Власов-Климов Виталий Петрович (1933 – 2004) / Москва на картинах художника |
|
|
|
Метки: российские художники живопись советская живопись Москва советские художники городской пейзаж живопись 20 века |
ИТАЛЬЯНСКИЙ ЖИВОПИСЕЦ MORETTO DA BRESCIA (НАСТ. ИМЯ ALESSANDRO BONVICINO, 1498 - 1554) |
|
|
|
Метки: живопись moretto da brescia религиозная живопись живопись 16 века итальянские художники |
ИТАЛЬЯНСКИЙ ЖИВОПИСЕЦ MORETTO DA BRESCIA (НАСТ. ИМЯ ALESSANDRO BONVICINO, 1498 - 1554) |
|
|
|
Метки: живопись moretto da brescia религиозная живопись живопись 16 века итальянские художники |
Итальянский художник Карло Дольчи ( Carlo Dolci; 1616 — 1686) / Ангелы |
|
|
|
Метки: carlo dolci живопись зарубежная живопись ангелы живопись 17 века итальянские художники |
Jan Van Goyen (1596 - 1656). A River Landscape with Utrecht’s Pelekussenpoort |
Эта работа ранее находилась в коллекции российской императрицы Екатерины II , обладавшей огромной страстью к искусству. Она завещала картину Ян ван Гойена Государственному Эрмитажу в Санкт-Петербурге, основателем которого она была.
Государство продало эту работу, руководствуясь тем, что стране нужны были деньги - на аукционе в Берлине в 1932 году в Ball & Graupe.
Распродажи в 1929—34 годах нанесли непоправимый урон собранию Эрмитажа, в результате которых 48 шедевров навсегда покинули Россию.Эрмитаж лишился единственного произведения Ван Эйка, лучших вещей Рафаэля, Боттичелли, Хальса и ряда других старых мастеров.
Около 1643 года Ян ван Гойен, нидерландский художник-пейзажист, начал все чаще добавлять цвет к своим доселе почти монохроматическим ландшафтам, чтобы добиться более реалистичного эффекта. В этот более поздний период в его искусстве сыграли важную роль архитектурные элементы, такие как церкви, замки, руины, ворота и башни.
Utrecht’s Pelekussenpoort, изображенный на картине, также был источником вдохновения для написания другими художниками, современниками Ян ван Гойена, в том числе Jan van de Capelle и Salomon van Ruysdael, которые также мало интересовались топографически точным расположением ворот.
Небольшая справка о коллекции Екатерины Великой
Эрмитаж возник в 1764 году как частное собрание Екатерины II, после того, как ей были переданы из Берлина 317 ценных картин (по расхожим слухам их было лишь 225) общей стоимостью в 183 тысячи талеров из частной коллекции живописи Иоганна Эрнеста Гоцковского (Johann Ernst Gotzkowsky, 1710—1775), в счёт его долга князю Владимиру Сергеевичу Долгорукову. Среди них были полотна таких мастеров, как Дирк ван Бабюрен, Хендрик ван Бален, Рембрандт ван Рейн, Питер Пауль Рубенс, Якоб Йорданс, Антонис ван Дейк, Хендрик Гольциус, Франс Хальс, Ян Стен, Геррит ван Хонтхорст и другие произведения, в основном голландско-фламандской школы первой половины XVII века. Эти полотна стали основой, на которой сформировался музей. Из 317 картин, переданных в Россию в 1764 году, сегодня в Эрмитаже хранится по меньшей мере 96 полотен. Поначалу большинство картин размещалось в уединённых апартаментах дворца (ныне Малый Эрмитаж). Впоследствии апартаменты получили название «Эрмитаж».
В 1769 году при содействии князя А. М. Белосельского-Белозерского в Дрездене для Эрмитажа была приобретена богатая коллекция первого министра короля польского и курфюрста Саксонского Августа III графа Генриха фон Брюля, насчитывавшая около 600 картин голландских, фламандских, французских и итальянских художников, в том числе пейзаж Тициана «Бегство в Египет», виды Дрездена и Пирны кисти Беллотто и пр.
Очень большое значение для Эрмитажа имела в 1772 году покупка Екатериной при посредничестве князя Д. А. Голицына в Париже коллекции живописи барона Пьера Кроза — самой замечательной в Париже того времени после галереи герцогов Орлеанских. Это собрание, включавшее около 400 первоклассных полотен, во многом предопределило «лицо» картинной галереи. Преобладали картины итальянских, французских, фламандских и голландских мастеров XVI—XVIII века. В их числе — «Святое Семейство» Рафаэля, «Юдифь» Джорджоне, «Даная» Тициана, картины Рембрандта, произведения Рубенса, Ван Дейка, Джамбаттиста Питтони, Пуссена, пейзажи Клода Лоррена и работы Ватто.
|
Метки: нидерландские художники живопись пейзаж Эрмитаж jan van goyen живопись 17 века зарубежная живопись аукционы dorotheum |
Австрийский художник Peter Sengl (род. в 1945) |
После окончания Keplerschule в Граце (Graz) в 1963 году Peter Sengl учился в Академии изящных искусств в Вене под руководством Sergius Pauser до 1968 года. В 1971 году он был удостоен различными премиями в области искусства. В 2007 году был награжден Венской городской премией. Живет и работает в Вене.
https://www.dorotheum.com/en/auctions/current-auctions/
|
Метки: австрийские художники живопись смешанная техника зарубежная живопись modern and contemporary art аукционы dorotheum современная живопись |
Австрийский художник Peter Sengl (род. в 1945) |
После окончания Keplerschule в Граце (Graz) в 1963 году Peter Sengl учился в Академии изящных искусств в Вене под руководством Sergius Pauser до 1968 года. В 1971 году он был удостоен различными премиями в области искусства. В 2007 году был награжден Венской городской премией. Живет и работает в Вене.
https://www.dorotheum.com/en/auctions/current-auctions/
|
Метки: австрийские художники живопись смешанная техника зарубежная живопись modern and contemporary art аукционы dorotheum современная живопись |
ХУДОЖНИК НИКОЛАЙ ФЕШИН (1881—1955) / Графика. Портреты |
|
|
|
Метки: мужской портрет женский портрет Фешин Николай рисунок графика портрет |
1907 год. Избранные работы русских художников |
|
|
|
Метки: русская живопись живопись 1907 живопись 20 века русские художники |
Иван Бунин (1870 - 1953). "Вечер" |
|
|
Метки: поэзия русская поэзия |
Портреты, избранное / Русская живопись, 19 век |
Невероятная глубина прочтения образов. Психологизм и большое художественное мастерство - это то , что объединяет художников, работы которых представлены ниже.
|
Метки: мужской портрет женский портрет русская живопись живопись портрет живопись 19 века русские художники |
БРИТАНСКИЙ ХУДОЖНИК ДЖОЗЕФ МЭЛЛОРД УИЛЬЯМ ТЁРНЕР (JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER, 1775 - 1851) |
|
|
Оригинал записи на liveinternet.ru
|
Метки: живопись пейзаж британские художники живопись 19 века зарубежная живопись марина Уильям Тёрнер романтизм |
ХУДОЖНИК НИКОЛАЙ ФЕШИН (1881—1955) |
Работы Н.И. Фешина до настоящего времени покоряют зрителя психологической содержательностью, красотой пластического языка, изысканностью колористического решения, совершенством рисунка.
Фешин рано обрел известность и признание не только на родине, но и за рубежом, его справедливо сравнивали с крупнейшими мастерами европейского и русского искусства начала двадцатого века.
Ранняя весна.
Осенний пейзаж.
Выпускник Казанской художественной школы и Высшего художественного училища при Российской Императорской академии художеств, занимавшийся в мастерской Ильи Репина, он всегда привлекал внимание, по словам Н. Никонова, своей "сверхтехничностью в искусстве".
Зимний пейзаж.
Фешин Николай. Деревушка.1910-е
Фешин Николай. Ранняя весна.
Его нередко сравнивали и с Абрамом Архиповым, и с Филиппом Малявиным, и с Валентином Серовым, реже упоминали о некоей близости в понимании живописных задач с Михаилом Врубелем, хотя и для этой версии можно найти достаточно убедительные аргументы. Действительно, первые самостоятельные работы Фешина несут на себе печать определенной близости живописно-пластическим, колористическим и композиционным приемам, присущим и Репину, и Сурикову, как, например, в ряде портретов отца, в которых угадывается суриковская мощь, сила и размах.
Nikolai Fechin (Russian, 1881-1955), Portrait of My Father.
Фешин Николай. Натюрморт. 1910-е. Холст, масло., 33 x 28.
Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан
Фешин Николай. Портрет Катеньки. 1912.
Художник изначально отдавал предпочтение в выборе моделей близкому кругу родных и друзей. Он неоднократно обращался к одним и тем же персонажам, благодаря чему достигал в портрете проникновенной глубины и редкой психологической выразительности.
Фешин Николай.Портрет дочери Ии
Ия с дыней. 1923. Холст, масло. Частная коллекция, США
Николай Иванович Фешин. Портрет жены (1920-е).
Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан
Николай Иванович Фешин. Портрет Вари Адоратской (1914)
Портрет М.Т. Тепловой. 1906 Чувашский гос. худ. музей.
Николай Фешин. Девочка. Этюд. 1900. Холст, масло
Николай Фешин. Александра на Волге (1912).
Николай Фешин. Портрет мадемуазель Китаевой.1912
С начала 1910-х поверхность его картин и сама изобразительная трактовка образной драматургии обретает новые, неповторимые качества. Художник порой отказывается от использования такого традиционного инструмента, как кисть, пользуясь преимущественно мастихином, краска кладется на холст тонким, почти прозрачным слоем, что придает его картинам особую воздушность и музыкальность. Фешин работает мастихином, подобно тому, как скульптор — стеком или резцом, создавая объемную форму.
Николай Фешин.Миссис Фешин с дочерью.1925
Николай Фешин. Александра. 1926—1927
Николай Фешин.
Николай Фешин.
Николай Фешин
Николай Иванович Фешин: Мальвы
Фешин, Николай Иванович. Лилии с раковиной (1934-1955)
Фешин оставался до конца своих дней высокотехничным мастером, уровень профессиональной культуры которого являлся незыблемым показателем и критерием высокого искусства. Он был художником с русской душой, личностью, наделенной большим природным талантом, блестящим рисовальщиком и живописцем, творчество которого выдержало испытание временем, заняло достойное место в истории искусства двадцатого века.
Больше о художнике - http://www.tg-m.ru/articles/2-2012-35/vse-novo-i-vse-volnuet
|
Метки: живопись пейзаж натюрморт русский импрессионизм портрет живопись 20 века русская живопись импрессионизм русские художники |
ХУДОЖНИК НИКОЛАЙ ФЕШИН (1881—1955) |
Работы Н.И. Фешина до настоящего времени покоряют зрителя психологической содержательностью, красотой пластического языка, изысканностью колористического решения, совершенством рисунка.
Фешин рано обрел известность и признание не только на родине, но и за рубежом, его справедливо сравнивали с крупнейшими мастерами европейского и русского искусства начала двадцатого века.
Ранняя весна.
Осенний пейзаж.
Выпускник Казанской художественной школы и Высшего художественного училища при Российской Императорской академии художеств, занимавшийся в мастерской Ильи Репина, он всегда привлекал внимание, по словам Н. Никонова, своей "сверхтехничностью в искусстве".
Зимний пейзаж.
Фешин Николай. Деревушка.1910-е
Фешин Николай. Ранняя весна.
Его нередко сравнивали и с Абрамом Архиповым, и с Филиппом Малявиным, и с Валентином Серовым, реже упоминали о некоей близости в понимании живописных задач с Михаилом Врубелем, хотя и для этой версии можно найти достаточно убедительные аргументы. Действительно, первые самостоятельные работы Фешина несут на себе печать определенной близости живописно-пластическим, колористическим и композиционным приемам, присущим и Репину, и Сурикову, как, например, в ряде портретов отца, в которых угадывается суриковская мощь, сила и размах.
Nikolai Fechin (Russian, 1881-1955), Portrait of My Father.
Фешин Николай. Натюрморт. 1910-е. Холст, масло., 33 x 28.
Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан
Фешин Николай. Портрет Катеньки. 1912.
Художник изначально отдавал предпочтение в выборе моделей близкому кругу родных и друзей. Он неоднократно обращался к одним и тем же персонажам, благодаря чему достигал в портрете проникновенной глубины и редкой психологической выразительности.
Фешин Николай.Портрет дочери Ии
Ия с дыней. 1923. Холст, масло. Частная коллекция, США
Николай Иванович Фешин. Портрет жены (1920-е).
Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан
Николай Иванович Фешин. Портрет Вари Адоратской (1914)
Портрет М.Т. Тепловой. 1906 Чувашский гос. худ. музей.
Николай Фешин. Девочка. Этюд. 1900. Холст, масло
Николай Фешин. Александра на Волге (1912).
Николай Фешин. Портрет мадемуазель Китаевой.1912
С начала 1910-х поверхность его картин и сама изобразительная трактовка образной драматургии обретает новые, неповторимые качества. Художник порой отказывается от использования такого традиционного инструмента, как кисть, пользуясь преимущественно мастихином, краска кладется на холст тонким, почти прозрачным слоем, что придает его картинам особую воздушность и музыкальность. Фешин работает мастихином, подобно тому, как скульптор — стеком или резцом, создавая объемную форму.
Николай Фешин.Миссис Фешин с дочерью.1925
Николай Фешин. Александра. 1926—1927
Николай Фешин.
Николай Фешин.
Николай Фешин
Николай Иванович Фешин: Мальвы
Фешин, Николай Иванович. Лилии с раковиной (1934-1955)
Фешин оставался до конца своих дней высокотехничным мастером, уровень профессиональной культуры которого являлся незыблемым показателем и критерием высокого искусства. Он был художником с русской душой, личностью, наделенной большим природным талантом, блестящим рисовальщиком и живописцем, творчество которого выдержало испытание временем, заняло достойное место в истории искусства двадцатого века.
Больше о художнике - http://www.tg-m.ru/articles/2-2012-35/vse-novo-i-vse-volnuet
|
Метки: живопись пейзаж натюрморт русский импрессионизм портрет живопись 20 века русская живопись импрессионизм русские художники |
Из коллекции Nationalmuseum, Stockholm - работы неизвестных художников |
Национальный музей Швеции (швед. Nationalmuseum) — крупнейший в Швеции музей изобразительных искусств.
В здании музея, расположенном в Стокгольме, размещены около 16 000 полотен и скульптур, примерно 30 000 объектов художественного ремесла, а также графическая коллекция мирового значения. В состав Национального музея входят также коллекции в замках Грипсхольм, Дроттингхольм, Стрёмсхольм, Русенберг, Ульриксдаль, а также музей фарфора в Густавсберге.
https://gallerix.ru/storeroom/4343/
|
Метки: Стокгольм коллекции живопись неизвестные художники музеи |
Из коллекции Nationalmuseum, Stockholm - работы неизвестных художников |
Национальный музей Швеции (швед. Nationalmuseum) — крупнейший в Швеции музей изобразительных искусств.
В здании музея, расположенном в Стокгольме, размещены около 16 000 полотен и скульптур, примерно 30 000 объектов художественного ремесла, а также графическая коллекция мирового значения. В состав Национального музея входят также коллекции в замках Грипсхольм, Дроттингхольм, Стрёмсхольм, Русенберг, Ульриксдаль, а также музей фарфора в Густавсберге.
https://gallerix.ru/storeroom/4343/
|
Метки: Стокгольм коллекции живопись неизвестные художники музеи |
В Париже теперь можно прогуляться по картинам Густава Климта |
Статья с сайта ru.rfi.fr/frantsiya
В Париже открылся центр цифрового искусства Atelier des lumi`eres. Первая выставка посвящена венскому мастеру Густаву Климту.
В Париже 13 апреля открылся удивительный центр цифрового искусства — Atelier des Lumi`eres («Мастерская света»). Посетители здесь «погружаются» в произведения художников. Первую выставку посвятили Венскому сецессиону и лидеру этого модернистского объединения Густаву Климту. Выставка открыта до 11 ноября 2018 года.
Atelier des Lumi`eres или «Мастерская света» открылась в здании бывшего литейного завода Plichon на востоке Парижа — между площадями Бастилии и Нации. В огромном зале, где многое напоминает о его индустриальном прошлом, посетители переносятся в Вену конца XIX-начала XX века, когда столица Австро-Венгерской империи стала настоящей законодательницей мод в искусствах.
Организаторы говорят, что Atelier des Lumi`eres — крупнейший в мире мультимедийный центр такого рода. 140 лазерных проекторов покрывают 3300 квадратных метров стен и пола климтовскими цветами и декадентскими красавицами. Фигуры парят под полотком, ускользают из-под ног, множатся и рассыпаются, уступая место новым. Здесь и золотая Юдифь, и «Даная» и «Поцелуй», а еще пейзажи с цветами и деревьями, которыми покрываются не только стены бывшего литейного завода, но и сами посетители, рассевшиеся вдоль этих стен.
Глава французской компании по управлению музеями Culturespaces Брюно Монье считает, что роль центров искусства — устранить границы, поэтому цифровые технологии в XXI веке должны стать частью выставочных пространств.
«Все изображения в Atelier des lumi`eres в очень высоком разрешении. Их обработали в специальной программе. Мы решили показывать здесь произведения не статично на стене, а предлагаем посетителям погрузиться в картину, эмоционально прожить картину. Получается настоящий спектакль, который соединяет изображения, музыку и создает очень сильный эффект „погружения“», — говорит Брюно Монье в интервью RFI.
Организаторы решили включить в представление картины единомышленника Густава Климта Эгона Шиле. Оба венских мастера умерли сто лет назад, в 1918-м, вместе с Австро-венгерской империей. Отдельное светозвуковое представление посвящено австрийскому архитектору и живописцу Фриденсрайху Хундертвассеру, который в этом году отметил бы 90-летний юбилей.
Художественный руководитель проекта Джанфранко Ианнуччи объясняет, что трех мастеров — Климта, Шиле и Хундертвассера — объединяет их «желание освободить форму и содержание от схем, навязываемых академической традицией». А сама выставка в Atelier des lumi`eres — под стать Венскому сецессиону — смелая, яркая и изысканная.
«Здесь проходит выставка Климта, Хундертвассера и, наконец, студия, которая занимается современным искусством, представляет спектакль, созданный искусственным интеллектом. Центр цифрового искусства позволяет рассказать обо всех эпохах, потому что мы работаем с изображениями и видео. Климт — это конец 19-начало 20 века, Хундертвассер — это 20 век, а искусственный интеллект — это 21 век. Постановщики создали программу, которая самостоятельно создает выставку. Цифровые технологии — это средство, но они и сами становятся творцами», — продолжает Брюно Монье.
Благодаря новым технологиям посетители действительно оказываются в самих картинах — гуляют среди цветов и золотых лепестков под музыку Штрауса, Шопена и Малера. Завершается представление «Древом жизни» Густава Климта, которое вырастает и исчезает в «Мастерской света» в полной темноте. (автор статьи — Ксения Гулия )
|
Метки: Густав Климт живопись Париж Выставки модерн |
Александр Кушнер - " Чего действительно хотелось..." |
|
|
Метки: поэзия современная поэзия |
Константин Коровин (1861 -1939). Избранные работы |
Александр Бенуа от творчестве Константина Алексеевича Коровина (1861, Москва — 1939, Париж) — русского живописца и театрального художника:
"Когда появились на Передвижных выставках первые картины К.Коровина, все у нас были еще так далеки от требований чисто живописных красочных впечатлений, что публика мучительно ломала себе голову, добиваясь разгадать «дикие» намерения художника.
«Кому нужна эта некрасивая барышня, стоящая среди березовых стволов, или эти три, ничего не выражающие, пестрые девицы, позирующие перед каким-то пастушком, и т. п.?» — с недоумением спрашивали себя посетители Передвижных выставок, пришедшие «поучиться жизни» у Вл. Маковского и его товарищей.
Кое-какое понятие о красивом колорите существовало у нас даже в 70-х и 80-х годах, но красивыми в красочном отношении считались тогда разве только картины Семирадского, Харламова и К. Маковского, да в западном искусстве — Макарта, Бенжамен-Констана, словом, все несколько грубоватое творчество, соблазняющее толпу яркими и пестрыми созвучиями.
Репин дал несколько образчиков отличных в красочном отношении картин, по большей части этюдов с натуры, но редко кто любовался этими его произведениями, и даже его поклонники больше изумлялись верности передачи натуры, нежели красоте, получавшейся благодаря этой верности. О красоте вообще мало было разговора, и даже совсем забыли о ее существовании.
Картины Коровина, в которых художник добивался одного только красивого красочного пятна, естественно, должны были смутить многих. Этому способствовала еще и самая живопись Коровина: дерзко-небрежная, грубая и, как казалось многим, просто неумелая.
Никто тогда не подозревал, что и живопись, и краски в этих картинах — высокого достоинства, что автор их — настоящий живописец."
"За чайным столом изображено семейство Василия Поленова , учителя Константина Коровина в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Поленов нередко приглашал любимых учеников (а Коровин несомненно входил в их число) к себе на дачу, в деревню Жуковка.
Эта картина вызывает в памяти многочисленные завтраки импрессионистов В своем «чаепитии» Коровин использует излюбленный прием этого направления – эффект случайного кадра. В его пользу говорят такие детали как отодвинутый стул на переднем плане справа. Кажется, сидящий за ним только что встал – и, возможно, потянулся за кистью? Из-за отсутствия постановочной композиции зритель уверен, что наблюдает обычную сцену дачного отдыха. Однако отнести эту картину к импрессионизму можно разве что с очень большой натяжкой. Потому что присущей течению легкости, спонтанности, мимолетности здесь не найти. Напротив, и композиция, и колорит тщательно простроены.
Как классифицировать эту картину? Пейзаж? Натюрморт? Бытовая сцена? Групповой портрет? Последняя версия, пожалуй, наиболее полно проявлена. Жена Василия Поленова Наталья занята шитьем. Дочь Елена сидит напротив матери, ее мы видим со спины. Мария Якунчикова, сестра Натальи, увлеченно беседует с морским офицером, расположившимся на противоположном краю стола. Перекрестная композиция создает две линии – расслабления и напряжения, причем с интересным цветовым контрастом. Жена и дочь художника написаны теплыми охристыми тонами, при этом изображены в расслабленных позах, хочется сказать, что они прохлаждаются. Линия Мария Якунчикова – офицер, напротив, написана холодными тонами синего и белого, а вот их позы свидетельствуют о горячей заинтересованности беседой и, возможно, друг другом, об увлеченности. Это колористическое противопоставление продублировано и в натюрморте: сияющая на солнце медь самовара и бело-голубой, выполненный в прохладных тонах чайный набор. В том же цветовом контрасте исполнен пейзаж: зеленые и охристые тона сменяют и дополняют друг друга.
Коровин в этом же, 1888 году, представил картину на восьмой выставке общества любителей художеств, и она имела большой успех."(Описание картины — автор Алена Грошева; сайт — artchive.ru)
Особенности творчества художника Константина Коровина: увлечение светом и цветом присутствует, но в сравнении с французскими импрессионистами Коровин сохраняет слишком большую приверженность предмету изображения, свет и цвет для него чаще всего — прием и способ писать предмет, но не единственный повод для создания картины; отсутствие мимолетности, свет не растворяет предмет; декоративность; этюдизм; применение темных цветов, в то числе табуированного импрессионистами черного.
В воспоминаниях одного из его учеников, Н.М. Чернышева, есть несколько эпизодов, которые дают представление о мировоззрении художника. Очень характерны слова, сказанные Коровиным Чернышёву в 1903 году во время болезни:
" По-прежнему лёжа в постели, Константин Алексеевич взял мой эскиз, поставил его себе на живот и начал говорить.
«Прежде всего надо избегать литературности в живописи», — были его первые слова. Однако он нашёл в нём (эскизе) много сердечности, поэзии, «Сколько любви!» — восклицал он.
Я волновался, что утомляю больного, а он рассказывал о своей молодости, как трудно им жилось… Случалось, что они голодали, но упорно работали.
«Деньги — г…., — не раз ввёртывал он крепкое словцо. — Никогда не думайте о деньгах. Они сами к вам придут… Пишите больше вот, что здесь, на улице, у вас перед глазами, — говорил он, указывая на окно и обводя взглядом комнату. — Живите в своей комнате, окружённый красками, акварелью, пастелью. …Всем пишите, пробуйте себя во всём. Больше ешьте, будьте здоровым, весёлым, но всё для искусства. Лучше жить в норе и, терпя всякие лишения, наслаждаться своим искусством…
Знайте Веру, Надежду и Любовь, и во всех лишениях помните эти три.
Если одну из них забыл — погиб."
|
Метки: живопись пейзаж русский импрессионизм жанровое русская живопись Коровин Константин живопись 19/20 века импрессионизм русские художники |
Константин Коровин (1861 -1939). Избранные работы |
Александр Бенуа от творчестве Константина Алексеевича Коровина (1861, Москва — 1939, Париж) — русского живописца и театрального художника:
"Когда появились на Передвижных выставках первые картины К.Коровина, все у нас были еще так далеки от требований чисто живописных красочных впечатлений, что публика мучительно ломала себе голову, добиваясь разгадать «дикие» намерения художника.
«Кому нужна эта некрасивая барышня, стоящая среди березовых стволов, или эти три, ничего не выражающие, пестрые девицы, позирующие перед каким-то пастушком, и т. п.?» — с недоумением спрашивали себя посетители Передвижных выставок, пришедшие «поучиться жизни» у Вл. Маковского и его товарищей.
Кое-какое понятие о красивом колорите существовало у нас даже в 70-х и 80-х годах, но красивыми в красочном отношении считались тогда разве только картины Семирадского, Харламова и К. Маковского, да в западном искусстве — Макарта, Бенжамен-Констана, словом, все несколько грубоватое творчество, соблазняющее толпу яркими и пестрыми созвучиями.
Репин дал несколько образчиков отличных в красочном отношении картин, по большей части этюдов с натуры, но редко кто любовался этими его произведениями, и даже его поклонники больше изумлялись верности передачи натуры, нежели красоте, получавшейся благодаря этой верности. О красоте вообще мало было разговора, и даже совсем забыли о ее существовании.
Картины Коровина, в которых художник добивался одного только красивого красочного пятна, естественно, должны были смутить многих. Этому способствовала еще и самая живопись Коровина: дерзко-небрежная, грубая и, как казалось многим, просто неумелая.
Никто тогда не подозревал, что и живопись, и краски в этих картинах — высокого достоинства, что автор их — настоящий живописец."
"За чайным столом изображено семейство Василия Поленова , учителя Константина Коровина в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Поленов нередко приглашал любимых учеников (а Коровин несомненно входил в их число) к себе на дачу, в деревню Жуковка.
Эта картина вызывает в памяти многочисленные завтраки импрессионистов В своем «чаепитии» Коровин использует излюбленный прием этого направления – эффект случайного кадра. В его пользу говорят такие детали как отодвинутый стул на переднем плане справа. Кажется, сидящий за ним только что встал – и, возможно, потянулся за кистью? Из-за отсутствия постановочной композиции зритель уверен, что наблюдает обычную сцену дачного отдыха. Однако отнести эту картину к импрессионизму можно разве что с очень большой натяжкой. Потому что присущей течению легкости, спонтанности, мимолетности здесь не найти. Напротив, и композиция, и колорит тщательно простроены.
Как классифицировать эту картину? Пейзаж? Натюрморт? Бытовая сцена? Групповой портрет? Последняя версия, пожалуй, наиболее полно проявлена. Жена Василия Поленова Наталья занята шитьем. Дочь Елена сидит напротив матери, ее мы видим со спины. Мария Якунчикова, сестра Натальи, увлеченно беседует с морским офицером, расположившимся на противоположном краю стола. Перекрестная композиция создает две линии – расслабления и напряжения, причем с интересным цветовым контрастом. Жена и дочь художника написаны теплыми охристыми тонами, при этом изображены в расслабленных позах, хочется сказать, что они прохлаждаются. Линия Мария Якунчикова – офицер, напротив, написана холодными тонами синего и белого, а вот их позы свидетельствуют о горячей заинтересованности беседой и, возможно, друг другом, об увлеченности. Это колористическое противопоставление продублировано и в натюрморте: сияющая на солнце медь самовара и бело-голубой, выполненный в прохладных тонах чайный набор. В том же цветовом контрасте исполнен пейзаж: зеленые и охристые тона сменяют и дополняют друг друга.
Коровин в этом же, 1888 году, представил картину на восьмой выставке общества любителей художеств, и она имела большой успех."(Описание картины — автор Алена Грошева; сайт — artchive.ru)
Особенности творчества художника Константина Коровина: увлечение светом и цветом присутствует, но в сравнении с французскими импрессионистами Коровин сохраняет слишком большую приверженность предмету изображения, свет и цвет для него чаще всего — прием и способ писать предмет, но не единственный повод для создания картины; отсутствие мимолетности, свет не растворяет предмет; декоративность; этюдизм; применение темных цветов, в то числе табуированного импрессионистами черного.
В воспоминаниях одного из его учеников, Н.М. Чернышева, есть несколько эпизодов, которые дают представление о мировоззрении художника. Очень характерны слова, сказанные Коровиным Чернышёву в 1903 году во время болезни:
" По-прежнему лёжа в постели, Константин Алексеевич взял мой эскиз, поставил его себе на живот и начал говорить.
«Прежде всего надо избегать литературности в живописи», — были его первые слова. Однако он нашёл в нём (эскизе) много сердечности, поэзии, «Сколько любви!» — восклицал он.
Я волновался, что утомляю больного, а он рассказывал о своей молодости, как трудно им жилось… Случалось, что они голодали, но упорно работали.
«Деньги — г…., — не раз ввёртывал он крепкое словцо. — Никогда не думайте о деньгах. Они сами к вам придут… Пишите больше вот, что здесь, на улице, у вас перед глазами, — говорил он, указывая на окно и обводя взглядом комнату. — Живите в своей комнате, окружённый красками, акварелью, пастелью. …Всем пишите, пробуйте себя во всём. Больше ешьте, будьте здоровым, весёлым, но всё для искусства. Лучше жить в норе и, терпя всякие лишения, наслаждаться своим искусством…
Знайте Веру, Надежду и Любовь, и во всех лишениях помните эти три.
Если одну из них забыл — погиб."
|
Метки: живопись пейзаж русский импрессионизм жанровое русская живопись Коровин Константин живопись 19/20 века импрессионизм русские художники |
