Режиссер-постановщик и музыкальное оформление – заслуженный деятель искусств Чувашии Ашот Восканян Режиссер – Игорь Лебедев Художник-постановщик – лауреат государственной премии РФ Станислав Шавловский Художник по свету – Ирина Вторникова Балетмейстер – Екатерина Бычкова Ассистент режиссера – Людмила Бухмиллер

Действующие лица и исполнители: Рита – Виктория Шатохина. Родольфо – Александр Войнов. Агостино – Эдуард Мурушкин. Беттина – Людмила Ильина, Наталья Лебедева. Антонио – Артур Исаев Аттилио – заслуженный артист РФ Александр Коняхин. Микеле – Гига Макаридзе, Максим Улин. Роберто – Александр Барков, Сергей Наджафов. Артуро – Александр Барков, Сергей Наджафов. Донна Фортуната – Ольга Баркова.

В массовых сценах - артисты театра 

https://youtu.be/KDQPSSyjlBw

Серия сообщений "видео":
Часть 1 - Геннадий Жуков (3 части)
Часть 2 - Карнавал в Венеции (1998)
...
Часть 8 - Художник Юрий Костин (Новочеркасск)
Часть 9 - Театр художников. Экспериментальный курс. 1998 г.
Часть 10 - Эдуардо де Филиппо "ЦИЛИНДР" (комедия)

https://youtu.be/ra7ctOKUfRo

Серия сообщений "видео":
Часть 1 - Геннадий Жуков (3 части)
Часть 2 - Карнавал в Венеции (1998)
...
Часть 7 - Создай ролик в Windows!
Часть 8 - Художник Юрий Костин (Новочеркасск)
Часть 9 - Театр художников. Экспериментальный курс. 1998 г.
Часть 10 - Эдуардо де Филиппо "ЦИЛИНДР" (комедия)

Театр "Вертеп" семейный театр. Если семья из 4-х человек, то все равно можно преступить к действию. Папа сделает конструкцию "ящика", сын ему поможет, а мама сделает куклы и ей поможет дочь. Чем меньше семья, тем меньше нужно делать по размеру конструкцию. Её можно сделать, даже из картона от коробок. Куклы могут быть полу объемными и даже плоскими. В этом случае нужно все покрыть лаком и красиво расписать акриловыми красками.

Не стремитесь создавать "Вертеп" величавым, он может быть простым до примитивности. Главное соблюсти канонические построения. Подробности можно всегда найти в Интернете. Наберите, в любом браузере текст: "как сделать вертеп" и вы получите множество разнообразных вариантов "вертепов" с подробным описанием, в картинках и чертежах. Там же вы найдете текст: "История о рождении Христа и история злого царя Ирода". Названия, так называемой "фабулы", могут немного отличаться, но сама история событий всегда одна. Выберете, что проще и что вам больше понравится.

Итак, вы можете у себя дома создать свой собственный настоящий театр. Это интересно для родителей и, особенно для детей. У всех могут проявиться не только способности, но и талант. А главное, вы получите душевное удовольствие на всю жизнь.

Если у вас большая семья или вы можете объединиться семьями, то тогда возможно замахнуться на более масштабный "Вертеп". Но старайтесь мыслить в "масштабах средств", и тогда все получится органично.

Время идет, пора преступать к осуществлению семейного театра.

Успехов вам!

Серия сообщений "искусство":
Часть 1 - Возрождение России
Часть 2 - Определённая эпоха создаёт гения (часть 2)
...
Часть 9 - Мадонна Литта
Часть 10 - Вена глазами художника
Часть 11 - Как сделать Вертеп на Рождество Христово?
Часть 12 - Звонарь...
Часть 13 - Букингемский дворец.
Часть 14 - Анна Костенко

Боровков Николай Юрьевич (Н.Шувалов)

Н.Ю.Боровков - С.-Петербургский режиссёр-кукольник, заслуженный деятель искусств РФ, лауреат премии "Золотой софит".
Окончил ЛГИТМиК (СПГАТИ) в 1974г. (курс проф. М.М.Королёва).

До 1998 года работал в Ленинградском гос. кукольном театре сказки. В разных городах (С.-Петербурге, Москве, Ярославле, Петрозаводске, Мурманске, Кирове, Вологде и др.) поставил более 100 спектаклей и продолжает сотрудничать с Российскими театрами кукол.

пьесы для театра кукол , стихи для детей ,сказки, переводы
Хобби: конструирование театральных кукол (см. журнал "Театр чудес", 2-3, 2001; 2-3, 2002).

Стукалов Лев Яковлевич

Родился в 1945 году в городе Ленинграде. В 1971 году окончил ЛГИТМиК (ныне Санкт-Петербургская академия театрального искусства) по классу профессора Г.А.Товстоногова. Работал во многих городах России. Ставил спектакли в Москве. В Ленинграде, ныне Санкт-Петербург, осуществлял постановки в театре Драмы и Комедии на Литейном, в Молодежном театре, в театре Комедии имени Акимова, в театре имени В.Ф.Комиссаржевской, в Учебном театре Академии театрального искусства.
С 1992 по 1994 год возглавлял Омский Академический Театр Драмы. Принимал участие в совместных театральных проектах с театрами Японии, Польши и Америки. Известен постановками: "Кража" В.Астафьева, "Женитьба" Н.В.Гоголя, "Ромул Великий" Ф.Дюрренмата, "Лягушки" Аристофана, "Панночка" Н.Садур, "Все о Еве" Орра и Дэнхема, "Горящее сердце" А.Н.Островского, "Игрок" Ф.М.Достоевского, "Липериада" М.Лассила, "Лав" М.Шизгэла, "Дело корнета О-ва" Е.Греминой и др.
Л.Я.Стукалов воспитал не одно поколение артистов. В Академии театрального искусства на кафедре актерского мастерства доцентом которой он является. На основе выпускного курса 2000 года был создан "Наш Театр". Его художественным руководителем стал Л.Я.Стукалов.
Заслуженный артист РФ (2005).

Эдуард Кочергин имеет не стандартный взгляд на смысл жизни. Его понимание о сложном не упрощенное, его "способ мышления" философский от художника, он мыслит категориями, которые хорошо знает, но не как политик, а как творческий человек. 

Моноспектакль о вере в чудо

17.06.2011 18:30 Рубрика: Культура

 В театральном зале Областного центра изобразительного искусства состоялась премьера моноспектакля «Оскар и розовая дама». Его сыграла Софья Тучина - преподаватель Владимирского областного колледжа культуры и искусства. Она выступила и режиссером этого моноспектакля, поставленного по одноименной повести Эрика-Эмманюэля Шмитта, который признан самым читаемым и играемым на сцене современным французским автором.

Оскар - это десятилетний мальчик, больной лейкемией. Он лежит в больнице,

где ему сделали пересадку костного мозга. А розовая дама - его сиделка бабушка Роза, которая морально поддерживает Оскара и, по ее признанию, старается забавлять его, выдумывая разные небылицы. Беседует с ним о смысле жизни, смерти, религии, советует писать письма Богу, чтобы было не так одиноко. И с каждым разом Бог становится для Оскара чуть более реальным. А еще бабушка Роза рассказывает мальчику о двенадцати волшебных днях, каждый из которых равен десяти прожитым годам. - «Через двенадцать дней мне исполнится 130 лет», - радостно восклицает Оскар с верой в такое чудо.
Софья Тучина мастерски перевоплощалась в Оскара, в бабушку Розу, в больную лейкемией девочку Пегги, в доктора Дюссельдорфа и в других действующих лиц моноспектакля. При этом актриса обжила почти все квадратные метры сцены. Эмоции, мимика, жестикуляция - все было в меру, а главное - талантливо. И, конечно же, на первом месте - образ, живое слово того или иного героя моноспектакля, который публика смотрела с замиранием сердца, внимательно следя за судьбой тяжелобольного мальчика. Восприятию моноспектакля зрителями очень хорошо помогали оформление сцены, реквизит, а главное - умело подобранная музыка в которой лейтмотивом прозвучала мелодия К.-В.Глюка из оперы «Орфей и Эвридика» - все это создавало эмоциональную атмосферу моноспектакля.
Для Софьи Тучиной этот спектакль стал дебютом театра одного актера, который прошел с большим успехом - о чем свидетельствовали долгие дружные аплодисменты зрителей, слезы на глазах у некоторых из них и преподнесенные актрисе роскошные букеты цветов. Как призналась Софья Тучина, к этому моноспектаклю она шла пять лет. Для театральной публики она сыграла его уже три раза, открыв для многих зрителей очень интересного и глубокого писателя - Эрика-Эмманюэля Шмитта.

Михаил КОНШИН

 Источник публикации: Молва. Культура
Подробнее:http://www.vladimironline.ru/culture/id_59722/

ЧАСТЬ первая:

ЧАСТЬ вторая:

ЧАСТЬ третья:

ЧАСТЬ четвертая:

ЧАСТЬ пятая (заключительная, финал):

Видеозапись была сделана спонтанно. Слышимые шумы в зале возникают по причине того, что во время спектакля проводились съемки из трех различных видеокамер. Очевидно, в скором времени будет сделан более цельный видеофильм. Спектакль идет  без антракта (1 час 10 минут).Практика показала, что видеозаписи спектаклей лучше смотреть по частям не более по 15 -20 минут, но к сожалению, любая запись не может предать живой природы любого театрального представления. Спектакли нужно смотреть непосредственно в зале.

Bob Wilsons Interpretation von Shakespeares Sonnetten (2)

Боба Уилсона интерпретация фон Шекспира Sonnetten (2)

Здесь же смотрите Визуальный художник

Творчеству Роберта Уилсона посвящено немало статей и отдельных изданий.

В 2003 г. вышла  первая монография о Роберте Уилсоне на русском языке 

"Роберт Уилсон. Театр художника" В. И. Березкина.

http://www.liveinternet.ru/users/stanislav_shavlovskij/video/page5.html

Лева Шехтман родился в на Украине, в СССР. Закончив в 1974 г. режиссерско-актерский курс профессора А. Музиля, ЛГИТМиК , почти, сразу уехал в США. Ставил off- Broadway, но не на Бродвее. Как актер снимался и играл в своих спектаклях, в театре, который он создал и возглавлял все 80-е. Он назывался Theater in Action. Работал на Бродвее артистом, режиссером, снимался у Рыбинского, имел свой театр. Продолжая жить в Манхеттене, стал приезжать в Россию по приглашению театров ставить спектакли. Увлеченный прозой Сергея Довлатова, по своей инсценировке  поставил  "АБАНОМАТ" в Молодежном театре на Фонтанке.

Думаю, что мы ещё услышим о русско-американском режиссере и увидим его спектакли.  

Полный «АБАНАМАТ!» О спектакле по мотивам рассказов «Наши» Сергея Довлатова

11 декабря с 15.00 до 16.00 в пресс-центре газеты «Аргументы и Факты-Петербург» – режиссер спектакля «АБАНАМАТ!» Лев Шехтман. Он рассказал о том, как готовилась новая постановка.

8, 9, 30 декабря в 18.00 на Большой сцене Молодежного театра на Фонтанке состоится премьера спектакля «АБАНАМАТ!» по мотивам рассказов «Наши» Сергея Довлатова. Цикл рассказов «Наши», состоящий из двенадцати новелл и заключения, на сцене Молодёжного театра стал общей историей для всех героев. К моменту, когда Довлатов написал «Наши», многие герои новелл были еще живы – Донат, его отец, пережил сына на пять лет, а мама Нора Сергеевна – почти на десять. Теперь, благодаря Довлатову, мы можем ощутить то время, которое уже ушло…

Лев Шехтман, создавший пьесу по прозе Сергея Довлатова, сочинил спектакль, в котором ностальгия и юмор неразлучны, семейные отношения узнаваемы, история страны складывается из судеб героев, а действующие лица являются не историческими персонажами, а художественными образами, созданными авторской фантазией. Они ни праведники и ни злодеи, потому что Довлатов знает: и рай, и ад - внутри нас самих. А помочь нам в трудные времена может то, что писатель называл «улыбкой разума». Спектакль погружает нас в жизнь, бурную и непредсказуемую, похожую на сообщество большой коммунальной квартиры, где страсти кипят как борщ в огромной кастрюле. А кастрюля та, как утверждал Довлатов, «стояла на медленном огне и тихо булькала…»

Слово «АБАНАМАТ!», поставленное в название спектакля, - возглас для выражения ярости и раздражения, заимствованное из авторского текста. Его, кстати, придумал армянский дед Довлатова. Мы можем выразить им очень многое: удивление, презрение, восхищение. Его употреблял и один из «Наших», угрюмый, суровый, неразговорчивый дед, который просто поднялся однажды утром из кресла, где сидел не вставая последние десять лет, ушел из дома к обрыву и шагнул за его край…

Лев Шехтман, режиссер: "Роли Сергея Довлатова в нашем спектакле не будет. Я терпеть не могу ряженых. Неважно, как герой выглядит, важно играть суть того, что с ним происходит. Так что Довлатов в спектакле одновременно и присутствует, и отсутствует. Каждый персонаж, им сочинённый, это и есть Довлатов". Лев Шехтман живет и работает в США. Сейчас в репертуаре Молодежного театра идут два спектакля в постановке режиссера Льва Шехтмана: «Синие розы» (по пьесе Теннесси Уильямса «Стеклянный зверинец»), «Иов» (по роману Йозефа Рота).

http://www.spb.aif.ru/onlineconf/300339

Тема Российского театра.

http://www.facebook.com/l.php?u=http%3A%2F%2Ffile-...p%3D%255B%255D&h=KAQG3qo1k

У нас в Малом драматическом целую неделю гостили все сотрудники театрального отделения Йельского университета (третий из девяти колониальных колледжей США, основанных до Войны за независимость в 1701 году, входит в «Лигу плюща» – сообщество восьми самых престижных частных американских университетов; вместе с Гарвардским и Принстонским составляет так называемую «Большую тройку»). Приехали в полном составе кафедры режиссуры и актёрского мастерства.

Хочу подчеркнуть: это Йельский университет был у нас, а не мы у них. Три года они приглашают нас провести мастер-классы и сыграть свои спектакли. Нам пока не удаётся – просто потому что нет времени, есть другие планы. Это к разговору о том, насколько русский театр отстал от «передового» – американского и европейского.

Среди прочего, гости сказали нам, что добились для художественных отделений на 70% бесплатного образования. А в ближайшие пять лет хотят достичь полностью бесплатного. Объясняют: только тогда, когда мы начнём учить только тех, кого хотим набрать, а не способных заплатить, будет уверенность в полной эффективности своего труда.

А в России нам сегодня постоянно внушают, что нужно резко увеличивать платное образование.

Может быть, в экономических, физических, даже общегуманитарных вузах это в какой-то мере оправдано. Вероятно, удаётся дать основательные знания по этим дисциплинам человеку, не имеющему соответствующего дарования. Но ни за какие деньги нельзя научить актёрскому, режиссёрскому, балетному или другому художественному искусству того, кто не имеет таланта.

Сегодня в качестве критерия эффективности вуза ставят количество платных студентов. Мы тем самым заранее говорим, что обучение будет на 50 процентов менее затратным для государства, но абсолютно бессмысленным и нерезультативным.

Все лучшие театральные школы России, начиная с Императорской театральной в Петербурге и Филармонического общества в Москве, которым руководил Немирович-Данченко, откуда вышло большинство будущих звёзд Художественного театра, – были бесплатными. МХТ, не имевший тогда своей школы, приглашал для обучения молодых людей, будущих артистов, в качестве сотрудников – и платил им за это, потому что понимал: талант стоит денег.

Целый ряд критериев, предъявляемых сегодня к художественным вузам, вообще не имеет к ним отношения.

Недавно прочитал, что Санкт-Петербургская театральная академия в результате некоего мониторинга причислена к числу не самых эффективных образовательных учреждений. Я абсолютно спокойно к этому отношусь. С одной стороны, потому что знаю: это наряду со школой-студией МХТ – один из лучших театральных вузов мира. С другой, я согласен с тем, что академия недостаточно эффективна. Но по совсем другим критериям, нежели применявшиеся при занесении в список Минобрнауки.

В ней действительно слабая инфраструктура. Потому что в этом здании, когда я в нём учился в начале 60-х, занималось 270 студентов. А сегодня на том же пространстве – их 900! Трудно дышать, не то что заниматься творчеством. Естественно, здание, которое давным-давно не ремонтировалось, просто не может вынести такого количества. А студентов всё больше, в аудитории наталкиваются по 40 человек – ничему научить невозможно, эффективность падает.

Малый драматический театр Санкт-Петербурга. Сцена из спектакля «Коварство и любовь». Фото ИТАР-ТАСС.

Почему увеличивается приём? Потому что финансирование идёт по количеству учащихся. Подушевое финансирование (выделяемое на одного студента. – «Файл-РФ») достаточно скудное, и, чтобы как-то оплатить работу педагогов, мастеров, приходится увеличивать курсы до сказочных, абсолютно бессмысленных размеров.

В советские времена в Ленинградской консерватории достаточно было трёх человек, чтобы сформировать курс дирижёров. На моей памяти Товстоногов не раз мечтал, что когда-нибудь удастся добиться того, чтобы и курс режиссеров состоял из трёх человек. Тогда, как говорил Георгий Александрович, один из них уж точно станет режиссёром. И сегодня в том же Йеле на режиссёрский факультет ежегодно принимается три человека, не больше. Мечта Товстоногова сбылась, но в Америке. Мы же набираем одну, а иногда и две группы по 15–20 студентов. Во-первых, столько режиссёров России не нужно, при всем том, что мы – театральная страна. Они просто не найдут работу. Во-вторых, такое количество студентов нереально за отведённое время обучить. В-третьих, невозможно найти столько одарённых людей.

Есть ещё один «критерий эффективности вуза» – наличие докторов, кандидатов наук и прочих людей, занимающихся теорией, в данном случае, театра. Таким образом, навязывается отделение сценической практики от Школы.

Русская театральная традиция всегда славилась и отличалась от европейской тем, что мастерству у нас учили практически все крупнейшие деятели искусств. И нам до сих пор завидуют – например, в парижской консерватории, потому что в ней не преподает ни один крупный европейский режиссёр, а только педагоги. То есть, прошу прощения, там учат те, кто не очень умеет что-то делать сам. Достоинство традиционной российской школы в том, что здесь преподают мастера. Они не пишут докторские диссертации и кандидатские тоже – не до этого. И критерий эффективности должен быть совсем другим: количество поставленных спектаклей, полученных премий, проведённых за рубежом гастролей и так далее.

Вообще, мне кажется, вопрос о художественном образовании должен быть выделен из темы высшей школы в целом, и стать составной частью давно готовящегося, но никак не могущего родиться закона о культуре. Здесь нужны действительно решительные реформы, но такие, которые смогут сохранить всё лучшее, что нажито за долгую историю нашего духовного развития.  

Недавно у нас в гостях была крупнейший шведский драматург Маргарита Гарпе, мы поставили на Камерной сцене её пьесу. Стала спрашивать: кто финансирует театр. Я ответил: «Государство, у нас труппа 60 человек». Она: «Постоянная труппа, – какая прелесть, какая радость! У нас городской театр – 120 актёров – наполовину сокращают. Говорят, не нужен репертуарный театр с постоянной труппой! В Европе это искусство умирает».

МДТ – Театр Европы. Сцена из спектакля Карло Гоцци «Ворон». Фото ИТАР-ТАСС.

Сегодня в российское сознание с какой-то шизофренической настойчивостью внедряется мысль, будто русский репертуарный театр – некая проржавевшая машина, которую пора выкидывать на слом. Это тем более парадоксально, что все наиболее успешные, так сказать «авангардные» отечественные режиссёры – Серебренников, Богомолов, Могучий – поставили самые заметные свои спектакли в крупнейших репертуарных театрах России. А в Европе репертуарного театра действительно почти не осталось, везде, за редким исключением, победила американская модель разового проекта – то, что я называю «производством одноразовой посуды».

Но лучшим в Европе, безусловно, сегодня считается немецкий театр. Прежде всего, потому что Германия – одна из немногих стран, вместе со скандинавскими, сохранивших репертуарный театр с постоянной труппой. Причём очень хорошо финансируемый. Когда интендант одного немецкого театра сказал, какой у них бюджет, у нас произошло… лёгкое головокружение. Может быть, у нашего государства сегодня ещё нет таких денег. Но если мы хотим сохранить то лучшее, что есть, деньги надо находить. А если их нет у государства – максимально вовлекать меценатов, давать закон, который всячески поощряет их спонсорство, делая их миссию не подозрительной, будто бы теневой – с точки зрения экономики, а благородной, общественно полезной, всенародно признанной.

Конечно, репертуарный театр требует реформ, и довольно решительных. Он отчасти заржавел и прохудился. Реформы должны быть принципиальными и радикальными, у меня есть конкретные предложения, каким образом это сделать. Но сейчас не до подробностей. Решение этих проблем требует серьёзной политической воли и согласия самих творцов, которым, как известно, договориться между собой довольно трудно.

Вообще, надо признать что, требуя реформы от других, мы всегда хотим, чтобы перемены не касались нас самих. Пусть они будут в соседнем доме, а у меня, в моём собственном, всё и так хорошо. Это одна из проблем, которая, как мне кажется, не даёт свершиться никаким переменам.

Мне хотелось бы ещё раз подчеркнуть – на основе примеров прошлого и опыта общения с лучшими сегодняшними европейскими труппами, что художественный театр не может быть экономически прибыльным предприятием.

История искусства такого не знает. Даже лучший театр ХХ века – Московский Художественный – в период своего расцвета, с начала столетия до 1917 года, каждый сезон заканчивал с дефицитом. Причём чем более успешным, «историческим» оказывался сезон, тем выше был дефицит, ибо затраты никогда не возмещались.

Театр бы умер на корню, если бы не Савва Морозов – крупный русский предприниматель и меценат, любивший искусство. При этом он на дух не переносил Немировича-Данченко, который был директором театра, и всё время упрекал того, что надо лучше руководить и уметь извлекать прибыль. В конце концов, Морозов добился, чтобы Немирович подал в отставку, и стал директором театра сам. Об этом советская история умалчивала, поэтому всё забылось. Он возглавлял театр три года, за это время дефицит бюджета резко вырос, и с каждым годом увеличивался всё больше. Наконец, Морозову это смертельно надоело, и он тихо, несобытийно ушел. Благополучно вернулся Немирович. Морозов продолжал давать деньги, а МХТ создавать великие спектакли.

Театр Европы. Сцена из спектакля «Русалочка». Фото ИТАР-ТАСС.

Эту историю хорошо бы знать тем, кто сегодня нам постоянно внушает, что нужно приносить доходы. Нас всё время путают с коммерческим театром, которым репертуарным по определению быть не должен. Мало того, мне кажется, что субсидируемый государственный театр, в принципе, никогда и ни за что не должен ставить развлекательную, делающую сборы драматургию. В том же немецком театре такое невозможно – чтобы на государственные деньги ставили коммерческого автора. Пусть лучше ходят меньше зрителей, но на то, что, безусловно, необходимо для духовного развития человека, нации, общества.

Сегодня меня чрезвычайно волнует вопрос столкновения и противопоставления культуры и религии. На мой взгляд, здесь закладывается бомба замедленного действия. Нельзя противопоставлять одно другому. Культура религиозна по своему происхождению. Замечательна вера и замечателен верующий. Совсем не так страшен и должен быть уважаем атеист. Он думает о Боге, находится с ним в диалоге, значит, волей-неволей, подтверждает наличие Господа. Поэтому нельзя кидать яйца на амвон. Это кощунственно и страшно. Но точно так же нельзя учить кидать яйца в артистов, потому что для них театр – храм. Его нельзя осквернять, даже если ты не веруешь.

И, наконец, о проблемах самой культуры, которая в последние годы катастрофически дегуманизируется. С одной стороны происходит широчайший процесс её коммерциализации, опустошения изнутри, опускания до уровня ширпотреба.

В другом случае, видя трагичность существования и ужас того, что происходит с человеком, искусство начинает презирать его, теряет сострадание. Происходит дегуманизация культуры, и когда, боясь коммерциализации, художник уходит в заумные шифры, он возводит неодолимую стену между собой и широкой демократической публикой. Всё это крайне опасно. Когда из общественной жизни исчезают любовь, милосердие, сострадание, начинается культурный, социальный и экономический кризис….

Проявляя любовь, милосердие и сострадание к читающим, завершаю этим многоточием свой монолог. Спасибо.

Спасибо за размещение! Пока я не купил фильм, буду начинать

свои дни с этой поразительной,

творческой группы, ритмичного и радостного отрывка.
 

комментарий от manicgardeneratmidni

 

28-го сентября закончился Всероссийский театральный фестиваль «У Золотых ворот».
На Торжественной церемонии закрытия II Всероссийского театрального фестиваля были вручены достойным лауреатам дипломы: золотой, бронзовый, серебряный, приз зрительских симпатий и "Специальный диплом фестиваля".

Кто же стал лауреатом "Гран-при" ?
Как часто бывает на фестивалях, результаты жюри оказались неожиданными. Кому-то из театралов и участников фестиваля показалось решение жюри не справедливым. Но с жюри, как и с судьями не спорят.

.

Посмотрим афишу фестиваля:

В первый день фестиваля Малый театр, вместо заявленного
«НАСЛЕДНИКИ РАБУРДЕНА» Эмиля Золя, показал при полном аншлаге "ВОЛКИ и ОВЦЫ" А. Островского.

Прославленный Государственный академический Малый театр России -
Почетный гость фестиваля в конкурсе не участвовал.

Заканчивается во Владимире Всероссийский театральный форум "У Золотых ворот".

Это событие завершится 28 сентября.

 В городе пестрили афиши, а в СМИ красноречиво рассказывали о лучших спектаклях России.

"Владимир превратится в театральную столицу,
С сегодняшнего дня Владимир превратится в театральную столицу. Начинается традиционный фестиваль "У Золотых ворот". В нем участвуют 13 театров России и ближнего зарубежья. В этом году форум пройдет в расширенном формате: запланированы творческие встречи, циклы лекций по аналитическому осмыслению современного театрального процесса. Зрителям представят спектакли на любой вкус. В частности сегодня владимирцы смогут увидеть постановку Государственного академического малого театра России - пьесу "Волки и овцы" . Начало в 18-00. Напомним, фестиваль проходит во Владимирском академического областного театра драмы и продлится до 28 сентября".

17.09.2012 15:15
Во Владимире открывается Всероссийский театральный форум "У Золотых ворот"
Сегодня во Владимире стартует Всероссийский театральный форум "У Золотых ворот". И открывает его Государственный Академический Малый театр России. Все подробности у Марии Платанюк.
Всероссийский театральный форум "У Золотых ворот" - настоящее созвездие лучших спектаклей страны. На сцене владимирской драмы зрители смогут увидеть спектакли 12 театров. От Омска до Петрозаводска. Театральный бум продлится до 28-ого сентября. И открывает фестиваль фестивалей Малый театр России. Постановкой по бессмертному произведению Островского "Волки и овцы". Этот спектакль стал заменой ранее заявленному - "Наследники Рабурдена" по Золя. На сцене полным ходом идет монтаж декораций. Государственный Академический Малый театр России прибыл не налегке. Здесь будут кипеть страсти великой комедии.

"Еврофура. 12 метров. Все декорации - со светом. Все привезли",- говорит Роман Рамейков, начальник монтажно-декорационного цеха Малого театра России.

Каждый спектакль - участник Всероссийского театрального форума "У золотых ворот" - яркий элемент в огромной мозаике жанров, авторов, режиссеров. Но главный театральный указатель ныне - "русская классика".

"Наш фестиваль - некая лакмусовая бумажка, и мы все-таки видим, что - вектор современного развития театра - это великая драматургия",- считает Борис Гунин, директор Владимирского Академического областного театра драмы.

Доказательство тому - афиша фестиваля. Это и "Три сестры", его к слову, представят владимирцы, и "На дне", и "Дядя Ваня". Народная артистка России Людмила Полякова подчеркивает: в репертуаре Малого сейчас самый актуальный спектакль "Ревизор". Современная российская действительность - дежа вю. Того, о чем писал Гоголь еще 200 лет назад. Столь же узнаваемы характеры и нравы и в пьесе "Волки и овцы" Островского. По признанию артистки, в роли Мурзавецкой она просто купается.

"Есть традиционное исполнение роли Мурзавецкой, такая старуха. Но кто же сейчас на такую старуху пойдет. Нужна не такая, нужно иначе. Что для тебя сделать? Мы сейчас решим твои проблемы",- поясняет Людмила Полякова.

К слову, свой новый сезон Малый театр откроет только в начале октября. Так что спектакль во Владимире - истинный подарок зрителю. С журналистами сегодня встретился и народный артист Борис Невзоров. Как заметил Борис Георгиевич, от фестиваля, как и коллеги, ждет прежде всего творческого общения. Всероссийский театральный форум дарит такую удивительную возможность. В том числе и зрителю.

"Если зритель, выйдя из зрительного зала, скажет: О! Вот этот театр, ему можно поклоняться. Это уже здорово. Приходите, смотрите хорошие спектакли",- говорит Борис Невзоров.

Участники форума: в их числе такие известные в театральном мире имена как Валерий Подгородинский и Ольга Сенаторова говорят: планка фестиваля очень высока. Спектакли-участники уже стали обладателями престижных наград. А сам форум "У Золотых ворот" достоин встать в один ряд с "Золотой Маской". Москва, Нижний Новгород, Омск, Архангельск, Липецк, Калуга. Дневник фестиваля расписан по дням и, фактически, по минутам. В его рамках пройдет цикл "золотых лекций". Их прочитают профессионалы театрального дела. Будет работать и Большая международная фестивальная лаборатория. Выявлять победителей будет жюри во главе с народной артисткой России Евгенией Симоновой. А наградой победителям станут хрустальные шапки Мономаха. В этом году их будет 4. Золотая, серебряная, бронзовая. Будет и шапка малая - приз зрительских симпатий.

    Ушел из жизни президент Ульяновского драматического театра имени И. А. Гончарова Юрий Семенович Копылов

Он скончался 31 марта 2012 года на 70-м году жизни. Гражданская панихида состоится 2 апреля в здании драматического театра с 10.00 до 12.00. 

На Моховой (ЛГИТМиК) С-.Петербург 1970 г. 

    Ушёл из жизни Юрий Копылов. Не стало больше  любимого режиссёра с которым  проработал более 40 лет. Я потерял близкого и большого человека, единомышленника и соратника. Для меня это одна из самых больших утрат в моей жизни.

     Мне, наверное, позднее предстоит рассказать о нём, как о человеке, профессиональном режиссере, мастере театрального искусства. Сейчас  скажу только несколько слов.    

Юрий Копылов был умным человеком, он мыслил, он философствовал. Он меня заражал идеями, я многому у него научился. Самый большой у него был интерес к Человеку. Его спектакли были только "о Человеке" и "про Человека". Он не занимался политикой и не был конъюнктурщиком, ему были чужды темы-однодневки. Он никогда не шёл на поводу пресловутым: "искусство для народа","искусство для зрителей", "зритель голосует рублём" и т. п. Равнодушный  к коммерции, ему были чужды облегчённые  и упрощённые способы мышления и способы работы над спектаклем. Его увлекали какой-то внутренний мир и смысл, которые были известные только ему самому.

      Ульяновск меня удивлял театральностью, в нем оказались образованные люди. Климат для творчества Юрия Копылова становился воздушным. Конечно, были сложности, но они уже не зависели от культуры региона, они были Всероссийскими, назревали проблемы всей Страны.

В Ульяновске Юрий Копылов сумел поменять свою тактику, но стратегию в силу своего характера он не мог изменить. Он остался таким же честным режиссёром, каким был всегда. Он хорошо знал "про что ставит спектакль". Абсолютно обладая ремеслом режиссёра, он был Художником с большой буквы. Правда, он не был "комедиографом", но блестяще ставил комедии. Юрию Копылову не свойственно попусту забавлять зрителей, он не увлекался дешевыми трюками и "фишками".

Он не мельчил и не дробил, его умение работать подробно и тщательно говорили о большом таланте и изысканной натуре, его темперамент и трудоспособность могли удивлять наше воображение. Он всегда старался поднимать планку, веря в зрителя,  считал, что только мысль и идея должна позитивно отразиться на сознании зрителя. Он выстраивал спектакли с эмоциональным накалом, кульминационные  моменты в его спектаклях имели наивысшую точку с интонацией полной тишины и оборвавшейся струны. На его спектаклях я ощущал ореол магнитного поля, над головой вздыбливающих волос.

В жизни Юрий Копылов обладал юмором и был веселым человеком, но он не любил рассказывать анекдоты, его эрудиция позволяла ему быть достаточно ироничным. Тем, кто не знал Юрия Копылова, на первый взгляд могли принять его за закрытого и замкнутого человека. И он действительно иногда был таким. Но это не совсем так. Он был отзывчивым и доброжелательным. Он не любил и никому не позволял хлопать его по плечу. Он был очень серьёзным и постоянно уходил вовнутрь самого себя. Мне приходилось наблюдать его умение четко держать не три, а четыре объекта одновременно - это слышать, видеть, понимать и, главное, полностью уходить в себя. Эта черта его характера, на мой взгляд, очень важная. Эта его индивидуальность помогала ему оставаться Личностью, и  поэтому у него были глубокие и значительные спектакли.

За это его ругали, критиковали и даже в заново созданном им же Орловском ТЮЗе  не один спектакль Юрия Копылова не принимали, а известный идеолог Орловской области не советовал ему ставить "Гамлета" В. Шекспира.

     Ему пришлось уехать из Орла и принять, предложенный Министерством Культуры Владимирский областной драматический театр им. А. В. Луначарского. Но этот театр оказался хуже предыдущего. Через 3 года он принимает "Ульяновский областной драматический театр и именно здесь маятник его судьбы качнулся в другую сторону. После первой его постановки "Ричард II" В. Шекспира коллектив театра принял Юрия Копылова и, как модно было тогда говорить, "принял город". Ему поверили. Очевидно, он учёл свой опыт предыдущих театров, а новые веяния в культуре с 1987 года в нашей Стране становились более благоприятными для режиссёров и театров в целом. Постепенно стали изменяться нравы руководителей и чиновников, появлялись другие интересы. Идеология становилась другой. То, что запрещалось, стали разрешать, проще стали относиться к искусству и режиссёрам театра.

Юрий Копылов на редких фотографиях

     Ульяновск меня удивлял театральностью, в нем оказались образованные люди. Климат для творчества Юрия Копылова становился воздушным. Конечно, были сложности, но они уже не зависели от культуры региона, они были Всероссийскими, назревали проблемы всей Страны.

Юрий Копылов на редких фотографиях 

   В Ульяновске Юрий Копылов сумел поменять свою тактику, но стратегию в силу своего характера он не мог изменить. Он остался таким же честным режиссёром, каким был всегда. Он хорошо знал "про что ставит спектакль". Абсолютно обладая ремеслом режиссёра, он был Художником с большой буквы. Правда, он не был "комедиографом", но блестяще ставил комедии. Юрию Копылову не свойственно попусту забавлять 

Юрий Копылов на редких фотографиях    

 Больше всего Юрий Копылов любил артистов. Он с ними много работал и выжимал из них всё, что можно было выжать по силе их таланта. Иногда он их обижал, и "артисты, как дети" могли свои обиды затаить. Но Юрий Семенович потом просил у них прощения. Мне известны случаи, когда его не только не понимали, но и предавали и желали ему зла. Но режиссёр-Копылов не только любил артистов, он полностью принадлежал им и через их мастерство развивался. Он многих артистов воспитывал и учил, давал им возможность расти.

     Его душа Художника принадлежит классикам. Шекспир и Мольер для него были  неисчерпаемыми. Он и сейчас бы окунулся в бесконечное богатство культуры XVI - XVII веков, но и "Шлюк и Яу" Гауптмана, "Генрих VIII" Пиранделло  и "Дьявол и Господь Бог" Сартра - удивительные и не забываемые спектакли! Лучшие театральные критики понимали его и находили в его спектаклях предмет для профессионального разговора о театре. Режиссёр-Копылов мог бы работать в любом Столичном театре. Но он сознательно отлучал себя,  избегая какой-либо суеты, он и без того был самодостаточным.

     Юрий Семёнович Копылов сильный человек, у него было здоровое сердце и ясный ум. Страшная болезнь, которую он долгие годы преодолевал, не убила в нём человеческого духа, он продолжал думать о театре, он до конца оставался оптимистом, как подобает быть настоящему мужчине.

     Я никогда не переставал о нём думать и никогда его не забуду.

Лауреат Государственной премии РФ

Станислав Шавловский. 

Процитировав интересное сообщение gelanuk под названием:«Музыка, которая возбуждает мозг», я сознательно изменил название:

«О Моцарте потом поговорим отдельно» (для интереса посмотрите это сообщение).

Замечательная девушка gelanuk, искренне недоумевая, но справедливо  ответила мне: «Спасибо. Но, извините, конечно, заглавие немного меняет смысл моего сообщения. Я хотела говорить о Моцарте, и не отдельно, а именно, сейчас». Тут же  дал ответ: «Я сделал такое название, потому что готовлю большое сообщение о Моцарте. О гении композитора. Ваша статья становится хорошим началом. Спасибо!».

Наконец, сегодня, представляю Вашему вниманию первую часть «разговора» о Моцарте. Думаю, что это интересно.

Моцарт при жизни был признанным гением. Например, Великий Шекспир не знал, что такое гений, он считал себя  ремесленником и старался быть на высоте своих творческих возможностей. Шекспир умер в самом начале 17 века. В 16 веке ещё не знали такого понятия, как «гений». Вообще до 17 века ценился ремесленник, который, между прочим, считался выше его величества под названием «художник». Нам сегодня трудно представить, что Великий Тициан был просто напросто ремесленником. Понятие «художник» в прошлых веках не имело того большого значения, которое мы сегодня привыкли оценивать, как «заслуженный» или «народный».

С композиторами и с музыкантами происходит похожая история. Но «Гений Моцарта» поражает нас бесконечно.  Мы, как бы зная, что «гений» только от Бога пытаемся понять, в чём же заключается этот феномен и что порождает такое непревзойдённое творчество и почему действительно музыка Моцарта гениальна?

На первый взгляд, такой вопрос может показаться тривиальным или просто примитивным. Но есть ответ, который можно оспаривать, а для меня он, например, является существенным.

Я не музыковед и не историк. Поэтому обращаюсь к авторитетным деятелям. Они расскажут историю зарождения гения Моцарта.

Первая часть начнётся с Брижит Массен – французский  музыковед, писательница и журналистка. Совместно с Жаном Массеном подготовила исследование, посвящённое Моцарту (издано в Париже в 1958-1990 гг. Fayard, Paris). Редактор книги по истории западной музыки (1985, Fayard, Paris). Написала также монографию о Шуберте (1977, Fayard, Paris) и очерк об Оливье Мессиане (1990, Alinea, Paris). Брижит Массен–координатор французской программы, посвящённой двухсотлетию со дня смерти Моцарта.

Все труды будут публиковаться из прошлого века, сожалению нам сегодня не до «моцартов».

Тем не менее, эта тема нам интересна. Гении не рождаются случайно.

Эта информация с большим опозданием, но «лучше поздно, чем никогда».

Искренни сожалею о смерти рано ушедшего талантливого артиста театра и кино. Пусть светлая память останется о нём навсегда! 

Александр Романцов
23.02.1948-09.12.2005  

                                 Умер Александр Романцов

           Актёр театра и кино заслуженный артист России Александр Романцов скончался

на 58-м году жизни в Петербурге.
         Александр Романцов родился в Ленинграде. Окончил Ленинградский институт театра, музыки и кинематографии. Начинал свой творческий путь под руководством профессора Рубена Агамирзяна в театре имени Веры Комиссаржевской. Затем он работал в Малом драматическом, а с 1980 г. был творчески связан с Большим драматическим театром имени Георгия Товстоногова.
          Романцов играл в спектаклях "Кроткая", "Театр времён Нерона и Сенеки", "Визит старой дамы", "Пиквикский клуб", "Макбет", "Борис Годунов". Среди более двадцати его киноработ роли в фильмах "Агония", "Дублёр начинает действовать", "Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона", "Жизнь с идиотом", "Царская охота". Актёр играл как драматические, так и комедийные роли.
          Александр Романцов был активным участником театрального содружества "Четвёртая стена", созданного в Петербурге мастером жанра капустника Вадимом Жуком.
                     Похороны артиста пройдут 12 декабря на Северном кладбище.

© 2003-2010, Проект WMS.

http://proekt-wms.narod.ru/zvezd/romancov-new.htm

http://www.youtube.com/user/ryzhaya666#p/c/B841668EB1C61393

http://youtu.be/NcUu3AfdTFI

                                                             Жорж Барбье (Georges Barbier)

             (1882–1932)

Ар деко.

Экзотический и яркий, стиль Ар деко - самый загадочный стиль XX столетия. Зародившись из разных художественных течений, он мгновенно покорил весь мир.

С 1905 года движение авангарда появилось во всех частях Европы: фовизм и кубизм во Франции, футуризм в Италии, конструктивизм в России.

Появление нового силуэта костюма так же связано с приездом в Париж на гастроли балетной труппы

С. Дягилева. Благодаря «Русским Сезонам» французская мода развивается в направлении театральной экзотики балетов «Шахеризада», «Клеопатра», «Половецкие пляски». Модельеры разрабатывают костюмы по эскизам русского художника Л. Бакста. К началу 20-х годов Поль Пуаре, вдохновленный востоком, создает новые платья, напоминающие тунику. В течение целого десятилетия оставляя акцент на бедрах, которые украшаются поясами и вышивками. Роскошь вечерних нарядов подчеркивается мерцающими  тканями, экзотическими вышивками, жемчугом, металлическими нитями, блестками. Широко используется красота складок, драпировок, меха. Плоский, прямой силуэт платья является идеальным полотном для воплощения художественных мотивов: вышивок, аппликаций, геометрических рисунков.

http://belle-poque.ru/art_deko1

   Завершая третью часть о художнике Жоржа Барбье, хочется сказать кратко.

Несколько театральных работ;

Французский живописец, дизайнер, модельер и иллюстратор Жорж Барбье (Georges Barbier) (1882–1932) является одним из крупнейших графиков первой трети XX века и входит в число создателей стиля ар деко среди таких мастеров, как Леон Бакст, Поль Ириб, Жорж Лепап и Эрте, чьи работы превратили ар деко в респектабельный и образцовый стиль межвоенных десятилетий.