Всегда под рукойаналогов нет ^_^
Позволяет вставить в профиль панель с произвольным Html-кодом. Можно разместить там банеры, счетчики и прочее
ОткрыткиПерерожденный каталог открыток на все случаи жизни
Я - фотографПлагин для публикации фотографий в дневнике пользователя. Минимальные системные требования: Internet Explorer 6, Fire Fox 1.5, Opera 9.5, Safari 3.1.1 со включенным JavaScript. Возможно это будет рабо
Куда уходит детство?...Художница Charles Twelvetrees
Мир детства – самый лучший мир,
Наивный, добрый и счастливый,
Ребенок хочет быть большим,
Стремится жить во взрослом мире.
Я знаю, я была такой,
Была, была, была когда-то,
Но я шагнула в мир иной,
Оттуда нет уже возврата.
Там все не так, жестока жизнь,
Там много фальши и разврата,
Хочу назад, в свой детский мир,
Забыть про все была б я рада.
И окунуться с головой
Наивно в детскую мечту,
Которой нет теперь со мной,
Которую я не найду.
О, детства мир, исчез когда ты?
И как я выросла, скажи?
Как было все легко когда-то,
Когда тот мир со мною был!
Пейзажи в стиле сансуй от японского художника Koukei Kojima
Умиротворяющие пейзажи выполнены в той характерной творческой манере, за которой однозначно стоит азиатский художник, тонко чувствующий, аккуратный, неспешный. Koukei Kojima тщательно взвешивает каждый штрих, каждый мазок, делая их идеальными, а цвета - нежными и приглушенными, словно они подернуты туманной дымкой свежего весеннего утра. И потому картины выглядят немного выцветшими, старинными, словно передаются из поколения в поколение уже много десятков лет.
25 октября 1881 года в шумной испанской Малаге врач принимал сложные роды. Когда родившийся ребенок не закричал, акушер спокойно закурил гаванскую сигару, а едкий дым выпустил в бесчувственное лицо новорождённого: от ужаса вскрикнули все, в том числе едва появившийся на свет малыш Пабло.
С этого занимательного эпизода началась долгая и совершенно безумная биография испанского художника. Он прожил 92 года и до конца своих дней был неутомим в своём творческом поиске. Он менял стили и техники чаще, чем женщин: Пикассо безжалостно расчленял предмет исканий в кубизме, вновь собирал его, обратившись к неоклассицизму, пробовал себя в сюрреализме, расписывал стены борделей, занимался скульптурой и керамикой. Он познавал мир через холст и не мыслил себя вне палитры.
Ранние годы
Несмотря на то, что Хосе Руис был посредственным художником, он не мог не заметить талант первенца. «Дома в коридоре стояла статуя. Геркулес с дубиной, — рассказывал Пикассо, — вот я сел и нарисовал этого Геркулеса. И это не было детским рисунком, это было вполне реалистично». Ему едва исполнилось шесть, когда отец начал обучать его основам рисунка и живописи.
Семья Пикассо переехала из шумной Малаги в не менее шумную Ла-Корунью, где в возрасте девяти лет Пабло стал посещать курсы живописи. Так как учился юноша из рук вон плохо, а его романы с молодыми преподавательницами регулярно заставляли краснеть родителей, они не протестовали, когда тот решился оставить школу и отправиться в Барселону. В 14 Пабло Пикассо на общих основаниях поступил в Барселонскую школу искусств и ремёсел. Живопись вундеркинда существенно выделялась на фоне старших сверстников, его первые большие работы маслом «Первое причастие» и «Знание и милосердие» заслужили множество наград и медалей на художественных выставках в Барселоне и Малаге. Проучившись в Барселоне всего год, он без особого труда поступает в самое престижное художественное заведение страны: Мадридскую академию художеств. Однако и здесь он задержался всего лишь на семь месяцев. От нравоучений преподавателей Пикассо впадал в ярость, а в рамках нудного академизма было тесно и скучно. Занятиям юноша предпочитал посещение музея Прадо и написание копий с полотен Веласкеса и Эль Греко.
Оставив учёбу, Пабло Пикассо отправился в Париж.
Голубой и розовый период
Франция не оказывается гостеприимной к молодому художнику: критики упрекают его в отсутствии индивидуального стиля. Пикассо с жаром принимает вызов: уверенный в собственной уникальности, он начинает бесконечный поиск себя.
Этот период жизни стал одним из самых тяжёлых для него. Оставаться во Франции он не мог: денег на жильё и пропитание не было, а работы явно не пользовались спросом. Пикассо метался между Барселоной и Парижем, писал полные меланхолии полотна, изображающие падших женщин и пьяниц. Все оттенки голубого и серого— главные отличительные черты этого периода творчества Пикассо — навсегда останутся для него символами нищеты и печали.
Четвёртая попытка завоевать Париж случилась удачнее предыдущих: ему удалось снять небольшую квартирку в ветхом общежитии на Монмартре. Здесь он обзавелся музой Фернандой Оливье и множеством знакомств в среде циркачей и второсортных актёров. Пикассо по-прежнему нищ, но его жизнь постепенно начинает становиться ярче. Наиболее характерным произведением этого периода стала «Девочка на шаре». Новые герои полотен — арлекины и акробаты — ещё полны печали, но уже выглядят значительно свежее предшественников за счёт розовато-коралловой цветовой гаммы.
Девочка на шаре. 1905 год.
Кубизм
Кубизму предшествовал так называемый «африканский период» или «протокубизм». На этнографической выставке в музее Трокадеро весной 1907 года Пикассо открывает для себя мистицизм деревянных идолов, под влиянием которого постепенно избавляется от перспективы и упрощает формы. В это время на свет появляются «Авиньонские девицы». Картина, изображающая падших женщин в африканских масках, повергла общественность в шок и ознаменовала переход Пикассо к новому этапу творчества.
ЭВОЛЮЦИЯ ГЕНИЯ. КРАТКО О ЖИЗНИ И ТВОРЧЕСТВЕ ПАБЛО ПИКАССО. ПРОДОЛЖЕНИЕ
Сюрреализм
Пикассо бежал от прекрасно меблированного богатого дома и фигуративной живописи в ирреальный мир галлюцинаций. На протяжении нескольких лет он рисует исключительно монстров, а потом встречает шестнадцатилетнюю Марию-Терез Вольтер. Вдохновлённый её простой красотой, Пикассо рисует серию ярких и чувственных портретов, в том числе «Обнаженную, зеленые листья и бюст»: одну из самых дорогих картин в истории человечества.
Обнажённая, зелёные листья и бюст, 1932 год.
«Герника» и пацифизм
В апреле 1937 года фашистский самолет сбросил бомбу на Гернику, центр культурной жизни басков. Пикассо 55, он болезненно переживает трагедию и пишет своё самое значительное произведение: знаменитую «Гернику». В монохромных цветах на громадном полотне изображён павший воин, оплакивающая его женщина и раненая лошадь, фоном для этой сцены служат мать с мёртвым ребенком, бык — символ Испании — и охваченная пламенем фигура девушки. Существует фотохроника создания Герники, её сделала Дора Маар, фотограф, художник-сюрреалист и новая спутница Пикассо. Именно её образ мастер использовал для изображения войны: он создаёт множество портретов Доры, в том числе серию работ, известных как «Плачущая женщина». Знаковыми для этого периода являются натюрморты с черепами, передающие весь ужас оккупированного Парижа. Ужас войны, охвативший художника, сделал его работы мрачными, наполнил необычайной горечью и болезненным сарказмом. Особенно не повезло женским портретам: всю свою обиду на происходящее в мире он изображал, уродуя лица и фигуры своих любовниц.
Герника, 1937 год.
Сталин, 1953 год.
Послевоенное творчество
На исходе Второй мировой войны Пикассо вступает в Коммунистическую партию Франции. По просьбе товарищаЛуи Арагона, возглавлявшего еженедельник компартии Lettres françaises, Пикассо даже нарисовал портрет Сталина для передовицы номера, посвящённого смерти Вождя народов. Угольная зарисовка, выполненная в характерной манере художника, вызвала огромный скандал среди французских коммунистов. Они обвинили Пикассо в том, что тот посмел исказить черты «Великого Сталина», и возмущённо требовали напечатать опровержение. Потом художник говорил, оправдываясь перед однопартийцами, что даже задумывался на тем, чтобы изобразить Сталина в героической позе в виде обнаженной античной статуи. «Да, думал я, это здорово. Но как быть с его мужскими причиндалами? В классических скульптурах члены всегда маленькие. Но ведь речь идёт о Сталине, мощном мужике, настоящем боевом быке», — именно эта неловкая подробность остановила художника от весьма экстравагантного портрета Отца народов.
В это время художник встречает свою новую музу — юную художницу Франсуазу Жило. Ему — 61, ей — 21, но разница в возрасте не смущает влюблённых. Семейство перебирается на юг Франции, а в работах Пикассо появляется мир и покой. В пятидесятых была создана серия работ «Голуби мира» и написана знаменитая «Радость жизни», наполненная светом и цветом. Кажется, художник абсолютно счастлив, однако мудрая Франсуаза вовремя сбегает с двумя детьми от бесконечных измен Пикассо: участь оставленных женщин художника её не прельщает.
Радость жизни, 1946 год.
Он болезненно переживает расставание, рисуя серию зарисовок уродливого старика-карлика с юной красавицей. Анализируя собственное творчество, обращается к полотнам других великих художников и в характерной манере пишет «Портрет художника. В подражание Эль Греко», «Девушки на берегу Сены. По Курбе», «Завтрак на траве. По Мане» и многое другое. Он постепенно стареет, но не теряет способности творить и мыслить
Успокоения семидесятилетний герой-любовник искал в объятиях своей новойфаворитки Жаклин Рок. Она боготворила Пикассо, следила за его диетой и стойко переносила приступы депрессии. Последняя муза ни с кем не хотела делить своего гения, да и и сам он не стремился заботиться о собственном потомстве: пока Пикассо работал, его внуки падали в обморок от истощения, а бывшие женщины и дети жили в нищете, умирали от рака и спивались.
В жизни знаменитого художника происходило столько невероятных историй, что сейчас крайне сложно установить, какие из них случались на самом деле. Он сам был склонен к мистификациям и один и тот же факт каждый раз преподносил по-новому, добавляя новые детали. С именем Пабло Пикассо связано столько мифов, что многие реальные истории звучат, как небылицы.
Загадочные истории преследовали Пикассо с момента его рождения. Поскольку новорожденный не кричал и не плакал, все посчитали, что мальчик родился мертвым. Его дядя Сальвадор прибегнул к очень необычному методу реанимации: выдохнул в лицо ребенку сигарный дым, тот сморщился и закричал. Происходило ли все это на самом деле – никто не знает, однако сам художник обычно рассказывал эту историю именно и так и добавлял, что по этой причине всю жизнь не расставался с сигаретами.
Вермеер родился в Делфте 31 октября 1632 года, прожил всего 43 года и умер при странных обстоятельствах. Современники полагали, что причиной быстрой и ранней смерти была нервная истощённость художника, связанная с семейными проблемами и бедностью.
Самая известная и «гастролирующая» работа Вермеера — «Девушка с жемчужной серёжкой», принадлежащая Гаагскому музею. Иногда её гастроли, например, по Японии и Америке затягиваются на годы.
Если вам станет грустно осенним вечером, укутайтесь в плед и полюбуйтесь на картины финской художницы Инге Лёёк (Inge Löök). Невероятно позитивные истории о двух старушках-веселушках, обязательно поднимут настроение!
Inge Löök— псевдоним, настоящее имя художницы Ingeborg Lievonen. Она ландшафтный дизайнер, но сейчас работает как независимый художник-иллюстратор. Цикл «Аnarkistiset mummot korteistaan» («Старушки-хохотушки») очень популярен в Финляндии. Это серия открыток и календарей, главные персонажи которых — две невероятно позитивные и неугомонные бабули, наслаждающиеся каждой минутой жизни.
Когда Инге была маленькой девочкой, по соседству с ней жили две пожилые дамы — Алли и Фифи. Старушки отличались веселым нравом и настолько запомнились Инге, что через много лет вдохновили её на целую серию открыток, рассказывающих о жизни бесшабашных и неунывающих подруг.
Иллюстрации с бойкими бабушками не только поднимают настроение, но и предлагают задуматься над отношением к жизни. Желаем всем не унывать и помнить — в мире нет ничего хорошего или плохого, но что мы об этом думаем делает его таким.
Сложно найти картину, которая была бы настолько хорошо известна, как «Крик». Прошло больше века с момента ее создания, а до сих пор нет единого мнения о том, что на ней изображено. Более того, с годами картина только обрастает мистическими загадками. Например, есть страшилка, что «Крик» проклят: десятки людей после контакта с ним заболевали, впадали в тяжелую депрессию или внезапно умирали. Что же таит в себе «Крик» Мунка?
Сюжет
На мосту под багряным небом стоят люди. В пейзаже угадывается вид фьорда с холма Экеберг в Осло (которое во время Мунка называлось Христианией).
Сущность центрального образа остается загадкой. Художник не стремился к прорисовке это фигуры. Мунк пишет сам звук, состояние. Посмотрите, как согласованы линии, которыми написаны пейзаж и кричащий. Они словно в резонансе. Человек слышит крик природы и реагирует на него, и природа не может не отозваться на состояние человека. По сути, это идея вселенского единения.
В природе вы не найдете ни одной идеально прямой линии. И Мунк пишет окружающее именно в том виде, в каком оно было создано. «Я рисую не то, что вижу, а что увидел», — говорил он.
О том, что легло в основу «Крика», сам художник написал в своем дневнике: «Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу».
Как выглядела изображенная на картине местность
Образ, который родился у Мунка, — это синтез того, что он чувствовал в то время, тех настроений, которые витали в Норвегии, детских страхов, бесконечной депрессии и одиночества.
Не исключено, что багряный цвет неба не преувеличение. Мунк действительно мог видеть такой цвет. В 1883 году в Кракатау произошло мощнейшее извержение вулкана. В атмосферу было выброшено огромное количество пепла, из-за чего в течение нескольких лет по всему миру наблюдались особенно красочные, огненные закаты.
Вполне возможно, что и тот крик, который слышал Мунк, не некая идея или галлюцинация. Рядом с Экебергом располагались крупнейшая скотобойня Осло и психиатрическая клиника. Крики забиваемых животных вместе с воплями душевнобольных были невыносимы.
Сегодня я посмотрела фильм "Большие глаза" о талантливой американской художнице Мргарет Кин,получившая известность благодаря портретам женщин и детей, отличительной чертой которых является изображение очень больших глаз.. Возможно вы видели эти картины. Для тех кто не видел , и кто интересуется живописью предлагаю пост с наиболее известными ее картинами .
Тим Бёртон - известный режиссёр, был впечатлён историей талантливой художницы, решил снять о ней фильм. Работа продолжалась почти 7 лет. Фильм вышел на широкие экраны в 2014 году, а с 15 января 2015г появился в российском прокате. Он стал очень популярным, получил множество положительных отзывов и награду «Золотой глобус» в категории «Лучшая женская роль».Посмотрите его, если вас тронула эта история жизни.
Тим Бертон и его личная коллекция картин Маргарет Кин
http://kinokrad.co/276135-bolshie-glaza-2015-smotret.html - вы можете посмотреть фильм по этой ссылке.
Маргарет Д. Х. Кин родилась в 1927 году в Нашвиле, Теннеси. Её картины стали пользоваться популярностью в 50-х годах, но долгое время продавались под именем её мужа Уолтера Кина.
Славянская мифология глазами Vasylina. Автор картин: Vasylina, vasylina.deviantart.com.
Сирин.
Сирин — в древнерусском искусстве и легендах райская птица с головой девы. Считается, что Сирин представляет собой христианизацию языческих русалок — вил. Часто изображается вместе с другой райской птицей, Алконостом, но голова Сирина иногда оказывается непокрытой, а вокруг неё располагается нимб.
Сирин своим происхождением обязан литературной средневековой традиции. Самые древние изображения Сирина восходят к X веку и сохранились на глиняных тарелках, колтах и височных кольцах (Киев, Корсунь). В средневековых русских легендах Сирин однозначно считается райской птицей, которая иногда прилетает на землю и поет вещие песни о грядущем блаженстве, однако иногда эти песни могут оказаться вредными для человека (можно потерять рассудок). Посему в некоторых легендах Сирин приобретает отрицательное значение, так что её даже начинают считать темной птицей, посланницей подземного мира. Рассказы о сладостном и чарующем воздействии пения Сирина на человека содержатся в таких литературных памятниках XVII века, как Физиологи, Азбуковники, Хронографы. В апокрифической литературе сообщается, что птица Сирин боится громких звуков, и, чтобы отпугнуть ее, люди звонят в колокола, стреляют из пушек, трубят в трубы.
Любимые кошки Лу́иса Уи́льяма Уэ́йна (British, 1860-1939) президента Английского Национального кошачьего клуба.
Лу́ис Уи́льям Уэ́йн (англ. Louis William Wain) (5 августа 1860 — 4 июля 1939) — английский художник, известный своими многочисленными антропоморфными изображениями котов, кошек и котят. Некоторые искусствоведы воспринимают художника как крупнейшего графика викторианской сказочной живописи.
Луис Уильям Уэйн родился 5 августа 1860 года в Клеркенвелл в Лондоне. Он был старшим ребёнком в семье, среди пяти сестёр, ни одна из которых никогда не вышла замуж. В возрасте тридцати лет самая младшая сестра была признана сумасшедшей и помещена в сумасшедший дом. Оставшиеся сёстры всю свою жизнь прожили с матерью, почти как и сам Луис, который прожил с матерью большую часть своей жизни. Мать Луиса занималась оформлением церквей и созданием узоров для турецких ковров. В детстве Луис часто прогуливал школу и подолгу гулял по Лондону. Закончив учиться, Уэйн поступил в школу искусств Западного Лондона, а по её окончании некоторое время преподавал. Когда ему было 20 лет, его отец умер, и ему пришлось содержать свою мать и сестёр.
Вскоре после смерти отца Луис оставляет преподавание и становится свободным художником. В основном он рисует животных и деревенскую жизнь, сотрудничая с несколькими журналами, включая «Illustrated Sporting and Dramatic News» и «Illustrated London News». В 1880-х гг. работы Луиса Уэйна изображали в большинстве своем английскую сельскую жизнь: дома, усадьбы и животных, которых ему приходилось зарисовывать на сельскохозяйственных выставках. В его работах того периода фигурирует много животных, умение рисовать которых он сохранил на всю жизнь. Одно время он собирался зарабатывать на жизнь, рисуя исключительно портреты собак.
В начале 20-х годов прошлого столетия во Франции произошла настоящая революция. Нет, реки крови не текли, да и правительство никто не сверг, просто в искусстве появились сюрреалисты. Показы фильмов задом наперед, картины, ломающие границы сознания, и дерзкие перформансы – молодые художники развлекались как могли.
Джоконда с усами
Одной из первых «пощечин общественному вкусу» сюрреалистов стала картина Марселя Дюшана «Джоконда с усами». Слегка приукрасив шедевр да Винчи, Дюшан написал на нем буквы L. H. O. O. Q. Если прочитать их быстро, то получится французское «elle a chaud au cul», что можно перевести как «у меня горячие бедра». Отсылки на эту картину не раз делали коллеги по цеху Дюшана — полотно стало настоящим символом иконоборчества.
«Джоконда с усами» Дюшана
Не упускал возможности шокировать публику и Рене Магритт. Его картина «Вероломство образов» не раз заставляла задуматься даже самых искушенных зрителей. На ней изображена трубка с надписью «это не трубка» — своеобразный вызов, демонстрирующий окружающим, что образ предмета еще не является самим предметом.
Египет навсегда останется богатой сокровищницей для всех веков и народов, для ученых многих отраслей наук, которых интересовали искусство, богатая культура, своеобразная природа этой страны. Так и Плиний Старший в своих трудах свидетельствует, что живопись получила свое название в Египте, где она была известна еще за 6000 лет до греков. Этим искусством занимался знаменитый Гермес Трисмегист, а ему его передал последний потомок Ноя. Древность живописи в Египте доказывается еще и тем, что Моисей в «Книге Бытия» запрещает народу израильскому подражать фигурам, рисованным египтянами.
Эти свидетельства убеждают, что живопись в Египте уже в те времена была доведена до того совершенства, которое было связано с предписаниями. Так, например, религия древних египтян запрещала всякое изучение анатомии, а для изображения человека предписывала несколько известных нормальных поз, отклониться от которых художник уже не мог.
К числу произведений древней египетской живописи относятся знаменитые фаюмские портреты
Это история, в которой есть любовь и ненависть, измена и месть, погоня и жертвоприношение. Морали в этой истории нет — какая может быть мораль у истории, в которой участвуют гений Густав Климт, роковая женщина Адель Блох-Бауэр, картина стоимостью 135 миллионов долларов, Адольф Гитлер, Джордж Буш-младший, Правительство США и народ Австрии?
Наверное, вы уже догадались, что речь идет о картине Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр», или «Золотой Адели».
У художника Джорджа Редхока (George Redhawk) повреждено зрение, но, несмотря на это, он создает просто невероятно красивые анимированные картины. Его работы можно назвать волшебными, а его самого – магом, способным оживить даже самую невзрачную на первый взгляд фотографию или картинку.
Скульптор из Румынии Дариус Хулеа использует для своих работ все виды металла — нержавеющую сталь, железо, медь, латунную проволоку. Его проволочные композиции представляют собой смесь классики и модерна, при этом его металлические портреты знаменитостей безошибочно узнаваемы.
Дариус Хулеа вырос в румынской деревне, и он утверждает, что большое влияние на становление его как художника оказали бабушка и дедушка. Бабушка Дариуса ткала традиционные румынские ткани, а его дедушка был отличным резчиком по дереву.
Король Румынии Фердинанд I
Заинтересовавшись искусством в раннем детстве, Дариус решил посвятить ему свою жизнь, что с успехом и делает. С помощью металлических прутьев он создает скульптурные портреты известных людей своей страны — причем несмотря на современный и в какой-то степени промышленный материал, художник работает в классической манере.
Талантливый бразильский художник-самоучка Туллиус Хейер (Tullius Heuer) создаёт удивительные цифровые произведения искусства, которые, кажется, вот-вот спрыгнут со страницы.
Он мастерски сочетает свои карандашные рисунки с реальными фотографиями в своих волшебных трёхмерных фотоманипуляциях, и результат не заставляет себя ждать: создаётся ощущение, что его рисунки оживают.
Неизвестный автор. Леонардо да Винчи, 1600, Галерея Уффици, Флоренция
Полное его имя — итал. Leonardo di ser Piero da Vinci, то есть «Леонардо, сын господина Пьеро из Винчи».
Картины Леонардо да Винчи представлены здесь, по возможности, в хронологическом порядке и с теми названиями, с которыми они экспонируются в музеях. Для работ Леонардо да Винчи это обязательная оговорка, так как ни датировки ни авторских названий его работ не имеется, что даёт повод для многочисленных, не связанных в целом, трактовок и гипотез. Если музей дает временной интервал, то здесь принята самая поздняя дата из этого интервала и она определяет последовательность представления работ.
Описания картин предпочтительно музейные, если они достаточно информативны и удобоваримо перевелись. Описания музеев и описания искусствоведов даны с соответствующими ссылками.
Свои примечания даны без ссылок и отражают только своё непросвещённое зрительское мнение или уточнение перевода на русский язык.
Леонардо да Винчи. Мадонна с гвоздикой (Madonna mit der Nelke), ок. 1473, дерево, масло, 42х67 см. Старая пинакотека, Мюнхен
Леонардо да Винчи - 15 картин которые нужно знать: факты, названия произведений, истории " target="_blank">http://
Это видео про 15 популярных картин Леонардо да Винчи, вы узнаете названия произведений, когда они были написаны, Какие картины Леонардо да Винчи находятся в Эрмитаже, Сколько картин в Лувре и где еще находятся картины Леонардо да Винчи? А еще вы узнаете про очень интересные факты, по каждой из рассматриваемых картин.
15) Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом.
14) Портрет Джиневры де Бенчи
13) Иоанн Креститель
12) Дама с горностаем
11) Портрет музыканта
10) Автопортрет Леонардо - (Тури́нский автопортре́т)
9) Мадонна Литта
8) Витрувианский человек
7) Поклонение волхвов
6) Благовещение
5) Святой Иероним
4) Мадонна в скалах
3) Спаситель мира
2) Тайная вечеря
1) Мона Лиза
ок.1500_Мадонна с младенцем в нише
XVI век_Триптих Распятие 
XVI век_Пьета 
Славянская мифология глазами Vasylina. Автор картин: Vasylina, vasylina.deviantart.com.
Лу́ис Уи́льям Уэ́йн (англ. Louis William Wain) (5 августа 1860 — 4 июля 1939) — английский художник, известный своими многочисленными антропоморфными изображениями котов, кошек и котят. Некоторые искусствоведы воспринимают художника как крупнейшего графика викторианской сказочной живописи.
В детстве Луис часто прогуливал школу и подолгу гулял по Лондону. Закончив учиться, Уэйн поступил в школу искусств Западного Лондона, а по её окончании некоторое время преподавал. Когда ему было 20 лет, его отец умер, и ему пришлось содержать свою мать и сестёр.
