(и еще 543 записям на сайте сопоставлена такая метка)
Другие метки пользователя ↓
алла пугачёва анастасия волочкова артефакты баня владимир путин воронцовы звёздная жизнь звёздные дети звёздные скандалы звёздный скандал звёздный стиль звёзды звёзды без комплексов звёзды без комплексов звёзды в купальниках звезды история история кино история моды их нравы конкурсы красоты коронавирус ксения собчак купальник курорты курорты мира максим галкин мир живописи мир девушек мир девушки мир женской моды мир женщины мир живописи мир животных мир жмвописи мир фото мир фотографий мифология модельный бизнес пляж полезная информация полезные советы приколы прикольно рпц усадьбы филипп киркоров чп шоу-бизнес это интересно
Художник Владимир Мухин |
Дневник |
6464 подписчика
7 февраля
870 дочитываний
154 нравится
Он относится к тем живописцам, увидев одну картину которого, хочется поближе познакомиться с другими его работами, а также больше узнать о нём. Надо заметить, мало кому из современных российских художников удаётся получить признание как у себя на родине, так и за рубежом. Всё что создаёт Мухин понятно всем любителям живописи, в любой стране мира, а умение автора вложить частичку души в свои работы, наделяет их невероятно положительной, притягивающей энергетикой.
Он появился на свет в 1971 году в Казахстане. Рисовать любил с ранних детских лет и, поэтому без колебаний поступил в художественное училище в городе Пенза, а затем ему довелось ещё учиться в знаменитой Академии Ильи Глазунова. Вот откуда у него такое впечатляющее чувство колорита и умение воспроизвести такие чудесные тональные нюансы.
После первой его персональной выставки, прошедшей в 2000-х годах в столичном ЦДХ, о нём заговорили не только в нашей стране, но и в других странах – его работы появляются на самых разных российских и зарубежных экспозициях.
За 20 лет активной творческой деятельности он заслужил много различных премий и званий. Он не только имеет членство в Союзе художников нашей страны, но и входит в международную ассоциацию живописцев при ЮНЕСКО и в известную творческую международную общественную организацию художников, дизайнеров, архитекторов, искусствоведов.
А ещё наш замечательный художник – академик американской Академии изобразительных искусств.
В калифорнийской галерее Элит, а также в аризонской галерее Кармел на постоянной основе выставляются его картины, многие из которых рады бывают приобрести достаточно состоятельные коллекционеры.
Самые выдающиеся мастера живописи стремились увековечить очарование представительниц прекрасной половины человечества. Можно вспомнить ряд знаменитых художников, которые прославились именно благодаря своим женским портретам.
Особенно всегда во все времена ценилось умение мастера с ювелирной точностью отобразить на холсте единство внешней и душевной красоты дам. Такая задача всегда по плечу была художникам, умеющим соединить свой поэтический дар со знанием магических тайн красоты.
Искусство художника Мухина поражает зрителя, в первую очередь, его способностью с детской искренностью создавать удивительно тёплые, наполненные счастьем картины, на которых обязательно присутствует вечная загадка женского обаяния.
В его женских образах можно увидеть всё самое лучшее, что может быть у представительницы прекрасной половины человечества независимо от её национальной принадлежности. Именно поэтому такой широкий отклик находят его чудесные работы в разных уголках планеты.
Конечно, никто лучше самого мастера не расскажет о том, что он считает самым важным в искусстве живописи.
Он не раз упоминал в своих многочисленных интервью, что нет ни одного художника, который творил бы только для себя – картины непременно должны найти своего зрителя. Также он любит вспоминать слова своего любимого живописца – Ренуара, который говорил, что только на стене картина превращается в украшение, и именно поэтому она должна «дышать» роскошью, как и положено настоящему украшению.
Он убеждён, ценность искусства и его сила в загадочной неуловимости и способности живописца зафиксировать на холсте все ощущения, переживания, оставившие ярчайший отпечаток в глубине его души, вобравшей всё великолепие, сотканное из невообразимого сочетания самых невероятных красок, запахов и даже звуков…
Можно добавить, немаловажно для живописца, наличие умения донести до зрителя своё искусство: и это у художника Мухина отлично получается – его востребованности могут многие позавидовать.
Несмотря на то, что он очень активно выставляется в Северной Америке, почти каждый год радует всех новыми персональными выставками, он всегда оставался русским художником, проживающим в столице нашей Родины, обязательно принимающим участие в самых крупных выставках в нашей стране. Мы можем гордиться нашим соотечественником, прекрасным художником, покорившем сердца многочисленных любителей живописи во всём мире.
|
Метки: мир живописи |
Художник Алексей Чернигин |
Дневник |
13 244 подписчика
Глядя на его работы, сразу же вспоминаются слова Клода Моне: «У меня два героя – свет и цвет». Картины нижегородского художника Алексея Чернигина отличаются особым теплом. Очаровательные, нежные и очень чувственные они так и приковывают к себе взгляды. Особое место в его творчестве занимают женские образы: лёгкие и притягательные, откровенные и страстные, вызывающие улыбку и будоражащие воображение.
Алексей Чернигин считает, что в живописи есть необъяснимая внутренняя энергия, которая готова прорваться наружу, преодолевая двухмерность и остальные пределы. По его мнению, в изобразительном искусстве обязательно должна присутствовать некая магия, которая делает картины живыми и непостижимыми.
Мы решили рассказать об этом современном художнике подробнее. Специальный корреспондент творческого альманаха Artifex Алина Кроткая пообщалась с ним лично.
Artifex: К какому направлению Вы относите свою живопись?
Мне кажется, что всё это деление живописи на стили очень условно. Настоящий художник рано или поздно вырабатывает свой стиль. Наверное, наиболее яркий пример – Сальвадор Дали, который говорил: «Сюрреализм − это я!». И с ним не поспоришь. Любой, кто называет себя сюрреалистом, но при этом обладает самоиронией, понимает, что он просто топчет поле Дали. Мне нравится работать в разных стилях. Для меня стиль − это инструмент, позволяющий решить определенную задачу. Для одной нужна достоверность реализма, другая требует абстракции, для третьей я попробую стать импрессионистом.
Artifex: Не считаете ли Вы, что импрессионизм слишком наивен для современного мира? Что значит наивен?
Импрессионизм – это, прежде всего, понимание цвета, света и динамики их взаимодействия. С одной стороны, это точная наука, а с другой − чистый восторг творчества, наслаждение самим процессом «цветосмешения», это больше выражение, чем изображение. Я думаю, импрессионизм, как мироощущение, лежит в основе всех последующих стилей живописи.
Artifex: Какие художники оказали на Вас влияние?
Первый художник в моей жизни – это отец, Александр Чернигин. С детства я рос в окружении его работ, помню запах красок и лаков в мастерской. Я часто ему позировал, но больше мне, конечно, нравилось наблюдать за самим процессом написания картин. Отец для меня – это образец отношения к своему делу, увлеченности, честности со зрителем. Для него живопись − это не работа, а смысл жизни. В нашем доме всегда было много альбомов различных художников, а также книг по искусству. Таким образом я познакомился с Веласкесом и Вермеером, Фешиным и Уайетом, Саржентом и Дега.
Artifex: Я знаю, что Вы занимаетесь дизайном. Поэтому в Ваших работах так часто появляются автомобили?
Да, меня вдохновляет их пластика, экспрессия и динамика линий. Во многих холстах я исследую тему скорости, движения, взаимоотношений человека и города. Вообще, скорость, как мне кажется, это центральное понятие в живописи. Причём, эта внутренняя скорость у каждой картины своя: она может быть даже еле уловимой, как утренний бриз или медленное движение пылинок в луче света.
Artifex: Кстати, о свете: в Ваших картинах его очень много. Пользуетесь ли Вы какими-то особыми приёмами для создания такого эффекта?
Я обожаю солнце, оно придает всему смысл, наполняет эмоциями. А сколько у него градаций и состояний в течение дня! Иногда свет становится главным героем картины, а всё остальное − лишь форма, на которую он ложится.
Artifex: Кроме света можно заметить в Ваших работах много женских образов. Почему?
Женская фигура для живописца − это космос, бесконечное многообразие вариаций и нюансов. Это не просто застывшая форма, а сгусток энергии, эмоций, чувств. В ней пульсирует жизнь, она движется, дышит. Сама структура кожи удивительным образом взаимодействует со светом, придавая поверхности тела особую цветовую глубину. Как у Гумилёва: «И под её атласной кожей бежит отравленная кровь…» Мои картины часто относят к жанру эротики, для меня этот подтекст, конечно, интересен, но не первичен в творчестве. Мне нравится, когда он появляется в процессе работы, а не является изначальной или, что ещё хуже, единственной задачей.
Artifex: Один российский музыкант в интервью как-то сказал, что любимая женщина и муза – это две разные вещи. Музой может стать случайная прохожая или соседка. Вы согласны с этим? Или для Вас любимая и муза− единое целое?
Я думаю, в творчестве не может быть однозначных ответов и непреложных законов. Муза – это состояние. Человек может вызвать его или заглушить. Муза − это нечто непостоянное и непредсказуемое, как шаровая молния. А свою любимую я изображал множество раз и, надеюсь, ещё напишу.
Artifex: А что Вас вдохновляет, кроме света и женских образов?
Главное для художника – научиться по-другому реагировать на то, что его окружает. Люди зачастую не видят ничего вокруг себя. Вернее, они видят, но не чувствуют глазами. Да, мы оцениваем ситуацию, считываем информацию, но при этом всегда спешим, воспринимая мир, как клип или калейдоскоп ярких кадров. Только замедляя этот безумный ритм, растворяясь в ощущении переживаемого момента, можно попробовать начать видеть иначе. Нужно войти в резонанс с окружающим, почувствовать его пульсацию внутри. Иногда такая акклиматизация занимает долгое время, иногда вообще не получается. Но когда происходит это короткое замыкание, ты погружаешься в магическое состояние густого, вязкого наслаждения полнотою жизни. Эти моменты меня очень вдохновляют.
Artifex: И у меня остался последний вопрос. Что может поднять вам настроение, когда грустно?
Рисунки моей пятилетней дочки. ☺
Artifex: Спасибо большое за интересное интервью!
Автор: Алина Кроткая © Artifex.ru
|
Метки: мир живописи |
Майкл Ван Зейл |
Дневник |
20
1
8563 подписчика
40 сек.
1969 год ознаменовался рождением талантливого американского художника, имя которого Майкл Ван Зейл. Способности к рисованию проявились у Майкла в семилетнем возрасте.
Он вплоть до достижения совершеннолетнего возраста занимался изучением новых технологий и техник художественного искусства.
Живописец окончил Чикагскую Академию Искусств. Он совершенствовал своё мастерство на нью-йоркских курсах, где обучался умениям при естественном свете рисовать с натуры.
Много лет художник передаёт свой опыт и умения, обучая юных живописцев художественному творчеству в кружках клуба. Он своим примером убеждает юное поколение, что стать настоящим мастером живописи можно только благодаря повседневному труду и учению.
Майкл является прекрасным портретистом и пейзажистом. При создании картин он предпочитает использовать импрессионистское направление, а также техники старинной голландской живописи. Эти направления прослеживаются во многих произведениях.
Любое произведение насыщено яркими цветами, выразительными персонажами, наполнено оптимистическими нотками. Он умело передаёт единство природы и человека, погружая зрителей в красоту окружающего мира.
Сочетание цветовой гаммы и мягких линий, позволяет передать праздничное настроение и порадовать взор.
Мастер, используя кисть и весь спектр красок, снабжает созданные образы особыми оттенками настроения.
Художнику удаётся продемонстрировать естественность и реальность красоты людей и природы, как бы вступая в диалог со зрителем.
Он осуществляет двустороннюю беседу, используя игру световых теней и своеобразного колора. От образов, созданных на картинах веет положительной энергетикой.
Картины талантливого художника пронизаны жизнелюбием. Число поклонников живописца растёт. Зрителей привлекают очаровательные и завораживающие образы женской половины человечества.
Майкл Зейл создал целую галерею женских портретов. Посмотрев на простые женские образы, которые кажутся неприметными в повседневности, зритель видит очаровательных дам, обладающих особым притяжением.
Мастером искусно передаётся душевное состояние героев. Это может быть грустная влюблённость, ожидание в предвкушении чего-то необычного или величавая вычурность.
Умелое использование приёмов, даёт возможность ощутить притяжение взгляда юного создания или увидеть, как лёгкий ветерок нежно колышет цветочные лепесточки.
Живописцу удалось достичь больших успехов и стать популярным. Великолепие его картин и техники просто поражает, а сюжеты оказывают завораживающее воздействие.
Ценителями искусства дана высокая оценка произведениям живописца. Майкл Зейл многократно награждался Гильдией мастеров художественного творчества. В его коллекции имеются серебряные и золотые награды.
Искусствоведческие популярные журналы постоянно публикуют произведения художника. Картины Майкла Зейла украшают национальные музеи и частные коллекции.
Ставьте лайк и подписывайтесь на канал.
20 нравится
1
|
Метки: мир живописи |
Художник Харитон Платонович Платонов: «за красивые глаза» |
Дневник |
110
15
37 435 подписчиков
Сегодня
1,5 мин.
С одной стороны, картины художника Платонова любили, ценили и покупали за красивые глаза. В самом прямом смысле этого выражения. Отрицать это было бы глупостью либо лицемерием.
«Деревенский пейзаж с церковью», 1872, холст, масло, частное собрание
Вот представьте на секунду, что все персонажи на полотнах Харитона Платоновича изображены с закрытыми глазами. Что Вы, дорогой читатель, считываете настроение и смысл его произведений исключительно с мимики, пластики и антуража. И сразу станет очевидно: без блеска мыслей и жара эмоций, живущих в очах героев, аура очарования картин Платонова потускнеет. Более того: некоторые работы полностью сменят посыл. Сквозь конструкт элегии проступят очертания конфликта, а на месте уютной «салонной» зарисовки появится ехидная ухмылка сатиры.
«Крестьянская девочка. (Молоко пролила)», 1876, холст, масло, Томский ОХМ
К примеру: нам с Вами совершенно очевидно, что пролившая молоко девочка будет прощена за невольно устроенный беспорядок. Ведь именно на нас художник возложил роль старшего, на которого обращён вопросительный взгляд этого невинного ангела во плоти. Ребёнок ждёт от нас понимания и прощения, и 99 из 100 зрителей в этой ситуации охотно сыграют роль доброго родителя.
«Наймичка», 1886, холст, масло, Государственный Русский музей
А теперь представьте, что девочка — к примеру — рефлекторно прикрыла глаза от неожиданности. Или от испуга? А может быть, прижатая к телу рука с ложкой — признак желания увеличить дистанцию между собою и строгим отцом? А машинально лёгшая на затылок ладонь — уж не мышечное ли воспоминание о наказании за прошлую ошибку?
«Мальчик, стреляющий из лука», 1878, холст, масло, Новгородский ГО музей-заповедник
Если удалить с картины этот не по-детски осмысленный взгляд, снимающий абсолютно все вопросы к сюжету, то все эти вопросы не кажутся «притянутыми за уши». Стоит скрыть от зрителя глаза героини — и ему придётся пристальнее всмотреться в детали произведения, дабы понять его истинный нарратив.
«Маленькая няня», 1880, холст, масло, Иркутский ОХМ имени В. П. Сукачёва
А вот и ещё более наглядный пример. Работа под названием «Маленькая няня», ныне экспонирующаяся в Иркутске. Представьте, что Вы не видите их ясного, спокойного, немного рассеянного взгляда героини. Тогда можно по ошибке счесть данное полотно посвящённым проблеме нищеты простого сельского Люда. Благо эпоха располагала, а коллеги Платонова по творческому цеху не раз обращались к данной теме. И только после обстоятельного анализа произведения можно уверенно отрицать эту теорию.
«Прачка», холст, масло
С другой стороны, художник Харитон Платонович Платонов был дивно хорош в проработке тех самых антуражей, мимики и пластики, о которых мы упоминали в начале статьи. Его излюбленные бледные (либо даже тёмные) фоны не «выдавливают» персонажей из пространства картин, а помогают выгодно подчеркнуть определяющие черты их образов.
Индивидуальный стиль произведений Платонова — тонкий момент, заслуживающий отдельного развёрнутого комментария. Если не статьи. Вкратце: анатомическая достоверность и замечательная «логичность» поз и жестов его вечно пребывающих в движении моделей дополняется идеализированными чертами лиц и тел, замаскированными доминантными текстурами и неизменной романтизацией сюжета.
«Купите ягод!», 1888, холст, масло, частное собрание
А ещё Харитон Платонович был великолепен в работе со светом. К примеру: тихий отблеск нехитрых, но со вкусом подобранных украшений его героинь — огромное подспорье блеску их глаз. С его помощью художник как бы «калибрует» раскрытие образа героини, рассказывая зрителю о её эстетических предпочтениях, социальном статусе и многом другом.
«Девушка-украинка», холст, масло
Любуясь картинами Платонова, зритель прекрасно понимал: перед ним —костюмированные театральные сценки, а не моменты, взятые из реальной жизни. Идеализированные образы, а не живые люди. И всё же публика и критика с теплом и готовностью воспринимали эти работы. Подобный успех был бы невозможен, будь среди достоинств мастера-передвижника лишь умение «строить глазки». За «окнами души» его героинь, в туманной дали ландшафтов, в химии отношений его персонажей всегда таилось самое главное. Огромный заряд жизнелюбия и стремления поделиться красотой этого мира с каждым, кто готов видеть дальше широко распахнутых глаз.
«Девушка с мандолиной», холст, масло
🎯 Если Вам понравилась статья, поставьте «палец вверх» и подписывайтесь на канал, чтобы не пропустить следующие публикации. Делитесь активно мнениями в комментариях и репостами на страницах своих социальных сетей! Спасибо, что уделили время прочтению статьи! Приглашаем посетить наш сайт!
|
Метки: мир живописи |
Стандарты женской красоты |
Дневник |
38
119 подписчиков
Вчера
1,4 тыс. дочитываний
2 мин.
Жан Луи Давид «Психея»
В статье «Критерии женской красоты» я рассматривал вопрос изменения понятия красоты женщины в разные эпохи. Там я отметил, что в XVI – XVII веках в образах женщин ценились «пышные формы», а на излишние жировые отложения и целлюлит не обращали внимания.
Совсем недавно, работая над совершенно отвлеченной от этого вопроса темой, я наткнулся на огромное количество материала, написанного, как искусствоведами, так и авторами, достаточно подробно разбирающими отражение красоты женского образа в живописи, где период XVI – XVII веков проиллюстрирован только одной картиной и это картина П. Рубенса «Три Грации».
В других статьях Рубенс, Рубенс и еще раз Рубенс. Более того. Часто можно прочитать утверждение, что именно «складчато – целлюлитные» формы радовали «мужской взгляд» того времени. К чему такое утверждение? Спросим у Рубенса.
Во-первых, Рубенс написал большое количество работ, работ, выполненных с великолепной техникой, имеющих прекрасные сюжеты, как античных персонажей, так и реальных личностей, чем и привлекающих внимание.
Во-вторых, он был преуспевающим, богатым художником, писавшим образы представителей Высшего Света и королевских особ. А какими были эти особы? Отсутствие необходимости физического труда, малоподвижный образ жизни, обильное питание делало фигуры представительниц «высшего слабого пола» жирными, складчатыми и целлюлитными.
Так что, как называют их в указанных выше материалах, образы «рубенсовских женщин» есть не что иное, как лесть художника «власть предержащим» и изображающим их в сравнении с античными богинями, как «эталон красоты высшего света» .
А что же в реальности? Что нам могут сообщить изображения и картины, выполненные художниками-современниками?
Древнегреческий скульптор Пракситель ( IV век до н.э.) Набросок к скульптуре Афродиты (сама скульптура не сохранилась)
Древнегреческий художник Апеллес ( IV век до н.э.) «Рождение Афродиты»
Мозаика в римской вилле дель Казале IV век н.э. изображает конкурс красоты.
Видны и гантели, и танец-аэробика, и игры с мячом, и легкая атлетика, и награждение победительницы.
А вот средневековая фреска, которая позволяет сравнить пропорции мужской и женской фигур в те времена, на женщинах явно корсеты.
Художник Франческо дель Косса (1430 – 1477) «Триумф Венеры» фрагмент. На заднем плане видны три Грации, а все женские фигуры достаточно спортивны.
Художник Ганс Мемлинг (1433 – 1494) «Мадонна». На женщинах надеты корсеты, фигуры с хорошо обозначенными линиями плеч, талии бедер.
Художник Лоренцо ди Креди (1459 – 1537) «Венера». Снова очень спортивный образ.
Ну что ж, двигаемся в сторону «округления и увеличения формы».
Художник Джорджоне «Сельский концерт» (1510). Здесь уже плавные линии фигур, мышцы не так явно выражены.
Художник Тинторетто «Сусанна и старцы» (1555)
Вот «пышные формы», но целлюлит отсутствует, чистая белая кожа, всегда являвшаяся признаком здоровья, нет складок на теле, хотя при такой позе могли бы быть.
Не нужно забывать, что ношение корсетов прекратилось только к началу XX века. До этого же времени он считался необходимым элементом женского гардероба.
Напомню, что королева Франции Мария Медичи отбирала себе в прислугу девушек, объем талии которых (конечно же в корсете) был 33 см. Корсет формировал линии фигуры в соответствии со стандартами красоты того времени.
Художник Мартин Пепейн «Придворный бал» (1575)
Рассмотрите женские фигуры на картине. Как можно было бы затянуть до такой степени корсетами «пышные формы»?
Художник Джовани Баттиста Нальдини «Вирсавия» (1570) Вот пример, так популярного в далеком будущем «мышечного корсета»
И уж если начали темой «Трех Граций», то, пожалуй, можно ей и закончить.
Художник Дирк де Квада Ван Равенстейн (1565 – 1620) «Три Грации»
Художник Франческо Фурини (1603 – 1646) «Три Грации»
Можно отметить, что представленные в работах художников стандарты красоты, хотя и менялись со временем, но не содержали в себе крайностей. Нет болезненно худых образов и нет излишне, преувеличенно полных.
А при рассмотрении женских образов в работах Рубенса, лучше сказать, что это стандарты красоты представительниц богатых сословий и аристократических особ с точки зрения конкретного художника.
Понравилась статья? Ставьте лайк! Подписывайтесь на мой канал!
38 нравится
Комментарии
Это чат трансляции, где можно обсудить происходящее на экране. Присоединяйтесь!
|
Метки: мир живописи |
Живопись Ника Альмы |
Дневник |
4
1
1978 подписчиков
3 дня назад
Современный живописец Ник Альм родился в 1985 году в Швеции. Карьеру в искусстве он начинал как иллюстратор. Однако в начале 2000-х годов Альму захватила «серьезная» живопись, он поступил во флорентийскую Академию искусств.
«Я стремлюсь к общению, и для своих картин выбираю темы, универсальные для любого человека, невзирая на культурные стереотипы и тенденции. Сюжетом моей картины может стать всё, что пробуждает во мне интерес: психологическое напряжение между людьми, состояние души, настроение или просто, какая-нибудь мелочь, дающая возможность выразить свои чувства с помощью живописи», - говорит Альм.
Как признается художник, его цель в искусстве не критиковать или пытаться изменить общество. Он старается обращаться, прежде всего, к внутреннему миру каждой отдельной личности.
«Надеюсь, моя работа поможет зрителю отдохнуть от повседневной жизни, пробуждая чувство признания, что, в свою очередь, приведёт к размышлениям или, может быть, разбудит тягу к творчеству». – делится Альм.
Живопись Альма не имеет шансов быть незамеченной. Чувственные образы его героев привлекают, задерживают на себе взгляд. Зрителю хочется разобраться, что же происходит с героями картины в тот или иной момент.
Работы живописца очень эмоциональны. При этом в них одновременно сочетается и мягкое, и грубое: сердитые и нежные взгляды, плавные и «рубленные» движения, нежная мимика и совсем не нежные жесты.
Сегодня Альм является одним из самых популярных живописцев Швеции. Его творения пользуются вниманием публики на выставках и на официальных страницах живописца в социальных сетях.
А как Вам творчество Ника Альмы?
4 нравится
1
|
Метки: мир живописи |
А где же русские Венеры? Живопись XVIII – XX веков |
Дневник |
4
111 подписчиков
Вчера
Г.И. Семирадский "Нимфа" 1869 г.
В предыдущих статьях я описал, как прообразами богини Любви - Венеры, были обыкновенные земные женщины, и как художники западной Европы, на протяжении нескольких веков, не боясь инквизиции, создавали свои бессмертные картины.
А что же на Руси? Как русские художники изображали магию женской красоты? Где русские Богини?
Как и во всем, отставание лет на 200. Если в западной Европе, не смотря на религиозные запреты, смогли разграничить в живописи понятия голого и обнаженного тела, когда первое «пробуждает низменные желания», а второе «возвышает душу созерцанием прекрасного», то на Руси в этом отношении долго главенствовало понятие «срам».
Возможно, до XVIII века русские художники и пытались, вопреки запретам, изобразить красоту женщины в неприкрытом виде, но, скорее всего, эти работы были уничтожены, а сами художники поплатились за это.
Однако, «ничто не вечно под луной» и вот живописец Высочайшего двора, выходец из немецких живописцев Георг Кристоф Гроот (1716 – 1749), писавший портреты особ императорской фамилии и русской знати, написал картину «Портрет императрицы Елизаветы Петровны в образе Флоры» (1747-48 гг.),
а Флора – это древнеримская богиня цветов, весны и плодородия.
Возможно, с этого момента и с этой картины было получено некоторое снисходительное благоволение на творчество в этом направлении. Как и в западной Европе 200 лет до того, образы поначалу создавались в мистическом ключе, отображая древнегреческие и древнеримские легенды.
Генрих Ипполитович Семирадский (1843 – 1902) – польский и русский художник. Учился в Харькове и в Петербурге, но большую часть творческой жизни провел в Риме. Очевидно, что имея возможность изучать картины художников эпохи Возрождения, Семирадский сам проникся образами мифических героев древнего эпоса.
Картина «Фрина на празднике Посейдона в Элевзине» 1889 г.
Сюжет картины интересен тем, что в нем переплетены мифические и реальные персонажи. Фрина – вполне земная женщина, древнегреческая гетера (нет, не «легкого поведения»). Она позировала скульптору Праксителю для создания скульптуры «Афродита Книдская», позировала художнику Апеллесу для картины «Афродита Анадиомена» (выходящая из моря).
На картине Семирадского Фрина решила состязаться красотой с самой богиней красоты. По легенде, Афродита вышла из моря, Фрина же, никогда ранее не показывавшая всем людям своего тела, сбросила с себя одежду и гордо стала спускаться к морю.
Художник так мастерски изобразил эту сцену, что прямо с выставки картина была приобретена императором Александром III .
Другие известные русские художники практически не обращались ни к греческой, ни к римской мифологии, видимо стараясь совместить в одном образе «красоту небесную» и «красоту земную». Конечно, у каждого было свое видение этих образов и свои способы их изображения.
Алексей Гаврилович Венецианов (1780 – 1847), род которого имел греческие корни, изобразил двух купающихся крестьянок.
«Купальщицы» 1829 г.
Две простые женщины, привыкшие к труду, тем не менее из образы ничем не хуже богинь в творчестве западноевропейских художников.
Валентин Александрович Серов (1865 – 1911), хоть и назвал картину «Натурщица с вазой» (1905 г.), но, если немного сменить ракурс, напоминает «Венеру перед зеркалом» Диего Веласкеса.
Художница Зинаида Евгеньевна Серебрякова (1884 – 1967) изобразила обычную земную женщину, но глядя на нее, вспоминаются небесные Венеры европейских мастеров.
«Купальщица» (1911 г.)
Илья Ефимович Репин (1844 – 1930).
«Натурщица с собакой» (около 1920 г.)
Если уж не одна из главных богинь, то из их свиты, где вместо собаки изображались козлята или другая мелкая живность.
Борис Михайлович Кустодиев (1878 – 1927), был учеником Репина, но к образу русской красавицы подошел по-своему.
«Русская Венера» (1925-26 гг.)
«Купальщица» (1921 г.)
Как видно, образ русской красавицы в картинах русских мастеров, хоть и имеет не мифический, а более земной характер, но выглядит более живым, более настоящим, чем выдуманные и приукрашенные персонажи картин европейских художников.
Понравилась статья? Ставьте лайк! Подписывайтесь на мой канал!
4 нравится
Комментарии
Не удалось отправить сообщение
РекламодателямВсе каналы Дзена
https://zen.yandex.ru/media/id/5ff57bd8b482fd2e946...vekov-604f68c7e781846a40c5894d
|
Метки: мир живописи |
Тайна Венеры Веласкеса |
Дневник |
2
111 подписчиков
2 дня назад
Пожалуй, трудно найти еще одну картину с таким переплетением загадок и сложной судьбой. Я имею в виду картину испанского художника Веласкеса «Венера перед зеркалом».
Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (1599 – 1660) – известный и талантливый испанский художник XVII века. Он был придворным художником короля Испании Филиппа IV . В своем творчестве он написал множество портретов знатных особ и картин, изображающих библейские сюжеты.
Но одна картина кардинально отличается от всего творчества художника. Это картина «Венера перед зеркалом». Ни до, ни после этой картины художник не писал больше обнаженной натуры, а история ее создания заполнена гипотезами и догадками.
Попытаемся проникнуть в тайну этой картины. Во времена ее создания, Испания была под жестким контролем католической церкви, инквизиция решительно боролась с отступлениями от религиозных канонов. В том числе недопустимым считалось изображение нагого тела человека.
Однако Диего Веласкес все-таки взялся за эту работу, хотя и рисковал очень и очень многим, ведь он был на службе у короля, у него была семья.
Есть версия, что картину ему заказал маркиз Гаспар де Эличе дель Карпио с просьбой изобразить на ней его фаворитку – танцовщицу Анну Дамину. Но в то время Гаспар де Эличе был молодым сыном премьер-министра Испании и титул маркиза дель Карпио получил позже, а именно титул мог уберечь от «вопросов с пристрастием» инквизиции.
Картину «Венера перед зеркалом» Веласкес писал во время «служебной командировки» в Италию. В 1648 г. король послал его туда за «новинками искусства» дабы пополнить свою коллекцию. Не думаю, что танцовщица Анна Дамина сопровождала художника в этой поездке, чтобы быть натурщицей для создания этой картины.
Диего Веласкес пробыл в Италии 4 года и есть версия, что там у него был роман с итальянской художницей Фламинией Тривио, которая и позировала ему для создания образа Венеры.
Но нет ни одного портрета, рисунка или наброска ее лица, сделанного Веласкесом, а ведь влюбленный художник обязательно это бы сделал, так как рисунок был единственным способом сохранить изображение в то время.
Я считаю, что все очень просто. Художник написал тело Венеры с какой-то молодой итальянской натурщицы. Совсем другое дело – отражение лица в зеркале.
Хотя черты лица лишены цвета и размыты, видно, что это лицо другой женщины. На голове Венеры волосы уложены в прическу, а в отражении волосы обрамляют лицо в некотором беспорядке.
Чье же лицо отражается в зеркале? Вернемся к биографии художника. В 1618 году, когда ему было 19 лет, он женился на 15-ти летней дочери Пачеко Хуане Миранде. У художника должна быть очень хорошая зрительная память. Вот две картины, написанные в 1640 году: «Дама с веером» (позировала жена) и «Портрет маленькой девочки».
Можно заметить не только много общих черт, но и совпадение ракурсов. Правда, разрыв возрасте очень большой. Вот картина «Вышивальщица», написанная в том же году. Черты лица близки к картине «Дама с веером».
Есть еще две картины, где черты угадываются в более молодом возрасте
«Святая Руфина»
«Арахна»
Если собрать эти образы в одну временную линейку, то можно предположить, что в зеркале художник изобразил лицо своей жены в возрасте позировавшей натурщицы, а чтобы лицо не было узнанным, он сделал размытие и почти лишил цвета.
Вряд ли художник стал бы рисковать, изображая на этой картине лицо другой испанской женщины, пусть и в завуалированном виде, ведь он служил при дворе короля, а это место всегда переполнено интригами, сплетнями и сведениями счетов.
Конечно, я могу ошибаться, но мне кажется, что было именно так.
|
Метки: мир живописи |
Красавицы |
Дневник |
560
34
12 944 подписчика
фото портрета с сайта www.yandex.ru
Картины Владимира Волегова напомнили мне полота Вильяма Хенритса, оба художника изображают женщин нежными, хрупкими, почти неземными созданиями. И оба работают в романтичной манере, их полотна вселяют в зрителя страстное желание оказаться частью картины.
Добрый вечер!
Владимир Волегов родился в городе Хабаровск 19.12.1957 года (мне очень приятно, что мы практически земляки). После развода родителей мальчик остался с матерью, они часто переезжали, нигде надолго не задерживаясь. Мать Владимира мечтала, чтобы сын стал врачом, но мальчик с детства увлекался живописью. В подростковом возрасте Владимир рисовал афиши для кинотеатра, различные декорации и плакаты к сборам молодежи.
Владимир Волегов окончил художественную школу в городе Кривой Рог. В 1980 году художник поступил во Львовский полиграфический институт. Владимир часто принимал участие в Московских международных выставках плакатов.
фото портрета с сайта www.yandex.ru
В 1988 году Владимир Волегов переехал в Москву, он был свободным художником, рисовал прохожих на Арбате. Вскоре Владимир устроился в издательство, где рисовал макеты обложек к романам, затем работал в индустрии звукозаписи – оформлял обложки к альбомам.
С 1990 года художник начал путешествовать по Европе, зарабатывая рисованием портретов на улицах городов. Кроме того, художник создал интернет-сайт www.volegov.com, на котором размещались его работы. Благодаря сайту в 2004 году Владимир подписал контракт с Soho Editions.
В 2006 году Владимир переехал в Испанию, и начал сотрудничать с европейскими галереями. Мне кажется многие работы художника так и «дышат» летом, зноем и отпуском, после их просмотра очень хочется отправится в путешествие.
фото с сайта www.yandex.ru
В 2011 году Владимир открыл для себя еще одну нишу - создание трехмерных кукол. Помимо этого, художник пишет музыку к своим клипам с картинами.
фото с сайта www.yandex.ru
фото с сайта www.yandex.ru
Предлагаю посмотреть на работы Владимира Волегова:
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
фото портрета с сайта www.yandex.ru
Надеюсь, статья была интересна) Если это так - ставьте лайк и подписывайтесь на канал)
Нежные акварели Вильяма Хенритса
Красавицы на портретах кисти Франца Шроцберга
Женские портреты кисти Сергея Васильевича Артемьева
Женские портреты кисти Ореста Адамовича Кипренского
Красавицы на картинах кисти Джованни Болдини
Женские портреты кисти Филиппа де Ласло (часть 2)
560 нравится
34
|
Метки: мир живописи |
Художник Ирина Сафронова |
Дневник |
1188
45
52 159 подписчиков
1,5 мин.
Давно я не радовала своих читателей обзором на картины деревенских художников. Хотя в каждой почти публикации ставлю что-то из живописных шедевров.
На деревню к бабушке
И вот на днях открыла для себя замечательного художника Сафронову Инессу. Она пишет такие сельские пейзажи, что не влюбиться в эту красоту и тишину просто невозможно.
Теплое лето
Я бы назвала её картины ситцевыми, потому что они полны изящества и нежности полевых цветов.
Земляничная пора
И рисует художник в разных жанрах: цветы и фрукты в натюрморте, яркие краски лета, спокойствие и величие зимнего леса – в пейзаже, жизнь людей в разных её проявлениях – в бытовой и исторической картине.
Банный день
Привлекательной чертой творчества Инессы Сафроновой является позитивное восприятие мира, как я люблю.
Когда просто хорошо. 2009г
Кроме того, её работы совершенно разные по настроению. Одни картины радостные, жизнеутверждающие, другие воплощают умиротворение и покой. Есть и грустные, но грусть светлая, обладающая красотой и уязвимостью внутреннего мира человека.
Родившись в семье художника, Инесса сразу начала смотреть на мир как художник и живопись впитала, что называется, с молоком матери. Вместе с детскими играми, грамотой и счетом она училась рисованию.
В саду.
Художница вспоминает курьезный случай, когда одну из ее студенческих работ «Натюрморт с братиной» (1979 г.) чуть было не купили в коллекцию художественного музея, приняв ее за работу отца, Народного художника России Виктора Сафронова. Отец всегда поощрял ее занятия живописью, но был строг и критичен. Как это знакомо –мой отец тоже художник и строго ценил мои рисунки.
Заготовка дров
Отец Инессы сформировал яркую индивидуальность художницы: «Не бойся яркого, насыщенного цвета!» Для позднесоветской живописной школы это был довольно смелый призыв, но ему она последовала радостно, поскольку это как нельзя лучше отвечает ее жизненной энергии и темпераменту.
Русь загульная
Как говорит сама художница: «В живописи существеннейший момент - это цвет. А цвет есть феномен света. Чтобы писать свет, художник обращается к краскам. Цветок, женщина, бабочка? Простые происшествия великой драмы цвета и света...»
Ряд портретных работ Инессы Сафроновой выполнен в лучших традициях психологического портрета. Эти портреты рассказывают историю, в них настоящие живые эмоции.
Портрет дочери
На период взросления дочери Ольги приходится серия детских портретов, в которых сквозь царство бесконечной любви проступает материнское мудрое понимание мимолетности беззаботного детства.
Ряд картин написан по мотивам деревенских каникул. Дачная размеренная жизнь в работах «В саду» (2002 г.), «Бабушкино варенье» (2006 г.) приобретает характер вневременного образа безмятежного безделья, счастье которого понимаешь лишь тогда, когда оно заканчивается.
Бабушкино варенье
Для пейзажей Сафроновой характерна спокойная уравновешенность колорита и композиции, виды деревень на берегу рек, зимние заснеженные леса, уголки любимого старого сада ощущаются как передышка между оживленным присутствием действующих лиц.
Вечер в деревне.
Глядя на эти картины, вспоминается та деревня, которая была в моём детстве: богатая, добротная, тихая. Сейчас все немного не так, но есть воспоминания, есть живопись и рассказы, которые уносят меня в те светлые дни.
Меня зовут Ольга Блохина. Если вам нравится моё творчество, то предлагаю почитать лучшие произведения на канале: "Я и моя Ведьма" , "Эксперимент" , "Я деревенская" и "Детство в деревне"
1188 нравится
45
|
Метки: мир живописи |
Интересный факт из жизни Рубенса |
Дневник |
50
5
3763 подписчика
У Рубенса есть одна работа, которую долго считали не просто скандальной, а находящейся на грани фола. Молодая женщина в шубке, накинутой на обнаженное тело, что здесь какого? Тем более, что Рубенс написал десятки обнаженных красавиц в самых разных позах, вписывал прекрасно сделанное ню в любой сюжет. Почему именно эта картина считается самой противоречивой и скандальной.
П.П. Рубенс. Шубка. Около 1636—1638 года. Вена, Музей истории искусств
Все дело в позе и символике. Мастер был влюблен в свою вторую жену, очень спешил на ней жениться и писал её в самых разных работах. На момент свадьбы ей было 16, ему 53. Елена Фоурмен была дочерью торговца картинами и друга Рубенса. За десять лет брака были созданы её изумительные портреты, сделанные рукой самого мастера и сегодня являющиеся эталонными для определения его авторства. Елену, признанную красавицу он писал с любовью, и прежде всего, для себя. Есть портреты с детьми, в придворном платье, на прогулке, с каждого из них смотрит лучистый взгляд молодой и счастливой женщины. Но Рубенс не ограничивался только классическими портретами.
П.П. Рубенс. Суд Париса. 1638, Прадо, Марид
Елена введена в качестве богини Афродиты суде Париса. Это центральная фигура полотна, модель узнаваема, но шока такое решение не вызвало. Другое дело "Шубка", которую Рубенс завещал жене отдельно от всего наследства. Более того, Елена хотела уничтожить картину. Почему? Всё дело, как обычно, в нюансах. "Суд Париса" - работа написанная на высокий античный сюжет, облагораживащий всех участников. А вот "Шубка" - это не цитата из Гомера, а цитата Тициана.
Тициан Вечеллио "Портрет девушки с мехом" , 1535, Музей истории искусств, Вена.
Тициан умел и любил писать женское тело, его портреты венецианок, в которых легко угадываются черты и атрибуты знаменитых куртизанок есть во многих музеях. Со знаменитой "Девушки с мехом" молодой Рубенс даже делал копию. Есть версия, что моделью для Тициана послужила его жена Чечилия, дочь брадобрея. В отличие от многочисленных Венер и Диан женщина на полотне никак не связана с мифом, она живая, прекрасная и пронизанная изумительным сочетанием собственного достоинства и одновременно чувственности. Дорогая, прическа в сочетании с обнаженной грудью и мехом - это символика куртизанки, добропорядочную мать семейства так писать было нельзя.
П. П. Рубенс Портрет Елены Фоурмен, 1630-1631,Мюнхен, Старая пинакотека
Но именно это перенес на свое полотно Рубенс. Он изобразил жену в позе и наряде, который был бы хорош только на куртизанке. Изначально планировалось сделать поясной портрет, но разошедшийся мастер прикрепил ещё одну доску и дописал бедра и ноги, показал контраст между нежной кожей и шелковистым мехом. Это было слишком, Рубенс сам это понимал, как и Елена, как и их дети. "Шубка" была продана в музей потомками сына модели от второго брака. Вот так.
P.S. Подписывайтесь на мой канал о истории тела! Будет интересно!
https://zen.yandex.ru/media/modnoetelo/shubka-kak-...zanku-6033631a756eeb31f04fc1e7
|
Метки: мир живописи |
Художник Пол Хедли: женская красота – мощный источник вдохновения |
Дневник |
944
49
2599 подписчиков
.
Пол Хедли – английский художник, который родился в середине 40-х годов в Четхеме, принадлежавшего графству Чатем-Кент.
Специальное художественное образование Пол Хедли получил в Медуэйском колледже, где провел около двух лет. Затем он продолжил учиться изобразительному искусству в учебном заведении Мейдстона.
Там он занимался в течение трех лет. В итоге, Пол Хедли получил диплом по направлению «искусство и дизайн».
Художник успел пожить в нескольких странах Европы. Сначала он обосновался во Франции, где успешно работал. Но затем решил переехать в Великобританию, где живет и сегодня.
В 1976 году художник начал вести собственную карьеру и работать только на себя. Он почувствовал себя гораздо увереннее и стремился к самовыражению.
Творчество Пола Хедли не похоже на творчество других мастеров. Оно самобытно и уникально, что делает его еще более ценным в глазах зрителей.
От некоторых знатоков живописи можно услышать, что Пол Хедли пишет в фигуративном стиле. Но это не совсем так. Безусловно, творчество мастера нельзя отнести к реализму, но и на фигуративную живопись оно также не похоже.
Дело в том, что художник стремится показать эмоциональное состояние своих героев, поэтому не заостряет внимание публики на четких мелких деталях.
Он не тратит свое время на изображение каждой мелочи, будь то предметы интерьера или городской пейзаж. Этим его работы в корне отличаются от реализма.
Но вместе с тем, в каждой картине художника присутствует история, главные герои и сюжет, отчего сложно назвать его фигуративистом.
Ведь фигуративизму свойственно делать упор на фигурах людей или животных, чего не наблюдается в работах Пола Хедли.
Наверное, поэтому его работы надолго запоминаются зрителям и вызывают у них восхищение. Мастеру удается соблюсти тонкую грань между несколькими направлениями, что, конечно, не может не удивлять.
Картины Пола Хедли – это эмоциональное творчество. Художник стремится в каждом полотне открыть внутренний мир героев, их чувства и переживания.
Мастер считает, что соблюдать портретное сходство вовсе не обязательно, по крайней мере, в его творчестве.
Полу гораздо важнее передать атмосферу происходящего, чтобы зритель с головой окунулся в историю, изображенную на полотне. Надо сказать, что это ему удается блестяще.
Чаще всего мастер изображает девушек и женщин разных возрастов.
Женская красота – мощный источник вдохновения, который не обошел стороной и Пола Хедли. На его картинах девушки спокойны, нежны и гармоничны.
Они занимаются творчеством, неспешно гуляют по городу или в саду. Героини изящны, легки и стройны. Они одеты в легкие платья или прикрыты тонкой шалью, что делает работу еще невесомее.
Пол Хедли использует мягкую пастельную цветовую палитру, прекрасно справляется со светом и тенью, благодаря чему работы кажутся пронизанными солнечными лучами.
Выбор композиции всегда грамотен и интересен. Движения мастера точны, стремительны и решительны, но благодаря этому работа обретает легкость, мягкость и безмятежность.
Работы Пола Хедли украшают множество частных коллекций Великобритании и других европейских стран. Они не раз были представлены на национальных и международных выставках. В настоящее время художник продолжает работать и создавать новые шедевры.
к ть предпочитаю
На женскую младую красоту,
https://zen.yandex.ru/media/id/5dc3cc35fe289100b1a...eniia-5fd08ca8960e7c32f1188774
|
Метки: мир живописи |
А как повёл себя художник Зардарян? |
Дневник |
38
2
272 подписчика
У меня стойкая привычка подходить к произведениям искусства с психолого-социологической стороны. В Венской школе искусствоведения это называли духом времени.
А в живописи, в каждом произведении, есть неискоренимое качество – выражать экстраординарностью ещё и радость жизни. Ещё и! Как довесок к тому, какое вообще-то знаемое переживание усиливало произведение, если это было произведением прикладного искусства… И как довесок к тому, какое ЧТО-ТО, словами невыразимое, выражено, если это было произведением искусства неприкладного (о незнаемом, данном лишь в виде подсознательного идеала).
И вот у меня появилась глобальная идея, что в СССР из-за пресса идеологического тоталитаризма художники были склонны прятаться в выражение этой внеисторической радости жизни. Уходить в прикладное искусство вроде как нехорошо: утилитаризм, иллюстрация – второсортность, в общем. А радость жизни можно и как бы подсознательно выражать.
Я, читатель, ощущаю натяжку с этим подсознанием. Оно ж и не признано, и не дано ж сознанию по определению – как о нём можно писать, как о данном и избираемом… Но. Так мне легче выразить свою дальнейшую мысль.
Мне интересно проверить, убежал ли в радость жизни Зардарян.
Зардарян. Персик в цвету. 1945.
Зардарян. Я айгин (настройщнк духовых инструментов).
На его имя я наткнулся у Н.Н. Александрова.
Был такой рисковый теоретик. Он, в отличие от многих искусствоведов, не боялся вляпаться. Берёт, например, недоказанную угадку Гумилёва о пассионарности, охватывающей страны из-за чего-то, случающегося в биосфере планеты. Может, солнечная активность там первоисточник. И привешивает, что в искусстве пассионарность эта выражается ослепительностью, конкретно – контрастностью.
Мне сомнительна эта гипотеза. Для меня пассионарны все типы подсознательных идеалов. Даже мещанский. Я помню, когда я дочитывал «Доктор Живаго» (а именно таким идеалом был вдохновлён Пастернак, когда этот роман писал), я как по облаками ходил. Этот роман – предвестие литературы хрущёвской оттепели. Именно её Александров наделяет такой пассионарностью. А вот эту картину –
её выражением способом контрастности.
Если Александров не видел эту картину в подлиннике (он тольяттинец) в Третьяковской галерее, то ориентировался он не по такой репродукции, которую контрастной никак не назовёшь:
В заграничном интернете (Зардарян был награждён серебряной медалью на всемирной выставке в Брюсселе в 1958 году) есть и ещё менее контрастные репродукции.
Парить весной земля в Армении, похоже, тоже может.
Правда, я нигде в интернете не нашёл фото, где небо зелёного оттенка.
Сам Александров поместил такую репродукцию (пришлось увеличивать).
Достаточно контрастная и декоративная. То есть, - Александров помыслил, наверно, - не пресловутый соцреализм на Запад послали, послав Зардаряна и Сарьяна. И, казалось бы, Александров не ошибся:
«…картина принадлежит середине второй архаики, которую мы знаем как «оттепель» (1953-1964)» (http://www.trinitas.ru/rus/doc/0016/001c/1743-alx.pdf).
Тем более, что декоративизм в то же время был у Зардаряна не случайным.
Зардарян. Севан. 1953.https://zen.yandex.ru/media/id/5ee607d87036ec19360e810c/a
|
Метки: мир живописи |
Очарование итальянской женщины на удивительных портретах кисти Джанни Стрино |
Дневник |
43
4
4433 подписчика
Художник Стрино – один из редких в наши дни мастеров кисти и красок, в искусстве которого так гармонично соединяются великие традиции школы живописи Италии с личными находками художника, характеризующими его как очень неординарную личность.
Особой прелестью дышат созданные им женские портреты, увидев которые хочется больше узнать об умелом авторе этих замечательных картин.
Он появился на свет в 1953 году в Неаполе. С самого раннего детского возраста рисование было для него интереснее многих игр, магнитом притягивающих мальчишек. Свой первый конкурс рисунка он выиграл в 7-летнем возрасте, получив за своё детское произведение искусства специальную стипендию от крупного неаполитанского банка.
Став выпускником школы искусств (он окончил её с отличием) в своём родном городе в 1971 году, он решил получить образование архитектора (его прадед был известным архитектором). Окончив учёбу, он три года работал в школе учителем, пока не понял, что желание создавать картины было самой главной страстью в его жизни.
Первая же персональная выставка ознаменовалась небывалым успехом – все картины были проданы в тот незабываемый вечер.
Последовавшие выставки, на которых были его картины, вскоре сделали его очень известным у себя на родине, а после появления его работ на нескольких миланских экспозициях в начале 80-х годов, его замечают организаторы художественных галерей из других стран мира. Вскоре его картинами любуются ценители живописи Нью-Йорка, Токио, Мадрида, Лондона, Глазго и т.д.
Благодаря очень успешному старту карьеры художника, его картины стали появляться на самых известных аукционах, а также в ведущих каталогах лучших произведений искусств, когда он был ещё совсем молодым человеком.
Можно сказать с уверенностью, что женщина в искусстве (особенно в живописи) – это вечная тема. Самые выдающиеся живописцы во все времена вдохновлялись красотой представительниц прекрасной половины человечества.
Ничто так не привлекало художников мужчин, как загадочность женской нематериальной сущности и воспроизведение на полотне таинственного единства внутренней организации прекрасной дамы с её внешним обликом. Благодаря стремлению живописцев найти решение этой сложной загадки и появлялись невероятно поэтические образы женщин, навсегда вошедшие в историю искусства живописи.
Не лишним будет заметить, что и в наше время многие художники увлечённо пытаются запечатлеть женскую красоту, стараясь как можно ярче продемонстрировать всему миру свой персональный подход к созданию женских портретов.
Не отстаёт от своих коллег и Джанни Стрино, вкладывающий в каждую работу частичку своей страстной неаполитанской души.
Рассматривая созданные художником Стрино портреты, невольно ощущаешь творческую индивидуальность творца этих картин – для него, как для фигуративного художника, исключительную важность имеет способность отразить на полотне самую настоящую правду, в стремлении к которой истинный творец проводит немало времени, пытаясь постичь реальную действительность.
Можно точно сказать, что для него жизненно необходимо избежать наличия элементарного правдоподобия в своих работах, для того чтобы оказаться в царстве художественной правды.
Заметно, что он умеет отлично выстраивать композицию. Также бросается в глаза тот факт, что его никогда не подводит природное чувство меры, позволяющее избегать фальши. Для этого итальянца с юности немалое значение имели идеалы Высокого Возрождения, он всегда преклонялся перед искусством таких гениев как Леонардо, Рафаэль.
Он очень умело пользуется светотенью, благодаря чему добавляется дополнительная порция прелести его красавицам, которых великолепный портретист буквально оживляет своей отточенной техникой.
По-настоящему изящную красоту средиземноморских женщин по силам передать именно такому художнику как Джанни Стрино, с детства вдыхавшему воздух этого региона и умеющего, так же как и его великие соотечественники-живописцы, наслаждаться каждым мигом жизни, запечатлевая эту красоту на холсте.
https://zen.yandex.ru/media/id/5eaa7ff5f81a0d1b4f4...strino-60058d27ee9f25022bb41bd
|
Метки: мир живописи |
Художники Воронежского края |
Дневник |
179
25 ноября 2020
1,6 тыс. дочитываний
2 мин.
Автор: nekojiru.
Чувствуя в руках благодарных читателей уже заготовленные гнилые помидоры, сразу уточню - художники, родившиеся в Воронеже и Воронежской области. Информация для двоечников-искусствоведов из Воронежа.
1. Иван Крамской (27 мая (8 июня) 1837, Острогожск — 24 марта (5 апреля) 1887, Санкт-Петербург)
Иван Крамской. Портрет императрицы Марии Фёдоровны, 1882 г.
В то время, когда во всей России "наше все" - это Пушкин, то в Воронеже - это несомненно Крамской. Кольцов и Никитин - парни, конечно, уважаемые, но ни один белгородец не сможет сказать, кто они такие и тем более процитировать. Ну то есть я про масштаб личности. Иван Крамской для русской живописи фигура значительная. Он был одним из организаторов и идеологов Товарищества передвижных художественных выставок, по сути он возглавил переход русского искусства от академизма к реализму.
Иван Крамской. Портрет Л. Н. Толстого, 1873 г.
2. Николай Ге (15 (27) февраля 1831, Воронеж - 1 (13) июня 1894, хутор Ивановский, Черниговская губерния)
Николай Ге. Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе, 1871 г.
Будучи современником Крамского, Николай Ге также проникся идеями художников-передвижников, с их главной мыслью - отказаться от слащавого академизма в пользу реализма, как в содержании, так и в исполнении. Его картина "Петр I допрашивает царевича Алексея" экспонировалось на первой выставке Товарищества передвижных выставок в 1871 г. Помимо исторической живописи Ге интересовали и евангельские сюжеты, но его трактовка этих сюжетов резко не нравилась публике, Николаю Ге ни раз доставалось за "оскорбление чувств верующих".
Николай Ге. Голгофа, 1893 г.
3. Александр Бучкури (18 ноября 1870, Бутурлиновка, Воронежская губерния - 5 августа 1942, Воронеж)
Александр Бучкури. Прачки, 1905 г.
Александр Бучкури - самый "воронежский" из широко известных художников. За вычетом учебы в Санкт-Петербурге, он всю свою жизнь провел в Воронежской губернии. Причем жизнь общественно активную: он организовал и возглавил воронежское отделение Союза художников, преподавал в бесплатной рисовальной школе. Александр Бучкури вместе со своей супругой был расстрелян фашистами в 1942 году.
Александр Бучкури. У цирка, 1936 г.
4. Елена Киселёва (15 (27) октября 1878, Воронеж - 8 июля 1974, Белград)
Елена Киселёва. Портрет сына, 1925 г.
Елена Киселёва была дамой умной и целеустремленной. Она блестяще училась всему, что ей преподавали, закончила гимназию с золотой медалью. Избрав своим поприщем живопись она и тут достигла немалых успехов. Она училась в Академии художеств, в мастерской легендарного Ильи Репина (а он абы кого не взял бы в ученики) и стала первой женщиной, удостоившейся права пенсионерской поездки в Европу. Такая практика была в Академии художеств уже давно, особо отличившиеся студенты получали возможность бесплатно продолжить обучение заграницей. Воронежский областной художественный музей им. И. Н. Крамского обладает обширной коллекцией работ Елены Киселёвой, в постоянной экспозиции находится ее наиболее известная картина "Маруся".
Елена Киселёва. Маруся, 1913 г.https://zen.yandex.ru/media/id/5ad7777f1aa80ce576015250/
5. Лев Соловьёв (1837, село Лушниковка (ныне входящее в состав Острогожска), Воронежская губерния - 1919, Усманские выселки (сегодня это село в Панинском районе Воронежской области)
Лев Соловьёв. Монахи (Не туда заехали), около 1870 г.
Лев Соловьёв известен широкой публике благодаря своей работе «Монахи (Не туда заехали)», эту картину часто приписывали Репину. Выражение "картина Репина "Приплыли" прочно вошло в обиход, несмотря на ошибочное авторство. В конце XIX - начале XX вв. Соловьёв руководил рисовальной школой в Воронеже, в числе его учеников были и Елена Киселёва, и Александр Бучкури, и Александр Куприн.
Лев Соловьёв. Сапожники, 1875 г.
5. Александр Куприн (10 (22) марта 1880, Борисоглебск, Воронежская губерния - 18 марта 1960, Москва)
Александр Куприн. Натюрморт с книгами и свечой, 1911-1912 гг.
Наиболее узнаваемые работы Александра Куприна относятся к периоду его творческой деятельности в объединении "Бубновый валет", куда входили такие художники как Петр Кончаловский, Наталья Гончарова, Аристарх Лентулов, Илья Машков. Они отрицали традиции академической и реалистической живописи, "бубнововалетовцы" для русского искусства, что экспрессионисты для искусства европейского. После этого авангардного периода своего творчества, Александр Куприн увлекается пейзажем, а в 1930 гг - индустриальной темой.
Александр Куприн. Баку. Нефтяные промыслы Биби-Эйбат, 1931 г.
Лайк и подписка на канал - это хорошо)
ЧИТАЙТЕ также:
Три художника-романтика, непонятые современниками
|
Метки: мир живописи |
Апогей женской красоты в живописи Ласло Гулиса |
Дневник |
369
18
ttps://zen.yandex.ru/media/hot_top_10/apogei-jenskoi-krasoty-v-jivopisi-laslo-gulisa-5fdf909427ce98245a2751
Перед вами одни из ярчайших представителей фигуративной живописи Восточной Европы советского и постсоветского периода. Его творчество выгодно отличается от всего, что искусство того времени могло показать зрителю. Знакомьтесь, Ласло Гулис.
Ласло Гулис (1960 г.р.)-современный венгерский художник специализирующийся на фигуративной масляной живописи в направлении реализм. Выпускник знаменитой академии изящных и прикладных искусств в городе Будапешт. Является почётным членом союза венгерских художников.
По оценкам критиков данное творчество выделяется оригинальным стилем сочетающим в себе стилистику мастеров прошлых эпох находившихся под влиянием Рембрандта и художественные решения современных живописцев.
В основе концепции работ Гулиса лежит эстетика женского образа. Художник описывает как внешнюю красоту своих героинь, так внутреннюю, переданную через эмоциональное состояние и невербальные знаки.
Женский образ в живописи Ласло Гулиса выполнен с потрясающей анатомической точностью. Его мастерство в исполнении деталей кожи на достаточно высоком уровне. Однако, в некоторых из работ хромает прорисовка лица, которая в сравнении с детализацией прочих частей тела порой выглядит неестественной и кукольной.
При просмотре картин стоит уделить внимание нюансам второго плана, в которых зачастую заложена основная эмоциональная нагрузка композиции. Вкупе с невербальным общением главной героини они позволяют зрителю воссоздать полную картину внутреннего мира изображенных девушек.
Женский образ в исполнении данного художника является чем-то больше нежели банальное воплощение видения красоты. Перед зрителем предстаёт не очаровательная кукла, а настоящий живой человек, которому хочется сопереживать, познать его.
Какая из представленных картин вам понравилась больше всего? Какие эмоции вызвало творчество данного художника в целом. Расскажите об этом в комментариях под публикацией.
https://zen.yandex.ru/media/hot_top_10/apogei-jens...ulisa-5fdf909427ce98245a275117
|
Метки: мир живописи |
Художник Хернан Хавьер Муньос: объединение мечты и реальности воедино |
Дневник |
4
2388 подписчиков
Сегодня
Hernan Javier Munoz (Хернан Хавьер Муньос) родился 5.04.1983 года в семье среднего класса в районе Матадеро (Буэнос-Айреса). Детство Хернана было обычным, как у всех мальчишек его возраста.
Он обучался в начальных классах государственной школы, а после уроков, пообедав играл в футбол с друзьями. Игра в футбол была любимым занятием в детские годы.
Он начал обучаться в художественной школе в 1996 году. После её окончания Муньосу был вручён диплом специалиста пластического искусства (2000 год).
Трудовая деятельность живописца началась в Министерстве, курирующем окружающую среду и транспорт (2001 год). Здесь он занимался реставрацией скульптур и произведений искусства в кварталах Реколета и Палермо, которые пользовались популярностью у туристов.
Хернан вспоминает, что одну из первых работ он выполнял из подручных материалов: это была небольшая деревянная доска, на которой одной кистью и имеющимся небольшим количеством масляных красок, он написал портрет старика. Он запомнил этот портрет на всю жизнь, так как эта работа стала основополагающей в приобщении к живописи.
Муньоса привлекает профессия художника эмоциональной свободой и возможностью выражать свои фантастично-реальные идеи в создании художественных образов.
В его картинах основным направлением является фигуративная живопись, которая имеет сюрреалистический стиль. В творчестве художника прослеживается техника подражания великим мастерам живописи.
Хернан создаёт композиции провокационного характера, соединяя реальный мир с мечтой, изображения людей с объектами. Поражает разнообразная тематика его картин, где воссоединяются духовное и физическое, разумное и сердечное, но они всегда выполнены в едином стиле, получившим название фантастического реализма.
Картины Муньоса заставляют зрителя осознать свои проступки, погружают его в собственные эмоции, действуя избирательно на чувства. Живописец своими произведениями пробуждает в человеке то, о чём он не желает говорить, но стремиться это продемонстрировать.
Ведь в его картинах похоть и невинность могут объединиться в реальной ситуации, что может вызвать некоторое заблуждение в понимании того, что существует вокруг.
Живописец пишет картины, основываясь на своём воображении. Он хочет, чтобы его творчество побуждало людей мечтать и выражать своё эмоциональное состояние.
Хернан Муньос черпает вдохновение из снов, в которых возникают волшебные, сверхъестественные и сюрреалистические сюжеты.
Художник считает себя самоучкой, несмотря на то, что имеет художественное образование. Гернан говорит, что он выработал собственный стиль через технику, выработанную методами проб и ошибок.
В молодости живописец много времени проводил в музее искусств, где часами изучал картины Бугро, а затем возвращался домой, чтобы попытаться в своих работах применить его технические и композиционные способы рисунка.
Он часами работает в своей мастерской, стремясь выразить свои мысли и чувства на холсте. Муньос использует живопись в качестве средства для выражения своих эмоций.
Работы художника с 2004 года выставлялись в известных галереях Аргентины, Италии, Англии, Панамы. В 2014 году он стал обладателем первой премии на Второй выставке живописи Guihua de Arte в Аргентине. В 2016 году получил Первую премию по фигуративному искусству в Италии.
Сегодня аргентинский художник Хернан Муньос живёт и создаёт свои художественные произведения в городе Буэнос-Айресе.
https://www.liveinternet.ru/journal_post.php?journ...exform=1&editor_version=45
|
Метки: мир живописи |
Мгновения красоты в картинах польской художницы Эмилии Вилк |
Дневник |
84
8
2905 подписчиков
Художники всех эпох в истории развития изобразительного искусства пытались запечатлеть мгновение женской красоты в движениях, образах и взглядах. Современная польская художница Эмилия Вилк (Emilia Wilk) делает это в совершенстве, фиксируя сюжетную линию в своих работах только на таинственной привлекательности героинь ее картин.
Польская художница Эмилия Вилк пишет свои картины маслом на холсте, использую классическую технику художественного искусства. Работы художницы выполнены в узнаваемом стиле барокко. Но вместо пышности и аллегорий этого направления в живописи, пришедшей на смену Ренессансу, Эмилия Вилк пытается сосредоточить внимание зрителя только на одной детали — таинственном образе женской красоты.
листайте галерею:
Эмилия Вилк является современной художницей. Поэтому ее фигуративные образы часто дышать оттенками яркости и пленительной ретуши розоватых тонов, под покровом которых скрыта глубина возвеличивания женщины в современном мире.
листайте галерею:
Художница родилась в небольшом польском городке Волч-Конти в 1983 году. Еще в возрасте шести лет, будущая художница скопировала картину с мужской фигурой, вызвав удивление у родителей и родственников. Эмилия закончила художественное училище живописи в Гданьске и получила диплом в области изящных искусств.
листайте галерею:
На стиль и технику рисования Эмилии Вилк оказал большое влияние такой русский живописец как Илья Репин. Некоторые работы художницы выполнены в достаточно пикантном стиле и напоминают по своему способу выражения картины русского художника Алексея Чернигина.
листайте галерею:
Впрочем сравнивать должны профессиональные критики. Мы же должны отметить, что своими работами польская художница Эмилия Вилк пытается реабилитировать фигуративный женский образ в своих картинах. Избавить его от вульгарных и зачастую банальных интерпретаций современного мира, придавая изображению женской привлекательности высшие измерение, смысл и мгновения красоты.
|
Метки: мир живописи |
Взгляд исподтишка на чувственное женское единение. Живопись Роба Хефферана |
Дневник |
113
6
Визуализация эмоций через единение женского образа приправленная потрясающей детализацией, анатомической точностью, гармонией используемых цветов и оттенков, а так же потрясающая игра света и тени-всё это вкупе материализуется в творчестве талантливого английского живописца.
Художник Роб Хефферан (Rob Hefferan)
Роб Хефферан (1969 г.р)-современный художник из Великобритании специализирующийся на портретной и фигуративной живописи акриловыми и масляными красками в направлении реализм.
Художник Роб Хефферан (Rob Hefferan)
Концепция работ Хефферана заключается в материализации человеческих чувств и эмоций через динамические женские образы. Очень важной в их понимании является история предшествующая запечатлённому моменту, которая раскрывается посредством многочисленных деталей второго плана и невербального общения героинь со зрителем.
Художник Роб Хефферан (Rob Hefferan)
Женские образы помещены в среду, в которой чувствуют себя защищёнными от посторонних взоров и потому полностью открыты эмоционально. Зритель же оказывается в роли застигнувшего в расплох, но не выдавшего своего присутствия.
Важно подчеркнуть, что художник не концентрируется конкретно на женских эмоциях. Он использует данные образы, потому что именно женщина предрасположена к открытости в плане переживаний, что облегчает передачу замысла зрителю.
Художник Роб Хефферан (Rob Hefferan)
Роб Хефферан так же является и талантливым фотографом. В основу своих картин он закладывает женские образы, которые были им же запечатлены на камеру. Однако окружающий героинь мир является целиком и полностью плодом его воображения.
Художник Роб Хефферан (Rob Hefferan)
Творчество Хефферана интересно тем, что невозможно определить его стилистику. Каждую из своих картин художник пишет применяя различный набор художественных приёмов. Незнающий зритель вряд ли определит его портфолио как собрание работ одного мастера.
Художник Роб Хефферан (Rob Hefferan)
В числе подчёркиваемых критиками положительных нюансов данных работ находится невероятно мастерская работа Хефферана с изображением человеческой кожи. Её реалистичность описывается как "недостижимая для многих топовых художников мира".
Художник Роб Хефферан (Rob Hefferan)
Как вы оцениваете опубликованные работы и творчество художника в целом? Поделитесь своими впечатлениями в комментариях под публикацией.
Художник Роб Хефферан (Rob Hefferan)
Художник Роб Хефферан (Rob Hefferan)
https://zen.yandex.ru/media/hot_top_10/vzgliad-isp...skoe-edinenie-jivopis-roba-hef
|
Метки: мир живописи |
ЗАСТЫВШИЕ МГНОВЕНЬЯ НА ХОЛСТЕ ИЗГИБ, УЛЫБКА, ПЛЕЧИ, РАЗВОРОТ.. |
|
Rondo Veneziano. Attimi Di Magia
Застывшие мгновенья на холсте
|
|
Метки: мир живописи |
