Цветочные натюрморты. Inga Derblom

Инга Дерблом (Inga Derblom) родилась в 1939 году в Упсале, Швеция. Художница дебютировала в 1976 году. С тех пор она много раз показывала свои работы, принимая участие в различных выставках в Упсале и соседних общинах.

Рисовать она начала еще в детстве и с того времени не останавливаясь ни на мгновенье, развивала свои способности к рисованию. При постоянной поддержке со стороныродителей, товарищей, а позже и учителей она добивалась все больших и больших успехов. Наибольший интерес Инга проявляла к живописи конца 1700-х и начала 1800-х годов. Влияние работ той эпохи отражено в картинах, которые она теперь представляет, даже цветовая схема ее цветочных натюрмортов, вроде бы бледный, но, при этом, блестящий тон — напоминает картины мастеров прошлого.

https://www.risunoc.com/2020/06/inga-derblom.html

Фигуративный художник

Alia E. El-Bermani

Алия пишет картины в любом жанре, но в первую очередь она фигуративный художник, который любит иметь дело с проблемами

Алия Э. Эль-Бермани (Alia E. El-bermani) талантливая американская художница, родилась в 1976 году, в Бостоне, Массачусетс. В настоящее время живет в Пасадене, штат Калифорния. Образование получила в колледже искусств и дизайна Summa Com, Лагуна-Бич, Калифорния, который с отличием закончила в 2000 году со степенью бакалавра.

Алия пишет картины в любом жанре (натюрморты, пейзажи и т.д), но в первую очередь она фигуративный художник, который любит иметь дело с проблемами, встающими перед женщиной в современном обществе. Источником вдохновения для большинства ее первых картин стали произведения Сарджента, Антонио Лопес Гарсиа и Вескеса.

https://www.risunoc.com/2020/06/amerikan-khudozhnik-alia-e-el-bermani.html

Ранняя публикация о творчестве Алии Э. Эль-Бермани

 

 

Реалистичные натюрморты Yingzhao Liu

Янгжао Лю (Yingzhao Liu) является одним из самых известных китайских художников реалистов. Он работает в стиле, который наиболее точно можно охарактеризовать, как "Магический реализм", в каждой картине Лю достигает ощущения максимальной реальности. Его фото реалистичные картины заставляют вас расслабиться и насладиться праздником, который он приготовил для вас. Натюрморты Янгжао мастерски выполнены в безупречной технике классического реализма, а с помощью цвета и света он делает свои яркие изображения живыми.
Он рисует реалистичные натюрморты в классической, старинной манере, изображая предметы на декоративном фоне. Он родился в 1956 году, в провинции Хэйлунцзян, Китай. Окончив школу, поступил в Харбинский университет, по завершении обучения в котором, получил степень бакалавра по специальности масляная живопись, затем продолжил обучение и получил степень магистра в области изобразительного искусства из художественной академии Луксюн, Китай. В 1992 он стал преподавателем на факультете живописи в художественной академии Тянжин, позже, в 2000-ом году он получил профессуру и преподавал мастерство масляной живописи в Академии изобразительных искусств и дизайна в академии Тянжин.

Натюрморты Лю несколько раз выставлялись на торги аукционными домами Кристи ,в Гонконге и Баттерфилдс, в Сан-Франциско, а так же много раз публиковались в каталогах и журналах об искусстве, таких как "Картины маслом Китая", "Аамериканские коллекционеры искусства", "Искусство Запада", "Арт обзор", "Искусство севера", "Академическое Искусство" и "100 масляных картин современных художников". Его прекрасные высоко реалистичные картины не однократно участвовали в крупных выставках в Америке, Тайване, Индонезии, Macco, Японии, Англии и Малайзии.

Ранее:https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post363665839/

 

ХУДОЖНИК ФЕРЕНЦ ТУЛОК

Художник Ференц Тулок (Ferenc Tulok) родился в Будапеште 18 августа 1949 года. Способности к рисованию проявились у него рано, но юноша вначале побоялся посвятить себя нелегкому и неопределенному в материальном плане ремеслу художника.

Чтобы получить, как он считал, надежную профессию, Ференц поступил в Будапештский политехнический институт и закончил его в 1973 году с дипломом инженера-механика. Работал по специальности в различных компаниях Будапешта, но тяга к искусству взяла свое: с 1977 года Тулок совмещал работу инженером и занятия живописью, а с 1989г. решил посвятить себя полностью своему истинному призванию. Больше всего Ференца привлекала живопись в жанре натюрморта, используя традиции фламандских мастеров XVI-XVII веков. Предпочитает писать по дереву или на медных пластинах, т.к., по его мнению, именно так можно наилучшим образом показать свои замыслы. Большинство работ художника находится в частных коллекциях венгерских и заграничных собраний (Австрии, Англии, США, Германии, Дании, Греции, Голландии).

Искренняя живопись художника

Галины Гладкой.

"Давно такой искренности я не видел. Можно скрыться за авангардом, можно скрыться за инсталляцией, можно скрыться за новыми веяниями и неформальной живописью, а то, что происходит у человека внутри, скрыть невозможно. Вот этот человек, который все свои тонкие впечатления, флюиды душевные умеет выразить".

Бронислав Тамулевич, член Союза художников РФ

http://vestidv.ru/news/14/11/05/9324

Художник Antoine Vollon (1833 – 1900).

Франция

Антуан Воллон родился в Лионе в семье художника-декоратора. По окончании местной Школы изящных искусств (1859), в которой он получил профессию гравера, юноша, не довольствуясь рутинной работой — росписью эмалированных кастрюль, перебрался в столицу. Его первый настоящий учитель  - живописец и график Огюстен Теодюль Рибо (1823-1891) . В Париже, не без влияния музеев, определились творческие пристрастия Воллона: он был под большим впечатлением от натюрмортов малых голландцев, как и от постановок из атрибутов искусства Шарден . Работы в этом жанре, исполненные молодым художником с особой тщательностью, полюбились публике. Однако его художническая карьера до времени была не столь успешной. Несколько раз он пытался завоевывать Салон: в 1865 году он выиграл медаль третьего класса, в 1868-м — второго класса и в только 1869 году — первого класса. Зато плодами своей победы он воспользовался в полной мере: все 1870-е годы Воллон стал членом жюри Салона. Изображал сначала исключительно предметы неодушевлённой природы — цветы, кухонную посуду, разную живность и т. п., впоследствии расширил круг своих сюжетов пейзажами, а в последнее время стал нередко писать жанровые картины, напоминающие своим крайним реализмом произведения Курбе и порой впадающие в грубость. Несмотря на эти недостатки, он славится как художник оригинальный, обладающий чрезвычайно сильным колоритом и смелым приёмом исполнения.Ценители живописи полюбили Воллона за небольшие, тщательно проработанные натюрморты с повседневными продуктами питания и предметами быта.  В 1860 году он женился на Мари-Фанни Буше, у них было двое детей, Алексис и Маргарита. Сын Алексис Воллон (1865-1945)  тоже стал  художником.

 В круг друзей живописца со временем вошли известные люди искусства, такие как скульптор Жан-Батист Карпо, художники Оноре Домье и Шарль-Франсуа Добиньи. Истовым собирателем произведений Воллона стал Александр Дюма-сын, у которого он иногда гостил в Нормандии. В 1880-е годы тематика работ художника и его живописная манера стали разнообразнее. У Воллона появились жанровые сцены, портреты и пейзажи, несколько напоминающие по исполнению Курбе, его кисть стала свободнее. Своим опытом мэтр  делился с молодыми художниками. Проводя зимы 1879–1882 годов в Марселе, Воллон давал в своей мастерской уроки живописи всем тем, кто был недоволен преподаванием в Академии художеств. Среди них был и будущий писатель Этьен Мартен, написавший в 1923 году о своем учителе книгу воспоминаний. В 1900 году член Академии художеств и офицер ордена Почетного легиона Антуан Воллон скончался и был похоронен на кладбище Пер-Лашез. 

Художник Bruno Di Maio.

Как хорошо подняться в облака

Прекрасные незнакомки, святые и грешные, на картинах итальянского художника Бруно Ди Майо.

Художник Бруно Ди Майо (Bruno Di Maio) родился в 1944 году, в Ливии, в городе Триполи, в семье итальянских переселенцев. С самого детства он увлекался рисованием: цветные карандаши, уголь – это его детские игрушки в стране жаркого солнца, на затерянной в бескрайних просторах Африки ферме.

Он заболел и много времени проводил в постели, читал сказки и волшебные истории. Именно тогда родилось желание нарисовать героев этих сказок, придумать продолжение к уже прочитанным сказкам и придумать сказки новые.

Затем было успешная учёба Бруно Ди Майо в творческих институтах Перуджи и Рима. Вечный Рим просто очаровал молодого художника. Bruno Di Maio работал реставратором под руководством лучших итальянских мастеров. Они не только научили его ремеслу, но и привили великую любовь к живописи мастеров далекого прошлого (особенно Возрождения).

В настоящее время художник живет и работает в Тоскане, много работает и участвует в выставках.

Живописец Елена Орлова-Афиногенова

Живописец Елена Орлова-Афиногенова, закончив мастерскую самого знаменитого и влиятельного в 1960-80-е годы профессора института имени И.Е. Репина Е.Е. Моисеенко, в раннем творчестве, хотя и испытала определенное его влияние, все же явно избежала факта превращения в художника «школы Моисеенко», что случилось со многими его учениками.
В середине 1990-х годов творческий поиск привел Елену к новой живописной технике. Она сначала наносит на жесткую основу рельефный слой левкаса (смеси гипса и клея) с намеченными контурами будущей композиции картины, а затем на высохший левкас наносит рисунок и живопись. Эта техника усиливает объемность изображения и придает картинам особую декоративную монументальность.

Художник Йозеф Борсос (1821-1883). Венгрия

Йожеф Борсос (21 декабря 1821 - 19 августа 1883) - венгерский художник-портретист и фотограф. Он был также известен своими многочисленными жанровыми картинами и чаще признаётся в качестве художника бидермейера.
Йожеф Борсос закончил учебу в Вене. Его портреты выдающихся современников и сложные жанровые сцены были весьма успешными. Потеряв деньги на бирже, он переехал из Вены в Пеште в 1861 году. Его, как правило, бидермейер цвета, реалистичные, сильные и нежные, гармонические композиции сделали его популярным в Пеште.

Не в состоянии конкурировать с фотографией, он открыл фото студию Borsos József and Doctor Albert (Pest / Hungary). В течение своей карьеры в качестве фотографа он сделал более 44 000 снимков. Умер В 1883 году, как владелец ресторана "Szép Juhászné". Его картины находятся в Венгерской национальной галерее и частных коллекциях.

https://www.liveinternet.ru/users/4968747/post441706845/

Натюрморты в Северной Европе,

1600-1800

Натюрморт как самостоятельный жанр или специальность впервые расцвел в Нидерландах в начале 1600-х годов, хотя немецкие и французские художники (например, Георг Флегель и Себастьян Стоскопф) также были ранними участниками развития этого жанра, потому что их, менее продолжительные традиции итальянской и испанской натюрмортной живописи датируются, тем же периодом.

Натюрмортные мотивы довольно часто встречаются в рукописях, часовых книгах и панно 1400-х и 1500-х годов, таких как триптих "Благовещения" Роберта Кампина (около 1425 года) и в книге Петруса Кристуса "Ювелир" в его мастерской 1449 года. Многие из предметов, изображенных в этих ранних работах, символизируют некие особенности Девы или другого религиозного деятеля (например, лилия символизирует чистоту), в то время как другие предметы могут напоминать зрителю о назидательном понятии, таком как мирская суета или умеренность (как в случае с зеркалом и Весами ювелира).

Морализаторские смыслы также были распространены в независимых натюрмортах XVII века, которые варьируются от таких явно дидактических работ, как натюрморт Жака де Гейна II "Vanitas" 1603 года и Натюрморт Питера Клаеса с черепом и писчим пером 1628 года до богатых экспонатов предметов роскоши, как натюрморт Абрахама Ван Бейерена с омарами и фруктами 1650-х годов. В последней работе изображены карманные часы, символизирующие мимолетность земных удовольствий. Зачастую, они могут рассматриваться скорее как интеллектуальное тщеславие, чем как трезвое предостережение против желания материальных вещей, таких как изображенные предметы или сама картина.

В целом подъем натюрмортной живописи в северных и Испанских Нидерландах (главным образом в городах Антверпен, Миддельбург, Харлем, Лейден и Утрехт) отражает растущую урбанизацию голландского и фламандского общества, которая принесла с собой акцент на домашнем и личном имуществе, торговле, обучении - всех аспектах и развлечениях повседневной жизни.

Цветочные натюрморты стали особенно заметны в начале 1600-х годов, и в их чрезвычайно изысканном исполнении, а также в их сюжетах и символике они были адресованы культурной аудитории. Такие художники, как Амброзий Босшерт старший, Бальтазар ван дер АСТ, Роландт Савери и Якоб Восмаер, часто ссылались на гербарии и другие ботанические тексты при составлении "букетов" (например, "ваза цветов" Восмаера), которые обычно объединяли цветы из разных стран и даже разных континентов в одной вазе и в один момент цветения (такое возможно осуществить и сейчас, стоит только воспользоваться услугами опытных флористов из buketex.ru). Для многих придворных коллекционеров (например, императора Рудольфа II в Праге) и богатых купцов цветочная картина была частью частного владения, включавшего сад с редкими экземплярами (которые иногда стоили больше, чем их картины), цветные рисунки или акварели редких тюльпанов и других необычных цветов, а также небольшую библиотеку ботанических книг и гравюр.

Натюрморт с серебром Артефакты –  Blaise Alexandre Desgoffe 

Блез Александр Дегофф (фр. Blaise Alexandre Desgoffe; 17 января 1830 года в Париже — 2 мая 1901 там же) — французский художник, племянник художника Александра Дегоффа.

Блез Александр Дегофф родился в Париже. Художественное образование получил в Парижском училище изящных искусств, потом работал под руководством И. Фландрена и Бугеро. Выставлялся на парижском Салоне с 1857 по 1882 год, где был награждён медалью третьего класса в 1861 году и медалью второго класса в 1863 году. Он был награждён серебряной медалью на Всемирной выставке 1900 года. Художник умер в Париже в 1901 году.

Творчество

Посвятил себя живописи исключительно неодушевленных предметов — различных металлических и деревянных предметов, ювелирных изделий, стеклянных сосудов, ковров, всякого рода тканей и т. п. В отношении красивой группировки подобных предметов, а еще больше в отношении рельефности и правдивости их воспроизведения он почти не имеет соперника между современными живописцами «мёртвой природы» не только во Франции, но и во всей Европе.

Особенно восторженные похвалы художественных критиков заслужили его картины:

• «Аметистовая ваза XVI столетия»,
• «Старое грушевое дерево»,
• «Чай в мастерской художника»,
• «Шлем и щит Карла IX»,
• «Корона французских королей»

ВИКИПЕДИЯ

Художник Ignace Spiridon

( Italian, active 1869-1900)

Ранее:https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post451431981

 Американский художник Kyle Stuckey

Кайл Стаки родился в 1987 году в штате Нью-Гемпшир, США. Он начал учиться живописи в старших классах школы с помощью частных уроков и мастер-классов. Затем он стал членом союза художников “Putney Painters”, где смог совершенствовать свои навыки в присутствии ныне знаменитых художников, таких, как Ричард Шмид и Нэнси Гузик.

На творчество Кайла Стаки сильно повлияли такие старые мастера, как Джон Уильям Уотерхаус, Уильям Бугро, Джон Сингер Сарджент и другие. За свою творческую карьеру Кайл Стаки разработал и усовершенствовал свой стиль в манере импрессионистского реализма.

Последние несколько лет Кайл пишет свои картины, путешествуя по всему миру. Он побывал во Вьетнаме, Японии, Мексике, Никарагуа, прожил восемь месяцев на Коста-Рике и два месяца в Италии. «Конечно, мне очень нравится узнавать новое и знакомиться с другими культурами, но, может быть, ещё большее удовольствие мне доставляет возможность делиться своими впечатлениями с моими зрителями и поклонниками при помощи моего искусства,» — говорит художник.

http://infodays.ru/otvechayut-ulybkoj-cvety-amerikanskij-xudozhnik-kyle-stuckey/

Итальянский художник Клаудио Сакки (Claudio Sacchi)

Клаудио Сакки, современный итальянский художник, родился в городе Пезаро, Италия, 19 декабря 1953.

Обучение живописи начал в художественной школе в Урбино, и продолжил повышать свой художественный уровень в Академии изящных искусств во Флоренции.
С 1977 года работы этого талантливого итальянца были включены в архив Института истории искусств во Флоренции , в разделе, посвященном итальянскому искусству.

С 1980 по 1982 Claudio уже преподавал живопись в Школе искусства и реставрации в Спинелли. Его персональные выставки проходили в большинстве крупных городов Италии, таких, как: Рим , Милан , Болонья, Генуя, а, так же, и за рубежом – в Амстердаме, Монте-Карло, Ницце и Каннах.

 С 1989 по 1992 работал над дизайном с журналом "Флоренция вчера, сегодня, завтра", издающимся агентством Newton Periodici.
За его плечами немало персональных выставок в крупных городах Италии: Милан, Болонья, Генуя, и т.д.. И за рубежом в Амстердаме, Монако, Монте-Карло, Ницце, Каннах, Gent. Многие его картины и рисунки напечатаны в крупнейших журналах и книгах. Итальянские газеты часто публикуют критического статьями о его работах, почти всегда - положительные. Он провел долгое время в Англии и Нидерландах. В настоящее время он живет во Флоренции, где работает как портретист и сотрудничает несколькими итальянскими галереями.

В отличии от большинства своих ровесников-художников, он не поддался новым течениям в живописи тех лет и остался верен своему стилю – реализму, который оттачивал и совершенствовал с каждым новым холстом…

Анна Лакисова молодой французский художник, родом из Запорожья...

"Я украинка, родом из славного города Запорожье. На данный момент живу и работаю фрилансером во Франции.

Как и все простые смертные, я начала рисовать с самого нежного возраста. В начальной школе меня затащили на кружок Петриковской росписи, где впоследствии я заимела немалый успех. Заметив такие мои способности, мама быстро определила меня в художку. Там я проучилась 6-8 лет.
А как только у меня появился компьютер, я открыла для себя Paint, далее Corel и Photoshop и всё это естественно мышью. Чуть позже у меня появился планшет, и я стала уделять гораздо больше времени компьютерной графике.

Да, я очень люблю Францию, она меня вдохновляет".

https://render.ru/ru/articles/post/10804

Армянский художник Arthur Isayan

"Я рисую, потому что я не могу без этого. Идеи, которые меня вдохновляют, могут быть разными: люди, животные, красивые пейзажи, архитектура. Иногда это могут быть обычные вещи или люди, увиденные под необычным углом. Когда вы замечаете что-то необычное, красивое, смешное, вы хотите поделиться этим с другими людьми. Используя различные методы, я пытаюсь донести до зрителя те нюансы, которые привлекали мое собственное внимание по той или иной причине".

Обмен мнениями - это обычное действие для разумных существ: "Посмотрите, какие красивые цветы" или "Посмотрите, что я нашел. Это прекрасно, не так ли?", - говорим мы и указываем на то, что увидели, Артур же пишет то, что увидел и показывает свои картины окружающим... Артур Исаян (Arthur Isayan) - армянский художник, так же известный под ником "Art Is".

 

https://www.risunoc.com/2020/02/arthur-isayan.html

Гиперреализм Филиппа Кубарева.

Кубарев Филипп Вячеславович родился в 1969.г в Москве.
В 1987г. окончил Московскую среднюю художественную школу при Московском государственном художественном институте им. В.И.Сурикова.

В1991 – 1993гг. учился в Красноярском государственном художественном институте.

В 1998г. окончил Московский государственный художественный Институт им. В.И.Сурикова.

Член Московского Союза художников.

Участник более ста всероссийских и московских выставок.

Произведения художника находятся во многих частных собраниях.
Основная тема- городской пейзаж.

Это все скромные данные, что удалось найти в интернете, своего сайта у него к сожалению нет. Что интересно есть два хорошо известных художника: Кубарев Вячеслав Георгиевич 1931 года рождения и Кубарев Вячеслав Григорьевич 1941 года рождения. Оба могли бы оказаться его отцом. Но данных о наличии сына у них тоже нет. Поэтому остается только гадать. Главное, что он хороший художник. Смотрим его картины, наполненные реализмом окружающей нас повседневности.Нативная реклама RelapНу и еще немного работ Филиппа Кубарева

Эта картина под названием «Сон солдата» написана уже в 1990-х, но изображены тут ностальгические продукты советского периода — те самые лимонные дольки, та самая упаковка с кофе, тот самый ирис, ну и по списку.

Художник Елена Суслова

1972г. Родилась и проживаю в г. Запорожье (Украина).
1983г. Поступила в ДХШ (Детская художественная школа) г. Запорожье. По результатам экзаменов зачислена сразу во второй класс. Преподаватель Лубенцов Н.С.. Окончила с отличием. Участие в детских выставках г. Запорожья. Большинство работ находятся в фонде ДХШ.
1987г. Окончание обучения ср. школы и ДХШ. Поступление в Суздальский филиал СПбГУКИ (бывш. СХРУ) г. Суздаль на отделение художественное оформление. Преподаватели: Морозов П. С., Комаров А. А.. В период обучения многократно участвовала в коллективных выставках. Лучшие живописные работы отобраны в фонд.
1991г. Окончание обучения в Суздальском филиале СПбГУКИ по специальности художник-оформитель. Открытие персональной выставки в г. Суздаль.
1992г. Участница коллективных выставок в г. Суздаль и г. Владимир. Персональная выставка акварели в г. Суздаль. Работы находятся в частных коллекциях Англии, Америки, Германии, Франции, Италии, Японии и Китая.
1993г. Участница коллективных выставок по городам «Золотого кольца России». Работы находятся в частных коллекциях. Годичные курсы МП «Учебно-производственный центр» г. Запорожье по специальности художник-оформитель, окончила с отличием.
1994-2016гг. Работала в коммунальном предприятии г. Запорожье. Занималась росписью стен, иконописью и росписью храма в академическом стиле.
2010-2016гг. Роспись храма Св. Бл. Кн. Дмитрия Донского в г. Запорожье.
С августа 2016г. – свободный художник, занимающийся познанием себя и окружающего мира. Для меня живопись не работа, а вдохновение, это жизнь, приключение, адреналин. Творчество тесно связано с внутренним состоянием художника, желанием рассказать о сокровенном, поделиться своими впечатлениями на холсте. Каждая картина – новая история жизни.
 

http://sealzpinua.arts.in.ua