Мировая живопись в полотнах великих мастеров. Masters of the Macabre

Среда, 06 Октября 2010 г. 16:52 + в цитатник

Цитата сообщения beauty_Nikole

Прочитать целиком В свой цитатник или сообщество!

Мировая живопись в полотнах великих мастеров. Masters of the Macabre

Часть 2 - Masters of the Macabre. Часть первая Здесь
Masters of the Macabre -
Hieronymus Bosch, Fransisko Goya, Edvard Munch,
Francis Bacon, William Blake, Odilon Redon,
Kathe Kollwitz, James Ensor

Hieronymus Bosch - Ерун Антонисон ван Акен (нидерл. Jeroen Anthoniszoon van Aken более известный как Hieronymus Bosch (Иероним Босх) (1450 Схертогенбос, Брабант, Нидерланды - 09.08.1516 Схертогенбос, Брабант, Нидерланды) - нидерландский художник, один из крупнейших мастеров Северного Возрождения, считается одним из самых загадочных живописцев в истории западного искусства. Почитать Работал главным образом в Хертогенбосе в Северной Фландрии. В своих многофигурных композициях, картинах на темы народных поговорок, пословиц и притч сочетал изощренную средневековую фантастику, порожденные безграничным воображением гротескные демонические образы с фольклорно-сатирическими и нравоучительными тенденциями, с необычными для искусства его эпохи реалистическими новшествами. Site

Francisco Goya - Гойя-и-Лусьентес (Fransisko Goya y Lucientes) Франсиско Хосе де (1746–1828), испанский живописец, гравер, рисовальщик. С 1760 учился в Сарагосе у Х.Лусана-и-Мартинеса. Около 1769 Гойя отправился в Италию, в 1771 вернулся в Сарагосу, где писал фрески в духе итальянского барокко (росписи бокового нефа церкви Нуэстра Сеньора дель Пилар, 1771–1772). С 1773 художник работал в Мадриде, в 1776–1791 выполнил для королевской мануфактуры свыше 60 гобеленов с насыщенными по цвету и простыми по композиции сценами повседневной жизни и народных развлечений (“Зонтик”, 1777, “Игра в пелоту”, 1779, “Игра в жмурки”, 1791, – все в Прадо, Мадрид). С начала 1780-х годов Гойя получил известность и как автор выполненных в тонкой цветовой гамме портретов, фигуры и предметы в которых как бы растворяются в тонкой дымке (“Семья герцога Осуна”, 1787, Прадо, Мадрид; портрет маркизы А.Понтехос, около 1787, Национальная галерея искусства, Вашингтон). В 1780 Гойя был избран в мадридскую Академию художеств (с 1785 вице-директор, с 1795 - директор ее живописного отделения), в 1799 - “первый живописец короля”. Одновременно в творчестве Гойи нарастают черты трагизма, неприязнь к феодально-клерикальной Испании “старого порядка”. Уродство ее моральных, духовных и политических основ Гойя раскрывает в гротескно-трагической форме, питающейся фольклорными истоками, в большой серии офортов “Капричос” (80 листов с комментариями художника, 1797–1798); смелая новизна художественного языка, острая выразительность линий и штрихов, контрастов света и тени, соединение гротеска и реальности, аллегории и фантастики, социальной сатиры и трезвого анализа реальности открывали новые пути развития европейской гравюры. В 1790-х – начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное чувство одиночества (портрет сеньоры Бермудес, Музей изобразительных искусств, Будапешт), мужественное противостояние и вызов окружающему (портрет Ф.Гиймарде, 1798, Лувр, Париж), аромат тайны и скрытой чувственности (“Маха одетая” и “Маха обнаженная”, обе - Прадо, Мадрид). С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете “Семья Карла IV” (1800, Прадо, Мадрид). Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции (“Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде”, “Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года”, обе –около 1814, Прадо, Мадрид), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов “Бедствия войны” (82 листа, 1810–1820). В начале 1790-х годов тяжелая болезнь привела художника к глухоте. Чрезвычайно трудные для него годы, совпавшие с периодом жестокой реакции, он провел в своем загородном доме “Кинто дель Сордо” (“Дом глухого”), стены которого расписал маслом. В созданных здесь сценах (ныне в Прадо, Мадрид), включающих невиданно смелые для своего времени, остродинамичные изображения многоликих масс и устрашающие символико-мифологические образы, он воплощал идеи противостояния прошлого и будущего, бесконечно-ненасытного дряхлого времени (“Сатурн”) и освободительной энергии юности (“Юдифь”). Еще сложнее система мрачных гротескных образов в серии офортов “Диспаратес” (22 листа, 1820–1823). Но и в самых мрачных видениях Гойи жестокая тьма не может подавить присущее художнику ощущение вечного движения, вечного обновления жизни, ставшее лейтмотивом в картине “Похороны сардинки” (около 1814, Прадо, Мадрид), в серии офортов “Тавромахия” (1815).
С 1824 Гойя жил во Франции, где писал портреты друзей, осваивал технику литографии. Искусство Гойи повлияло на формирование многих художественных явлений 19 века. Его воздействие ощущается в творчестве Жерико, Делакруа, Домье, Эдуард Мане. Влияние его творчества на живопись и графику имело общеевропейский характер и сказывается вплоть до современности. Site & Site

Одилон Редон (Odilon Redon) (1840–1916), французский художник и критик, один из зачинателей символизма. Site
Родился в Бордо 22 апреля 1840 года в семье предпринимателя. С 1855 года учился в мастерской местного художника-романтика С. Горина; в 1863 году познакомился с Р. Бреденом, гравером-«протосимволистом», испытав глубокое воздействие его творчества. В 1864 году занимался в Школе изящных искусств в Париже у Ж. Л. Жерома. Литографии учился у А. Фантен-Латура. Жил преимущественно в Париже. К числу его друзей принадлежал С. Малларме.
По примеру Бредена сперва занимался в основном графикой (рисунки углем, а с 1870 года – литографии). Его черно-белые листы, «черноты», как он их называл, выходили в свет в виде небольших серий ("В грёзе", 1879; "Эдгару По", 1882; "Истоки", 1883; "В честь Гойи", 1885; "Ночь", 1886; "Гюставу Флоберу", 1889; "Апокалипсис святого Иоанна", 1889; "Цветы зла", 1890; "Сновидения", 1891; "Искушение", 1896). Идеалом мастера было нарочито-смутная и трепетная визуальная лирика, с образами-галлюцинациями, всплывающими из мглы подсознания. Эти загадочные мотивы, вроде глаза в виде воздушного шара (из цикла "Эдгару По"), часто сопровождаются подписями в виде целых литературных фрагментов (в данном случае – «Глаз, как странный шар, направляется в бесконечность»). В композициях доминирует тревожное, «протосюрреалистическое» отчуждение либо отрешенная мистическая созерцательность (в особенности в его христианских и буддийских сюжетах). Параллельно Редон (особенно активно – с 1890-х годов) обращался и к цвету, к пастели и масляным краскам. Его живопись, приглушенная по тону или, напротив, переливчато-яркая, сосредоточена вокруг нескольких центральных мотивов (человеческое лицо, ставшее «ликом», цветок, глаз, лодка, биологическая метаморфоза). Среди его характерных картин и пастелей – "Циклоп" (1898, музей Крёллер-Мюллер, Оттерло), "Зеленая смерть" (1905–1910, частное собрание), "Черная ваза с цветами" (около 1909, собрание Вильдестейн), "Женщина среди цветов" (1909–1910, частное собрание; все три работы – Нью-Йорк). Часто выступал в газетах и журналах в качестве критика, упрекая как поздних романтиков, так и импрессионистов за то, что они изображают «лишь то, что происходит вне нас самих»; однако полагал при этом, что внутренние фантазии, близкие музыке и поэзии, могут быть убедительны лишь тогда, когда следуют «законам жизни». Наиболее полно принципы его «реально-ирреальной» эстетики выражены в дневниковых записях (с 1867 года). Умер Редон в Париже 6 июля 1916 года. Посмертно, в 1922 году, был издан его дневник "Самому себе".

James Ensor - Энсор Джеймс (1860-1949). Бельгийский живописец и график. С 1877 учился в Академии художеств в Антверпене, с 1881 жил в Остенде. В ранний период творчества Энсор писал навеянные фламандской живописью XVII века и произведениями Гюстава Курбе бытовые сцены (“Мальчик с лампой”, 1880, Музей современного искусства, Брюссель; “Завтрак с устрицами”, 1882, Королевский музей изящных искусств, Антверпен), затем перешел к символико-фантастическим, кричаще-ярким по колориту композициям с изображениями масок, пляшущих скелетов и т.п., в которых острая ирония и гротеск, сатира на пошлость окружающего мира сочетаются со зловещей пародией на жизнь человечества (“Въезд Христа в Брюссель”, 1888, Музей Энсора, Остенде). Энсор выполнил также ряд многофигурных офортов, полных драматизма и беспокойного движения (“Собор”, 1886; “Смерть, преследующая человеческое стадо”, 1896).
Картина Джеймса Энсора “Скелеты, сражающиеся за тело повешенного”.
Два скелета сражаются за тело повешенного, помещенное в центре композиции. Странные фигуры, столпившиеся в дверных проемах по обеим сторонам, сочувственно обратили лица-маски к происходящему. Мы приглашены с изумлением созерцать этот фантастический и чудовипщый спектакль. Гротескная сцена символизирует царство абсурда и хаоса, отвечая мироощущению художника, его трагическому чувству бытия. Драматический характер живописи Энсора, ее мощное эмоциональное воздействие импонировали немецким художникам-экспрессионистам. Энсор оказал очень большое влияние на творчество Эмиля Нольде, посетившего его в 1911 году. Маски, скелеты, отвратительные фигуры-призраки постоянно присутствуют в произведениях Энсора. Большинство его живописных и графических работ откровенно сатиричны, исполнены хлесткого и горького юмора. Англичанин по происхождению, Энсор жил в Остенде в полном уединении. В 1929 году художник принял бельгийское гражданство. Site

Edvard Munch - Мунк Эдвард (1863-1944), норвежский живописец, театральный художник, график. Учился в Осло в Королевской школе рисования (1881-1886) и в мастерской Крога (1882-1883). В 1880-1890 годах Мунк работал во Франции, где испытал влияние Поля Гогена, Анри де Тулуз-Лотрека, Винсента ван Гога, а также в Германии и Италии. Мировоззрение художника Мунка формировалось под воздействием идей Йегера, Стриндберга, Гамсуна и других скандинавских писателей-символистов, что определило обращение живописца к характерным для символизма “вечным” темам одиночества, угасания, смерти (“Больная девочка”, 1885-1886, Национальная галерея, Осло). С начала 1890-х годов творчество Мунка развивается в рамках складывавшегося в эту эпоху стиля модерн (“Девушки на мосту”, 1901, Национальная галерея, Осло), но обнаруживает и ряд новых черт (жесткий вихреобразный контурный рисунок, диссонирующая цветовая гамма, динамичная композиция), которые усиливают в картинах художника трагическое звучание образов и предвосхищают возникновение экспрессионизма (“Крик”, 1893, Национальная галерея, Осло).
Тема, ставшая центральной в творчестве Эдварда Мунка, – взаимоотношения мужчины и женщины. Женщина в его работах предстает в различных ипостасях: как идеализированный образ девушки, как персонификация эротического женского начала или как ясновидящая, колдунья, властная мать-смерть. Большинство картин Эдварда Мунка 1890-1910-х годов входит в незавершенный цикл “Фриз жизни”. Острая выразительность присуща графическим работам Мунка, блестящего мастера ксилографии, офорта и литографии (автопортрет, литография, 1895). В дальнейшем творчестве Мунк обращался к монументальной живописи, писал сцены городской жизни, мажорные по цвету пейзажи.
норвежский живописец и график, экспрессионист.

Jean Delville - Жан Дельвиль (19 января 1867, Лёвен — 19 января 1953, Брюссель) - бельгийский художник-символист, писатель, оккультист и теософ. Учился живописи в Королевской Академии изящных искусств в Брюсселе, а также затем в Риме, Париже и Лондоне. Главное литературное произведение, созданное Ж.Дельвилем «Dialogue entre nous. Argumentation kabbalistique, occultiste, idealiste» (Диалог между нами. Аргументация каббалиста, оккультиста, идеалиста, 1895), посвящено пропаганде идей мистики и оккультизма. В 1892 году Дельвиль организует вместе с символистами Эмилем Фабри и Ксавье Меллери художественную группу Cercle pour l’Art (Круг чистого искусства). В 1887/88 он знакомится в Париже с известным оккультистом Ж.Пеладаном и сотрудничает с ним вплоть до 1895 года. В 1892 году, под влиянием Пеладана, Дельвилль создаёт Салон идеалистического искусства. Между 1892 и 1895 устраивает свои выставки в пеладановском Салоне Роза+Крест. В конце 1890-х годов он вступает, а в 1910 году становится секретарём Теософического общества Адьяр. Длительное время творчество Дельвиля было забыто, но в наши дни ему возвращено внимание искусствоведов и интерес любителей живописи. Его идеалистические и эзотерические работы рассказывают зрителю о временах тайных страстей и запретных чувственных удовольствий; это поэзия, рассказывающая о колдовской атмосфере, в которой созревают порывы мятущейся человеческой души. Site

Leonor Fini - (30 августа 1908, Буэнос-Айрес — 18 января 1996, Париж) - французская художница. Отец - аргентинец, эмигрант из России, мать - итальянка из Триеста. Детство и юность Леонор провела в Триесте, с 1925 жила в Милане, в 1933 переселилась в Париж. Вошла в круг сюрреалистов, участвовала в их Лондонской (1936) и Нью-Йоркской (1938) групповых выставках, но не отождествляла себя с сюрреалистским движением, всегда и во всем оставаясь самостоятельной. Помимо портретов, фантастической живописи и графики с сильными эротическими мотивами, Фини писала прозу, занималась дизайном, книжной иллюстрацией («Цветы зла» Бодлера, «Аврелия» Нерваля, стихотворения Эдгара По, романы Сада, «История О» Полины Реаж, «Собор любви» О.Паниццы), работала в театре с Джорджо Стрелером, Хорхе Лавелли, Джорджем Баланчиным, была художником по костюмам в фильме Феллини «Восемь с половиной». Балет «Сон Леонор» по её либретто, с её декорациями и костюмами на музыку Б.Бриттена поставил Фредерик Аштон (1949). Фини посвящен документальный фильм бельгийского кинорежиссёра Криса Верморкена (1991). Site

Joanna Chrobak - современная польская художница-сюрреалистка. Site & Site

Fernand Khnopff (Фернанд Кнопф, полное имя Фернан-Эдмон-Жан-Мари Кнопф) (1858-1921) - бельгийский художник, график, скульптор и искусствовед, главный представитель бельгийского символизма. Кнопф вырос в Брюгге, позднее переехал с родителями в Брюссель и по настоянию своего отца сначала изучал юриспруденцию, но вскоре перевёлся в брюссельскую Академию художеств, где и началась его карьера как пейзажиста и портретиста. Его учителем был Ксавьер Меллери. В 1877 г. он побывал в Париже, где на него большое впечатление произвёл Эжен Делакруа, в Англии он познакомился с прерафаэлитами. В 1878 г. на Всемирной выставке в Париже он познакомился с художником Гюставом Моро и в последующем обратился к символизму. Он считается одним из основателей группы Groupe des XX. В 1892 г. работы Кнопфа участвовали в салоне Salon de la Rosenkreuzer|Rose-Croix, а также в выставке Венского сецессиона. Несмотря на свою замкнутость, со временем Кнопф получил признание и почёт. Позднее он даже получил бельгийский Орден Леопольда. В своих живописных работах Кнопф выбирает тёмные слегка морбидные тона, которыми он удерживает на холсте мистические фантазии. В первую очередь Кнопф оказал влияние на немецкий символизм, например, на Франца фон Штука, и югендстиль. На картинах Кнопфа часто встречаются женские образы в виде сфинксов и химер: «Спящая гарпия», «Одиночество» (1894) и «Искусство, или нежность сфинкса» (1896). Фернан Кнопф также писал портреты и пейзажи и создавал иллюстрации к произведениям других художников-современников. Site

Nicola Magrin- современный итальянский художник, родился в Милане в 1978 году. Site

Emile Fabry - Эмиль Бартелеми Фабри (фр. Émile Fabry, род. 31 декабря 1865 г. Вервье — ум. 1966 г. Волюве-Сен-Пьер) - бельгийский художник-символист. Первоначально Э. Фабри был учеником в ателье художника Ж.-Ф.Портеля. Находился под творческим влиянием живописи Микеланджело, Энгра, Пюви де Шаванна. Э. Фабри известен в первую очередь как автор полотен аллегорического, иногда пугающего содержания. В 1892 году он создаёт совместно с художниками Жаном Дельвилем и Ксавье Меллери группу «Круг чистого искусства». В 1893 и в 1895 годах Фабри выставляет свои работы в парижском «Салоне Роза+Крест». С 1900 года преподаёт в брюссельской Художественной академии. Выполнял многочисленные заказы на фресковую живопись в государственных, общественных и частных зданиях (среди прочего — в Театре Ла Монне, ратушах Сен-Жилля, Волюве-Сен-Пьера, Лакена и др.). Site

Dominic Besner - (род. 1965), современный канадский художник символистSite

Louis Welden Hawkins - (1849–1910), французский художник-символист. Site

Leon Spilliaert - Леон Спиллиарт (нидерл. Leon Spilliaert, 28 июня 1881, Остенде - 23 ноября 1946, Брюссель) - крупнейший бельгийский художник-символист. Леон Спиллиарт был ярчайшим представителем символизма в искусстве Бельгии, при этом известны и его живописные, и графические работы. В живописи Спиллерта преобладают тёмные тона или хорошо очерченные контрасты между тёмным и светлым. Через всё его творчество проходят несколько тематик: женские фигуры, часто гротескные; натюрморты, очень простые по компоновке и выдержанные в очень строгих тонах; столь же простые пейзажи. часто с лестницей или дорожкой света на воде. Около 1910 года он много изображал дирижабли. Его очень занимали сюжеты, связанные с жизнью и смертью, в частности, он неоднократно изображал распятие. В последний период своего творчества Спиллиарт всё больше уделял внимение пейзажу, и во время войны писал почти исключительно стволы деревьев Site

Zdzislaw Beksinski, Zdzisław Beksiński - Здзислав Бексиньский (24 февраля 1929 - 22 февраля 2005) 0 известный польский художник и фотограф. Бексиньский родился в Саноке (Sanok) на юге Польши. После завершения обучения архитектуре в Кракове в 1955 году, он вернулся в Санок. Несколько лет после этого Бексиньский работал бригадиром на стройке. Эту работу он ненавидел. В этот период Бексиньский заинтересовался художественной фотографией, фотомонтажем, скульптурой и живописью. Он оказался очень новаторским художником, особенно для коммунистической страны. Он создавал скульптуры из гипса, металла и проволоки. Фотографии Бексинского стилистически были похожи на его будущие работы в живописи, представляя собой изображения морщинистых лиц, неровных ландшафтов, объектов с очень бугристой поверхностью, эффект от которых усиливался игрой с источниками света и тенями. Среди его фоторабот также можно встретить различные тяжёлые образы, такие как изуродованная кукла с разодранным лицом, портреты людей без лиц или с полностью забинтованными лицами. Позднее Бексиньский сконцентрировал свои творческие усилия на живописи. Его первые картины относились к абстрактному искусству, но на протяжении шестидесятых годов он всё более склонялся к сюрреализму. В 1970-х годах Бексиньский вступил в период, который он сам назвал «фантастическим», который продолжался вплоть до поздних 80-х годов. Это наиболее известный период его творчества, когда он создавал свои самые знаменитые впечатляющие образы, изображающие сюрреалистические, постапокалиптические картины сцен смерти, распада, пейзажи со множеством скелетов, искажённых тел, пустынь. Все они были написаны с его особым вниманием к мельчайшим деталям, особенно когда это касалось отображения грубых, неровных поверхностей. Картины художника часто весьма велики по размерам, и отчасти напоминают некоторые работы австрийского художника Эрнста Фукса (Ernst Fuchs) своей замысловатостью и почти маниакальным вниманием к деталям. Несмотря на мрачное исполнение, Бексиньский считал, что многие его работы недопоняты, так как они достаточно оптимистичны и даже забавны. Практически все выставки Бексинского проходили с успехом. Престижная варшавская выставка в 1964 году считается его первым серьёзным успехом, так как все выставлявшиеся картины были проданы. В 80-х произведения художника получили известность во Франции и он достиг серьёзной популярности в Западной Европе, Японии и США. До переезда в Варшаву в 1977 году он сжёг выборку своих работ на заднем дворе своего дома не оставив никакой информации о них. Позднее Бексиньский объяснял, что некоторые из них были «слишком личными», другие неудовлетворительными, и он не хотел, чтобы люди могли их видеть. 1980-е годы стали переходными в творчестве Бексинского. Произведения ранних 90-х годов в основном представляли собой серию сюрреалистических портретов и крестов. Они были намного менее богаты деталями, чем работы «фантастического периода», но не менее убедительными и сильными. Во второй половине 90-х годов художник открыл для себя компьютеры, Интернет, цифровую фотографию, на чём и концентрировался вплоть до своей смерти. Бексински всегда выполнял свои работы в одной из двух манер, которые он называл баро́чной и готической. В первой манере доминировало наполнение, во второй — форма. Картины созданные в последние пять лет жизни художника в большинстве своём были созданы в «готической» манере. Поздние 90-е стали тяжёлым периодом в жизни художника. Его жена, София, умерла в 1998, а год спустя, на рождественский сочельник 1999 года, покончил жизнь самоубийством его сын Томаш (Tomasz Beksiński) (популярный ведущий на радио, музыкальный журналист и кинопереводчик). Его тело нашёл сам Здзислав Бексиньский. Бексиньский не смог примириться со смертью сына и хранил конверт «для Томека в случае, если я протяну ноги» прикреплённым к стене. 22 февраля 2005 года художник был найден мёртвым в своей квартире в Варшаве. На теле Бексинского было обнаружено 17 колотых ран, две из которых были смертельными. Вскоре после этого были арестованы несовершеннолетний сын коменданта его дома, который позднее был признан виновным, и его друг. Известно, что незадолго до своей смерти Бексиньский отказался дать в долг этому юноше. Site

Рубрики:

Живопись
Искусство