Борис Березовский родился в самом центре Москвы, на Арбате, в музыкальной семье. Учился в специальной музыкальной школе имени Гнесиных у Ирины Радзевич и Измаила Альтермана. В 1986 г. поступил и в 1990 г. окончил Московскую консерваторию по классу фортепиано у Элисо Вирсаладзе. Правда, без диплома, который не получил из-за участия в конкурсе им. Чайковского, совпавшего по времени с выпускными экзаменами. В 1988 г. Борис Березовский с большим успехом дебютировал в Лондоне в Вигмор-холле. В 1989 г. состоялось его первое выступление во Франции, в Париже — в концертном зале Лувра. В 1990 г. завоевал Первую премию (Золотую медаль) на IX Международном конкурсе имени П. И. Чайковского. Уже после победы на конкурсе Чайковского брал частные уроки у Александра Саца, который помог найти свой стиль, раскрыл молодому пианисту творчество Николая Метнера и «очень многое в новой музыке». В 1991 г. уехал за границу. Долгое время жил в Лондоне, затем — в Брюсселе. Женат. Трое детей: двое дочерей и сын. Старшая дочь Эвелина Березовская — пианистка.  Один из наиболее известных и востребованных исполнителей на Западе, регулярно выступающий и в России. Борис Березовский — пианист редкого сценического обаяния. Игра Березовского отличается невероятной техникой и глубоким звуком, изумительной «летучестью» и потрясающе красивым пиано. «Бесспорно, мы имеем истинного последователя великой русской фортепианной школы», — такова оценка влиятельного журнала Gramophone. Играет с лучшими музыкальными коллективами мира. 

Википедия.

Ф.Шопен. Революционный этюд.

«Уносит вечность всех под мрачный свод гробов,
Но непорочных душ и мысли и стремленья
Выбрасывает вал сурового забвенья
На берег бытия, как зерна жемчугов».
К.М. Фофанов

Кто из русских композиторов, надев ордена и медали, может встать в один ряд с героями Отечественной войны 1812 года? И есть ли среди них такие, чей всего один «музыкальный шедевр», принес мировую славу? И, наконец, найдем ли мы судьбу более драматичную чем у него: со взлетами и падениями, предательством и унижениями? Какой еще российский композитор прошел через гражданскую казнь, был объявлен государственным преступником, отбыл долгие годы ссылки?

Ответ один: это Александр Александрович Алябьев
БИОГРАФИЯ


 

Имя Александра Александровича Алябьева (15 августа 1787 - 22 февраля 1851) в основном знакомо широкому кругу любителей музыки благодаря романсу "Соловей" - замечательному образцу русского городского романса эпохи романтизма. Романсы, песни, фортепианные танцевальные пьесы Алябьева издавались и были популярны еще при его жизни. Алябьев создал шесть опер, балет, музыку к театральным пьесам, увертюры, симфонии, камерные ансамбли (квартеты, трио и др.), произведения для хора, пьесы для фортепиано и более 160 романсов. Судьба этого богатого наследия сложилась драматично - большая часть его произведений так и осталась в рукописях, многие из которых не окончены или утеряны. Менее всего известны его инструментальные сочинения, до настоящего времени они исполняются и издаются крайне редко. Остается лишь надеяться, что эта незаслуженно забытая часть творческого наследия композитора откроется музыкантам и слушателям и станет столь же любимой, как и широко известные романсы.
 

РОМАНСЫ

Цветок
(А. Пушкин)
исп.К.Сербина



Вечерний звон
(Т.Мур/И.Козлов)
исп.Л.Иванова



Вечерком румяну зорю
(Н.Николаев)
исп.Н. Герасимова



Два ворона
(А.Пушкин)
исп.А. Ведерников



Дедушка
(А.Дельвиг)
исп.А.Ведерников



Если жизнь тебя обманет
(А.Пушкин)
исп. А.Ведерников



Зимняя дорога
(А.Пушкин)
исп.С.Шапошников



И я выйду ль на крылечко
(А.Дельвиг)
исп.Н. Герасимова



Иртыш
(И.Веттер)
исп.А.Ведерников



Кольцо души-девицы
(В.Жуковский)
исп.В. Лебедь



Не задумывайся, мой друг
(Н.Путилов)
исп.К.Изотова



Нищая
(П.Беранже/Д.Ленский)
исп. А. Ведерников



Одинок месяц плыл (
А.Дельвиг)
исп.Т. Антипова и А. Яковенко



Певец
(А.Пушкин)
исп.Н. Герасимова



Песнь бедняка
(В.Жуковский)
исп.А.Ведерников



Предчувствие
(А.Пушкин)
исп.А.Покровский



Сижу на берегу потока (Д.Давыдов)
исп.А.Ведерников



Скажите мне, зачем пылают розы
(А.Бестужев-Марлинский)
исп. Ж.Рождественская



Слеза
(А.Пушкин)
исп.А.Ведерников



Собрались мы к боярину
(С.Стромилов)
исп.А.Ведерников



Совет
(В.Алябьев)
исп. С.Шапошников



Уединение
(В.Максимович)
исп.А.Ведерников



Узник
(А.Пушкин)
исп.А.Ведерников



Уныние
(А.Глебов)
исп.А.Ведерников



Черкесская песня
(А.Пушкин)
исп.А.Ведерников



Что поёшь, краса-девица (В.Домонтович)
исп. Е.Гороховская



Я Вас любил
(А.Пушкин)
исп. Г.Отс



Я жизнь любил (?)
исп.С.Шапошников



Я люблю тебя, дева милая
(В.Бенедиктов)
исп.А.Ведерников

Квартеты А.Алябьева

Первый и Третий квартеты написаны соответственно в 1815 и в 1825 году. Они относятся к раннему периоду творчества А. Алябьева и целиком соответствуют принципам классицизма. В них используется типичная четырехчастная структура цикла: подвижное сонатное allegro, медленная часть, менуэт и быстрый финал (в третьем квартете иной вариант: менуэт предшествует медленной части). Правда, алябьевский классицизм - поздний, времен Бетховена и Россини. Это особенно хорошо слышно в менуэтах, которые обретают стремительность и подчеркнутую энергичность.
Отметим некоторые особенности: в первом квартете финал открывается медленным вступлением трагического характера, которое создает резкий контраст бодрому, мажорному настрою финала и всего квартета; в третьем квартете аналогичную роль скорбного лирического высказывания берет на себя медленная третья часть - вариации на собственную, алябьевскую тему Соловья. Автор так и обозначил часть: Adagio на тему русской песни Соловей - дело в том, что русскими песнями в эпоху Алябьева назывались не только собственно народные песни, но и романсы, сочиненные композиторами в фольклорном духе.
Квартеты Алябьева - одни из первых примеров квартетного жанра в русской музыке. По глубине и мастерству они приближаются к квартетному письму Бетховена или Шуберта. В них мы видим талантливое и самобытное преломление русским композитором традиций европейской классики.

Квартет №1, для двух скрипок, альта и виолончели, ми - бемоль мажор
(Запись 1950 года)Квартет имени Бетховена
Allegro con spirito


Adagio


Менуэт. Allegro


Финал. Andante sostenuto. Allegro vivace





Квартет №3, для двух скрипок, альта и виолончели, соль мажор,
(Запись 1948 года)Квартет имени Бетховена
Allegro


Менуэт. Allegro


Adagio (на тему русской песни «Соловей»)


Финал. Allegro

Моравская Мария Магдалина Франческа Людвиговна родилась в 1889 году

«Белая ночь»

Самые близкие зданья
Стали туманно-дальними,
Самые чёткие башни
Стали облачно-хрупкими.
И самым чёрным камням
Великая милость дарована —
Быть просветлённо-синими,
Легко сливаться с небом.
Там, на том берегу,
Дома, соборы, завод,
Или ряд фиалковых гор?
Правда? — лиловые горы
С налётом малиново-сизым,
С вершинами странно-щербатыми,
Неведомый край стерегут.
Нева, расширённая мглою,
Стала огромным морем.
Великое невское море
Вне граней и вне государств,
Малиново-сизое море,
Дымное, бледное, сонное,

Возникшее чудом недолгим
В белую ночь.
Воздушные тонкие башенки
Чудного восточного храма,
И узкие башни-мечети
И звёздные купола.
Таинственный северный замок
И старая серая крепость,
И шпиль, улетающий в небо
Розоватой тонкой стрелой.
У серых приречных ступеней,
Вечно, вечно сырых,
Нежнее суровые сфинксы
Из дальней, безводной пустыни.
Им, старым, уже не грустно
Стоять на чужой земле,
Их, старых, баюкает бережно
Радужно-сизый туман.

1916

«Времена года» по замыслу директора императорских театров Всеволожского должен был стать спектаклем в духе французских придворных балетов XVI—XVII веков. Либретто балета тщательно разработал знаменитый постановщик М. Петипа (1818—1910), лучший русский балетмейстер, к тому времени проработавший на петербургской сцене более шестидесяти лет. В сценарии нет последовательного сюжета, как нет и связанного драматического действия. Этот балет — своего рода сюита танцев. Однако у композитора родилась своя концепция произведения — его «захватила мысль, столь близкая его таланту и столь естественная для младшего соратника Чайковского, Римского-Корсакова, Бородина, — мысль воплотить в музыкально-хореографическом представлении один из любимых мифов человечества: миф о вечном воскрешении природы от зимнего сна, о животворящей силе солнца». Не случайно после одной из репетиций будущего спектакля побывавший на ней Римский-Корсаков сказал: «Вот одна из лучших в русской музыке зим».
Премьера балета состоялась в Петербурге, в Эрмитажном театре 7 (20) февраля 1900 года. На сцене Мариинского театра балет был показан 13 февраля.

Джованни Легренци (итал. Giovanni Legrenzi; 1626 год, Клузоне, республика Венеция — 27 мая 1690 года, Венеция, республика Венеция) — итальянский композитор и органист, сыгравший важную роль в развитии стиля барокко в музыке на севере Италии.

Джованни Легренци родился в августе 1626 года в Клузоне, недалеко от Бергамо, в республике Венеция в семье скрипача Джованни Марии Легренци и Анджелы Рицци. Начальное музыкальное образование получил у отца. С 1639 по 1643 год обучался в Академии мариан в Бергамо, где его учителем был Джованни Баттиста Кривелли.

 30 августа 1645 года был принят на место органиста в церковь Санта Мария Маджоре в Бергамо. Здесь познакомился с Маурицио Каццати. В 1651 году был рукоположен в сан священника, а в мае того же года избран в капелланы хора церкви, где служил органистом до 30 декабря 1654 года, когда был уволен по неизвестной причине, но восстановлен 23 февраля 1655 года.

  Пятая симфонии Глазунова принадлежат к ярчайшим и наиболее широко известным образцам симфонизма композитора. Она выделяется глубоко-оптимистическим строем, музыка симфонии пронизана радостью жизни, праздничностью, жанрово-танцевальной характерностью.

Глазунов редкостный гармонист по изобретательности и новизне гармонии, не впадающей, однако, никогда в вычурную изысканность, а как знаток оркестра, он - достойный преемник Римского-Корсакова. Но его оркестр в ином роде: он больше любит густые краски, чем тонкие штрихи. Оркестровый стиль Глазунова отличается богатством полифонии. Но при всей ее нередкой сложности оркестровая ткань не теряет ясной пластики своих узоров.

Композитор Валерий Александрович Гаврилин (1939—1999) известен как музыкант жанровых произведений, стилизованных в народном духе, его эстетике характерны русские народные черты, однако это не внешняя лубочность, а стремление к конкретным живым народным образам, существовавшим в контексте своего времени. Композитору принадлежат такие слова: «Мечтаю своей музыкой добраться до каждой человеческой души. Меня постоянно свербит боль: поймут ли?»
Совершенно неожиданным стало для В. Гаврилина обращение к балету. Он не ощущал себя композитором балетов, но это усмотрел режиссер Александр Аркадьевич Белинский в фортепианных пьесах Гаврилина. Дело кончилось тем, что режиссер взялся серьезно за работу с композитором, в результате чего в 1982 году родился балет «Анюта» на сюжет рассказа А. Чехова «Анна на шее»
Так возникло творческое содружество композитора и режиссера: один сочинял музыку, другой снимал по ней фильмы-балеты.
Последней их совместной работой стал фильм-балет «Женитьба Бальзаминова» по трилогии выдающегося русского драматурга 19 века А. Н. Островского — фильм 1989 года. Причем работа над музыкой и фильмом шла одновременно. В марте 1989 г. композитор закончил партитуру балета «Женитьба Бальзаминова», который уже нашел свое киновоплощение в фильме А. Белинского.
Однако балет существует не только в кинофильме, но и сам по себе как театральный спектакль.
Первое его театральное воплощение прошло в 1990 г. в Новосибирске, Новосибирский театр оперы и балета , где его поставил главный балетмейстер Новосибирского театра хореограф Вадим Бударин по собственной сценарной разработке .
Затем появились представления и на других сценах. Вадим Бударин повторил балет в Чувашском театре оперы и балета. Премьера спектакля состоялась 11 марта 1992 года, а в 2008 году спектакль был восстановлен.

Киностудия "Ленфильм", 1989 г. Фильм-балет по мотивам трилогии А. Н. Островского
Автор сценария и режиссёр-постановщик — Александр Белинский
Композитор — Валерий Гаврилин
Симфонический оркестр Ленинградского театра оперы и балета им. С. М. Кирова
Дирижёр — Виктор Федотов
Оператор: Эдуард Розовский, художник: Наталья Васильева.
Хореограф: Олег Тимуршин.
В ролях: Бальзаминов — Дмитрий Симкин (для артиста эта роль стала первой крупной в кинематографе, открыв ему путь в мировые звезды балета), Сваха — Татьяна Квасова, Белотелова — Екатерина Муравьева, Капа — Елена Алексеева, Устя — Маргарита Куллик, Неуедёнов — Николай Ковмир, Жених Капы — Игорь Соловьёв, Жених Усти — Игорь Морозов, Гусар — Александр Макаров, Генерал — Анатолий Гридин, Девушка — Алла Дмитриева.

Сюжет построен на трех пьесах А. Н. Островского о молодом человеке Мише Бальзаминове: «Праздничный сон до обеда» (1857 г.), «Свои собаки грызутся, чужая не приставай!» (1861 г.), «Женитьба Бальзаминова (За чем пойдешь, то и найдёшь)» (1861 г.).

В июне 1876 года Гюстав Флобер писал своему другу, русскому писателю Тургеневу: "Бедная, дорогая, великая женщина! Я ревел белугой на ее похоронах". Флобер как раз возвращался из Ноана, где присутствовал при погребении посреди парка, у самого кладбища той, которую он, как и все завсегдатаи Ноана и вся Франция называл Жорж: Авроры Дюпен Франкей, баронессы Дюдеван, благодаря своему перу ставшей Жорж Санд.

                     
Она умирает 8 июня в своей прелестной голубой спальне, отремонтированной всего несколько месяцев назад: "Я покрыла пол нежно голубым ковром с белыми медальонами с танцующими мифологическими персонажами. Мне кажется, что бледные тона и старомодные сюжеты хорошо подходят к общей атмосфере и что именно здесь меня будут посещать нежные и красивые идеи", - пишет она в то время. Отныне эта красивая спальня пуста, и навсегда останется пустовать.далее

Славный подвиг героини французского народа Иоанны (Жанны) д’Арк, как сюжет для оперы, заинтересовал Чайковского в 1878 году. Такой интерес возник не случайно.
Романтическая драма Шиллера «Орлеанская дева», впервые с огромным успехом поставленная в Лейпциге в 1831 году, пользовалась, благодаря переводу Жуковского  большой популярностью в прогрессивных кругах России. Популярность эта еще более возросла в годы общественного подъема 70-х—80-х годов. Но пьеса Шиллера была в то время запрещена к сценическому представлению. Тем не менее великая русская трагическая актриса М. Н. Ермолова нередко читала на вечерах, устраиваемых студенческой молодежью, монологи из «Орлеанской девы». Образ девушки-героини, беззаветно проникнутой идеей освобождения родины, воспламенял сердца демократической аудитории.
Народно-патриотическое содержание трагедии прежде всего привлекло к ней внимание композитора: крестьяне и рыцари Франции, одушевленные личной отвагой и пламенным призывом крестьянской девушки, побеждают англичан в так называемой Столетней войне. Решающая битва произошла у Орлеана; отсюда название Жанны — Орлеанская дева. Оклеветанная, она по приговору католического суда предается сожжению на костре.
Образ Жанны (Иоанны) д'Арк, национальной героини Франции, привлекал внимание многих на протяжении ряда столетий. Не одно поколение историков стремилось внести свой вклад в дело изучения феномена простой крестьянки, сумевшей подчинить себе королевскую власть и выступившей для спасения Франции. Известны самые разноречивые оценки этого загадочного явления. Уже среди ее современников раздавались насмешливые голоса, и при изначальном преклонении перед ней народных масс в этих же массах ее считали колдуньей, а в высших слоях — обманщицей и обманутой.
«Орлеанская дева» — одно из самых величественных оперных творений П.И.Чайковского. В ней много монументальных хоровых сцен и развернутых ансамблей и вместе с тем выразительных лирико-психологических эпизодов.

Кавати́на (итал. cavatina, уменьшительное от итал. cavata) — небольшая лирическая оперная ария. Произошла от каваты. С конца XVIII века часто - выходная ария в опере (каватина Фигаро в опере «Севильский цирюльник», каватины Князя, Алеко). Небольшая и несложная песенная форма в небыстром темпе в духе арии с одной нежной темой. В XIX—XX вв. наряду с виртуозной (каватина Розины и др.) распространена каватина созерцательного плана в умеренно-медленном темпе, с песенной мелодикой (две каватины в оратории «Времена года» Й. Гайдна; каватины Агаты, Антониды; каватина Невесты в симфонии-кантате «На поле Куликовом» Шапорина; каватина Тома в опере «Похождения повесы» Стравинского). Некоторые каватины являются развёрнутыми ариями (каватины Людмилы, Кончаковны, Владимира Игоревича). Каватинами иногда называют певучие инструментальные пьесы.

Rossini The Barber of Seville - Rosina's Cavatina

Данный материал авторская работа сайта Ромео и Джульета:http://www.romeo-juliet-club.ru/lovemuseum/francesca.html

"Коль, госпожа, в твоих руках умру я,

То радуюсь: я не хочу иметь

Достойней чести, нежель умереть,

Склонясь к тебе в минуту поцелуя."

Пьер де Ронсар (Pierre de Ronsard, 1524-1585),

"Первая книга любви", 1552, перевод С. Шервинского 

Паоло Малатеста и Франческа да Римини - трагическая пара влюблённых из итальянского города Римини - по силе романтического очарования, по своей популярности у серьёзных исследователей, у любителей легенд и у искателей вдохновения, по числу и многообразию созданных им во славу произведений искусства, могут, вероятно, соперничать с прославленным Шекспиром образом трагической любви - Ромео и Джульеттой из Вероны. Впрочем, Паоло и Франческе повезло не меньше в отношении масштаба творческой личности, давшей крылья их истории и возвысившей их имена до значения символа.

~ * ~ * ~ * ~

В истории развития мировой культуры существует важный этап, который характеризуется небывалым расцветом литературы и художественного творчества. Это Ренессанс (Renaissance), эпоха Возрождения, когда на смену средневековому аскетизму и презрению ко всему мирскому пришёл ненасытный интерес к настоящему миру с величием и красотой природы, а главное, появилось неудержимое желание познать сущность человека.

В этот период считалось, что искусство, которое в былые времена процветало в античном мире, обретает своё возрождение. Родиной Ренессанса стала Италия, а его центром - прекрасная Флоренция (Firenze), подарившая миру великие имена зодчих, литераторов, художников и скульпторов.

Одним из первых поэтов, чьё творчество обозначило начало эпохи литературного Возрождения, по праву считается итальянский поэт, флорентиец  Данте Алигьери (Dante, Durante degli Alighieri, 1265-1321), открывший для нас историю любви Паоло и Франчески, их трагическую гибель и вечные мучения в адовом вихре влюблённых…

"Я там, где свет немотствует всегда

И словно воет глубина морская,

Когда двух вихрей злобствует вражда.

То адский ветер, отдыха не зная,

Мчит сонмы душ среди окрестной мглы

И мучит их, крутя и истязая."

Данте, "Божественная комедия". Перевод М. Лозинского

~ * ~ * ~ * ~

Паоло и Франческа. Легенда

В давние времена в солнечной Италии, в дельте реки По на морском побережье вырос город Равенна (Ravenna), окружённый монолитными крепостными стенами, разделённый вдоль и поперёк короткими улочками и повсюду украшенный причудливыми мозаиками. Минули века, и воды Адриатики отступили от древнего римского порта на много километров, потеснённые наносимыми рекой песками и илом. Равенна перестала быть морской гаванью, но обрёла славу города мозаик и древних базилик.

Сопрано

Знаете ли вы сказку о Снегурочке? Ее написал русский драматург А. Н. Островский, а композитор Н. А. Римский-Корсаков создал на ее основе оперу. Партию Снегурочки - хрупкой, нежной дочери Мороза и Весны, он поручил высокому, светлому и серебристому, словно колокольчик, голосу - колоратурному сопрано. Колоратурное сопрано - самый высокий и подвижный женский голос. Колоратурным он называется потому, что легко исполняет разные вокальные украшения - колоратуры. Тонкий орнамент мелодии чудесно передает сказочный образ. Колоратуры в партии Снегурочки ассоциируются с пением птиц - спутниц весны, с веселой мартовской капелью, с журчанием веселых ручейков. Для колоратурного сопрано написано много разных партий. Раньше композиторов привлекали в нем блеск и виртуозность, возможность исполнять блестящие пассажи. Потом, в XIX веке, стали обращать больше внимания на выразительность пения. Характер звучания колоратурного сопрано позволяет создавать шаловливые, своенравные образы, такие как Людмила в «Руслане и Людмиле» Глинки, Церлина в «Дон-Жуане» Моцарта. Часто колоратурному сопрано поручают партии сказочных персонажей - Царевны-лебеди в «Сказке о царе Салтане» Римского-Корсакова. Шемаханской царицы в его же «Золотом петушке». Иногда большим количеством колоратурных украшений композитор хочет приблизить звучание голоса к тембру инструмента, подчеркнуть его холодный блеск.

Испанская тоска пронизанного восточными интонациями канте хондо, глубинного пения, магия «древнего искусства сжигания темного», огненного фламенко, самая читаемая после Библии книга, «Дон Кихот» Сервантеса, пьесы Лопе де Веги, стихи Лорки… Три столетия взаимного узнавания, напрямую или при посредстве других культур, оставили глубокий след даже в языке. От Сервантеса нам досталось «донкихотство», а из истории о доне Хуане, пересказанной Моцартом, Байроном, Пушкиным, Рихардом Штраусом – «донжуанство». И это только два заимствования, отражающих наши родимые реалии. Испанский словник, осевший в русском языке весьма обширен.

Испанцы же высоко оценили «русский взгляд» на свою культуру. В 1922-м Федерико Гарсиа Лорка и Мануэль де Фалья хлопотали об установке в Гранаде памятной таблички в честь автора «Арагонской хоты», «дона Мигеля» Глинки. «Испанское каприччио» Римского-Корсакова, который никогда не был в Испании, испанцы считают едва ли не национальной музыкой. Экранизацию «Дон Кихота» Григория Козинцева жители Пиренейского полуострова признали «самой испанской». Связям и отражениям несть числа.

Пожалуй, одна из важнейших культур-посредников между нами и испанцами – французская. Французы, как и мы, были заворожены Испанией не одно столетие. Что может быть более испанского, чем «Кармен» Бизе и «Болеро» Равеля? В этом концерте об Испании рассказывают французы Шабрие и Равель и испанец де Фалья.

Доменико Чимароза.

Удивительна история композитора неаполитанца. С Венецией его связывает только то, что он там внезапно умирает. Но история отнесла его к венецианцам.
А еще - это первый известный композитор, оставивший свое имя в истории в России. Хотя до него в России был успешен и пребывал в фаворе композитор венецианец Галуппи.
18 век принес много нового в жизнь человека. Это, прежде всего, капитализм и все, что с ним связано. Зазвучало слово «рабочий», пришло активное осознание «бедняк-богач», заговорили о республиканском правлении и начались волны социальных протестов.
Вот в это-то время — в 1749 году 17 декабря, близ Неаполя -и рождается в семье каменщика мальчик Доменико.
Сегодня, в музыкальных школах, его музыку начинают играть уже во 2 классе. На экзамене по окончании года почти все дети играют сонаты Чимарозы.
Это и есть тот самый мальчик Доменико.
Однако имени композитора, которого сравнивают с Моцартом, за которым признают право создания «оперы-буффа», т.е. комической оперы, никто и не знает.

Судьба подарила ему трудное детство– отец умер очень рано, не оставив семье средств на жизнь. Мальчика отдали сначала в монастырскую школу, а затем в сиротский дом Санта Мария ди Лорето, где он пробыл целых одиннадцать лет. В приюте мальчика учили игре на скрипке, органе, клавесине. Здесь юный Чимароза много пел. Понятно, что детей сирот таким образом готовили к служению в церкви. Обучение, как и полагается в таких заведениях, сопровождалось побоями и унижениями.

 Il Maestro di Cappella (1/3) Sinfonia

Сто лет назад началась Первая мировая война...

Этот фортепианный концерт Равель написал для австрийского пианиста Пауля Витгенштейна, потерявшего на этой войне правую руку.

Сама задача была очень необычной - написать Концерт для левой руки, а ещё - создать полноценное произведение, которое не было бы облегчённым, выставляя пианиста в несколько подчинённой роли. Равель ставил перед собой иную задачу и он её выполнил замечательно. Потому что родилось произведение, которое, по сути, стало не только мистическим в ощущении собственной судьбы композитора, но и очень важным во всей истории ХХ века. И исполнитель, которому это произведение посвящено - Витгенштейн, и сам Равель - оба были на фронтах Первой мировой войны, и каждый из них стал жертвой этой войны. Сама война оставила в них колоссальный след. И в этом Концерте Равель тоже высказался об этой войне. Музыковеды по - разному трактуют это сочинение - одни слышат его, как путь от смерти к жажде жизни, другие считают, что Концерт полностью трагичен. Тем не менее, это произведение - памятник эпохи, который синтезирует в себе ощущение от войны и эта надломленность в нём присутствует...