igorinna (АРТ_АРТель) все записи автора Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора

Антонис ван Дейк "Амур и Психея" 1638

Картина «Амур и Психея» была создана во время проживания Антониса ван Дейка в Лондоне, в который он перебрался еще в 1632 году. Написанная в 1638 году, она относиться к последним работам художника перед смертью (1641). Сюжет был выбран из древнегреческого романа об «Амуре и Психее».
На полотне автор отобразил сцену, когда после долгой разлуки Амур находит Психею спящую вечным сном.


Г.Р. Державин

Амуру вздумалось Псишею,
Резвяся, поимать,
Опутаться цветами с нею
И узел завязать.
Прекрасна пленница краснеет
И рвется от него,
А он как будто бы робеет
От случая сего.
Она зовет своих подружек,
Чтоб узел развязать,
И он — своих крылатых служек,
Чтоб помочь им подать.
Приятность, младость к ним стремятся
И им служить хотят;
Но узники не суетятся,
Как вкопаны стоят.
Ни крылышком Амур не тронет,
Ни луком, ни стрелой;
Псишея не бежит, не стонет, —
Свились, как лист с травой.
Так будь чета век нераздельна,
Согласием дыша:
Та цепь тверда, где сопряженна
С любовию душа.

Стихотворения, написанное Державиным после обручения Великого князя Александра Павловича
и Великой княжны Елизаветы Алексеевны.



Franois Edouard Picot (1786 -1868) "Amor and Psyche" 1819

(источник текста: http://empress-elisa.livejournal.com/7510.html )

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора С 11 ноября 2016 года по 11 марта 2017 в Главном штабе (4 этаж) представлена выставка
«Джованни Больдини. Художник Belle Èpoque»,
организованная Государственным Эрмитажем совместно с Министерством культурного наследия и туризма Италии.



"Автопортрет" 1892 Галереи Уффици, Флоренция


Это первый большой показ в России работ прославленного итальянского портретиста Джованни Больдини (1842–1931),
создавшего галерею блестящих образов звезд парижской светской и интеллектуальной жизни Прекрасной эпохи.

После смерти в 1931 году Дж. Больдини оказался почти забыт, как и многие персонажи его блистательного, но сделавшегося к тому времени уже легендарным, времени. В новом столетии вновь возник интерес к искусству художников конца XIX – начала XX века, которые стояли в стороне от радикальных поисков авангардистов. Выставка произведений Джованни Больдини и его круга в Эрмитаже знаменует один из этапов «возвращения» к зрителю творчества мастера, которое обретает ценность как уникальное художественное свидетельство Belle Èpoque, им воспетой.

Экспозиция объединила произведения из семи музеев Италии, включая флорентийские Галереи Уффици, Галерею современного искусства Рима, музеи Пармы, Барлетты, Павии и Тревизо. В основу ретроспективы легла коллекция Музея Джованни Больдини в Ферраре, крупнейшего публичного собрания живописца, уникального по составу: прежде всего, это произведения из мастерской художника, которые он не предполагал предъявлять публике, своего рода «тайная лаборатория», где он свободно экспериментировал в разных жанрах и техниках. Включение в состав выставки ранних работ, а также показ знаменитых, виртуозно исполненных, светских портретов, позволило раскрыть Больдини как тонкого живописца, восприимчивого к искусству старых и новых мастеров, не останавливавшегося в своих поисках даже в преклонном возрасте.

Прижизненная слава художника была столь велика, что в 1892 году, по просьбе директора Галереи Уффици, он написал свой портрет для знаменитого Коридора Вазари, где помещены автопортреты известных живописцев начиная с эпохи Возрождения. Эта работа, а также бронзовый портрет художника исполненный Винченцо Джемито открывают выставку.
Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора
Юбилей удивительного и непостижимого Михаила Врубеля — 160 лет со дня рождения, отмечали 17 марта 2016 года.

Какие крылья унесли его дух 14 апреля 1910-го? Белые или черные? Сказочно-мистический мир Врубеля, его чувственная эстетика завораживали, притягивали и… отталкивали современников. Его творчество, его дух остаются загадкой — болезненное или гениальное сознание вело этого художника?

Даже когда он обращался к темам русского эпоса или библейским образам, даже в пейзажах и натюрмортах сквозила излишня страстность, буйность — вольность, опровергающая устоявшиеся каноны. Что уж говорить о демонах и духах!


В душе этого невысокого человека с внешностью венецианца «с картины Тинторетто или Тициана» жила постоянная неутоленность миром здешним и тоска по миру иному. Вот, наверное, почему тема Демона стала главной в его творчестве, даже тогда, когда он этого еще не осознавал.













Демон первый. «Оттуда не возвращаются»

Может ли ребенок, потерявший мать, встретиться с ней? Да, Сереже Каренину повезло: однажды, когда он спал, мать прорвалась в детскую и подхватила сына на руки, впиваясь в него взглядом — прощаясь навсегда.
Часто ли представлял себе встречу с матерью Миша Врубель? Мать умерла, когда ему было три года, а через несколько лет покинули этот мир сестра и брат. Осталась только Анна — старшая сестра, самый близкий человек на всю жизнь.




Анна Каренина — первая демоническая женщина в творчестве Врубеля. Брошенные в порыве зонтик и перчатки. Страстность и трагичность.
Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора

Глава из воспоминаний Надежды Яковлевны Мандельштам - "Вторая книга"

Ольга Глебова-Судейкина

В первой квартире Ахматовой, где я была, стояло множество фарфоровых статуэток. Моя фаянсовая душа их не выносит. Они кажутся мне принадлежностью педерастивного уюта. По-том фигурок не стало - Ольга Глебова-Судейкина распродала их, чтобы раздобыть деньги на отъезд. У Ахматовой осталось лишь несколько увечных фаянсовых штук, и они прожили с ней всю жизнь в застекленной горке. На Неве вся стена была увешана иконами из собрания Судейкина. Они потом лежали в сундучке, и ими завладела Ира Пунина.

В первый раз мы шли к Ахматовой пешком. Мандельштам топорщился. Как я лелею обиду за путаницу с "первым посвящением", так он продолжал злиться на Ахматову за старое предло-жение пореже бывать у нее: "ахматовские штучки". Игра в уклончивость и с женщинами, и особенно с мужчинами, будто все потенциальные влюбленные, которых надо держать на расстоянии, действительно была нелепой и внезапно сменяла приветливость и прелестную дружбу, в которой Ахматова была непревзойденным мастером. Вторая причина, почему Мандельштам побаивался встречи, - два выступления в печати ("Русское искусство"), где мельком говори-лось об Ахматовой. Слова о столпничестве на паркетине - просто грубый выпад, в котором Мандельштам потом очень раскаивался. Третья причина тревоги - он боялся, как встретит меня Ахматова. Незадолго до этого он водил меня к Цветаевой и обиделся на то, что она огрела меня, как могла: "С этими дикими женщинами никогда не знаешь, чего ждать..."

Опасения оказались напрасными - Ахматова выбежала в переднюю, искренно обрадованная гостям. Я запомнила слова: "Покажите мне свою Надю. Я давно про нее слышала..." Мы пили чай, и Мандельштам окончательно оттаял. Они говорили о Гумилеве, и она рассказывала, будто нашли место, где его похоронили (вернее бы сказать - закопали). И еще про Оцупа, Горького и записку Гумилева, полученную женой. Оба называли Гумилева Колей и говорили про его гибель как об общем личном несчастье. По имени они называли друг друга только за глаза. Встретились они очень молодыми, но величали друг друга по отчеству. Еще в моем поколении люди рано обретали отчество, и это хорошо звучало. Сейчас отчество как будто отсыхает. Потом Ахматова спросила Мандельштама про стихи и сказала: "Читайте вы первый - я люблю ваши стихи больше, чем вы мои". Вот они - "ахматовские уколы": чуть-чуть кольнуть, чтобы все стало на место. Это был единственный намек на статьи Мандельштама. Он долго читал стихи, и я почувствовала ее отношение к ним. Одним я могу похвастаться - я всегда умела спокойно молчать и не самоутверждаться, как многие жены, непрерывно влезая в разговор. Честно говоря, я считаю это большим достоинством. Почему мне не дали за это премии?

Во второй раз, на Неве, Мандельштам опять читал стихи, "отчитывался за истекший период", как они говорили. Тогда он прочел "1 января" и рассказал про "низко кланяюсь"... Это задело его больше, чем он показал Шилейке. "За истекший период" больше ничего не было, потому что "современника" он вытащил из небытия гораздо позже. Дважды они друг другу стихов не читали, так как запоминали их с первого чтения.
Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора Ироничный петербургский художник Вася Ложкин




"Берлога"


Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора
Pompeo Girolamo Batoni
(1708-1787)

В творчестве итальянского художника XVIII века Помпео Джироламо Батони (1708-1787) на редкость органично слились различные стилевые тенденции и направления эпохи: еще не изжитые, порою едва заметные, отголоски позднего барокко, легкие игривые формы рококо, веяния нового течения - неоклассицизма, основные эстетические принципы которого были провозглашены в 1763 году немецким ученым, жившим в Риме, Иоганном Иоахимом Винкельманом. Все это вместе придало искусству Батони своеобразие, но одновременно явилось причиной Некоторой расплывчатости и вялости стиля.
Батони родился в Лукке, в семье золотых дел мастера и первые художественные навыки получил у своего отца. Возможно, именно уроки отцовского ремесла сказались в столь последовательной приверженности Батони к ювелирной отточенности и изяществу формы. Девятнадцатилетним юношей Батони переезжает в Рим и остается здесь до конца своей жизни. Вначале, на очень короткий срок, он становится учеником Агостино Мазуччи и Себастьяно Конка. Но вскоре Батони встает на путь самостоятельных занятий, пристально изучая и копируя картины Рафаэля и Аннибале Карраччи, а также неустанно зарисовывая античные статуи, наполнявшие тогдашний Рим. Эти рисунки стали хорошей школой для мастера. Уже к началу 1730-х годов относятся первые произведения и в общих чертах оформляется стиль Батони, который на протяжении последующих десятилетий лишь так или иначе модифицировался в соответствии с изменением художественных привязанностей мастера.
Судьба Батони сложилась удачно. Успех сопутствовал ему в Риме. Он не имел недостатка в заказах на алтарные образы и аллегорические картины. Слава портретиста привлекала в его мастерскую высшую аристократическую знать. Искусство Батони не знало конфликтов с общественным вкусом и находило неизменное признание у современников.
Помпео Батони не был мастером-монументалистом. Основное его призвание - небольшие алтарные образы, картины на мифологические и аллегорические темы и портреты. Его кисти принадлежат такие произведения, как "Падение Симона-мага" (Церковь Санта Мария дельи Анджели в Риме), "Ахилл среди дочерей Ликомеда" (Флоренция, Уффици), "Возвращение блудного сына" (Турин), "Кающаяся Магдалина" (Дрезденская картинная галерея), "Святое семейство", "Геркулес на распутье", "Великодушие Сципиона Африканского" (Государственный Эрмитаж), портреты императора Иосифа II и его брата Леопольда Тосканского (Вена, Художественно-исторический музей), Джона Стейпла (собрание Систиери, Рим) и другие.
В его ранних работах сказались традиции барокко, отразившиеся в перегруженности композиции, в беспокойном ритме форм и цветовых контрастов ("Падение Симона-мага"). Однако изучение Рафаэля и идеи неоклассицизма вскоре изменили его творчество. Все чаще художник стал обращаться к сюжетам с аллегорическим подтекстом, в которых немаловажное значение приобретает идея доблести, победы долга над личными привязанностями. Меняется и формальный строй его работ. Художественный язык становится ясным, строгим, форма обозримой, классические мотивы легко узнаются в позах, в трактовке лиц, рисунке обнаженных тел. В композиционных решениях рассудочный, рациональный характер получает преимущество над эмоционально-непосредственным выражением. Однако неоклассицистический строй его работ нередко носит поверхностный характер, классические элементы стиля порою облегчаются легкой игривой линией, невесомостью и изяществом формы, сглаженной, почти миниатюрной манерой письма.
К характерным работам мастера относится его картина "Геркулес на распутье между Добродетелью и Пороком" (Государственный Эрмитаж). К этому сюжету Батони обращался уже в своем раннем творчестве. В эрмитажном полотне замысел художника прозвучал более отчетливо, хотя и здесь авторская позиция выражена недостаточно ясно. Художник изобразил Геракла, находящегося в глубоком раздумье, выбирающего между долгом, представленным в образе мужественной Афины, и наслаждением, воплощенным фигурой Афродиты. Художник объединяет в единую группу Геракла и Афродиту, заключая их фигуры в классический треугольник, вертикаль же стоящей слева Афины противопоставлена им. Сцена изображена на фоне условного пейзажа с легкими контурами виднеющегося вдали античного храма и классического фонтана. Память о величии и достоинстве искусства Рафаэля сочетается здесь с чисто рокайльной игривостью складок одежд Афродиты, трактовки ее фигуры.
В искусстве Батони не могли не сказаться и реалистические тенденции, характерные для итальянской живописи XVIII века. Но и в этом аспекте позиция художника оставалась двойственной, нередко в одном произведении проявлялись весьма разнородные симпатии мастера. Например, в "Святом семействе" (Государственный Эрмитаж) композиция делится на две стилистически различные части. Группа Богоматери с младенцем Христом на руках и с Иоанном Крестителем, помещенная слева, изображена в условном неоклассическом духе. Иосиф, на мгновение оторвавшийся от чтения книги, чтобы взглянуть на играющего Христа, и протягивающая к младенцу руки святая Анна, данные слева, изображены как конкретные персонажи, с простонародными чертами лиц.
Наиболее цельное и полное выражение реалистические тенденции искусства Батони нашли в портретном жанре, где живопись всегда следует за действительностью. Лучшие портреты кисти Батони написаны серьезно, вдумчиво, с глубоким проникновением в характер изображаемого человека. Батони стоит у истоков парадного репрезентативного неоклассического портрета. Его модели обычно расположены на фоне античных ваз, саркофагов, статуй, колонн, хотя в ранних работах преобладает нейтральный фон. Чаще всего художник писал знатных лиц. Несмотря на яркость психологической характеристики портретируемых, им всегда присуще и нечто общее: аристократическое достоинство, эмоциональность, но вместе с тем и особое, "размышляющее" состояние.
К одной из лучших портретных работ раннего периода творчества Батони относится портрет кардинала Колонна ди Шарра, написанный около 1750 года. Величественная, полная достоинства фигура кардинала четким силуэтом вырисовывается на темном, почти нейтральном фоне. Художнику удалось соблюсти меру между подробностью прорисовки деталей одежды, рук, костюма и классической ясностью, лаконизмом художественного языка. Индивидуальная характеристика сочетается с классицизирующим идеалом, словно накладывающимся на живую натуру, нейтрализующим ее случайные проявления. Этот метод "пропускания" живого восприятия действительности сквозь призму идеала характерен не только для искусства Батони-портретиста, но и для его творчества в целом и знаменует начало нового направления европейского стиля - классицизма конца XVIII столетия.




"Святое семейство со св.Елизаветой и Иоанном Крестителем" 1777, Эрмитаж
Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора

Хулио Ромеро де Торрес (исп. Julio Romero de Torres, 9 ноября 1874, Кордова — 10 мая 1930, Кордова) — испанский художник эпохи реализма, сын известного испанского художника Рафаэля Ромеро Барроса, основателя и директора Провинциального музея изящных искусств Кордовы. Большую часть своей жизни провел в Кордове. По настоянию отца с 10 лет учился в Школе искусств, где изучил основные направления живописи. В 1906 году Хулио Ромеро де Торрес отправился в Мадрид для продолжения учебы. Оба эти места нашли наибольшее отражение в его картинах.




"Samaritana" 1920
Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора
Андерс Леонард Цорн (Zorn) (1860-1920), шведский живописец, график и скульптор.


Цорн родился в Далекарлии – области на севере Швеции, в наибольшей степени сохранившей традиционный жизненный уклад и живописные старинные обряды. Андерс Цорн учился в художественной школе в 1875-1877 годах, а в 1877 году поступил в Королевскую Академию художеств в Стокгольме. Первое время Цорн занимался скульптурой, а затем начал изучать живопись. С 1880 года мастер начал участвовать в официальных выставках и приобрел широкую известность как блестящий портретист.
В 1882 -1885 работал в Великобритании, в 1888-1896 - во Франции в Париже, посещал Италию, Испанию, Россию, США. Примерно в это же время художник увлекся техникой офорта и началу 1890-х годов стал одним из ведущих европейских граверов. В 1881 году Цорн покинул Академию и уехал в Испанию, а затем в Англию. В этот период Цорн работает как акварелист. Поселившись в Париже (1888–1896), он обратился к масляной живописи, его живописные портреты имели огромный успех.
Перед тем как обосноваться во французской столице, Цорн много путешествовал по Европе, был в Турции, Алжире и Америке (1893), которую в течение своей жизни посетил пять раз. В 1897 году по приглашению Сергея Дягилева ездил в Финляндию и Россию. В 1896 году художник переехал в Швецию, построил дом в Муре – своей родной деревушке. С этого времени особое место в его творчестве занимают сцены из жизни далекарлийских крестьян, изображение сельских праздников и танцев.


Испытав влияние импрессионизма, Цорн работал в свободной и виртуозной, почти эскизной манере, сочно и смело лепя формы широким мазком (“Танец в Иванову ночь”, 1897; “Тост”, 1897; “Девушки в бане”, 1906, - все в Национальном музее, Стокгольм).
Индивидуальность модели, своеобразие мимики, жеста, мимолетного выражения лица остро схвачены в портретах Цорна (портрет С. И. Мамонтова, 1896, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), богатой игрой света и тени отличаются его многочисленные офорты (“Омнибус”, 1891; “Мадонна”, 1900). Мягкая обобщенность пластической формы свойственна исполненным Цорном бронзовым статуэткам.

***
Для меня Цорн великолепный портретист и мастер тончайших цветовых сочетаний.
Назвал бы его шведским Валентином Серовым. Такое же мастерство и проникновение в психологию людей и разнообразие образов.





Акварель "Река под старым каменным мостом" 1884
Читать далее...

Ostreuss (АРТ_АРТель) все записи автора

 

 

Если бы в Вики была такая статья, её бы иллюстрировало бытие Корнелиса ле Майра (Cornelis le Mair).

Мне кажется, это художник. Точно, художник. Кажется, это голландец. Я не стал искать, кем, что, почему. Ещё испорчу впечатление. И Вам не советую.

Сказочная жизнь Корнелиса ле Майра

igorinna (АРТ_АРТель) все записи автора Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора
"Задача художника — приоткрыть завесу тайны, позвать зрителя за собой в длинный духовный путь возрождения через настоящую красоту и гармонию окружающего мира…"

Александр Борисович Маранов родился в 1962 году в Ташкенте, Узбекистан.
В 1981 году он окончил Ташкентское художественное училище имени П.П. Бенькова, а в 1987 – Ташкентский государственный театрально-художественный институт имени А.Н. Островского. В наcтоящее время А. Маранов – член Союза художников Узбекистана и Международной федерации художников при ЮНЕСКО.

Ранние работы художника были выполнены в традиции реалистического живописного искусства. После 1992 года, когда он приехал из Ташкента в Москву, начала формироваться его новая, уникальная живописная манера, которая до сих пор не обрела своего названия. Его работы иногда называют картинами-видениями, а их автора причисляют к художникам-космистам.
Работы находятся в музее Н.К. Рериха (г. Москва), музее Востока (г. Ташкент), Академии художеств (г. Ташкент), корпоративных и частных коллекциях в России, США, Германии, Испании, Хорватии, Франции, Швейцарии, Италии.
Сайт художника: http://www.maranov.ru

В ярком творчестве Александра Маранова вижу его предтечами Врубеля, Филонова и Чюрлёниса .


Графика




"Томный взгляд"
Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора

Тинторетто (Якопо Робусти) / Tintoretto (Jacopo Robusti)

1518 – 1594

"Автопортрет" 1588 Лувр, Париж


Giovanni Croce / Джованни Кроче (1557 - 1609) - Ecco a tre voci

Итальянский живописец; наряду с Джорджоне, Тицианом и Веронезе один из величайших венецианских мастеров эпохи Возрождения. Родился в Венеции осенью 1518. Его настоящее имя – Якопо Робусти (Jacopo Robusti). Считается, что он учился у Тициана. Успех пришел к Тинторетто в 1548, и с этого времени до самой смерти в 1594 он вел спокойную, но деятельную жизнь в Венеции, работая над украшением церквей и государственных зданий.
В самом начале своей творческой деятельности Тинторетто написал ряд портретов венецианцев. Первые из них еще напоминают по манере исполнения произведения Тициана; работы зрелого периода выполнены в более оригинальном стиле. Некоторые исследователи считают портреты лучшими творениями Тинторетто.
В 1562 художник создал еще три картины для Скуола ди Сан Марко. На полотне Обретение тела св. Марка (Милан, галерея Брера) изображены три благочестивых венецианца, которые обнаружили тело св. Марка и перевезли его из Александрии, чтобы спасти от сожжения язычниками. В полутемном коридоре, уставленном гробами, св. Марк появляется над своими мощами, чтобы указать место их погребения. Цвет приглушен и подчинен мистическому свету, который едва касается краев предметов фосфоресцирующими отблесками.
В 1564 проходил конкурс на украшение здания Скуола ди Сан Рокко, на который художники должны были представить предварительные наброски. Тинторетто выиграл конкурс, показав на нем законченную живописную композицию.
Тинторетто был не только автором интерпретаций христианской истории, но и декоратором. В картине Происхождение Млечного Пути (Лондон, Национальная галерея), созданной после 1570, он использовал космогоническую легенду как повод для изображения контраста нежной мягкой плоти и тяжелых одежд.
Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора


Роза Тамаркина – Шуберт - Экспромт ор.90 №2



Роза Тамаркина родилась 23 марта 1920 года в Киеве, в семье рабочих. Ее мать – Анна Львовна – обладала музыкальным слухом и хорошо пела. Роза была младшим ребенком в семье и с ранних лет проявляла впечатляющие способности к музыке. В 1925 году в возрасте пяти лет Роза поступила в школу 1-й ступени Киевской консерватории в класс Надежды Марковны Гольденберг.
В 1930 году при Московской консерватории по инициативе выдающегося педагога и музыканта Александра Борисовича Гольденвейзера была создана специальная группа для одаренных детей, которая позднее превратилась в Центральную музыкальную школу-десятилетку. В эту группу была принята и юная Роза Тамаркина – в класс А.Д. Артоболевской. А Гольденвейзер на долгие годы стал ее наставником, преподавателем и другом. Именно у него Роза Тамаркина закончила Московскую консерваторию.
Алексей Панов: «Это сотрудничество было поистине уникальным. Надо сказать, что Гольденвейзер заведомо не воспринимал вундеркиндство как таковое. В своих учениках он хотел видеть прежде всего музыкантов – поэтому к каждому подходил индивидуально, пытаясь найти и раскрыть сильные стороны каждого из воспитанников. Роза Тамаркина была одной из лучших его учениц. Впоследствии он вспоминал о ней:
“Заниматься с Розой было большой художественной радостью. Она учила все легко и быстро, налету схватывала все указания и своей обаятельной артистической индивидуальности. В игре Тамаркиной гармонично сочетались естественность и простота замысла, безукоризненная техническая отделка, безупречный вкус и то свойство, которым обладают только особенно одаренные натуры: способность одинаково неотразимо воздействовать на широкого слушателя и на слушателя высококвалифицированного".
Многие из близких друзей и исследователей творчества Розы Тамаркиной отмечали, что в ней как будто существовало два человека: первый – это ребенок, который мыслит, фантазирует и все время ищет в музыке нечто глубокое и серьезное, а второй – гармоничная артистическая натура – человек веселый и радостный, любящий жизнь и людей. Неудивительно, что и в музыке ей особенно близка была лирико-романтическая культура…»

*****
«Русская пианистка Роза Тамаркина умерла в 1950 году от рака в возрасте 30 лет, оставив после себя небольшой, но замечательный набор записей, впервые доступный теперь на компакт-дисках.
Стивен Вайглер с удовольствием пользуется возможностью оценить ее жизнь и произведения.

СМУТНЫЙ ОБЪЕКТ ЖЕЛАНИЯ

Будучи подростком в Нью-Йорке в конце 50-х, начале 60-х годов, я глубоко заинтересовался пианистами – особенно из бывшего Советского Союза. Частью того, что воспламеняло мой интерес было возбуждение от прослушивания первых русских музыкантов, дававших в Соединенных Штатах со времени последнего визита Прокофьева в 1938 году. Я также постоянно читал статьи Яна Холкмана в «Saturday Review». Холкман (1922-1963), пианист-учитель-ученый польского происхождения, знал о русских пианистах из первых рук; более года, с начала 1940 до лета 1941 (когда нашествие нацистской Германии втянуло Советский Союз во Втору мировую войну), он провел в Московской консерватории в качестве студента. Холкман научил меня тому, что в области игры на фортепьяно существовали не только Рихтер, Гилельс и Ашкенази. Он поведал мне о великих личностях, таких как Яков Флиер и Григорий Гинзбург, и так начались мои усилия длиною в жизнь собрать часто труднодоступные записи вдохновляющих русских музыкантов.
Читать далее...

klassika (АРТ_АРТель) все записи автора


*Великие - в душе ведь тоже дети - седые классики, застывшие в портрете.
Огонь их чувств вулканом дивных писем - через года живой их голос слышен!
Доступен сердцу их священный прах- бессмертием, запечатлённым в письменах.
Джек Лондон, Роберт Шуберт, Мандельштам- какие женщины к родным устам
с любовию когда-то припадали, какие помыслы и дали открывали...
Из писем - и в себе доступнее понять - как и великие могли любить, страдать...
Кто лучше их мог чувства передать в стихах, скульптуре и волшебных звуках,
чтоб и потомки чувства пронесли в неповторимых радостях и муках....
И пусть ушедшие вновь в письмах оживут - ведь чувства вечны - и "сраму не имут!"*

Франц Шуберт

The Letter Auguste Toulmouche
«Любовь сильнее смерти и страха смерти; только ею, только любовью держится и движется жизнь» (Иван Тургенев).

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора Сегодня пост о самом любимом испанском художнике, греке по происхождению, Доменико Теотокопулосе. Великом неповторимом Эль Греко, уроженце острова Крит,
( родился в Ираклионе в 1541 году) - художнике эпохи Позднего Возрождения.
Эль Греко прожил почти сорок лет в Испании, где нашёл вторую родину. Его картины, написанные почти исключительно на религиозные темы, не похожи на традиционные произведения церковного искусства, в персонажах нарушена привычная гармония черт. Не существует достоверных портретов Эль Греко, хотя его собственные изображения нередко присутствуют в сюжетных композициях. Так же можно только догадываться каковы были черты дорогих ему людей: сына Хорхе Мануэля, матерью которого была молодая аристократка Херонима де Куэвас.

Эль Греко не имел последователей- современников, и его гений был заново открыт почти через 300 лет после его смерти (Умер Эль Греко в 1614 году) — мастер занял почётное место в ряду важнейших представителей европейского маньеризма.


Одна из самых любимых картин Эль Греко - пейзаж "Вид Толедо" 1604-1614


Живопись Эль Греко

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора

"In the Venusberg Tannhause" / "Тангейзер в храме Венеры" 1901

Джон Кольер (англ. John Maler Collier) (27 января 1850 — 11 апреля 1934) — английский живописец, один из представителей Братства прерафаэлитов.

Художник родился 27 января 1850 года в семье сэра Роберта Кольера, первого барона Монксуэлла, который был известным и уважаемым судьей, а в свободное время увлекался живописью. Джон был младшим сыном, поэтому титул унаследовал его старший брат Роберт.
Джон Кольер получил престижное образование в Итоне и Гейдельбергском университете.

Поощряемый отцом, он обучался живописи в лондонской Школе Слэйда у Эдварда Пойнтера, позднее – в Париже в мастерской Жана-Поля Лоренса и Мюнхене.
Однако чаще всего его упоминают, как одного из самых талантливых учеников Альма-Тадемы. Джон учился живописи в Мюнхенской академии, куда поступил 14 апреля 1875 года в возрасте 25 лет.




В 1879 году Кольер породнился со знаменитым английским зоологом Томасом Генри Хаксли (за свои яркие выступления в защиту теории Дарвина Хаскли заработал прозвище «Бульдог Дарвина»), женившись на его дочери Мэриан. Девушка также имела способности к живописи и писала портреты детей , её кисти принадлежит портрет своего знаменитого мужа. Она также училась в Школе Слэйда и участвовала в выставках Королевской Академии.


Marion Collier "Портрет Джона Кольера"
Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора
Франческо Хайес (Hayez), (1791-1882), итальянский живописец, один из ведущих художников романтизма середины XIX столетия, известный своими историческими картинами, политическими аллегориями и прекрасными портретами.
С детства Хайес хорошо рисовал, поэтому его дядя отдал его учеником к художественному реставратору. Позже он стал учеником живописца Франческо Могиотто, с которым пробыл три года. В 1809 году Хайес выиграл конкурс, устроенный Венецинской Академией, после чего в течение года учился в Академии Сан Лука в Риме. Он оставался в Риме до 1814 года, а затем переехал в Неаполь, где по заданию Иоахима Мюрата создал свою главную работу — картину «Одиссей во дворце Алкиноя».
Позднее Хайес отправился в Милан. Там он долгое время преподавал искусство живописи в Академии Брера. В 1860 году на стал директором этой Академии. В настоящее время Пинакотека Брера имеет наиболее полное собрание его работ.
Работал Хайес в основном с религиозными, историческими и мифологическими сюжетами. Оценить весь творческий путь, пройденный Франческо Хайес сложно, так как он часто не подписывал свои работы и не датировал их (часто обозначенная на его картинах дата является только свидетельством того, когда картина была продана).
Знаменитые картины Хайеса “Ромео и Джульетта”, 1823, вилла Карлотта, Тремеццо; “Седьмой крестовый поход на Иерусалим”, 1840-1850, Королевский дворец, Турин; “Нимфы”, 1831; “Руфь”, 1835, Городское собрание, Болонья).
Испытал влияние Эжена Делакруа и Поля Делароша. Франческо Хайес был замечательным портретистом. Его портретам свойственны лиричность и романтизм, многие считают их достойными сравнения с портретами Энгра (“Венецианка”, 1850, частная коллекция, Милан; “Балерина Карлотта Шабер”, 1830; “Портрет Каролины Цукки”, 1825; “Портрет Россини”, 1870, Пинакотека Брера и другие). Многие из великих и знаменитых людей Италии почитали за честь позировать Хайесу при написании портрета. Долгие годы Хайес преподавал в Академии Брера в Милане, директором которой он стал в 1860 году. В настоящее время Пинакотека Брера имеет наиболее полное собрание картин итальянского художника Франческо Хайеса.



"La meditazione", "Размышление" 1851 года, по- моему, самая лучшая картина Франческо Хайеса




Арканджело Корелли "Сарабанда"
Читать далее...

Александр_Ш_Крылов (АРТ_АРТель) все записи автора

Николай Михайлович ЧЕРНЫШЕВ

1885.......................................................................1973

Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1901-1911) у С.А. и К.А. Коровиных, А.Е. Архипова, В.А. Серова, в Академии Р. Жюльена в Париже (1911), Академии художеств (1911-1915) у В.В. Матэ и других. Участник выставок с 1906 г., член общества "Маковец" с 1921 г., Общества московских художников, Ассоциации художников революционной России.
Участие Н.М. Чернышева в деятельности объединения "Маковец" - Союза художников и поэтов "Искусство-жизнь". (Маковец – название холма, где расположен монастырь Сергия Радонежского) было значимым этапом творческого развития художника. Собственно тогда сложился «личный» стиль мастера, гармонично соединивший традиции русского символизма с лиричностью портретной и пейзажной московской школы живописи и «неофициальным» искусством советского периода. Тонкая одухотворенность и подкупающая искренность "чернышевских образов" привлекают зрителя своей сдержанной глубокой красотой.
В портретах и картинах воспевал красоту ранней юности и девичества ("Девочка с букетом", 1928, ГТГ; "Пионерка", 1930, ГРМ; "Купание на озере", 1958, Брянский областной художественный музей). В его пейзажах ощущается родство с древнерусской живописью. Работал как портретист ("Автопортрет", 1914, ГТГ) и монументалист (фрески, мозаика - "Комсомолка", 1962, ГРМ). Его картины имеются также в музеях Волгограда, Костромы, Н. Новгорода, Н. Тагила, Омска, Перми, Петрозаводска, Саратова, Тамбова, Ярославля и других.

Николай Чернышев – известный русский живописец, монументалист, педагог, заслуженный художник РСФСР (1962).
Главная тема его творчества – это тема юности, как символа вечного обновления человека и природы. Образы юных девочек-подростков проходят через всё его искусство, являясь носителями чистоты и человечности. В период своего творческого расцвета (1920-1930), уже будучи заведующим отделением монументальной живописи во Вхутеине, Чернышев продолжал оставаться верным однажды найденной и выношенной как идеал, теме: он пишет «Девочку с книгой» (1927).
Показанная крупным планом фигура девочки «срезана» у колен краем холста. Фигура развёрнута в три четверти, что сообщает ей большую лёгкость и динамичность, усиливающуюся жестами рук (правая рука сжимает левую, удерживающую книгу). Тщательно отобраны немногочисленные детали: черный бант и коса, переброшенная на грудь, – всё вместе сообщает изображению законченность и монументальную значительность. Чернышев пишет не портрет в собственном смысле слова, создаёт не индивидуальный образ, но, как бы, типичное изображение хрупкой, грациозной городской девочки.
«Я рисовал не столько сходство, сколько выражение их юных ликов. Удивление, внутренняя взволнованность видениями открывающегося им мира …».

***
Художник-монументалист, автор книг "Техника стенных росписей" и "Искусство фрески в Древней Руси", воспитал целое поколение художников-монументалистов.
В графических работах любимая тема Чернышева - образы детей и подростков, пейзажи, образы древнерусских живописцев.
Читать далее...