Хохломская роспись — традиционный народный промысел, имя которому дало село в Нижегородской губернии в 17 веке. Сюда из окрестных деревень свозили на продажу расписную деревянную посуду. Надо понимать, что крестьяне люди практичные, просто для красоты вряд ли покупали. Посуда, покрытая росписью, была более прочной, чем обычная деревянная, потому что мастера перед нанесением красок по-особому обрабатывали изделие. О технологии хохломской росписи рассказано в статье «Почему хохлома золотая?» Остаётся только удивляться тому, насколько богата фантазия народных художников. Казалось бы, только «травка», «пряник» и «кудрина» — основные типы рисунков, но какое разнообразие узоров! В этой статье фотографии изделий, выполненных на современном предприятии «Хохломская роспись» в городе Семёнове Нижегородской области. Рассматривая их, можно увидеть, как широк ассортимент, как постепенно он менялся, уходя от производства утилитарных изделий к декоративным, став со временем узнаваемым символом России.


Традиционная хохлома.

Художник Мишель Гарнье (Michel Garnier) родился в 1753 году в Сен-Клу, брал уроки живописи у Жана-Батиста Мари Пьера. С 1719 по 1814 года художник регулярно экспонировал свои работа на выставках Парижского Салона, был весьма популярным и востребованным, работал по заказам аристократии, при этом не пострадал во времена революции и продолжал работать. Искусствоведы называют Мишеля Гарнье одним из самых успешных живописцев «средней руки», который писал весьма интересные жанровые работы «наполненные» модным платьем, изысканным, детально прописанным, интерьером. Писал Michel Garnier, кроме жанровых полотен, портреты и натюрморты. Работал художник до самой своей смерти в 1819 году. Похоронен в Париже.

Михаил Сатаров (1963 год) родился и вырос в Москве. Здесь же он и получил образование, окончив Московский государственный академический художественный институт имени В.И. Сурикова. Сегодня его можно назвать живой легендой мирового искусства, признанного в качестве настоящего классика русской живописи. Михаил – наш современник. Но, несмотря на это, его картины можно встретить повсюду, что говорит о действительно колоссальном успехе и признании со стороны публики. Не обошли вниманием творчество Михаила и президенты Казахстана, России, Грузии, а также принц Альберт (Монако). В своей работе Михаил Сатаров придерживается собственного неповторимого художественно-образного языка, сочетая при этом разнообразные стили и направления живописи. Особое внимание стоит обратить на портреты этого художника. Манера их выполнения действительно уникальна. Как признается художник-виртуоз, успех картин – это, конечно же, труд живописца. Но эта составляющая равна 90%, а остальные 10% – это его талант.


В зимнем лесу.

Reddit-сообщество Embroidery — место для общения всех, кто увлекается вышивкой. Туда приходят и мастера 80 уровня, и те, кто делает самые первые шаги, но очень-очень хочет достичь большего. Коллекция лучших работ по-настоящему впечатляет!

Художник Махер Моркос (Maher Morcos) родился в феврале 1946 года в Каире (Египет). Мать будущего художника была египтянкой, а отец – итальянцем. Махер ещё враннем детстве увлёкся живописью и в возрасте 13 лет уже начал работать, как профессиональный художник – он продавал, и с большим успехом, свои акварели туристам. И это были не портреты самих туристов, а жанровые сценки из жизни египтян и туристов. В возрасте 14 лет Maher Morcos стал победителем национального конкурса, который организовало правительство Египта. И как победитель конкурса молодой художник получил от правительства заказ на иллюстрирование учебников для средней школы. В возрасте 15 лет Махер Моркос провёл свою первую персональную выставку в Каире. После окончания средней школы Махер хотел учиться живописи, но родители требовали от него идти в медицину или юриспруденцию. В результате жарких споров семья согласилась, что их сын будет архитектором. Maher Morcos выбрал архитектуру, как близкую к живописи профессию, да и родители были готовы поддержать сына-архитектора. С тех пор прошло много лет, и имя художника Maher Morcos известно далеко за пределами Египта. Художник не один десяток раз побеждал на европейских и американских конкурсах, был награждён медалями и дипломами, стал членом сообществ «Западное наследие» и «Западные художники Америки». Работы художника приобретают музеи и частные коллекции живописи по всему миру.

Александр Васильевич Маскаев родился в 1959 году. Закончил Тюменское художественное училище, факультет станковой живописи. Творческую деятельность начал в г. Нижневартовске, на протяжении многих лет участвуя в выставке "Художники Сибири" и занимаясь преподавательской работой. Член Союза Профессиональных художников России. Живет и работает в г. Луховицы Московской области. Сотрудничает со многими галереями Москвы и России. Работы автора находятся в частных коллекциях России, Японии, Италии, Германии и др. стран. Разработал авторское направление - сказки в живописи для детей и взрослых. Картины Александра с первых же минут вызывают по-настоящему добрую улыбку, именно поэтому их так приятно рассматривать вместе с детьми, погружаясь в волшебный мир сказки, где чудеса рождаются сами собой. А главным героем его работ является очаровательный кот Кузя, который умудряется завести дружбу не только с мышами, но и Бабой Ягой, домовым и даже лешим.

Предлагаю ненадолго вернуться в детство и представить, что у вас есть волшебные силы и супер способность - превращать автомобили в людей! Нейросетевых дел мастер Егор Фецич решил воплотить эту фантазию с помощью старой доброй Midjourney. И в итоге получился весьма забавный проект. Итак, давайте поглядим "лица" марок автомобилей.

Марк Китли (Mark Keathley) американский художник, родился 23 апреля 1963 года в Восточном Техасе. У его родителей была своя ферма, где Марк и провел все свое детство. Рисовать начал в 5 лет, после того как нашел на чердаке коробки с красками и кисточками. В 12 лет он написал свой первый пейзаж, по его воспоминаниям пейзаж был «слишком зелёный». В 15 лет ему подарили набор акриловых красок и подписку журнала о дикой природе. С тех пор он рисовал почти каждый день по 12-14 часов в сутки, 6 дней в неделю. В возрасте 20 лет он провел год в христианской миссии с родственниками в Южной Африке, где впервые начал успешно продавать свои работы. Он возвратился домой с решением стать профессиональным художником. Марк Китли получил множество наград, включая «Народную премию», которую получал дважды в Texas Ranger Hall of Fame Show в 1987 и 1988 году. Кроме того на его счету золотые и серебряные награды по акриловой и масляной живописи. И золотая награда за картину, которая теперь хранится в Музее Старого Запада в Шайенн, штат Вайоминг в 1991 году. Своими картинами художник показывает, насколько прекрасен наш мир, стоит только быть внимательными и отвлечься от ежедневной суеты. Его картины отличаются душевной теплотой, умиротворением, обилием естественных красок.

Современный американский художник Марка Ариана (Mark Arian) родился в 1947 году на западе Соединенных штатов. Рисовать начал еще детстве, копируя сначала рисунки из книг о животных, а затем и фотографии. Художественное образование Марк получил на Северо-западе штата Миссури в университете Марисвилл. В возрасте двадцати одного года Ариан взял на себя обязательство жить духовной жизнью монаха и в следующие восемнадцать лет все его художественные начинания были обусловлены духовностью, поскольку руководство монастыря предоставило ему возможности для углубленного изучения живописи и разрешило ездить по всему миру и уделять живописи много часов в день.

Наталья Ершова — современная художница из Москвы. Одним из основных ее направлений как раз таки и является пин-ап. И не простой, а в советском стиле. Она умело смогла соединить американский стиль с российскими реалиями. Pin-up - вид изобразительного искусства, появившийся в Соединенных штатах Америки в далеком 19 веке, нашей эры естественно) С английского языка переводится как "прикалывать" (прикреплять к чему-либо). Особой популярностью эти изображения пользовались у военных, особенно водителей, которые прикрепляли карточки с девушками в кабинах своих грузовиков. Наталья рисует на заказ советские сюжеты для рекламы и календарей крупных компаний, рисует открытки и рисует просто для души. Она смешивает американское искусство и советские агитационные плакаты, создавая сюжеты из истории СССР.

Мария Илиева родилась в 1973 году в Софии, Болгария. В 1991 году окончила Национальную школу изящных искусств, а в 1997 году -Национальную академию изобразительных искусств в Софии. Живопись специальности Mural. С 1997 года является членом Ассоциации болгарских художников. Мария работает в жанре фрески, портретной живописи, натюрморта, иллюстраций. Ее работы являются собственностью частных коллекций в Германии, Великобритании,Франции, России и США.

Художница Maria Zeldis. Ей 55 лет Помимо художественного таланта, есть в ней еще талант и музыкальный. Они пианистка. Сестра-близнец Марии — художница, иконописец, пребывает монахиней во Фроловском монастыре в Киеве. Мария и ее муж уже около 20 лет в Мексике. Увозили от Чернобыля подальше своего малыша. Уехали случайно, по туристической визе, когда получили места в Симфоническом Оркестре Штата Мехико. Муж у Марии скрипач, он ученик её отца. Жизнь сложилась так, что в 18 лет сына пришлось отправить в США, а далее он перебрался в еще более далекую Канаду. Это было связано с повышенной криминальной обстановкой в Мексике. Мария очень тоскует по сыну, но рада за его безопасность. Мария принадлежит к тому немногочисленному количеству людей, которые если начинают, то доводят дело до соответствующего результата, и как можно быстрее. По этой причине она выбрала графику. И, бывает, настолько увлекается творчеством, что напрочь забывает о времени. Мария не собиралась показываться в сети, но друзья ее сына несколько лет назад подарили ей страницу в Девиантарте (сайт) на 8 марта. С той поры рисунки там постоянно добавляются. В самой Мексике Maria Zeldis знают: покупают работы в музеи, проводятся персональные выставки. Мария говорит об этом, что сама ничего не предпринимает, и все эти выставочное устройство и продажи «падают на нее с неба». Работы Maria Zeldis насыщены чувствами, они живут своей жизнью, дышат. От изображенных на рисунках людей невозможно оторвать взгляд, они очень красивы и притягательны в своей индивидуальности.

Carl Olof Larsson родился в январе 1853 года в Стокгольме, в чрезвычайно бедной семье – мать была прачкой, а отец разнорабочим. Когда Карлу было 13 лет, учитель школы для бедных убедил родителей будущего художника отдать мальчика в школу при Стокгольмской Академии Искусств. Карл Ларссон учился в школе и подрабатывал ретушёром фотографии, а очень скоро столичные газеты начали публиковать графику и карикатуры начинающего художника. В 1877 году Ларссон посетил Париж, но совсем не заинтересовался модным в ту пору импрессионизмом и увлёкся акварельной живописью. В Париже художник женился и после возвращения на родину семья поселилась в окрестностях небольшого городка Сундборна, который расположен к северу от Стокгольма. Жизнь в собственном доме с любимой женой и детьми (у супругов было 8 детей), на природе – всё это стало нескончаемым источником вдохновения для Карла. Умер художник в январе 1919 года. Сегодня Carl Olof Larsson признан на родине выдающимся художником, основоположником интерьера в скандинавском стиле. Оказывается, до того, как художник начал писать свои картины, не существовало даже такого понятия, как скандинавский интерьер. И только интерьерные картины художника показали миру, что стиль-то оказывается есть. И то, что скандинавский стиль – это красиво.


Ворота в дом.

Канадский скульптор Дебра Бернье (Debra Bernier) использует коряги для создания оригинальных скульптур. Чтобы разнообразить свои творения, Дебра также задействует и другие материалы: раковины моллюсков, кварцевые кристаллы, краски и глину. «Каждая коряга имеет свою историю», — пишет мастер. Она просто отрезает все лишнее, что прячет эту историю и показывает миру скрытое. Нередко художница вырезает очень тонкие хрупкие детали из грубых коряг, полностью преображая их первоначальный вид. Хрупкие створки ракушек, крылья за спиной, спутанные волосы — скульптуры Дебры Бернье имеют свой стиль, и, безусловно, душу. Свои работы Дебра Бернье (Debra Bernier) называет «скульптурами духов», подразумевая духов природы. У них часто человеческие лица, но тела их навсегда соединены с деревом, таким образом объединяя природу, людей и сверхъестественное. Большинство её работ сохраняют органическую форму материала, где человеческие и природные образы сливаются в единое целое, подчёркивая гармонию человека и природы.

Известный художник-анималист Алексей Никанорович Комаров родился 14 октября 1879 г. в с. Скородное Ефремовского уезда Тульской губернии. Он был внебрачным сыном помещика П.Ф. Розетти и его экономки, крестьянки Д.К. Иншаковой. Воспитывался сестрами отца, своими тетями Екатериной Феликсовной, Дарьей Феликсовной и Маргаритой Феликсовной. Детство Комарова прошло сначала в имении в деревне, а когда он подрос и пришло время учиться, тети вместе с ним переехали в Тулу, где сняли квартиру сначала на Павшинской, а затем на Рубцовской улице. Учился в Туле в частной школе А.Н. Конопацкого и реальном училище, затем в Москве в Училище живописи, ваяния и зодчества. А.Н. Комаров много работал, участвовал в выставках, иллюстрировал журналы и книги, выполнял различные заказы. Он много путешествовал. Посетил Швецию. Был на севере в Архангельской губернии, на Урале, в Астраханских степях, в Средней Азии, на Алтае. Картины А.Н. Комарова украшают экспозиции и хранятся в фондах Государственного биологического музея им. К.А. Тимирязева, Государственного Дарвинского музея, Зоологического музея МГУ, Музея коневодства, Литературного музея и других музеев страны. Алексей Никанорович иллюстрировал своими рисунками детские книги и журналы, в частности "Мурзилку", научные издания, например, книгу профессора В.Н. Шнитникова "3вери и птицы нашей страны", "Атлас промысловых зверей и птиц" и другие. А по учебникам, которые он иллюстрировал, учились миллионы детей. С его рисунками выходили открытки, конверты и марки, репродукции его картин печатались в газетах и журналах. В своих работах А.Н. Комаров достиг высокого мастерства, создав художественные произведения непреходящей ценности. Ему было присвоено почетное звание "Заслуженный деятель искусств РСФСР". А.Н. Комаров умер 31 марта 1977 г., похоронен в поселке Пески Коломенского района Московской области.