Традиции и современность.

Jerome Parker

Джером Паркер (Jerome Parker), современный американский художник, родился в центральной Калифорнии. Вырос в семье художников и музыкантов, с детства окруженный искусством.

Персонажи его картин - это фигуры людей, выполненные в тихой, успокаивающей цветовой палитре, погруженные в самосозерцательное состояние. Джером часто показывает свои работы в галереях родного штата.
Сюжеты и главных героев для композиций своих картин Паркер берет из личного опыта или из окружающей жизни, за которой внимательно наблюдает. Многие из работ этого художника выполнены маслом и углем, хотя в его коллекции есть немало картин, написанных в другой технике. В некоторых работах автора явно заметно влияние мастеров прошлого, предпочитавших в традиционный стиль, тем не менее современный взгляд на жизнь всегда присутствует в творчестве художника.

https://www.risunoc.com/2020/06/tradicii-i-sovremennost-jerome-parker.html

 

 

Связь между древним и современным искусством.

Sabine Pigalle (фотограф)

Гибридные изображения образуют мост между живописью и фотографией, в то же время они образуют связь между древним и современным искусством.

 

Сабин Пигаль (Sabine Pigalle) - французский фотограф и художник. Родилась в Руане во Франции, в 1963 году. В настоящее время живет и работает в Париже. Сабина училась в Сорбонском университете, после окончания которого в течение 4 лет и работала со знаменитым немецким и австралийским фотографом и фотохудожником Хельмутом Ньютоном, сосредоточившись на модной фотографии, прежде чем перейти к более личным проектам.

Большая часть её нынешней работы посвящена интерпретации мифов. Религиозные истории, мифология, фламандские примитивисты и художники-маньеристы также служат для неё разнообразным источником вдохновения и "сырьем" для художественных исследований. Сабин Пигаль создаёт изображения на основе обработанных фотографий, посвященных, в основном, искусству портрета, которые сочетают в себе современные тенденции и традиционное искусство.

 

"Когда появились первые фотографии, картины стали более абстрактными. Отражая эту тенденцию, я стала смешивать персонажей со старинных картин с фоном, сделанном так, чтобы выглядеть как современный контекст. Гибридные изображения персонажей в портретном жанре образуют мост между живописью и фотографией, в то же время они образуют связь между древним и современным искусством, а также фигурацией и абстракцией.

 

Рассматривая наше историческое наследие, я объединил работы прошлого, используя методы композиции, сопоставления и коллажа. Благодаря этому смещению заимствований и ассоциаций я попыталась создать картины-иллюзии, основанные на смеси воображаемых и реальных воспоминаний. Изображения, которые я создаю, взяты из памяти - они настолько же ясны, насколько сомнительны".

 

https://www.risunoc.com/2020/05/communication-between-ancient-modern-art.html

 

 

 

Колумбийский художник-реалист.

Carlos Martinez Palomino

Карлос Мартинес Паломино (Carlos Martinez Palomino) - колумбийский художник-реалист. Родился в городе Букараманга, Колумбия. Интересоваться рисованием он начал в очень молодом возрасте и с тех же пор начал проводить непрерывные исследования и эксперименты в области живописи с единственной целью - найти свой собственный стиль, который он вскорости нашел при поддержке учителя Генри Флореса Солера, привившего ему в своей мастерской навыки, жизненно важные в работе каждого художника и давший базовое образование, необходимое для овладения техникой.

Под влиянием непрерывного изучения работ великих мастеров итальянского и испанского Возрождения, а позднее и течений современного реализма, он разработал в своей художественной эволюции уникальный стиль, характеризующийся мягкими и ясными мазками кисти и яркими и прозрачными цветами, которые наполняют его портреты и фигуративные картины силой, привлекающей зрителей и приглушающей посторонние мысли.

https://www.risunoc.com/2019/06/kolumbiyskiy-khudo...-carlos-martinez-palomino.html

Фигуративная живопись. Raymond Leech

Не Рембрандт: меланхолия

Кейта Моримото

Кейта Моримото (Keita Morimoto) - японский художник-визуалист, работающий в Торонто, провинция Онтарио. Моримото родился в 1990 году и вырос в Осаке, Япония. В 2008 году переехал в Канаду, чтобы продолжить свое образование в университете ОКАД.

Кейта Моримото родился и вырос в Японии. В 16 лет переехал в Торонто. Кейта рисует с детства и до переезда в Канаду черпал вдохновение в аниме. Он не был знаком с европейскими художниками. Когда молодой художник впервые увидел картины Рембрандта, это было озарением. Теперь немного Рембрандта можно найти в каждой картине Кейта. «Когда я приехал в Канаду, я с головой окунулся в искусство Европы и узнал много нового. Я влюбился в Рембрандта, знаю, звучит банально, но это так. Он стал моим учителем.»

Эмоциональные и меланхоличные портреты созданные японским художником по-настоящему завораживают. В его живописи гармонично сосуществуют современность и эпохи прошлого. Свет, цвета, тени — погружают в глубокие, густые краски. «Мои герои живые, они мечтают выйти из своих рамок, стать реальными. В этом есть смысл.» За последние пару лет у Кейта прошло 4 персональных и более 15 совместных выставок по всему миру. И это только начало. Можно много сказать о его картинах и пуститься в большие рассуждения, но определённо можно сказать одно: в этом что-то есть.

Он выставлял свои работы на нескольких групповых выставках в Торонто, Токио, Сан-Франциско и Лос-Анджелесе, а также участвовал в ряде благотворительных аукционов по сбору средств для помощи Японии после землетрясения и цунами 2011 года.

Лита Кабеллут, «испанская Кало»

из Гааги

Имя этой яркой цыганки практически неизвестно на родине, в Испании. Однако это не помешало ей стать самой востребованной и высокооплачиваемой художницей XXI века. По данным журнала Artprice, с июля 2014 по июль 2015 года коллекционеры выложили за 12 картин Кабеллут ни много ни мало 554 тысячи долларов (около 493 тысяч евро).

Кабеллут родилась в местечке Сариньера в провинции Уэска, родители переехали в Барселону, когда Лита была еще младенцем. «Меня растила бабушка, но большую часть времени я проводила на улице, пока моя мать работала в баре», - рассказала Лита в интервью информационному агентству EFE.

Детство Литы напоминает историю жизни персонажей Чарльза Диккенса, с той разницей, что сценой для непростой жизни героини была Барселона 60-х годов прошлого века. «Я не ходила в школу. Как и многие мои сверстники, я получила образование на улице», - вспоминает Лита. «Я была на побегушках у проституток: покупала для них сигареты, бутерброды, сережки, а они позволяли мне оставить себе сдачу от покупок. Ночевать на улице было тогда для меня привычным делом».

В конце концов юная Лита оказалась в сиротском приюте, а два года спустя ее усыновили. Началась новая жизнь, кардинально отличавшаяся от той, что она вела на улице. «Я прекрасно умела воровать, но это перестало быть мне нужным. Привыкла ругаться, но не могла себе этого больше позволить. Отлично умела есть руками, но не должна была демонстрировать этот талант. Все, чему я научилась, пытаясь выжить на улице, потеряло всякий смысл и должно было остаться в прошлом».

Посещение Музея Прадо перевернуло жизнь Литы, обнаружив в ней страсть к живописи. «Рубенс и Веласкес поразили меня красотой и мощью, а Гойя вселил в меня страх. Он был мне понятен, я знала, что он хотел донести до зрителя, потому что сама пережила страсти, изображенные на его картинах, пока пыталась выжить на улицах Барселоны», - рассказывает Кабеллут.

В 19 лет Лита переехала в Амстердам и поступила в художественную Академию Геррита Ритвельда, где проучилась всего три года. Первые ее работы были сделаны в эстетике минимализма, на смену которому пришел период абстракционизма. «Абстракционизм постепенно уступил место реализму. У моих моделей было тело, но головы отсутствовали. Затем, с большой опаской, стали появляться лица, а с ними и вырисовываться персонажи», - вспоминает Лита.

Реализм на краю. David Bowers

Дэвид Бауэрс (David Bowers) - американский художник. Родился в 1956 году в Шамберсбурге, штат Пенсильвания, закончил художественную школу в Питтсбурге в 1979 году. После выпуска работал штатным художником в различных студиях в Питтсбурге. Два года спустя Дэвид начал преподавать свое ремесло в Художественном институте Питтсбурга, где читал лекции в течение десяти лет и был удостоен чести быть основным докладчиком в классе 2003 года.

В 1991 году Дэвид начал карьеру иллюстратора, работая в основном с книжными издательствами в Нью-Йорке, для которых он нарисовал более ста обложек книг в течение более чем десяти лет. Кроме того, работы Дэвида украшали обложки многих известных журналов.

На первый взгляд кажется, что работа Бауэрса, возвращает вас к давно ушедшим периодам живописи. Это связано с методом живописи Бауэрса, который напоминает манеру мастеров прошлого, в частности голландцев 17-го века. Дэвид изучал их произведения в течение многих лет, чтобы развить свою технику, которая состоит из нескольких слоев, называемых остеклением и "alla prima". Эта техника может быть старой, но его картины включают и современные темы и современный символизм, который он описывает как “реализм на краю".

Картины Бауэрса находятся во многих частных коллекциях по всей территории Соединенных Штатов и Европы, а также в Музее американской иллюстрации в Нью-Йорке и Национальной портретной галерее в Вашингтоне, округ Колумбия. Бауэрс живет в Мадейра-Бич, штат Флорида, со своей женой Кимберли, где рисует много и очень тщательно изо дня в день!

https://www.risunoc.com/2020/04/realizm-na-krayu-david-bowers.html

 

 

Ирландский художник Francis O’Toole

Фрэнсис О'Тул (Francis O’Toole) - ирландский художник из Дублина. Учился во Флоренции, Италия. В 17 лет Фрэнсис попал в аварию, которая едва не унесла его жизнь. Проведя более года в больнице и реабилитации, Фрэнсис наконец, выбрал путь в жизни, который искал уже несколько лет.

Однажды из-за беспокойства за сына мать Фрэнсиса предложила ему попробовать рисовать, сначала Фрэнсис считал это глупым, но постепенно начал получать удовольствие от этого занятия. Первоначально он работал исключительно из воображения. После того как отец предложил ему показать некоторые свои работы на выставке в Дублине, работа Фрэнсиса стала получать большое внимание и он начал сотрудничать с галерей Грейстоунз. После этого появился некоторый спрос на его работы и Фрэнсис, никогда не изучавший искусство и поэтому работавший в медленном темпе, не был удовлетворен результатами.

В результате он решил изучать классические художественные техники во Флоренции, Италия. После четырехлетнего обучения во Флоренции, Италия, а также учебы с мастером-художником Оддом Нердрумом в Норвегии в течение некоторого времени, Фрэнсис вернулся в Дублин, где работает в качестве художника и уже завоевал большое внимание в мире искусства своей живописью. Он много раз выставлял свои работы на международном уровне, а также получил ряд высоко признанных наград.

https://www.risunoc.com/2020/04/francis-otoole.html

Ситуации из повседневной жизни.

Ian Cumberland

Его картины отражают ситуации из повседневной жизни, отношения и ценности, уже свершившиеся или только подразумеваемые.

Ян Камберленд (Ian Cumberland) - американский художник. Родился в городе Банбридж, штат Колорадо, 1983 году. Изучал изобразительное искусство в Университете Ольстера, где ему была присуждена премия Джона и Рейчел Тернер, как самому даровитому студенту в своей области. Он окончил университет в 2006 году с отличием первого класса.

Как художник Камберленд больше всего интересуется людьми и теми (часто абсурдными) вещами, которые они делают. Таким образом, его картины отражают ситуации из повседневной жизни, отношения и ценности, уже свершившиеся или только подразумеваемые. По его собственным словам, он "всегда наблюдает за людьми", и его наблюдения формируют его композиции. В его работе нет ничего осуждающего, но он предается тому, что все называют "черной комедией" в терминах общего сюрреализма, который никогда не бывает далек от его взгляда. Его ранние картины были во многом подвержены влиянию графического дизайна и мира рекламы, а также образов, подсмотренных в кино, и следы этих влияний можно увидеть до сих пор. Среды, которыми он пишет ту или иную картину, тоже все больше влияют на его мышление.

Чувство драматизма, которое является центральным в работе Камберленда, усиливается благодаря использованию им в своих картинах простого фона, так что, независимо от образов, люди и вещи всегда видны вне контекста... Во всех своих работах Камберленд с большим мастерством использует различия в текстурах материалов и так далее, и эту ловкость он также надеется развить в будущем. После того как он определился, его композиции точно записывается на холсте то, что задумано без малейших колебаний или изменений. Краска также наносится ровной пленкой с небольшим или вообще без импасто, и цвета остаются прозрачными и не замутненными. Несмотря на то, что в его картине можно уловить сходство с кем-либо, он не думает о себе как о портретисте, хотя... возможно, он мог бы больше развиваться в этом направлении.’

https://www.risunoc.com/2020/04/ian-cumberland.html

 

 

Художник Франц Шроцберг.

Franz Schrotzberg (Austrian, 1811-1889)

Kaiserin Elisabeth von Österreich, Porträt der jungen Prinzessinbraut bzw. Kaiserin (аукцион)

Шроцберг Франц (Schrotzberg Franz 2. April 1811 in Wien; † 29. Mai 1889 in Graz) выдающийся австрийский живописец, мастер портрета и мифологических сцен. Родился в Вене. В 1825 – 1831 учился в Венской АХ. В 1827 получил специальную стипендию за художественные достижения, а в 1828 был удостоен трёх наград. В 1832 прошла первая персональная выставка в Вене. В 1837 совершил поездку в Италию, в 1842 посетил Германию и Бельгию. Некоторое время жил в Российской империи, где писал портреты знатных особ. Приблизительно с 1840 персональные выставки художника проходили почти ежегодно. С 1843 член Венской АХ.

Франц Иосиф І (аукцион)

Портретировал членов императорской семьи. В 1867 награждён Рыцарским крестом императорского ордена Франца Иосифа І – высшей государственной наградой Австро-Венгерской империи. Жил в Вене, затем – в г. Грац. В 1899 именем живописца названа улица в Вене. Один из самых востребованных мастеров женского портрета своего времени. Многие живописные полотна художника тиражировались в виде литографий. Работы представлены в крупнейших музейных собраниях Европы, а также в ГМИИ, Донецком ХМ и др.

https://hist-etnol.livejournal.com/3737666.html

Елизавета Баварская (аукцион)

Melcher после Franz Schrotzberg Portrait Elisabeth von Österreich (аукцион)

Художник Ignace Spiridon

( Italian, active 1869-1900)

Ранее:https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post451431981

Солнечная живопись художницы

Хайде Е.Пресса (Heide E.Presse)

Heide Presse всегда нравились исторические предметы, и за последние несколько лет она путешествовала, открывая для себя XIX век. Чтобы придать своей работе исторической подлинности, Heide шьет одежду прошедшего периода, а также собирает антикварные предметы для использования в качестве реквизита. Предпочитает изображать более простые, повседневные моменты из жизни с использованием богатых цветов и яркого света. Родилась в Гейдельберг, Германия (в 1958 году), но выросла в Монро, штат Луизиана. Heide Presse пошла по традиции своего деда по материнской линии, который был архитектором и художником в Германии. Намек на ее будущее пришел к ней по окончании детского сада, когда она получила награду как лучший художник в своем классе. "Когда я поступила в колледж я знала, что я хотела сделать что-то творческое," говорит она. "Я просто не знала, что." Она получила степень бакалавра изобразительных искусств в области дизайна от Stephen F. Austin государственный университет в Nacogdoches, штат Техас в 1980 году. Работала художником по рекламе в Техасе. Heide Presse и ее муж в настоящее время проживают в Центральной Флориде со своим сыном.

"Я люблю старинную одежда и старомодные сады, т.к. они позволяют нам остановиться на мгновение и оценить простые удовольствия прошлого." - Heide Presse.

Аполлон Николаевич Мокрицкий (1810—1870) — российский художник, портретист

Автопортрет

Биография

Сын почтмейстера; родился 12 августа 1810 года в Пирятине (Полтавская губерния). В 1819—1824 годах воспитывался в Полтавском доме для детей бедных дворян, затем учился в Нежинской гимназии высших наук князя Безбородко (вып. 1830 г.) — школьный товарищ Н. В. Гоголя, Н. В. Кукольника и А. С. Данилевского.

С 1831 года стал вольнослушателем Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге. С 1832 года до середины 1830-х годов учился живописи у А. Г. Венецианова. Затем, был принят в академию, где стал учеником К. П. Брюллова (1836—1839). Отошёл от манеры Венецианова, став последователем яркого академизма Карла Брюллова с чертами внешней эффектности и натурализма.

Во время учёбы он был отмечен медалями Академии художеств: малая серебряная медаль (1835) за «Портрет г-жи Пузино», малая серебряная (1836), большая серебряная (1838) за картину «Святой Себастьян» и «Портрет академика Эпингера», малая золотая медаль (1839) за картину «Римлянка, кормящая грудью отца в темнице» и звание свободного художника. Получил (1846) двухгодичное содержание от казны на пребывание за границей.

Принимал активное участие в выкупе Тараса Шевченко из крепостного состояния.

В 1841—1849 годах совершил поездку в Италию. После возвращения на родину А. Н. Мокрицкий написал «Портрет преосвященного Никанора, митрополита Новгородского и Санкт-Петербургского» (1849), за который получил звание академика.

С 1851 года — преподаватель Московского училища живописи и ваяния. Среди его известных учеников: К. Е. Маковский, В. Г. Перов, И. И. Шишкин, И. М. Прянишников. Курс эстетики, который читал А. Н. Мокрицкий в двух училищах Москвы (живописи и ваяния и Строгановском), посещали многие живописцы и любители.

Умер в Москве 8 марта 1870 года.

Творчество

Умелый художник-портретист, писал также пейзажи, пользовался большой популярностью, получал много заказов. Его итальянские портреты и пейзажи охотно раскупались, становясь со временем экспонатами многих музеев России.

Портретное творчество Мокрицкого являет собой пример отображения представлений и тенденций, характерных для художников сентиментально-романтического направления. В то же время творчество его интересно тем, что в нём нашли своё место и черты реализма. Вместе с тем Мокрицкий — один из многих художников XIX века, творческое формирование которого в большой мере попало под влияние школы академического официального искусства. Лучшими в творческом наследии художника является галерея портретов его современников Гоголя, Гребинки, Кольцова, Кукольника.

Оставил ценные мемуары — «Дневник художника А. Н. Мокрицкого». Как художник-романтик поэтизировал передовых людей своей эпохи: парный «Портрет врача П. Пузино и его жены» (1835), портреты Н. В. Гоголя, Е. П. Гребёнки (1840), А. В. Кольцова, «Портрет жены» (1835), «Автопортрет» (1840) и др.

ВИКИПЕДИЯ

Портрет Марии Николаевны, жены художника

Портреты маслом. Emma Tooth

Уроженка Кембриджа, ныне проживающая в сельской местности Дербишира, Элизабет Эмма Тус (Emma Tooth), один из самых захватывающих британских художников, работающих в портретной живописи сегодня, выставляет свои захватывающие портреты маслом в Британии и за рубежом. Она наиболее известна своими необычными портретами обычных людей под названием "Concilium Plebis".

Картины Тус представлены во многих государственных и частных коллекциях по всему миру, включая Великобританию, Францию, Исландию, Германию, Северную Америку и Южную Африку.

https://www.risunoc.com/2020/04/portrety-maslom-emma-tooth.html

Кубинский художник. Reynier Llanes

Рейньер Льянес (Reynier Llanes) - кубинский художник. Родился в Пинар-дель-Рио, Куба, 15 августа 1985 года. Посещал школу искусств (Instructores de arte) в течение четырех лет и в 2004 году, в возрасте 19 лет, завершил свое обучение. В Гаване Рейнье обучался у одного из самых признанных художников-реалистов страны Хуана Мигеля Суареса.

Рейнье объясняет свою работу так: "мои картины, рисунки, гравюры и конструкции - это результат творческого и волнующего процесса, который я всегда нахожу сложным и полезным. На них, безусловно, повлияло мое богатое кубинское культурное наследие, наполненное семейными традициями, фольклором, мифами, религиозными верованиями, суевериями, пищевыми привычками и социальными обычаями.

У меня всегда было богатое воображение, которое помогало усваивать субъективные впечатления и интерпретации событий, с которыми я сталкиваюсь каждый день в жизни. Я стремлюсь запечатлеть и выразить эти интерпретации в своем искусстве, чтобы мои картины служили зримым отражением моих мыслей в данный момент..

https://www.risunoc.com/2020/04/kubinskiy-khudozhnik-reynier-llanes.html

Художник-иллюстратор Джеймс Авати (James Avati)

Американский иллюстратор и художник оформитель книг в мягкой обложке *** Его отец был профессиональным фотографом в Нью-Йорке. Мать умерла вскоре после рождения Джима. После им занималась его тетя (сестра матери) и в конце концов, его отец женился на ней. В то время как Джим был еще молод, когда отец умер, а другой дядя и тетя помогли поднять его в Little Silver, Нью-Джерси, где он и вырос. После его дядя заплатил за образование юноши в Принстонском университете, где он получил и степень по архитектуре в 1935 году.

Он всегда занимался живописью и любил рисовать. После Второй мировой войны, Джеймс получил работу проектировании витрины на Пятой авеню, универмага в Нью-Йорке. Но он при этом продолжал работать на стороне и в 1948 году, впечатлил своей работой Курта Еноха из New American Library. Это был новый издательский дом для книг в мягкой обложке. С самого начала его работы были хитами и изменил стиль обложек книг начала 1950-х. Среди авторов с которыми он работал были Теодор Драйзер, Уильям Фолкнер, Эрскин Колдуэлл, Дж. Д. Сэлинджера, Джеймс Т. Фаррелл, Перл Бак, Джон О'Хара, Микки Спиллейн, Эрл Стенли Гарднер, Альберто Моравиа, и Джеймс Мишнер. Он быстро стал известным и высоко ценился. В течении двух браков у него родилось девять детей. Один из сыновей стал известным скульптором, Джеймс Р. Авати, Солт-Лейк-Сити, штат Юта. В начале своей карьеры он использовал профессиональные фото модели, но потом рисовал работы по большей части с друзей, родственников и людей с улиц Red Bank, Нью-Джерси. Авати в конце концов переехал в Петалума, штат Калифорния и умер в феврале 2005 г. в возрасте 92. Он перестал рисовать картины к концу, поскольку терял зрение. Его называют "отцом книг в Мягкой обложке" и "Рембрандт книги в мягкой обложке ".

https://posterclub.ru/paintings/?an=James%20Avati

Художник, который пишет любовь радужными красками и сусальным золотом: Олег Живетин

О любви, сопровождающей человечество на протяжении всей его истории, веками пели песни и романсы. О ней сочиняли стихи и писали прозу. Ее чувственное содержание стремились ярко изображать художники и скульпторы... Любовь — единственное в природе чувство, в чем нет предела ни силе воображения, ни полету фантазии, именно поэтому картины художников, посвященные этому трепетному чувству, всегда притягивают и завораживают зрителя наиболее всего. И в наши дни любовь является излюбленной тематикой для многих авторов. Сегодня в нашем обзоре мы представим оригинальную серию работ российско-американского художника Олега Живетина, создавшего свой удивительный мир влюбленных.

 

Символические полотна этого художника называют необычными, фантастическими, философскими, волшебными. И не только потому, что главной тематикой своих картин Олег Живетин избрал любовь, уникальны в своем роде художественный стиль и техника, которые найдены мастером в процессе кропотливого труда. Его картины узнаваемы, стильны и наполнены ярким символизмом, принципы которого в своих работах использовали старые мастера разных эпох, раскрывая эту удивительную тему. А к ней, как известно, обращалось немало классиков-символистов, а именно Густав Климт, Марк Шагал, Пабло Пикассо, Фрида Кало... Видимо в их творчестве черпает свое вдохновение Олег Живетин, создавая свои уникальные произведения.

 

Поэтому, следует отметить, что оригинальность творений Олега Живетина также заключена в использовании множества своеобразных символов. Так, кому-то из зрителей символом покажется образы Мадонны, ангелов и святых, кто-то увидит символы красоты, деликатности и духовного развития в музыкальных инструментах, книгах, цветах, сердцах. Картины художника вдохновляют на новые признания и открытие своих сердечных чувств любимому человеку. И в этом также заключен символический посыл.