АНЖЕЛИКА КАУФМАН (1741 - 1807)

Анге́лика (Анжели́ка) Ка́уфман (нем. Maria Anna Angelika/Angelica Katharina Kauffmann, род. 30 октября 1741 года в Куре, Свободное государство Трёх Союзов; † 5 ноября 1807 года в Риме) — немецкая художница.
История мировой живописи хранит совсем немного женских имен. Среди них – Анжелика Кауфман, одна из талантливейших и образованнейших женщин своего века, века Просвещения.
Ее отец, художник средней руки, выполнял заказы по украшению и росписи провинциальных церквей. Семья часто переезжала не только из города в город, но из страны в страну. Девочка рано начала рисовать – в девять лет уже свободно пользовалась карандашом, пробовала писать и маслом.
Когда Анжелике исполнилось тринадцать, она попала в Италию. Здесь и произошло ее первое знакомство с полотнами старых мастеров. В миланской галерее она с большой охотой делала копии с картин. Это являлось признанием ее таланта, ибо женщинам-копиисткам в итальянских музеях, как правило, работать не разрешали. Для коллекции автопортретов знаменитых художников, хранящихся в Уффици, Анжелика впервые написала и свой собственный...
Известно, что в юные годы у нее был музыкант-возлюбленный. Он уговаривал девушку бросить живопись, а заодно и отца-тирана, убежать с ним и стать певицей – Анжелика обладала прекрасным голосом… После мучительных раздумий она выбрала живопись.
В 1763-м отец с дочерью приехали в Рим, куда отовсюду съезжались художники, музыканты, поэты... В то время в столице Италии царил дух поклонения античности. Этому во многом способствовала деятельность известного ученого-археолога Иоганна Иоахима Винкельманна, делавшего раскопки в Помпеях и Геркулануме – двух громадных древних городах с прекрасными дворцами и жилищами, украшенными фресками и скульптурами. Именно тогда античность предстала перед восхищенными любителями искусства во всей своей красе.
Анжелика познакомилась с Винкельманном в Риме в 1764 году, когда писала его портрет. С этого и началось увлечение художницы античностью. Она изучала работы древних авторов, делала рисунки с античных скульптур, набрасывала планы построек.
Как живописец она получила полное признание. В 1765-м ее приняли в члены Академии св. Луки. А через три года Анжелика стала еще и членом Французской королевской академии, куда принимали только самых достойных, среди которых, кстати сказать, до того времени не было ни одной женщины.
В Риме художница познакомилась с жителями Лондона и, наслушавшись их рассказов, решила попытать счастья в туманном Альбионе. С 1766-го она жила в Англии, и эти пятнадцать лет оказались самыми плодотворными в жизни Анжелики: именно в это время на долю ее картин выпал наибольший успех.
Русская княгиня Екатерина Дашкова поздравила с победой над Турцией свою царственную подругу, императрицу Екатерину Великую, письмом и подарком – картиной Анжелики Кауфман, изображавшей прекрасную гречанку. Творчество художницы еще не было известно в России, но интерес к ее личности подогревался слухами о романтических перипетиях ее жизни. Якобы какой-то отверженный ею лорд способствовал браку Анжелики со шведским графом, оказавшимся (разумеется, это выяснилось уже после свадьбы) всего-навсего камердинером мстительного лорда.
На самом деле произошло следующее. Президент Английской академии художеств Рейнолдс предложил Анжелике руку и сердце, но она отказала ему. Последующие события послужили основой для драмы В. Гюго «Рюи Блаз». Обиженный художник воспользовался путаницей в документах внебрачного сына графа Хорна, Фредерика Брандта, красивого и умного юноши. Полюбив этого человека, Анжелика вышла за него замуж, и только тогда мстительный живописец разгласил об «обмане» всему обществу. История наделала много шума, а Фредерик был арестован за присвоение чужого имени. По другим сведениям, граф Хорн, грубый и истеричный человек, был всего-навсего авантюристом, жившим под разными вымышленными именами. Выманив на прощание деньги у обманутой женщины, он развелся с ней. После этого Анжелика, перенесшая горячку, замкнулась в себе и перестала бывать на светских приемах…
Ее известный автопортрет написан уже в 1781 году, когда художница познакомилась с пятидесятилетним итальянским гравером Антонио Дзукки. Через год она, по настоянию старика отца, выйдет за него замуж, покинет Англию и окончательно поселится в Риме...

 Пасторальные и мифологические композиции работ Кауфман представляют богов и богинь, изображенных в тонкой и изящной манере стиля рококо. Собственно, художницу считают больше мастером живописи рококо, хотя персонажам ее картин присущи неоклассические позы, а драпировкам и антуражу в ее работах также более свойственен стиль неоклассицизма. Женские портреты кисти Ангелики Кауфман считаются лучшими среди ее портретных работ.
Природа щедро одарила её талантом живописца, музыкальными способностями, незаурядным умом и красотой. Но, несмотря на исключительную одаренность и раннее признание, жизнь художницы не была безоблачной.
Скончалась Ангелика Кауфман 5 ноября 1807 в Риме.

«У нее огромный и для женщины невероятный талант».
Гете
   Имя Анжелики Кауфман известно всякому человеку, знакомому с живописью галантного века.@
Ангелику Кауфман, немецкую художницу XVIII в. можно смело ставить в один ряд с самыми знаменитыми представителями классицизма. Она была очень известным художником. "Мой портрет для одного друга сделан исключительной личностью, одной немецкой художницей. Она очень сильна в портретах... Ее имя - Анжелика Кауфман" – так отзывался о ней знаменитый немецкий историк, Винкельман.

АНРИ - ФРАНСУА РИЗЕНЕР (1767 - 1828)

Анри−Франсуа Ризенерфр. Henri−François Riesener

19 октября 1767, Париж — 7 февраля 1828, Париж — французский живописец немецкого происхождения. Мастер парадного светского портрета. Характерный представитель классицизма и раннего романтизма. Создатель натурных портретов Наполеона и Александра I.

Биография
А.−Ф. Ризенер происходил из семьи знаменитых краснодеревщиков, выходцев из Германии. Отец его, Ж.−А. Ризенер (1734−1806), был не только талантливым мебельщиком при дворе Людовика XVI, стилистическими особенностями своих изящных произведений во многом предначертавшим развитие классицизма в интерьере, но также и изобретателем — его детище, «механизм для откидывания цилиндрической крышки бюро», до сих пор, хоть и в трансформированном виде, но находит широкое применение в современной мебели.
С 1769 года Ж.−А. Резинер, становится официальным поставщиком королевской мебельной коллекции (фр. Garde-Meuble) и получает в 1774−м звание «королевского краснодеревщика» (фр. ébéniste du roi); в дальнейшем — осуществляет преобразование стиля Людовика XV в стиль Людовика XVI, он первым стал использовать достаточно сложную по технологии тонкого рисунка золочёную бронзу. Всё это обязывало к потребности в общении со специалистами, учёными, в числе их был и знаменитый мастер бронзового литья Пьер−Филипп Томир (1751−1843), и один из самых известных французских естествоиспытателей эпохи минералог академик Габриель Делафос (1795−1878). Словом, и с представителями среды «научно−технической» семейство также поддерживало тесные отношения. В такой атмосфере рос и воспитывался будущий художник.

Творчество
Анри−Франсуа первоначально занимался у А. Вестье, а затем продолжил учёбу в Королевской академии живописи, скульптуры и архитектуры у Ф.−А. Венсана, позднее — у Ж.-Л. Давида. Во время революции он вступил в армию и принимал участие в войнах, которые вела Французская республика.
В конце 1790−х А. Ризенер вновь берётся за кисть; он пишет портреты маслом и миниатюры, едва успевая выполнять многочисленные заказы, что, конечно сказалось и на содержательности его произведений — редкий мастер способен в светском портрете дать представление о внутреннем мире изображаемого, раскрыть психологию персонажа, для этого нужна и его внутренняя независимость, конечно, и определённая смелость, уверенность в силе своего искусства. Но перед тем, как художник будет вынужден подчинить свою творческую волю условностям света, принести её в жертву стандарту заказа, им будет написна одна из лучших его картин — «Портрет Мориса Кэи». Лиричность и живость образа, внутренний темперамент, лаконичность, роднят её с шедеврами мастеров испанского возрождения, приводят на память Б. Э. Мурильо, Ф. Сурбарана… В целом же общее настроение и расположение духа, транслируемые А.−Ф. Ризенером в этом полотне, редко бывают в такой мере присущи его живописи… Но другим его работам свойственны и другие выразительные качества, он применяет их, может быть, и не всегда пропорционально решаемым задачам, однако в большинстве случаев находя должное направление их воздействия, порой — более чем удачно.
Известно, что выступая прикладными по отношению к сценическому искусству — изобразительные, благодаря, «легальной» в данном случае, литературной составляющей, непременно присутствующей тут в виде целой гаммы реминисценций, получают в дополнение к непосредственному своему инструментарию новые средства повествования. Указанные особенности дают своего рода карт−бланш художнику в его потребности высказаться (если есть что…); с другой стороны, — фактор точной топологической принадлежности обязывает не забывать об уместности и соответствии строгой сюжетной линии, эпохе и т. д. В контексте этой интересной темы особняком стоит жанр театрального портрета, который подразумевает, помимо возможных аллюзий, индивидуальность портретируемого. На пересечении этих условий найти эквивалентные средства в создании образа — такова непростая задача художника. Жанр этот существует с незапамятных времён. Если вдуматься, ещё античность даёт нам массу примеров: от сюжетов красно— и чёрнофигурной керамики, до римских портретов; а на Востоке, в Японии, к примеру, он представлен театральной гравюрой, причём реализация названных задач здесь, по ряду причин, ещё сложней (это продиктовано и без того мудрёной традиционной семантикой японской гравюры как таковой; с другой стороны, как раз этот канон, стереотипность многое и упрощает…).
Галерее портретов не только знаменитого, но и замечательного французского актёра-реформатора Франсуа-Жозефа Тальма (1763—1826) могут позавидовать актёры любых времён. Среди её авторов Э. Делакруа, Л. Давид, Д. Энгр, Годефруа, В.−Ж. Э. Жуи, Ж.−Ж. Легрене−мл., Пико, Л. Мариме, Обер, Олье, Колен и многие другие забытые и неизвестные художники. Не озадачиваясь анализом и сравнением, можно сказать с уверенностью: образ, созданный Анри−Франсуа Ризенером занимает достойное место в этом ряду.
Написанный им в годы Империи натурный «Портрет Наполеона» имел огромный успех. Художник воспроизвёл его более пятидесяти раз (в настоящее время известны 15 реплик этой работы). С 1801 по 1827 год мастер демонстрировал свои произведения в Салоне, наградившем его в 1808 году своей медалью. В это же время у него родится сын Леон, которому также суждено будет стать художником.
В 1814 и 1815 годах среди его заказчиков было много русских гвардейских офицеров, находившихся в Париже. А в 1816−м по приглашению великого князя Константина Павловича Анри Ризенер приезжает в Варшаву, а затем — в Санкт−Петербург, где выполняет заказы императора Александра I и императрицы Марии Федоровны, князя Н. Б. Юсупова, графов Олсуфьевых и др. До 1823 года он продолжал работать преимущественно в России, лишь наездами бывая в Париже, где он оставил жену и сына. Вслед за «Портретом Александра I со свитой», выполненным совместно с Ж.−Ф.−Ж. Свебахом, продолжилась череда портретов русской знати. Среди созданных им произведений были картины парадные и более скромные, изображения погрудные и в рост.
Искусствоведы отмечают, что работы его отличает тщательная отделка, сказывающаяся некоторой сухостью и статичностью живописи, но, несомненно, он был отличным рисовальщиком, мастером цвета, А.−Ф. Ризенер блестяще передаёт состояние воздушной среды, колористические эффекты двойного освещения (портрет С. П. Апраксиной; кстати, произведение это можно отнести к немногим примерам сентиментализма в живописи).
Исследователь пишет: «художник не достигает глубокого раскрытия образа», однако и начисто лишёнными характерности даже «проходные» его портреты уж никак нельзя назвать. Достаточно выразительны портреты Я. А. Потёмкина и М. Ф. Орлова. Удивительно другое: даже те немногие известные работы живописца заставляют невольно оказываться в плену ощущения, что они вышли из под кисти разных авторов… До такой степени отличающимися в сопоставлении манеры и по валёру предстают они… Как бы то ни было, живопись А.−Ф. Ризенера чрезвычайно высоко ценились современниками. Творчество этого художника заслуживает более пристального исследования.
Нельзя не сказать и о той роли, которую мастер сыграл в формировании одного из «самых французских художников» — своего племянника Эжена Делакруа. Он часто давал советы начинающему живописцу, брал их с Леоном на этюды в Нормандию, Анри−Франсуа настоял на поступлении юноши в мастерские П.−Н. Герена, постоянно обращал внимание на необходимость изучения технических приёмов старых мастеров и «горячо призывал идти собственным и только собственным путём в искусстве»…
 Работы Ризенера представлены в различных французских собраниях, а также в коллекциях Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской галереи, Музея−усадьбы «Архангельское» и др.

 Riesener  MothDoug


Граф Ш.-А. Тертр, играющий на гитаре. ок. 1814


The Misses de Balleroy

IKENAGA YASUNARI (1965) - СОВРЕМЕННЫЙ ЯПОНСКИЙ ХУДОЖНИК*
Используя кисть Menso, минеральные пигменты, сажу и чернила и льняную ткань, в качестве основы,
  Ясунари продолжает древнюю японскую традицию живописи под названием Nihonga, одновременно добавляя в нее элементы из современной жизни, такие как стили одежды и цветочный дизайн текстиля, не использовавшиеся прежде.

ЖЕНСКИЕ ОБРАЗЫ В ТВОРЧЕСТВЕ СОВРЕМЕННЫХ КИТАЙСКИХ ХУДОЖНИКОВ

Современный китайский художник Guan Zeju

ПОСЛЕДНЯЯ ИЗ РОДА ЮСУПОВЫХ

Зинаида Николаевна родилась в 1861 году в семье князя Николая Борисовича Юсупова, последнего представителя древнейшего рода. Владелец заводов, мануфактур, рудников, доходных домов, усадеб, поместий, он был неслыханно богат.
 Богатству этой семьи удивлялись даже представители правящей династии.
 Но вся эта роскошь не мешала отцу Зинаиды Николаевны, гофмейстеру царского двора, прослыть щедрым, великодушным человеком. И судя по воспоминаниям современников благие дела были действительно важной частью его жизни.
 Известно, что в 1854 году во время Крымской войны он вооружил два артиллерийских батальона, а в Русско-турецкую войну подарил армии санитарный поезд, который перевозил раненых из полевых лазаретов в госпитали Петербурга. Полностью содержал институт для глухонемых и основал множество благотворительных фондов.
Его блистательная дочь унаследовала от отца все самое лучшее, в том числе умение отдавать. Умная, образованная, чуткая, нежная, она была одной из первых красавиц Петербурга, наряду с императрицей Марией Федоровной и княжной Ириной Александровной Романовой. Сияние, одним словом.
 Юсупова достойно носила свою фамилию, и как ни стараются некоторые историки найти какие-либо компромиссы в ее натуре, намекая на отношения с художником Валентином Серовым, их домыслы тщетны.
Накануне ХХ века княгиня Зинаида Николаевна Юсупова заказала у модного художника Серова портреты всех членов семьи. Обычно Валентин Александрович «чванливых и богатых» не писал, но Юсуповой отказывать не стал: «Если бы все богатые люди, княгиня, были похожи на вас, то не осталось бы места несправедливости».
 Ответ художника удивил: «Несправедливости не искоренить, и тем более деньгами, Валентин Александрович».
Вряд ли Зинаида Николаевна имела в виду социальную справедливость. Для нее, воспитанной в роскоши, любое безденежье было следствием бездумья и безделья, а значит, и вполне справедливым. Юсупова говорила о высшей справедливости, которой, по ее мнению, ее семья была лишена.


Фламенг Ф. "Портрет кн. З.Н. Юсуповой со знаменитой жемчужиной «Пеллегрина». 1894.
 

В.Серов. "Портрет княгини Зинаиды Николаевны Юсуповой"
 

"Портрет княгини Зинаиды Николаевны Юсуповой в русском костюме." 1900-е Константин Маковский
 

Современный американский художник РИЧАРД ДЖОНСОН

Richard S. Jonson родился в Чикаго в артистической семье. Закончил американскую Академию Искусств, в начале своей художественной карьеры работал иллюстратором. После победы в конкурсе Международного Журнала художников, Richard S. Johnson был приглашен на работу в Японию. По возвращению в Америку получил множество наград по итогам конкурсов проводимых в Соединенных Штатах, включая первый приз среди художников Америки рисующих маслом в 2003 году. Вереница обаятельнейших женских образов в картинах Richard S. Johnson нескончаема, художник прекрасно воссоздал гармонию красок, линий и форм и воспел Красоту, воплотившуюся в Женщине. создав целую галерею нежных женских образов, которой и предлагаю  насладиться.

ЧУДЕСНЫЕ КАРТИНЫ АРТУРА ДЖОНА ЭЛСЛИ

Артур Джон ЭЛСЛИ (Arthur John ELSLEY)
(20.11.1860, Лондон — 19.02.1952, Танбридж-Уэлс)
известный английский художник Викторианской эпохи, в основном писавший портреты детей и жанровые сцены. Уже при жизни был настолько популярен, что многие его картины маслом на холсте печатались в календарях, рекламных объявлениях, книгах и журналах.

Артур родился в Лондоне. Его отец был кучером и художником-любителем, мечтавшим, что его сын сможет стать настоящим художником и приложившим не мало усилий для этого. Благодаря отцу, Артур Джон Элсли в четырнадцать лет поступил в Школу искусства Южного Кенсингтона, которая позже станет Королевским Колледжем искусств. Затем он продолжил обучение в Королевской Школе при PRA (Королевская Академия Искусств), а позже и в самой Королевская Академии. Тогда же он начал зарабатывать свои первые деньги, выполняя заказы на портреты детей с лошадьми и собаками.

В 1878 году Артур Джон Элсли (Arthur John Elsley) представил свою первую выставку в Королевской Академии, когда ему было всего 18 лет. В PRA (Королевская академия искусств) Артур Джон Элсли познакомился и подружился с другими студентами, в будущем известными британскими художниками, среди которых были: Соломон Джозеф Соломон (Solomon Joseph Solomon, с 1860 по1927 гг.) и Джордж Гренвилль Ментон (George Grenville Manton, с 1855 по 1932 гг.). После окончания Академии, Артур Джон Элсли вместе с друзьями сняли студию, где и делали первые шаги в качестве дипломированных художников. Однажды, Гренвилль Ментон познакомил Элсли с популярным жанровым художником Фредериком Морганом (Frederick Morgan, с 1847 по 1927 гг.), который специализировался на детских портретах и жанровых сценах с детьми. После того, как Гренвилль Ментон покинул студию в 1889 году, Артур Джон Элсли переехал в студию Фредерика Моргана, и этот переезд оказался взаимно выгодным. Фредерик Морган был уже известным художником к тому времени, но ему совсем не удавались животные, и он заказывал их отрисовку знакомым анималистам, теперь же животных ему рисовал Элсли. Элсли, в свою очередь, был очень стеснен в средствах, и сотрудничество с Морганом было весьма ему на руку.

 Артур не ошибся в выборе своей специализации. Его картины детей и животных, идеализированные портреты английского среднего и высшего классов являются его самыми известными работами. В то время, когда детская смертность была очень высокой, его картины пользовались огромной популярностью, и Артур Джон Элсли получал очень много заказов. Успех, сопутствовавший Артуру Джону Элсли, существенно улучшил его финансовое положение, что позволило ему 11 ноября 1893 года наконец-то жениться на своей троюродной кузине Эмили Фусдайл, которая была на десять лет моложе Артура. После свадьбы она в течение многих лет служила моделью для картин своего любимого мужа. В 1894 году, когда умер известный художник Чарльз Бартон Барбер (Charles Burton Barber,1845-1894), являющийся лидером среди художников изображающих детей и домашних животных, Артур Джон Элсли занял его место и стал самым востребованным художником данного направления.
Его картины дышат добром и любовью. В них присутствует чувство юмора, а сами картины обязательно изображают сентиментальные, жанровые сцены, знакомые любому человеку с детства.

vk.com/childrenflowerslife#/album-31721724_153628672

 

 


 


 

РАЗНООБРАЗИЕ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА

Албан Диздари
современный французский художник, родился в городке Шкодер, Албания, в 1982 году. По словам художника, как только его руки смогли держать карандаш, он начал рисовать на всем, до чего мог дотянуться. Албан считает себя больше самоучкой, чем профессиональным художником, хотя действительно изучал изобразительное искусство и дизайн в Лондоне в течение нескольких лет, что жил там. К сожалению, тогда он не считал необходимым тратить свое время на изучение искусства, но сейчас живопись все больше и больше увлекает художника.
Ему нравится экспериментировать с различными средами, такими как масло, акрил, акварель, пастель и карандаши, но самая любимая среда, которая нравится Албану больше всего на данный момент - это акварель.

 

 

 

Прерафаэлиты. Часть1. ДАНТЕ ГАБРИЭЛЬ РОССЕТТИ

Основанное в 1848 году "Братство прерафаэлитов" по праву можно считать первым авангардным движением в Европе."P.R.B.", появившиеся на картинах молодых и никому не известных художников, привели в смятение английскую общественнось- студенты лондонской Королевской Академии художеств хотели изменить не только принципы современного искусства. но и роль его в социальной жизни общества.
Основателем "Братства..." СПРАВЕДЛИВО МОЖНО СЧИТАТЬ ДАНТЕ ГАБРИЭЛЯ РОССЕТТИ. С него то мы и начнем нашу тему.

С девятилетнего возраста Данте Габриэль обучался в Королевском колледже в Лондоне. Но художественное образование Россетти было отрывочным.
Основу художественного мировоззрения Россетти составляло средневековое искусство Италии, он издавал переводы Данте и произведения других средневековых итальянских поэтов.
В его живописи также чувствовалось обращение к манере и художественному идеалу живописцев треченто и кватроченто.
Его поэзия пропитана мистико-эротическим содержанием, отталкивается от позитивизма, идеализирует прошлое, эстетизирует католицизм.
 Большое влияние на Россетти оказывали его женщины, интересно посмотреть на его творчество именно с этого ракруса.
В 1850 году Россетти встретил Лиззи Сиддал, которая стала его ученицей, моделью, возлюбленной и главным источником его вдохновения. Но как-то Данте Габриэль увидел в Оксфорде Джейн Бурдон, влюбился в нее, а затем познакомил с Уильямом Моррисом, поэтом и критиком, который и женился на Джейн в 1859 году.
Россетти вернулся к Лиззи Сиддал, и в 1860 году они сочетались браком.
Меланхоличная и больная туберкулёзом, Лиззи умерла через два года от передозировки опия после рождения мёртвого ребёнка. Россетти часто изображал свою возлюбленную в идеализированных женских образах своих картин, таких как "Прекрасная Беатриче". Напротив, в своей новой возлюбленной Фанни Корнфорт, он видел воплощение физического эротизма, а в Джейн Бурдон - романтический образ небесной богини.
Россетти, который серьёзно занимался поэзией, наряду с живописью, в припадке вины и печали захоронил вместе с Лиззи Сиддал рукопись всех своих стихотворений, наполненных эротизмом и чувственностью многих описаний. Несколькими годами позже он провёл эксгумацию тела Лиззи и восстановил свои стихи.
 Многие сонеты Россетти являются как бы иллюстрациями к его картинам. И хотя он начал свою карьеру как живописец, к нему пришла слава поэта.
 Музыка:Алекса́ндр Сеза́р Леопо́льд Бизе́ (фр. Alexandre-César-Léopold Bizet, при крещении получил имя Жорж, фр. Georges; 1838—1875) — французский композитор периода романтизма, автор оркестровых произведений, романсов, фортепианных пьес, а также опер, самой известной из которых стала «Кармен».

 . The Day Dream (портрет Джейн Берден).


 .Беата Беатрикс. 1877.


  Благовещение.1849-1850.

Женские образы Джона Уильяма Уотерхауса (1849-1917)

 Джон Уи́льям Уо́терхаус (англ. John William Waterhouse 6 апреля 1849 — 10 февраля 1917) — английский художник, творчество которого относят к позднейшей стадии прерафаэлитизма. Известен своими женскими образами, которые он заимствовал из мифологии и литературы. В настоящее время считается одним из самых популярных и дорогостоящих художников Великобритании: в июне 2006 года его картина «St. Cecilia» была продана на аукционе Кристис за 6 млн. фунтов

Windflowers, 1902


  Boreas,1903


 Душа розы, 1908

MANUEL NUNES

е, в которой культура и искусство являлись главным интересом. Его отец Мануэль Нуньес старший был известным певцом и автором песен, который записал девять альбомов на испанском языке в 1950 году. Впоследствии его сын-художник говорил: «Я слушаю его музыку все время, но это только теперь, когда я стал действительно ценить его музыку и то, что он сделал…» Можно сказать, что эта атмосфера культурной утонченности, которая влияла на художника с первых лет его жизни, впоследствии и сформировала его последующее направление творчества, о котором сказать в двух словах сложно…
 Чтобы понять суть необычных, наполненных символикой, работ художника, как он к ним пришел, надо очень подробно изучить его жизнь. У нас такой подробной цели нет, а потому я приведу лишь краткие очень отрывочные цитаты из его размышлений, которые доступны в сети…»Я показываю образы сильных женщин» — так говорит о своих работах Manuel Nunes. «Красивые и свободные, чувственные и добродетельные… В такой жизни, какой она должна быть.»
 Используя для написания картин сусальное золото Мануэль говорит: »Само золото – дихотомия…Золото может одновременно символизировать низость или потворство с одной стороны, а с другой — праведную чистоту и совершенную духовность, как то выражено в символике русского искусства иконописи». Используя в своих работах эти взаимоисключающие элементы в соединении друг с другом, художник придает женским образам некий особый мистицизм, сочетающий в себе силу и чувственность, любовь и страсть, которые сосуществуют в пределах одной композиции так же, как душа и тело являют одну форму в человеческой жизни.
 Вырос Мануэль и обучался живописи в Калифорнии. В 1979-ом закончил колледж искусств Центра дизайна в Пасадене. Далее закончил Отис Парсонс институт в Лос-Анджелесе. Еще далее работал в течении десяти лет коммерческим иллюстратором и графическим дизайнером в индустрии моды.
 В 1991 году Manuel Nunes вышел из иллюстрирования моды как один из наиболее перспективных современных американских художников. С 1991 года художник разрабатывал свое направление изобразительного искусства, которое захватывает как современный, так и вневременной дух женщины.
 Работы Manuel Nunes выставляются и приобретаются во многих странах  и многими галереями мира. Художник обладает множеством наград и призов. В настоящее время проживает в Южной Калифорнии со своей семьей: женой и тремя детьми.

Mustafa Soydan
Красота, грациозность, утонченность, а также яркость, дерзость и страстность современных женщин: все это является музой для целой плеяды художников, скульпторов, поэтов, режиссеров, писателей. Прекрасные дамы дарят творцам вдохновение, те, в свою очередь, посвящают им свои лучшие произведения, и этот процесс замыкается в единый неразделимый круг, охватывающий всех участников творческого процесса.
Mustafa Soydan (Мустафа Сойдэн) - как раз один из них, вдохновленный женской красотой и грацией турецкий художник, автор серии Zodiac Illustration, которая состоит из модных и дерзких знаков зодиака.
Творчество Мустафы Сойдэна настолько многогранное и разноплановое, что его нельзя назвать ни художником, ни иллюстратором, ни автором скульптур или инсталляций. Его талант позволяет ему заниматься всеми видами искусства, причем с одинаковым успехом. Прославившись как художник-график, автор модных иллюстраций для журналов и рекламных компаний, он создает также работы в смешанной технике, рисует цветными карандашами и акварелью, но все свои работы посвящает одной-единственной теме: красивым, стильным модницам, ярким и дерзким леди. Не стал исключением и эксклюзивный арт-проект Zodiac Illustration.
Двенадцать знаков зодиака - двенадцать ярких женщин, каждая со своим настроением и темпераментом, в зависимости от знака, который она изображает. В отличие от серий других рисунков, посвященных гороскопу, у Мустафы Сойдэна на переднем плане - его прекрасная муза, а символ ее зодиака - лишь аксессуар, ловко вплетенный в основной образ персонажа. У некоторых женщин это деталь, дополняющая необычную прическу, у других - головной убор или украшение. Но несмотря на это, определиться, кто есть кто в этой оригинальной компании, можно без особого труда.
Источник: http://www.liveinternet.ru/users/5144129/post279440378/
Ссылка на сайт художника: http://mustafasoydan.com/
Фейсбук художника: http://www.facebook.com/fashionillustrationturkey

Козерог

Рак

Близнецы

ЖЕНЩИНЫ СТИЛЯ МОДЕРН... СВЕТЛАНА ОВИНОВА

Светлана Овинова - современный художник из Санкт-Петербурга, работает в технике акварели и масляной живописи.
 В 2000 году с отличием закончила Санкт-Петербургскую Академию художеств.
 Но уже начиная 1996 года выставляет свои работы не только в России, но и в Европе. Произведения С. Овиновой находятся в многих частных коллекциях Англии, Норвегии, Германии, Швеции ,Литвы, США, Канады, ЮАР, Турции и др.
Начиная с 2002 года, Светлана Овинова становится модным дизайнером интерьеров в С-Петербурге и Москве, её дизайном украшены многие известные магазины, клубы, кафе, и частные квартиры.



 


 

John Singer Sargent (1856 - 1925)

Джон Сарджент,американский художник, двоюродный брат известного ботаника Чарльза Сарджента, один из наиболее успешных живописцев прекрасной эпохи.
Его нередко причисляют к импрессионистам, хотя образцами для него всегда оставались Веласкес, Гейнсборо, Ван Дейк (Роден даже назвал его, не без иронии, Ван Дейком нашего времени).
#Art #Painting

 

Портрет Джона САРДЖЕНТА. Художник Джованни Болдини.

Женские образы в творчестве Томаса Гейнсборо

Гейнсборо Томас (1727— 1788) - выдающийся английский живописец, создатель национального типа портрета. Родился в Садбери, в Суффолке, в семье торговца сукном. Живописные окрестности городка, расположенного на реке Стур, с детства привлекали Гейнсборо, без конца изображавшего их в своих детских набросках. Страсть мальчика к рисованию была настолько велика, что его отец, не раздумывая долго, отправил своего тринадцатилетнего сына на выучку в Лондон, который в это время уже сделался центром художественной жизни.

 Queen Charlotte


.Портрет дамы в голубом.Герцогиня де Бофор


 

Иван Славинский

Представляю вашему вниманию еще одного современного художника Ивана Славинского,. 
  члена Союза художников России.

БИОГРАФИЯ
Иван Славинский родился 13 февраля 1968 года в Ленинграде. Его отец — Дмитрий Обозненко, художник-баталист, заслуженный художник РСФСР, а мать — Галина Патраболова, искусствовед. Рисовать Иван начал с 5 лет, профессиональные навыки получил в художественной школе при Академии Художеств. Перваявыставка Ивана Славинского в Санкт-Петербурге состоялась в галерее «Товарищество Свободных Художников» в 1991 году. Живописец постепенно стал приобретать известность в Санкт-Петербурге. Появились приглашения и в галереи Москвы. Позднее, в 1993 году Иван Славинский уехал во Францию, где жил и работал по контрактам европейских галерей в течение десяти лет. За это время состоялись его персональные выставки в Люксембурге, Дублине (Ирландия), Стокгольме (Швеция), Марселе, Париже(Франция) и других городах.
В 2003 году Иван Славинский вернулся в Россию, а в июне 2007 года в Санкт-Петербурге открылась художественная галерея SLAVINSKY ART, с которой он сотрудничает в настоящее время.
С 1997 года Иван Славинский является членом Союза Художников России. В 2009 году Иван Славинский стал художником-куратором благотворительной художественной акции «Азбука», которая проводится ежегодно в рамках « Рождественской ярмарки» в Санкт-Петербурге.
Личная жизнь
Женат, воспитывает троих детей. Постоянно живёт и работает в Санкт-Петербурге.ТВОРЧЕСТВО
Фантастический реализм — жанр, в котором работает Иван Славинский. Сутью данного жанра является новая реальность, которую художник передает с помощью пластических загадок и метафор. Отличительными чертами полотен являются метаморфозы, иносказания, сложные художественные композиции, богатая палитра красок. Славинский пишет и классические натюрморты, на которых присутствуют наутилусы и астролябии, и портреты в духе импрессионизма, и картины о средневековых рыцарях, и сюрреалистические полотна, и городские пейзажи. Профессиональная активность Ивана Славинского охватывает более двадцати лет.Изданные альбомы« Славинский». Альбом работ. 37 иллюстраций. (издан галереей «Пантелеймоновская», дизайн, изготовление: ЗАО « Русский антиквариат», 2006 год)« Иван Славинский. Хозяин времени». Альбом работ. 87 иллюстраций (издан галереей SLAVINSKY ART, 2007 год)« Славинский». Альбом иллюстраций (издан к выставке в «Товариществе свободных художников» в типографии Ивана Федорова, 1991 год)Известные владельцы картин
Картины Ивана Славинского нашли свое место в коллекциях Михаэля Шумахера, голландских и французских министров и в швейцарском офисе компании Майкрософт (Microsoft). В Россиивладельцами его картин стали актриса Рената Литвинова, телеведущий Иван Ургант, солист группы «Мумий Тролль» Илья Лагутенко.

Колористическая живопись Ricardo Sanz

Ricardo Sanz - родился в Сан – Себастьяне (Испания) в конце 50-х годов прошлого столетия, в семье, тесно связанной с миром искусства. Его дед владел галерей искусств и дружил с такими большими художниками его эпохи, как Sorolla, Zuloaga, Vazquez Diaz. Свою любовь к живописи он передал внуку, который решил глубоко постичь основы профессии художника.
 Получив диплом по специальности Истории в Университете Deusto, Ricardo переехал в Мадрид, где обучался на курсах Истории Искусства.
 Позже он жил в Париже, где увлёкся импрессионистами, полюбив их за спонтанность и колорит.
В ранний период в его живописи властвовали мягкие спектры серых, сиреневых и фиолетовых цветов, возникшие под влиянием природы севера Испании и его родного города. Но со временем он эволюционировал к колористической живописи, в которой имеет значение сила и чистота мазка.
Живопись Ricardo Sanz ощущается как глоток свежего воздуха. Она существует для наслаждения и даёт возможность восхищаться красотой без дополнительных идиом.
Его полотна открывают нам чистые пейзажи, наполненные чувствами и ностальгией, с пляжами, позолоченными вечерним светом, с садами, где фиолетовые и синие цвета порваны лоскутами солнца, проникающего между листьями.
Его дождливые пейзажи приглашают нас прогуляться под зонтиком, вдыхая влажный воздух романтических прогулок.
Кроме пейзажа, Sanz изумительно властвует над человеческой фигурой. Его проницательность и его элегантный мазок, показывают модели с самой положительной стороны, погрузив их в атмосферу естественности. Не зря он превратился в одного из самых дорогих современных портретистов. Он удостоился чести написать портрет Принца и принцессы Астурийских.
С большой любовью и нежностью в манере, напоминающей Sargent или Lazslo, но с современным, вибрирующим мазком, он пишет детские портреты, желая остановить время.
Начиная с 1982 он много раз выставлялся в Мадриде, Париже и Сан-Себастьяне, получал многочисленные награды: Национальная Премия Культуры 1994, Премия Фонда Goya, медаль Paul Harris.
Ricardo Sanz - художник с заглавной буквы, который в каждый мазок вкладывает душу, и в каждой картине оставляет частичку жизни, абсолютно посвященной Искусству.(С)

Картины современного русского импрессиониста Мстислава Павлова
 

Мой земляк Константин Васильев

3 сентября 1942 года родился Константин Алексеевич Васильев - советский художник, широко известный своими работами на былинно-мифологические темы.
Творческое наследие Васильева многопланово и разнообразно и насчитывает более 400 произведений живописи и графики: портреты, пейзажи, сюрреалистические композиции, картины на сказочные сюжеты, на темы древней и современной русской истории. Глубокий символизм живописи в сочетании с оригинальным цветовым решением полотен — широким использованием серебристо-серого и красного цвета и их оттенков — делают картины Васильева узнаваемыми и самобытными.
Васильев обращался к народному искусству: русским песням, былинам, сказкам, скандинавским и ирландским сагам, к «эддической поэзии». Создал произведения на мифологические сюжеты, героические темы славянского и скандинавского эпосов, о Великой Отечественной войне («Маршал Жуков», «Нашествие», «Парад сорок первого», «Тоска по Родине», все — 1974).
Работал также в жанре пейзажа и портрета («Лебеди», 1967; «Северный орёл», 1969; «У колодца», 1973; «Ожидание», 1976; «Человек с филином», 1976). Автор графической серии портретов композиторов и музыкантов: «Шостакович» (1961), «Бетховен» (1962), «Скрябин» (1962), «Римский-Корсаков» (1962) и других; графического цикла к опере Р. Вагнера «Кольцо Нибелунгов» (1970-е гг.).
Участник республиканской выставки «Художники-сатирики Казани» (Москва, 1963), выставок в Зеленодольске и Казани (1968-76). В 1980-90-е гг. состоялся ряд персональных выставок Васильева во многих городах России, а также в Болгарии, Югославии, Испании. Открыты Мемориальный музей в пгт. Васильево (1996), Картинная галерея в Казани (1996).«Старик с филином», «У окна», «Ожидание»… С нынешнего года чтобы увидеть эти и другие знаменитые картины Константина Васильева, казанцам и гостям столицы не придется долго искать на карте города местонахождение музея художника. Пять его залов разместились на двух этажах в центральной части дома Петцольда на улице Баумана, 29. Выставочные площади нового музея, а это почти 800 квадратных метров, позволили достойно разместить здесь не только 160 работ Васильева, но и архив, библиотеку, фондохранилище и уголок с личными вещами художника. Более пятидесяти картин музею передала сестра художника, Валентина Васильева. Музей Константина Васильева в Москве располагается в Лианозовском парке (1998). Художнику была вручена Премия комсомола Татарии им. М. Джалиля за цикл картин о Великой Отечественной войне (в 1988).
Константин Васильев трагически погиб — был сбит вместе с другом на железнодорожном переезде проходящим поездом. Произошло это 29 октября 1976 года.

Автопортрет.1970г.



Автопортрет



Свидание