13

 

 

 

 

 

1

О модном теле

3639 подписчиков

Почему картина "Сусанна и старцы" была так популярна в XVI веке

Вчера

Картины подвержены моде не меньше, чем одежда, то, что сегодня нам кажется красивым и привлекательным, для наших предков не было таким. Более того, многие вещи наделённые тонким эротизмом для современников, сегодня вызывают у нас недоумение.

Картина Тинторетто "Сусанна и старцы" как раз из таких. Пушнотелая, не очень хорошо сложенная женщина вытирается после купания, а за ней подсматривают несколько пожилых мужчин. Несмотря на библейский сюжет, сама сценка выглядит довольно смешной и вызывает улыбку. Здесь нет места замысленному изнасилованию, обвинению женщины в прелюбодеянии и суду. Всё довольно обыденно.

Якопо Робусти (Тинторетто) Сусанна и старцы. 1555–1556. Музей истории искусств, Вена

С конца античности и до середины ХХ века Европа не знала изобилия обнажённой идеализированной женской наготы. Сегодня феминистки борются, с обнажёнными девушками на рекламе моторного масла и ванных комнат, в то время как мужской аудитории приятно смотреть на нежное женское тело. В XVI веке люди были такими же, а богатые заказчики хотели в минуты отдыха смотреть на красивые изображения нагих женщин. С этой целью заказывались картины на библейские и античные сюжеты, центром которых становилась светящаяся женская плоть.

Сусанна Тинторетто "одета" в классическое ренессансное тело с широким плечами, маленькой грудью и талией далёкой от античного идеала. В современном представлении такие пропорции могут быть у молодой девушки, занятой тяжёлым физическим трудом или особыми видами спорта. Но по большому счету такое тело не будет иметь сексуальной привлекательности. Почему же тогда для соименников эта работа была наполнена эротизмом?

Во-первых это игра света и тени, особенно ценилась мраморная белая кожа. У Тинторетто она высвечена солнцем и светится. Во-вторых, пикантность сцены: сад, солнце, обнажённая женщина, подглядывающие старцы. А вот третье, мы замечаем не сразу, на втором плане лежит подбитый мягкой тканью корсаж. В мире, где корсет перестал был частью женского гардероба, его изображение не несёт уже прежнего смысла.

Якопо Робусти (Тинторетто) Сусанна и старцы. Фрагмент. 1555–1556. Музей истории искусств, Вена

Для современников же это была абсолютно натуралистическая черта: набивной корсаж, сам будучи видимой частью экипировки красоты, предназначенной очаровывать зрителя, превращает в таковые же и гребень, и ожерелье, и баночку с притираниями. Кроме того, расположенное прямо перед Сусанной зеркало говорит нам о том, что она прекрасно отдаёт себе отчёт в своих женских чарах, вне зависимости от того, подглядывают за ней старцы или нет. Отброшенный корсет - это один из тех эротических символов, которые утрачены нами.

P.S. Подписывайтесь на мой канал о истории тела! Будет интересно!

интересные факты

средневековье

женщины

1 https://zen.yandex.ru/media/modnoetelo/pochemu-kar...i-veke-60117568906c515f4cda56f

1

 

 

 

 

 

 

 

 

39

 

 

 

 

 

3

Artifex.ru

13 107 подписчиков

Беспокойная душа Поля Гогена. Часть 3

12 декабря 2020

615 дочитываний

1 мин.

Беспокойная душа Поля Гогена. Часть 1 | Часть 2

И все же, сколь сильными ни были бы работы Поля Гогена (Paul Gauguin), как бы ни пытался он распахнуть парижской публике глаза, она его беспощадно отвергала. Так же, как его отвергали жена, дети, ученики и учителя. Казалось, что этому нелепо-большому человеку с наивной верой в свои картины, просто не было места в этом мире. Он уже слишком многое поставил на карту и все проиграл, жизнь хлестала его изо всех сил, ошибочно полагая, что за мощной покатой грудью скрывается такое же мощное сердце. Но в действительности Поль был слишком истощен, чтобы продолжать стоять, не теряя лица.

 

«На мой взгляд, обо мне уже сказано все, что надо было сказать, и все, что не надо. Я хочу одного — молчания, молчания и еще раз молчания. Пусть мне дадут умереть спокойно, в забвении, а если мне суждено жить, тем более пусть оставят меня в покое и в забвении. Так или иначе, общество не может упрекнуть меня, что я обманом выманил много денег из его кармана», — писал художник перед новым отплытием на Таити, как бы намекая на нищету, в которую он повержен.  

Второй отъезд на Таити, в отличие от первого, был организован максимально тихо. Гоген оставил все свои работы двум разным людям, чтобы те распоряжались ими по своему усмотрению, но все вырученные деньги незамедлительно высылали ему. Отныне всякая эмоциональна связь с родиной должна быть разорвана. Глубоко раненный и разочарованный, Гоген намеревался на островах дожить свою жизнь вдалеке от людей и их вездесущего лицемерия.

Наконец, снова поселившись на Таити, художник достиг вершин своего мастерства. По злой иронии в эту заветную пору создания шедевров Гоген чувствовал себя как никогда дурно и в письмах признавался немногочисленным друзьям, что «исчерпал все свои силы». Так, темная и печальная палитра входит в свои права на полотне «Никогда больше» (Nevermore).    

На этот раз обнаженная фигура не имеет ничего общего со сладострастием, напротив: девушка будто находится в тревожном ожидании и настороженно поглядывает не то на ворона, сидящего на окне, не то на фигуры в проеме. Биографы особенно отмечают значение зловещей черной птицы, здесь она предстает как символ «остающихся без ответа вопросов и непостижимости человеческой участи».

Человек, обреченный тщетно задаваться вопросами о своем существовании, не может быть счастливым. Таких вопросов у Гогена рождалось все больше, а в самый разгар его тяжелых измышлений из Дании пришла весть о смерти любимой дочери. Вдруг все потеряло смысл. Вероятно, будь Гоген человеком осторожным и предусмотрительным, жизнь бы его повернулась иначе. Он не был бы загнанным и несчастным существом в своем тропическом тупике. Но не брось он вызов судьбе, остался бы он собой?

Истощенный и опустошенный, Гоген решил оставить миру свое последнее послание. Полтора на три с половиной метра полотно «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» (D’où venons nous? Que sommes nous? Où allons nous?) составило бессмертное завещание великого художника.    

«Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее», — писал он.

Картина действительно читается, как история, включающая в себя не только повествование о жизни и смерти, но также размышления о тщетности бытия и существовании потустороннего мира.

Как только картина была закончена, Гоген, покорный своему плану, принял во много раз увеличенную дозу опиума и поднялся в горы, чтобы там, под звездным небом и кронами банановых деревьев, проститься с жизнью. Но какая жестокая ирония! Утром, харкая кровью и едва пребывая в сознании, художник, словно раненое животное, спустился обратно в свою хижину. Принятого опиума оказалось слишком много, и организм, содрогаясь во многочасовых конвульсиях, отверг его.

Придя в себя после нескольких недель, Гоген, испытавший разочарование не только в жизни, но теперь и в смерти, решил зайти еще дальше. Дабы избавить себя до конца дней от финансовых проблем, он заключил договоренность с ушлым французским торгашом. Тот обязался ежемесячно высылать Гогену содержание в три сотни франков в обмен на все работы, которые впредь напишет художник. От столь неслыханного пренебрежения друзья Гогена буквально вопили, но сделать ничего не могли. Вскоре художник предпринял свое последнее — теперь уже точно — путешествие на Маркизские острова.  

Остров Хива-Оа, хотя тоже подвергся влиянию европейских миссионеров, чудесным образом сумел сохранить все лучшее в своей культуре и впитать все худшее от культуры европейской. К варварским обычаям и разгульному образу жизни добавился легкий доступ к алкоголю, табаку и, к несчастью, многим заболеваниям, против которого у туземцев просто не было иммунитета.

Тем не менее, жизнь для Гогена на этом острове вновь превратилась в праздник. Свою хижину в глубине чащи он именовал «Домом наслаждений» и всячески оправдывал это название, с удовольствием углубляясь в примитивные инстинкты. Он совсем не писал картин, но работал над рукописью, которая сегодня известна под названием «Прежде и потом». Периодически совершал одинокие ночные прогулки то в горы, то к побережью.

Опираясь на резную палку, он часами ковылял, хромая на обе ноги — давние раны в тропическом климате не заживали. Художник молча внимал. Наконец-то, в возрасте пятидесяти четырех лет, Гоген порвал со своей расой и жадно припал к источнику первобытной жизни. Все здесь для него было знамением, преисполненным высшим смыслом.

«Мы исчерпали все, что можно выразить словами, и теперь храним молчание. Я смотрю на цветы, недвижные, как и мы. Слушаю огромных птиц, замерших в воздухе, и мне открывается великая истина», — писал художник.

Немногим позже после того как он умер от сердечного приступа в своей хижине, пришел очередной почтовый корабль. Друг писал, что в настоящий момент на Гогена смотрят как на удивительного, поистине легендарного художника, который из далекой Океании присылает изумительные полотна. Спустя три года 227 его работ были выставлены в Париже и произвели подлинный фурор. Но Гоген так и не удостоился радости получить признание, в которое он так отчаянно верил при жизни.

А через пятьдесят лет после смерти художника с аукциона было продано одно из его последних писем за баснословные деньги — 600 тысяч франков. В нем было сказано:

«Теперь я повержен, побежден нищетой…»

Автор: Анастасия Теплицкая © Artifex.ru

 

https://zen.yandex.ru/media/artifex/bespokoinaia-dusha-polia-

 

 

39

 

 

 

 

 

24

Картины рассказывают...

3987 подписчиков

"Девушка или ваза?". Генрих Семирадский протестует...

 

Исторические полотна Генриха Семирадского никого не оставляет равнодушным. В своих работах художник с возможной точностью придерживался истории. Часто брал какое-то историческое событие и изображал на картине.

"Девушка или ваза?", в отличие от многих картин художника, не имеет исторической подоплеки. Генрих Семирадский изобразил вроде бы обыкновенную бытовую картинку из жизни Древнего Рима. Но как много может рассказать это полотно!

Генрих Семирадский. Девушка или ваза?, 1878

Генрих Семирадский переехал в Рим в 1872 году после получения стипендии Петербургской академии. Он был восхищен этим городом, поглащен изучением истории Древнего Рима.

На картине "Девушка или ваза?" изображена сцена в торговой лавке. Старый патриций пришел туда с целью покупки.

Фрагмент картины

Только вот беда - перед патрицием встал трудный вопрос. Что же ему купить - девушку или вазу?

Да, девушка молода, красива, есть на что посмотреть. Патриций смотрит на неё с легкой улыбкой, понимает, что будет она украшением среди его рабынь.

Фрагмент картины

Да и торговец её всячески расхваливает, утверждает, что нет у неё изъянов.

Фрагмент картины

Её накидка и украшения в волосах намекают, что это гречанка, а, значит, не какая-то представительница варваров. И стоимость её, соответственно, высока.

Но патриций богат, его стоимость не пугает. В руках он держит вазу, которая стоит тоже недешево.

Фрагмент картины

Это китайская ваза, украшенная драгоценными камнями. И трудно сказать, что дороже ваза или девушка - рабыня.

И это сравнение ни что иное как протест Семирадского против жестоких нравов римлян, которые легко сравнивали стоимость человека и красивой побрякушки.

Так что патриция больше волнует другой вопрос: а нужна ли ему вообще девушка? Он уже не молод, и его в данный момент привлекают уже другие ценности.

Как намек на это скульптура старого кентавра за ним.

Фрагмент картины

Это скульптура "Кентавра плененного амуром", изображающую мучения старого кентавра, из коллекции римского Капитолийского музея.

А вот его молодой сын, что пришел вместе с ним на торги, совсем по другому смотрит на этот вопрос.

Фрагмент картины

Юноша с вожделением смотрит на красавицу - рабыню и понятно, каким бы был его выбор.

Но и для него девушка всего лишь красивая вещь. И только лицо раба, стоящего за девушкой, выражают сожаление. О ней? О себе ли?

Фрагмент картины

Генрих Семирадский высоко оценил свою работу. Его упрекали за то, что за картину он просит большую сумму. Объясняя причины этого, Семирадский писал: " Принимая во внимание время, затраченное на картину, стоимость исполнения всего с натуры, покупку костюмов, мраморов и разных безделушек, словом предметов, не имея которых, я считаю невозможным исполнение произведения серьезного, не попадая в манеру и не заграждая себе пути к дальнейшему совершенствованию - я считаю подобную цену положительно умеренной..."

Да, картина интересна не только сюжетом, но и деталями наполняющими её.

Диван, например, написан по образцу бронзы из Капитолийского музея Рима.

Фрагмент картины

Картина принесла Семирадскому золотую медаль на Всемирной выставке 1878 года в Париже.

Ныне картина "Девушка или ваза?" хранится в частной коллекции. По последним данным она была продана частному лицу в https://zen.yandex.ru/media/s_snegova/devushka-ili...stuet-5fca08a98ea99a6dd98210d02005 году на аукционе Сотбис в Нью-Йорке за 1 416 000 долларов.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

15

 

 

 

 

 

 

Геро и Леандр. Кристофер Уильямс. 1925 г.

Есть разные версии о происхождении легенды о Геро и Леандре - юных влюбленных с берегов Геллеспонта. Некоторые исследователи греческой культуры считают ее зашифрованным ритуалом одного из культов Афродиты, иные же напротив причисляют сюжет к довольно поздним и чисто литературным.

Как бы то ни было, до наших дней сюжет дошел в одноименной поэме Мусея Грамматика и "Героинях" Овидия, а в более позднее время к нему обращались Кристофер Марло, Шиллер, Фет, Брюсов, Павич и многие другие.

Герои повести жили на берегах Геллеспонта, так греки именовали Дарданеллы - пролив между Европой (Балканским полуостровом) и Азией (полуостров Малая Азия в Турции), который соединяет Мраморное и Эгейское моря. Красавица Геро жила в Сесте, на европейском берегу, а Леандр - в Абидосе на другой стороне пролива. Оба они славились в своих городах красотой.

Сест с Абидосом лежат — один напротив другого —
 Оба у берега моря. Эрот же, свой лук натянувши,
В каждый из тех городов послав по стреле заостренной,
Деву и юношу ранил. По имени их называли: Милым Леандром — его, а Геро — прекрасную деву.
Сест ее родиной был, Леандр обитал в Абидосе;
Звезды прекрасные, были они городов украшеньем.

(Мусей Грамматик "Геро и Леандр")

Геро, ожидающая Леандра. Уильям Этти

Геро была жрицей Афродиты и жила в уединенной башне на морском берегу вместе со своей старой служанкой. Так решили ее суровые родители, да и сама девушка не любила пышных сборищ "даже средь женщин она подруг себе не искала, не принимала она в хороводах веселых участья". Леандр повстречал красавицу на празднике в честь Афродиты, куда девушка, ввиду своих обязанностей, не явиться не могла.

Описывая первую встречу своих героев Мусей Грамматик, кстати, оставил одно из самых первых лирических описаний такого нехитрого приема в ухаживании как "стрельба глазами":

Медленно он подошел и стал перед юного девой,
Делая вид, что совсем на нее он не смотрит, украдкой
Молча кивал ей и тем смущал ее девичье сердце.
Хитрости эти Геро разгадать было вовсе не трудно,
Радостно было ей знать, что ее красоту он заметил.
Взоры прекрасных очей к земле опуская стыдливо,
Так же она незаметно и молча кивала Леандру
И отвернуться спешила. А он в душе веселился,
Видя, что дева его поняла и любовь не отвергла.

(Мусей Грамматик "Геро и Леандр")

Геро, зажигающая факел для Леандра. Эдвард Коули Берн-Джонс.

В общем восторг от встречи был взаимным и объяснение в любви не заставило себя долго ждать. Юноша практически сразу же предлагает Геро выйти за него замуж, но та безоговорочно уверена, что ее родители не питают страсти к иногородним и замуж ее не отдадут. Выяснять насколько мнение девушки о родительских предпочтениях достоверно влюбленные не стали.

Они сразу же сговорились о тайном свидании. Леандр переплывет ночью Геллеспонт, а Геро зажжет на вершине своей башни светильник, чтобы любимому было легче плыть и они встретятся. Стоит отметить, что сейчас ширина пролива в месте ночного путешествия составляет примерно 1,3 - 1, 5 км, а в ту пору могла достигать и 2 км. Но, жаждавшего любви юношу, расстояние не смущало.

Ради любви твоей, дева, и море готов переплыть я,
 Если бы даже оно пылало огнем неприступным,
 Я пред пучиной не дрогну, на ложе к тебе поспешая,
 Не испугает меня своим шумом и рокотом море.

(Мусей Грамматик "Геро и Леандр")

Геро и Леандр. Фрэнсис Фердинанд Морис Кук.

Пока длилось лето план безупречно работал, но с приближением зимы погода стала более капризна. В одну из ночей поднялся шторм. Он погасил, зажженный Геро светильник, и, потеряв путеводный свет, Леандр утонул. Поутру красавица нашла на берегу его бездыханное тело, бросилась с башни в море и умерла.

Века не сохранили ни башни, в которой жила красавица, ни могил влюбленных, хотя Мусей пишет о том, что их гибель оплакивали оба города, только легенду о любви и подвиге во имя нее.

В морской пучине Геллеспонта
Бежала за волной волна,
Была вдали за горизонтом
Полоска берега видна. Однако в жизни есть примеры,
Не всех морской пугает вал;
Леандр чтоб увидеть Геро
Пролив не раз переплывал.

(Еления Кислевская)

Смерть Леандра. Фредерик Лейтон. 1887 г.

Интересно, что возникшая в века торжествующего патриархата, легенда посвящена скорее Геро. Именно описанию ее красоты уделена почти вся первая часть поэмы и об обстоятельствах ее жизни автор рассказывает довольно подробно, тогда как о Леандре мы не знаем ничего, кроме того, что он был влюблен настолько, что готов был переплыть море.

живопись

литература

мифология

греция

история любви

15 нравится

2

 

 

 

 

 

https://zen.yandex.com/media/the_last_romantics_br...-leandr-5da415d23639e600ae1ad2

 

 

 

 

 

 

756

 

 

 

 

 

51

Фотографы & Художники

4110 подписчиков

Особым очарованием дышат женские портреты художника Пала Фрида

 

Картины этого живописца, бывшего невероятно популярным в одно время, наполнены чрезвычайно позитивной, солнечной энергией, позволяющей зрителю получить отличную порцию положительного заряда.

Многих, кто впервые знакомится с его творениями, удивляет тот факт, что вроде и тема знакомая и жанр, но при всей незамысловатости сюжетов мастер настолько индивидуален, что не получается провести никакие параллели между его творчеством и чьим-либо ещё.

Подробнее о художнике

На свет он появился в 1893 году в венгерской столице. С детства увлечённый рисованием, он не испытал каких-либо трудностей при поступлении в Венгерскую королевскую школу рисования, где учился на отлично под руководством известного специалиста Хьюго. Позже ему довелось углубить свои познания в премудростях живописи в Париже, где его учителем был сам Клод Моне, а также Люсьен Симон.

И не удивительно, что он был пленён французским импрессионизмом, особенно он полюбил самого позитивного из этой школы мастера – Ренуара, а также очень любил творчество Дега.

Послевоенный 1947 год был особым в его жизни – он перебирается через океан в Америку, где и будет жить и работать до конца своих дней.

Довелось ему поработать в Нью-Йоркской академии искусств, где он достаточно долго преподавал.

Американская публика по достоинству оценила мастерство художника, чуть позже поселившегося в Голливуде, где в 50-60х годах 20 века его стильные для того времени портреты самых разных дам пользовались огромной популярностью.

 

 

В его творчестве отразилась любовь художника к балету и театру. Он всегда имел гигантское количество заказов, причём нередко от очень известных людей из высшего эшелона власти.

Художника не стало в 1976 году – он пережил свою любимую жену всего на 4 дня.

О женском портрете

Огромное количество художников с античных времён и до наших дней пытались постичь тайну женского очарования, стараясь запечатлеть как можно ярче и полнее проявление женской красоты на полотне.

Взгляд на женщину, на её место и роль в обществе, менялся от эпохи к эпохе, и именно благодаря художникам известным и не очень, творившим во все времена, сейчас имеется возможность отследить достаточно подробно эволюцию женского портрета.

В любую историческую эпоху живописец, создатель женского портрета, ставил перед собой задачу как можно ярче выявить в своей работе самые ценные личностные качества представительницы прекрасной половины человечества.

Искусство умелого портретиста всегда заключалось в способности прочувствовать самое характерное, уникальное в персонаже своей работы. Эта задача усложняется, когда художник берётся воспроизвести красоту женщины, которая по своей природе очень пластична и трудноуловима. Мастер должен уметь не только технически скрупулёзно всё воспроизвести, но и приложить все усилия, внимательно наблюдая и даже размышляя, чтобы прочувствовать сердцем то самое, что оставит неизгладимое впечатление в душе каждого зрителя.

 

Впечатление от его работ

Удивительно приятная простота и лёгкость его портретов, созданных чаще маслом, а также при помощи пастели, позволяет зрителю почувствовать какое-то радостное освобождение от повседневных неизбежных проблем, которые есть практически у всех.

Конечно, любители погружения в исследование глубин человеческой психики могут посетовать на отсутствие такого момента в его творчестве, но в этом и заключается его стиль – посредством лёгкого очарования в одно мгновение передать зрителю энергетический заряд невероятно позитивной мощности.

Бросается в глаза его способность добиться особой выразительности, которую не часто можно встретить у представителей импрессионизма, творящих мазками.

Сочетание яркой импрессионистской палитры цветов, лёгкой беззаботности и специальной выразительности, присутствующей во всех его женских портретах, можно выделить как самые характерные стилистические особенности в творчестве этого любимого многими художника, чьё искусство и в наше время находит отклик в сердцах его многочисленных поклонников.

 

ttps://zen.yandex.ru/media/id/5eaa7ff5f81a0d1b4f44eda2/osobym-ocharova

 

 

181

 

 

 

 

 

5

Творческий проспект

2553 подписчика

Мелодия обольщения Говарда Роджерсам

 

Говард Роджерс

Говард Роджерс (Howard Rogers) – известный американский художник, иллюстратор, скульптор.

Свою карьеру в изобразительном искусстве он начал как успешный иллюстратор на Восточном побережье, работая над проектами для национальных журналов и книжных издательств.

Затем переехал на запад США. В настоящее время Говард Роджерс
- общепризнанный художник, творчество которого известно во всем мире.

Одна из сторон его творчества – лирические, нежные портреты прекрасных женщин.

https://zen.yandex.ru/media/id/5ded14b8b477bf00aded1ba4/melod

От его полотен веет романтикой, чувственностью, образы и завораживают своей манерой написания. Его модели изящны и грациозны.

Ховард Роджерс родился в 1932 г., в Сан-Диего.  Его художественный талант проявился с детства.

После окончания средней школы, он работал художником.

Затем служил в войсках США. По возвращении со службы стал  работать руководителем сети супермаркетов.

Но все же, следуя своей мечте - стать художником, он поступил в Колледж дизайна Арт-центра в Пасадене. Там нашел свою судьбу - Бонни Роджерс, которая и стала его женой.

После окончания колледжа Роджерс перебрался в Детройт и стал коммерческим художником.

Через несколько лет Роджерс  с  семьей переехал в Нью-Йорк,  где стал работать иллюстратором для различных популярных журналов,  книжных обложек и плакатов.

Тем не менее, одна из постоянных и любимых тем художника - Её Величество Женщина... Красивая, загадочная и чувственная...

Прекрасная, таинственная, нежная…  Та, жизнь с которой и ради которой имеет смысл...

-------

 

 

 

462

 

 

 

 

 

 

Красавицы на полотнах Константина Егоровича Маковского

 

Боярыня, фото с сайта www.yandex.ru

Константин Егорович был одним из самых известных и востребованных художников XIXвека. Его картины продавались за баснословные суммы, состоятельные люди записывались в очередь, чтобы позировать ему. До наших дней дошло большое количество портретов кисти Маковского, на которых он воспевает женскую красоту.

Добрый вечер!

Константин Егорович родился 20.06.1839 года в семье художника Егора Ивановича Маковского и певицы Любови Молленгауэр. Мать преподавала в Московской консерватории, и мечтала, чтобы сын пошел по её стопам. Но Константин выбрал стезю художника, впрочем, как и его братья, лишь сестра Мария сделала выбор в пользу сцены (правда, она стала не музыкантом, а актрисой).

Константин Егорович учился в Московском училище живописи и ваяния, затем поступил в Императорскую Академию художеств. Диплома Академии он не получил, так как принял участие в «Бунте четырнадцати» (студенты отказались писать картины на тему «Скандинавская мифология» и покинули учебное заведение).

Константин вступил в артель художников, где с каждой единолично написанной картины сдавали 10% от стоимости полотна в общую кассу, а от созданной совместно с другими членами организации – 25 %. Художник начал писать картины из обыденной жизни. Они отличались мрачными красками и красивыми, одухотворенными лицами героев полотен.

Историк Елена Широкова писала:

«Константин Маковский, человек весёлый и жизнелюбивый, и сам понимал, что он не создан для живописания «свинцовых мерзостей дикой русской жизни», не дано ему писать «униженных и оскорбленных»: изможденных крестьянок, оборванных нищих, убитых горем вдов».

Его стиль сменился после путешествия по Египту и Сербии, теперь Константин Егорович выбирает яркие краски и уделяет большое внимание формам предметов.

Автопортрет (1856), фото с сайта www.yandex.ru

Но настоящая слава пришла к Константину Егоровичу, когда он стал писать портреты. В 1880-х художника стали называть «придворным живописцем».

Константин Егорович вспоминал:

«Лучшие красавицы наперебой позировали мне... Я зарабатывал громадные деньги, жил с царственной роскошью и успел написать несметное количество картин, декоративных панно, портретов, этюдов и акварелей»

Художник всю жизнь коллекционировал предметы русской старины, он часто наряжал заказчиков в костюмы прошлых веков. Причем, не только русские костюмы, иногда Константин Егорович видел свою модель только в одном образе и не хотел слушать мнение заказчика или заказчицы по этому поводу.

Художница и меценат Мария Тенишева писала:

«Маковский почему-то непременно захотел писать меня в костюме Марии Стюарт. Хотя я этой фантазии не разделяла, но пришлось сдаться, потому, что с некоторыми художниками невозможно говорить резонно: они непогрешимы, не терпят здравой критики»

Статью о Марии Тенишевой можно прочесть по ссылке (кликабельна):

Княгиня Мария Клавдиевна Тенишева

В 1880-х годах художник часто устраивал персональные выставки. Выставлялось много картин из истории России, Маковский воспел красоту русских национальных костюмов. Константин Егорович идеализировал прошлые века, придавая им романтичный вид.

Журнал «Нива», 1911 год, №2:

«Маковский открыл красоту в древнерусской старине и воспроизвел ее перед нами в бесчисленных картинах из древнерусской и боярской эпох... Одному его «Боярскому пиру» мы более обязаны русской стариной, чем десятками учебников»

Кстати, картину «Боярский свадебный пир» хотел купить для своей галереи Павел Третьяков. Маковский запросил за картину 20 тысяч рублей, Третьяков отказался. Картину приобрел американский коллекционер и заплатил в три раза больше. После этого успеха Константин Егорович некоторое время жил в США, где его картины хорошо покупали.

В 1890-х Константин Егорович купил мастерскую в Париже и несколько лет жил во Франции. В Россию художник вернулся только в начале 1900-х, он продолжал писать картины, организовывать выставки. Но мода сменилась, и Константин Егорович за ней уже не мог угнаться.

В 1915 году художник попал в ДТП: в его экипаж врезался трамвай. Константин Егорович умер 17.09.1915 года, он был похоронен на Никольском кладбище Александро-Невской лавры.

Предлагаю посмотреть на женские портреты кисти Константина Егоровича Маковского:

Графиня Зубова Вера Сергеевна (1877), фото с сайта www.yandex.ru

Графиня Шереметева Екатерина Павловна, (1877), фото с сайта www.yandex.ru

М. А. Бутина, фото с сайта www.yandex.ru

Императрица Мария Фёдоровна, жена Александра III, фото с сайта www.yandex.ru

В.В. Бахрушина, фото с сайта www.yandex.ru

Девушка в костюме Флоры, фото с сайта www.yandex.ru

Портрет свояченицы (Е.П.Летковой) (1879), фото с сайта www.yandex.ru

Дама в черном (1864), фото с сайта www.yandex.ru

Портрет дамы (графиня Апраксина), фото с сайта www.yandex.ru

Княгиня Зинаида Николаевна Юсупова в русском костюме, фото с сайта www.yandex.ru

Портрет молодой девушки с розовым бантом, фото с сайта www.yandex.ru

Актриса Маргарита Гавриловна Савина, фото с сайта www.yandex.ru

Портрет жены художника, фото с сайта www.yandex.ru

Парижанка в жемчужном ожерелье 1890-е фото с сайта www.yandex.ru

Портрет жены художника, фото с сайта www.yandex.ru

https://zen.yandex.ru/media/id/5cdce5fad7b70d00b3e900b6/k

Женский портрет (1883), фото с сайта www.yandex.ru

В. А. Волконская, фото с сайта www.yandex.ru

Русская красавица в кокошнике, фото с сайта www.yandex.ru

Русская красавица, фото с сайта www.yandex.ru

Графиня Софья Илларионовна Строганова (1864), фото с сайта www.yandex.ru

Надеюсь, статья была интересна) Если это так - ставьте лайк и подписывайтесь на канал)

Женские портреты кисти Никаса Сафронова

Портреты, написанные Александром Максовичем Шиловым

Красавицы на портретах кисти Карла Павловича Брюллова

Русские аристократки на портретах Элизабет Виже – Лебрен

Красавицы на портретах кисти Франсуа Фламенга

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

103

 

 

 

 

 

3

Sculpture Artstyle

2489 подписчиков

Картины итальянской художницы Франчески Стрино: "ангелы" современности

 

"Ангелическая" тема в изобразительном искусстве всегда волновала умы художников разных эпох. Итальянская художница Франческа Стрино (Francesca Strino), синтезировала в своем творчестве жанровую тему "ангелов" времен барокко и современные реалии женской жизни.

Тема "ангелов" современности, в творчестве итальянской художницы носит по преимуществу феминные черты и реализуется в женских образах.

По замыслу Франчески Стрино, именно женщина является тем спасительным моментом в жизни человечества, кто дает людям теплоту души, привлекательность и красоту.

листайте галерею:

Но фигуративные образы женских лиц в работах художницы излучают мало позитива.

Создается впечатления, что женщины в её работах полны едва уловимой тоски по давно минувшим дням, когда красота и чувственность была основополагающей темой в жизни человечества.

листайте галерею:

Франческа Стрино современная художница. Поэтому через призму ее картин, сторонний наблюдатель может отчетливо понимать, что не так с современным миром.

листайте галерею:

Большие города, огромные дома, мир асфальта и научно-технического прогресса, не дают женщине раскрыть свою красоту в современном мире. От этого героини ее картин испытывают некий вид тоски и даже печали.

листайте галерею:

Женские образы в ее работах погружены в сами себя. Создается впечатление, что им давно нет дела до окружающего мира современности. Ибо этот мир не их.

листайте галерею:

На творчество итальянской художницы сильнейшее влияние оказал ее отец. Фигуративный художник Джанни Стрино.

Если сравнить технику написания картин маслом Джанни и Франчески, то можно увидеть не просто общие черты. Создается впечатление, что эти картины написал один человек.

Итальянская художница Франческа Стрино родилась в 1979 году, в итальянском городе Неаполи. Она закончила художественный лицей, а также обучалась в "Академии изящных искусств" Неаполя, по специальности скульптура и живопись.

Нужно отметить и саму атмосферность картин художницы. Общий фон и цветовая палитра ее работ на поверхностный взгляд выполнена в темных тонах. Но сделано это для того, чтобы подчеркнуть фигуративный образ героинь ее картин.

В ее работах, зритель не должен обращать внимания на детали, покрытые легкой дымкой туманной таинственности. Взгляд должен быть прикован именно к фигуре и движениям в ее работах.

Тем самым художница хочет сказать, что окружающие пространство мало значительно для ее "ангелической" темы женских образов, взглядов и движений.

листайте галерею:

Спасибо за внимание и всем отличного настроения.

 

 

 

https://zen.yandex.ru/media/sobitiy_and_mneniy/kar...nosti-5fbc552b4b9b1b331d54f1d0

 

 

23

 

 

 

 

 

1

ART-кафе

3303 подписчика

Работы художницы Марины Бородули.

 

Марина Бородуля (Marina Borodulya) (1984 г.р.) – современная Украинская художница из Киева.

Первое художественное образование получила в Киевском техникуме легкой промышленности, на отделении дизайна обуви (2001 – 2004), а затем училась в Киевском государственном институте Декоративно-прикладного Искусства и Дизайна (2004 – 2010) на факультете декоративно-прикладного искусства и монументально-декоративной живописи.

Сейчас Марина Бородуля (Marina Borodulya) достаточно востребованная художница и её работы пользуются спросом.

Предлагаем Вам ознакомиться с работами автора

https://zen.yandex.ru/media/artkafe/raboty-hudojni...roduli-5fbb7142572b862575228a4

Пожалуйста, оцените эту статью и подпишитесь на канал или поделитесь ссылкой на него в социальных сетях, если считаете его интересным. Большое спасибо!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

77

 

 

 

 

 

 

Бо Бартлетт - американский реалист с модернистским видением

 

Freedom 2019

 

 

«Бо Бартлетт - американский реалист с модернистским видением. Его картины вполне соответствуют традициям американского реализма, определенным такими художниками, как Томас Икинс и Эндрю Уайет. Как и эти художники, Бартлетт смотрит в сердце Америки - ее землю и ее людей - и описывает красоту, которую он находит в повседневной жизни.

Его картины прославляют основную эпическую природу банального и личное значение необычного.

Things Don't Stay Fixed 2019

Albatross 2019

The Whale 2017

Бартлетт получил образование в Пенсильванской академии изящных искусств, где принципы реализма должны быть усвоены, прежде чем поощряться модернистские начинания. Он раздвигает границы реалистической традиции с помощью своих многослойных образов.

Жизнь, смерть, переходы, память и конфронтация легко сосуществуют в его мире. Семья и друзья - это те персонажи, которые появляются в его сказочных повествовательных произведениях.

The Swing 2017

Object Lesson 2017

The Messenger 2018

 

Хотя сцены разворачиваются вокруг дома его детства в Джорджии, его летнего дома на острове в штате Мэн, его дома в Пенсильвании или окрестностей его студии и места проживания в штате Вашингтон, они представляют более глубокую, мифическую концепцию архетипического универсального дома ».

- Том Батлер, отрывок из книги Бо Бартлетт, Хартленд

 

Персональные выставки

2019 г.
Бо Бартлетт ~ Сорок лет рисования, Флорентийская академия искусств, Джерси-Сити, Нью-Джерси
Картины и работы на бумаге, Weber Fine Art, CT
2018 г.
Ретроспектива, Центр Бо Бартлетта, Джорджия

Diaspora 2016

Oligarchy 2016

The Samaritans 2014

 

 

 

 

 

2017 г.
Картины с заставы, Галерея Даулинга Уолша, Мэн.
Музей американского искусства Меннелло и Музей Орландо, Флорида
2016 г.
Амерингер МакЭнери Йохе, Нью-Йорк, Нью-Йорк
2014 г.
Музей искусств Морриса, Огаста, Джорджия
2013
Музей Университета Миссисипи, Оксфорд, штат Мэриленд
Любовь и другие таинства, Галерея Даулинга Уолша, Рокленд, Мэн
2011 г.
Картины дома, Галерея Ильгеса, Государственный университет Колумбуса, Колумбус, Джорджия
Обзор картин, W.C. Музей Брэдли Ко, Колумбус, Джорджия
Альбомы для набросков, журналы и исследования, Columbus Bank & Trust, Columbus, GA

The Day Everything Changed Forever 2016

Galilee 2014

School of the Americas 2010

 

 

 

2010 г.
Галерея Даулинга Уолша, Рокленд, штат Мэн [Посмотреть лекцию художника]
Картины дома, Галерея PPOW, Нью-Йорк, Нью-Йорк
Артисты США, Филадельфия, Пенсильвания
2009 г.
Бо Бартлетт, Forum Gallery, Лос-Анджелес, Калифорния
Forum Gallery, Нью-Йорк, Нью-Йорк
Галерея Дэвида Кляйна, Бирмингем, Мичиган
Бо Бартлетт, Художественный музей Огдена, Новый Орлеан, Луизиана
2008 г.
Художники США, Филадельфия, Пенсильвания
2007 г.
Путешествие, Галерея Сомервилля Мэннинга, Гринвиль, Делавэр
Художники США, Филадельфия, Пенсильвания
Still Point, Музей Фарнсворта, Рокленд, Мэн
Галерея Дэвида Кляйна, Бирмингем, Мичиган
2007 г.
Winston Wächter Fine Art, Сиэтл, Вашингтон
9 ноября 2006 г. - 7 января 2007 г.
Явное направление

Belle 2010

 

 

 

The Unconscious 2010

 

 

2006 г.
PPOW Gallery NY
Май 2006 г.
Этот внутренний / внешний мир
2004 г.
Пенсильванская академия изящных искусств, Филадельфия, штат Пенсильвания [см. Фото инсталляции]
Музей искусств Санта-Барбары, Санта-Барбара, Калифорния
Художественный музей Фрая, Сиэтл, Вашингтон
Найденная невинность, Галерея DFN, Нью-Йорк, Нью-Йорк
Still Point of the Turning World, PPOW, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк
Новые картины и работы на бумаге, Галерея Уинстона Вахтера, Сиэтл, Вашингтон
Still Point, Галерея Салливана Госса, Санта-Барбара, Калифорния
Хартленд, Художественный музей Санта-Барбары, Калифорния
2003 г.
Музей искусств округа Гринвилл, Гринвилл, Южная Каролина
Музей Колумба, Колумбус, Джорджия
2002 г.
PPOW, Нью-Йорк, Нью-Йорк

Land of Plenty 2009

Return of the Three Graces from Exile 2009

The Forge (Swords into Plowshares) 2008

 

 

 

 

 

2001 г.
Галерея Брендана Уолтера, Санта-Моника, Калифорния
More Gallery, Филадельфия, Пенсильвания
Галерея Джона Берггруена, Сан-Франциско, Калифорния
2000 г.
Water Series, Университет в Художественной галерее Буффало, SUNY, Буффало, Нью-Йорк
P.P.O.W., Нью-Йорк, Нью-Йорк
1998-99, 1999, 2000
Художественный музей Рокфорда, Рокфорд, Иллинойс
Torch Gallery, Амстердам, Нидерланды
P.P.O.W., Нью-Йорк, штат Нью-Йорк
1998 г.
P.P.O.W., Нью-Йорк, Нью-Йорк
1997 г.
Галерея Фэй Голд, Атланта, Джорджия
Галерея More, Филадельфия, Пенсильвания
1996 г.
P.P.O.W., Нью-Йорк, Нью-Йорк
Художественный музей Ульриха, Уичито, Канзас
ВЕНТИЛЯТОР. Галерея, Филадельфия, Пенсильвания

Kingdom of Ends 2009

The Light Years 2011

Hurricane Season 2011

 

 

 

1995 г.
Галерея Джона Берггруена, Сан-Франциско, Калифорния
Галерея Струве, Чикаго, Иллинойс
1994 г.
P.P.O.W., Нью-Йорк, Нью-Йорк
1993 г.
ВЕНТИЛЯТОР. Галерея, Филадельфия, Пенсильвания
Галерея More, Филадельфия, Пенсильвания
1992 г.
Галерея Дэниела Саксона, Лос-Анджелес, Калифорния
1991 г.
P.P.O.W., Нью-Йорк, Нью-Йорк
1990 г.
Музей искусств округа Гринвилл, Гринвилл, Южная Каролина <
1988 г.
P.P.O.W., Нью-Йорк, Нью-Йорк
Чугунное здание, Филадельфия, Пенсильвания.
1986 г.
Галерея More, Филадельфия, Пенсильвания
1985 г.
Галерея More, Филадельфия, Пенсильвания

Gethsemane 2017

 

1983 г.
Музей искусств Колумбуса, Колумбус, Джорджия
1982 г.
Галерея Мариан Локс, Филадельфия, Пенсильвания

https://zen.yandex.ru/media/artkafe/bo-bartlett-amerikanskii-realist-

 

 

287

 

 

 

 

 

20

 

 

Признание в любви

 

Все мы устали от плохих новостей и мрачных сюжетов, поэтому сегодня у нас на очереди история занятная и даже жизнеутверждающая. Сара Гудридж (1788-1853), американская художница, которая, как и ее сестра Элиза, получила ttps://zen.yandex.ru/media/artifex/priznanie-v-liubvi-5f0219ec14c34f324b4a5ff4известность благодаря искусству миниатюры, освоенному ею в совершенстве. Но подлинной славой Сара обязана одному изображению.

Долгие годы Сара состояла в переписке с Дэниелом Уэбстером - блестящим адвокатом и оратором, в дальнейшем занявшим пост государственного секретаря. Эта связь была долгой и неровной. Гудридж, очевидно, питала определенные надежды, а Уэбстер не торопился поступаться своими политическими амбициями ради чувств, а кроме того, был женат.

Занятия живописью позволили Саре добиться редкой для женщин в то время финансовой независимости, а трудолюбие и талант сделали ее миниатюры весьма востребованными. Одной из разновидностей портрета, которую многие влюбленные отправляли своим вторым половинкам, были миниатюры с изображением, например, только глаз или губ. Возможно, вдохновившись именно подобным вариантом, в 1828 году после кончины жены Уэбстера, Сара отправила возлюбленному с очередным письмом невероятно смелое по тем временам изображение под названием "Открытая красота" (Beauty Revealed). Натурщицей стала, разумеется, сама Гудридж (которой, к слову, на тот момент шел 41 год). Выполненное акварелью по слоновой кости, оно до сих пор выглядит весьма волнующим. Можно только догадываться, какое впечатление "Открытая красота" произвела в свое время, когда строгость нравов была известной, а целомудрие и скромность считались неотъемлемыми качествами женщины.

Увы, это откровенное послание не смогло победить прагматичность Уэбстера - вскоре он женился на другой даме, которая принесла ему богатое приданное. Однако, изображение, подаренное ему Сарой, он хранил долгие годы. Пожалуй, это одна из лучших иллюстраций того, на какие безумные поступки нас порой толкает любовь.

ГлавнаяПроисшествияКультураСпорт

Тайна Венеры с зеркалом Диего Веласкеса

12 сентября 2020

Так и хочется, чтобы женщина, изображенная на картине, когда-нибудь все-таки повернулась к нам лицом и раскрыла главную тайну…

В творчестве Диего Веласкеса (1599-1660), одного из лучших портретистов в истории мирового искусства, есть картина, уникальная как для самого художника, так и для его времени. Это — «Венера с зеркалом», — нагая красавица, гордая и обворожительная.

Когда-то «Венерой» Веласкеса восхищались только самые близкие друзья маркиза де Эличе, допущенные в его спальные покои. Сегодня о ней знают во всем мире, ведь с этой красавицы, единственной обнаженной в творчестве Веласкеса и вообще в классическом испанском искусстве, началось новое направление в европейской живописи.

Гойя и Мане, Дега и Матисс вслед за гениальным испанцем создавали своих Венер — со своими характерами, со своими несовершенствами, прекрасных, сводящих с ума, и уже совсем не богинь.

За два с лишним столетия своей жизни «Венера» Веласкеса не потеряла ни малой толики своего очарования и притягательности. Она по-прежнему хороша, чувственна, горда и загадочна.

И так хочется, чтобы женщина, изображенная на картине, когда-нибудь все-таки повернулась к нам лицом и раскрыла главную тайну — тайну появления этой картины в католической Испании XVII века, жившей по строгим канонам благочестия, под властью всеведущей и могущественной инквизиции, жестоко каравшей любое проявление чувственности и страсти.

Диего Веласкес родился в 1599 году в Севилье. В этом прекрасном и одном из самых богатых городов тогдашней Испании прошло его детство и юность. Здесь он учился, здесь, по сути, стал художником, освоив уроки теоретика искусства Франсиско Пачеко. Пачеко не принадлежал к лучшим живописцам XVII столетия. Однако был выдающимся теоретиком искусства и пропагандистом новых идей. В его доме в Севилье собирались многие выдающиеся люди Испании, в том числе и Сервантес.

Войдя в круг Пачеко, Диего приобщился к мировой культуре. Первый его биограф, Антонио Паломино, писал, что в молодые годы художник «взялся за изучение изящной словесности и в знании языков и философии превосходил многих людей своего времени».

В Севилье он и женился — на дочери своего учителя Хуане Миранде. Там же — в 1619-м и 1621-м — родились его дочери. Но уже в 1623-м, в 24 года, он оказался в Мадриде, при дворе испанского короля.

Художник мадридского двора

Впервые он посетил столицу в 1622 году. Ему повезло. Известный поэт Луис де Гонгора согласился позировать для портрета. Портрет понравился многочисленным почитателям Гонгоры, и о молодом художнике заговорили мадридские вельможи, а вскоре могущественный царедворец герцог де Оливарес, тоже выходец из Севильи, уговорил своего патрона Филиппа IV позволить Веласкесу написать его портрет.

Эта, к сожалению, не дошедшая до нас работа произвела столь приятное впечатление на короля, что тот тут же предложил Веласкесу стать придворным художником. Конечно, Веласкес принял это предложение. Бывают предложения, от которых — даже если хочешь — отказаться не посмеешь…

Реклама

Удивительное дело — между Филиппом, всесильным королем огромной империи, и Веласкесом, молодым художником, отнюдь не отличавшимся высокородностью и богатством, сложились довольно дружеские отношения. Филипп даже распорядился, чтобы впредь его портреты писал только Веласкес. И он их написал еще одиннадцать.

Портрет Филиппа IV

Пачеко отмечал, что «великий монарх был удивительно щедр и благосклонен к Веласкесу. Мастерская художника находилась в королевских апартаментах, и там было установлено кресло для Его Величества. Король, имевший у себя ключ от мастерской, приходил сюда почти каждый день, чтобы наблюдать за работой художника».

С тех пор жизнь Веласкеса была неразрывно связана с мадридским двором. Это был мир, где все происходило по раз и навсегда установленным правилам, каждый знал свое место, все было строго и — скучно. Балы, охоты, церемонии, празднества и даже страшные грехи на фоне истовости веры тоже были рутиной…

А в то же время Испания в XVII столетии переживала свой Золотой век — и в литературе, и в театре, и в живописи. Великий испанский писатель Сервантес и столь же великие драматурги Лопе де Вега, Кальдерон, Тирсо де Молина, художник Франсиско Сурбаран — все эти выдающиеся люди, оставившие след в мировой культуре, были современниками Веласкеса, а некоторые — его близкими друзьями. Но при этом страна жила в строго ограниченных рамках дозволенного церковью.

Под гнетом церкви

Служителям Господа удалось заполучить не только невероятные богатства, но и огромную власть. Все было подчинено вере. Нарушившего установленные правила ждала неминуемая кара инквизиции. Духовные стражи Испании прислушивались к любому известию о нарушении святых догматов, истово оберегали веру от чуждых ей людей и идей. Доносы были делом привычным, а потому над всеми испанцами висела страшная угроза — оказаться перед святым трибуналом, ведь у любого могли оказаться тайные недоброжелатели.

Церковь распространяла свои правила на все стороны человеческой деятельности. Существовали определенные рамки дозволенного и для живописцев. Так, им не позволялось изображать голое тело. Франсиско Пачеко оставил даже специальные рекомендации о том, как следует писать дам (разумеется, в образах мифологических или библейских героинь), не нарушая норм благонравия: лишь лицо и руки можно было писать с натуры, а все остальное — по гравюрам итальянских и немецких мастеров, например Дюрера.

«Создавая на холсте сладострастные обнаженные фигуры, живописцы становятся проводниками дьявола, поставляют ему приверженцев и населяют царство Ада», — говорил один из ярых проповедников веры Хосе де Иезус Мария.

И в такой удушающей атмосфере появилась удивительная, обнаженная, прекрасная веласкесова Венера. Настоящее чудо, причем не имевшее ничего общего с чудесами религиозными.

Реклама

Предмет спора столетий

Историки искусства до сих пор спорят, кто позировал Веласкесу для этой картины, и когда именно было создано полотно. Первое письменное упоминание о картине датировано 1651 годом — в описи коллекции родственника влиятельного Оливареса, маркиза Гаспара де Эличе дель Карпио. Одни ученые полагают, что картина была создана Веласкесом во время его пребывания в Италии, куда он по указанию короля отправился в 1648 году для знакомства с достижениями итальянских коллег и покупки картин для королевской коллекции.

В тот период Веласкес переживал личный кризис — жену в Италию он с собой не взял. И хотя Веласкес всегда жил довольно замкнуто, трудно представить, что пылкий испанец мог провести эти почти три года в Италии без любви. И действительно, есть свидетельства того, что у него в Италии была возлюбленная, и более того, она — уже после отъезда художника в Испанию — родила ему сына, на содержание которого Веласкес потом отправлял деньги. Очень может быть, что именно эта неизвестная нам итальянка и позировала Веласкесу для его Венеры.

Но существует и другая версия — полотно было создано в Испании, и на картине не итальянка, а настоящая испанка, очаровательная Дамиана, известная мадридская актриса и танцовщица. Дамиана была близкой приятельницей маркиза Гаспара де Эличе дель Карпио, страстного коллекционера, почитателя искусств и любителя хорошеньких женщин. Он и попросил художника написать красавицу, радовавшую маркиза своими ласками, причем маркизу захотелось, чтобы Веласкес написал Дамиану обнаженной — видно, дону Гаспару хотелось любоваться ее телом всегда, даже тогда, когда ее с ним рядом не было.

Будучи в Италии, Веласкес восхищался картинами Микеланджело, Тициана, Джорджоне, Тинторетто, Порденоне и других великих итальянцев, которые с присущим им смелостью и мастерством писали обнаженных красавиц и красавцев, героев и героинь мифологических сюжетов. Сияние женской кожи, красота пышных округлостей — все это не могло не произвести впечатления на испанца, воспитанного в строгой католической традиции.

Конечно же, Веласкесу очень хотелось попробовать сделать нечто подобное и самому. Тем более что, как ему было известно, авторская копия тициановского шедевра «Венера с зеркалом» украшала спальню самого короля. Филиппа IV, король Испании, никогда не отказывал себе в мирских утехах, несмотря на все запреты церкви…

Все в Мадриде знали об истории, случившейся в 1638 году, когда герцог Оливарес, регулярно поставлявший королю дам для особых развлечений, обратил внимание монарха на хорошенькую монашенку из монастыря Сан-Пласидо по имени Маргарита де ла Крус. Вельможи уговорили Маргариту принять короля, но девушка в последний момент испугалась и во всем призналась настоятельнице. И тогда та решила отомстить королю — когда монарх пришел в «комнату свиданий», он увидел там гроб, в котором лежала бледная Маргарита, сжимая в руках распятие. Король бежал, но затем в гневе вернулся со своими приближенными в монастырь и устроил в его святых стенах нечто столь кощунственное, что о подробностях происшедшего мадридцы потом осмеливались говорить только шепотом.

Реклама

«Венера с зеркалом» Тициана

Тициан Вечеллио (1488-1576), один из корифеев венецианской ренессансной живописи, написал свою «Венеру с зеркалом» в 1550-х годах. Художник, которому было уже под 70, очень дорожил этим полотном и лично сделал с него несколько авторских копий, ни одна из которых, к сожалению, не сохранилась. Оригинал оставался в доме мастера до конца, пока вместе с другим имуществом не было продан старшим сыном Помпонио венецианскому патрицию Кристофоро Барбариго.

«Венера с зеркалом» Тициана

В 1850 году всю галерею Барбариго приобрел император Николай 1 для коллекции Эрмитажа. В 1931 году по распоряжению Советского правительства «Венера с зеркалом» была продана бывшему министру финансов США Эндрю Меллону. С 1937 года картина находится в Национальной галерее в Вашингтоне.

Та женщина хороша, что полна огня, но не обжигается…

Поначалу Веласкес, как свидетельствовал Пачеко, изобразил на холсте одну только женскую фигуру, смело презрев все советы своего учителя. Но потом, из осторожности, все-таки добавил Купидона, мальчишку с крылышками, — пусть его красавицу можно будет представить не как живую женщину, а как античную богиню, а уж богине позволено все — даже возлежать такой бесстыдно голой, да еще у всех на виду. Но юный Купидон не мог скрыть красоту и страстность живой плоти.

«Та женщина хороша, что полна огня, но не обжигается», — гласит испанская пословица. Веласкесова Венера — изящна и тонка, грациозна и обольстительна, но еще и горда. Для нее любить — значит не сдаваться, а побеждать. Если фламандские, итальянские и немецкие Венеры бесстыдно обращены лицом к зрителю и принадлежат всем, безоглядно даря свою красоту, то эта коварная искусительница повернулась к зрителю спиной — никто ей в общем-то не нужен. Лицо ее видно лишь в зеркале. И эта деталь тоже чрезвычайно важна для испанца Веласкеса.

В испанской традиции женщина, смотрящаяся в зеркало, — сюжет философско-поучительный. Смотреть на свое лицо можно было, лишь дабы постигнуть замысел Творца — вот что требовала католическая мораль.

Но у Веласкеса совсем другое отношение к зеркалам. Они всегда его завораживали, влекли в свое зазеркальное пространство. Зеркала часто появлялись на его картинах — они преобразовывали пространство, расширяя его, придавая объемность и глубину. В его мастерской было десять зеркал, а стоили они в те времена немало. Однажды, когда художника спросили, зачем ему столько, он ответил, что зеркала — его помощники, почти подмастерья. Ведь отражение — та же картина, только существует она лишь мгновение. Веласкес в своих портретах старался добиться предельно точного отражения времени и личности своих героев.

«Мой художник стал зеркалом нашей жизни», — однажды с тонкостью, делающей ему честь, сказал о Веласкесе Филипп IV. Вот и Венера смотрит в зеркало и видит там свое лицо — мягкий овал, темные бархатные глаза. Это неясное лицо в зеркале — словно прекрасное видение, недостижимая мечта…

Но все-таки «Венера…» — прежде всего портрет тела, влекущего, прекрасного, таящего в себе обещания изысканных наслаждений. Недаром долгие годы картина хранилась в спальне дона Гаспара, и тайна «Венеры», дабы не принести несчастья ее автору и обладателю, оберегалась свято.

Реклама

По легенде, «Венера с зеркалом» Веласкеса была все-таки показана Филиппа IV и даже одобрена им. Ходили слухи, что королю понравилось то, что в зеркале богини красоты Венеры отражается лицо совсем не красивой женщины.

Рыцарь ордена Сант-Яго

Для всех остальных Веласкес оставался все тем же придворным художником, который, впрочем, с годами стал, как говорили про него, зазнаваться. В 1656 году он написал знаменитых «Менин», сценку из жизни королевской четы, инфанты Маргариты и ее подружек, где изобразил и себя, в первый и последний раз, конечно же, у мольберта, с кистью в руке. Написал себя среди царственных особ, равным среди равных.

Менины

В этой картине есть зеркало, в котором зритель видит отражение присутствующих в зале короля и королевы. Это вызвало возмущение при дворе и в церкви. Когда король решил произвести своего художника в рыцари ордена Сант-Яго, руководство ордена затеяло постыдное выяснение родословной Веласкеса, которая в конце концов была признана весьма сомнительной и недостойной члена ордена. Гранды отказывались считать равным себе художника Веласкеса, обычного, по их понятиям, ремесленника.

И только после особого распоряжения короля и специального разрешения Папы Римского Веласкесу разрешили не ворошить свою родословную — в ноябре 1659 года он был признан полноправным рыцарем ордена.

А еще были «Пряхи», таящие в себе множество смыслов, лежащих гораздо глубже, чем просто изображение гобеленной мануфактуры, как полагали ранее, — тут и спор о цивилизации и естественности, о духовном и материальном, об аристократии и народе, об искусстве и ремесле… Как будто он предвидел, что власть все равно укажет ему на его место.

Пряхи

Маршал трубочистов и подметальщиков

Так и случилось: король пожаловал ему звание королевского обергофмаршала дворца. Звучит весьма пышно, но на деле оказалось, что на Веласкеса возложили не очень-то почетные обязанности. Среди них каждодневное стояние позади королевского кресла, пока его величество принимал пищу.

Кроме того, Веласкес должен был следить за украшением королевских покоев, а еще он заведовал устройством жилья придворных, отоплением дворца. Следил, чтобы топлива было достаточно, руководил истопниками, трубочистами, а также был главным над уборщиками, мойщиками и подметальщиками, и более того — в его ведении были дворцовые отхожие места. Веласкес был главным ассенизатором дворца.

Реклама

— На старости лет, — писал о Веласкесе доктор искусствоведения, академик Российской академии художеств Александр Якимович, — гений Испании стал маршалом трубочистов и подметальщиков, начальником отхожих мест!

Ничего вельможного в его службе не было, зато времени, которое он бы мог отдать искусству, она отнимала много.

Летом 1660 года Веласкесу поручили участвовать в организации династического брака инфанты Марии-Терезии и Людовика XIV. Путешествие во Францию оказалось сложным и очень утомительным для художника. В начале июля он писал другу:

— Я вернулся в Мадрид уставшим от ночных переездов и дневных дел.

Дело довершила лихорадка и обильные кровопускания, которые практиковала тогдашняя медицина. 6 августа 1660 года художника не стало. Все, провожавшие Веласкеса в последний путь, отметили, что никто из рыцарей Сант-Яго на похороны не пришел, хотя, по обычаю, орден всегда отдавал почести своим почившим рыцарям. Так гранды-аристократы отомстили гениальному, но невысокородному собрату.

Самое главное – это потом…

А «Венера с зеркалом» продолжала свою жизнь. После смерти любвеобильного маркиза Гаспара картина досталась его дочери Каталине, маркизе дель Карпио. Когда же она вышла замуж за одного из герцогов Альба, шедевр Веласкеса стал достоянием дома Альба. В начале XIX века картина принадлежала Каэтане Альбе, той самой, которую так любил другой великий испанский художник — Франсиско Гойя и с которой он написал свою Венеру — «Обнаженную маху».

После смерти герцогини Каэтаны в 1802 году Карл IV приказал Альба продать картину вместе с другими принадлежавшими им полотнами своему фавориту и премьерминистру Мануэлю Годою.

Когда же фортуна отвернулась от этого гордого красавца и его изгнали из страны, конфисковав все имущество, «Венера» попала на Британские острова, где ее приобрел за 500 фунтов стерлингов известный коллекционер, историк и большой друг Вальтера Скотта Джон Морритт. Этот прекрасно образованный, увлеченный искусством и историей эсквайр — именно он впервые доказал, что Троя не только легенда, но и действительно существовавший в далекие времена город, и именно его труды стали основополагающими для Шлимана — сразу понял всю ценность полотна Веласкеса.

Несколько десятилетий картина хранилась в поместье Морриттов Рокебю-Парк — в Англии его так и называют — «Венера Рокебю». В те годы о существовании полотна знали немногие, но, когда в 1906 году наследникам Джона Морритта понадобились деньги и они решили его продать, о картине заговорила вся Британия. Покупатель нашелся тут же, однако за океаном, и вся страна — впервые, дабы сохранить для потомков произведение искусства, — собирала деньги в складчину. Свой вклад, решающий, 8000 фунтов стерлингов, анонимно внес и восхищавшийся картиной король Эдуард VII. В конце концов, нужная сумма, 45 000 фунтов, была собрана, и в 1905 году «Венера» попала в Лондонскую национальную галерею, став одной из самых ярких жемчужин ее коллекции.

Реклама

Английские страсти

Но на этом превратности веласкесовой Венеры не закончились. 10 марта 1914 года в зал, где висела картина, вошла довольно невзрачная девушка, ничем не выделявшаяся из толпы обычных посетителей музея. Подойдя к творению великого испанца, она вдруг выхватила из-за пазухи тесак и с остервенением набросилась на картину. Ей удалось нанести семь ударов. Когда девушку арестовали, она заявила констеблю:

— Меня зовут Мэри Ричардсон. Я суфражистка, борец за права женщин. Вы можете купить еще одну картину, но ни за какие деньги вы не купите вторую Эммелин Панкхерст, если убьете ее в тюрьме.

Эммелин Панкхерст, о которой говорила Мэри, была главой движения суфражисток. Она сидела в это время в тюрьме Холлоуэй, где объявила голодовку. Во время следствия Мэри Ричардсон объясняла, как она, студентка, будущий искусствовед, решилась поднять руку на одну из самых знаменитых картин в европейской живописи:

— «Венера с зеркалом» стала предметом вожделения для мужчин. Эти сексисты пялятся на изображение прекраснейшей из женщин как на порнографическую открытку. Женщины всего мира благодарны мне за то, что я положила этому конец!

Англичане были потрясены. Покушение на шедевр, на который совсем недавно собирала деньги вся страна, совершил не сумасшедший, не религиозный фанатик, а девушка, да еще будущий искусствовед. И все это из-за каких-то там прав женщин! Статьи о происшедшем в Национальной галерее появились на первых полосах газет, и журналисты тут же прозвали Мэри Ричардсон по аналогии с легендарным убийцей Мэри-потрошительницей.

Мэри Ричардсон прожила долгую жизнь (она родилась в 1889-м, а умерла в 1961 году). До 1935 года она активно занималась политикой, делала и какие-то полезные дела, но англичане так и не простили ей покушение на национальное достояние — «Венеру с зеркалом» Веласкеса. Тем более что оно стало первой в длинном ряду атак на сокровища Англии.

Жертвами ярых суфражисток были картины, рисунки, скульптуры, украшавшие лучшие музеи страны, соборные витражи. Вождь и идеолог суфражизма Эммелин Панкхерст (1858-1928) заявляла:

— Мы не проливаем кровь, как террористы-мужчины. Мы знаем, что есть нечто, чем наше правительство дорожит больше, чем человеческой жизнью. Это — общественная собственность. Именно тут мы и разим врага.

В июле 1917 года Эммелин Панкхерст посетила Россию. Она встретилась с премьер-министром Александром Керенским, который закончил свой разговор с Эммелин, сказав, что английским женщинам нечему научить женщин России. Остановить вошедших в раж суфражисток смогла только Первая мировая война.

«Венеру» Веласкеса отреставрировали — работали лучшие мастера Соединенного Королевства. Через три месяца она снова вернулась на прежнее место в Галерее и вот уже несколько десятилетий после того страшного дня 1914 года по-прежнему дарит свою красоту посетителям музея, напоминая им о великом художнике Диего Веласкесе и о Золотом веке его родины — Испании.

Россинская Светлана Владимировна, гл. библиотекарь библиотеки «Фолиант» МБУК «Библиотеки Тольятти»; e-mail: rossinskiye@gmail.com

https://yandex.ru/turbo/augustnews.ru/s/tajna-venery-s-zerkalom-diego-vel

 

 

 

https://zen.yandex.ru/media/filmy/hudojnik-vinsent-gote-milovidnye-devus

 

Галерист в деле

7582 подписчика

Художник Винсент Готье - миловидные девушки и культура дорогого отдыха

2 дня назад

Времена великого Гэтсби давно миновали, но тяга к красивой жизни жива и 100 лет спустя.

Люди стремятся сохранить воспоминания о беззаботном отдыхе, делая бесконечные селфи и «заливая» в социальные сети тонны фотографий. Художники идут более сложным путём, фиксируя красками непередаваемый дух времени.

Детство маленького Винсента протекало на севере Франции, в Эльзасе. Там же он и родился в ноябре 1981-го года. Родители мальчика занимались гостиничным бизнесом.

 

Стены семейного отеля были сплошь увешаны цветочными натюрмортами, которые откровенно раздражали ребёнка.

Изо дня в день разглядывая аляповатые изображения цветов, он приходил в ужас от навеваемого чувства тоски и безысходности.

Юный критик неизменно делился с матерью своими негативными впечатлениями. Однажды женщина не выдержала и посоветовала не ругать чужие творения, а создать свои.

 

Сигнал был получен и воспринят. С того момента Винс занялся рисованием, ставшим впоследствии делом всей его жизни.

 

Какое-то время парень зарабатывал в агентстве рекламы, где плотно познакомился с техникой 3D и фотошопом.

Полученные навыки позже помогли ему в поиске индивидуального почерка, благодаря которому его творения сложно перепутать с чужими.

 

Картины Винсента представляют собой синтез американской графики в стиле пин-ап, иллюстраций из комиксов, кадров из кино, а также репортажных и любительских фотоснимков.

Детальная проработка необременённых смысловой нагрузкой сюжетов проистекает из феноменального искусства мастера наблюдать и подмечать неочевидные на первый взгляд мгновения происходящего.

Весь сумбурный коктейль образов воплощается на холсте с помощью акриловых красок.

По собственному признанию Готье его основной тематикой являются растаявшие пирожные и миловидные девушки.

Поп-культура дорогого отдыха, где никто никому ничего не должен, сквозит в каждом жесте и взгляде его персонажей.

Расслабленные мужские тела, едва прикрытые купальниками упругие девичьи формы, обилие солнечного света, искрящиеся водяные брызги, томные или игривые взгляды – всё выглядит маняще.

Недвусмысленные жесты персонажей, их намеренно вызывающие позы, полуоткрытые губы, зачастую наигранные улыбки несут явный скрытый подтекст.

Сладкой истомы в общий антураж добавляют изображения растекающихся от жары недоеденных кусков торта, ярких коктейлей и баночек с освежающими напитками.

Иногда автор откровенно смеётся над своими героями, добавляя гротесковых штрихов.

Сатира и намеренное преувеличение наводят на мысль, что сам Винсент не до конца разделяет и принимает декларируемое времяпрепровождение.

Его веселят люди, отдающие последние деньги ради нескольких дней элитных развлечений. Ему смешны стареющие ловеласы, возомнившие себя отчаянными казановами.

Наверное зрителю будет интересен тот факт, что художник никогда не пишет с натуры.

Всё, что выходит из-под кисти Готье, он целиком и полностью черпает из своих фантазий.

Однако реалистичность и жизненность демонстрируемых ситуаций вселяют уверенность, что всё это Винсент когда-то видел собственными глазами.

 

Что где почем

4897 подписчиков

Художник Алехандра Кабальеро-сплин и одиночество

20 сентября

Мы остаемся одни в этом мире , бог устал нас любить

(группа Сплин)

На картинах Алехандры Кабальеро время течет медленно и плавно как равнинная полноводная река , нет ничего лишнего и возбуждающего, здесь главные герои молчание и тишина . Только одинокая женская фигура стоящая во времени и пространстве( в которой каждый может узнать себя ) придает картине како то смысл .

 

 

 

Молодая Испанская художница Алехандра Кабальеро родилась в Мадриде в 1974 году, там же провела свои детские и юношеские годы. .После учебы в школе, поступила в Университет изобразительных искусств этого города, получила степень бакалавра искусств .

 

 

Такие спокойные, умиротворяющие картины, хочется сесть на велосипед, долго гнать его, остановится в глухих лугах, и ничего не рвать и не дарить, не нарушать эту божественную атмосферу, а просто полежать с любимой девушкой .

 

 

 

Открытые настежь окна и двери, открывают для зрителя множество реальностей, которые бросают человеку вызов .Человек безмолвно созерцает все это , но внешняя безмятежность не должна нас вводить в заблуждение, в душе у героини идет внутренний самоанализ .

Одинокий странник , переживший конец света ,хочет найти себе пристанище , что бы не умереть в одиночестве.

 

 

 

Кто то говорит, что коты найдут дорогу домой из любого уголка земли, а кто то утверждает, что по идее у них нету дома .

Излюбленная тема художницы ,это одинокая женская фигура, как правило с животным, на фоне окружающего ее мироздания , кто ты в этом мире и как найти там свое достойное место - наверно это главный лейтмотив всех ее работ .

 

 

 

Испанская художница Алехандра Кабальеро

https://zen.yandex.ru/media/id/5bb1f3d9d043b300ab11051f/hudojnik-aleh

 

Artifex.ru

9563 подписчика

Доминик Энгрttps://zen.yandex.ru/media/artifex/dominik-engr-5f47a3fdc73efb28a637adf1

27 августа

Доминик Энгр (Jean-Auguste-Dominique Ingres) – сложная и неоднозначная фигура в истории европейского академизма ХIX века. Его творчество делят на ряд этапов по стилю, а жизнь – по местам пребывания.

Энгр готовился стать профессиональным музыкантом, но увлекся живописью и посвятил ей всю жизнь. Его идеал был противоположен воззрениям Делакруа, а свой стиль он считал не новшеством, а следованием незыблемых доктрин. Но за этим стоит огромный труд и глубокие размышления, без которых невозможно представить его интересную жизнь и уникальное творчество.  

Юный Доминик шесть лет проучился в тулузской Академии живописи, скульптуры и архитектуры, а затем - в Высшей школе изящных искусств, где выбрал мастерскую Жака-Луи Давида, который являлся представителем неоклассицизма. В своих работах Энгр старался избегать революционных подтекстов, зато внимательно изучал анатомию, восхищался античным искусством, работами Рафаэля и Фидия. Казалось бы, у них с Давидом были схожие взгляды на творческий процесс, но постепенно мастер и ученик отдалялись друг от друга, между ними стали возникать конфликты.

Давид видел нечто новое в работах Энгра, причём это шло вразрез с его видением истинного искусства. Доминик же не мог довольствоваться бесконечной идеализацией красоты человека. Он хотел совместить его совершенство, которое веками воспевалось на картинах великого множества живописцев, с реальными деталями. Стало ясно, что художник идет своей собственной дорогой.

Уже в 1801 году творчество Энгра было одобрено на парижском Салоне, а в 1802 он был так высоко оценён Флаксманом, что это уязвило Давида и положило конец отношениям Доминика с учителем.

Сам Доминик Энгр называл себя историческим живописцем, но никак не портретистом. Последнее казалось ему «низкой» деятельностью, обращаться к которой можно лишь в целях быстрого заработка. Однако некоторые портреты, написанные художником, нельзя обойти вниманием. Так, в 1804 году он выполнил важнейший государственный заказ, и из-под его кисти вышла работа «Наполеон Бонапарт — первый консул».    

Мнения критиков об этом полотне расходятся до сих пор. В зависимости от того, чьи глаза смотрят на портрет, меняется и впечатление от него. Одни замечают в лице Наполеона удивительную решительность, напористость, уверенность в себе и своей блестящей судьбе. Другие же признают лишь красоту изображения и яркость цветовой палитры, но не видят в императоре должных важности, величия и значительности.

В 1840 году Энгр написал картину «Антиох и Стратоника» по сюжету Плутарха. Эта драматическая история трогала художника до глубины души: он не мог сдержать слёз, когда рассказывал её своим ученикам. Фигуры на полотне полны чистой красоты и вызывают у зрителя чувство жалости.    

Так кто же такой Доминик Энгр? Приверженец традиций или смелый новатор? Неоклассицист или академист? Непокорный ученик или сентиментальный учитель?

Согласимся с тем, что его творчество сочетало в себе множество разных качеств, взаимодействие и столкновения которых приводили к появлению ярких и значительных произведений искусства.

Творчество Энгра было по нраву жителям СССР, а потому в 1980 году даже выпустили специальную марку в честь двухсотлетия со дня рождения художника. На марке в 32 копейки изображён автопортрет неоклассициста, который он написал в возрасте двадцати четырёх лет.

Автор: Алиса Алейникова © Artifex.ru

 

Что где почем

4290 подписчиков

Художник Джейми Адамс :на лабутенах и в ослепительных штанах

2 дня назад

Американский художник Джейми Адамс родился в 1961 году город Питсбург штат Пенсильвания .Художник описывает себя так -в детстве я был непрекращающийся гиперактивный кошмар ходить и рисовать я начал одновременно это было заложено во мне на генетическом уровне это была естественная потребность как есть пить умываться . Любовь к искусству проявилась очень рано и с каждым годом становилась все сильней .

 

 

 

 

 

Источник изображения - сайт jamieadamsart.com

Сначала была местная средняя школа в пригороде Питсбурга а после нее университет Карнеги -Мелона там он в 1983 году получил диплом с отличием и степень бакалавра . В 2000 году получил диплом Пенсильванской Академии Изящных Искусств в Филадельфии . Получив прекрасное образование перед ним открылись широкие творческие горизонты и возможности Техника его письма приводит многих критиков в восторг . Его огромные фигуративные работы разрушают представление о нашей жизни Образы для своих героев он заимствует из кинематографа 50-70 х годов из старинных картин фотографий книг с рисунками .

 

 

Источник изображения - сайт jamieadamsart

 

 

 

 

В его работах можно заметить "вдохновенный беспорядок" возникающий во времени и пространстве необычное вульгарное расположение фигур ощущение отсутствие гравитации картины напоминают кадр из кинофильма время остановилось .

На его картинах холодные лишенные эмоций женщины они устали от жизни и покрыты легким налетом гламура они застыли в неподвижных позах в ожидании чего то

Глядя на его работы понимаешь что он знает классическую живопись его искусная техника удивляет зрителя и приводит в восторг у него масса почитателей его таланта во вех уголках света

 

 

 

 

Гламурный мир не дает человеку сохранить свою индивидуальность убивает в нем творческое начало загоняет его в скудный иллюзорный мирок и мешает жить человеку так как он хочет .Гламур работает только на себя и ничего не дает другому ..

 

 

 

Художник Джейми Адамс собственной персоной .

https://zen.yandex.ru/media/id/5bb1f3d9d043b300ab1...tanah-5f36cf818ce3223427b35c95

 

154

 

 

 

 

3

Вольный Художник

178 подписчиков

Лабиринты души испанского художника

1

 

Миры сюрреалистов загадочны и, казалось бы, непостижимы. Сюрреализм - это сны, подсознание, где обретают форму скорее не физические объекты, а чувства, эмоции, переживания. Именно поэтому одни из самых известных сюрреалистов - представители «эмоционально горячей» Испании. Испанцем был, например, сам Сальвадор Дали. Испанец и наш сегодняшний герой.

https://zen.yandex.ru/media/free_artist/labirinty-dushi-ispanskogo-hu

Одна из работ испанского художника Альберто Панкорбо

Альберто Панкорбо (Alberto Pancorbo) уроженец Сории (Испания). Родился 18 апреля 1956 года. Интересовался живописью ещё с раннего детства, а окончив среднюю школу уехал в столицу Испании, Барселону, чтобы получить полноценное классическое художественное образование, сочетающее в себе дисциплину и полное понимание средств живописи. Там же он познакомился с творчеством таких столпов живописи, как Сальвадор Дали, Диего Веласкес, Эль Греко, Боско. Они в первую очередь и оказали влияние на формирование его художественного стиля.

Обладая знаниями и необычайными способностями к рисованию, Панкорбо создал свой собственный оригинальный и индивидуальный стиль, выходящий за рамки академической традиции. Он сделал ставку на тщательность, внимание к деталям, вдохновляясь фантазией средневекового мастерства. Его нынешний стиль романтического реализма является результатом сочетания различных технических и творческих навыков.

Одна из работ испанского художника Альберто Панкорбо

В 26 лет он уже стал эксклюзивным художником галереи Sala Gaudi (Барселона), которая впервые выставила его картины на международной художественной ярмарке Basiela в Швейцарии. С этого и началась его выставочная деятельность в разных городах его родной Испании и за её пределами. Также Панкорбо начал принимать участие во множестве арт-форумов и конкурсов, получая награды и занимая призовые места.

В 1985 году он проводит первую собственную выставку в Мадриде, где получает награду «Художественное откровение года» от журнала Correo Del Arte de Madrid. Первая публикация с подробным описанием картин Панкорбо выходит в Барселоне в 1986 году, после чего он переезжает в свою новую резиденцию в Боготе (Колумбия), где также проводит многочисленные выставки. Кроме того он начинает выставляться в странах Латинской Америки, в Мексике, в Соединенных Штатах. Он успешно участвует во многих арт-ярмарках и аукционах, в том числе на всемирно известном Sotheby's (Нью-Йорк).

Испанский художник Альберто Панкорбо

Образы Панкорбо, как и его предшественники-сюрреалисты, причудливы, нелогичны, абсурдны, но вместе с тем они поэтичны и загадочны. У него талант сочетать фантазию с романтическим реализмом. Попадая в лабиринт фантазии и воображения Альберто Панкорбо, зритель сразу же попадает в удивительный мир символов, как древних, так и современных, которые присутствуют на каждой картине художника. Он погружает нас в квинтэссенцию сюрреализма с действительностью, где ярко проявляются традиционные, вечные ценности, забытые современным человеком в хаосе городской жизни. Таким образом, художник пытается путем трансформации воображаемых реальностей и приемов сюрреализма дотянуться до современников и напомнить об истинных чувствах.

В 1994 году выходит книга Панкорбо «Лабиринты души», в которую вошли большие подборки его картин. Книга представлена ​​в нескольких издательствах реалистического искусства, а также в других, не менее известных. Его работы выставлены в различных частных и государственных коллекциях Америки и Европы.

Некоторые из работ испанского художника Альберто Панкорбо

Большую часть творчества художник посвятил женщинам - чувственным, нежным и красивым, проникнутым самой сущностью женской красоты.

Удивительная фантазия Альберто Панкорбо, как мечта или романтическая мечта, глубоко тронет зрителя и погрузить в чудесный мир красоты и гармонии, в мире, наполненном символами и аллегориями, намеками и мощными посланиями.

Некоторые из работ испанского художника Альберто Панкорбо

Есть у художника и серия чувственных картин в стиле «эмоционального реализма», перемежающихся нотками суры и приправленных тонким романтическим лиризмом. Это удивительные произведения, вызывающие у зрителя чувство восхищения и эмоционального наслаждения.

В 1998 году Панкорбо переехал в Майами, где он живет и выставляется и сейчас.

____________________

Ставьте лайки, делитесь с друзьями, подписывайтесь на мой канал, чтобы помочь развитию канала и регулярно получать ещё больше интересных статей о российских и зарубежных художниках и художницах, известных и не очень :)))

Советское ню. Обнаженная натура в картинах советских художников

https://zen.yandex.ru/media/haydamak/sovetskoe-niu...hudojnikov-5ee1f49821cb502f8c1

 

 

 

Это кто это там говорил о том, что секса в СССР не было? Секс-то, оказывается, был!

За что я люблю советское искусство, так это за честность женских форм.

А.Гончаров "Лежащая обнаженная с тюльпанами". 1954
 

Не было этого лицемерия и никому не нужного самоистязания, направленного на уничтожение самого прекрасного, что есть в женщине - ее пышущего здоровья.

В.Стожаров "Баня. Стирающая женщина". 1960
 

Я этот типаж здоровых, сильных, сочных раскрепощенных баб-строителей коммунизма называю "дейнековскими" - по имени Сан Саныча Дейнеки, одного из лучших их изобразителей.

А.Дейнека "Лежащая с мячом". 1953
 

(Тут - ссылка на Дейнеку).

Не было этих тухлых загонов, что где-то что-то надо брить - наши бабушки ничего не брили, и пользовались при этом, замечу, самым что ни на есть успехом у наших дедушек.

Б.Шолохов "Баня". 1950
 

Не было фотомодельных загонов к ретуши, делающей из живых девушек неживое пластиковое пугало.
Любая живая деталь подчеркивалась с любовью.
Характерные груди, с синими венками под кожей, никогда не видевшие прямого солнечного света.

Р.Подобедов "Молодая натурщица". 1960
 

Характерная худоба с выступающим округлым животиком - круглая как чаша девичий живот - называл это красоту царь Соломон, мудрый ценитель женской красоты.

С.Урусевский "Обнаженная модель". 1960
 

Сперва роскошные бабы запечатлевались как натурщицы, из-за безнаказанного доступа к которым многие в художники и шли.

В.Холуев "Обнаженная". 1962
 

Г.Трошкин "Обнаженная". 1960
 

Да-да, знаю, "ла-ла-ла, натурщица не есть эротизм, ла-ла-ла, это искусство, ла-ла-ла, это только красота человеческого тела и никаких низменных влечений, ла-ла-ла...".

Л.Астафьев "Утро". 1959
 

Лучше самой натурщицы об этом никто не скажет:

Сегодня студенты завели такой умный-умный разговор о современном искусстве - какое оно плохое и как прекрасна классика и как люди отдают миллионы за безумное фиглярство раскрученных недоучек и не ценят прекрасное.
Ну, короче, разговор такой умный, только я такие разговоры не люблю, потому что они предсказуемы на километр вперёд и никто ничего нового не говорит. Поэтому я стою такая и умно молчу - типа я такая всё знаю. Ну или наоборот типа я ничего не знаю.

Потом умный разговор как-то перекинулся на натурщиц, и все такие говорят: о, да, ну это же искусство, обнажённая натура - это круто и хорошо, никакого секса и никакого эротизма, одно только искусство и полный ништяк.
И у всех такие лица серьёзные, а мне смешно, я и говорю так невинно: "А тогда вопрос к каждому лично: вот у тебя есть девушка и она захотела прийти вот сюда и перед всеми обнажённой позировать - вы как, на это согласитесь?"

Ой, как они подскочили! Как хором закричали: "Нет!".
"Так это же, говорю, искусство, тогда в чём дело?".
Сконфуженная пауза, все чешут в затылке и говорят - мол, эээээээ..... не знаю, объяснить не могу, но не соглашусь ни за что.

Так прикольно, что они сами себе в этом не признаются и для себя не могут объяснить.
На самом деле если художника не волнует модель - то он вообще не художник. Равнодушный человек не имеет право быть художником и его надо гнать из художников тряпками.
Как говорил товарищ Ренуар, что картину он считает законченной только тогда, когда он смотрит на изображённую на ней девушку и хочет ущипнуть её за мягкое.
Ну и вот, не хотят они, чтобы другие мужчины испытывали волнение, глядя на их девушку. А сами себе в этом не признаются.

А.Суханов "В мастерской". 1967
 

Из мастерских обнаженная натура переместилась в быт - характерные занавески, тайга заснеженная за окном, запах дерева и времянок, военных городков.
Тесанные табуретки, синий эмалированный тазик, запах хозяйственного мыла.

Ю.Пименов "Зимний день". 1955
 

Чтение в обнаженном виде - не иначе посреди коммуналки.

Г.Гордон "Девушка с книгой". 1960
 

Характерные прически того времени - днем машинисткой в проектном институте работает, по вечерам позирует местному богемному мэтру во всей пышной красе.

М.Самсонов "Обнаженная". 1962
 

Как раз началась мания гидролить волосы.

В.Лаповок "Спящая". 1968
 

Фантазия понеслась дальше - понеслись сюжеты обнаженки на природе, складывающие образ того, что обнажение в СССР вообще нормальное, массовое дело.

А.Сухоруких "Полуденное солнце". 1958
 

Ну а чего - раздеться на пленэре, обычное ж дело, господи ты боже. Никаких трясунов по кустам.

М.Толоконникова "На этюдах". 1969
 

Приехала в Крым (скорее всего это там - больно уж цвета характерные. Где-нибудь рядом с Балаклавой). Разделась. Отдых.

В.Чаус "Отдых". 1967
 

Пошли смелые и неожиданные сюжеты.
Массовое купание - кто скромно заворачивается в полотно, кто смело в неглиже.

Н.Чернышев "Купание на озере". 1958
 

Рыжая-бесстыжая, с означенным из под полотенца темным треугольником.

А.Сухоруких "Весеннее утро". 1962
 

Картина "Пловчихи" - только я вижу среди пловчих мужика в стрингах?
И что вообще мужик в стрингах делает в 50-м году?

Т.Еремина "Пловчихи". 1950
 

На пляже. Много ли в то время было пляжей топлесс?

А.Самохвалов "На пляже". 1964
 

А это сюжет вообще огонь - девки заловили в кустах подглядывающего трясуна и айда стегать его крапивой.

А.Тарасенко "Наказание". 1967
 

Интересно какие у многих фигуры, белье и лица, свойственные скорее канонам сексуальности нашего времени, нежели середины 20-го века.

Н.Сергеева "Доброе утро". 1950
 

А за картину "Сестры" мэтр мог бы в наше время и присесть, и замучаешься доказывать неверблюдство.

Е.Антонов "Банька в деревне Титово. Сёстры". 1966
 

Надежда Толоконникова, Пусси Райот.

В.Скрябин "Обнаженная". 1964
 

Сибирячка Янка Дягилева.

А.Капарушкин "Сибирячка". 1967
 

В среде людей, не обделенных искусством, раз состоялся спор - насколько уместна вообще обнаженная натура, особенно запечатленная в бытовых ситуациях. Какой она несет посыл?

Ф.Самусев "После бани". 1960
 

Главный аргумент против был таков, что это покушение на интимность - "я вижу свою жену утром, растрепанную, заспанную, нежащуюся в постели. И мне не хочется делить эту интимность с кем-либо, она тогда перестанет быть интимностью".

И.Глазунов "Утро". 1956
 

Главный аргумент за был таков - мы все рождаемся счастливыми. У нас у всех в любой момент жизни есть абсолютно все, чтобы быть счастливым.
Потом мы взрослеем, учимся врать себе, считать других людей более сведущими в нашей собственной жизни.
Начинаем скорбеть о том, чего у нас нет (даже если оно нам не надо), не замечая того, что у нас есть.

Проснувшись в раздражении - не заметить лежащей рядом теплой жены, ее восхитительные округлости, ее вкусный запах. Не поцеловать, не погладить, не ущипнуть, не зарыться в волосы.
Встать, не глядя и уйти на работу, потом в усталости вернуться - и вновь ее, текущую соками, не заметить.

Ю.Ракша "Сон". 1969
 

Одно из самого главного в живописи - обратить внимание на волшебство обыденности. На то, что жизнь уже давно началась, и у нее, в отличие от художеств, нет ни черновиков, ни набросков.

https://zen.yandex.ru/media/haydamak/sovetskoe-niu...nikov-5ee1f49821cb502f8c1ae609

А.Гончаров "Обнаженная сидящая". 1952
 

Обратить внимание, что в жизни не всегда есть возможность "сделать лучше" - мнимый перфекционизм это не забота о качестве, это продукт собственной гордыни - быть лучше всех, быть отделенным от всех.
Обратить внимание на то, что в жизни очень много "надо", и ни одного "хочется".
И на то, что самое лучшее время - это сейчас.

Н.Еременко "На песке". 1950
 

Может быть, пойдя в картинную галерею увидеть там роскошное живое тело, восхититься им, а потом вспомнить, прозрев, что именно это и есть счастье - быть с таким телом рядом, чувствовать его, вдыхать его, пить его, входить в него и наслаждаться им.

Вы счастливы?

Р.Подобедов "Сидящая натурщица". 1958
 

 

 

313

 

 

 

 

24

 

Дейнека - самый возбуждающий советский художник

 

Александр Александрович Дейнека, известнейший советский художник и скульптор, один из самых великолепных певцов красоты здорового тела.

 

Невозможно не восстать духом и членами, зря эту совершенно животную мощь.

 

Столь мастерски выраженную мастером.

 

Дейнека хорош до крайней провокативности.

 

Но везде держит грань.

 

Мир Дейнеки - мир молодых, которым везде у нас дорога.

 

На чем же еще строить коммунизм, который есть молодость мира.

 

Все эти курорты, фертильность, щедрость форм.

 

Дерзкая, упоительная сила.

 

Красота вне гламура, картинности, вымученности.

 

Смотришь - и хочется на целину, в космос, на завод - да хоть куда.

 

Лишь бы с этими прекрасными животными рядом.

 

Это тебе не худосочные селедки.

 

И не рахитичные юноши.

 

Мир сейчас застрял, мне кажется, в чем-то старом и душно консервативном. Что-то закупорилось.

 

Но это, убежден, ненадолго.

 

Сдержать ницщеанского сверхчеловека трудно.

 

Скоро, мне кажется, рванет.

 

 

А пока буду смотреть картины Сан Саныча.

 

 

 

И наслаждаться.

 

https://zen.yandex.ru/media/haydamak/deineka-samyi...ojnik-5f399cc89c3ef8573a5b16d6