В ромашковом краю Владимира Бжезовского

Мастер родился в 1966 году в городе Бобруйске, что в Белоруссии, тогда ещё Советской Социалистической. Учился в Минском художественном училище. А в новой истории, в 1994 году, перебрался в Россию, в Вологду. В этом городе и живет до настоящего времени.

Его работы хранятся во многих государственных музеях. Их охотно приобретают коллекционеры по всему миру.

Хильда Николас (1884—1961) — австралийская художница

Биография

Родилась 1 сентября 1884 года в городе Балларат австралийского штата Виктория в семье Henry Finch Rix и Elizabeth Sutton.

В детстве занималась музыкой и рисованием вместе со своей сестрой Элси. Училась в мельбурнской школе Melbourne Girls Grammar. Брала уроки живописи у Mr Mather, прежде чем пошла учиться в художественную школу National Gallery of Victoria Art School, где обучалась в 1902—1905 годах. Её преподавателем был ведущий участник Гейдельбергской школы Фредерик Маккаббин. В числе сокурсниц Хильды были Jessie Traill, Norah Gurdon, Ruth Sutherland, Dora Wilson и Vida Lahey. Некоторые рисунки, выполненные юной ученицей в студенческие годы, были включены в ежегодные выставки Викторианского общества художников и салона Austral Salon.

В 1907 году некоторые её знакомые-художники посоветовали Хильде продолжить образование у разных мастеров, и она отправилась в Европу. Приехала в Париж, где работала с австралийским художником Эммануилом Фоксом^[en]. Обучалась в академии Académie Delécluse и посещала академию Гранд-Шомьер. Вместе с матерью и сестрой путешествовала по Франции и Италии, проводила лето в Этапльской художественной колонии^[en] на севере Франции вместе с другими австралийскими художниками. Около 1909 года Хильда Рикс познакомилась с Уимом Братом (Wim Brat), студентом-архитектором из богатой голландской семьи. Он попросил у матери Рикс разрешение на женитьбу на её дочери, и миссис Рикс согласилась. Однако счастливая помолвка расстроилась из-за отношений Хильды с матерью Уима. Художница продолжила работать в Европе и выставлялась в Парижском салоне в 1911 году (вместе с другими австралийцами — Артуром Стритоном и Джорджем Беллом).

В период с 1912 по 1914 годы Хильда Рикс дважды побывала в Северной Африке. Впервые, когда присоединилась к американскому художнику Генри Таннеру и его жене мисс Симпсон в поездке по Марокко в январе 1912 года. Они также путешествовали по Испании, где Рикс познакомилась с работами Веласкеса. Около трех месяцев Хильда работала в Танжере, показав в 1913 году несколько своих картин на Парижском салоне и в обществе французских художников Société des Peintres Orientalistes Français. Она вернулась в Танжер в начале 1914 года со своей сестрой Элси. Сёстры вместе вернулись из Африки в Англию, а затем во Францию, где Хильда снова провел лето в Этапле.

Разразившаяся Первая мировая война не привела семью Рикс к эвакуации в Лондон в августе 1914 года. При этом заболели её мать и сестра: Элси умерла 2 сентября 1914 года, мать Элизабет — в марте 1916 года. Следующее несчастье произошло с самой художницей. Перед отъездом их Этапльской художественной колнии она познакомилась с австралийским офицером капитаном Джорджем Николасом (George Matson Nicholas). Они снова встретились в сентябре 1916 года и поженились 7 октября в Лондоне. Через три дня Николас вернулся на службу и погиб 14 ноября 1916 года во время битвы на Сомме в сражении под городом Флер.

В марте 1918 года Хильда покинула Англию и 10 мая прибыла в Мельбурн. Там, при поддержке художницы Генриетты Гулливер и членов городского художественного клуба Women's Art Club, художница начала новый этап своей профессиональной карьеры. Она начала выставляться и получать хорошие отзывы коллег и критиков. Несколько её работ были приобретены Национальной галереей Виктории. В сопровождении своей подруги Дороти Ричмонд (Dorothy Richmond) отправилась работать в сельскую местность Нового Южного Уэльса, где много времени провела в небольшом городке Delegate на границе со штатом Виктория, создав множество работ. В Австралии художница провела несколько персональных выставок, включая выставку в Сиднее в августе 1923 года.

На родине художница купила автомобиль, часть которого была заполнена художественными принадлежностями, и вместе с Дороти Ричмонд ездила по стране, создавая пейзажи начиная от Канберры до Квинсленда. В 1920-х годах Хильда Николас познакомилась с семьёй фермеров Wright и 2 июня 1928 года в Мельбурне вышла замуж за Эдгара Райта (Edgar Wright), и пара поселилась в собственном имении под названием Knockalong, недалеко от Delegate.

Хильда продолжала выставляться под фамилией Николас, хотя уже была известна как Рикс Райт. Ее подруга Дороти Ричмонд вышла замуж за двоюродного брата Эдгара Райта — Уолтера, и поселилась в этом же регионе. Хильда Райт провела ряд выставок, последняя её персональная экспозиция прошла в 1947 году. К этому времени здоровье художницы стало ухудшаться, а тяга к живописи угасала. Была представлена вместе с сыном на выставке в Сиднее в 1954 году: она показывала свои картины, сын — скульптурные работы.В 1924 году Хильда Николас, снова путешествуя с Дороти Ричмонд, отправилась во Францию, намереваясь выставить свои работы в Европе. Прибыв в Париж в июне, она арендовала студию на Монпарнасе, которая ранее принадлежала французской художнице Розе Бонер. Выставка работ в престижной галерее Georges Petit Galerie в Париже в январе 1925 года имела большой успех, что привело к успешным продажам её картин. Затем состоялись и другие выставки, в том числе в Англии в International Society of Sculptors, Painters and Gravers и в Королевской академии художеств. В декабре в Англии прошла еще одна её выставка в Beaux Arts Gallery. В Англии Хильда Николас создала одну из самых необычных работ, которая также стала ее самым большим полотном — «Les fleurs dédaignées», высотой почти 2 метра и шириной 128 сантиметров, которая представляет собой портрет молодой женщины в модной одежде восемнадцатого века. В 1926 году Хильда снова стала участницей лондонской выставки Королевской академии художеств, она также была представлена на выставке Société Nationale des Beaux-Arts Spring в Париже. В конце 1926 года Хильда и Дороти вернулись в Австралию.

Умерла 3 августа 1961 года в городе Delegate, Новый Южный Уэльс. После смерти художницы было проведено несколько её мемориальных выставок.

Многие из работ Хильды Рикс Райт попали в частные коллекции, значительная часть была утеряна в результате пожара в их имении семьи после ее смерти в 1960-х годах. Творчество австралийской художницы представлено в большинстве крупных художественных галерей Австралии, включая Art Gallery of South Australia, National Gallery of Australia и Queensland Art Gallery. Некоторые работы находятся в художественных музеях Европы.

Личная жизнь

В 1916 году познакомилась и вышла замуж за Джорджа Николаса (George Matson Nicholas), став вдовой через месяц, когда он был убит на Западном фронте Первой мировой войны.

В 1928 году вышла замуж за Эдгара Райта (Edgar Wright), с которым познакомилась во время своих путешествий в начале 1920-х годов. Их единственный ребенок — сын Рикс Райт (Rix Wright), родился в 1930 году, стал известным скульптором.

ВИКИПЕДИЯ

Жан-Батист Клод Роби

(фр. Jean Baptiste Claude Robiе). Натюрморты

Жан-Батист Роби — известный бельгийский художник —  родился в 1821 году в многодетной семье кузнеца в Брюсселе. Детство было трудным, практически все время мальчику приходилось проводить в душной и темной кузнице. Но уже с 11 лет мальчик начинает раскрашивать посуду из стекла и фарфора и приносить домой небольшой заработок. Родители, видя, что ребенку нравится рисовать, отдали его в подмастерье к художнику. Юноша чувствовал в себе больший потенциал, поэтому решил отправиться в Париж. 6 лет – это тяжелые года безденежья, унижения, попыток выжить. Но, несмотря на трудности, молодой человек пытается образовывать себя, покупая на скудный заработок книги.

В то же время он «ищет себя» — пытается оформлять интерьеры, расписывает фарфор и стекло, берет уроки живописи у художников, посещает занятия частной студии. Благодаря своему упорству и безграничному стремлению заниматься живописью Жан Батист поступает в Королевскую Академию изящных искусств.

Будучи студентом, Jean-Baptiste Robie решил подработать, выставляя свои картины в придорожных лавках. Так как тема Наполеона была в то время очень популярна, молодой человек решил для туристов на пробу изобразить портреты Наполеонов. Он был изумлен, что миниатюры стали пользоваться большим спросом. Хозяин лавки проявил деловую хватку, сообразив, что цветочные натюрморты становятся все более востребованными, и предложил делать на заказ натюрморты маслом с цветами. Причем желательно, чтобы это были розы, так как букеты с розами должны поражать туристов роскошью и пышностью.

Жан Батист Роби отказался от коммерческих работ и понял, что нашел тот жанр, которому бы  хотел посвятить свое творчество.
С тех пор он стал известным и популярным натюрмористом. В 1848 году Жан Батист Роби получил золотую медаль Салона за натюрморт с цветами. Неоднократно получал медали за свои работы на разных выставках и в галереях, заказы шли постоянно, он стал обеспеченным и независимым художником.

За свою жизнь Жан Батист Роби много путешествовал по Европе, побывал в Италии, Испании, Франции и Германии, много времени провел на Ближнем Востоке, а в Индии прожил два года. В его картинах зазвучала восточная тема. Кстати, он описал свои воспоминания о пребывании в Индии в известной своей книге «Путешествие в Индию» (1886) . Поэтому можно смело говорить, что Жан Батист Роби был не только выдающимся живописцем натюрмортов маслом с цветами, но и литератором и востоковедом.

Пребывание на Востоке настолько сильно повлияло на творчество мастера, что он погрузился в мир пейзажей и восточные мотивы стали преобладать в его живописи. Но, вернувшись на Запад, вернулся к своей любимой теме – натюрморты с цветами, хоть новые цветочные картины явно приобрели колорит Востока.

В последние годы жизни Жан Батист Роби ведет активную общественную жизнь. В 70 лет он становится членом Королевской Академии изящных искусств Бельгии. Он также входит в состав Исполнительного Комитета Королевского музея живописи и скульптуры.
Жан Батист Роби умер в возрасте 89 лет. В последние дни он тяжело болел, все в время проводил в постели и пытался делать заметки для своей книги «Городской пейзаж».   Картины Жан Батист Роби выставлены во многих художественных музеях и галереях мира, в частных коллекциях и очень ценятся любителями живописи маслом и любителями пышных цветочных натюрмортов.

«Армянский Модильяни» Лев Баяхчев

Основные даты жизни и творчества художника Льва Баяхчева

1930 г. Родился 7 сентября в Тбилиси (Тифлис) в семье инженера-строителя С. Г. Баяхчева. Мать — Т. Д. Белая. Воспитанием детей — Левы и его младшей сестры Инги — занималась бабушка А. М. Белая.
1953−1959 г. После окончания средней школы учился в Тбилисской Государственной Академии Художеств. Занимался в мастерских художников: проф. А. К. Кутателадзе, проф.К.Санадзе. Академию закончил с отличием.
1954 г. За отличную учебу был премирован поездками в Санкт-Петербург (бывший Ленинград) и Москву. Знакомство с сокровищницами музеев оказало большое влияние на развитие его художественной культуры и профессионального мастерства.

1955 г.
Женитьба на Елене Миляковой, уроженке Санкт-Петербурга, с которой он прожил всю жизнь. От этого брака у них родилось двое детей. Жанна и Сергей — унаследовали от отца его художественные способности.

 

Лев Баяхчев и её величество Любовь

Баяхчев Лев Сергеевич (1930, Тбилиси — 1992, Тбилиси) — Советский живописец и график, заслуженный художник Грузинской ССР.
Родился в семье инженера-строителя.
С отличием окончил Тбилисскую Академию Художеств (мастерские проф. А.К.Кутателадзе, проф.К.Санадзе) в 1959 году. Член Союза художников СССР с 1963 года.
Первая персональная выставка состоялась в апреле 1974 г. в квартире Е.Д. Ахвледиани, и в том же году — персональная выставка в помещении Государственного общества дружбы и культурных связей в Тбилиси.
Персонвльные выставки в Тбилиси (1984, 1985, 1987, 1989), в галерее «Тинатин» (Берлин, Германия, 1991).
Посмертные выставки состоялись в Тбилиси (1997-2013)
Работы Льва Баяхчева находятся в Государственном музее искусств Грузии, в Национальной картинной галерее Грузии, в музеях Телави, Сигнахи, Батуми (Грузия), а так же в музее современного искусства Zimmerly Art Museum, New Jersey в США, а также в частных коллекциях Грузии, России, Израиля, США, Франции, Италии, Греции, Украины, Аргентины, Германии.
Лев Баяхчев — один из лучших представителей и продолжателей армянской традиционной портретной и пейзажной школы в Грузии. Художник по праву считается одним из лучших мастеров поиска цвета и форм, в его произведениях отчетливо проявляется целостность художественного образа.

http://erzi-gallery.ru/painters/bayahchev-lev/

 

Портрет дочери художника

 

Женский портрет

 

Женский портрет

Художник Damian Lechoszest

Он выставляется в странах Европы, включая Чехию, Германию, Россию, Великобританию, Ирландию, Францию ​​и свою родную Польшу. Используя перья, выразительные штрихи кисти, Damian Lechoszest стремится записывать и увековечить исчезнувшие польские народные традиции своей Родины.

Damian Lechoszest

"Однажды, как каждый начинающий художник, я пытался найти свой, легко узнаваемый, неповторимый стиль. После нескольких лет испытаний я обнаружил, что такой процесс не имеет смысла, потому я начал рисовать в гармонии с собой, без усилий. Я, естественно, обратился к изображению людей. В моих картинах я стараюсь спасти от забвения польские традиции, обряды и обычаи, которые медленно вымирают. Они - единственные вневременные и наднациональные ценности, которые придают жизни смысл.

Люблю фигуративное искусство, а портрет - это только часть его, самый трудный. С помощью портрета вы должны передать нечто большее, чем визуальная форма. Вам нужно обратиться к тайне, без которой мир не существовал бы. Мне нравится смотреть, как люди стоят перед моими портретами. Они чувствуют что-то магическое, взаимодействуют с картиной. Я часто слышу, что мои портреты более реальны, чем реальность.

Идеи для работ - это наблюдения самой жизни. Человек в современном мире слишком быстро бежит по жизни, игнорируя не только прекрасные виды, которыми он не может восхищаться, но также не знает, куда он идет и почему. Используя все мои знания, я стараюсь показать наблюдателю то, что он может видеть каждый день, и то, чего он не видит. Оскар Уайльд сказал: "Истинная тайна мира - видимая, а не невидимая".

https://my-fine.com/blog/43112760818/Istinnaya-tay...rtesen.ru&paid=1&pad=1

Волшебные акварели Susan Winget

Сюзан Уингет — один из самых любимых художников Америки, с ее стилем живописи, который вызывает тепло и хорошее настроение. На протяжении всей своей карьеры Сьюзен украшала множество продуктов, включая календари, столовую посуду, коробки, канцелярские товары, подушки, коврики и украшения.

Эстетически приятные и доступные стили Сьюзен отражают ее страсть к жизни, энтузиазм к росту и ее мечту делиться благословениями с большим сообществом через работу ее студии. Сегодня многие из картин Сьюзен можно найти в частных и корпоративных коллекциях по всему миру.

Художник-гиперреалист Omar Ortiz

Художник Омар Ортис (Omar Ortiz) родился в Гвадалахаре, Халиско (Мексика), в 1977 году. 

С детских лет увлекался графикой и даже получил учёную степень в области графического дизайна. Но жизнь художника кардинально изменилась после встречи с Олио Кармен Алакорном, который стал для молодого живописца даже больше, чем просто учителем – этот мастер открыл для Омара Ортиса мир ярких красок и волшебство работы с масляными красками.

Впрочем, и сегодня в работах Omar Ortiz и сегодня можно увидеть характерные следы его детского увлечения – графики. Некоторые работы художника избыточно статичны, минимальны по цветовой гамме, а в ряде работ фоны напоминают компьютерную графику.

Как всякий художник-гиперреалист, Омар Ортис много работает. Он самый настоящий трудоголик – в его коллекции сотни работ. И если некоторые из них, на первый взгляд, напоминают творчество ученика, то невероятный уровень прорисовки отдельных элементов говорит о том, что это выдающийся мастер гиперреализма.

Большинство работ Омара Ортиса – о красоте женщины. Эти работы очень узнаваемы и руку этого мастера невозможно спутать с работами других мастеров гиперреализма. Есть, безусловно, и спорные моменты в творчестве живописца… Например, критики недовольны тем, как художник пишет волосы… Может быть, они и правы. Но у художника есть свои поклонники и его работы востребованы. Есть ценители и поклонники, есть постоянный спрос. И со стороны галерей, и со стороны покупателей. Во всяком случае, его называют одним из выдающихся художников-гиперреалистов настоящего времени.

К моему глубокому сожалению, в интернете совсем непросто найти работы художника приличного качества и в хорошем разрешении. По этой причине я могу предложить вашему вниманию совсем небольшую галерею, которая (надеюсь) доставит вам удовольствие.

https://svistanet.com/hudozhniki-i-art-proekty/kar...k-giperrealist-omar-ortiz.html

Итальянский художник-реалист 

Bruno Di Maio

Итальянский художник-реалист Бруно Ди Майо (Bruno Di Maio). Родился в Триполи, Ливия, в семье итальянских родителей, несколько последних лет живёт и работает в течение в Тоскане. Он посвятил долгие годы, чтобы приобрести, наконец, умопомрачительные технические навыки.

Художник, график, отличный акварелист, Бруно работает в основном для международных клиентов, а также в крупных городах Италии, Лос-Анджелесе, Сан-Франциско, Нью-Йорке, Токио и Мадриде. Также художник оформлял различные детали интерьера, например, декоративные панели для маскировки цепных моторов, наподобие тех, которые можно увидеть здесь . Его реалистичные картины есть во многих государственных и частных коллекциях современной живописи.

"Я родился в Северной Африке мои родители, по происхождению итальянцы, были в числе первых поселенцев на ливийской земле. Я очень рано начал возиться с углем и цветными карандашами. Это была моя единственная игра в одиночестве, на освещенной палящим солнцем, ферме, принадлежащей моим родителям. Продолжительная болезнь, которая настигла меня, заставляя проводить много времени в постели, стала причиной рождения страсти к чтению сказок и фантастическим и волшебным играм с моими новыми "друзьями", а затем и к попыткам представить их с помощью карандашей и красок. Может быть, все это, согретое непримиримым африканским солнцем, подтолкнуло меня к живописи.

Я изучал изобразительное искусство в художественных институтах Перуджи и Рима, где имел счастье жить в годы моей молодости. Вскоре я начал работать в древней столице, которая для меня в то время была действительно мифическим городом. Я работал как реставратор, вместе с лучшими мастерами тех лет, включая Пико Челлини, моего духовного наставника. Он был тем, кто научил меня любить живопись и восхищаться картинами великих мастеров прошлого. Остальное было "неизбежным". Я мог только выбрать чем заняться, потому что меня окружали и постоянно вдохновляли произведения великих учителей, которые жили на улицах этого древнего города: позолотчики, резчики, краснодеревщики - лучшие мастера той потерянной эпохи.

https://www.risunoc.com/2014/08/bruno-di-maio.html

Чувственный танец души.

Художник Анна Разумовская

Анна Разумовская — известная художница, входит в тройку лучших мастеров Северной Америки в направлении Figurative art (фигуративизм). Родилась Анна в России, после школы поступила в Ростовский университет на художественный факультет по настоянию родителей. Но быстро полюбила художественную деятельность и к окончанию университета поняла, что живопись и есть дело её жизни и призвание.

Дальше была учеба в Бельгии, Голландии и Германии. «Но самой большой школой оказалась Канада, где необходимо было выживать и заниматься именно тем, что ты действительно умеешь делать хорошо. Лучшая школа — это жизнь», — рассказывает Анна.

Быстро, легко, ярко. Картины Анны Разумовской

На создание картины у нее уходит в среднем несколько недель, и как пишет художница «двадцать лет моего опыта». Пишет она довольно быстро, причем, работает, как правило, сразу с несколькими холстами. Пишет картины в цвете, древесным углем и сепией, наброски (скетчи).

Анна Разумовская имеет свою галерею в Торонто, постоянно участвует в международных выставках. А мы с вами можем полюбоваться ими на сайте художницы Анны Разумовской

«Быстро, легко, ярко. Именно так я рисую, как я живу. Моё искусство является отражением моей жизни, отражением себя…» Анна Разумовская.

У художницы много заказов. 

А сейчас давайте посмотрим картины Анны Разумовской. Красота тела, движение в танце, страсть, музыка во всех проявлениях — эти темы вечны, популярны и отлично удаются кисти художницы.

Tango Ballad — Баллада о танго

Танец тела и души. Всплеск эмоций, страсть, взмах юбки, создающий колебания воздуха. Чёткие, стремительные движения, азарт, резкий поворот головы, изгиб тела. Юбки танцовщиц напоминают лепестки цветка, окружающие нежную сердцевину.

Сразу и не понятно: три женщины на картине или одна в постоянном движении. Скорее напоминает фотографию, уж очень точно передана динамика. Хочется присоединиться к этому живому танцу!

Timeless Journey — Бесконечное движение

Балет — великое и прекрасное искусство. Из зала мы завороженно смотрим на действо, не задумываясь об изнанке в виде изнурительных тренировок, травм, концентрации воли, строгих диет и ограничений, слез разочарования и обид. Репетиции, репетиции… Сон охватил девушку в минуту отдыха, не в самой удобной позе. Но балерина и во сне остаётся балериной: хрупкое тело, изящный изгиб шеи, вытянутая ножка в пуанте. Давайте отойдем, не будем мешать отдыху, возможно именно сейчас, во сне, девушка танцует свою лебединую партию.

Sleeping Beauty — Спящая красавица

 Художник Сергей Николаевич Лукьянов

Год и место рождения 17 февраля1964 г. в г.Ожерелье Московской области. Член Союза Художников России.В 1988г. окончил Театральное Художественное училище в г.Москве. Работал в Московском Художественном институте им.В.И. Сурикова на графическом отделении.

Работал в МГХИ имени Сурикова на факультете графики. Член Профессионально-Творческого Союза Художников и Графиков Международной Федерации Художников ЮНЕСКО. 
С 1989 года и по настоящее время работает с частными коллекционерами в России и за рубежом. Работы находятся в Семипалатинском музее изобразительных искусств. В галереях и в частных коллекциях России, Америки и Европы.

Помните времена года китайского художника Хэ Цзяин? А это четыре времени года Сергея Лукьянова. Работы его необычны - у автора очень своеобразное виденье времен года, даже неожиданное!)). По убеждению художника, выразить невидимый мир человека можно лишь интуитивно, с помощью аллегорий, символов и…

Архитектура осени

Архитектура лета

Архитектура зимы

Венесуэльский художник Elkin Canas

Элькин Каньяс (Elkin Canas) - венесуэльский художник. Родился в Колумбии в 1974 году, но вырос в Венесуэле, куда его родители переехали, когда Элькину было 3 года. Рисование всегда было частью его жизни и в очень молодом возрасте это увлечение переросло в страсть, открыв ему радость живописи. Он изучал графический дизайн в Каракасском Институте дизайна, а затем продолжил изучать его в художественной школе исторического родного города, где учился в течение 2 лет.
Разочарованный необычайным упорством школы в изучении современного искусства и отсутствием традиционного обучения и реалистического подхода к живописи, заставило его после школы уехать учиться и работать с итальянским художником и скульптором Франческо Санторо.
"Путешествуя с ним по историческим студиям в Милане, Италия, и Валенсии, Венесуэла. Я принял участие в многочисленных групповых выставках в родной стране, Колумбии и Испании.
Картины Элькина Каньяса много раз завоевывали награды на различных выставках и конкурсах. Элькин искренне верит в силу и пользу наблюдения за природой и изучение старых мастеров и их методов для того, чтобы создать надёжный фундамент, на котором художник может построить прочную карьеру, создавая современные, высококачественные картины, воспевающие вечную красоту и остающиеся востребованными на протяжении веков.

https://www.risunoc.com/2018/09/venisuelskiy-khudozhnik-elkin-canas.html

Ранее:https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post458130761/

 

Художник Diego Dayer и его мастерская живопись

Художник Diego Dayer, родился 23 ноября 1978 года в Аргентине, Санта Фе. Его творения, фигуры с разными уровнями реальности, отражают тайны и переживания его собственного прошлого. Мастерство и ясность его живописи редко можно увидеть у такого молодого художника. Мимо его работ сложно пройти, и не важно понравились ли вам сюжеты картин или нет, взгляд свой вы на них обязательно остановите...

Diego Dayer бесспорно относится к тем, которых уже сейчас можно отнести к великим живописцам. В наше время существует много злопыхателей, которые говорят о том, что сейчас нет достойных современных художников. Посмотрев работы Диего, они наверняка переменят своё мнение, и многие ценители живописи могут без зазрения совести сравнить этого мастера с Караваджо или с Рембрандтом.

https://emosurf.com/post/8441/Khudozhnik_Diego_Dayer_i_ego_masterskaya_zhivopis.html

Художник Потапова Мария

Родилась в городе Семикаракорск Ростовской области. Окончила художественно-графический факультет ПИ ЮФУ. Проходила практику у мастеров народного художественного промысла «Семикаракорская керамика». Преподавала в студии Дома детского творчества.
Сейчас живет и работает в Ростове-на-Дону.

Натюрморт с кувшином вина и фруктами

 Изысканный натюрморт в стиле барокко

Натюрморт с осенними цветами, виноградом и апельсинами

Натюрморт с виноградом, яблоками и сливой

Акварель - зеркало души. Творчество японской художницы Юко Нагаяма

Юко рассказывает о себе: "На моей палитре более чем 80 цветов, это безумие! Я не потрудилась узнать имя каждого из них: единственное, что меня интересует, это мой способ их использования... Мои размывки состоят на 80% из ярких цветов и на 20% из тусклых, но это зависит от атмосферы и настроения сюжета, которые я хочу передать. Для меня, синие и зеленые оттенки связанны с безмятежностью, а красные — акцентируют энергию и мощность. Очевидно, предпочтительнее использовать прозрачные краски, потому что они смешиваются и легко сочетается с другими красками. У меня есть две палитры, одна красная, другая синяя, которые я использую чаще всего..."

 

"Я не останавливаюсь слишком много на рисунке, потому что когда я пишу мокрым по мокрому, то, каким образом вода распространяется на моем листе, будет определять форму: это могут быть цветы, ветви или бутон. Таким образом, точный рисунок будет препятствием для непредсказуемых потоков воды. Линии не должны ограничивать то что рождается из спонтанности жеста, импульса в данный момент."

 

"Люди всегда удивляются, смотря на мою такую грязную палитру. Они не понимают, как я могу рисовать! Некоторые даже считают, что я приношу с собой грязный поддон, чтобы сохранить мой секрет техники… Во всяком случае, я смешиваю цвета прямо на поддоне: может быть, это создаёт грязь, но моим приоритетом является дизайн и образ, который у меня есть. Одной и той же кистью, я беру 4-5 цветов одновременно, тут же рисую. Я не смотрю на мою палитру для работы, потому что моя кисть движется инстинктивно, я не думаю о сочетании красок."

 

 © https://www.livemaster.ru/topic/999179-akvarel-zer...skoj-hudozhnitsy-yuko-nagayama

 

 

 

 

Джулиан Олден Вейр - американский художник - импрессионист

Дж. О. Уир родился в семье художника, профессора Военной академии, Роберта Уолтера Вейра. Художником был также его брат, Джон Фергюсон Уир, руководивший с 1869 по 1913 год Школой изящных искусств Йельского университета. Первоначально оба брата брали уроки рисования у своего отца, затем Джулиан поступает в Национальную Академию дизайна в Нью-Йорке. В 1873—1877 он совершает поездку в Европу, чтобы продолжить художественное образование в Париже. В 1875 он впервые выставляется в Парижском салоне (с картиной A Britanny Interior, инспирированной творчеством его друга, художника Бастьен-Лепажа). В этот период Уир не принимает как живопись импрессионистов, так и своего соотечественника Уистлера, с которым знакомится в Лондоне в 1877 году.

 

Осенью 1877 года художник возвращается в Нью-Йорк. В том же году он становится одним из основателей Общества американских художников (Society of American Artists), президентом которого становится в 1882 году. В 1878 Уир начинает преподавательскую деятельность, сперва в Купер Юнион, а затем — в нью-йоркской Студенческой художественной лиге. Сам же он занимается преимущественно портретной и жанровой живописью, пишет также натюрморты, изображающие цветы.

В 1886 году, под влиянием работ Эдуарда Мане и увиденного на организованной в Нью-Йорке выставке французских имсперссионистов, он пишет свои первые импрессионистские полотна. Это были пейзажи, созданные Уиром в окрестностях его фермы в Бранчвилле, Коннектикут. В 1887 году к нему присоединяется его друг, художник Джон Генри Тватчмен. В том же году Уир начинает интересоваться графическим искусством. В 1888 году его картина Время бездействия была приобретена нью-йоркским музеем Метрополитен. В 1889 году Уир завоёвывает на Всемирной выставке в Париже серебряную медаль. В последующие годы художник развивает свой собственный художественный стиль, включая в него различные элементы, в том числе и из японской цветной графики. В 1893 он получает заказ на монументальную живопись для Всемирной Колумбовой выставки в Чикаго.

 

В конце XIX века Уир много делает для популяризации в США современного европейского, в особенности французского, искусства (например, работ Густава Курбе). Некоторое время он возглавляет Ассоциацию американских художников и скульпторов. В 1904 Уир удостаивается премии на Всемирной выставке в Сент-Луисе. В 1911 организуется большая ретроспективная выставка его работ, прошедшая во многих городах восточного побережья и Среднего Запада США. В 1913 Уир является одним из организаторов выставки Эрмори шоу в Нью-Йорке, для которой передаёт 25 своих картин. Стиль, в котором он рисует, до конца его жизни остаётся импрессионистским.

 

В 1915 году Дж. О. Уир становится президентом Национальной Академии дизайна в Нью-Йорке. В 1960 году вышла его биография Жизни и писем Джулиана Олдена Уира (англ. The Life and Letters of J. Alden Weir), основным автором которой стала его дочь и художница Дороти Уир Янг.

Уир Янг, Дороти 

Картины маслом. David Cheifetz

 

Дэвид Чифец (произносится как "chay-fits" или "high-fit") родился на северо-западе тихоокеанского побережья Соединенных Штатов, в 1981 году. Изначально несколько лет проработал архитектором, но осенью 2007 года поступил в художественную школу Schuler School of Fine Arts, в Балтиморе, где начал учиться работать с масляными красками, а в 2009 году принял решение оставить работу и стать профессиональным художником. Большая часть работ Дэвида выполнена маслом в стилях от реализма до абстракции. В настоящее время он живет и работает в Пало-Альто, Калифорния, со своей женой Жасмин.

https://www.risunoc.com/2013/05/kartiny-maslom-david-cheifetz.html

Ранее:https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post458963575

Иранский художник Javad Soleimanpour

Джавад Солиманпур (Javad Soleimanpour) - иранский художник. Родился в 1965 году в городе Тебриз, Иран. Известен своими картинами в пастельной технике. Как художник Джавад – самоучка. Рисовать начал когда ему исполнилось 12 лет. Его первая выставка состоялась в 1978 году. В то время он работал над репродукциями известных картин в Музее Дворца Саадабат. С 1998 года художественная галерея "Seven Art Gallery" в Стамбуле, начала регулярно предоставлять место для персональных выставок художника. В настоящее время Солиманпур живёт в Турции, пишет, выставляется и, одновременно, не прекращает учиться.

 

"Я с детства хотел только рисовать, и больше ничего. Я рисовал людей и вещи, которые мне нравились. Люди всегда имели, что сказать о моём поведении, но они не понимали, что мне просто нравилось смотреть, как они говорят, а вовсе не подслушивать их разговоры, поэтому я, возможно, должен извиниться. Лица людей со всеми их морщинами, шрамами и тенями могут многое рассказать... время замирает, когда я рисую. И что скрывается за этими лицами, зритель решает сам. Я чувствую только то, что происходит у меня глубоко внутри, в моем сердце. И это чувство никогда не исчезает. Живопись стала обыденным делом для меня, например, как дыхание”.

https://www.risunoc.com/2016/07/iranskiy-khudozhnik-javad-soleimanpour.html

 

Ранее:https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post385440957/

 

Российский художник Алексей Чернигин

 

 

 

 

 

Российский художник Алексей Чернигин родился в 1975 году в Нижнем Новгороде в семье известного российского художника Александра Чернигина.

 

Обучался живописи и графическому дизайну в Нижегородском Художественном училище с 1990 по 1994 год. Затем окончил Нижегородский Государственный Архитектурно-Строительный Университет по специальности «промышленный дизайн» (1994- 2000гг). С 1998 года – член Союза Художников России.

С 2001 года преподаёт в  Гуманитарно-художественном институте при Нижегородском Государственном Архитектурно-Строительном университете на кафедре «Дизайн интерьера».

 

Занимается живописью, графикой, дизайном интерьера, фотографией. Постоянный участник персональных, региональных, всероссийских и международных выставок. Произведения Алексея находятся в частных и галерейных собраниях в России и за рубежом.

 

http://Российский художник Алексей Чернигин