Православия -- и стала такою, какова она была в начале ХХ века, прежде всего потому, что она не была католическою. Русский человек верил и верит любовью, молится сердцем, русский человек поклоняется свободе, раскрывая ему духовное око, а не пугая его земными казнями во «избежание»потусторонних. Русская благотворительность и «нищелюбие» русских Царей -- шли всегда от сердца и доброты. Русское искусство все целиком выросло из свободного сердечного созерцания: и парение русской поэзии и мечты русской прозы, и глубина русской живописи, и искренний лиризм русской музыки, и выразительность русской скульптуры, и одухотворенность русской архитектуры, и прочувствованность русского театра. Дух христианской любви проник и в русскую медицину, с ее духом служения, бескорыстия, интуитивно-целостного диагноза, индувидуализации пациента, братского отношения к страдающему; и в русскую юриспруденцию с ее исканием справедливости; и в русскую математику с ее предметной созерцательностью. Он создал в русской историографии традиции Соловьева, Ключевского и Забелина. Он создал в русской армии -- традиции Суворова, а в русской школе традицию Ушинского и Пирогова. Надо увидеть сердцем ту глубокую связь, которая соединяет русско-православных Святых и Старцев с укладом русской, простонародной и образованной души. Весь русский быт -- иной и особенный, потому, что славянская душа укрепила свое сердце в заветах Православия. И самые русские инославные исповедания (за исключением католицизма) восприняли в себя лучи этой свободы, простоты и сердечности и искренности. И НИКОГДА Западу не понять душу русского народа, потому он и боится великой ручсской души и великого русского духа. 

Но заканчивая этот исторический экскурс, я хочу подчеркнуть, что 

1) Католичество и православие неразрывно связаны друг с другом, они являются конфессиями одной религии - христианства

2) Верующие каждой религии должны терпимо относится друг к другу, нельзя допускать появление межрелигиозных и межконфессиональных конфликтов.

3) Никакая религия не должна быть установлена государством в качестве обязательной, у человека должна быть свобода выбора

Следующая остановка нашего автобуса была около Санкт-Петербургской Хоральной СИНАГОГИ

Первые евреи появились в Петербурге вскоре после его возникновения. Это были потомки выкрестов, привезенные Петром I для участия в строительстве Петербурга, и, конечно, их история не имеет прямого отношения к истории формирования еврейской общины города. Все они сыграли важную роль в развитии Российского государства и становлении новой русской столицы, но не имели никакого отношения к истории собственно евреев России и Петербурга.

Официально, по указу Екатерины I, евреям было запрещено проживать не только в столице, но и вообще в России. Однако ради своей выгоды некоторые русские правители нарушали свои же собственные указы. Таким образом, евреи, в услугах которых нуждался двор, могли находиться в Петербурге непродолжительное время.

Среди евреев, приезжавших в Петербург в это время, чаще всего встречаются финансовые дельцы, купцы и врачи. В основном это были люди состоятельные, имевшие не только домочадцев, но и слуг. Поэтому в доме, где жила еврейская семья, почти всегда был миньян – 10 взрослых мужчин, необходимых для общественной молитвы. Таким образом, хотя в Петербурге не было официальных синагог или молитвенных домов, евреи устраивали молитвы дома.

Правление Анны Иоанновны ознаменовалось суровыми репрессиями по отношению к евреям. В 1740 году она подписала указ о высылке евреев из Малороссии. 2 декабря 1742 года именным указом Елизавета не только подтвердила тот же самый указ Екатерины I, но и потребовала "высылки всех жидов как из Великороссийских, так и Малороссийских городов, сел и деревень, с их имуществом".

Екатерина II проводила двойственную политику по отношению к евреям. Императрица была главой православного государства и должна была считаться с общественным мнением, поэтому официально евреям по-прежнему было запрещено приезжать в Петербург. Но в государственных интересах Екатерина разрешала некоторым из них проживать в столице.

Столица империи продолжала привлекать евреев как центр деловой, политической и культурной жизни страны. К 1826 году в городе проживало 248 евреев.

В конце XVIII века Петербург стал местом временного пребывания основателя хасидского движения Хабад Рабби Шнеур Залмана (Алтер Ребе). Он был обвинен своими религиозными противниками в государственной измене и доставлен в Петропавловскую крепость. Ребе удалось доказать свою невиновность, и вскоре он был освобожден.

Уже в первые месяцы царствования Александра II один из крупных поставщиков российской армии потомственный почетный гражданин Евзель Гинцбург подал записку на высочайшее имя, в которой приводил доводы в пользу ослабления ограничений для некоторых категорий евреев. Это совпало с общими либеральными устремлениями политики нового императора. В результате евреям - отставным солдатам, купцам 1-й гильдии, обладателям ученых степеней, а потом и диплома о высшем образовании, а также некоторым категориям ремесленников было разрешено проживать вне черты оседлости, в том числе и в Петербурге.

1 сентября 1869 года император Александр II утвердил постановление Комитета министров о разрешении петербургским евреям построить синагогу взамен существующих молелен.

Синагога в Петербурге возводилась А.В. Масловым по проекту архитекторов И.И. Шапошникова и Л.И. Бахмана на углу Офицерской и Большой Мастерской улицы (ныне Лермонтовский проспект, д.2). В основу проекта Большой хоральной синагоги Петербурга должен был быть положен арабо-мавританский стиль во внешнем и внутреннем облике здания. Первоначальный проект синагоги Александр II не одобрил, предписав переделать его в более «скромных размерах».

Здание Большой хоральной синагоги в Петербурге строилось 10 лет с 1883 по 1893 год. Освящение храма состоялось в декабре 1893 года.

Большая хоральная синагога, как наследница Временной молельни для образованных евреев, стала средоточием еврейской религиозной жизни в Санкт-Петербурге, её правление, по мере возможности, выполняло функции руководящего органа еврейского общества, занималось жизнью молелен, которые после 1904 г. с разрешения властей стали появляться вне стен синагоги. В круг деятельности правления входила различного рода благотворительность, в том числе поддержка библиотеки Общества просвещения евреев и еврейского образования молодежи. Организовывалось преподавание еврейских предметов евреям – ученикам гимназий. Функционировало Еврейское училище, здание для которого было выстроено в 1897 г. вблизи синагоги на средства прихожан и на принадлежащей общине земле.

В 1930 году Синагогу закрыли, а еврейскую общину ликвидировали. Вновь открыли ее лишь в 1998 году, здание отреставрировали и возобновили богослужения.

С глубокой древности и по сей день синагогу называют на иврите "бейт-кнесет", что буквально означает "дом собрания". Слово "синагога" происходит от греческого слова synagoge ("собрание") которое обозначает то же, что и слово "кнесет" на иврите: "собрание".

Во всем Талмуде синагога лишь однажды названа "бейт тфила" - "дом молитвы". Само название "бейт-кнесет" подчеркивает, что синагога - это нечто большее, чем просто помещение для общественной молитвы.

Еще синагогу называют на идиш словом "шул" (от немецкого "Schule" – "школа").

Главный зал Санкт-Петербургской синагоги

Функции синагоги

После изгнания из Израиля для рассеянных по всему миру еврейских общин синагоги стали центром общественной, политической и культурной жизни еврейского народа.

Молитва

Синагога – это, прежде всего, место для молитвы. В иудаизме придается огромное значение общественной молитве. Синагога и есть такое место, где община собирается для молитвы.

Изучение Торы

Сейчас, как и в далеком прошлом, при синагогах часто имеются школы, в которых дети и подростки изучают Тору. Талмуд рассказывает, что в Иерусалиме было четыреста восемьдесят синагог, и при каждой из них - две школы, начальная и средняя. Недаром название "бейт-мидраш" ("дом учения") практически стало синонимом названия "бейт-кнесет". Синагога и "бейт-мидраш" могут находиться в одном и том же помещении или в разных помещениях, соединенных коридором.

Существует обычай, восходящий к древним временам, по субботам и праздникам выступать в синагоге с лекциями на темы недельной главы Торы или по каким-либо проблемам еврейского законодательства, связанным, как правило, с предстоящим праздником.

Такую беседу (драшу) проводит один из наиболее знающих членов общины или специально приглашенный раввин. Кроме того, по субботам после утренней или дневной молитвы в синагогах обычно собираются группы для изучения Торы.

Библиотека

По традиции, в синагоге должны быть книги еврейского учения. Считается весьма благочестивым делом купить для такой библиотеки книги. Практически в любой синагоге можно найти Пятикнижие с комментариями, Мишну, Талмуд, труды Рамбама, полный "Шулхан арух", а также сотни или даже тысячи других книг. Этими книгами вправе пользоваться любой член общины. Обычно их разрешается брать на дом, нужно только предупредить об этом синагогального служку – шамеса.

Центр общественной жизни

Синагога, в соответствии со своим названием, является местом проведения встреч, собраний, различных торжеств как всей общины, так и отдельных ее членов. В синагоге нередко проводят бар-мицву, обрезание, выкуп первенца и пр.

Иногда синагога является местом заседания бейт-дина - раввинского суда. Правление синагоги, как правило, располагает фондами для помощи нуждающимся, предоставляет ссуды. Таким образом, синагога часто становится и центром благотворительности.

Венчальный зал Санкт-Петербургской Синагоги

Закончили мы нашу экскурсию на Васильевском острове в храме святой Екатерины на углу Большого проспекта и 1-й линии Васильевского острова

ЛЮТЕРАНСКАЯ ЦЕРКОВЬ

Первые лютеране, поселившиеся на Васильевском острове, посещали церковь при доме Крюйса. Но перебираться на другой берег Невы было неудобно. Поэтому было решено организовать лютеранский приход на самом острове. Сначала для этого использовался небольшой дом, выкупленный у православного священника. Одну половину дома занял пастор Отто Трефурт с семьёй, а в другой начались богослужения. Датой основания лютеранской общины на Васильевском острове считается 28 июня 1728 года.

Со временем имеющегося помещения прихожанам стало не хватать. Тогда совет общины принял решение о строительстве нового большого храма. Участок для его сооружения церкви  был выделен в 1747 году. Архитектором церкви стал член церковного совета Юрий Матеевич Фельтен.

Возвели здание в 1771 году, на углу Первой линии и Большого проспекта, тогда же здесь установили и первый орган.

В дальнейшем, инструменты постоянно менялись в зависимости от финансового состояния. Последний из органов, простоявший в кирхе вплоть до его закрытия в 1935 году, был изготовлен фирмой «Валькер» почти пятьдесят лет назад. В середине 20 века этот орган перевезли в Мариинский театр.

В 1998 го­ду не­мец­кая фир­ма «За­уэр» ус­та­но­ви­ла в церк­ви но­вый ин­ст­ру­мент, яв­ляю­щий­ся се­го­дня од­ним из луч­ших в го­ро­де.

Судь­бу са­мой церк­ви и её при­хо­да мо­же­те пред­ста­вить се­бе са­ми. К на­ча­лу Ве­ли­кой Оте­че­ст­вен­ной вой­ны в Ле­нин­гра­де не ос­та­лось ни од­ной лю­те­ран­ской кир­хи. По­след­ний пас­тор церк­ви свя­той Ека­те­ри­ны Воль­де­мар Ваг­нер был аре­сто­ван и со­слан в Но­во­си­бирск. С 1972 го­да в зда­нии на­хо­дит­ся сту­дия зву­ко­за­пи­си, та са­мая, зна­ко­мая стар­ше­му по­ко­ле­нию как сту­дия грам­за­пи­си «Ме­ло­дия» (аку­сти­ка за­ла не ос­та­лась не­оце­нен­ной).

В 1990 го­ду в церк­ви во­зоб­но­ви­лись бо­го­слу­же­ния, со­вер­ша­ют­ся они ка­ж­дое вос­кре­се­ние в 13.00 и про­хо­дят на рус­ском язы­ке.

Те­перь о кон­цер­тах. Ка­ж­дую сре­ду про­во­дят­ся ве­чер­ние ор­ган­ные бо­го­слу­же­ния -  orgelvesper, объ­е­ди­няю­щие ду­хов­ную му­зы­ку и эле­мен­ты ли­тур­гии (в се­ре­ди­не кон­цер­та – не­боль­шая речь пас­то­ра; это при­ня­то в Ев­ро­пе в лю­те­ран­ских церк­вях). На­ча­ло в 19.30. По вос­кре­сень­ям кон­цер­ты на­чи­на­ют­ся в 16.00, и они мо­гут быть не толь­ко ор­ган­ны­ми.

ЛЮТЕРАНЕ - протестантская конфессия, руководствующаяся вероучительными и организационными принципами, провозглашенными Мартином Лютером в 16 в.

ЛЮТЕР Мартин (1483—1546) - основатель протестантизма. Он отрицал роль церкви и духовенства как посредников между человеком и богом. «Спасение» человека, утверждал он, зависит не от выполнения «добрых дел», таинств, обрядов, а от искренности его веры. «...Лютер, — писал Маркс, — победил рабство по набожности только тем, что поставил на его место рабство по убеждению» (Т. 1. С. 422). Согласно взглядам Лютера, источником религиозной истины является не «священное предание» (решения церковных соборов, суждения пап и т. п.), а само Евангелие. «Человек спасает душу не через Церковь, а через веру», — писал Лютер.

В Дрездене в1975 году я увидел интересный памятник Лютеру, что стоит возде Фрауенкирхе. Потом я видел памятники этому великому человеку во многих городах Германии. Мне было интересно, почему так популярен Лютер здесь.Но для этого надо глубоко поворошить историю, 

9 год н.э. условно считается началом немецкой истории. Началось формирование немецкого народа, продолжавшееся много столетий. Слово deutsch возникло, видимо, только в 8 веке. Сначала это слово обозначало язык, на котором говорили в восточной части империи франков, в состав которой в 6 веке были включены завоеванные франками герцогства германских племен алеманнов, тюрингов, баваров и некоторых других. Позднее других племен, к началу 9 века, были покорены и включены во Франкскую империю саксы. Вскоре, однако, после смерти создателя Франкской империи Карла Великого (814 г.), эта империя начала распадаться и к концу 9 века перестала существовать. Из восточной части распавшейся Франкской империи возникло королевство Германии, позже ставшее империей. Формальной датой возникновения Германского королевства обычно считают 911 год, когда после смерти последнего представителя каролингов - Людовика Дитяти королем был избран герцог франков Конрад. Он считается первым немецким королём. Постепенно у германских племен сформировалось чувство идентичности, и тогда слово deutsch стало означать не только язык, но и тех, кто на нём говорил, а затем и территорию их проживания — Германию. Германская западная граница была зафиксирована рано, около середины 10-го века, и оставалась достаточно стабильной. Восточная граница менялась, так как территория Германии расширялась на восток. Восточная граница зафиксировалась в середине 14-го века и сохранялась до начала Второй мировой войны. Официально титул короля Германии сначала назывался франкский король, позднее — римский король;. Империя с 11-го века называлась Римская империя, с 13-го века — Священная Римская империя, а в 15-м — Священная Римская империя германской нации. 

Так вот, конец 15-го и первая половина 16-го веков вошли в историю Германии как период Реформации и Крестьянской войны. Реформация была широким общественным движением против католической церкви. Началось всё с выступления профессора Виттенбергского университета Лютера 31 октября 1517 года с тезисами против торговли индульгенциями. Лютер обличил злоупотребления католического духовенства и выступил против всесильной папской власти. Он выдвинул целую программу реформы церкви. Каждое оппозиционное сословие  истолковало эту программу в соответствии со своими чаяниями и интересами. Бюргеры хотели, чтобы церковь стала дешёвой, князья и рыцари хотели захватить церковные земли, а угнетенные народные массы поняли реформацию как призыв к борьбе против феодального гнёта. Вождём плебейско-крестьянских масс был Томас Мюнцер. Он открыто призывал к свержению феодального строя и замене его строем,  основанном на социальном равенстве и общности имущества. Такие радикальные взгляды Лютер, как представитель бюргерства, разделять не мог и выступил против революционного понимания его учения. Хотя идеи реформации и подтолкнули в какой-то степени Крестьянскую войну 1525 года, всё же движение Лютера приняло в Германии односторонний характер: чисто религиозная борьба, вопросы вероисповедования на долгие годы заслонили более широкие задачи преобразования общественной жизни и культуры. После подавления крестьянских выступлений реформация обнаруживает всё большую узость и не меньшую, чем католическая контрреформация, нетерпимость к свободной мысли, к разуму, который Лютер объявил блудницей диаволовой. По выражению Эразма Роттердамского, науки умерли везде, где установилось лютеранство. М.Лютер Всю свою сознательную жизнь боролся с евреями и иудаизмом, а потому Гитлер охотно пользовался его авторитетом в этом вопросе. 

Многие современные православные и католики привыкли думать о себе как носителях церковной Традиции (с большой буквы), а о лютеранах и прочих протестантах как о представителях либерального, облегченного, полуцерковного христианства. Лютеранство исторически возникло как реакция на те недостатки средневековой Католической Церкви, которые воспринимались как искажение первоначальной чистоты, строгости и ясности христианской веры и церковной практики. Главным стремлением лютеран было возвратить христианство к тому, что они считали изначальной Традицией, восходящей к первым векам христианства. По многим причинам сделать это им не удалось. Но была огромная тяга к традиционному христианству, к истинному христианству, к тому христианству, которое, как считал Лютер и его последователи, было утрачено в средневековом католичестве. И лютеране создали свою Традицию, которой строго придерживались на протяжении нескольких веков.

Нельзя не упомянуть о великом И.С.Бахе,

Один известный современный богослов, на склоне лет обратившийся из лютеранства в Православие, в своей книге «Бах как богослов» высказал мнение о том, что, если бы все поэтические сочинения Лютера были почему-либо сегодня утрачены, их без труда можно было бы восстановить по баховским партитурам. Действительно, Бах положил на музыку большинство церковных гимнов Лютера. Именно эти гимны легли в основу той церковной традиции, которую с таким усердием созидали лютеране времен Баха. И сам Бах был частью этого созидательного процесса.

Во времена Баха мир уже начал двигаться к той пропасти революционного хаоса, который в период с конца XVIII по начало XX века охватит всю Европу. Младшим современником Баха был Вольтер, гуманист и деист, провозвестник идей «Просвещения». Сорок лет спустя после смерти Баха грянула французская революция, ставшая первой в ряду кровавых переворотов, совершенных во имя «прав человека» и унесших миллионы человеческих жизней. И все это делалось ради человека, вновь, как и в дохристианские, языческие времена провозглашенного «мерой всех вещей». А о Боге как Творце и Господине вселенной стали забывать.

В век революций люди повторили ошибки своих древних предков и начали возводить вавилонские башни – одну за другой. А они – одна за другой – падали и погребали своих строителей под своими обломками. Но музыка Баха остается на века!

Сегодня воскресенье, 16 ноября 2014 года.

Наши друзья пригласили нас на автобусную экскурсию, которая называлась "Соборы Петербурга".

Я когда-то писал и о буддизме, и об исламе, и об иудаизме и о католицизме. Но так сложилось, что в Питерских храмах мне удалось побывать только сегодня. Приглашаю прогуляться вместе со мной.

Мы посетим Буддийский храм, Татарскую мечеть, Католический храм, Синагогу и Лютеранский храм на Васильевском острове. Но прежде вспомним, о чем говорили раньше о сущности трех мировых религий.

Христианство

Христианство возникло в Х в. до н.э. в восточной части Римской империи — в Палестине. Христианская религия — это религия, обращенная ко всем народам. В основе ее лежат идеи мессианства, связанные с надеждами на божественного избавителя, и эсхатология, т.е. вера в сверхъестественный конец существующего мира. Имя Христос — это перевод на греческий язык иудейского религиозного термина «мессия» — «помазанник, спаситель людей».

Христианство впитало в себя идеи и представления ряда других религий, прежде всего иудаизма, из которого оно заимствовало несколько основных идей (претерпевших определенную трансформацию).

1. Идея монотеизма, т.е. признание одного Бога, сотворившего мир и управляющего им. В христианстве эта идея ослаблена учением о Божественной Троице (Бог-Отец, Бог-Сын, Бог — дух Святой).

2. Идея мессианства, идея Божественного посланца, призванного спасти людей. В христианстве развивается учение о спасении всех людей (а не только еврейского народа) через искупительную жертву Иисуса Христа.

З. Идея эсхатологии — идея гибели существующего мира в результате Божественного вмешательства. В христианстве эта идея связывается с верой во второе пришествие Христа, которая заимствована из идеологических воззрений кумранской общины — иудейской религиозной секты. Члены этой секты считали, что Мессия по своей природе человек, первое пришествие которого уже состоялось и ожидается второе. Цель первого пришествия состоит в принесении людям истинной религии и в искуплении их грехов. Второе пришествие означает конец света, прекращение жизни на Земле, воскрешение мертвых и Страшный Суд.

Основные догматы вероучения христиан:

1. Догмат о Троице. Единый Бог существует в трех лицах. Все лица существуют вечно, но Святой дух исходит от Бога-Отца (или, как полагают католики, от Отца и Сына). Единый Бог в трех лицах — образ, непостижимый для человеческого разума.

2. Основу христианства составляет вера в Спасителя — Иисуса Христа. Второе лицо Троицы, Бог-Сын, и есть Иисус Христос. Он имеет одновременно две природы (Божественную и человеческую).

З. Третий догмат связан с верой в загробную жизнь.

4. Признание существования сверхъестественных существ, например ангелов — бесплотных добрых духов, злых духов, бесов, и их повелителя — Сатаны.

Уже в 4 веке император Константин объявил христианство государственной религией Римской империи. Ныне христианство не является единым религиозным направлением. Оно распадается на множество течений. В 1054г. христианство разделилось на западную, или римско-католическую (слово «католическая» означает «вселенская»), церковь, и церковь восточную, православную. В ХУI в. в Европе началась Реформация — антикатолическое движение. В результате появилось третье главное направление христианства — протестантизм.

И православие, и католицизм признают семь христианских таинств: крещение, миропонимание, покаяние, причащение, брак, священство и елеосвящение. Источником вероучения западных и восточных христиан является Библия. Различия состоят в основном в следующем: в православии нет единого главы церкви, отсутствуют представления о чистилище; западные и восточные христиане неодинаково принимают догмат о Троице.

Католики рассматривают чистилище как место временного загробного пребывания душ, попадающих затем в ад, иди в рай. Во главе католической церкви стоит Папа Римский (от греческого «папас» — «предок, старейший, дед со стороны отца»). Папе избирается пожизненно. Центром римско-католической церкви является Ватикан — государство, занимающее несколько городских кварталов в Риме.

В протестантизме различаются три основных течения: англиканство, кальвинизм и лютеранство. Протестанты считают условием спасения христианина не формальное соблюдение обрядов, а его личную в искупительную жертву Иисуса Христа. Во время Реформации протестанты провозгласили принцип всеобщего священства, который означает, что каждый мирянин может проповедовать для протестантов характерна аскетичностъ в обрядах, например, число таинств сокращено до двух.

Ислам

Ислам возник в УII в. н.э. среди арабов Аравийского полуострова. Это самая молодая религия из числа мировых. Первоследователи ислама, мусульмане, живут в основном в Африке и Азии (слово «ислам» переводится как «покорность»; слово «мусульманин» происходит от арабского «муслим» — «верный»). Основатель ислама, Мухаммед, — личность историческая. Он родился около 570г. в Мекке. Мекка была крупным городом на пересечении торговых путей (Мухаммед в молодости занимался торгов лей). В Мекке располагалась святыня, почитавшаяся большинством племен, — языческий храм Кааба.

Мухаммед рано осиротел. Его отец умер через месяц после рождения сына. Мать умерла, когда Мухаммеду исполнилось шесть лет. Мухаммед воспитывался в семье деда, семье знатной, но обедневшей. В 25 лет он поступил в услужение к богатой мекканской вдове и вскоре женился на ней. В 40 лет, около 610г., Мухаммед выступил как религиозный проповедник. Он заявил, что Бог (Аллах) избрал его своим пророком. Проповедь не понравилась правящей верхушке Мекки, и Мухаммеду пришлось в 622г. перебраться в город Ясриб, позднее переименованный в Медину. 622 год считается началом мусульманского летосчисления, а Мекка — центром мусульманской религии.

Основа мусульманского вероучения, Коран (буквально «чтение»), представляет собой обработанные записи высказываний Мухаммеда. При жизни Мухаммеда его высказывания воспринимались как прямая речь Аллаха и передавались устно. Лишь спустя два десятилетия после смерти Мухаммеда они были записаны и составили Коран. Книга состоит из 114 глав.

В вероучении мусульман большую роль играют сунна — сборник назидательных рассказов о жизни Мухаммеда — и шариат — свод принципов и правил поведения, обязательных для мусульманина (слово «шариат» переводится как «правильный путь») Наиболее тяжкими грехами у мусульман считаются ростовщичество, пьянство, азартные игры и супружеская неверность.

Культовые помещения мусульман называются мечетями. Ислам запрещает изображать человека и животных, поэтому мечети украшаются разнообразным орнаментом.

В исламе нет четкого и строгого деления на духовенство и мирян. Муллой (священником) может стать любой мусульманин, хорошо знающий Коран, мусульманские законы (шариат) и правила богослужения. Культ ислама прост. Мусульманин должен выполнять пять основных требований:

1. Произнесение формулы исповедания Веры — «Нет бога, кроме Аллаха, и Мухаммед его пророк».

2. Совершение обязательной пятикратной молитвы (намаз).

3. Соблюдение поста в месяц рамадан. В течение этого месяца нельзя есть и пить от восхода до захода солнца.

4. Раздача милостыни бедным.

5. Совершение паломничества в Мекку.

В мире насчитывается 1 миллиард 890 миллионов христиан (1 млрд. 132 млн. католиков, 558 млн. протестантов, 200 млн. православных); 1 млрд. 200 млн. мусульман; 359 млн. буддистов. Если учесть количественный состав китайцев, индусов и евреев, то получится огромное число приверженцев соответственно таких национальных религий (философских систем), как конфуцианство, даосизм (не менее 500 млн. человек), индуизм (859 млн.) и иудаизм (20 млн.).

Соотношение верующих в России по конфессиональной приверженности (по тем же данным) представлено следующим образом. Православные христиане - 67 процентов; мусульмане - 19 процентов; православные-старообрядцы - 2 процента; буддисты - 2 процента; протестанты - 2 процента; иудеи - 2 процента; адепты иных традиционных религиозных конфессий - 1 процент; нетрадиционных - 5 процентов.

Христианство исповедует больше всего людей в мире, большинство из них - католики.

Все религии — это попытки человека познать истину Бога

В основе христианства, ислама и иудаизма в основе всего лежала огромная часть Священного Писания — Ветхий Завет. На Ветхом Завете было построено христианство, явление Христа произошло в рамках Ветхого Завета, потом вскоре же образовался иудаизм, и через несколько столетий возник ислам. Все эти три религии называются монотеистическими, то есть исповедующими веру в единого Бога, в единого Творца.

Бог единый, подходы к Нему различны.

Звезда Давида - это не только символ иудаизма. Она изображена также и на входе в Троице-Сергиеву Лавру. Дело в том, что только невежественные люди считают ее исключительно знаком иудаизма. Шестиконечная звезда была и древним христианским символом, на протяжении всего средневековья широко применялась в храмах, и на половине священных сосудов в церквах у нас имеется эта звезда. Иудаизм долго искал свой знак, и знаков таких было много, но в XVIII–XIX веке остановились на этой звезде. Звезда Давида означает Мессию — Спасителя. Если для иудаизма это Спаситель грядущий, то для нас это Спаситель пришедший. И звезда Давида воссияла в Вифлееме, над городом, и привела волхвов. Это была звезда Мессии. Так что этот знак мы толкуем с иудаистами по-разному, но обозначает он Спасителя мира.

Несколько слов надо сказать и об иудаизме.

Иудаизм - это монотеистическая национальная религия евреев. Последователи иудаизма называют себя иудеями. На вопрос, где возник иудаизм, и историки, и богословы отвечают одинаково: в Палестине. Но на другой вопрос, когда возникли монотеистические представления у евреев, они отвечают по-разному.

Как считают историки, до VII в. до н.э. у евреев была другая религия. Её называют древнееврейской религией. Она возникла в XI в до н.э. вместе с возникновением классов и государства у еврейского народа. Древнееврейская религия, как и все другие национальные религии, была политеистической. Историки считают, что монотеистические представления у евреев сформировались в религию только в VII в. до н.э. во время правления в Иудее (Южной части Палестины) царя Иосии. По мнению историков, из источников известен не только век, но и год начала перехода евреев от древнееврейской религии к иудаизму. Это был 621-й год до н.э. В этом году царь Иудеи Иосия издал указ, запрещающий почитание всех богов, кроме одного. Власти начали решительно истреблять следы многобожия: изображения других богов уничтожались; святилища, посвящённые им разрушались; евреи, приносившие жертвы другим богам, сурово наказывались, вплоть до смертной казни.

Богословы считают, что иудаизм исповедовали уже первые люди: Адам и Ева. Следовательно, время сотворения мира и человека было одновременно и временем возникновения иудаизма.

По мнению историков, этого единственного Бога евреи называли именем Яхве (“Сущий”, “Существующий”). Служители культа считают, что утверждать, будто Бога звали Яхве, нельзя, ибо если люди того далёкого времени знали имя Бога, то сегодняшнее поколение людей по определённой исторической причине Его имени не знает.

В международном справочнике “Религии мира” указано, что в 1993 году в мире было 20 млн. иудеев. Однако эта цифра, видимо, недостоверна, ибо в ряде других источников указывается, что в 1995 - 1996 годах в мире проживало не более 14 млн. евреев. Естественно, не все евреи были иудеями. 70 процентов всех иудеев проживает в двух странах мира: в США 40 процентов, в Израиле 30. Третье и четвёртое место по количеству иудеев занимают Франция и Россия - по 4,5 процента, пятое и шестое Англия и Канада - по 2 процента. Всего в этих шести странах мира проживает 83 процента иудеев.

Итак, религия — это мировоззрение, мироощущение и определяемое ими поведение людей на основе веры в существование сверхъестественной сферы. Это стремление человека и общества к непосредственной связи с абсолютом, всеобщей основой мира (Богом, богами, безусловным средоточием всего существующего, субстанцией, главной святыней).

Религиозное сознание, т. е. убеждение в реальном существовании сверхъестественного, потустороннего, в том, что источником главных ориентиров и ценностей человечества является Бог,— высшая сила в мире. Соответственно нравственные требования и нормы воспринимаются в религиозном сознании, как производное воли Бога, выраженной в его заветах, заповедях и священных книгах (Библия, Коран, Лунь-юй («Беседы и суждения»), основанных на тех или иных контактах со сверхъестественным источником (заветы Моисей получил от бога Иеговы (Яхве) на горе Фавор; Нагорная проповедь Христа — это слово Богочеловека; неграмотный Мухаммед продиктовал то, что сообщил ему Бог через ангела (архангела) Джебраила).

Религия благодаря своему универсальному характеру (она относится ко всем проявлениям жизни людей и дает им свои оценки), обязательности своих требований к выполнению основных нравственных и законодательных норм, психологической проницательности и огромному историческому опыту является составной частью культуры.

Как остроумно заметил Н.Бор, “человечество сделало два величайших открытия, одно — что Бог есть, второе — что Бога нет”. И, возможно, не столь важно, какой из этих точек зрения придерживается каждый из нас в своём самоопределении в мире, а важно найти ту дорогу, которая приведёт нас к Храму.

БУДДИЗМ

Итак, первым местом нашего паломничества в конце Приморского проспекта был   Санкт-Петербургский буддийский храм  «Дацан Гунзэчойнэй». Тибетское слово «дацан» означает «монастырская школа», в которой монахи живут по законам винаи (канон монашеской дисциплины) и изучают различные разделы Учения. «Гунзэчойнэй» в переводе с тибетского означает «Источник Святого Учения Всесострадающего Владыки-Отшельника».

По свидетельству летописцев Санкт-Петербурга, первые буддисты на берегах Невы появились во время строительства Петропавловской крепости, с которой, как известно, и началась новая столица России. Это были волжские калмыки - подданные Калмыцкого ханства, еще не вошедшего окончательно в состав России, трудившиеся вместе с другими работными людьми над возведением каменных валов крепости (после 1706г.). Жили они неподалеку, в Татарской слободе, расположенной за кронверком (в районе Большой Спасской улицы). О том, сколько их было и как долго они пробыли в Петербурге, сведений не сохранилось. В более поздних источниках XVIII - середины XIX веков мы, однако, уже не находим упоминаний ни о калмыках, ни о каких-либо других представителях буддийской конфессии среди жителей российской столицы. Буддийская община в Санкт-Петербурге стала складываться лишь в самом конце XIX столетия. Согласно переписи населения 1869г., в городе проживал лишь один буддист, записавшийся разночинцем. В 1897г. насчитывалось уже 75 буддистов, а в 1910 - 184 (163 мужчины и 21 женщина). В этническом отношении это были в основном забайкальские буряты и волжско-донские калмыки, выходцы с "восточных окраин" Российской Империи. Селились они, как правило, на Петербургской стороне (буряты) и в Литейных частях (калмыки).

Представитель Далай-ламы в России Агван Доржиев получил разрешение на строительство храма в столице в 1900 году. Деньги на строительство были пожертвованы Далай-ламой XIII, Агваном Доржиевым, а также собраны буддистами Российской империи. Храм был построен архитектором Г. В. Барановским в соответствии с канонами тибетской архитектуры. Строительство продолжалось с 1909 по 1915 год, однако первые службы в храме начали уже в 1913 году. Освящение храма состоялось 10 августа 1915 года. Настоятелем был лама Агван Лобсан Доржиев.

Новому Буддийскому храму Санкт-Петербурга посчастливилось стать самым первым в Европе буддийским монастырем. 

В годы революции 1917 года, храм был разграблен и закрыт. Затем, здание передавали то одному государственному учреждению, то другому. Пока, в 1990 году, не вернули буддистам.

На территории, окруженной высокой стеной присутствуют все атрибуты буддийской символики – молитвенные барабаны, платки ветра, вход стерегут тибетские тигры.

В основе буддизма лежит теория круга причинности (день сегодняшний является следствием дня вчерашнего и причиной завтрашнего) и концепция перевоплощения душ (если человек несчастлив, значит, он расплачивается за грехи, совершенные в своем предыдущем существовании). Кроме того, краеугольным камнем буддизма являются еще «четыре возвышенные истины».

1. Жизнь человеческая полна страданий.

2. Причина страданий заключается в неосуществленных желаниях.

3. Чтобы избежать страданий, надо подавлять свои желания.

4. Достичь этого можно, если идти по пути из восьми шагов – сделать праведными свои воззрения, намерения, поступки, быт, речь, стремления, мысли, волю.

Тот, кто пройдет эти восемь шагов, достигнет Нирваны – просветления и вырвется из бесконечного круга перевоплощений. Будда был первым человеком, кто прошел длинный круг перевоплощений и достиг просветления.

И лишь напомню вам то, что считаю важным.

14 заповедей Будды

1. Самый большой враг в жизни человека - это он сам.

2. Самая большая глупость в жизни человека - это ложь.

3. Самое большое поражение в жизни человека - это надменность.

4. Самая большая печаль в жизни человека - это зависть.

5. Самая большая ошибка в жизни человека - потерять самого себя.

6. Самая большая вина в жизни человека - неблагодарность.

7. Самое достойное сожаления в жизни человека - умаление своего достоинства.

8. Самое достойное восхищения в жизни человека - подняться после падения.

9. Самая большая утрата в жизни человека - потеря надежды.

10. Самое большое достояние в жизни человека - здоровье и разум.

11. Самый большой долг в жизни человека - искренние чувства.

12. Самый большой дар в жизни человека - великодушие.

13. Самый большой недостаток в жизни человека - непонимание.

14. Самое большое утешение в жизни человека - добрые дела.

Во дворе можно покрутить барабаны, и тогда вознесутся 10800 молитв, послушать, как ветершелестит записочками, привязанными к ветвям деревьев и потом проийти в храм и подумать о мироздании. Низойдет к вам просветление и наступит нирванна. У буддистов существует поверье: если загадать самое невероятное желание и, думая о нем, повязать возле храма цветную ленточку, оно непременно сбудется. Благодаря этому, ограда храма, а также, все деревья и кусты на подходах к нему, украшены разноцветными кусочками ткани от тех, кто пришел сюда со своей мечтой.

Послушайте, как хорошо Борис Гребенщиков рассказывает о том,что такое буддизм и посмотрите фильм и вы сможете стать просветленным 

А еще послушейте восхваление Кришне в исполнении все того же Гребенщикова.

Адрес:

Приморский проспект, дом 91

Как добраться:

От метро Старая деревня по Торфяной дороге направо. Она переходит в Липовую аллею, которая упирается в приморский проспект и набережную Большой Невки. Здесь, на углу и находится Буддийский храм. (примерно 600 метров)

Проехав через мост Ушакова по пути на Каменноостровский прспект экскурсовод обратила наше внимание на церковь Рождества Иоанна Предтечи и рассказала об ее истории. 

Осенью 1765 года Екатерина II подарила Каменный остров, бывший пригородом Петербурга, своему сыну, наследнику престола, великому князю Павлу Петровичу, будущему императору Павлу I. Возникла необходимость строительства здесь Каменноостровского дворца - летней резиденции наследника престола. И обязательной при нём домовой церкви, которая и была построена менее чем за два года, - гораздо раньше, чем достроили сам дворец и отделали его интерьеры. Архитектура православной церкви, порой смущающая наших современников своим готическим видом, сохранилась до наших дней почти неизмененной. Выбор неоготического стиля вполне соответствовал вкусам наследника престола, интересовавшегося западноевропейским культурным наследием, и отвечал вообще архитектурным изыскам петербургского общества эпохи, переходной от барокко к классицизму, в которых часто обращались к "древнему?заморскому", интересному и необычному - от китайских мотивов до древнеримских, итальянских.

Цесаревич Павел Петрович оказался оригинален в выборе художественных форм для своей церкви, - неоготическая стилизация под западноевропейскую средневековую капеллу была с большим изяществом воплощена в постройке выдающимся архитектором Юрием Матвеевичем Фельтеном, в то время директором Академии Художеств. Церковь заложили 17 мая 1776 года и по окончании строительства освятили в память Рождества Иоанна Предтечи 24 июня 1778 года.

Возведена церковь, как писалось в путеводителе по Санкт-Петербургу 1839 года, "собственным иждивением императора Павла I"1 в бытность его еще наследником престола. Государю угодно было во время своего пребывания на любимом им Каменном острове иметь молитвенный дом для своей особы, а вместе с тем удовлетворить необходимой душевной потребности обывателей Каменного острова, состоявших из придворных служителей, воинских нижних чинов, живших в казармах на сем острове и пансионеров, содержавшихся в Каменноостровском Инвалидном доме на адмиральском жаловании цесаревича".

Мало кто знает и Каменноостровском дворце Павл Петровича. Который в полной красе можно увидеть только со стороны Невы или из Лопухинского садика.

Каменноостровский дворец является блестящим памятником архитектуры классического стиля. Бывшая загородная резиденция российских царей была построена в Санкт-Петербурге на Каменном острове, подаренном в 1765 году Екатериной Второй своему сыну Павлу I. Строительство велось под надзором архитектора Михаила Фельтена в период с 1776 по 1779 годы, и было завершено Джакомо Кваренги в 1782. Если посмотреть на план, то можно заметить, что дворец выстроен в виде буквы «П».

Павел I и его супруга довольно быстро охладели к этой резиденции. И в 1797 году после коронации император предоставляет Каменный остров и, соответственно, сам дворец в распоряжение последнего польского короля Станислава-Августа Понятовского.

Дворец снова становится любимой резиденцией императорской семьи в 1801 году после вступления на престол Александра I. Он проводит здесь столько времени, что даже поручает архитектору Луиджи Руска сделать проект своего кабинета, который и был возведен в 1808-1811 годах над вторым этажом жилого флигеля. Именно здесь в 1812 году Александр I поручает Кутузову возглавить русскую армию в борьбе с Наполеоном.

После национализации 1918 года во дворце в разное время размещались госпиталь, колония для беспризорников и дом отдыха. Говорят, что год назад во дворце была проведена реставрация, но для посетителей он еще не открыт.

Следующую остановку мы сделали на Троицкой площади около Соборной мечети.

Ислам в переводе с арабского значит покорность, от этого слова образуется слово «муслим», что значит «покорный», «покорившийся Богу»,  Слово «муслим» в нашем языке произносится как  «мусульманин». Поэтому когда мы слышим слово «мусульманин», мы должны знать, что это не просто последователь Мухаммада (мир ему), как например христианин последователь Христа, кришнаит Кришны, а иудей представитель клана иудеев. Мусульманин — это человек покорившийся своему Создателю, смирившийся перед Ним, поклоняющийся только Ему Одному и ни кому кроме Него.

Какова же история Ислама, история покорности Богу? Когда появились первые мусульмане?

Давайте вернемся во времена предшествовавшие созданию этого мира.

Вначале Всевышний сотворил письменную трость и велел ей написать все сущее до самого Судного Дня в Хранимой Скрижали и перо выполнило приказ, данный ему Аллахом — оно вписало в небесной Книге всё, что произойдет в будущем, тем самым покорившись своему Создателю и став первым представителем религии Ислам.

Затем Аллах создал ангелов, Он создал их из света и все они были покорны Ему, все они были мусульманами, никто из них не ослушался приказов Всевышнего. Они и по ныне выполняют всё, что велит им их Господь. Аллах укрепил их настолько сильной верой и одарил их такой праведностью, что они никогда не прекращают быть покорными-мусульманами и всегда остаются в лоне Ислама.

В мае 1881 года татарская община Санкт-Петербурга обратилась к правительству Российской империи с прошением о разрешении строительства мечети в Санкт-Петербурге, но инициатива петербургских мусульман понимания у властей не нашла. Вопрос о постройке Соборной мечети снова был поднят в 1904 г. при встрече русского императора Николая II с эмиром Бухарским и получил высочайшее дозволение. Петербургским татарам разрешалось приобрести участок земли для строительства мечети. Тогда же эмир пожертвовал крупную сумму для покупки земли на Петербургской стороне, был проведен архитектурный конкурс и в дальнейшем начались проектные и строительные работы.

На конкурсе первой и второй премиями были отмечены проекты архитектора Н.В.Васильева, соавторами проекта были гражданский инженер С.С.Кричинский, который занимался конструктивными решениями, и архитектор А.И. фон Гоген. Рекомендации для конкурса были разработаны ахуном Атауллой Баязитовым. Требовалось соорудить мечеть в два яруса, с хором, со строгим внутренним убранством, с дополнительным подвальным помещением для размещения верующих во время ежегодных мусульманских праздников.

Итоги конкурса были подведены 11 марта 1908 года. Всего было рассмотрено 45 проектов. Архитектор Н.В. Васильев предлагал за образец взять мавзолей Гур-Эмир в Самарканде

Церемония официальной закладки Соборной мечети была  приурочена  к 25-летнему юбилею правления эмира Бухарского и состоялась 10 февраля 1910 года. 21 февраля 1913 г. в здании мечети, в присутствии почетных гостей было совершено первое торжественное богослужение,  приуроченное к празднованию 300-летия царской династии Романовых.

В августе 1911 года Н. В. Васильевым был составлен проект дома для омовений. В сентябре получено разрешение на строительство, разобран деревянный флигель, на его месте к осени 1913 года появилось новое сооружение.  К концу 1914 г. основные работы по внутренней отделке здания были завершены,  но техническое оснащение и декоративная отделка здания продолжались и после революции. Начало Первой Мировой войны существенно замедлило ход работ.
В сентябре 1915 года Соборная мечеть была открыта  для платного осмотра, таким образом, собирались деньги необходимые для достройки храма.

Первое богослужение в мечети произошло в феврале 1913 года и было приурочено к 300-летию дома Романовых.

В 1924 г. была  конфискована часть имущества мечети. Были изъяты и переданы в Антиквариат большой ковер, четыре бронзовых фонаря, три люстры, мебель. В июне 1940 года богослужения были прекращены, имущество мечети изъято (в т.ч. Коран, написанный в 1236 г., серебряные лопатка и молоточек, которые использовались при закладке, а также иное имущество). Здание было передано Ленгорздравотделу под склад медицинского оборудования. Многочисленные обращения верующих ленинградской мусульманской общины в послевоенные годы, которая к началу 1950-х годах  насчитывала  15 000 человек, ходатайства президента Индонезии доктора Сукарно, премьер-министра Индии Джавахарлала Неру возымели действие, и в 1955 г. здание мечети было возвращено Религиозному обществу мусульман Ленинграда.

18 января 1956 года богослужения в мечети были возобновлены. В 1968 году здание Соборной мечети Решением исполкома Ленгорсовета было поставлено под государственную охрану как памятник архитектуры и зодчества.

Размеры здания мечети: длина - 45 м., ширина - 32 м., высота главного купола - 39 м., высота 2-х минаретов (Западного и Восточного) по 48 м., вместимость - до 6000 человек.

Сколько в Петербурге мусульман, не знает никто. По оценке их от нескольких десятков тысяч до 800 тысяч человек.

Сколько в Петербурге мусульманских общин, и где они собираются, как оказалось, тоже никто не знает.

Более того, никто не знает, сколько человек в России исповедуют ислам, и где все они молятся. Такая странная ситуация сложилась из-за того, что у мусульман в России нет ни единого лидера, ни какого-либо централизованного управления. Сегодня на территории страны действуют три - пять крупных мусульманских центров. 

Самые влиятельные мусульманские структуры на сегодня: Совет муфтиев России (СМР) в Москве , Центральное духовное управление мусульман (ЦДУМ) в Уфе и Координационный центр мусульман Северного Кавказа (КЦМСК) в Черкесске. Этим централизованным объединениям  подчиняются мусульманские общины, расположенные по всей стране. По их собственным подсчетам,  московскому Совету муфтиев подконтрольны более 2000 общин, уфимскому ЦДУМу - более 1500, а Северокавказскому центру - более 3500. Но последний действует только на территории Северного Кавказа, Калмыкии и Краснодарского края. Поэтому основная борьба за мусульманские души на всей остальной территории страны идет между двумя оставшимися структурами - Советом муфтиев России и Центральным духовным управлением мусульман.

Мусульман объединяют их общие праздники. Но по-настоящему об исламе люди знают мало.

Адрес:

Санкт-Петербург, Кронверкский проспект, дом 7

Как добраться:

Метро Горьковская. Из метро повернуть направо, по подземному переходу перейти Каменноостровский проспект и пройти по Кронверкскому проспекту (вдоль трамвайных путей) 150 метров.

Римско-католическая церковь в Санкт-Петербурге

Следующая остановка нашего автобуса состоялась на 1-й Красноармейской улице около военмеха.

Я никогда не знал, что здесь в неприметном снаруже доме №11 находится главный Храм Римской католической церкви в Санкт-Петербурге Собор Успения Пресвятой девы Марии.

Вплоть до царствования Екатерины II система управления латинскими церквами и общинами, вследствие многочисленности органов по наблюдению за ними без четко очерченных рамок их компетенции, являлась несовершенной. Из-за отсутствия специальных правил деятельности общин и закрепленных за определенными ее членами полномочий поступало в имперские канцелярии огромное количество жалоб от российских подданных-католиков на служителей их церквей. Петербургские прихожане жаловались императрице на своего настоятеля, который, по их мнению, «считает деньги костела как свои собственные». В ответ Екатерина II повелела Коллегии юстиции разработать специальный Регламент, охватывающий деятельность петербургской и прочих католических церквей.Очень важно, что Петербургский костел св. Екатерины Александрийской на Невском проспекте официально был признан главным католическим храмом страны, а начальник петербургского прихода, получивший статус патера-супериора, имел власть над католическим духовенством всей России. Такое правовое признание соответствовало реальному положению петербургского прихода, переживавшему пору расцвета и посещаемому знатью.

Известно, что правовой статус Римско-католической церкви в России коренным образом изменился с учреждением Могилевского (Белорусского) епископства, которое окончательно разорвало формальную подчиненность российских католиков папе Римскому и одновременно внесло ясность в дела управления Римской церковью и ее прихожанами. Повеление императрицы от 14 декабря 1772 г. («О препоручении в духовное управление католическому епископу римских католических монастырей и церквей, как в присоединенных от Польши провинциях, так и во всех городах находящихся») предписывало всем католическим церквам и монастырям Российской империи подчиняться только юрисдикции будущего епископа, который должен был отвечать за духовные дела всех приходов и деятельность всех приходских священников. Именной указ об учреждении Белорусской епархии от 22 ноября 1773 г. утвердил в должности епископа Станислава Богуша-Сестренцевича и распространил его епископские решения на католические приходы, в том числе и петербургский 

После присоединения к России земель Речи Посполитой для окормления многочисленного католического населения империи, 17.01.1782 года Екатерина 2  основала Могилевскую архиепарию. После переговоров с Апостольским Престолом архиепископия была утверждена канонически, ее столицей стал город Могилев(совр. республика Беларусь), а кафедральным собором- бывшая кармелитская церковь Успения Пресв. Богородицы. Соответствующая булла,Pastoralis sollicitudo, была издана нунцием Дж. Аркетти 19.07.1783 г. Митрополиты, начиная со Станислава Богуш-Сестрженцевича, почти постоянно проживали в Петербурге.

13.11.1801г.  Александром 1  был подписан указ о создании Римско-Католической Коллегии МИД- государственного органа по контролю за Католической церковью в России (аналог Святейшего Синода в Православной церкви). 

В функции коллегии входили сбор и регистрация сведений о католических храмах и монастырях России, решение дел лиц, изъявивших желание принять монашество, а также лиц, желающих перейти в католичество из ислама, иудаизма и язычества (переход в католичество изправославия до 1905 года был в России запрещён). Коллегия также вела финансовый контроль средств, расходуемых на нужды Католической церкви в России, решала вопросы строительства новых и ремонта существующих храмов. В 1805 году коллегия была разделена на два департамента — римско-католический и греко-католический, последний был преобразован в 1828 году в отдельную Греко-католическую коллегию.

Существовавшая с самого своего основания в Санкт-Петербурге, Коллегия не однократно меняла место пребывания (значительную часть времени она "временно" находилась в здании Двенадцати Коллегий ). 08.03.1837г. ее председатель просил министра Д.Н.Блудова "исходатайствовать разрешение на покупку дома для архива и присутствия". В 1848г. Римско-Католическая Коллегия приобрела у наследников поэта Г.Р. Державина участок земли и дом по Фонтанке(д.118). К 1852г. здания были основательно перестроины и расширены по проекту архитектора А.М. Горностаева.Коллегия существовала до 1917года.   

Опера Римского-Корсакова «Моцарт и Сальери»

К сожалению, это замечательное произведение Римского-Корсакова недооценено. Интересна история создания этой оперы.

В начале 1897 года Римский-Корсаков положил на музыку небольшую сцену из «маленькой трагедии» Пушкина «Моцарт и Сальери». Летом композитор написал еще две сцены, а в августе того же года завершил оперу. Многие причины побудили его обратиться к этому сюжету.

«Лучшей биографией Моцарта» назвал А. К. Лядов пушкинскую трагедию. Римский-Корсаков преклонялся перед Пушкиным. Особенно пленяла его мудрость поэта в прославлении оптимического, этически совершенного начала в деятельности человека. Сам композитор стремился отразить в своей музыке светлые стороны жизни. «Сочинение это, — указывал композитор, — было действительно чисто голосовым; мелодическая ткань, следящая за изгибами текста, сочинялась впереди всего; сопровождение, довольно сложное, образовалось после, и первоначальный набросок его весьма отличался от окончательной формы оркестрового сопровождения».

В ноябре 1897 года Римский-Корсаков показал «Моцарта и Сальери» у себя на дому. «Всем понравилось. В. В. Стасов много шумел», — позже отмечал композитор. Публичная премьера состоялась 6 (18) ноября 1898 года на сцене Русской частной оперы (театр С. И. Мамонтова). В роли Сальери выступил Ф. И. Шаляпин, имевший большой, все более возраставший успех. Гениальный актер очень любил эту роль и, по его желанию, опера часто давалась русскими музыкальными театрами. (На сцене петербургского Мариинского театра впервые была поставлена в 1905 году). В музыке возник новый стиль. Это была дань времени.

«Новый стиль, — говорил Римский-Корсаков, — можно было бы охарактеризовать словом „пластический“, и этот тип музыки особенно ясно сказался в романсах, а также в ариозном стиле речитативов „Садко“ и „Моцарта и Сальери“». Сразу после окончания «Моцарт и Сальери» был отдан для разучивания мамонтовской труппе, но композитор в данном случае не был уверен в пригодности сочинения для сцены. В письме к Крутикову, исполнявшему роль заведующего репертуарной частью при Частной опере, он выражает сомнения: «Боюсь, что оркестр „Моцарта“ слишком прост и скромен (что между тем необходимо) и требует тонкой отделки, так как в нем нет обычной современной пышности, к которой все привыкли теперь. Боюсь также, не есть ли „Моцарт“ просто камерная музыка, способная производить впечатление в комнате, с фортепиано, без всякой сцены, и теряющая все свое обаяние на большой сцене.

Директор Музыкально драматического училища Московского филармонического обществаСемен Николаевич Кругликов писал Римскому - Корсакову :"Ваша пьеса при внимательном слушании... просто потрясает. <...> Это большое произведение. Конечно, его интимность, его уклонение от общеоперных эффектов — не для ежедневной оперной публики... но все-таки она — большое произведение...». Несколькими месяцами ранее, после прослушивания оперы в исполнении Шаляпина (он пел обе партии) под аккомпанемент Рахманинова, подобное впечатление выразила Н. И. Забела: «Музыка этой вещи такая изящная, трогательная и вместе с тем такая умная...».

В некоторых рецензиях после премьеры высказывалось мнение, что, при удачной в целом «декламации» и «интересной» музыке, композитор оказался здесь поглощенным поэтическим текстом и звук в опере только оттеняет слово. Казалось бы, это мнение перекликается с суждением самого композитора о стиле «Моцарта и Сальери»: «Этот род музыки... исключительный и в большом количестве нежелательный... а написал я эту вещь из желания поучиться... Это, с одной стороны, чтобы узнать, насколько это трудно, — а с другой и сверх того, из-за несколько задетого самолюбия». Однако музыкальная драматургия произведения отнюдь не копирует источник, она ставит свои акценты в пушкинской «маленькой трагедии».

В превосходных анализах «Моцарта и Сальери», выполненных А. И. Кандинским, показано, как это происходит (Кандинский А. И. История русской музыки. М., 1979. Т. II. Кн. 2; Кандинский А. И. О музыкальных характеристиках в операх Римского-Корсакова 1890-х годов). Прежде всего, если у Пушкина центром трагедии, бесспорно, является фигура Сальери, то в опере главенствует образ Моцарта и его искусства, что глубоко согласуется с общей концепцией творчества Римского-Корсакова, направленной всегда к идеалу гармонии. Это выражено в композиции двух сцен оперы: первая сцена представляет собой концентрическую форму, где монологи Сальери обрамляют его беседу с Моцартом, ядро которой — импровизация Моцарта; сердцевина второй сцены — рассказ Моцарта о «черном человеке» и Реквием. По наблюдению А. И. Кандинского, различие персонажей выражено в различных типах их музыкально-интонационной характеристики. Так, в партии Сальери преобладает речитативно-ариозное письмо, близкое манере «Каменного гостя»; в партии же Моцарта не только постоянно возникают фрагменты его музыки — изящная ария из «Дон-Жуана», фортепианная импровизация, стилизованная Римским-Корсаковым по образцу Сонаты и Фантазии ре минор, фрагмент Реквиема (для сравнения: в партии Сальери цитировано лишь два такта из его «Тарара», и напевает эти такты не автор, а Моцарт), но и речевые эпизоды носят мелодический, завершенный характер: личность Моцарта — сама музыка. Кроме того, имеет значение стилистическое наклонение партии Сальери к признакам «домоцартовской» эпохи, интонационно-жанровым элементам «серьезного», «высокого» стиля — тема в духе сарабанды из оркестрового вступления, полифонический эпизод из первого монолога Сальери («Когда высоко звучал орган...») и т. д. Этот «строгий стиль» в соседстве со «свободной» музыкой Моцарта создает определенный драматургический контраст.

Как эстетический феномен «Моцарт и Сальери» — в высшей степени интересное произведение.

Хормейстер нашего хора выпускников СПбУниверситета Филипп Селиванов пригласил нас на премьеру оперы, которую ставит Молодежный оперный театр Дома молодежи "Рекорд" (Садовая 75)

Филипп Селиванов
Музыкальный руководитель и главный дирижёр Молодежного опреного театра

Творческая биография Филиппа Селиванова:

Родился в 1992 году в СПб. В 1999 году поступил в Хоровое училище им. М.И. Глинки, где учился дирижированию, игре на фортепиано, скрипке, флейте, вокалу, хоровому искусству.
В 2010 году окончил Хоровое училище с отличием и поступил в Санкт-Петербургскую Консерваторию им. Н.А. Римского-Корсакова (класс хорового-дирижирования проф. Хитровой Т.И.)
В 2013 году поступил в Консерваторию (класс оперно-симфонического дирижирования проф. Полищука А.И.)
Как дирижер выступал с различными коллективами в Капелле, актовом зале СПбГУ, Петеркирхе, малом зале им. Глазунова Санкт-Петербургской Государственной Консерватории.
Является музыкальным руководителем и главным дирижёром Санкт-Петербургского Молодёжного Оперного Театра.

А это зал Дома молодежи "Рекорд", где будет представлена великая опера моего любимого русского композитора
Николая Андреевича Римского Корсакова "Моцарт и Сальери". Удачи вам, ребята.

Молодежный оперный театр создают молодые для того, чтобы пропагандировать искусство камерного оперного театра.

А что такое камерный театр?

Камерный театр — Всем известно, что слово камерный произошло от итальянского слова camera - комната. Когда то давным-давно, когда еще не было ни концертных залов, ни филармоний и тд, музыкальные произведения исполнялись дома у любителей прекрасного. Соответственно состав исполнителей и инструментов был небольшим, так же как и число зрителей. Так появилась камерная музыка – музыка, предназанченная для исполнения не в большом зале театра или в церкви, а в комнате, музыка домашняя (комнатная) . 

В XVIII-XIX веках камерная музыка звучала в гостиных, в салонах, в небольших залах. При дворах были даже специальные должности камер-музыкантов. Несмотря на изменение социальных условий, камерная музыка не исчезла, она получила новые, более демократичные формы бытования в XIX и в XX веке.

Обстановка камерного музицирования предполагает довольно непринужденную атмосферу, когда слушатели и исполнители находятся близко друг к другу. В отличие от больших залов и театров, в камерной обстановке исполнители могут знать всех своих слушателей, хорошо их видеть, играть и петь специально для конкретных знакомых людей, обращаться к ним своим искусством.

Это накладывает отпечаток и на музыку, которая отличается тонкостью, доверительностью, изысканностью, углубленностью. Камерная музыка рассчитана на более узкий круг слушателей, искушенных в этом виде искусства.

Обладая способностью глубоко проникать во внутренний мир человека, камерная музыка, когда ее слушаешь, кажется, написана специально для тебя. Когда вечером ее иногда слышишь по радио, дома становится уютнее, теплее, появляется ощущение комфорта, несуетности, стабильности, традиционности.

Жанров и форм камерной музыки великое множество: сонаты, дуэты, трио, квартеты, квинтеты, секстеты и т. д., романсы, всевозможные миниатюры (ноктюрны, прелюдии, интермеццо и т. п.). Камерными могут быть концерты, кантаты, фантазии, сюиты, фуги. В XX веке стали писать произведения, которые так и называются "камерная музыка".

Стали создаваться камерные театры.

Камерный – означает предназначенный для небольшого, узкого круга слушателей, зрителей. Здесь не имеет право на существование ни одна неверная фальшивая нотка. Слишком все близко, сцена и зрительный зал – на расстоянии вытянутой руки друг от друга.

Камерный театр существовал в семье Юсуповых в их доме на Мойке, по форме он был точной копией Большого театра, но по размеру зал был рассчитан на 150 мест, а в доме была также акустическая музыкальная гостиная и зал для приемов, где оркестр располагался на втором этаже.

В 1910 году по инициативе графа Александра Дмитриевича Шереметева в доме на углу Невского и Большой Морской улицы (ныне Невский пр-т, дом 16) был создан домашний театр, состоящий из камерного оркестра и хора.

В Эрмитаже также был небольшой театр — Эрмитажный, в котором давались представления.

Представление в Эрмитажном театре

В центре Петербурга, красуется небольшой уютный особняк на улице Галерной, в конце XIX века принадлежавший барону Сергею Петровичу фон Дервизу.

Дворянский род русских немцев фон Дервизов, насчитывающий более трёхсот лет, во все времена славно служил России. Среди его представителей — офицеры, правоведы, сенаторы, коннозаводчики, учителя, врачи, живописцы, геологи, историки, строители, горные инженеры, учёные, художники, певцы и композиторы.

В этом ряду общественный деятель, меценат, благотворитель и коллекционер Сергей Павлович фон Дервиз. 

Все представители рода фон Дервизов были очень музыкальны, Сергей и его брат Павел получили прекрасное музыкальное образование. Их отец строил железную дорогу вместе с миллионером К.Ф. фон Мекком, жена которого Надежда Филаретовна была покровительницей композитора Петра Ильича Чайковского. Брат Павла Григорьевича фон Дервиза, дядя Сергея Иван учился вместе с Петром Ильичом в Училище правоведения. Н.Ф. фон Мекк любила проводить сезон в Ницце, где встречалась с семейством Павла Григорьевича, а с Иваном Григорьевичем её связывали очень тёплые отношения. Имея такие знакомства, Дервизы могли приглашать к своим детям лучших педагогов-музыкантов. Встречаются в литературе о фон Дервизах упоминания, что сам Чайковский давал уроки музыки Сергею. Не удивительно, что Сергей стал прекрасным пианистом и даже сочинял музыку. В нотном отделе Российской государственной библиотеки сохранилась партитура романса для голоса и фортепиано на музыку и слова Сергея фон Дервиза «Как любила я летнюю пору», которая была издана Юргенсоном в 1888 году в Москве.

Слева на фотографии С.П. фон Дервиз музицирует со своей женой.

С.П. фон Дервиз был почётным членом Петербургского отделения Российского музыкального общества, основанного в 1858 году. Именно он организовал в своем особняке на Галерной улице домашний театр, где в 1987 году возник Камерный театр "Санкт-Петербургская опера" 

Этот театр был создан режиссером Юрием Александровым в то время, когда возникла потребность общества в новых творческих идеях. Вопреки всем трудностям периода «перестройки», театр, задуманный как творческая лаборатория, сразу занял видное место в музыкально-театральном Петербурге, завоевав репутацию «живого оперного театра», «театра поиска».

Со временем Камерный театр вырос в профессиональный Государственный театр «Санктъ-Петербургъ Опера», хорошо известный по всей России, а также далеко за ее пределами.

История особняка включает несколько эпох. От домашнего театра фон Дервизов до театральной площадки Всеволода Мейерхольда, от советского Дома культуры до театра Юрия Александрова.

И вот теперь в Петербурге возникает новый Молодежный оперный театр. Хочется пожелать и этому театру всяческих успехов. Дорогу осилит идущий.

Послушайте арию Сальери в исполнении Ф.И.Шаляпина

Классическая музыка

Она великолепна, она заставляет душу звучать в унисон с мировой гармонией и пробуждает в нас лучшие чувства. Классическая музыка. Для того, чтобы понимать ее, не обязательно иметь консерваторское образование, не нужно знать ничего о контрапункте, форшлагах, мордентах и прочих профессиональных терминах.

AdMe.ru собрал 25 классических, неоклассических и даже псевдоклассических произведений, к которым невозможно остаться равнодушным.

Откиньтесь на стуле, кресле или диване, наденьте наушники, закройте глаза и погрузитесь в богатый, невообразимо прекрасный мир музыки.

Петр Чайковский — Концерт для фортепиано с оркестром № 1

Первый фортепианный концерт Чайковского в классике — все равно что Yesterday в поп-музыке. Аккорды, которыми начинается произведение, знают во всем мире. Пианист Андрей Гаврилов отзывался о первом концерте так: «это музыкальное сочинение, как бы сотканное из мелодических модуляций человеческой души, эта поющая, симфоническая философия жизни, этот сладкий русский симфонический экзистенциализм принадлежит едва ли не к десятку лучших созданий человеческого гения».

Сергей Рахманинов — Элегия

Лирично-драматичная «Элегия» является одним из самых известных и любимых ценителями произведений Рахманинова. Абсолютно живая, мощная, печальная и невыносимо прекрасная. Она не отпускает от первой и до последней ноты.

Remo Giazotto — Adagio Albioni

Пьеса была восстановлена на основе фрагмента Томазо Альбинони, который был найден среди развалин библиотеки в Дрездене, разрушенной во время Второй мировой войны. Проникновенная и печальная мелодия, она не зря неоднократно использовалась в кино и является одним из самых исполняемых музыкальных произведений второй половины XX века.

Эдвард Григ — Танец Анитры

Эдвард Григ написал музыку к пьесе Генрика Ибсена «Пер Гюнт». Анитра — девушка, с которой Пер Гюнт встречается во время своего странствия. Ее танец — легкий, изящный, грациозный. Музыка очень изменчива, словно насмешливый и непостоянный нрав Анитры. Она очаровывает, навевая сладостные грезы.

Антонио Вивальди — Концерт ля-минор для скрипки с оркестром

Наиболее известной работой Антонио Вивальди является серия из четырёх скрипичных концертов «Времена года». Но у этого композитора еще очень много прекрасных композиций. Вот одна из них.

Ernesto Cortazar — Beethoven’s Silence

Эрнесто Кортазар — мексиканский композитор и пианист. Небольшое недоразумение произошло с произведением композитора Beethoven’s Silence. Кто-то случайно убрал фамилию Кортазара и в итоге получилось: Beethoven — Silence. С таким названием она и распространилась по сети. Однако автору было даже приятно, что некоторые не заметили разницы между ним и Бетховеном.

Фредерик Шопен — Вальс № 7

Этот вальс — яркий пример того, как в произведении продолжительностью всего в несколько минут может воплотиться весь гений композитора. Седьмой вальс написан во время разрыва с Жорж Санд, любимой женщиной Шопена, с которой он прожил десять лет. Головокружительная и зыбкая композиция помогает прочувствовать переживания композитора.

Сергей Прокофьев — Танец рыцарей

В «Танце рыцарей» из балета «Ромео и Джульетта» Прокофьев передал враждебные настроения двух кланов. Экспрессивная музыка как нельзя лучше создаёт образ мстительности, жесткости и заносчивости.

Ludovico Einaudi — Experience

Итальянец Людовико Эйнауди — один из тех, кто упорно продолжает писать классическую музыку и в XXI веке, прививая любовь к ней молодым людям. Его произведения, главная роль в которых отведена фортепиано, безупречны и наполнены как традициями, так и современностью.

Людвиг ван Бетховен — Соната № 17

Соната № 17 — психологический портрет композитора. Год, когда была написана композиция, — период трагических размышлений, мыслей о самоубийстве в связи с глухотой, крушений надежд на личное счастье. Все переживания автора вылились в «Бурю» (неофициальное название этого произведения).

Дмитрий Шостакович — Вальс № 2

С этим вальсом из так называемой «Джазовой сюиты» Шостаковича связано много загадок. Психологических, идеологических и даже политических. Но мы не будем пытаться разгадать их, а просто насладимся великолепием этой композиции.

Вольфганг Амадей Моцарт — Реквием

Последнее, незавершённое произведение композитора, над которым он работал перед самой смертью, — траурная заупокойная месса, написанная на канонический латинский текст. Сочинение завершили ученики Моцарта, тем не менее, «Реквием» является одним из наиболее известных и важнейших его творений.

James Horner — A Kaleidoscope Of Mathematics

Великолепная биографическая кинодрама «Игры разума», рассказывающая о жизни лауреата Нобелевской премии Джона Нэша, отлично дополняется загадочной и немного грустной музыкой американского композитора Джеймса Хорнера.

Морис Равель — Болеро

«Болеро» Равеля завораживает своей цикличностью, повторами и все нарастающей громкостью, доходящей к концу произведения до идеала.

Иоганн Штраус — Сказки венского леса

Это один из самых длинных вальсов Штрауса, и, безусловно, один из самых красивых.

Иоганн Пахельбель — Канон ре мажор

Иоганн Пахельбель — один из важнейших композиторов XVII века, неоценимо много сделавший для музыки барокко. А еще он учил музыке маленького Иоганна Себастьяна Баха. Но большинство знает мастера по Канону в ре-мажор. Считается, что по этому яркому произведению невозможно составить представление о творчестве Пахельбеля, но когда от совершенства и великолепия каждого такта бегут мурашки, и глаза закрываются сами собой, это не так-то уж и важно.

Astor Piazzolla — Oblivion

За это произведение Астор Пьяццолла был номинирован на премию Грэмми в категории «Лучшая инструментальная композиция». Полное тоски «Забвение» трогает до глубины души.

Жорж Бизе — Кармен

Бодрая бравурная увертюра к опере Бизе настраивает на воинственный (в хорошем смысле этого слова) лад и позволяет немного снизить градус драмы и мурашек в этом материале.

Joe Hisaishi — Kaze no Densetsu

Хисаиси Дзё — один из самых известных японских композиторов. Он писал музыку практически ко всем мультфильмам Хаяо Миядзаки, начиная с «Навсикаи из Долины Ветров», ко многим фильмам Такеши Китано. И поэтому хорошо знаком многим в мире, хотя бы по звукам его минималистичной «околоклассической» музыки.

Balanescu Quartet — Waltz

Квартет Баланеску — это беспрецедентная смесь западно-европейского минимализма, джазовых влияний, восточноевропейского фольклора, цыганской музыкальной традиции и классического звучания.

Иоганн Себастьян Бах — Бранденбургский концерт № 4, соль мажор

Бранденбургские концерты Баха — цикл из 6 концертов, преподнесённых Бахом в качестве подарка маркграфу Кристиану Людвигу Бранденбург-Шведтскому. Бах послал ноты в подарок маркграфу, надеясь на место придворного руководителя оркестра. Ответа он не получил и рукопись пролежала в библиотеке маркграфа более 100 лет, пока не была случайно обнаружена и опубликована.

Доменико Скарлатти — Concerto Grosso № 5

Мягкая, напряженная, местами спокойная, такая разная в один и тот же момент эта композиция Скарлатти не отпускает от первой до последней ноты.

Никколо Паганини — Кампанелла

Итальянец Никколо Паганини — виртуоз, которого считали чуть ли не демоном. Он очень любил простые и легко запоминающиеся мелодии своего народа. Именно такой и является мелодия «Кампанеллы», что в буквальном переводе означает «колокольчатая». Эта мелодия, подпрыгивая на одной ноте и перескакивая на соседнюю, как бы подражает звонким переливам маленьких колокольчиков.

Кристоф Глюк — Мелодия для флейты из оперы Орфей и Эвридика

Мелодия для флейты из этой оперы заставила плакать самого Аида и половину редакции AdMe.ru.

Продолжение: Еще больше классической музыки слушайте здесь: Шедевры классической музыки (часть 2)

5 ноября в Шереметевском дворце состоялся концерт в рамках фестиваля "НЕВСКИЕ ХОРОВЫЕ АССАМБЛЕИ"

Исполнители –
Хор им. Г. Сандлера,ассоциации выпускников СПбГУ  дирижер Илья Кузнецов.
Детская хоровая студия «Искра», дирижер Владимир Комаров,

Шереметевский дворец на набережной Фонтанки - один из самых знаменитых дворцов России, но мало кто знает о нем.  

В 1712 году Санкт-Петербург приобретает статус столицы России. По указу Петра I, город заселяется знатными людьми с целью благоустройства отдельных районов. Среди переселенцев оказался генерал-фельдмаршал граф Борис Петрович Шереметев, которого государь женил на своей родственнице А.П. Нарышкиной. Специально для них император выделил участок дома № 34 на набережной реки Фонтанки.  
Граница владения Шереметева начиналась от берега Фонтанки и заканчивалась трассой будущего Литейного проспекта. При графе построили деревянный дом и служебные флигели, семья жила в усадьбе на Миллионной улице. Со временем сын Бориса Петровича Петр Борисович Шереметев продал собственность. В 1730-х годах на берегу Фонтанки возвели одноэтажный дворец. Спустя двадцать лет по проекту С.И. Чевакинского и Ф.С. Аргунова надстроили второй этаж. Существует версия, что при проектировании использовались чертежи Ф.-Б.Растрелли.
В 1768 году, после смерти жены и дочери, П.Б. Шереметев переехал в Москву. В отсутствие хозяев усадьба продолжала перестраиваться. В течение 1788-1792 годов ее сдавали в аренду португальскому посланнику, впоследствии князю В.Б. Голицыну.
В дальнейшем дворец унаследовал сын П.Б. Шереметева Николай. Поначалу новый хозяин редко бывал в усадьбе (предпочитал проводить время в Москве), но в 1796 году он обстоятельно поселился в Северной столице. Архитектор И.Е. Старов занялся обновлением интерьеров Фонтанного дома. Николай Петрович организовал во дворце театр с труппой крепостных актеров и оркестр. В 1801 году он дал вольную Прасковье Ивановне Ковалёвой и женился на девушке. Вслед за И.Е. Старовым, помещения во дворце принялись перестраивать Д. Кваренги и А.Н. Воронихин. На территории усадьбы появились Летний дом, Каретные сараи, Садовый павильон.
В 1809 году Фонтанный дом перешел шестилетнему сыну Н.П. Шереметева Дмитрию, в связи с чем был создан Опекунский совет над имуществом. Во дворце поселился главный попечитель М.И. Донауров с семьей. В 1810-20-х годах по проектам Х. Мейера и Д. Кварди построены Канцелярский, Больничный, Фонтанный и Певческий флигели. В последнем из них поселились хористы Шереметьевской капеллы.    
Дмитрий Николаевич служил в Кавалергардском полку, поэтому частыми гостями дворца становились сослуживцы графа, возникло выражение «жить на шереметьевский счёт». Помимо офицеров, в Фонтанном доме часто бывали художник О.А. Кипренский и А.С. Пушкин. В 1837 году граф женился на фрейлине императрицы Александры Фёдоровны Анне Сергеевне. В 1844 году у них родился сын Сергей.
В мае 1838 года состоялось торжественное открытие чугунной ограды с воротами, украшенными гербом графов Шереметьевых. За двадцать лет работы архитектор И.Д. Корсини совершенно изменил дворцовые помещения, в середине 1840-х годов построил Садовый флигель. На музыкальных вечерах в Фонтанном доме выступали Глинка, Берлиоз, Лист, Вильегорский, Шуберт.
В 1849 году умерла первая жена Дмитрия Николаевича, и в 1859 году он женился во второй раз. В новом браке родился сын Александр. В течение 1867 года по проекту Н.Л. Бенуа к Шереметьевскому дворцу пристроили Северный флигель.  
Смерть графа Дмитрия Николаевича в 1871 году повлекла за собой раздел имущества между его сыновьями, в процессе которого Фонтанный дом унаследовал Сергей Дмитриевич. В 1874 году архитектор А.К. Серебряков построил на территории усадьбы новые пятиэтажные корпуса. Парадная часть осталась неизменной (набережная реки Фонтанки, дом № 34), со стороны Литейного проспекта возвели доходные дома (дом № 51). В начале XX века уничтожены Садовые ворота, Грот, Эрмитаж, Оранжерея, Китайская беседка. Позднее Манеж и Конюшни преобразовали в Театральный зал (ныне Драматический театр на Литейном). В 1914 году по проекту М.В. Красовского здесь построили двухэтажные торговые павильоны.
После революции С.Д. Шереметев передал Фонтанный дом советской власти. С середины 1924 до 1952 года в одном из флигелей дворца проживала А.А. Ахматова. В дальнейшем в нем располагались всевозможные государственные учреждения, Музей дворянского быта (просуществовал до 1931 года), Научно-Исследовательский институт Арктики и Антарктики (вплоть до 1984 года). Вскоре великолепные интерьеры залов утратили былую красоту, а построенный Бенуа флигель использовался в качестве жилых квартир. 
В конце XX века Шереметевский дворец постепенно начали реставрировать, возрождая атмосферу XVIII столетия. В здании расположился Музей музыкального и театрального искусства. Экспозиция включает в себя историю семьи Шереметевых, коллекции картин и предметов декоративно-прикладного искусства, огромное собрание музыкальных инструментов. Нередко в Фонтанном доме проводятся художественные выставки, концерты и лекции.

Вот здесь и состоялся наш концерт.

В программе концерта были исполнены произведения Генделя, Динева, Ипполитова-Иванова, Танеева, Фалика, Чеснокова, Картера,

Звучит "Хвалите Господа с небес" П.Чеснокова

П.Г.Чеснокова называли гением хоровой музыки, который подвёл итог тысячелетней истории русской церковной музыки. После революции 1917 года Павел Григорьевич руководил Государственной академической хоровой капеллой, был хормейстером Большого театра, преподавал в Московской консерватории. После 1928 он вынужден был оставить регентство и сочинение духовной музыки. Умер он в Москве в 1944 году от голода. В 1940 году Чесноков опубликовал один из лучших учебников по хоровому делу «Хор и управление им», который был распродан за несколько часов.

Послушайте "Карельскую акварель" Ю.Фалека

Юрий Александрович Фалек родился в 1936 году, был виолончелистом (учился у самого Растроповича), композитором, профессором Санкт-Петербургской консерватории. А умер он недавно в 2009 году. Его музыка очень светлая. Послушайте еще его "Эстонские акварели" - музыка для женского хора (Лебеди)    

В. А. Комаров, Художественный руководитель Детской хоровой студии «Искра» ДДЮТ «На Ленской» Санкт-Петербурга, Заслуженный работник культуры РФ написал очень неплохое пособие Работа над строем в детском хоре.

Хор девоче, которым руководит замечательный подвижник В.А.Комаров, который выступал перед нами, тоже звучал великолепно.

Хочется закончить свой небольшой рассказ об нашем концерте словами из завещания Н.П.Шереметева.

  «В жизни у меня было всё. Слава, богатство, роскошь. Но ни в чем этом не нашел я упокоения. Помни же, что жизнь быстротечна, и лишь благие дела сможем мы взять с собой за двери гроба"

Есть у А.С.Пушкина стихотворение "Мадона", написанное в 1830 году за полгода до его женитьбы на Наталье Гончаровой.

"Исполнились мои желания. Творец
Тебя мне ниспослал, тебя, моя Мадона,
Чистейшей прелести чистейший образец."

Так заканчивается этот сонет, но кому он посвящен? Многие считают, что в образе мадонны поэт изобразил Н.Н.Гончарову. 

Может быть, за сходство Натальи Николаевны с типом итальянской мадонны вообще, а может быть найдя, что она «как две капли воды» похожа именно на мадонну, на одной из картин Рафаэля,

Именно эту картину увидел однажды Пушкин в антикварной лавке. На этой картине была изображена Мадона с младенцем, очень похожая на Гончарову. Пушкин захотел приобрести эту картину, но средств не хватило. Этому событию он и посвятил одно из своих замечательнейших стихотворений. Теперь женщина для него - "чистейшей прелести чистейший образец", Пушкин сравнивает ее с Богородицей. Женщина является хранительницей домашнего очага, символом материнства. Так говорят. 

Одно «н» в заголовке стихотворения не было опиской гениального поэта, ибо в письме к любимой он вновь пишет «Мадонна» с одним «н»: «Часами простаиваю перед белокурой Мадоной, похожей на вас как две капли воды»...

Шедевр Рафаэля не раз менял владельцев и страны. И однажды картина попалась на глаза Пушкину, который ее именем назвал свою избранницу. Странно было бы, казалось, искать следы Наталии Гончаровой в Шотландии, в стране, где ни ей, ни Александру Сергеевичу так и не суждено было побывать. 
Но есть в стране Байрона и Вальтера Скотта реликвия, принадлежащая к числу национальных и самым тесным образом связанная с именем прекрасной Натали. Это одна из жемчужин Национальной картинной галереи в Эдинбурге - "Бриджуотерская мадонна", творение великого Рафаэля. Именно старинной копией этой картины в июле далекого 1830 года любовался Пушкин. Копия (но об этом тогда мало кто знал - ведь картина приписывалась кисти самого Рафаэля) была выставлена для продажи в Петербурге на Невском проспекте, в витрине книжного магазина, принадлежавшего И.В. Сленину, знакомцу поэта. Пушкин не мог оторвать глаз от чудесного образа мадонны: в ее лике виделись ему небесные черты невесты. 
"Прекрасные дамы просят меня показать ваш портрет и не могут простить мне, что его у меня нет, - пишет он Натали Гончаровой в Москву. - Я утешаюсь тем, что часами простаиваю перед белокурой мадонной, похожей на вас как две капли воды; я бы купил ее, если бы она не стоила 40 000 рублей".  Пушкин стал иногда звать жену мадонной: «J'épouse une madonne louche et rousse», — писал он Е. М. Хитрово; Но Наталья Гончарова не была рыжей и косой. «Жену свою Пушкин иногда звал: моя косая мадонна. У нее глаза были несколько вкось», — рассказывали Вяземские. вскоре после женитьбы Пушкина передавали его слова: «Я женился, чтобы иметь дома свою мадону».

Вы знаете портреты Н.Н.Гончаровой (Ланской) кисти Брюллова, Гау, но мне очень нравится ее портрет работы неизвестного для меня прежде художника Ивана Макарова.

Пушкин к тому времени, как повстречался с юной Натальей Гончаровой, уже расстался со своей музой Анной Керн, которая бросила в Риге своего мужа-губернатора и переехала в Петербург, но Пушкин к ней охладел. 

Пушкин упивался, наслаждался своей славой, когда после ссылки приехал в Петербург. Издатели платили ему самые высокие гонорары, которые он небрежно проигрывал в карты.

Но все чаще накатывались тоска и скука. Приближающаяся осень жизни наводила поэта на мысль, что пора остепениться, обрести тихую, спокойную гавань. Софья Федоровна Пушкина, Екатерина Николаевна Ушакова, Анна Алексеевна Оленина, Наталья Николаевна Гончарова... Барышни хорошо воспитанные, красивые, но не слишком богатые. Сватовство к С.Ф. Пушкиной окончилось неудачей. Ровно через неделю после его предложения, 8 декабря 1826 года, было объявлено о помолвке Софьи с В.А. Паниным. Пушкин оказывал внимание Ушаковой, и все говорили о грядущей помолвке поэта, но в мае 1827 года он уехал в Петербург и до декабря следующего года не появился в Москве. Пушкин предложил руку и сердце Анне Алексеевне Олениной,отец которой, Алексей Николаевич, был директором Публичной библиотеки и президентом Академии художеств. Поэт получил решительный отказ от матери невесты. Удрученный, он поспешил к Ушаковой. Поздно! Та уже была помолвлена с другим. "С чем же я остался?" - воскликнул Пушкин. "С оленьими рогами", - ответила Екатерина.

Анна Оленева,которая тоже могла быть музой Пушкина

Но сам признайся. То ли дело
Глаза Олениной моей!
Какой задумчивый в них гений,
И сколько детской простоты,
И сколько томных выражений, 
И сколько неги и мечты!...
Потупит их с улыбкой Леля – 
В них скромных граций торжество;
Поднимет – ангел Рафаэля
Так созерцает божество.

Аннетта Оленина  не любила Пушкина за растрепанность («ужасные бакенбарды, растрепанные волосы, ногти как когти, маленький рост, жеманство в манерах, дерзкий взор на женщин...» — дневник, 18 июля 1828). Ее привлекали мундиры, ордена, казацкая форма. 

Зимой, в самом конце 1828 года, на балу у знаменитого московского танцмейстера Иогеля Пушкин встретил 16-летнюю необычайно красивую девочку - Наталью Гончарову. Она только недавно начала выезжать, но о ней уже говорили в свете, называли ее одной из первых московских красавиц, восхищались ее одухотворенной, "романтической" прелестью.

Очарованный поэт вскоре сделал ей предложение и получил неопределенный ответ - полуотказ, полусогласие. Но он не отступил: слишком сильна была его влюбленность; мечта о счастье с этой девочкой, такой не похожей на него, такой спокойной, нежной, умиротворяющей, кружила ему голову.

Около двух лет тянулась история пушкинского сватовства. И вот наконец в апреле 1830 года согласие было получено. "Участь моя решена. Я женюсь... Та, которую любил я целые два года, которую везде первую отыскивали глаза мои, с которой встреча казалась мне блаженством - Боже мой - она... почти моя... Я готов удвоить жизнь и без того неполную. Я никогда не хлопотал о счастии, я мог обойтиться без него. Теперь мне нужно на двоих, а где мне взять его?" Так писал Пушкин весной 1830 года, сразу после помолвки. С этого времени Пушкин постоянно возвращается к мысли о возможности счастья для него, бездомного, гонимого поэта с зыбким и туманным будущим.

Свадьба беспрестанно откладывалась. "Пушкин настаивал, чтобы поскорее их обвенчали. Но Наталья Ивановна напрямик ему объявила, что у нее нет денег. Тогда Пушкин заложил именье, привез денег и просил шить приданое. Много денег пошло на разные пустяки и на собственные наряды Натальи Ивановны", - вспоминала княгиня Долгорукова.

Временами на поэта находила жестокая хандра. В такие моменты он нервничал, жаловался друзьям, ходил мрачным. За неделю до свадьбы он писал своему приятелю Н.И. Кривцову: "Женат - или почти. Все, что бы ты мог сказать мне в пользу холостой жизни и противу женитьбы, все уже мною передумано. Я хладнокровно взвесил выгоды и невыгоды состояния, мною избираемого. Молодость моя прошла шумно и бесплодно. До сих пор я жил иначе как обыкновенно живут. Счастья мне не было... Мне за 30 лет. В тридцать лет люди обыкновенно женятся - я поступаю как люди и, вероятно, не буду в том раскаиваться. К тому же я женюсь без упоения, без ребяческого очарования. Будущность является мне не в розах, но в строгой наготе своей..."

Свадьба прошла торжественно. Наталья Николаевна перестала быть отдаленной прекрасной мечтой. Он стал относиться к ней менее возвышенно - и еще больше полюбил. "...Женка моя прелесть не по одной наружности", - писал Плетневу через несколько дней после свадьбы.

Уже давно и самым убедительным образом доказано, что именно "Бриджуотерская мадонна" Рафаэля вдохновила Пушкина на создание его поэтического шедевра - сонета "Мадона", гимна великой и светлой любви. Один шедевр - живописный побудил к жизни другой - поэтический. Пушкин сумел предвидеть, предвосхитить суть своей избранницы, ее гений, тихий гений красоты и материнства. Она - мадонна. Слово было найдено, самое емкое и точное. Но все же Пушкин назвал невесту Мадонной и этим будто предсказал ее будущие страдания. В свете шутили, поговаривали, что Пушкин женится, чтобы завести дома собственную мадонну. Поэт смеялся, ласково называл свою Ташу "косой мадонной" за легкую, чуть заметную косинку ее прекрасных светло-карих глаз.

"Есть что-то воздушное и трогательное во всем ее облике - эта женщина не будет счастлива, я в этом уверена! Она носит на челе печать страдания Но и какую же трудную предстоит ей нести судьбу - быть женою поэта, и такого поэта, как Пушкин!" ,- писала в своем дневнике графиня Фикельмон.
Да, ей предстояла Наталье Николаевне горькая, но и великая судьба, судьба Мадонны. И это заветное слово было произнесено, став названием чудесного пушкинского сонета. 

Сонет, первоначально названный Пушкиным "Картина", а лишь затем "Мадона", под стать величайшим творениям ушедших эпох. Есть непостижимые совпадения, некие временные параллели в судьбах гениев. Известно, что Рафаэль не чужд был поэтического вдохновения и сам писал сонеты. Пушкин поистине боготворил Рафаэля, подтверждением чему его стихи, где столько раз упоминается имя итальянского живописца. По странной прихоти судьбы русскому гению было отпущено столько же земного бытия, сколь и великому флорентийцу, - ровно тридцать семь лет.  

И Рафаель, и Пушкин пострадали из-за женщин. 

Подлинная причина гибели Рафаэля остается тайной и сегодня. В биографиях, восходящих к жизнеописаниям Джорджо Вазари о последних днях говорится так: "...Рафаэль втихомолку продолжал заниматься своими любовными делами, превыше всякой меры предаваясь этим утехам. И вот однажды после времяпровождения еще более распутного, чем обычно, случилось так, что Рафаэль вернулся домой в сильнейшем жару, и врачи решили, что он простудился, а так как он в своем распутстве не признавался, ему по неосторожности отворили кровь, что его ослабило до полной потери сил... после исповеди и покаяния он завершил свой жизненный путь в день своего рождения, в страстную пятницу тридцати семи лет от роду". В 1805 г. в русской книге "Эрмитажная галерея" сообщалось: "Рафаэль достиг бы блистательных успехов в колорите, если бы пламенное его сложение, непрестанно влекшее его к любви, не причинило ему преждевременной смерти". Во французском "Всеобщем словаре" 1810 г. эта же версия излагалась так: "Рафаэль умер вследствие истощения от своей страсти к женщинам". Отсюда идет и Пушкинская оценка: "Но любви страданья Его сразили.". 

О картине Рафаэля писал Пушкин 8 июля  1830 г. в известном стихотворении «Мадона»:

Не множеством картин старинных мастеров
Украсить я всегда желал свою обитель,
Чтоб суеверно им дивился посетитель,
Внимая важному сужденью знатоков.

В простом углу моем, средь медленных трудов,
Одной картины я желал быть вечно зритель,
Одной: чтоб на меня с холста, как с облаков,
Пречистая и наш божественный спаситель —

Она с величием, он с разумом в очах —
Взирали, кроткие, во славе и в лучах,
Одни, без ангелов, под пальмою Сиона.

Исполнились мои желания. Творец
Тебя мне ниспослал, тебя, моя Мадона,
Чистейшей прелести чистейший образец.

Музыка настраивает струны наших душ, как- то по-особому и мы смотрим на мир,
тогда "другими  глазами" и живем нашу жизнь  легче, радостнее и спокойнее, как хорошо настроенный инструмент...

16 ноября 2011 года в Малом зале Филармонии состоялся юбилейный концерт в честь моего друга Виктора Лисняка, которому в тот год исполнилось 65.

Я тогда написал маленькое эссе о Викторе, струнном квартете им.Стравинского, где он играет уже много лет.

А сегодня, 22 октября 2014 года в рамках 1 концерта 5 абонемента "Ритмы души" в Малом зале Филармонии мы вновь побывали на сольном концерте Виктора Лисняка.
Программа концерта объединила в себе романтизм разных эпох. В 1 первом отделении звучала музыка Генделя, Баха и  Моцарта (Сонаты для скрипки и клавира). Во 2 отделении Виктор Лисняк исполнил Шумана: Три романса; Венявского: Легенда, Куявяк; Глазунова: Большое адажио из балета "Раймонда"; и Чайковского: Русский танец из балета "Лебединое озеро".

Красивая романтическая музыка это творение добра, это музыка без слов способная менять людей к лучшему и направлять их в сторону духовных ценностей. Главная особенность красивой музыки – она существует только когда звучит.  Музыка романтического характера отражает теплые чувства между людьми и несет положительные эмоции, она обостряет чувства, раскрепощает к различным поступкам.

Гендель, Бах и Моцарт - три величайших композитора,чье творчество взывает к силе человеческого духа, к торжеству разума, красоты.

Именнно во времена Генделя появился сам термин "соната". В переводе с итальянского языка «sonare», то есть соната – означает звучание. Это слово появилось примерно в шестнадцатом веке, одновременно со словом кантата. В это время, по-видимому, возникла необходимость разделять музыку на вокальную и инструментальную. Музыка для пения – это кантата, а музыка для  – это соната. Состоит она из трех или четырёх частей. Пишется соната для одного инструмента, к примеру, соната для фортепиано, соната для скрипки или соната для камерного состава инструментов, к примеру, соната для фортепиано или соната для виолончели. Но самая известная соната во всем мире – соната № 14 до- диез минор Л. В. Бетховена. Ее стали называть «Лунной» уже после смерти композитора. Если сравнить сонату с литературным жанром, то больше всего подойдет сравнение с повестью или романом. Соната делится, как и они, делится на несколько глав, то есть частей. Так же, как повесть или роман соната имеет различных героев: музыкальные темы, которые не просто следуют одна за другой, а взаимодействуют, то есть влияют друг на друга, а иногда и вступают в конфликт.

Развитие музыки, которая построена в сонатной форме сравнима с действиями в драматической пьесе. Сперва композитор знакомит с основными действующими лицами – музыкальными темами, затем, действие развивается и достигает вершины, после чего следует развязка. Таким образом, можно сделать выводы и сказать, что сонатная форма состоит из трех разделов, а именно, завязка (экспозиция), где основные формы экспонируются или появляются в различных тональностях, собственно действия – разработки и результата – репризы.

Музыка сонаты, на первый взгляд кажется естественной, простой, лаконичной и ясной, но при этом, она наполнена чувствами и движется «от сердца к сердцу». Кстати, так говорил сам Бетховен. Предательство, любовь, страдание, надежда, все это отражается в сонатах.

Как сказал один музыковед, "Соната – это музыкальная беседа или воспроизведение разговора людей при помощи неживых инструментов".

О музыке Генделя можно много говорить. Л. ван Бетховен считал Генделя величайшим композитором всех времен. Конечно, эта оценка преувеличена; тем не менее нельзя отрицать, что его творчество принадлежат к самым впечатляющим памятникам музыки барокко

Ученик и биограф Генделя Чарльз Берни писал: «Облик его... был полон достоинства и духовного величия. Выражение лица его было обычно угрюмым, но когда он улыбался, то был похож на пробившиеся сквозь черные тучи солнечный луч». . 

Если бы Гендель жил в наше время, он наверняка сочинял бы мюзиклы и саундтреки - и это были бы самые грандиозные мюзиклы и самые качественные, лучшие и популярные саундтреки. Музыка Генделя - это массовое искусство первой половины XVIII века, а сам он - величайший шоумен своей эпохи. Гений Генделя вобрал в себя весь современный ему музыкальный фон, все штампы, все приемы «изготовления» музыкального «продукта».

Интересно сравнить Генделя с Бахом (мы постоянно будем возвращаться к этой параллели). Если Бах черпал свое творчество из Евангелия, литургической жизни Лютеранской Церкви и каких-то запредельных глубин своей души, отсекая при этом те формы музыки, которые не вмещали это содержание (например, Бах не писал опер), то Гендель чрезвычайно чутко улавливал процесс сиюминутной культурно-общественной жизни, запечатлевая его в привычных эпохе звуках. Но это не просто музыкальное отражение своего времени, как в зеркале, - иначе о Генделе никто сегодня бы и не вспомнил. Своим великим творческим даром Гендель переплавил массовое, обыденное и повседневное искусство в строгую, величественную и полнокровную музыку, несущую в себе и отображение вечной небесной гармонии. Музыка Генделя глубока, радостна и здорова; она пережила свое время и свою эстетическую среду и сделалась драгоценным достоянием всех времен и всех народов.

Послушайте, как звучит моя любимая скрипичная соната Генделя.  

Музыка Баха не звучала в салонах. Она исполнялась только в церквях. Надо заметить, что только в 19 веке стали издаваться ноты произведений Баха

Мне очень нравится соната соль-минор соло Баха, но она не звучала в концерте.  

Послушайте часть из сонаты №4 Баха.  

А музыка Моцарта вобрала в себя и музыку Генделя, и музыку Баха.

Хотя в детстве и ранней юности Моцарт объездил почти всю Европу и познакомился со всеми существовавшими тогда музыкальными школами, стилями и направлениями, музыки И.С.Баха и Г.Ф.Генделя он практически не знал вплоть до того, как обосновался в 1781 году в Вене. В немалой степени Моцарт был обязан знакомством с творчеством Баха и Генделя барону Готфриду ван Свитену, который, находясь в свое время на дипломатической службе в Берлине и Лондоне, проникся нетипичной для человека своего времени любовью к «трудному» искусству мастеров позднего барокко. Ван Свитен не только устраивал у себя дома музыкальные вечера для узкого круга избранных (к этому кругу принадлежали, между прочим, Моцарт, Гайдн, И.Г.Альбрехтсбергер, а в 1790-е годы – молодой Бетховен), но и организовал «Общество объединенных дворян», целью которого было ежегодное устройство ораториальных концертов во дворцах венских меценатов, где звучала музыка Генделя, И.А.Хассе, К.Ф.Э.Баха, а позднее обе поздние оратории Гайдна. Ван Свитен, которого иногда упрекают в скупости, быть может, и являлся таковым, однако он заведомо не располагал такими средствами, чтобы лично финансировать столь дорогостоящие мероприятия; это было возможно только при участии других, более состоятельных, аристократов.

Концерты Общества проходили с 1787 года, и Моцарт являлся почти бессменным их дирижером.

Занимаясь заказанными ему флейтовыми квартетами и концертами, композитор 14 февраля 1778 года из Мангейма писал отцу: «Как Вы знаете, я тупею, если мне приходится все время писать для некоего инструмента (который я терпеть не могу); следовательно, время от времени я для перемены сочинял что-нибудь иное – клавирные дуэты со скрипкой». Свою первую скрипичную сонату Моцарт начал сочинять в 1762 году, в возрасте 6 лет, последняя появилась в 1788-м, в один год с симфониями №39–41. Всего же Моцарт написал более трех десятков сонат для скрипки. Способ сочинения этих «музыкальных бесед» соответствует образу Моцарта – беззаботного гения, творившего, как птицы поют: сонаты часто возникали словно сами собой, между делом. 

Когда Моцарту было 20 лет, он написал отцу домой: «Только об одном я просил бы для себя в Зальцбурге: чтобы мне не быть более при скрипке, как это было прежде. Скрипачом я больше не буду; я хочу дирижировать за клавиром и аккомпанировать в ариях»; «Я композитор и рожден быть капельмейстером. Я не имею права закапывать мой талант композитора, которым меня так щедро наградил милостивый Господь. Я могу сказать это без ложной скромности, ибо чувствую это больше, чем когда-либо… Я бы скорее, так сказать, пренебрег клавиром ради композиции. Ибо клавир для меня – дело второстепенное, но, слава Богу, очень важное второстепенное».
Год вместил немало впечатлений и еще больше переживаний. В Мангейме Моцарта подстерегала любовь к Алоизии Вебер (старшей сестре его будущей жены), в штыки воспринятая его отцом, в Париже ждала жизнь на положении «вольного стрелка», работа для Духовных концертов, балета Парижской оперы и тяжелейшее потрясение – смерть матери. 
Соната соль мажор (KV 379) сочинена в апреле 1781 года, накануне окончательного разрыва с архиепископом. К тому моменту Моцарт был уже морально готов остаться в Вене даже и без постоянного места службы: репутация прекрасного пианиста сулила и многообещающие концертные выступления, и платежеспособных учеников. 

Послушайте эту сонату

Соль-мажорная соната была напечатана в ноябре 1781 года под ор.2 №5 в числе «шести сонат для клавира в сопровождении скрипки достаточно известного и прославленного господина Вольфганга Амадея Моцарта» с посвящением пианистке Жозефе Барбаре фон Ауэрнхаммер. Это была первая публикация музыки композитора в Вене, в знаменитом издательстве «Артариа».

Сонаты встретили прекрасный прием и уже при жизни Моцарта переиздавались в Амстердаме и Лондоне. Анонимный рецензент написал в гамбургском журнале Magazin der Musik от 4 апреля 1783 года: «Эти сонаты – единственные в своем роде. Они богаты новыми идеями и приметами великого музыкального гения их сочинителя. Весьма блестящи и соответствуют инструменту. При этом аккомпанемент скрипки так искусно связан с партией клавира, что оба инструмента постоянно привлекают к себе внимание, так что сии сонаты требуют столь же законченного исполнителя на скрипке, как и на клавире. Однако невозможно дать полного описания сего оригинального творения. Любители и знатоки должны сперва сами проиграть их, и тогда они убедятся, что мы ничего не преувеличили». Как видно, слова «аккомпанемент скрипки» в то время никого не шокировали.

Соната ми минор сегодня одна из самых популярных благодаря драматизму, лаконичности, обостренной чувствительности, доходящей до страстности, длинным певучим темам. Все эти качества, свойственные классической музыке периода «бури и натиска», высоко ценились в эпоху романтизма и ценятся по сей день. Соната вдохновила знатока моцартовского наследия Германа Аберта на истинно романтический панегирик: «Таких глубоко трагичных звуков, как в скрипичной сонате e-moll (KV 304), мы долгое время не слышали у Моцарта. Было ли это воспоминанием о мангеймской сердечной катастрофе, которое овладело им, или проявлением чувства одиночества в чужом, враждебном городе? Во всей сонате… нет ни одного такта, который не был бы пережит пылким сердцем. Послушайте эту сонату.

Моцарт не стремился писать музыку будущего . Он вошел в контекст своего времени вполне естественно. Другое дело, что он преобразил этот контекст в некий микрокосм своего сознания, . создал собственный, удивительно яркий и . какой-то волшебный мир.

В начале 2 отделения концерта прозвучали три романса Шумана.

Как композитор Шуман был всей душой предан романтизму. Литературные впечатления юности и импульсивный темперамент сочетались с тяготением к поиску новых выразительных средств. Шуман испробовал свои силы почти во всех основных музыкальных формах, включая симфонию, оперу, ораторию, но главными для него стали сферы чисто фортепианная и камерно-вокальная.

Шуман – один из самых ярких представителей прогрессивного романтического искусства 19 в. Во многом родственное поэзии Г. Гейне, творчество Шумана было антитезой атмосфере мещанской Германии 20-х - 40-х гг. 19 в. Бросая вызов этому царству духовной нищеты, оно звало в мир высокой человечности, воспевало богатство, красоту и силу чувства. Нетерпеливая страстность и гордая мужественность, тонкий лиризм, капризная изменчивость нескончаемого потока впечатлений и мыслей – таковы наиболее характерные черты музыки Шумана.

Наверное, мы не знали бы Шумана, как композитора, если бы не любовь его к Кларе Вик, которую он увидел впервые в 1828 году и более 10 лет добивался ее руки. Клара Вик родилась в Лейпциге 13 сентября 1819 г. Её родители Фредерик и Марианна Вик развелись, когда ей было 6 лет. Клара осталась с отцом, известным музыкальным педагогом. Это событие травмировало девочку, однако мать и дочь постоянно переписывались друг с другом, и, несомненно, на развитие и воспитание Клары повлияли оба родителя.

В марте 1828 г., в возрасте восьми лет, молодая Клара Вик выступала в доме д-ра Эрста Каруса, лейпцигского психиатра, директора психиатрической больницы, на этом выступлении она познакомилась с другим одарённым молодым пианистом по имени Роберт Шуман, также приглашенным на этот музыкальный вечер, который был на 9 лет старше её. Шуман был восхищен игрой Клары настолько, что позже попросил разрешения у матери прекратить своё обучение юриспруденции, которая никогда его не интересовала, и брать уроки музыки у отца Клары, Фридриха Вика. Занимаясь обучением, он снял две комнаты в доме Вика, и прожил около года.

В 1830 г., в возрасте одиннадцати лет, Клара в сопровождении отца уехала на гастроли по городам Европы, с конечной остановкой в Париже. Свой первый сольный концерт она дала в Лейпциге. В Веймаре она исполнила бравурную пьесу Анри Герца в честь Иоганна Гёте, который подарил ей медаль со своим портретом и дарственной надписью - "Для талантливого музыканта Клары Вик." Во время этого турне Никколо Паганини был в Париже, и он предложил ей выступать вместе, однако её парижские концерты были малопосещаемые, т.к. большинство людей покинуло город из-за вспышки холеры.

В возрасте 18 лет Клара Вик провела серию концертов в Вене в период с декабря 1837 г. по апрель 1838 г. Ведущий австрийский поэт того времени Франц Грильпарцер написал стихотворение под названием "Клара Вик и Бетховен". Её концерты в Вене проходили с большими аншлагами, публика полюбила её, критики наперебой писали хвалебные рецензии на её выступления, коллеги-музыканты так же отмечали её талант. 15 марта 1838 г. она была удостоена титула "Императорский и королевский камерный музыкант", самой высокой музыкальной чести Австрии.

Роберт Шуман был увлечён Кларой, когда её было 15 лет. К тому времени, когда ей стало семнадцать, Шуман был в нее влюблен.

В 1837 г. Шуман просил руки Клары у её отца, но получил отказ. В последующие годы её отец Фридрих сделал все от него зависящее, чтобы помешать Кларе выйти замуж за Шумана, заставив влюблённых даже обратиться в суд, признавшего за Кларой право на замужество без отцовского согласия.

В этот период Шуман, вдохновленный любовью к Кларе, написал многие из своих самых известных произведений, в том числе песенный цикл «Любовь поэта» (Dichterliebe)(1840) на стихи Генрих Гейне.

В конечном итоге они поженились 12 сентября 1840 г. После замужества она продолжала выступать и сочинять, даже когда воспитывала семерых детей (восьмой ребенок умер в младенчестве).

В совместных выступлениях с мужем, она расширила свою репутацию и Роберта за пределами Германии, в том числе благодаря её усилиям по содействию в продвижения его творчества, мы знаем именно того Шумана, каким он есть.

В концерте были исполнены Три романса Шуберта. Некоторые утверждают, что музыку написала Клара Вик, а некоторые приписывают ее Роберту Шуману.

Потом звучала музыка Венявского, о которой Виктор Лисняк во вступительном слове сказал, как о незаслуженно забытой.

Великий польский скрипач и композитор Генрик Венявский родился 10 июля 1835 г. в Люблине, умер 31 марта 1880 г. в Москве. 
В 1843 г. был принят в консерваторию в Париже, где с 1844 г. был учеником Л. Массарта. В 1846 г., успешно закончив консерваторию, начал активную концертную деятельность. В 1851-1853 гг. вместе с братом Юзефом выступал в Польше, России, Германии, а затем концертировал во Франции и Англии. В 1860-1872 гг. был солистом императорского двора в Петербурге. В 1862-1868 гг. — профессор по классу скрипки Петербургской консерватории. Вместе с Антоном Рубинштейном совершил большое турне по странам Америки (1872-1874). В 1875-1877 гг. — профессор Брюссельской консерватории по классу скрипки. Затем вновь вернулся к концертной деятельности. 
Венявский был блестящим виртуозом, которого по яркости таланта сравнивали с великим Н.Паганини. Представитель романтического исполнительского искусства. Как композитор обогатил скрипичный репертуар (полонезы, мазурки и др.). Его именем названы многие международные конкурсы, учрежденные в Варшаве (с 1935), в Познани (с 1952), а также конкурсы композиторов и скрипичных мастеров (с 1956). Как композитор Венявский отличался большим вкусом и оригинальностью мысли. Он писал только для скрипки (концерты, полонезы и др.). Все его произведения чрезвычайно благодарны для исполнителя. Особенной популярностью пользуются его «Легенда», «Фантазия на русские темы», «Souvenir de Moscou» («Московский сувенир»), Фантазия на темы из «Фауста» Гуно. 

Венявский был исключительным виртуозом; обладая замечательным тоном, чарующей певучестью смычка, высокохудожественным пониманием исполняемого и первоклассной техникой, он пользовался неизменным успехом и был любимцем слушателей всех стран.

И опять мы говорим о роли женщины в судьбе мужчины.

Важной вехой в судьбе Генрика Венявского стала встреча в Париже в 1858 году с А.Г. Рубинштейном. Антон Рубинштейн не только оказал огромное влияние на творчество Венявского, но и повлиял на ход дальнейших событий его жизни. Первый концерт двух великих музыкантов в Париже имел особый успех, и Рубинштейн предложил совершить концертную поездку в Лондон. В Лондоне Рубинштейн познакомил Венявского с родственниками известного английского пианиста и композитора Д.А. Осборна – Хэмптонами. Их дочь Изабелла стала женой Венявского, однако этому событию предшествовали драматические минуты. Отец семейства, английский аристократ, отказался выдать свою дочь за артиста, не имеющего постоянной работы, финансовых средств и положения в высшем обществе. В эти дни было написано одно из наиболее проникновенных, поэтичных сочинений Венявского – «Легенда». Исполнение нового сочинения в концерте так растрогало семью, что отец вышел на сцену и, обняв Генрика, сказал: «Только великая любовь могла вдохновить Вас на такое великое произведение»!

Послушайте, как Д.Ойстрах играет Легенду Венявского

Однако, согласившись на брак дочери, он потребовал, чтобы Венявский нашел себе постоянное место работы перед женитьбой, а также застраховал свою жизнь на крупную сумму, которая должна была обеспечить его семью в случае какого-либо несчастья.

Бракосочетание Венявского состоялось в Париже в августе 1860 года. На свадьбе присутствовали Берлиоз и Россини. По требованию родителей невесты Венявский застраховал свою жизнь на баснословную сумму 200 000 франков.
Необходимость ежегодно выплачивать огромный взнос легла на плечи Венявского тяжким бременем до конца жизни. Концертные сборы были основным, но самым непредсказуемым источником дохода, однако только они обеспечивали жизнь концертирующего солиста.
Насыщенный ритм жизни начинал сказываться на здоровье Венявского. В 1867 году его настигает первая беда – глухота. Временами он практически терял слух, но старался скрывать болезнь, которую помогло преодолеть лишь долгое и упорное лечение.

В 1872 году Венявский уезжает в Европу, а затем, снова вместе с Антоном Рубинштейном, подписывает контракт о проведении турне по Америке. За 8 месяцев музыканты, ставшие первыми крупными европейскими виртуозами, гастролировавшими в Америке, должны были дать 215 концертов. Рубинштейн не выдержал напряженного ритма и вернулся к своим делам, а Венявский завершил турне только в 1874 году вместе с певицей Паулиной Лукка. Результатом гастролей стала тяжелая болезнь сердца. Среди дикого ритма концертов и выступлений скрипач находил время для азартной игры. Он словно сознательно прожигал жизнь, не щадя и без того слабого здоровья.

Умер он в 1879 году, когда ему было чуть больше 40 лет. На панихиде в Москве прозвучал Реквием Моцарта в исполнении оркестра, хора и солистов Большого театра и консерватории под управлением Н.Г. Рубинштейна, а во время похорон в музыкальном некрополе Powązki в предместье Варшавы звучала «Легенда» самого Венявского в исполнении молодого польского скрипача С. Барцевича.

Всего Венявским создано около 40 сочинений, часть из них осталась неопубликованными. 

Сыграл Виктор Лисняк и замечательное произведение Венявского под смешным названием Куевяк. Это тоже мазурка, но только написанная в миноре.

Закончил Виктор свой концерт исполнением  Адажио из "Раймонды" Глазунова и Русского танца Чайковского из "Лебединого озера".

О Глазунове мало говорят. Он умер в 1935 году в Париже, был ректором Петербургской консерватории, написал балет "Раймонда"... "Глазунов создал мир счастья, веселья, покоя, полета, упоения, задумчивости и многого, многого другого, всегда счастливого, всегда ясного и глубокого, всегда необыкновенно благородного, крылатого... ",- сказал о нем А. В. Луначарский

Путь молодого композитора к слушателю начался с триумфа. Первая симфония шестнадцатилетнего автора (премьера в 1882 г.) вызвала восторженные отклики публики и прессы, высокую оценку коллег. В 1899 г. Глазунов становится профессором, а в декабре 1905 г. — руководителем старейшей в России Петербургской консерватории. Избранию Глазунова директором предшествовала полоса испытаний. Многочисленные студенческие сходки выдвигали требование автономии консерватории от императорского Русского музыкального общества. В этой ситуации, расколовшей педагогов на два лагеря, Глазунов четко определил свою позицию, поддержав студентов. В марте 1905 г., когда Римский-Корсаков был обвинен в подстрекательстве студентов к возмущениям и уволен, Глазунов вместе с Лядовым вышли из состава профессоров.Приблизительно после 1905–1906 годов наступает заметный спад творческой активности, неуклонно нараставший до конца жизни композитора. Отчасти такое внезапное резкое снижение продуктивности может быть объяснено внешними обстоятельствами и, прежде всего, большой, отнимавшей много времени и сил учебно-организационной и административной работой, которая легла на плечи Глазунова в связи с избранием на пост директора Петербургской консерватории. Но были причины и внутреннего порядка, коренившиеся прежде всего в резком неприятии тех новейших тенденций, которые решительно и властно утверждали себя в творчестве и в музыкальной жизни начала XX века, После Октябрьской революции Глазунов оставался на посту директора Петроградской-Ленинградской консерватории, принимал деятельное участие в различных музыкально-просветительных мероприятиях, продолжал свои дирижерские выступления. Но его разлад с новаторскими течениями в области музыкального творчества углублялся и принимал все более острые формы. Новые веяния встречали симпатию и поддержку среди части консерваторской профессуры, добивавшейся реформ в учебном процессе и обновления того репертуара, на котором воспитывалась учащаяся молодежь.В связи с этим возникали споры и разногласия, в результате которых положение Глазунова, твердо охранявшего чистоту и неприкосновенность традиционных устоев школы Римского-Корсакова, становилось все более затруднительным и нередко двусмысленным.

Это послужило одной из причин того, что, уехав в 1928 году в Вену в качестве члена жюри Международного конкурса, организованное к столетию со дня смерти Шуберта, он больше не вернулся на родину. 

Никто из отечественных композиторов конца XIX — начала XX в. не уделял жанру симфонии такого внимания, как Глазунов: его 8 симфоний образуют грандиозный цикл. объединить 2 ветви русского симфонизма, существовавшие параллельно: лирико-драматическую (П. Чайковский) и картинно-эпическую (композиторы «Могучей кучки»). В результате синтеза этих традиций возникает новое явление — лиро-эпический симфонизм Глазунова, привлекающий слушателя светлой задушевностью и богатырской силой. Напевные лирические излияния, драматические нагнетания и сочные жанровые картины в симфониях взаимно уравновешиваются, сохраняя общий оптимистический колорит музыки.

Самый знаменитый балет Глазунова — «Раймонда» (1897). Фантазия композитора, издавна увлеченного красочностью рыцарских легенд, породила многоцветие нарядных картин — празднество в средневековом замке, темпераментные испано-арабские и венгерские танцы...  Секрет популярности этого балета  — в благородной красоте мелодий, в точном соответствии музыкального ритма и оркестрового звучания пластике танца. 

До Чайковского и Глазунова балетная музыка, как правило, представляла собой ярко «раскрашенную» ритмическую основу для танцев. Союз Мариуса Петипа и Чайковского положил начало симфонизации танца, значительно обогатившей его выразительные и драматургические возможности. Александр Глазунов стал достойным преемником Петра Ильича на этом пути. Премьера «Раймонды» состоялась 7 января 1898 года на сцене Мариинского театра. Это был первый балет Глазунова (за ним последуют еще два — «Испытание Дамиса» и «Времена года»). И последний триумф бывшего уже в преклонных годах Петипа. Хотя до его отставки с поста главного балетмейстера пройдет еще пять лет и он успеет поставить еще несколько балетов, в том числе два упомянутых Глазунова, такого большого успеха на его долю уже не выпадет. 

«Раймонде» не повезло с сюжетом: он не очень ловко скроен и явно коротковат для такого большого балета. Впрочем, из-под пера доморощенной писательницы Лидии Пашковой выходили и менее удобоваримые опусы. Петербургская корреспондентка французской газеты «Фигаро» и русской «Южный край», Лидия Александровна не удовлетворялась возложенной на нее ролью светской хроникерши. Сочиняла еще и незатейливые дамские романы и пьесы, полагая их «картинами из современной жизни», и, коль скоро балет был в моде у света, решила оставить свой след и в балете. Очевидно, она имела влиятельных покровителей при дворе, и отделаться от ее балетных сценариев было не так-то просто. В конце ХIХ века Франция вела захватнические войны в Африке, и в петербургских гостиных немало говорили об этом. Сюжет, который Лидия Александровна якобы почерпнула из старинной рыцарской легенды, вызывал некоторые ассоциации со «злобой дня». Действие разворачивается в средневековой Франции. Король Венгрии Андрей II возвращается из крестового похода против сарацин. Вместе с ним — рыцарь Жан де Бриен, влюбленный в провансальскую графиню Раймонду де Дорис. Но чтобы состоялось свадебное торжество, венчающее балет, требовалось сначала взять в плен сарацинского рыцаря Абдерахмана, вознамерившегося похитить прекрасную невесту крестоносца.

Пашкова весьма вольно обходилась с биографиями и судьбами реально существовавших лиц. Не более исторического заботило ее и географическое правдоподобие. Но подобного рода требования к балету особенно не предъявлялись. Хуже было другое — она весьма туманно представляла себе специфику балетной драматургии: ее «сказка» обещала балет мало понятный и скучный. Но благодаря М.Петипа балет получился.

В. Стасов назвал Глазунова «русским Самсоном». Действительно, только богатырю под силу утвердить неразрывную связь русской классики и нарождающейся советской музыки, так как это сделал Глазунов. Первое, что возникает при слушании музыки Глазунова, — это ощущение обволакивающей густоты, сочности и насыщенности звучания, и только потом появляется способность следить за строго закономерным развитием сложной полифонической ткани и всеми вариантными изменениями основных тем.

Если сочинения Глазунова не потрясают слушателя, не касаются сокровенных глубин душевной жизни, то способны доставлять эстетическое наслаждение и восхищать своей стихийной мощью и внутренней цельностью в сочетании с мудрой ясностью мысли, стройностью и законченностью воплощения. Композитор «переходной» полосы, пролегающей между двумя эпохами яркого расцвета русской музыки, он не был новатором, открывателем новых путей. Но огромное, совершеннейшее мастерство при ярком природном даровании, богатстве и щедрости творческой выдумки позволило ему создать множество произведений высокой художественной ценности, до сих пор не утративших живого актуального интереса. Как педагог и общественный деятель Глазунов в очень большой степени способствовал развитию и укреплению основ отечественной музыкальной культуры. Всем этим определяется его значение одной из центральных фигур русской музыкальной культуры начала XX века.

О Чайковском, думаю, много уже сказано, но мало кому известно, что Русский танец в "Лебедином озере" был написан Чайковским уже после того, как вся партитура была закончена. После завершения партитуры Чайковский написал вставной номер "Русский танец" для бенефиса балерины П.Карпаковой, исполнительницы главной партии в балете - Одетты. 

На этом, пожалуй можно и закончить описание своих впечатлений после замечательного концерта.

Я думаю, что много раз еще мы встретимся с хорошим музыкантом, замечательным человеком, которого я с гордостью называю своим другом, Виктором Лисняком. Концерт удался! И я надеюсь, что вам было со мной интересно.

В Большом Дворце в Париже открылась выставка гениального японского художника Кацусика Хокусая (яп.   葛飾 北斎; ). 

Кацусика Хокусай.

Это не настоящее его имя.

Да и какое из имён этого человека можно считать настоящим?

Имя, данное ему при рождении? Но Накадзима Тамэкадзу его называли те несколько лет, когда он не рисовал. Можно ли счесть это настоящим именем человека, который на протяжении следующих трёх четвертей века почти не расставался с кисточкой, тушью и листом бумаги? А потом художник сменил одно за другим более 50 имён, сделав каждое из них всего лишь подписью под серией гравюр или рисунков.

Имя, под которым он теперь известен нам появилось лишь в 1807году, когда художнику было уже 46 лет, появилось как подпись под серией гравюр «36 видов Фудзи.» и означает сельский пригород старинной столицы Японии – Эдо, его родину .Сам он говорил, что родился в 50 лет. Искусствоведы объясняют, что Кацусика Хокусай имел в виду своё рождение, как мастера, но что он действительно имел в виду, знал лишь он сам.

Кацусика Хокусай всю жизнь останавливал прекрасные мгновенья этого вечно текущего из прошлого в будущее мира. Жанр укиё-э, в котором он работал примерно так и переводится (Укие в традициях буддизма означает буквально «мир Скорби», но японские поэты и художники придали этому термину поэтическое очарование - печальное очарование вещей - моно-но аварэ-, и с японского укиё-э переводится примерно как «картины проплывающего мимо мира»). Прекрасное воплощение принципа Дзен – постоянное в своей вечной переменчивости «здесь и сейчас». Но, сделав мимолетное постоянным, художник должно быть для равновесия композиции превратил своё имя во временный изменчивый атрибут изображений мира. А, может быть, он просто считал себя инструментом небес, приданным этому миру, чтобы фиксировать его красоту. Наравне с тушью, кисточкой, бумагой, оставив ещё место в том же ряду для зрителя. Или взял на себя роль связующего звена между нами, зрителями и проблесками гармонии, отражающимися повсюду. Эстетика Дзен утверждает, что каждая вещь, каждое проявление этого мира красиво своей, особой, неповторимой и неповторяющейся красотой и задача души, пришедшей в этот «мир Скорби», познать и понять эту красоту.

Японская гравюра стала синонимом изысканности и хорошего вкуса. В конце XIX века гравюры укиё-э приобрели популярность во всем мире, их коллекционировали Уистлер, Мане, Дега, Гонкур, Золя. В Петербурге первая выставка гравюр укиё-э прошла в 1898 г. Богатые коллекции таких гравюр существуют в Государственном Эрмитаже и Кунсткамере. Слово "укиё" в древности обозначало одну из буддийских категорий и могло переводиться как "бренный изменчивый мир". В конце ХVII в. укиё стало обозначать мир земных радостей и наслаждений.
   Вот и мы поговорим о картинах ускользающего мира. Никого они не могут оставить равнодушным. 

Одной из самых известных картин К.Хокусая считается "Большая волна"

Видимо, в условностях японской графики кроются те положения, которые так трудно даются западному зрителю. Театральность композиции и прорывающаяся почти невпопад декоративность изображения могут создавать эффект нарочитости, странности и нереальности мироздания. Вместо острого сопереживания по европейскому образцу эти картины вызывают те же чувства, что и классичесая поэзия Японии - принятие ритмов природы, скоротечности человеческого существования, неявных вечных законов. 

Западный художник (до наступления эры модернизма, а тем более постмодернизма) всегда стремился создать законченное произведение искусства, которым можно наслаждаться как идеалом прекрасного, мечтал воплотить в образ своё собственное представление о гармонии. Тогда как японские поэты и живописцы, каллиграфы и мастера чайной церемонии искали нечто другое. В их творчестве, дающем лишь намёк на истинную красоту и мудрость бытия, содержится тайнопись законов космоса. Постичь её может лишь душа, также ищущая истину и гармонию. И чем сильнее это стремление, тем глубже проникновение в “печальное», в сокровенную суть явлений (югэн). Искушённый ценитель улавливает глубинное содержание образа в сложном переплетении вариаций подтекста, в напластовании оттенков смысла. Встречное движение мысли и чувства дают единственное, неповторимое впечатление момента, своего рода эстетическое прозрение. Из творческого взаимодействия сил созидающей и воспринимающей рождается сверхчувствование (едзе), которое и приоткрывает перед человеком тайну бытия. Обращаясь к молодым художникам Кацусика Хокусай написал: Если ты хочешь нарисовать птицу, ты должен стать птицей . То есть метод японского мастера состоит в том, что в момент творчества художник должен ощутить себя объектом рисования, оставаясь одновременно и создателем этого объекта. А если художник рисует «проплывающий мимо мир»? Тогда он сливается в единое с этим миром, оставаясь по-прежнему (или уже не по-прежнему, ведь он вместе с миром и изменяется) но всё же оставаясь самим собой. А теперь добавьте к этому ещё и зрителя, с которым, как уже сказано выше, японские художники вступают в полный чувств осознанный диалог, рождающий на основе этого триединства мир-художник-зритель некую совершенно новую реальность, которая, впрочем, также мимолетна, как и всё остальное, и так же проплывет мимо. Если однажды ты ощутил в себе силы стать творцом такого мгновения, то собственное имя и впрямь можно счесть некой второстепенной деталью на заднем плане.

Можно ещё долго описывать, но лучше смотреть. Смотреть на его картины «проплывающего мимо мира», смотреть на сам мир, проплывающий мимо нас. Такой же прекрасный и такой же переменчивый, как тогда… Если захочется, можно ответить ему своими рисунками и гравюрами. Многословие вряд ли уместно, ведь Накадзима Тамекадзу пришёл в этот мир не разговаривать, а рисовать, и потому свою очень длинную и невероятно плодотворную жизнь сумел вписать в безукоризненную лаконичность традиционного японского трехстишия:

Родился в Эдо (Токио) 21 октября 1760
- Рисовал мир, проплывающий мимо -
Умер в Эдо (Токио) 10 мая 1849

Мы знаем, что художник, известный нам под именем Кацусика Хокусай оставил после себя более 30 тысяч гравюр, живописных произведений, рисунков, около 500 иллюстрированных книг. Но как хочется понять, что этот неутомимый дух забрал с собой? Может знание, как стать птицей?

Побродите и вы по галерее с картинами великого мастера Кацусики Хокусая. Остановите для себя этот ускользающий мир. 

Японская гравюра - это особый мир. В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания. Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник делал контурный рисунок тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Гравер, наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, вырезал первую печатную форму. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру. Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.

Понять японскую культуру очень сложно. Много надо знать. 

Мерилами красоты у японцев служат четыре понятия - саби, ваби, сибуй и югэн. Первые три понятия своими корнями уходят в древнюю религию синто, а югэн - навеяно буддийской философией. Без этих понятий пытаться понять японскую культуру бессмысленно. В традиционной японской эстетике саби, ваби, сибуй и юген определяют сущность прекрасного.

  Саби дословно означает ржавчина. Этим понятием передается прелесть потертости, некоего налета времени, патины, следов прикосновения многих рук. Считается, что время способствует выявлению сути вещей. Поэтому японцы видят особое очарование в свидетельствах возраста. Их привлекает темный цвет старого дерева и замшелый камень в саду. Категория саби выражает связь искусства с природой.

Саби — это естественная красота, рожденная временем, его печать. Чем явственнее приметы времени, тем драгоценнее вещь. Японцы любят заваривать чай в чайнике из необожженной глины. С каждой заваркой запах становится богаче, а чайник дороже. А чашка станет совершенной, после того, как глазурь покроется изнутри сеточкой трещин. Считается, что время способствует выявлению сущности вещей. Поэтому японцы видят особое очарование в следах возраста. Их привлекает потемневший цвет старого дерева, замшелый камень в саду или даже обтрепанность - следы многих рук, прикасавшихся к краю картины.

Ваби — это отсутствие нарочитого, красота простоты. С этим понятием связана практичность, функциональность и утилитарная красота предметов. Красота и естественность для японцев - понятия тождественные. Все, что неестественно, не может быть красивым. Ваби мост между искусством и повседневной жизнью. Понятие ваби очень трудно объяснить словами, его надо почувствовать. Ваби - это отсутствие чего-либо вычурного, броского, нарочитого, то есть в представлении японцев вульгарного.

Ваби - это прелесть обыденного, мудрая воздержанность, красота простоты. Воспитывая в себе умение довольствоваться малым, японцы находят и ценят прекрасное во всем, что окружает человека в его будничной жизни, в каждом предмете повседневного быта. Не только картина или ваза, а любой предмет домашней утвари, будь то лопаточка для накладывания риса или бамбуковая подставка для чайника, может быть произведением искусства и воплощением красоты. Практичность, утилитарная красота предметов - вот что связано с понятием ваби.

Ваби и саби со временем стали употребляться как одно понятие — ваби-саби, которое затем обрело более широкий смысл, превратившись в обиходное слово сибуй. Японец на вопрос, что такое сибуй, ответит - то, что человек с хорошим вкусом назовет красивым. Сибуй — это красота, заключенная в материале при его минимальной обработке, и практичность изделия. Сочетание этих двух качеств японцы считают идеалом.

На протяжении столетий японцы развили в себе способность распознавать и воссоздавать качества, определяемые словом сибуй, почти инстинктивно. В буквальном смысле слова сибуй означает терпкий, вяжущий. Произошло оно от названия повидла, которое приготовляют из хурмы. Сибуй - это красота простоты плюс красота естественности. Кинжал незачем украшать орнаментом. В нем должна чувствоваться острота лезвия и добротность закалки. При минимальной обработке материала - максимальная практичность изделия - сочетание этих двух качеств японцы считают идеалом. Сибуй - это первородное несовершенство в сочетании с трезвой сдержанностью. Все искусственное, вычурное несовместимо с этим понятием.

Юген — недосказанность, красота, которая лежит в глубине вещей, не стремясь на поверхность. Кенко Ио-шида в XVIII веке писал: «У всех вещей законченность плоха, лишь неоконченное дает радостное, расслабляющее чувство». Предмет, который завершен, неинтересен, изменчивость природного пропадает в законченности. Японское искусство отрицает и симметрию - она воплощает в себе повторение. 

Тайна искусства состоит в том, чтобы вслушиваться в несказанное, любоваться невидимым. Это и есть четвертый критерий японского представления о красоте. Югэн воплощает собой мастерство намека или подтекста, прелесть недоговоренности. Заложенная в природе Японских островов постоянная угроза непредвиденных стихийных бедствий сформировала у народа душу, очень чуткую к изменениям окружающей среды. Буддизм добавил сюда свою излюбленную тему о непостоянстве мира. Обе эти предпосылки сообща привели японское искусство к воспеванию изменчивости, бренности. Увидеть в недолговечности источник красоты сумели, пожалуй, лишь японцы. Не случайно своим национальным цветком они избрали именно сакуру.

Не случайно жизнь японского воина- самурая олицетворяется с сакурой, которая считается символом души самурая. А наивысший момент расцвета и пышного цветения сакуры олицетворяется с духовным ростом, боевым духом и непобедимостью в сражении. 
В моменты же наивысшего физического напряжения, в самом суровом и часто смертельном поединке, дух самурая возрастает настолько, что его можно уподобить внезапно расцветшей сакуре, ее пышным, ярким, но недолговечным цветам, возникающим всегда неожиданно на ее суровых ветках.
Путь воина подобен сакуре – буйно расцветает, пышно цветет в минуты сражений, и также внезапно может прерваться в самом цвету.

Хокусай, как и японское искусство в целом, оказал существенное влияние на европейское искусство XIX века: ар-нуво (югендстиль) и французскийимпрессионизм. В характерных для югендстиля напряжённых и извилистых линиях, названных критиками «ударом бича» (нем. Peitschenhieb) заметно влияние мотивов Хокусая. Тематика гравюр Хокусая присутствует в работах Клода Моне и Пьера Огюста Ренуара. Понятен интерес во Франции к творчеству великого Хокусая.

А это гранд Палас в Париже, где развернулась грандиозная выставка Хокусая.

Что толку охать и тужить -
Россию нужно заслужить!

Так написал Игорь-Северянин, "король поэтов" , которого ругал Лев Толстой и с кем соперничал Маяковский. Мы забыли его, а стихи его по-прежнему бередят душу. Он слишком любил Россию и очень жалел ее:

Москва вчера не понимала,
Но завтра, верь, поймет Москва:
Родиться Русским - слишком мало,
Чтоб русские иметь права:

И, вспомнив душу предков, встанет,
От слова к делу перейдя,
И гнев в народных душах грянет,
Как гром живящего дождя.

И сломит гнет, как гнет ломала
Уже не раз повстанцев рать:
Родиться Русским - слишком мало:
Им надо быть, им надо стать!
______________________________

Это портрет Оскара Уайлда.

Не правда ли, как они похожи? Северянин и Уайльд. 

Игорь Северянин считал, что похож на Уайльда, и, подражая ему, выходил на сцену читать свои стихи с лилией в руках/орхидеей в петлице 

длинного сюртука и т.п

    

Можно считать, что в основу жизнетворчества Игоря Северянина легла эстетическая идея возможности преобразования мира в

художественном творчестве, принадлежащая Оскару Уайльду.

«Художник, обратившись к нереальному и несуществующему, стремится создать путем своего воображения нечто 

восхитительное и прибегает для этого к украшению, не имеющему никакой прикладной цели».Оскар Уайльд.

"Торгуют мудростью, благоговеньем,

А чернь идет с угрюмым озлобленьем.

На светлое наследие веков." Оскар Уайльд.

"Нет, я не с теми, кто, сжимая камень, Вздымают красный флаг над мостовой. Под грубой их пятой померкнет пламень Искусств, Культуры, Благородства, Чести…" (Уайльд;«Libertatis sacra fames»)

Уайльд говорил, что Искусство − зеркало, отражающее того, кто в него смотрится, а вовсе не жизнь. Поднятая Уайльдом

тема оказала огромное влияние на последующее развитие европейской эстетики, эстетики, определяющими чертами 

которой являлись рафинированность, элитарность и эпатаж. Именно философия красоты является философией творчества 

(и жизни) Уайльда. Северянин вслед за Уайльдом считает, что не в силах изменить исторический ход событий.

Потому-то мы и не изучали в школе творчество Игоря Северянина, который верил, ад земной уподобится раю.
 
Я мечтаю, что в зареве лет
Ад земной уподобится раю.

Я мечтаю, что Небо от бед
Избавленье даст русскому краю.
Оттого, что я - русский поэт,
Оттого я по-русски мечтаю!
________________________________________________________

А теперь поговорим об Игоре Северянине.

Это случилось на стыке XIX и XX столетий. Именно тогда великие поэты Ахматова, Бальмонт, Блок, Брюсов, Волошин, Гумилев, Есенин, Мандельштам, Маяковский, Северянин, Сологуб и Цветаева создавали свои незабвенные произведения. Это время впоследствии было названо серебряным веком русской поэзии. Творения серебряного века позволили многим людям задуматься над вопросом "в чем смысл жизни?" и обрести свои культурные корни.

В 1910-1920-х годах в Италии зародилось новое авангардистское течение в искусстве – футуризм. Затем оно попало в Россию. Для этого направления характерен полный отказ от старых традиций, норм и канонов, крайний экстремизм, дух бунтарства, стремление к эпатажу. Футуристы преклонялись перед силой, агрессией, действием, движением и скоростью. Они пропагандировали возвеличивание себя и презрение к слабым, утверждали приоритет силы, упивались войной и разрушением. Многие эксперты считают, что это от этого направления русскую поэзия весьма пострадала и серебряный век на этом закончился.

Много поэтических звезд сияло на небосводе Серебряного века. Одна из них — Игорь-Северянин, сам себя провозгласивший гением и признанный поклонниками король поэтов. В его биографии не было резких поворотов и судьбоносных переломов. Жизнь Игоря Лотарева, или, как он сам себя называл большую часть творческого периода, Игоря-Северянина можно сравнить с широкой дорогой, по которой поэт шел в поисках собственного стиля, изобретая по пути термины и образы, шокируя неприкрытой эгоистичностью восхищая музыкальностью лирики.

Его перу принадлежат столь разные по стилю, ритму и настроению произведения, что порой кажется, будто они написаны не одним человеком, а целой группой поэтов с разными взглядами и принципами. Он очень любил Россию, но так случилось, что он, родившись в Петербурге в 1887 году, прожив до 1904 года в усадьбе "Сойволе" неподалеку от Череповца, где окончил реальное училище,жил в Гатчине у матери, а в 1918 году перевез ее больную в Эстонию и там прожил всю оставшуюся жизнь вплоть до своей смерти в 1941 году. Похоронен в Таллине на кладбище Александра Невского. Он очень любил Россию и переживал за нее, видя, как рушатся устои.

СПЯЩАЯ КРАСАВИЦА

- Что такое Россия, мамочка?
- Это ... впавшая в сон княжна...
- Мы разбудим ее, любимая?
- Нет, не надо: она - больна...

- Надо ехать за ней ухаживать...
- С нею няня ее... была...
Съели волки старушку бедную...
- А Россия что ж?
- Умерла...

- Как мне больно, моя голубушка!..
Сердце плачет, и в сердце страх...
- О, дитя! Ведь она бессмертная,
И воскреснет она... на днях!
____________________________________________________

КОЛЫБЕЛЬ КУЛЬТУРЫ НОВОЙ

Вот подождите - Россия воспрянет,
Снова воспрянет и на ноги встанет.
Впредь ее Запад уже не обманет
Цивилизацией дутой своей:

Встанет Россия, да, встанет Россия,
Очи раскроет свои голубые,
Речи начнет говорить огневые, -
Мир преклонится тогда перед ней!

Встанет Россия - все споры рассудит:
Встанет Россия - народности сгрудит:
И уж Запада больше не будет
Брать от негодной культуры росток.

А вдохновенно и религиозно,
Пламенно веря и мысля серьезно,
В недрах своих непреложностью грозной
Станет выращивать новый цветок:

Время настанет - Россия воспрянет,
Правда воспрянет, неправда отстанет,
Мир ей восторженно славу возгрянет, -
Родина Солнца - Восток!

Пусть нелепо, смешно, глуповато
Было в годы мои молодые,
Но зато было сердце объято
Тем, что свойственно только России!
______________________________________________

НАРОДНЫЙ СУД

Я чувствую, близится судное время:
Бездушье мы духом своим победим,
И в сердце России пред странами всеми
Народом народ будет грозно судим.

И спросят избранники - русские люди -
У всех обвиняемых русских людей,
За что умертвили они в самосуде
Цвет яркий культуры отчизны своей.

Зачем православные Бога забыли,
Зачем шли на брата, рубя и разя...
И скажут они: "Мы обмануты были,
Мы верили в то, во что верить нельзя..."

И судьи умолкнут с печалью любовной,
Поверив себя в неизбежный черед,
И спросят: "Но кто же зачинщик виновный?"
И будет ответ: "Виноват весь народ.

Он думал о счастье отчизны любимой,
Он шел на жестокость во имя Любви..."
И судьи воскликнут: "Народ подсудимый!
Ты нам не подсуден: мы - братья твои!

Мы часть твоя, плоть твоя, кровь твоя, грешный
Наивный, стремящийся вечно вперед,
Взыскующий Бога в Европе кромешной,
Счастливый в несчастье, великий народ!"
___________________________________

СЛОВА СОЛНЦА

Много видел я стран и не хуже ее-
Вся земля мною нежно любима.
Но с Россией сравнить?.. С нею - сердце мое,
И она для меня несравнима!

Чья космична душа, тот плохой патриот:
Целый мир для меня одинаков:
Знаю я, чем могуч и чем слаб мой народ,
Знаю смысл незначительных знаков:

Осуждая войну, осуждая погром,
Над народностью каждой насилье,
Я Россию люблю - свой родительский дом-
Даже с грязью со всею и пылью:

Мне немыслима мысль, что над мертвою - тьма:
Верю, верю в ее воскресенье
Всею силой души, всем воскрыльем ума,
Всем огнем своего вдохновенья!

Знайте, верьте: он близок, наш праздничный день,
И не так он уже за горами-
Огласится простор нам родных деревень
Православными колоколами!

И раскается темный, но вещий народ
В прегрешеньях своих перед Богом.
Остановится прежде, чем в церковь войдет,
Нерешительно перед порогом:

И, в восторге метнув в воздух луч, как копье
Золотое, слова всеблагие
Скажет солнце с небес: "В воскресенье свое
Всех виновных прощает Россия!"

______________________________________________________________

Любовь! Россия! Солнце! Пушкин! -
Могущественные слова!..
И не от них ли на опушке
Нам распускается листва?

И молодеет не от них ли
Стареющая молодежь?
И не при них ли в душах стихли
Зло, низость, ненависть и ложь?

ИНТЕЛЛИГЕНТАМ РОССИИ

О люди жалкие, бессильные,
Интеллигенции отброс,
Как ваши речи злы могильные,
Как пуст ваш ноющий вопрос!
Не виновата в том крестьянская
Многострадальная среда,
Что в вас сочится кровь дворянская,
Как перегнившая вода.
Что вы, порывами томимые,
Для жизни слепы и слабы,
Что вы, собой боготворимые,
Для всех пигмеи и рабы.
Как вы смешны с тоской и мукою
И как несносны иногда...
Поменьше грез, рожденных скукою,
Побольше дела и труда!

Не правда, сильные стихи!!!

________________________________________________________

О России петь - что стремиться в храм
По лесным горам, полевым коврам...

О России петь - что весну встречать,
Что невесту ждать, что утешить мать...

О России петь - что тоску забыть,
Что Любовь любить, что бессмертным быть!

У Северянина есть пронзительные стихи про любовь.

Встречаются, чтоб расставаться, 
Влюбляются, чтоб разлюбить. 
Мне хочется расхохотаться 
И разрыдаться, и не жить! 
Клянутся, чтоб нарушить клятвы, 
Мечтают, чтоб клянуть мечты... 
О, горе тем, кому понятны 
Все наслаждения тщеты. 
В деревне хочется столицы... 
В столице хочется души... 
И всюду человечьи лица 
Бесчеловеческой души... 
Как часто красота уродна 
И есть в уродстве красота... 
Как часто низость благородна 
И злы невинные уста. 
Так как же не расхохотаться, 
Не разрыдаться, как же жить, 
Когда возможно расставаться, 
Когда возможно разлюбить?

Как созвучны эти стихи со стихами Анны Ахматовой: 

С любимыми не расставайтесь!
С любимыми не расставайтесь!
С любимыми не расставайтесь!
Всей кровью прорастайте в них,-
И каждый раз навек прощайтесь!
И каждый раз навек прощайтесь!
И каждый раз навек прощайтесь!
Когда уходите на миг!

ДОРОЖЕ ВСЕХ...

Моя жена всех женщин мне дороже
Величественною своей душой.
Всю мощь, всю власть изведать ей дай Боже
Моей любви воистину большой!

Дороже всех - и чувства вновь крылаты,
И на устах опять счастливый смех...
Дороже всех: дороже первой Златы!
Моя жена душе дороже всех!

Моя жена мудрей всех философий, -
Завидная ей участь суждена,
И облегчить мне муки на Голгофе
Придет в тоске одна моя жена!

ВСЕ ОНИ ГОВОРЯТ ОБ ОДНОМ

С.В. Рахманинову

Соловьи монастырского сада,
Как и все на земле соловьи,
Говорят, что одна есть отрада
И что эта отрада - в любви:
И цветы монастырского луга
С лаской, свойственной только цветам,
Говорят, что одна есть заслуга:
Прикоснуться к любимым устам:

Монастырского леса озера,
Переполненные голубым,
Говорят, нет лазурнее взора,
Как у тех, кто влюблен и любим:

В певческом искусстве особенно выделяются грузинские песни, которые наполняют сердце добротой и изумительной красотой. Особенностью грузинского песнопения является сложно организованное сочетание многих голосов в едином звуковом потоке.

Юнеско признало грузинское грузинское хоровое искусство вершиной мировой культуры. С этим трудно не согласиться.

В репертуаре нашего хора имени Г.М.Сандлера выпускников Санкт-Петербургского университета, где я имею счастье петь, скоро появится грузинская народная песня Луна Мтацминды.

В Тбилиси есть гора Мтацминда. Ей и посвящается эта песня.

Эта песня давно есть в репертуаре Хора ИТМО, вместе с которым мы и будем выступать.

Мне хотелось, чтобы вы тоже почувствовали себя очарованным Грузией.

В моей копилке нашел заметки преподавателя по вокалу, которая размышляет о том, кого можно научить петь. Я считаю, что каждого ребенка надо учить петь и рисовать, а что потом получится - это не так важно. Человек получает гармоничное развитие. Давайте поразмышляем вместе с педагогом.

Когда человек открывает для себя возможность научиться чему-то новому, он часто задает себе вопрос: а есть ли у меня к этому способности? Смогу ли я добиться успехов, или мне просто не дано? Зажатый комплексами искатель истины порой так всю жизнь и сомневается: стоит начинать или не стоит. Как говорится, лучше сделать и пожалеть о том, что сделал, чем всё равно пожалеть, но о том, чего не сделал. По крайней мере, в рамках закона и этики.;)
Пение — это популярнейший и древнейший вид искусства, подступаться к нему с нуля многим страшно. Особенно когда их затыкают друзья при совместном исполнении песен в караоке.
Рассмотрим вопрос с самого начала, с колыбельки. Маленькие дети почему-то имеют свойство очень громко и звонко вопить. Как же так сложилось? Дело в том, что ни физически, ни психологически они еще никак не зажаты. Природа позволяет звучать естественно. Родители годами прикрикивают и шикают: «Веди себя потише! Не кричи! Ну что ты так разорался!» И со временем это начинает сказываться. Среднестатистический голос вынужден втискиваться в громкостные рамки поведения в социуме. И вот, во взрослом возрасте ситуация меняется. Если хочется петь или даже просто красиво говорить, приходится ломать свои наработанные зажимы, вытаскивать из себя застревающие где-то внутри звуки, возвращать былую звонкость, а также обретать специальные навыки.
Но даже если вы упорно молчали всё детство и были паинькой, никаких препятствий к овладению вокалом это не создает. Люди, так или иначе, пользуются своим голосом для разговорной речи. Если вы можете говорить, значит, вы можете и петь. Остальное зависит от обстоятельств. Некоторые исполнители всю жизнь пользуются лишь небольшим рабочим диапазоном своего голоса. Тут главное не в том, сколько разных нот можно спеть. Нет! Главное — КАК!
Еще один животрепещущий вопрос — это понятие музыкального слуха. Вы можете считать, что вам медведь на оба уха наступил, и поэтому петь только в душе. Однако проблема может оказаться совсем не в «лопоухости», а в недостаточной взаимосвязи слуха и голоса. Работа мозга здесь играет главную роль. Музыкальный слух прекрасно поддается тренировке и развитию. Только надо этим заниматься.
Ключевой момент в любом деле — активные занятия. С помощью систематического выполнения различных упражнений мы можем натренировать голосовой аппарат точно так же, как мы можем накачать основные группы мышц в тренажерном зале. Чем регулярнее отрабатывать упражнения, тем быстрее будет идти прогресс. Само собой, результат зависит от исходных данных, но любые данные можно улучшить и облагородить. Если у вас сопрано (высокий женский голос), то на контральто (низкий женский голос) его сменить вряд ли получится. Но вот превратить тихий, скованный и не очень привлекательный звук в сильный, красивый и летящий очень даже реально.
Как можно узнать, какие у вас вокальные данные? Очень просто. Надо посетить вокального педагога и пройти прослушивание. На прослушивании обычно проверяют несколько самых важных параметров: музыкальная память, тембр голоса, попадание в ноты, чувство ритма. А дальше вам расскажут, что и как нужно делать для развития своих навыков.
Ничего не бойтесь, отбросьте стеснение и дерзайте покорять новые вершины!

Вероника Могилев-Вольская, преподаватель по вокалу

Сегодня по телеканалу Mezzo послушал из театра Ковент Гартен оперу Дж.Россини "Севильский цирюльник". Вот мне и захотелось поговорить об этой опере, о Россини, о театре и об исполнителях.

Но начнем, пожалуй, вот с этого замечательного исполнения арии Розины Екатериной Федоровной Савиновой в фильме "Приходите завтра"

Фрося Бурлакова в этом фильме - это явление в советском кинематографе. У Савиновой был уникальный голос.  Но Судьба у этой актрисы была трагической Она снялась только в "Кубанских казаках", в фильме "Приходите завтра" и служанку в "Женитьбе Бальзаминова". Она заболела бруцилезом и уехала на родину в Алтайский край, Она ежегодно была вынуждена проводить в больнице 2—4 месяца. Постепенно актриса стала осознавать, что то, к чему она так стремилась — недостижимо, а для её близких, по её убеждению, она стала лишь обузой. Зная о неизлечимости своей болезни, 25 апреля 1970 года она бросилась под поезд на узловой станции Новосибирска, как героиня «Анны Карениной», чей монолог она читала на вступительных экзаменах во ВГИК.

В телеспектакле Розину пела пела несравненная Джойс ДиДонато.

Джойс ДиДонато — известная американская оперная певица, лирико-колоратурное меццо-сопрано. Считается одной из самых востребованных оперных исполнительниц. Лауреат премии Грэмми за лучший классический сольный вокал (2012). Но голос Екатерины Савиновой мне нравится не меньше.

На представлении «Севильского цирюльника» в Ковент-Гардене 7 июля 2009 года певица оступилась на сцене и сломала малую берцовую кость правой ноги. Она закончила первый акт, припадая на одну ногу, а далее вышла петь на костылях. Оставшиеся пять спектаклей она исполнила роль Розины, передвигаясь по сцене в инвалидной коляске (один из этих спектаклей записан на пленку и был показан в прямой трансляции из Ковент-Гардена). Вот как она рассказывает об этом.

Помимо ДиДонато в спектакле играет перуанский тенор Хуан Диего Флорес, которого называют новой суперзвездой мировой оперы. Он спел графа Альмавиву. Уникальный голос Флореса без затруднений может пропеть верхние девять нот «до». Как утверждает сам исполнитель, главное тренировка и уверенность в своей технике, так как бельканто – это то же, что акробатические упражнения.

Хуана Диего Флореса не сравнивают с легендарными именами Пласидо Доминго или Лучиано Паваротти, он также не стремится занять место «Четвертого мирового Тенора». Но его редкий тембр голоса, который итальянцы называют не иначе, как «изящный тенор» (tenore di grazia), позволит молодому исполнителю занять свою нишу в мире оперной музыки, став одним из лучших среди исполнителей бельканто. Уже сейчас мировые оперные концертные залы и театры предпочитают его белькантовское исполнение композиций Беллини, Россини и Доницетти.

Великолепен был в роли Фигаро и Питер Спаньоли.

И не откажу себе в удовольствии познакомить вас с исполнением арии Фигаро великим Тито Гобби.

Севильский цирюльник не только самая популярная опера в наследии Россини, но и одна из самых блистательных комедий в истории итальянского музыкального театра. Залогом ее успеха стала яркая музыка, которая, не отпуская внимание слушателей, с неистощимой мелодической изобретательностью передает все оттенки юмора – от жизнерадостного смеха и легкой непринужденной шутки до саркастической насмешки, переходящей в гротеск. Блеск и легкость музыки Россини делает оперу понятной и близкой даже самой непосвященной аудитории.

Действие оперы происходит в современном европейском городе. Граф Альмавива влюблен в красавицу Розину, и она готова ответить на его ухаживания, но у Розины есть опекун – доктор Бартоло, который хочет жениться на своей воспитаннице ради ее богатого приданого. Ревнуя Розину, он торопится со свадьбой. Граф просит своего старого знакомца Фигаро, которого он случайно встретил возле дома Бартоло и от которого узнал подробности отношений между Розиной и ее опекуном, помочь проникнуть в дом доктора, чтобы тайно увидеться с девушкой. Фигаро советует графу переодеться солдатом, притвориться пьяным и потребовать у Бартоло квартиру для постоя. Сам же Фигаро приходит к доктору под видом больного. Между тем дон Базилио, обучающий Розину пению, узнав о пылких чувствах графа Альмавивы, спешит предупредить доктора Бартоло и советует ему оклеветать соперника в глазах Розины. Появление пьяного солдата (переодетого Альмавивы) выводит Бартоло из себя. В возникшей суматохе доктор замечает, что «солдат» пытается незаметно передать записку Розине. Яростная перепалка вспыхивает с новой силой. Фигаро вызывает полицию, благодаря вмешательству которой графу удаётся выпутаться из неловкого положения. Потерпев первую неудачу, граф Альмавива предпринимает новую попытку встретиться с Розиной уже под именем учителя музыки дона Алонзо, которого якобы прислал вместо себя заболевший дон Базилио. На этот раз графу удаётся объясниться с Розиной и, несмотря на то, что из-за интриг доктора Бартоло Розина почти потеряла веру в искренность чувств своего пылкого поклонника, влюблённым всё-таки удаётся примириться и договориться о побеге. Планы их чуть было не расстроило появление дона Базилио с нотариусом, которые явились для оформления брачного контракта между доктором и Розиной. Но Бартоло нет в доме. Пользуясь этим, граф Альмавива подкупает дона Базилио, и он соглашается стать свидетелем брачного договора, заключённого между графом Альмавивой и Розиной. Появление негодующего доктора Бартоло уже не может помешать счастью влюбленных.

Послушайте эту оперу, где поют Борис Штоколов и В.Самсонов. Чебоксарский оперный театр.

Или в театре Ла Скала (мне это исполнение нравится больше)

Несколько слов, как я и обещал, о театре Ковент Гартен.

Это один из самых известных театров мира. Основан в 1732 году видным английским театральным деятелем и актёром Дж. Ричем. Поначалу это был драматический театр (на его открытии была дана пьеса У. Конгрива «Светские обычаи»). Первой оперой, поставленной на его сцене, был «Верный пастух» Генделя (1734). В 1847 году Ковент-Гарден становится исключительно оперным театром (это событие было отмечено постановкой оперы Россини «Семирамида»). Здание театра дважды отстраивалось заново — после пожаров 1808 и 1856 года.

Современный облик театра — тот, в каком он предстал после последней реставрации, осуществлённой архитектором Е. М. Берри в 1856 году. В 1899 году несколько изменений в архитектурный план театра внёс Эдвин Сакс. Театр подвергся кардинальной реконструкции в 1990-е годы. Его вместимость — 2256 мест. В 1892 получил название Королевского оперного театра. 

Ну а закончим мы краткой справкой о великом итальянском композиторе Джоаккино Антонио Россини (итал. Gioachino Antonio Rossini; 1792—1868)  

Отец Россини был трубачом, мать — певицей. В 18 лет он написал первую свою оперу «La cambiale di matrimonio» («Брачный вексель») для оперного театра в Венеции. А через 6 лет Россини создает самую великую свою оперу "Севильский цирюльник". В 1816 году постановка на сцене театра Argentina в Риме «Севильского цирюльника»вызвала неоднозначную реакию. Ее приняли  с большим недоверием, так как считали дерзостью, чтобы кто-либо осмелился написать, после Паэзиелло, оперу на тот же сюжет; на первом представлении оперу Россини приняли даже холодно, но после второго исполнения  публика устроила даже факельное шествие.Опера эта — не только наиболее гениальное творение Россини, но может быть и венец всех итальянских опер-буфф. В продолжение большого промежутка времени с 1829 до своей смерти (38 лет) Россини брался за перо только для того чтобы написать свое знаменитое Stabat Mater (1832 год; в позднейшем, расширенном виде 1841 год) и несколько церковных композиций и кантат. Умер композитор недалеко от Парижа в 1868 году. Через 10 лет его прах был перевезен во Флоренцию. Похоронен Россини в церкви Санта Кроче во Флоренции.

Энрико Карузо стал легендой вокального искусства XX века, образцом для будущих поколений оперных теноров. Он обладал голосом неповторимого тембра, в котором естественное баритональное, бархатистое звучание нижнего и среднего регистров сочеталось с блестящими теноровыми верхами. Благодаря исключительному владению дыханием, безупречной интонации и, главное, высокой исполнительской культуре. Силу его таланта составляли три основные черты: первая — это чарующий горячий, страстный голос, который невозможно сравнить ни с каким другим. Красота его тембра заключалась не в ровности звучания, а, наоборот, в богатстве и разнообразии красок. Карузо своим голосом выражал все чувства и переживания — временами казалось, что игра и сценическое действие для него излишни. Вторая черта таланта Карузо — безграничная в своем богатстве палитра чувств, эмоций, психологических нюансов в пении; наконец, третья черта — его огромный, стихийный и подсознательный драматический талант.

В память о Карузо была написана эта песня, которую знают все, но не знают имя композитора..

Значение песни противоречиво и спорно, но общий смысл состоит в том, что песня рассказывает о страданиях и чувствах человека, который думает о своей скорой смерти, смотря в глаза дорогой ему девушки.

Сначала послушайте песню, а потом поговорим о композиторе.

Caruso

Qui dove il mare luccica,
e tira forte il vento
su una vecchia terrazza
davanti al golfo di Surriento
un uomo abbraccia una ragazza,
dopo che aveva pianto
poi si schiarisce la voce,
e ricomincia il canto.

Te voglio bene assaje,
ma tanto tanto bene sai
è una catena ormai,
che scioglie il sangue dint''e vvene sai.

Vide le luci in mezzo al mare,
pensò alle notti là in America
ma erano solo le lampare
nella bianca scia di un'elica
sentì il dolore nella musica,
Si alzò dal pianoforte
ma quando vide la luna uscire da una nuvola
gli sembrò più dolce anche la morte.
Guardò negli occhi la ragazza,
quelli occhi verdi come il mare
poi all'improvviso uscì una lacrima,
e lui credette di affogare

Te voglio bene assaje,
ma tanto tanto bene sai
è una catena ormai,
che scioglie il sangue dint''e vvene sai

Potenza della lirica,
dove ogni dramma è un falso
che con un po' di trucco e con la mimica
puoi diventare un altro.
Ma due occhi che ti guardano
così vicini e veri
ti fan scordare le parole,
confondono i pensieri.
Così diventa tutto piccolo,
anche le notti là in America.
Ti volti e vedi la tua vita
come la scia di un'elica.
Ma sì, è la vita che finisce,
ma lui non ci pensò poi tanto.
Anzi si sentiva già felice,
e ricominciò il suo canto

Te voglio bene assaje,
ma tanto tanto bene sai
è una catena ormai,
che scioglie il sangue dint''e vvene sai

Карузо

Здесь, где сияет море
И дует сильный ветер,
На старой террасе
Перед Соррентским заливом
Мужчина обнимает девушку
После того, как она всплакнула,
Потом прокашливается
И продолжает снова петь.

"Я тебя очень сильно люблю,
но так сильно-сильно, знаешь...
Это теперь уже цепь,
Которая разгоняет по венам кровь".

Он увидел свет в море,
Подумал о ночах там, в Америке.
Но это были только рыбацкие лампочки
На белом барашке от винта лодки.
Он почувствовал боль в музыке,
Встал из-за рояля.
Но когда увидел, как луна выходит из-за облака,
Даже смерть ему показалась более сладкой.
Он посмотрел в глаза девушки,
В эти зеленые, как море, глаза.
И вдруг у него внезапно выкатилась слеза,
И ему показалось, что он задыхается.

"Я тебя очень сильно люблю,
но так сильно-сильно, знаешь...
Это теперь уже цепь,
Которая разгоняет по венам кровь".

Мощь оперного искусства,
В котором каждя драма — фальшь,
Там с помощью грима и мимики
Можешь стать другим.
Но глаза, что глядят на тебя,
Такие близкие и настоящие,
Застявляют тебя забыть слова,
Путают твои мысли.
Так все становится таким незначительным,
Даже ночи в Америке.
Ты оборачиваешь и видишь свою жизнь
Как след от твоего винта.
Ну да, это жизнь, которая кончается,
Но он не думал об этом насколько.
Наоборот, он чувствовал себя уже счастливым
И продолжил свое пение.

"Я тебя очень сильно люблю,
но так сильно-сильно, знаешь...
Это теперь уже цепь,
Которая разгоняет по венам кровь".

Такое случается часто, когда концерт подходит к концу, и уже поются песни на-бис: одна, другая, третья… Но вот в какой-то момент, без объявления, со сцены начинает литься та самая мелодия, проникновенная, трогающая душу каждого слушателя. И зал буквально взрывается аплодисментами, потому что это – «Карузо»! И, погрузившись в удивительные по своей эмоциональной наполненности звуки, вряд ли кто-нибудь вспоминает имя композитора, написавшего эту песню, а может и просто не знает его. 

А имя его Лучо Далла.

Итальянский композитор и исполнитель, он впервые вышел на сцену как джазовый музыкант в 1962 году, а в 1964 году дебютировал как певец. Расцвет творческой карьеры Далла пришелся на 1971 год,когда на фестивале в Сан-Ремо он занял третье место. 
Далла сочинял музыку и к фильмам известных режиссеров, а также занимался издательской деятельностью. 
 

Визитной карточкой Далла стала песня Caruso ("Памяти Карузо"), написанная в 1986 году. Он же был и ее первым исполнителем. Запись этой песни была продана тиражом в 9 миллионов копий по всему миру, в 10 версиях исполнения на разных альбомах. Её брали в свой репертуар многие выдающиеся певцы, в том числе Лучано Паваротти. 

Лучо Далла скончался в первый день весны 2012 года в Швейцарии, не дожив трех дней до своего 69-го дня рождения.
 

Вчера, 05.08.2014, по "Культуре" показывали старый английский фильм "Красные башмачки". Фильм «Красные башмачки» считается вершиной творчества тандема кинорежиссеров, сценаристов и продюссеров Майкла Пауэлла и Эмериха Пресбургера и одним из наиболее значительных свершений в истории британского кино. Фильм был снят в 1948 году. Посмотрел с интересом, но без удовольствия. Сюжет фильма вдохновлён историей взаимотношений Сергея Дягилева и начинающей британской балерины Дианы Гулд (впоследствии жены Иегуди Менухина). Место Дягилева в фильме занимает Борис Лермонтов — одержимый искусством импресарио. Для самореализации ему нужна такая балерина, которая поставит крест на своей личной жизни, ради того, чтобы стать звездой.

Именно такой представляется ему юная Вики Пейдж. В театре Монте-Карло Лермонтов ставит насыщенный мистикой и экспрессионизмом балет «Красные башмачки» о том, как страсть к танцу становится причиной смерти балерины. Пейдж в главной роли производит фурор в балетном мире. Всё начинает рушиться, когда она влюбляется в автора музыки к балету — даровитого композитора Джулиана Крастера. Вне себя от бешенства, Лермонтов требует, чтобы Крастер покинул труппу. Вики уезжает вместе с ним.

Проходит время. Понимая, что балет — её призвание, Вики не может жить без танца. Втайне от мужа она приезжает в Монте-Карло. Лермонтов убеждает её ещё раз выйти на сцену в «Красных башмачках». Перед началом спектакля в театр прибывает Крастер. Героиня разрывается между жаждой танца и любовью к мужу. Лермонтов и Крастер — словно двойники — требуют от неё сделать окончательный выбор в пользу одного из них. Разрываемая противоположными чувствами, Вики теряет голову и, выскочив из театра на ярко-красных пуантах, бросается под поезд. Её последние слова: «Снимите с меня красные башмачки».

Авторы фильма сразу решили, что танцевальные роли будут исполнять не актеры, умеющие танцевать, а танцоры, умеющие играть. Так, Викторию сыграла знаменитая шотландская балерина Мойра Ширер, которую пришлось год уговаривать, чтобы она согласилась на роль. Прима-балериной стала Людмила Черина — знаменитая французская балерина, дочь кабардинского князя и русского генерала Авенира Чемерзина, сбежавшего со своей женой-француженкой из Санкт-Петербурга в Париж еще до рождения Людмилы. А роль главного хореографа Гриши Любова досталась Леониду Мясину, который танцевал и был хореографом в Русском балете Дягилева.

Посмотрите он-лайн фильм "Красные башмачки", а потом поговорим о сказке Г.Х.Андерсена.

Есть у  Г.Х.Андерсена сказка "Красные башмачки"  . Это сказка про маленькую девочку Карен, которая благодаря красным башмачкам почувствовала свою женственность. Для Андерсена через эту сказку формировалось его представление о сексе и грехе, как проявление божественного и греховного. В европейской и азиатской традиции красный цвет символизирует жизнь и плодородие, однако при этом ассоциируется также с опасностью, войной, смертью. Красный — цвет человеческих крайностей, сильных эмоций, магического и религиозного опыта. Антрополог Клод Леви Стросс отмечал, что в этих «диаметрально противоположных» состояниях красный цвет приобретает уникальную амбивалентность, поскольку может рассматриваться как либо позитивный, либо негативный. Красный — это не только цвет одеяний католических иерархов, но и цвет кварталов красных фонарей, цвет блудницы и дьявола. Двойственность между любовью и войной, магией и религией, благородством и плебейством порождает разные векторы напряжения при использовании этого цвета. Красный цвет ассоциируется также со страстью — культурной концепцией, характеризуемой эротическим желанием, маниакальными порывами, экзальтацией и страданием. Понятие «красная туфелька» сочетает в себе нагруженный значениями цвет и не вполне «невинную» форму. Как замечает Джулия Пайн, сама форма туфли порождает ассоциации, связанные с телом, идентичностью и сексуальностью. Туфли сохраняют в себе отпечаток ноги, и пустота, заключенная в них, может означать место для собственного «я». Такая близость телесного и духовного породила множество традиционных суеверий. И в восточной, и в западной культуре туфли — прямо или опосредованно — ассоциируются с женскими гениталиями, в то время как нога, напротив, символизирует фаллос.

Соединяя в себе два мощных и двойственных элемента, красные туфли приобретают сложный символический статус. Традиционно они предполагали власть, богатство, силу, что было связано с высокой (и повышающей статус владельца туфель) ценой на красные красители, такие как крапп, кермес, кошениль, шеллак. Красные туфли были прерогативой римских сенаторов, а позднее — только императора. Папы носили красное с XIII века, а Эдуард IV и Генрих VIII были похоронены в красных туфлях, служивших символом монаршей власти. В XVII веке Людовик XIV носил башмаки на красных каблуках — символ божественной власти короля.

Ганс Христиан Андерсен был первым писателем, у кого красная обувь превратилась в литературный прием, однако следует признать, что Яков и Вильгельм Гриммы в сборнике сказок (1812–1815), изданном, когда Андерсен был еще ребенком, тоже задействовали эту концепцию, хотя и несколько иным способом. В их версии в конце «Белоснежки» злая мачеха пляшет в докрасна раскаленных железных башмаках. Возможно, Андерсен впитал что-то из датских народных сказок, которые слышал в детстве от бабушки, — в фольклоре часто фигурирует обувь. «Красные башмаки» (De Rode Skoe) были опубликованы в 1845 году в Дании, в третьей и заключительной части книги Андерсена «Новые сказки» (Nye Eventyr). Главной героине сказки — прехорошенькой, но очень бедной девочке по имени Карен — в день похорон ее матери дарят красные башмаки. Старой барыне, которая едет в своем экипаже мимо похоронной процессии, становится жаль сироту, и она берет девочку к себе, дает ей образование, заботится о ней и, помимо всего прочего, сжигает ее неуклюжие красные башмаки. Затем барыня, выбирая Карен одежду для конфирмации, позволяет ей купить блестящие красные башмачки, поскольку из-за слабого зрения просто не видит, что они красные; так в тему башмаков вводится тема обмана. Во время конфирмации Карен «только о них [башмаках] и думала». Она решает надеть их в церковь в следующее воскресенье. Однако около церкви она встречает старого солдата, который говорит: «Ишь, какие славные бальные башмачки! Сидите крепко, когда запляшете!» — и Карен пускается в пляс и не может остановиться, пока не снимет башмаки.

Это — образ оргастического переживания и оргастический момент повествования. Далее Карен, вместо того чтобы заботиться о заболевшей опекунше, отправляется в красных башмаках на бал, и они заставляют ее танцевать, уводя из города в лес. Прекратить танцевать девочка не может, потому что башмаки накрепко приросли к ее ногам. На церковном кладбище Карен встречает ангела, который ее проклинает: в наказание она будет танцевать во веки вечные, «пока не побледнеешь, не похолодеешь, не высохнешь, как мумия». Карен танцует день и ночь; наконец, палач, сжалившись над ней, отрубает ей ноги, и башмаки вместе с пляшущими ножками убегают прочь. Палач приделывает ей вместо ног деревяшки, и Карен ковыляет в церковь, но башмаки, внезапно появившись на церковном пороге, преграждают ей путь. Тогда Карен просится в услужение к священнику и не покладая рук работает на его семью. Когда в ее молитвах наконец слышится искреннее раскаяние, ангел благословляет Карен, и ее душа вместе с лучами солнца отправляется к Богу.

Эта довольно мрачная история в переводах звучит иначе. Приведенная здесь версия опирается на два перевода на английский, выполненных датчанами: Херсхольтом (Hersholt, 1949) и Хаугором (Haugaard, 1993). В более ранних переводах сказка была изрядно подчищена и смягчена; один переводчик предположил даже, что Андерсен вряд ли мог иметь в виду именно такую концовку.

Неуютное, тревожащее содержание сказки не может не быть связано с жизнью самого писателя. Ганс Христиан Андерсен был, по его собственному признанию, самовлюбленным «нарциссом», по-детски одержимым собственной персоной и тем, как он выглядит в глазах других, с «отчаянной жаждой признания и похвалы. Присущее ему чувство социальной изоляции проявилось в таких сказках, как «Гадкий утенок» и «Стойкий оловянный солдатик». Учитывая силу эгоцентризма Андерсена, резонно было бы предположить, что его героям приходилось испытывать те же эмоции, что и их автору. «Красные башмаки» — не только знаменитая датская сказка, но и красноречивая автобиографическая работа. Один из намеков на биографию автора в «Красных башмаках» заключается в том, что во время конфирмации Карен неотвязно думает о башмаках. Андерсен получил свою первую пару ботинок к собственной конфирмации, в 1819 году, и был так взволнован их блеском и скрипом, что никак не мог сосредоточиться на самом обряде. Тот вывод, что в этих знаменитых красных башмаках отразились личные проблемы автора, вытекает из разных аспектов его жизни. Элиас Бредсдорфф подчеркивает, что Андерсен был человеком «глубоких и, видимо, непримиримых контрастов», чьи тексты проникнуты дуализмом. Как красный цвет сочетает в себе разные смыслы, так и Андерсена его друзья характеризовали как сложную и взрывоопасную смесь тщеславия и кротости, самонадеянности и опасений, благодарности и обиды, нервозности и глубоких чувств.

Следует отметить, что Андерсен, родившийся в 1805 году в Оденсе, был единственным сыном башмачника и рос в бедности. У семьи была всего одна комнатка, служившая и домом, и мастерской. Героями его сказок нередко выступают неодушевленные предметы, например штопальная игла или крышка, но самое близкое знакомство он свел с обувью, которая была неотъемлемым атрибутом его детских лет. Сказочные башмаки свидетельствуют о глубоко личной связи между памятью о реальных башмаках из детства и теми экономико-культурными обстоятельствами, о которых напоминал писателю этот материальный объект. Для Андерсена обувь скорее являла собой нечто завораживающе-зловещее. 

Мать Андерсена была женщиной доброй и любящей, но необразованной, поскольку выросла в крайней бедности. Наивно-набожная и суеверная, она воспитывала сына в страхе перед темнотой и погостами. Встреча Карен с ангелом ночью на кладбище — в сознании Андерсена особенно пугающий момент. Его религиозность, взращенная матерью, была основана на твердой вере в божественное провидение. Отец же, напротив, был христианином критически мыслящим: он ставил под сомнение догматы, отвергал многое в формальной стороне христианства и поощрял юного Ганса Христиана к тому же. В «Красных башмаках» эти домашние духовные распри проявляются в конфликте между магией и религией. Когда старый солдат, чья рыжая борода навевает инфернальные ассоциации, возникает в сказке первый раз, он хлопает рукой по подошвам и говорит: «Ишь, какие славные бальные башмачки! Сидите крепко, когда запляшете!» При второй встрече он повторяет заклинание: «Ишь, какие славные бальные башмачки!», после чего ноги Карен сами собой пускаются в пляс. Когда девочка снова проявляет непослушание и красные башмачки уводят ее «на улицу и за город… вплоть до темного леса», солдат повторяет эту магическую фразу в третий раз. Три — магическое число, приводящее чары в действие: Карен обречена танцевать вечно. Когда башмачки снова появляются перед Карен и преграждают ей вход в церковь, она воспринимает их как напоминание о ее «грехах», гордыне и непослушании. Окончательное искупление она получает лишь «по милости Божьей», и в раю «никто не спросил ее о красных башмаках». Андерсен помещает красные башмаки в магическую парадигму, но это разрушительная, языческая магия, которая только подчеркивает греховность обладательницы башмаков.

Важную роль красные башмаки играют и в другой сказке Андерсена — в «Снежной королеве», написанной и изданной всего за четыре месяца до «Красных башмаков», в декабре 1844 года. В этой сказке тема красной обуви получает развитие. Когда маленькая Герда ищет Кая, похищенного Снежной королевой, она предлагает в дар реке свои новые красные башмачки; но река выносит башмачки обратно на берег, и тогда Герда забирается в лодку, чтобы забросить башмачки в воду подальше от берега. Лодка плывет по течению, башмачки плывут за ней, и с этого начинаются приключения Герды. Когда дети возвращаются домой, они уже взрослые и влюблены друг в друга. Как и в «Красных башмаках», обувь служит символом преображающего путешествия; но поскольку Герда жертвует свои башмачки, «первую свою драгоценность, то ее, в отличие от Карен, в конце пути ждет награда. Говоря простыми словами, Герда «хорошая» девочка, а Карен «плохая», и исход истории определяется их отношением к собственным башмачкам. Эта культурная концепция оказалась весьма живучей: красная обувь подразумевает женщин, нарушивших приемлемые в обществе нормы поведения. В XX веке это нарушение чаще всего являлось сексуальным, и в этой теме, хотя она и относится к современности, отразился один из присущих Андерсену внутренних конфликтов.

(Здесь я использовал некоторые мысли Хилари Дэвидсон и немножко преломил их в своем сознании для вас)

Идея о том, что государство может быть заинтересовано в снижении качества образования не является новой. Об этом недавно в Госдуме во всеуслышание заявил Владимир Жириновский: «… надо сдерживать образование, если мы хотим стабильности. Если мы раскрутим образование, вы сами себя обречете на уничтожение. Об этом подумайте». 
Вы можете реально проверить правдоподобность гипотезы  управляемого снижения качества образования при помощи методики, придуманной братьями Стругацкими. Когда-то меня до глубины души тронула книга братьев Стругацких «Волны гасят ветер». На описанной в книге будущего Земле была такая профессия – прогрессор. Прогрессоры внедрялись в другие менее развитые, чем Земля цивилизации и исподволь направляли общество к прогрессу в нужном направлении. И вот однажды некого прогрессора пронзила мысль: а что если на Земле тоже действуют законспирированные прогресоры более высокоразвитых цивилизаций? Надо их обнаружить! Но как? Автор идеи предложил трех-шаговую методику выявления инопланетных прогрессоров. Во-первых, предположим и допустим, что они действительно существуют. Во-вторых, зная их цели, попробуем спрогнозировать, что они должны делать (что бы мы делали на их месте). В-третьих, будем искать совпадения между нашим прогнозом и реальными событиями на Земле. 
Можно воспользоваться методологией Стругацких применительно к системе образования. Предположите, что на постсоветском пространстве действует банда регрессоров, задача которых – развалить сложившуюся при СССР систему образования. Подумайте, что для этого надо было бы сделать и ищите совпадения в реальной жизни.
Молодой преподаватель - биолог из Белоруссии Д.В.Сандаков предложил следующую Программу разрушения системы образования (на примере высшего образования). 

ПРОГРАММА РАЗРУШЕНИЯ СИСТЕМЫ ОБРАЗОВАНИЯ
 

1. Снижение творческой мотивации педагогов

Общая идея. Как учил товарищ Сталин, «кадры решают все». Проблемы в том, что педагоги высшей школы – кадры еще те. В своей массе в ВУЗах работают самомотивированные личности, которые делают свое дело хорошо не за зарплату и не из страха наказания, а потому что им это интересно и потому, что они считают, что это важно и нужно. Как снизить рабочую и творческую мотивацию этих гвоздей людей? Их нужно унизить. Унизить так, чтобы возникла жесткая обида на систему, которой они служат. Обостренно чувство справедливости, обычно присущее самомотивированным людям, в данном случае сделает свое чёрное дело – они не смогут по-прежнему служить системе, которая их незаслуженно унизила.

Конкретные действия. Показателем социального статуса человека в обществе и индикатором  меры оценки обществом ценности труда и заслуг человека является его зарплата (доход). Надо чтобы у профессоров и доцентов зарплаты были на уровне грузчиков, кассиров и уборщиц. Во-первых, это снизит статус педагога в глазах общества. Во-вторых, это унизит педагогов и породит обиду на систему. При этом очень важно довести ситуация именно до абсурда - чтобы профессора/доктора получали меньшеуборщицы. Подобная иррациональная ситуация вводит разум человека в состояние аффекта. Дополнительно в ВУЗах следует создавать иррациональные и унизительные дефициты:  бумаги, туалетной бумаги, учебников, порошка для принтера, самих принтеров и т.п. Достойный рыцарь не служит господину-идиоту, а уважающий себя профессор не сможет с полной отдачей служить ВУЗ-придурку.

2. Подрыв авторитета педагогов

Общая идея. Реализуя пункт 1, мы убиваем сразу несколько зайцев. Поскольку богатство является показателем социального статуса человека, студенты в основной массе будут презрительно относиться к преподавателям-нищебродам, считая их лохами и неудачниками. При таком отношении процесс передачи знаний приобретает эффективность близкую к нулевой.

Конкретные действия. Смотри пункт 1.

3. Бюрократизация учебного процесса

Общая идея. Армейская мудрость гласит: чтобы солдату в голову не приходили дурные мыcли, он должен быть постоянно занят; не важно чем, главное – занят. Чтобы в головы педагогов не проникли хорошие и умные мыли, они тоже должны быть постоянно заняты какой-нибудь пустой и тупой работой. Поскольку красить траву в среде преподавателей как-то не принято, нужно изобрести аналог «покраски травы» для профессуры.

Конкретные действия. Аналогом «покраски травы» в ВУЗах может быть заполнение бесчисленных и никому не нужных бумаг и отчетов. Каждый год надо менять формы основных документов, чтобы всю документацию надо было переделывать заново. Но педагоги (особенно советской закалки) – люди вредные, упертые и стойкие. Даже в бессмысленном деле они запросто могут найти творческую составляющую. Чтобы исключить эту возможность необходимо в документооборот ввести элемент авральности: около 30% всех бумаг следует требовать предоставить срочно и с-сегодня-на-завтра.

4. Либерализация учебного процесса

Общая идея. Обучение человека чему-то новому в большинстве случаев вызывает сопротивления. Поэтому насилие  есть неотъемлемый элемент любого эффективного образовательного процесса. Отсутствие насилия резко снижает эффективность обучения. Давайте вспомним старые фильмы с Брюсом Ли и Ван Даммом или учителя «Белый лотос» из кинофильма-гротеска «Убить Билла 2». Помните, как там учителя учили своих учеников? Результата был – ого-го! Для снижения качества образования необходимо максимально либерализовать учебный процесс. Человек  - существо ленивое (студент – в особенности), поэтому студенту, вырвавшемуся из под контроля школы и родителей и не попавшему в другую систему контроля, будет явно не до учебы.

Конкретные действия.  Свободное (пусть не de jure, но de facto) посещение лекций, выбор студентами педагогов, неограниченное количество пересдач экзаменов и зачетов, минимальное отчисление (в идеале – вообще избавиться от явления отчисления) студентов. Побольше капустников, КВНов, конкурсов красоты и т.п.

5. Разрушение интеллектуальной атмосферы

Общая идея. В ВУЗе лекции и семинары – это не главное. Главное – это создание образовательного поля. Именно поэтому западные ВУЗ охотятся за нобелевскими лауреатами и известным учеными и готовы платить им килобаксы просто за факт присутствия. Почему учёные любят ездить на конференции и симпозиумы (на которых, по правде говоря, больше «тусуются» и «выпивают», чем обсуждают научные проблемы)? Да потому, что они там становятся умнее! Сотня светлых голов в одном месте создает уникальное «поле ума»; попавшие в это поле люди умнеют на глазах и рождают хорошие идеи.  Однако это интеллектуальное поле легко разрушается под действием низкоуровневых вибрация? Достаточно ввести в это поле десяток идиотов и пиши «пропало» – поля больше нет. Если идиотов будет больше, то они уже начинают создавать свое поле идиотства, в котором люди глупеют.

Конкретные действия. Необходимо устранить заслоны, препятствующие приему в ВУЗы идиотов, бескультурных, агрессивных личностей. Для этого необходимо:

- лишить педагогов ВУЗов права отбирать студентов самостоятельно, 
- сделать прием в ВУЗы безличным (элементарный фейс-контроль легко выявляет вышеуказанные патологические типы), 
- снизить порог поступления до уровня двоечника (для этого  надо увеличить набор студентов).

Чтобы повышение количества обучаемых не потребовало дополнительных бюджетных средств,  делаем следующее: излишки студентов должны сами оплачивать свое обучения, количество преподавателей не увеличивать, увеличить нагрузку каждому педагогу (это поможет реализации пунктов 1 и 3 программы). Увеличение количества студентов, приходящихся на одного педагога, выгодно еще и потому, что обезличивает учебный процесс, превращая его в потогонный конвейер.

6.  Подбор руководящих кадров

Общая идея. На высшие руководящие должности в системе образования необходимо расставить людей, не соответствующих этим должностям. При правильном подборе и расстановке кадров скорый развал системы гарантирован.

Конкретные действия. Кого следует назначать на высшие руководящие должности в системе образования? Во-первых, людей, которые не пользуются авторитетом и уважением в среде своих коллег. Во-вторых, «крепких хозяйственников», но не мыслителей, которые в состоянии сформировать целостное представление о сложных системах. В-третьих, людей серых, не имеющих талантов и достижений; в этом случае они будут понимать, что целиком и полностью обязаны своему покровителю и будут идеально повиноваться и хранить тайну.

Для дестабилизации системы образования особенно ценными являются следующие психологические типы: тупые, амбициозные, гиперактивные, агрессивные, трусливые, соглашатели, алчные.

7. Маскировка

Общая идея. Чтобы программа разрушения образования не встретила сопротивление общественности, ее необходимо замаскировать. Врать надо по-крупному. Социальная психология утверждает: чем чудовищнее обман – тем легче в него поверят. Люди склонны думать, что их могут обмануть плохие люди (враги) исподтишка и по мелочам, но мало кто готов поверить, что их обманывают хорошие люди (свои), внаглую и по-крупному.

Конкретные действия.  Во-первых, в СМИ необходимо создавать непрерывный информационный шум о модернизации, инновации, болонизации и т.п. Для этого можно успехи отдельных личностей (победы на олимпиадах, конкурсах и т.п.) выдавать за успехи системы в целом. Во-вторых, необходимо отвлекать внимание общественности на второстепенные вопросы.  Для этого периодически следует затеивать бессмысленные реформы: менять 5-бальную систему оценок на 10- или 20-бальную, менять количество лет обучение то с 4 на 5, то с 5 на 4; сначала вводить, а потом отменять баклавариат, магистратуру, профильное обучение и т.п.; предлагать сокращать или удлинять (недовольные в любом случае найдутся) летние каникулы и т.п.  Пусть в борьбе против второстепенных нововведений активная часть педагогов утилизирует и распыляет свою протестную энергию.

Замечания к программе

Данная программа рассчитана на 5-10 лет. После этого срока начинают действовать механизмы положительной обратной связи (когда выпускники ВУЗов сами идут преподавать в школы и ВУЗы, писать учебники и т.п.). После этого деградация образовательной системы приобретает необратимый и самоподдерживающийся характер.
Вот собственно и все. Как видите – ничего сложного.

Жизнь Милоша Марича, брата Милевы, в СССР

Милева Марич как подруга и жена Эйнштейна

Смерть и вечная жизнь Милевы Марич

В первой части мы познакомились с Карлом Великим и начали осматривать Аахенский собор.

Если сказать, что Аахенский собор внутри очень красивый - это не сказать ничего. Не веришь что почти полтора тысячелетия назад могли люди создать такую красоту! Первое впечатление - свет, идущий от стен к потолку... Не свет это, а скорее, сияние. Сияет мягкая подсветка, сияют золотом мозаики, которые повсюду - на потолке, стенах, на первом и втором уровнях часовни. Их золотому сиянию вторит синева средневековых витражей в готическом хоре... Второе, что обращает на себя внимание - это декор. В интерьере часовни использован мрамор, гранит, яшма. Разный по фактуре и цвету камень добавляет в праздничную золотую палитру сдержанные краски. Разбавленное синевой золотое сияние мозаик можно сравнить с нежной мелодией флейты, а сдержанную палитру декора - с суровым звучанием органа. Это очень красиво и завораживающе. Потом, когда первый восторг проходит, обращаешь внимание на архитектурные особенности - массивные столбы, поддерживающие своды, полукруглые приземистые арки и стройные колонны, расположенные уровнем выше. Византия, Рим, Средневековье - они все встретились здесь. Капелла вобрала в себя элементы всех этих культур, они словно растворились в её интерьерах, создав удивительную архитектурную гармонию.

Здесь же стоит беломраморный «трон Карла Великого», на котором короновались германские императоры.

До находки мраморного трона Карла в Майнце, аахенский считался самым древним.Был собор также и императорской усыпальницей.  Император Карл Великий скончался в 814 году и был похоронен в Аахенской капелле. 

Не могут эти фотографии показать все очарование внутреннего убранства Аахенского собора.

Совсем рядом с капеллой расположена городская Ратуша.

Её построили в начале XIV века на фундаментах дворца Каролингов. Конечно, она горела и, конечно, её перестраивали, последний раз в конце XIX века. Северный фасад здания украшают 50 статуй немецких правителей, а также 31 фигура императора, которые короновались в Аахене.

Потом мы посидели на старинной площади под сенью собора с баронессой Кристиной фон Бергес.

И очень было жалко, что не удалось побродить по улицам Аахена. Мое внимание обратили на себя многочисленные фонтаны на улицах.

Фонтан игрушек

Вот такой у нас получилась встреча с Карлом Великим.