Елена Дьяконова-Гомберг, больше известная как Гала, была личностью поистине уникальной. Не обладая ни красотой, ни общественным положением, она кружила головы самым выдающимся мужчинам и становилась их музой, меняя любовников как перчатки.

Именно благодаря ей мир узнал о гении сюрреализма – Сальвадоре Дали, который иначе мог навсегда остаться в тени, не понятый современниками. Узнаем, как складывалась судьба этой незаурядной женщины, которую одни считали жадной и безнравственной, а другие видели своей грезой, музой и праздником.



Страшная болезнь

Елена родилась в 1894 году в Казани. Ее мать Антонина рано овдовела и вышла замуж вторично за адвоката Гомберга, от которого родила четверых детей, включая Елену. Сама мать называла ее Галина или Гала, так и родилось знаменитое прозвище. Есть также мнение, что Гала и другие дети были от первого брака Антонины – с Иваном Дьяконовым.

В Москве Гала училась в женской гимназии. Там она познакомилась с сестрами Цветаевыми – Анастасией и Мариной. Марина позже посвятит своей подруге стихотворение, а Анастасия оставит о ней воспоминания в своих мемуарах. В них Гала будет фигурировать как «тоненькая длинноногая девочка» с русой косой и узкими карими глазами.

Не раз в кафе за соседним столиком я слышала вопрос: «Почему у этого пирожного такое странное имя – «Анна Павлова»? Ещё не так давно подобная неосведомлённость, учитывая значимость фигуры Анны Павловой для нашей страны и мирового искусства, была немыслима. Но, увы, нам свойственно забывать своих героев, а героинь – уж подавно.


Образ Анны Павловой стал символом балетного искусства начала XX века. Яндекс картинка свободного доступа.

Однако, и среди более старшего поколения, без запинки ответившего бы, что Анна Павлова – это великая балерина, прославившая русский балет, вряд ли найдётся человек, хорошо знакомый с её биографией. А она более чем неординарна. Ведь именно эта женщина, скрывающее своё истинное происхождение, фактически сломала стереотип о танцовщицах балета, которые раньше могли претендовать лишь на положение содержанки.

Иллюстрации к «Золушке» и «Спящей красавице», созданные словно рукой старого мастера: нежные лица, золотые волосы, роскошные сияющие одежды и скалистые пейзажи… Внучка японского каллиграфа, американский художник Кинуко Крафт создает сказочные миры, смешивая исторические стили европейской живописи и добавляя в них толику истинно японского изящества.

Не будет преувеличением сказать, что Кинуко Крафт на сегодняшний день – одна из самых узнаваемых и широко известных женщин-иллюстраторов. Она родилась 1940 году в Японии, в Канадзава. Дед Кинуко был одаренным и высокообразованны художником-каллиграфом. Его библиотека содержала множество прекрасно иллюстрированных изданий, и маленькая Кинуко росла в окружении шедевров художественной графики. Это определило всю ее дальнейшую жизнь. Первым профессиональным учебным заведением для нее стал художественный колледж в родном городе, а затем Кинуко набралась смелости и отправилась в США. Она совершенствовала иллюстраторское мастерство в Чикагском университете.

Когда встают рассветные туманы

Жадеит образуется в экстремальных условиях высоких давлений и низких температур глубоко в мантии Земли во время субдукции подводных плит.

Субдукция-это геологический процесс, при котором океаническая литосфера перерабатывается в мантию Земли на сходящихся границах.

В этой среде присутствует большое количество различных примесей, микроэлементов, которые и являются причиной окраски жадеита. По этому формирование кристально чистого жадеита без видимых включений или цветов, явление редчайшее.
Китайцы веками ценили жадеит превыше всех камней на земле. Они являются лучшими резчиками. Следует добавить, что жадеит чрезвычайно твёрдым минералом, поэтому резные украшения из него ценятся очень высоко.
     

Японские миниатюрные фигурки нэцкэ можно рассматривать часами. Сам сюжет композиции, виртуозность исполнения, размеры фигурок – поражают воображение. В каждой нэцкэ, выполненной настоящим мастером, присутствует душа.Такие миниатюры высоко оцениваются искусствоведами и коллекционерами. Они являются великолепными образцами древнего искусства резьбы по дереву и кости.

История возникновения нэцкэ


Использование нэцкэ с инро

Несмотря на то, что искусство вырезать крошечные фигурки считается традиционно японским, пришли нэцкэ из Китая. Там они назывались чжуй-цзы и пэй-чуй – брелоки, которые носили на поясе, чтобы удерживать на шнурке различные необходимые вещи: ключи, кошелек, кисеты с табаком, инро.

Ведь в древней одежде китайцев не было карманов, как и в японских кимоно. В Китае такие резные брелоки начали изготавливать очень давно – еще в III веке до нашей эры. Но, даже с течением времени, в Китае, ремесло изготовления пэй-чуй не переросло в искусство, как в Японии.

Первые японские нэцкэ были обычными кружочками из бамбука. Только в XVI веке, крошечные фигурки, размером от 2 до 10 сантиметров, стали настоящими произведениями искусства.


Нэцкэ «Всадник». / Фото: vam.ac.uk

Только японцы – тонкие ценители прекрасного, смогли вдохнуть жизнь и душу в изящные фигурки. Мастер должен был быть настоящим виртуозом, чтобы в крошечной миниатюре суметь изобразить не только персонажа, но и мельчайшие, самые незначительные детали его внешности, сфокусировать внимание зрителя на сюжете.


Нэцукэси за работой. / Фото: japanobjects.com

Расцвет японских нэцкэ пришелся на XVII-XIX век. В Японии создавались специальные цеха по производству миниатюрных резных скульптур. Сформировались различные направления и школы резьбы в Осака, Эдо, Асакуса, Киото. В конце XIX – начале XX века искусство нэцкэ стало постепенно приходить в упадок. Появилось много безвкусных подделок, просто брелоков, которые не имели никакой художественной ценности.

Древнее искусство изготовления нэцкэ


Нэцкэ, выполненные из разных материалов. / Фото: invaluable.com

Слово «нэцкэ» - синтез двух слов: «нэ» – корень, «цкэ» – прикреплять. Первые фигурки делали из корней деревьев, бамбука, раковин, тыкв-горлянок. Со временем, нэцкэ стали изготавливать из дерева, кости, рога, янтаря, фарфора. Самые дорогие нэцкэ отделывали нефритом и яшмой, другими драгоценными камнями, пластинами панциря черепахи и кораллами.

Благодаря искусству нэцукэси (резчиков нэцкэ), которые в крошечных фигурках могли выразить определенный сюжет, настроение, индивидуальность персонажей, нэцкэ стали приобретать не только утилитарную, бытовую ценность. Они стали цениться как амулеты, приносящие своим владельцам богатство, удачу, здоровье, любовь, продвижение в карьере, долголетие.


Нэцкэ в виде животных

Традиционные нэцкэ, приносящие удачу, здоровье и счастье, должны были быть изготовлены согласно традиционным канонам, обязательно иметь отверстия для шнурка. Мастер должен был искусно замаскировать эти отверстия, вплести их в сюжет. Кроме этого, фигурки должны были быть легкими, гладкими, без острых углов, небольшими по размеру.

Большое значение имел материал, из которого изготавливались миниатюры. Считалось, что сакура – приносит счастье и уют в дом, самшит – дарит долгие годы жизни, кость оленя – защищает красоту от влияния лет, слоновая кость – обеспечивает богатство и здоровье.


Нэцкэ «Урасима Таро и черепаха». / Фото: hermitagemuseum.org

Нэцкэ, вырезанные из дерева, традиционно не красили. Их тщательно полировали угольным порошком, а затем – протирали льняным маслом. Для придания мягкого блеска, дерево покрывали соком определенных ягод. А окончательно, фигурки полировали кусочком шелковой ткани. Лак применяли очень редко.


Нэцкэ «Убийца демонов». / Фото: metmuseum.org

Изделия из кости подвергали окрашиванию. Чтобы придать миниатюрам золотистый блеск, их сутки кипятили в настое коры хризофоры и ягод гардении. Но, предварительно, фигурки вымачивали несколько часов в растворе кислоты.

Семь богов счастья


Нэцкэ «Семь богов счастья». / Фото: japanobjects.com

Из аксессуара, нэцкэ постепенно превратились в амулеты и обереги. Их дарили на свадьбы и дни рождения. Сюжетами для нэцкэ были бытовые сценки, животные, цветы и плоды, изображения божеств, персонажей сказок и легенд. Создавая миниатюрные фигурки, мастера руководствовались главным принципом японской эстетики – красота в простоте.

Самыми востребованными персонажами были Ситифукудзин – семь богов счастья: Дайкоку, Эбису, Бисямонтэн, Хотэй, Дзюродзин, Бэндзайтэн, Фукурокудзю. Популярностью пользовались также животные – символы календарного цикла и дракон Риндзин, который является покровителем императоров Японии.

Эбису – старец с огромной рыбой в руках. Это талисман удачи в бизнесе и счастья.


Нэцкэ Эбису и Дайкоку

Дайкоку – персонаж, всегда изображаемый с мешком риса на спине. На мешке копошатся несколько крыс. По легенде, крыса спасла старцу жизнь, когда боги решили сжечь его на костре. Крыса посоветовала мудрецу зарыться в мокрую землю. Это бог добра и веселья. А еще, в руке Дайкоку изображают колотушку счастья. Эта фигура приносит в дом покой, достаток и счастье. Обычно, эту нэцкэ дарят в паре с Эбису.

Фукурокудзю – старец с большой бородой и посохом. Обычно его изображали с огромной головой. Он защищает от болезней, дарит мудрость, счастье и долголетие.

Хотэй – жизнерадостный мудрец, помогающий людям общаться и приносящий богатство и счастье. А еще, если триста раз потереть его огромный животик, загадав при этом желание, оно непременно сбудется. Считается, что это одно из воплощений Будды, который странствовал по миру с огромным холщовым мешком. Там, куда он приходил, наступали процветание и благополучие.


Нэцкэ «Хотэй». / Фото: metmuseum.org

Дзюродзин – древний старец, который приносит долгие годы жизни и здоровья. При жизни, этот отшельник посвятил себя поиску эликсира бессмертия и нашел его.

Бисямонтэн – один из богов, отвечающих за богатство. Изображали его с копьем, а на голове у него – шлем. Он был также талисманом воинов и оберегал дом от непрошенных гостей.

Бэндзайтэн – женский персонаж среди семи богов счастья. Это божество воды. Ее изображают с бива в руках – она считается покровительницей музыки и искусств. Японцы верили, что богиня помогает юным девушкам найти хорошего мужа.

Изящные и таинственные нэцкэ


Изображение в нэцкэ простых людей

Многие известные нэцукэси предпочитали изображать в нэцкэ простых людей, обычные бытовые сценки: прачку за работой, борцов сумо, слепого за столом. В таких фигурках отсутствовали различные изящные украшения – они предельно просты. Искусство резчика было направлено на то, чтобы показать как можно точнее характер персонажей, их эмоциональное состояние; рассказать зрителю историю их жизни. В этом, такие нэцкэ очень похожи на традиционное японское искусство стихосложения – танку и хокку. Несколькими строчками поэты могли передать сюжет, заставить читателя стать его участником, вызвать соответствующие чувства.

Миниатюрные фигурки великих мастеров поражали гармонией линий, выразительностью, естественностью. Особенно выделялись работы Хиромори Мива I, работавшего во второй половине XVIII века.


Работы Хиромори Мива и Мацухиро

Животные, птицы, морские обитатели многократно становились персонажами нэцкэ. Их изображали в естественной среде, а также выражали с их помощью определенные философские постулаты.

Нэцкэ «Обезьяна, которая закрывает себе уши, рот и глаза» - наглядно демонстрирует отрешенность от мира – часть философии буддизма. Такая обезьяна, как считают японцы, защищает от демонов, злых духов, болезней.


Нэцкэ обезьяны

Фигурки двух бегемотов или пары собачек – помогали супругам сохранить брак, наладить отношения между собой; приносили в дом любовь и благополучие.

Черепаха – символ долголетия, орел – удачи в бизнесе, рыба символизирует богатство, избавляет от материальных проблем.

Очень сильным оберегом считался дракон. Он защищал своего хозяина от темных сил, вампиров, помогал преодолеть сложные жизненные ситуации.


Нэцкэ «Токутаро и лис». / Фото: metmuseum.org

Для того, чтобы ребенок был послушным, добрым и счастливым, родителям дарили фигурки детей, а также нэцкэ кота или лунного зайца. Японцы верили, что лунный заяц поможет ребенку прожить счастливую жизнь, стать удачливым в браке. Лунный кролик также символизирует долголетие. Ведь за то, что он пожертвовал с собой, бросившись в костер, чтобы накормить голодного Будду, его поместили на Луну и доверили готовить там, в ступке волшебный эликсир бессмертия, удачи и счастья.

Искусство изготовления нэцкэ освоили европейцы


Нэцкэ мастера Томотика

Свой расцвет искусство изготовления резных миниатюрных фигурок переживало в XVII-XIX веках. История сохранила имена великих нэцукэси: Ноногути Рюхо, Огата Корина, Есимура Сюдзан, Хиромори Мива, Оноги Сэндзо, Одзаки Содзо (Кокусай), Томотада, Мацусите Отоман, Томоказу, Кайгекусай Масацугу, Томотика. Многие из этих мастеров были известными живописцами своего времени. Нэцкэ для них было еще одним способом выразить себя в творчестве. А, так как, искусство изготовления нэцкэ считалось низким, художники даже не подписывали свои работы. Фигурки этих художников являются предметом гордости коллекционеров и продаются на международных аукционах за сотни тысяч долларов.


Работы нэцукэси Томоказу

В настоящее время, в Японии, интерес к нэцкэ угас, но в европейских странах спрос на миниатюрные скульптуры достаточно высок. Многие музеи имеют свои коллекции известных нэцкэ. Одна из самых крупных частных коллекций миниатюрных скульптур принадлежала американцу В. Бошару.


Работы европейского мастера Корнеля Шнайдера

Европейские художники, вдохновленные искусством создания изящных миниатюр, создают свои нэцкэ. Особого внимания достойны работы британского мастера Гая Р. Шо, а также швейцарца Корнеля Шнайдера.

ИСТОЧНИК: https://kulturologia.ru/

Серия сообщений "ИСТОРИЯ":
Часть 1 - ИСТОРИЯ ВЕЩЕЙ: ДВЕРНОЙ ЗВОНОК
Часть 2 - КАК РУССКАЯ ДАЧА СТАЛА СТИЛЕМ ЖИЗНИ
...
Часть 46 - Путешествие Екатерины Великой в Крым 1787 года
Часть 47 - ПОЧЕМУ С XVI СТОЛЕТИЯ ШОТЛАНДЦЫ НАЧАЛИ НОСИТЬ ЮБКИ: и гордятся ими
Часть 48 - КАК ДРЕВНИЕ ЯПОНЦЫ СОЗДАВАЛИ НЭЦКЕ

«Как хочется влюбиться еще раз!» – сказал за два дня до смерти Федерико Феллини своему другу – сценаристу Тонино Гуэрра. Не в смысле найти новую женщину, которая заменила бы ему его Джульетту, а вновь воспарить в небо и слышать музыку своей звенящей души.

 

Есть любовь, которую итальянцы называют «амаре», а есть любовь – «волье бене» – чувство, когда к человеку относишься как к самому близкому существу на свете. Нет ничего выше «волье бене», и те, кому посчастливилось ее испытать, до конца дней благодарят небо за этот великолепный дар. Такое чувство выпало на долю двух великих лицедеев двадцатого века – режиссера Федерико Феллини и его жены – актрисы Джульетты Мазины.

Они прожили вместе пятьдесят лет и умерли практически одновременно. Федерико – в день пятидесятилетия их брака, придя из ресторана, где они когда-то впервые встретились и где отмечали день своей золотой свадьбы, а Джульетта ушла за ним несколько месяцев спустя. Она так и не сказала ему, что тяжело больна (у нее был рак), так как знала, что он бросит все и будет занят только ею. Так уже случилось незадолго до их юбилея, когда она попала в больницу, а Феллини, сам практически прикованный к постели, бросился к ней за пятьсот километров (от Римини до Рима) и лег в ту же больницу, в соседнюю палату, только чтобы быть рядом со своей женой.

Как случаются такие встречи? На каких небесных часах записаны даты и сроки, почему суждено было встретиться двум великим людям, чтобы вместе создать нечто уникальное в кинематографе, золотыми буквами записанное на скрижалях истории. Он был журналистом, карикатуристом и автором юмористических рассказов. Она – начинающей актрисой, римская тетушка которой мечтала сделать из своей племянницы звезду сцены. Впрочем, до звезды этой малышке было очень далеко, скорее она была похожа на маленького глазастого клоуна. «Маленькая женщина с глазами потерявшегося щенка», – говорил о ней сам Феллини. Эта хрупкая девушка стала его ангелом, музой, его подругой, женой, любовью и всем, без чего невозможно человеческое существование. Читать далее
 

Современная художница Диана Коробкина. Пейзажи, натюрморты 

Художник Диана Валерьевна Коробкина родилась в 1980 году в городе Брянске. С 1995 по 2000 годы училась в Брянском художественном училище на отделении живописи. За время обучения в училище была награждена дипломом 1-й степени за участие в выставке лучших студенческих работ.

После окончания училища поступила в Российскую Академию живописи, ваяния и зодчества, которую закончила в 2008 году.

В 2008 году состоялись первые уже персональные выставки художника Дианы Валерьевны Коробкиной. Она является членом Союза Художников России и Международного художественного Фонда.

О своем творчестве Диана Валерьевна рассказывает:

Стиль моего движения в искусстве ближе всего к русскому импрессионизму, среди представителей которого мне наиболее близки Левитан, Жуковский, Грабарь. В общем нравится все, что проникновенно, тонко и мазисто. В своём творчестве хочется воплотить «неповторимость бытия»- в изображении различных состояний природы, времени суток, солнечных эффектов, перемен, происходящих от одного времени года к другому. Я отношусь к живописи не как к науке, где открытия не могут быть повторены дважды, новые образы и мотивы мне даёт постоянная работа на пленэре.

Конечно, за сто лет после своей мнимой смерти реализм стал другим, более разноплановым. В начале XXI века среди множества традиционалистских направлений, претендующих на его наследие, мне ближе всего русская пейзажная школа, которая не только продолжает существовать, но и сохраняет способность к саморазвитию.

Картины художника Дианы Валерьевны Коробкиной

1.

 

Маковский Константин Егорович (1839-1915). Игра в жмурки. (1890-е годы).

Произведение русского художника, предварительно оцененное специалистами в два-три миллиона фунтов стерлингов, было продано в торговом доме Sotheby’s почти в два раза дороже - за 4,3 миллиона (5,5 миллиона долларов США). Ранее его работы не оценивались так высоко. А предыдущий рекорд картин Маковского продержался более 10 лет. В 2007-м на Sotheby’s работа «Из повседневной жизни русского боярина в конце XVII века» была продана за 2 миллиона фунтов стерлингов.
 

Немного о шедевре

Константин Маковский (1839-1915) впервые предоставил «Игру в жмурки» на суд публике в 1900 году в выставочном зале Императорской Академии искусств, а через год в Санкт-Петербургском обществе художников, после чего это произведение внесли в каталог, как одно из выдающихся полотен Константина Егоровича.
 

 

Игра в жмурки. Фрагмент.

Вдохновила художника на создание этой картины мода на идеализацию допетровских времен, которая буквально захлестнула в конце XIX века Россию. Аристократическое общество Санкт-Петербурга повсеместно начало устраивать костюмированные вечеринки, облачаясь в боярские кафтаны, кокошники и кожаные сапожки, которые так были популярны в боярской Руси. Именно на рубеже двух столетий Маковский создал целую серию работ на широко известные исторические темы, а также создал ряд картин, отражающих народные традиции и обряды древней Руси.
 

 

Игра в жмурки. Фрагмент.