Реалистическая живопись. Анна Маринова

Анна Маринова - талантливая российская художница. Родилась в 1983 году, в Санкт-Петербурге. В 2010 году окончила мастерскую станковой живописи профессора В. В. Соколова в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина.

Её работы есть во многих частных коллекциях в России и за рубежом, а также опубликованы в методическом пособии "Подготовительные курсы", изданной институтом им. И. Е. Репина и в книге преподавателя института им. И. Е. Репина В. А. Могилевцева "Наброски и учебный рисунок". С начала 2010 года произведения Анны Мариновой регулярно принимают участие в торгах аукционных домов Lots Road и Christie's, в Лондоне. Анна является приверженцем реалистической школы живописи. В настоящее время художница живет и работает в городе Санкт-Петербург, Россия.

Источник:http://www.risunoc.com/2014/09/anna-marinova.html

Американский художник. Craig Srebnik

На сегодняшний день работы американского художника Крейга Сребника (Craig Srebnik) принесли ему уже двадцать девять национальных премий, в том числе три премии "Awards of Excellence" от общества художников маслом Америки; Премия президента американского общества художников импрессионистов; премию "Best of Show" от академического Ассоциации художников и премию техасского художественного музея, 

а также первое место в конкурсах, организованных Национальным обществом художников и Лигой Hilton Head Art; статьи о нём были опубликованы в журналах "American Artist", "American Art Collector", "American Art Review", "Art & Antiques", "Art Business News", "The Art Guide", "The Artist", "Art of the West", "Art World News", "Carrie Leigh’s Nude", "International Artist" и "Southwest Art magazines". Его произведения есть в более чем шестидесяти национальных галереях и пяти музейных экспозициях по всей территории США и в Европе.

 

"Моя цель заключается в том, чтобы фильтровать визуальный или личный опыт, делиться лишь его сущностью и выражать свое видение в самых красноречивым способом - поднимая обыденность в область "поэтического царства"".

 

В настоящее время Крейг Сребник преподает в художественной академии штата Орегон и некоторых других университетах США, также он проводил художественные мастер классы в восемнадцати художественных школах и колледжах США и Франции. Он член академическая ассоциация Художников, Лиги американских профессиональных художников, общества американских художников импрессионистов, американского общества традиционных художников, Международной гильдии реализма, общества художников маслом Америки и портретного общества Америки.

Источник : http://www.risunoc.com/search/label/американский

Аргентинская художница. Alicia Brizzio

Современная аргентинская художница Алисия Бриссио родилась в городе Мар-дель-Плата,Аргентина, но  с 1992 года живет и работает в Буэнос-Айресе. Много раз посещала различные курсы, семинары и мастер классы по техникам живописи маслом, акрилом и пастелью, проводимые такими известными художниками как: Маркос Борио (пейзажи), Сильвия Пиерруззи (Натюрморт), Аделия Д'Алессандро (портрет) и Рикардо Селма (мистика, фэнтези). Ее работа образна. Ее картины находятся во многих частных и государственных коллекциях в Аргентине, США, Пуэрто-Рико, Чили, Эквадоре, Испании и Италии

 

Источник: Современные художники, фотографы и скульпторы со всего мира.

http://www.risunoc.com/2013/02/sovremennaya-khudozhnitsa-alicia-brizzio.html

Австралийский художник-реалист. Ian de Raat

Ян де Ра (Ian de Raat) - молодой и, по его словам, начинающий, австралийский художник-реалист. Он самоучка. В настоящее время работает как профессиональный художник и по совместительству как художник рекламы и арт-директор. Родился в Новой Зеландии в 1974 году, в 1999 году переехал в Брисбен, где до настоящего времени живет и работает.

Ян де Ра использует классические приемы, такие как наложение нескольких слоев прозрачного цвета. В своих картинах, придирчиво детализированных, Ян исследует темы непостоянства и децентрализованного самоуправления и экспериментирует с контрастом и светом.
 

Источник :Современные художники, фотографы и скульпторы со всего мира.

http://www.risunoc.com/2014/07/ian-de-raat.html

Корнелис ле Мэр - "Паганини кисти" 

 

Художник родился в 1944 году в Эйндховене. 

 

Он носит пальто XVIII века, джинсы и ковбойские сапоги, играет на музыкальных инструментах эпохи Возрождения, красивый, с выразительными темными глазами и длинными седеющими волосами. 
Его называют Паганини кисти... 
Юный художник по неопытности взял слишком много краски, и часть его боевого корабля в штормовом море просто сползла с холста. 
"Как же безутешно я рыдал, - вспоминает он теперь. - И тогда я поклялся, что обязательно выучусь секретам мастерства..." 
В детстве Сеес (Корнелиc) Ле Мэр мечтал стать Рембрандтом. Ну, или Вермеером, или Хальсом - главное, чтобы живописцем старой школы, подарившей миру "золотой век" голландской живописи. 
Он честно посещает художественную школу, постигая тонкости технического совершенства, вынося оттуда, однако одни лишь разочарования... 
Профессора смотрели недоуменно на юношу и советовали оставить его довольно нелепое увлечение XVII веком с его пышными портретами и библейской наготой. На дворе 60-е ХХ века, - все как один приверженцы абстрактного искусства и следуют принципам нью-йоркской школы. 

Ничего подобного не желал один из самых известных сегодня голландских художников. 
"Я хотел изучать анатомию, но смог найти только пару черепов в антикварной лавке. Тогда я отправился на старое кладбище и попытался выкопать скелет для своей студии. Естественно, попался..." 
На следующий день все газеты Эйндховена писали о "юном Франкенштейне". 
Выпустили из полиции его довольно быстро, но более оставаться в этом закостенелом городке не было сил. 
"Я уехал в Антверпен, где поступил в известную художественную школу, поселился в каморке, выживал на булочках и горячем шоколаде. 
Но, в конце концов, я научился рисовать". 
Корнелис живет свободно и беспечно, играет блюз, становится гитаристом в довольно известной группе. 
"У меня была подруга, собака и насыщенная жизнь. А днем я изучал технику старых мастеров. Боже, мы были настоящими фанатиками! Можете представить - выписывая волосы на портрете, я использовал кисть из одного-единственного волоса. Друзья называли меня Паганини кисти". 
Вернувшись в Эйндховен, Сеес Ле Мэр стал пользоваться огромным успехом, создавая портреты в стиле XVII столетия.
Власти города, чувствуя себя виноватыми перед художником за скандал с "Франкенштейном", предоставили ему старый особняк в пригороде. 
Это были настоящие замковые руины, но художник принимает это предложение, поскольку любит работать в тишине сельской местности. 
Многолюдному обществу Ле Мэр предпочитает компанию домашних питомцев, - он подобно Ною окружает себя множеством разнообразных животных, которых искренне любит. 

Но настоящие его сокровища - это Дом и Картины. 
Он обладает великим талантом комбинирования самых несочетаемых предметов, что полностью проявляется в обстановке дома: колонны из Раджастана, свинцовый стакан из Фландрии, индийские такни, китайские вазы, старинный голландский фаянс, копии фламандской мебели эпохи Возрождения, персидская плитка, - все составляет одно красочное целое. 

Оранжево-красные портреты от художницы 

Elzbieta Brozek

ТАЙНА ЖЕНЩИНЫ.... Коллекция работ современной польской художницы Elzbieta Brozek

Разлетясь по всему небосклону, 
Огнекрасная туча идёт. 
Я пишу в моей келье мадонну, 
Я пишу - моя дума растёт. 
Вот я вычертил лик её нежный, 
Вот под кистью рука расцвела, 
Вот сияют красой белоснежной 
Два небесных, два лёгких крыла... 
Огнекрасные отсветы ярче 
На суровом моем полотне... 
Неотступная дума всё жарче 
Обнимает, прильнула ко мне... 
~~~ 
Александр Блок 
~~~ 
Художник - Elzbieta Brozek

Рафаэль Санти (Raffaello Santi) из Урбино (1483-1520) 

Рафаэль (собственно Раффаэлло Санти или Санцио, Raffaello Santi, Sanzio) (26 или 28 марта 1483, Урбино — 6 апреля 1520, Рим), итальянский живописец и архитектор. 
В его творчестве с наибольшей ясностью воплотились гуманистические идеалы Высокого Возрождения о прекрасном и совершенном человеке, живущем в гармонии с миром, характерные для эпохи идеалы жизнеутверждающей красоты. Рафаэль, сын живописца Джованни Санти, ранние годы провел в Урбино. В 1500-1504 годах Рафаэль, по свидетельству Вазари, учился у художника Перуджино в Перудже.

Рафаэль Санти. Автопортрет

Произведения этого периода творчества Рафаэля отмечены тонкой поэзией и мягким лиризмом пейзажных фонов (“Сон рыцаря”, Национальная галерея, Лондон; “Три грации”, Музей Конде, Шантийи; “Мадонна Конестабиле”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; все — около 1500-1502). Близок по композиционному решению фреске Перуджино “Передача ключей святому Петру” в Сикстинской капелле Ватикана алтарный образ Рафаэля “Обручение Марии” (1504, Галерея Брера, Милан). С 1504 Рафаэль работал во Флоренции, где познакомился с творчеством Леонардо да Винчи и Фра Бартоломмео, занимался изучением анатомии и научной перспективы. Переезд во Флоренцию сыграл огромную роль в творческом становлении Рафаэля. Первостепенное значение для художника имело знакомство с методом великого Леонардо да Винчи. 

Мадонна Конестабиле. Рафаэль Санти. 1500-1502. Холст, масло, переведена с дерева. Эрмитаж. Санкт-Петербург.

Вслед за Леонардо Рафаэль начинает много работать с натуры, изучает анатомию, механику движений, сложные позы и ракурсы, ищет компактные, ритмически сбалансированные композиционные формулы. В последних флорентийских работах Рафаэля (“Положение во гроб”, 1507, галерея Боргезе, Рим; “Святая Екатерина Александрийская”, около 1507-1508, Национальная галерея, Лондон) появляется интерес к сложным формулам драматически-взволнованного движения, разработанным Микеланджело. Созданные им во Флоренции многочисленные изображения Мадонн (“Мадонна Грандука”, 1504, Галерея Питти, Флоренция; “Мадонна с младенцем Христом и Иоанном Крестителем” или “Прекрасная садовница”, 1507, Лувр, Париж; “Мадонна со щеглом”, Уффици) принесли молодому художнику всеитальянскую славу. 

Мадонна Грандука 1504

Рисунки карандашом. Isabel Morelli

Изабель Морелли (Isabel Morelli) - молодая испанская художница. Создаёт реалистичные рисунки карандашом. Любила рисовать всегда, сколько себя помнит. В результате рисование стало одним из её многочисленных и, пожалуй, самым главным хобби. Как художник она самоучка. Одним из источников, который Изабель использовала, чтобы узнать всё об изобразительном искусстве как можно больше стали учебники с различных веб-сайтов.

 

"Я люблю портреты, потому что они бросают вызов моей способности отразить суть человека и с помощью карандаша перенести её на бумагу".

Isabel Morelli

Источник: Интересное в живописи современных художников

Блог о живописи, современных художниках и фотографах.

Vincent Bakkum

Взгляните на весьма интересные рисунки голландского художника Винсента Баккума. Иллюстрации для модных журналов всегда считалось уникальным искусством. Художник должен найти баланс между целым рисунком и деталями одежды. Именно поэтому эту нишу редко кому удается освоить настолько хорошо, как удалось это Винсенту Баккуму.

Источник: Интересное в живописи современных художников

ЖЕНСКИЙ  ОБРАЗ  В  ТВОРЧЕСТВЕ

 МЭРИ  ЦЯНЬ

J.C. LEYENDECKER

(1874 -1951)

Джозеф Кристиан Лейендекер (Joseph Christian Leyendecker)

родился 23 марта 1874г. а городе Монтабаур,Германия.

Умер 25 июля 1951г. в Нью-Йорке, США.

Это гениальный североамериканский иллюстратор. Знаменит произведением рекламных постеров для фирмы «Arrow Collar» и обложек журнала «The Saturday Evening Post».

Диего   Веласкес 

(1599-1660) 

Веласкес Диего  великий испанский живописец. Собственно, Диего Родригес де Сильва Веласкес (Diego Rodriguez de Silva Velazquez). Веласкес родился 6 июня 1599 года в городе Севилья в Испании, в семье португальских евреев, принявших христианство. Учился в родном городе у живописцев Франсиско де Эрреры Старшего и Франсиско Пачеко (1610–1616), в 1617 получил звание мастера. До 1623 Веласкес работал в Севилье. Рано обратившись к кругу новых для испанской живописи тем и образов, в сценах из народной жизни “бодегонес” (от испанского bodegon – харчевня) создал галерею ярко характерных, полнокровных народных типов (“Завтрак”, около 1618, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Водонос”, около 1622, Музей Уэллингтона, Лондон). Контрастное освещение фигур, выдвинутых на передний план, плотность письма, интерес к точной передаче особенностей натуры сближают живопись севильского периода художника Диего Веласкеса с караваджизмом. 

 
В 1623 году Веласкес переехал в Мадрид и стал королевским живописцем. Знакомство с королевским собранием картин, встречи с Петером Паулем Рубенсом, посетившим Испанию в конце 1628 – начале 1629, и поездка в Италию (конец 1629 – начало 1631) содействовали совершенствованию его мастерства. Художник проницательнее вглядывался в мир, порывал с присущими искусству его времени условностями, искал пути к созданию полотен широкого обобщающего смысла. В картинах “Вакх” (“Пьяницы”, до 1630) и “Кузница Вулкана” (1630; обе картины в музее Прадо, Мадрид) художник объединил мифологические образы богов с грубоватыми, нарочито приземленными образами людей, наделил их реальными психологическими характерами. 
На формирование Диего Веласкеса как портретиста огромное воздействие оказала жизнь при королевском дворе, научившая художника постигать глубины человеческого характера, скрытые под маской придворного этикета. Бесстрастно-холодные парадные конные портреты королевских особ (инфанта Балтасара Карлоса, 1634–1635, Прадо, Мадрид) отличаются сдержанным великолепием поз, одежд, коней, величием пейзажных фонов. 
В портретах придворных, друзей, учеников Веласкес накапливал и синтезировал свои наблюдения, отбирал необходимые изобразительные средства. В этих полотнах обычно отсутствуют аксессуары, жесты, движение. Нейтральный фон благодаря тонкому соотношению валёров обладает глубиной и воздушностью; темные тона одеяний направляют внимание зрителя на ровно освещенные лица. Найденные для каждого портрета неповторимые сочетания оттенков серебристо-серого, оливкового, серо-коричневого цветов при общей сдержанности гаммы создают индивидуальный строй образов (портреты: Хуана Матеоса, около 1632, Картинная галерея, Дрезден; графа-герцога Оливареса, около 1638, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Дама с веером”, около 1648, собрание Уоллес, Лондон; серия портретов инфант, Лувр, Прадо). 
Мудрая непредвзятость и человечность Веласкеса воплотились в его портретах королевских шутов и карликов (Эль Бобо из Кории, Эль Примо, так называемого Хуана Австрийского, Себастьяна Мора и других, все – 1631–1648, Прадо, Мадрид). Тонко и точно разработанная гамма красных и розовых оттенков – эмоциональный ключ к пониманию жестко-правдивого образа папы Иннокентия Х (1650, Галерея Дориа-Памфили, Рим), портрет которого Веласкес написал во время второй поездки в Италию в конце 1648 – середине 1651 годов. 
К этому же периоду относятся “Венера перед зеркалом” (около 1650, Национальная галерея, Лондон), в которой необычный композиционный прием (лицо Венеры видно только в зеркале) придает особую свежесть и остроту изображению гибкого, стройного, полного жизненного обаяния обнаженного женского тела, а также два пейзажа “Вилла Медичи” (1650–1651, Прадо, Мадрид; по другому мнению – около 1630), в необычайно для своего времени широкой живописной манере воссоздающие целостные образы природы. 
В последние годы жизни Диего Веласкес написал две самые знаменитые свои картины. В картине “Менины” (“Фрейлины”, 1657, Прадо, Мадрид) частный эпизод придворного быта (на первом плане – инфанта Маргарита в окружении фрейлин и карликов, рядом – сам художник за исполнением портрета испанской королевской четы, отраженной в зеркале в глубине зала), изображенный в смелом пространственном развороте, предстает как один из моментов общего течения жизни во всей сложности ее взаимосвязанных и изменчивых проявлений. Пленительная красота и живописное многообразие реальности воплотились в серо-жемчужном колорите картины с нанесенными свободными ударами кисти голубыми, розовыми, темно-серыми, коричневатыми прозрачными мазками. 
В ином, более мажорном колористическом ключе написаны “Пряхи” (1657, Прадо, Мадрид), сцена в королевской мастерской ковров с фигурами прях на первом плане и ярко освещенным солнечным светом помещением в глубине композиции, где придворные дамы осматривают готовый ковер, изображающий миф об Арахне - ткачихе, превзошедшей в своем мастерстве богиню Афину. Контрасты освещения, “двуслойное” пространственное построение композиции, своего рода золотая пыль, окутывающая фигуры прях, создают в картине особую атмосферу общего для всех персонажей чувства, объединяющую в себе все их движения, жесты, душевные импульсы. 
В поздних произведениях Веласкеса с наибольшей полнотой сказались особенности его творческого метода: глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости ее проявлений, целостность ее образно-пластического воплощения, единство всех элементов художественной формы. Живописец Диего Веласкес писал без предварительных набросков, прямо на холсте, органично соединяя непосредственные впечатления от натуры со строгой продуманностью композиции, достигая впечатления, казалось бы, вольной импровизации и вместе с тем широкого обобщения. Творчество художника Веласкеса является вершиной испанской живописи XVII века и одним из ярчайших явлений мирового искусства.

В КАЖДОМ ПОРТРЕТЕ ПРИСУТСТВУЕТ ДУША.

АЛЕКСАНДР  ШИЛОВ

Александр Шилов - один из выдающихся художников XX столетия. 
Родился в 1943 году в Москве. На долю художника выпало тяжелое послевоенное детство. Учился рисованию в изостудии Дома пионеров, затем закончил в Московский художественный институт имени В.И. Сурикова (1968–1973). Еще будучи студентом, Александр Шилов в 1971 году принимает участие в выставках молодых художников Москвы, с 1972-го — во всесоюзных выставках. 

 

Карьера молодого живописца складывалась весьма успешно, а восхождение к вершинам мастерства и общественного признания просто стремительно. 

 
В 1976 году он принят в члены Союза художников СССР, в 1977-м ему присвоено звание лауреата премии Ленинского комсомола, в 1980-м — звание заслуженного художника РСФСР, в 1981-м — народного художника РСФСР, а в 1985 году — народного художника СССР. Академик РАХ. 

ЖЕНСКИЙ ОБРАЗ  НА  ПОЛОТНАХ

 ЖАНА  ОГЮСТА  ДОМИНИКА  ЭНГРА

Жан Огюст Доминик Энгр (фр. Jean Auguste Dominique Ingres; 1780-1867) — французский художник, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века. 

Автопортрет

Энгр родился 29 августа 1780 в Монтобане на юго-западе Франции. Учился в тулузской академии изящных искусств. По окончании академии он переезжает в Париж, где в 1797 становится учеником Жака-Луи Давида. В 1806-1820 учится и работает в Риме, затем переезжает во Флоренцию, где проводит ещё четыре года. В 1824 возвращается в Париж и открывает школу живописи. В 1835 вновь возвращается в Рим в должности директора Французской академии. С 1841 года до конца жизни живёт в Париже. 
В своём видении классицизма Энгр не разделял ни революционной тенденции своего учителя Давида, ни консерватизма Кановы; его идеал был противоположен романтическому идеалу Делакруа, что привело к упорной и резкой полемике с последним. Более всего Энгра интересовала форма, которая у него не сводилась к некому идеалу, но была связана со своеобразием предмета изображения. 
Энгр вошёл в историю французской живописи прежде всего как великолепный портретист. В числе множества написанных им портретов особенно стоит отметить портреты поставщика императорской армии Филибера Ривьера, его жены и дочери Каролины, из которых более всего известен последний (все три — 1805); портреты Наполеона — первого консула (1803-04) и императора (1806); Луи-Франсуа Бертена (старшего), директора газеты Journal des débats (1832). 
Также писал и большие программные полотна: «Триумф Гомера», «Передача ключей св. Петру», «Обет Людовика XIII»; однако, при всём мастерстве и упорстве, вложенном в эти работы, их содержание было в известном смысле оторвано от проблем и потребностей времени (чем они отличаются от, например, «Клятвы Горациев» или «Сабинянок..» Давида), что придавало им определённую эклектичность и холодность. 
Широкую известность получили работы Энгра, воплотившие его понимание обнажённой женской натуры, такие, как т. н. «Одалиска Вальпинсона» (1808), «Большая одалиска» (1814), «Венера Анадиомена» (1848). Однако Энгр склонен к самоцитированию, и поза фигуры в «Венере Анадиомене» один в один повторена в картинах «Источник» (1856) и «Турецкие бани» (1863). Последняя работа являет собой некую «ретроспективу» найденных им образов ню; узнаваема, в частности, фигура «Одалиски Вальпинсона» на первом плане. 
Энгр первым из художников свёл проблему искусства к своеобразию художественного видения. Вот почему, несмотря на классическую направленность, его живопись привлекла к себе пристальный интерес импрессионистов (Дега, Ренуара), Сезанна, постимпрессионистов (в особенности, Сёра), Пикассо. 
Энгр умер 14 января 1867, похоронен на парижском кладбище Пер-Лашез.

ПОДБОРКА  РАБОТ  ХУДОЖНИКА:

Мадам Муатессьё

Современные картины маслом от Maria Kreyn 

Maria Kreyn родилась в Нижнем Новгороде, но живет  с 4-х лет  в Америке. Богатое культурное наследие России просвечивает сквозь её полотна. Она считает, что для вечности нет понятия "старомодный". С её картин на нас смотрят лица послов, несущих вам сообщение о том, что человек может превзойти время, место, пол, культуру и этническую принадлежность. Это исследование чувственной стороны человеческой сущности, которую разделяют все люди, вне зависимости от их временных и культурных различий.

Рубен Беллонсо Адорна

и его фотореалистичные портреты 
(«Science-Art») 
 
Рубен Беллонсо Адорна - молодой художник из итальянского города Севилья. Рисует он исключительно пастелью на деревянных холстах. Многие поклонники творчества Рубена уже окрестили его гением XXI века.

Pin-up — художник Джил Элвгрен (Gil Elvgren)

Само название Pin-Up произошло благодаря водителям-дальнобойщикам, которые обклеивали свои грузовики страницами с красивыми девушками. Дословно "pin up" - прикалывать. 
Одним из самых значимых пинап-художников ХХ века считается Джил Элвгрен (Gil Elvgren). Героинями Элвгрена становились «девушки-соседки», которых застали врасплох во время различных пикантных ситуаций. Моделей и сюжеты для своих иллюстраций Джил Элвгрен перерисовывал с фотографий.

Джил Элвгрен (Gil Elvgren) (1914-1980) за всю свою профессиональную деятельность, которая началась в середине 1930-х годов и длилась более сорока лет,  зарекоменовал себя в качестве явного фаворита среди коллекционеров и поклонников пин-апа во всем мире. И хотя Джил Элвгрен считается, главным образом, пин-ап художником, он заслуживает звания классического американского иллюстратора, который смог охватить различные сферы коммерческого искусства.

25 лет работы для рекламы Coca-Cola помогли ему зарекомендовать себя, как одного из великих иллюстраторов в этой сфере. Реклама Coca-Cola включала в себя изображения “Девушек Элвгрена” в стиле пин-ап, большинство этих иллюстраций отображали типичные американские семьи, детей, подростков – обычных людей, занимающихся повседневными делами. Во время Второй Мировой войны и войны в Корее Элвгрен даже рисовал иллюстрации на военную тему для Coca-Cola, некоторые из которых стали “иконами” в Америке.

Джил Элвгрен родился 15 марта 1914 года, вырос в Сант-Поль-Миннеаполисе. Его родители, Алекс и Голди Елвгрен (Alex и Goldie Elvgren) были владельцами магазина в центре города , где продавали обои и краску.

После окончания старшей школы, Джил хотел стать архитектором. Родители одобряли это желание, так как заметили его талант к рисованию тогда, когда в возрасте восьми лет, мальчика устранили с занятий в школе из-за того, что он изрисовал поля учебников. В конце концов Элвгрен поступил в университет Миннесоты для изучения архитектуры и дизайна, параллельно посещая курсы искусства в художественном институте Миннеаполиса. Именно там он понял, что рисование интересует его куда больше, чем проектирование зданий.

Осенью того же года Элвгрен женился на Джанет Кумминс (Janet Cummins). И вот, на Новый Год молодожены переезжают в Чикаго, где было много возможностей для художников. Конечно, они могли бы выбрать Нью-Йорк, но Чикаго был ближе и безопаснее.

По прибытию в Чикаго Джил старался сделать все для развития своей карьеры. Он поступает в престижную Американскую Академию Художеств в центре города, где и подружился с Билом Мосби (Bill Mosby), опытным художником и преподавателем, который всегда гордился тем, что Джил развивался под его руководством.

Во время обучения в институте Джил никогда не прекращал работать. Его иллюстрации уже тогда украшали брошюры и журналы академии, в которой он учился.

Там Джил познакомился со многими художниками, которые стали его друзьям на всю жизнь, например: Гарольд Андерсон (Harold Anderson), Джойс Баллатрин (Joyce Ballantyne).

Джил обладал великолепным вкусом, к тому же он был остроумен. Его работы всегда интересны композицией, цветовыми схемами, а тщательно продуманные позы и жесты делают их живыми и волнующими. Его картины искренние. Джил чувствовал эволюцию женской красоты, что было очень важным. Поэтому Элвгрен был всегда востребован заказчиками.

Способность Элвгрена передавать женскую красоту была непревзойденной. Во время рисования он обычно сидел в кресле на колесиках, чтобы можно было легко передвигаться и смотреть на рисунок с разных ракурсов, а большое зеркало позади позволяло ему иметь общее представление о картине целиком. Главным в его работе были девушки: он предпочитал моделей 15-20 лет, которые только начинали свою карьеру, так как в них была непосредственность, которая пропадает с опытом. Когда его спрашивали о его технике, он говорил, что добавляет свои штрихи: удлиняет ноги, увеличивает грудь, суживает талию, делает губы более пухлыми, глаза – более выразительными, нос – курносым, тем самым придавая модели большую привлекательность. Элвгрен всегда тщательно прорабатывал свои идеи от начала до конца: подбирал модель, реквизит, освещение, композицию, даже прическа была очень важна. После всего он фотографировал сцену и приступал к рисованию.

В 1956 году Джил переехал с семьей во Флориду.  Там он открыл отличную студию, где обучался Bobby Toombs, по праву ставший признанным художником. Он говорил, что Элвгрен был прекрасным учителем, который научил его вдумчиво пользоваться всеми своими навыками.

Во Флорде Джил нарисовал огромное количество портретов, среди его моделей были Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. В 1950-1960 гг каждая начинающая модель или актриса хотела бы, чтобы Элвгрен нарисовал девушку по ее подобию, которая бы потом была напечатана на календарях и постерах.

Но весь этот успех Джила в 1966 году омрачила ужасная трагедия, которая настигла его семью: жена Джила, Джанет, умерла от рака. После этого он еще больше окунулся в работу. Его популярность остается неизменной, ему не нужно ни о чем беспокоиться, кроме как о результате своей работы. Это был лучший период карьеры Элвгрена, если бы не смерть жены.

Отличительной чертой работ Джила было то, что глядя на картины, казалось, что девушки на них вот-вот оживут, поздороваются или предложат выпить чашечку кофе. Они выглядели миловидными и полными энтузиазма. Всегда очаровательные, вооруженные приветливой улыбкой, они даже во время войны они дарили солдатам силы и надежду на возвращение к своим девушкам домой.

Многие художники мечтали о том, чтобы рисовать так, как это делал Элвгрен, его талантом и успехом восхищались все. Он достиг вершины мастерства в своем деле.

29 февраля 1980 года, Джил Элвгрен, человек, который посвятил себя тому, чтобы радовать людей своим творчеством, скончался от рака, в возрасте 65-ти лет. Его сын Дрэйк нашел в студии отца последнюю незаконченную, но тем не менее великолепную картину для Brown and Bigelow. Со смерти Элвгрена прошло три десятилетия, но его искусство до сих пор живет. Без сомнения, Элвгрен войдет в историю, как художник, который сделал великий вклад в американское искусство двадцатого века.

Подробнее о художнике см.:fototips.ru/praktika/pin-up-xudozhnik-gil-elvgren/

Молочный пин-ап 

Девушки в стиле пин-ап были бешено популярны в 30-50 гг прошлого века. Не теряет этот жанр актуальности и сегодня. Это винтажно, высокохудожественно и совсем не пошло. 
Изначально пин-ап рисовали с фотографии. Современные технологии обработки снимков позволяют дорабатывать образ в цифровом формате. Что и делает польский фотограф и художник Ярослав Визоркевич (Jaroslav Wieczorkiewicz). 
Вдохновившись красотками с картин главного пинап-художника ХХ века Джила Элвгрена, Ярослав дополнил образ своих моделей платьями из молока.

Ярослав Визоркевич родом из Польши, а живёт и работает в Англии, в Лондоне. Занимается рекламной фотографией и в своём деле достиг великолепной техники.

Подробнее на странице http://kaifodrom.ru/wieczorkiewicz/ | Кайфодром

Фантазия польского фотографа Ярослава Визоркевича (Jaroslav Wieczorkiewicz) буквально сражает наповал: он одевает своих моделей в платья... из молока. Представляем его удивительный проект Milk. 

Еще несколько лет назад Ярослав открыл собственную студию "AurumLight", специализирующуюся на концептуальной и реламной фотографии. 
С тех пор она завоевала огромную популярность, а Ярослав вместе со своей командой реализовал множество творческих проектов. Работы Ярослава публикуют крупнейшие издания, он сотрудничает со многими брендами. 

При реализации проекта "Milk" Ярослав использовал оборудование Hensel.

Художница Кинуко Крафт (Kinuko Y.Craft)   

Кинуко Крафт (Kinuko Y. Craft) - одна из наиболее уважаемых и известных сегодня фэнтезийных художниц в жанре Renaissance. Ее знают в основном по иллюстрациям различных книг писателей в жанре фентези, оперных плакатов и национальных журналов. Ее творчество отличается детализацией и страстной любовью к изобразительному искусству и глубоким знанием истории искусств. 
Автор 1940 года рождения. Родилась в Японии. Там же закончила Kanazawa College of Art. С 1964 года проживает в США.

Работы  художницы см. также : http://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post322328337

Картины эпохи возрождения

Юлиус Леблан Стюарт (1855- 1919) –

американский художник 

Его отец, Уильям Стюарт Худ, был известным коллекционером, патронировал школу художников в Барбизоне, вторую половину жизни провёл в Париже. Он привёз туда 10-летнего сына и дал ему европейское художественное образование. Стюарт учился в школе изящных искусств в мастерской Жана-Леона Жерома, и у испанских живописцев. 
Первоначально художник специализировался на реалистичных многофигурных картинах, изображая известных людей парижского общества. Наряду с Джоном Сингером Сарджентом, Юлиус стал самым популярным художником-американцем в Париже, после своей экспозиции на парижском Салоне в 1878 году и получил прозвище "Парижанин из Филадельфии". 
Стюарт рисовал много картин, в полной мере передающих атмосферу наступавшей Belle Epoque. Помимо картин, посвящённых бытописанию «богатых и знаменитых» или просто состоятельных европейцев, им было создано немало чувственных полотен в стиле «Ню», а также рисунков собак, так как Юлиус всю жизнь был страстным «собачником». 
В 1905 году художник пережил духовно-религиозный кризис и заметно переключил своё внимание в творчестве на изображение пейзажей Венеции и создание картин на религиозную тематику. 
Интерес к творчеству Леблана со всеми, присущему ему сильными и слабыми сторонами, на несколько десятилетий утих, и как о значимом или, как минимум, заметном американском творце о Юлиусе Стюарте художественные критики стали говорить примерно с середины XX века.

Portrait Of Mrs. Francis Stanton Blake

Flower Gir

After The Ball