ОПЕРНЫЕ ТЕАТРЫ МИРА .Цикл документальных фильмов

Цикл документальных фильмов (Россия, 2010), 4 серии.
Авторы проекта: Марина Денисевич, Валерий Спирин
Режиссер-постановщик: Валерий Спирин
Автор сценария: Марина Денисевич
Оператор-постановщик: Кирилл Сперанский
Оператор: Дмитрий Дулов
Четыре фильма об истории и современности, постановках и закулисной жизни, о первых лицах и особом характере ведущих оперных театров — Венской государственной оперы, Парижской национальной оперы, Немецкой государственной оперы и театра "Ла Скала".
«Это проект, к которому канал подходил не один год. Он потребовал очень серьезной подготовки, работы огромного количества людей и серьезных вложений. За рубежом на нас смотрели с нескрываемой завистью: у нас есть возможность снимать подобные фильмы об элитных театрах, да еще в тот момент, когда над Европой – мрачная тень кризиса», – говорит один из авторов проекта Марина Денисевич. Cъемки снаружи и внутри театров, включая места, доступные лишь избранным, эксклюзивные интервью с директорами и режиссерами, звездами балета и оперы, многочисленными гримерами, костюмерами и другими театральными работниками. И, конечно, очень живое, украшенное интересными сведениями, легендами и пикантными подробностями повествование об истории и современности театров — через судьбы выдающихся музыкантов, через исторические факты и театральные мифы.
Важнейшей особенностью цикла является способ подачи материала. Это занимательное авторское кино, рассчитанное на самую широкую зрительскую аудиторию. Каждая программа - история как бы от лица людей, много слышавших об этих театрах, но впервые попавших в них, да еще со стороны служебного входа», — говорит Марина Денисевич. Для авторов важна индивидуальность, особенность каждого театра: «Каждый из четырех театров обладает характером живого человека». В сочетании субъективности и достоверности, в стремлении описать характер каждого театра, помочь почувствовать то, что не фиксирует камера, а именно дух театра, его атмосферу, своеобразие телевизионного рассказа.
В каждом фильме есть свой ведущий, оперный или балетный артист, наш соотечественник, прославившийся в театре, о котором рассказывает. Это Любовь Казарновская, Николай Цискаридзе, Владимир Малахов, Елена Образцова. Каждый из них непосредственно на месте событий поведал о собственном опыте работы в театре, своих впечатлениях, любимых местах и судьбоносных встречах.
Венскую государственную оперу представляет певица Любовь Казарновская. Ведущий программы о Парижской национальной опере - Николай Цискаридзе. Владимир Малахов проведет экскурсию по Немецкой государственной опере. Гид по театру "Ла Скала" - певица Елена Образцова.

ТЕАТР "ЛА СКАЛА"

За простодушной искренностью миланцев, готовых порой признаться, что важный футбольный матч им интересней, чем беседа о театре, скрывается очень бережное, любовное отношение к пению. Ведь Италия — родина бельканто. Итальянцы всегда были весьма чувствительны к красоте — визуальной и звуковой. И оперный театр стал для них тем мостиком, который соединил два воплощения красоты. Ни один музыкальный театр мира не имеет такой замечательной истории, как "Ла Скала". Здание театра, построенное архитектором Дж. Пьермарини, выдержано в строгом неоклассическом стиле и является одним из красивейших в мире. Настоящие ценители и любители классической музыки, оперы и балета называют этот театр одним из Семи чудес света.
В этот театр стремились все — от начинающих певиц до маститых примадонн. Возможно, было бы проще составить список тех знаменитостей, кто никогда не работал в театре "Ла Скала". Поэтому в центре рассказа — имена и судьбы. Мария Каллас, Франко Дзеффирелли, Ширли Веррет, Рената Тебальди. "Здесь я знала много триумфов. Поэтому для меня этот зал обладает магией, магией счастья. И еще он обладает магией переживаний — разных, страшных. Потому что в этом театре как нигде в мире знают, что такое опера", — рассказывает Елена Образцова. Также в программе множество любопытных фактов: кто такие лоджанисты и почему их все боятся, как хранят костюмы знаменитого Пикассо, как надо одеться, чтобы тебя впустили в театр…

далее...

Габриэль Форе...Такая ясная, такая чистая,такая французская и такая человечная музыка!

Габриэль Форе (1845-1924)открыл своим творчеством "Прекрасную эпоху", переступив черту традиционного романтизма.
Стремясь уйти от пафоса Берлиоза и чётких конструкций Сен-Санса, обратившись к искусству добаховских эпох, французской песне и григорианским песнопениям он был первым из французов, проложившим путь от строгого и мужественного искусства Сезара Франка к пленительной нежности и трепетности нарождающегося импрессионизма.

 

Баллада для фортепиано и оркестра, Op. 19(1881)

В Балладе для фортепиано с оркестром автор попадает под власть неотразимых чар воздушного гармонического языка, гибкого, проникновенного, которым он открыл новую страницу в истории французской музыки. Спокойной неторопливой красочно переливающейся мелодией, начинается эта феерическая поэма о благоухании летней южной ночи, за ней следует вторая тема, напоминающая дуновение лёгкого ветра. Постепенно всё приходит в движение, поражая свежестью и яркостью ладовых и модуляционных красок и звучит третья тема - танец эльфов. Баллада завершается сказочной феерией трелей, в хрупком мерцании которых растворяются, как ускользающие радужные сновидения, все три темы произведения.
 

далее...

М.И.ГЛИНКА -ВОКАЛЬНЫЙ ЦИКЛ«ПРОЩАНИЕ С ПЕТЕРБУРГОМ»

«Прощание с Петербургом» — единственный вокальный цикл М.И.Глинки(1804 -1857), хотя романсы занимают важное место в его творчестве. Впрочем, и эти 12 романсов не задумывались как цикл. Об их возникновении композитор рассказал в своих «Записках»: «В день моих именин, т. е. 21 мая (1840 года. — А. К.), когда я шел из Ревельского подворья... мне пришла мелодия болеро «О дева чудная моя».
Я попросил Кукольника написать стихи для этой новой мелодии, он согласился, а вместе с тем предложил мне несколько написанных им романсов. По этому, кажется, поводу пришла Платону мысль о двенадцати романсах, изданных потом П. И. Гурскалиным под именем «Прощание с Петербургом». У меня было несколько запасных мелодий, и работа шла весьма успешно».
Это происходило в Петербурге, где Глинка, признанный создатель первой русской классической оперы «Жизнь за царя» (1836), работал над второй — «Руслан и Людмила». Он часто встречался с братьями Кукольниками, Нестором и Платоном, которые с 1839 года поселились в доме Мерца в Фонарном переулке. Там за несколько лет до того жил сам Глинка, туда же он вернулся в сентябре 1840 года. У Кукольников собиралась компания приятелей — литераторов, критиков, любителей музыки, — известная как братия.
Нестор Васильевич Кукольник (1809—1868) пользовался в то время широкой популярностью. Первый успех 29-летнему писателю принесла драматическая фантазия «Торквато Тассо»; в период расцвета за 6 лет (1840—1845) он написал 5 романов, 5 драм, 26 повестей, множество стихотворений. Кукольник называл себя родоначальником школы русских романтиков и признавал гениальную триаду в русской литературе (уже подарившей миру Пушкина!), живописи и музыке: Брюллова, Глинку и себя самого. Глинка написал на стихи Кукольника ряд романсов, в том числе «Сомнение», и музыку к его трагедии «Князь Холмский».
Над «Прощанием с Петербургом» композитор работал в июне-июле 1840 года и закончил «заказанные романсы» 9 августа. На следующий день он уезжал в свое имение Новоспасское, и Кукольник с братией устроил ему проводы, пригласив знакомых артистов и литераторов. Здесь впервые прозвучал заключительный номер «Прощания с Петербургом» — «Прощальная песня» для голоса с мужским хором, слова которой Кукольник посвятил Глинке, а Глинка музыку — друзьям. Композитор вспоминал: «Я пел с необыкновенным одушевлением прощальную песню, хор пела братия наша...» Другие номера также имеют посвящения друзьям: №3 — офицеру А. А. Скалону, №6 — Н. Ф. Немировичу-Данченко, родственнику Кукольников, прозванному рыцарем Коко, №8 — Л. А. Гейденрейху, врачу императорских театров, лечившему Глинку, №10 — А. Н. Струговщикову, известному переводчику и поэту.
Когда Глинка месяц спустя вернулся в столицу, «Прощание с Петербургом» было уже опубликовано (в начале сентября) издателем П. И. Гурскалиным, которому посвящен №5, и пользовалось успехом. Однако сборник не воспринимался в качестве единого целого. Как извещал Кукольник в своем «Художественном журнале», «каждый романс можно покупать отдельно, общей цены не полагается...» И впоследствии «Прощание с Петербургом» редко исполнялось в виде цельного произведения, а отдельные романсы пользовались различной известностью.

"Прощание с Петербургом" (вокальный цикл на стихи Н. Кукольника) «”Прощaние с Петербургом” – кaлейдоскоп кaртин и эмоций, объединенных блaгородной, но экспрессивной мaнерой вокaльного письмa Глинки: он включaет в себя стрaстное признaние в любви, грустные рaзмышления, колыбельную, неповторимый русский пейзaж (популярный в России “Жaворонок”) и зaрисовку петербургской пирушки в кругу восторженных и предaнных друзей. Здесь есть … использовaние итaльянской бaркaролы, испaнского болеро и еврейской песни» 1. Романс ("Кто она и где она") исп.И.Козловский Романс написан в форме песни.Открывается и завершается он кратким необычайно простыми фортепианным проигышем. Все проникнуто нежным чувством. Обаяние этой музыки в ее абсолютной безыскусности. 2. Еврейская песня ("С горных стран пал туман) исп.Г.Нэлепп Следующая запись, песня не песня, романс не романс, но Нестор Кукольник и Михаил Глинка назвали это совместное сочинение «Еврейская песня». К какому поэтическому жанру отнести стихотворение? Пожалуй, к философской лирике. Этот романс был написан М. Глинкой задолго до того, как возникла идея создания цикла «Прощание с Петербургом».

далее...

Борис Пастернак о Фридерике Шопене

Читать далее...

Балет Джорджа Баланчина «Драгоценности»

Морис Бежар

«Баланчин ... перенес в эру межпланетных путешествий аромат куртуазных танцев, украшавших своими гирляндами дворы Людовика XIV и Николая II»

« Драгоценности »— один из самых любимых в России балетов Баланчина. Что неудивительно: ведь кульминацией балета становится близкая нашим артистам тема русской классической школы, из недр которой вышел и американец Баланчин, величайший хореограф XX века.'
Премьера состоялась 13 апреля 1967 года в «Стейт тиэтр» в Нью-Йорке.
Балет в трёх частях.
I часть — «Изумруды» на музыку Габриэля Форе («Пеллеас и Мелизанда»; «Шейлок»);
II часть — «Рубины» на музыку Игоря Стравинского (Каприччио для фортепиано с оркестром);
III часть — «Бриллианты» на музыку Петра Чайковского (Третья симфония, II, III, IV и V части).

Джордж Баланчин, он же Георгий Мелитонович Баланчивадзе ( 1904— 1983) , родился в Петербурге, учился в знаменитом Театральном училище (ныне Академия Русского балета имени А. Я. Вагановой), работал в Мариинском театре — и только в 1924 году уехал за границу, где сперва были «Русские балеты» Дягилева, а потом — tabula rasa «безбалетной» тогда Америки. Гражданин мира, он легко входил в новые культурные пространства, но школу свою чрезвычайно ценил, и именно сплав этой классической школы со свободным и модернистским мышлением лег в основу его творчества. И «Драгоценности» — одна из точек пересечения его наследия с русской школой.
Вместе с тем для самого Баланчина этот балет не совсем обычен.
Во-первых, он слишком конкретен. Не сюжет, нет (Баланчин, конечно, и здесь остается апологетом бессюжетного балета, чистого танца), хотя вполне материальные образы лежат в его основе. В 1967 году Баланчин, который уже тридцать лет последовательно подводил публику к восприятию чистого танца, доведенного до той степени условности, какая есть лишь у музыки, ставит балет про драгоценные камни, в духе самых архаичных аллегорий! И еще рассказывает трогательную историю о том, как Натан Мильшейн, его приятель и великий скрипач, познакомил его, Баланчина, с ювелиром Клодом Арпельсом, и как он, Баланчин, восхитился его коллекцией «потрясающих камней», и как решил непременно поставить балет «про камни» (точнее, балет в костюмах, украшенных изумрудами, рубинами и бриллиантами, на музыку Форе, Стравинского и Чайковского). И невинно добавляет: «Я ведь грузин, я люблю красоту!» Ну, а в словах про то, что от мысли о четвертой части (сапфиры и Шёнберг) он отказался лишь потому, что «цвет сапфиров трудно воспроизвести на сцене», лукавую улыбку Баланчину уже не скрыть.

Балет Мариинского театра.

далее...

Вечер с музыкой Муцио Клементи.

Муцио Клементи появился на свет 23 января 1752 года в Риме, в семье ювелира – Николо Клементи, страстного любителя музыки. Талант мальчика раскрылся очень быстро: уже в 6 лет Муцио пел по нотам. Отец, Николо Клементи, заметив талант и дарование мальчика, решил, что его сын должен продолжать совершенствовать свое мастерство и в серьез заняться музыкальными занятиями. Для этого он приглашает двух выдающихся композиторов. В возрасте 7 лет, Клементи брал уроки гармонии у органиста Кордичелли, а затем продолжал учиться пению у Дж. Сантарелли. Они взялись заниматься с мальчиком и к 9 годам подготовили его к участию в конкурсе на место органиста, которое тот благополучно и занял.

В 14 лет Клементи отправился в Англию, где выступает с концертами, пользующимися огромной популярностью у публики. А через некоторое время, родители получают уведомление, что их сын получил место капельмейстера итальянской оперы в Лондоне, хотя Муцио нет и 20 лет.
Продолжая совершенствовать свое мастерство игры на фортепиано. Клементи постепенно снискал славу блестящего виртуоза и замечательного педагога.

Minuetto Pastorale.

Читать далее...

«Триптих Боттичелли» Отторино Респиги

С появлением в начале двадцатого столетия первых сочинений Отторино Респиги (1879— 1936), музыкальная Италия вновь, после более чем векового перерыва, выходит на мировую симфоническую арену.
Явившись в пору, когда кумирами публики были "последние могикане" итальянской оперы, так называемые "веристы" – Масканьи, Леонкавалло, Пуччини – Респиги решительно вывел итальянскую инструментальную музыку из состояния оцепенения, в котором она пребывала со времен великих инструменталистов XVII – XVIII веков. И хотя Респиги не создал композиторской школы в строгом смысле этого слова, его влияние на все последующее развитие итальянской музыки было чрезвычайно велико и плодотворно.
Респиги – автор опер, балетов, многих камерных и симфонических сочинений, огромного количества транскрипций и обработок, однако и по сей день его слава – это прежде всего слава автора так называемой "римской" трилогии, одного из блестящих мастеров колористической звукописи, тончайшего знатока оркестра.
Это качество творческой манеры Респиги в полной мере проявилось в «ТРИПТИХЕ БОТТИЧЕЛЛИ» , созданном в 1927 году под впечатлением картин одного из величайших художников итальянского Возрождения – Сандро Боттичелли (1445 – 1510).
"Весна " (1478 )

"Поклонение волхвов" (1475)

"Рождение Венеры" (1483-1485)

«Триптих Боттичелли» Для музыки первой части – «Весна» The Spring (La Primavera)– характерно своеобразное сочетание простой пасторальной мелодии и острого, почти джазового, ритма сопровождения. Во второй части – «Поклонение волхвов» The Adoration of the Magi (L'adorazione dei Magi)– звучит рождественская песня «Приди, Эммануэль», расцвеченная тонкими мелодическими и колористическими нюансами. В «Рождении Венеры»The Birth of Venus (La nascita di Venere) на фоне колышащихся подобно морским волнам фигураций скрипок постепенно возникает и набирает силу выразительная, «бесконечная» мелодия Венеры.

По материалам статей И.Райскина и Д.Либермана

Концерт Памяти Святослава Бэлзы

Святослав Бэлза родился 26 апреля 1942 года в Челябинске. В 1965 году окончил филологический факультет Московского Государственного университета имени Ломоносова. В 1965-1997 годах работал научным сотрудником Института мировой литературы (ИМЛИ). В 1979-1989 годах по совместительству являлся обозревателем «Литературной газеты» по зарубежной культуре.

В 1988-1996 — автор и ведущий телепрограммы «Музыка в эфире» (Останкино, ОРТ). С 1993 по 1995 был художественным руководителем студии музыкальных и развлекательных программ «Останкино». В 1993 и 1998 был председателем жюри фестиваля «Киношок». С 21 октября 2012 — ведущий телевизионной программы «Большой балет» на телеканале «Культура», также вел программу «Романтика романса» и цикл передач «Шедевры мирового музыкального театра».

Читать далее...

«Музыкальные моменты» Сергея Рахманинова

"Я — русский композитор, и моя родина наложила отпечаток на мой характер и мои взгляды. Моя музыка — это плод моего характера, и потому это русская музыка... Единственное, что я стараюсь делать, когда сочиняю, — это заставить ее прямо и просто выражать то, что у меня на сердце".

«Музыкальные моменты» ор. 16 написаны в 1896 году, посвящены А.В. Затаевичу( русский и советский музыкант-этнограф, композитор).
Это единый цикл, скрепленный сквозным музыкальным драматическим развитием образов.В нем намечены черты, ставшие характерными для творчества композитора. Многие образы и настроения этого цикла зазвучат в произведениях Рахманинова 900-х годов. Особенно показательны пьесы подвижного, моторного характера — вторая , четвертая, шестая.
Динамические, быстрые пьесы — преимущественно драматические — чередуются с певучими, сдержанными, медленными, сосредоточенными.
Первые 4 пьесы написаны в минорных по колориту тональностях . Особенной драматической напряженностью отличаются третья (монолог для фортепиано) и четвертая, однако цикл завершается в светлых и жизнеутверждающих тонах.
В «Музыкальных моментах» ор.16 прослеживаются жанровые истоки фортепианной миниатюры — элегии, баркаролы, гимна, хотя пьесы не имеют программных заголовков.

«Музыкальные моменты» op.16 No. 1 Andantino in B-flat minor No. 2 Allegretto in E-flat minor No. 3 Andante cantabile in B minor No. 4 Presto in E minor No. 5 Adagio sostenuto in D-flat major No. 6 Maestoso in C major исп.Горовиц,Софроницкий,Рахманинов.

В целом фортепианный цикл «Музыкальные моменты» op.16 явился значительным шагом вперед в творчестве Рахманинова. Ярче и самостоятельнее становится музыкальный материал, богаче и разнообразнее фактура. Композитор находит свой круг образов и настроений, собственную оригинальную манеру изложения. Он свободно трактует традиционные жанровые формы и наполняет их новым, индивидуальным содержанием.
«Музыкальные моменты» op.16 отличаются большой самостоятельностью языка и зрелостью пианистических средств.
Драматизм, интенсивность лирического переживания, тяготение к монументальному, концертно-виртуозному письму приближают этот цикл к более поздним образцам фортепианного творчества Рахманинова – прелюдиям и этюдам-картинам.
Роль «Музыкальных моментов» ор.16 значительна. Созданные композитором в юности, они сопровождали его всю жизнь и были связаны со всеми гранями его творческой деятельности.


источник

С Днём рождения, Николай ГЕДДА!!!

 

Николай Гедда родился в Стокгольме 11 июля 1925 года. Его воспитателем стал русский органист и хормейстер Михаил Устинов, в семье которого жил мальчик. Устинов стал и первым учителем будущего певца. Детство Николая прошло в Лейпциге. Здесь уже в пять лет он начал учиться играть на фортепиано, а также петь в хоре русской церкви. Им руководил Устинов.

"В это время, — вспоминал позднее артист, — я усвоил две очень важные для себя вещи: во-первых, что я горячо люблю музыку, а во-вторых — что у меня абсолютный слух.

…Несчетное число раз меня спрашивали, откуда у меня такой голос. На это я могу ответить только одно: я получил его от Бога. Черты художника я мог унаследовать от деда по материнской линии. Сам я всегда рассматривал свой певческий голос как нечто такое, чем надо управлять. Поэтому я всегда старался заботиться о голосе, развивать его, жить так, чтобы не наносить ущерба моему дару".

В 1934 году вместе с приемными родителями Николай вернулся в Швецию. Окончилась учеба в гимназии и начались рабочие будни.

"…Одно лето я работал у первого мужа Сары Леандер Нильса Леандера. У него было издательство на Регерингсгатан, они издавали большой справочник о киношниках, не только о режиссерах и актерах, но и о кассиршах в кинотеатрах, механиках и контролершах. Моя работа заключалась в том, чтобы упаковывать этот труд в почтовый пакет и рассылать по всей стране наложенным платежом.

Летом 1943 года отец нашел работу в лесу: он колол дрова у одного крестьянина недалеко от города Мершта. Я поехал с ним и помогал. Было потрясающе красивое лето, мы вставали в пять утра, в самое приятное время — жары еще не было и комаров тоже. Мы работали до трех и ложились отдыхать. Жили мы в доме крестьянина.

Читать далее...

Фарид Яруллин. Балет "Шурале"

30 августа 1940 года был издан указ о проведении в Москве декады татарской литературы и искусства в августе 1941 года. Для подобного ответственного смотра был необходим национальный балет. (Кстати, Татарский национальный оперный театр открылся лишь 17 июня 1939 года). Привлекли к работе специалистов — главным балетмейстером декады назначили Петра Гусева, а он пригласил для постановки первого татарского балета Леонида Якобсона.
К счастью, в портфеле театра уже лежали готовое либретто и партитура балета под названием «Шурале», их принесли в театр в начале 1940 года писатель Ахмет Файзи и молодой композитор Фарид Яруллин. И если музыка будущего балета в целом устраивала балетмейстера, то либретто показалось ему слишком размытым и перенасыщенным литературными персонажами — неопытный либреттист свёл воедино героев восьми произведений классика татарской литературы Габдуллы Тукая. В феврале 1941 года Якобсон закончил новый вариант либретто и композитор приступил к доработке авторского клавира, которую завершил в июне.
3 июля 1941 года в Казани состоялась генеральная репетиция нового балета. Балетная труппа Татарского театра оперы и балета была усилена танцовщиками труппы «Остров танца» и солистами Ленинградского театра оперы и балета имени С. М. Кирова. Партию Сюимбике исполняла Найма Балтачеева, Али-Батыра — Абдурахман Кумысников, Шурале — Габдул-Бари Ахтямов. Оформил спектакль художник Е. М. Мандельберг, дирижёр —И. В. Аухадеев. Ни о премьере, ни о поездке в Москву речь уже не шла — Великая Отечественная война перечеркнула все планы. Татарский театр оперы и балета вернулся к «Шурале» в 1945 году. Ф. В. Витачек, преподававший оркестровку и чтение партитур в Институте имени Гнесиных, инструментовал партитуру, балетмейстер Гай Тагиров сочинил новое либретто.
А в 1958 году Фариду Яруллину за балет «Шурале» была посмертно присуждена Государственная премия Татарстана имени Г. Тукая.

Википедия.
 

 

Сюжет

Поляна в лесной чащобе с логовом лешего Шурале. Сюда, заблудившись в лесу, пришел охотник Али-Батыр. На поляну опускается стая птиц. Они сбрасывают крылья и превращаются в прекрасных девушек. Шурале крадет крылья самой прекрасной — Сюимбике. Наигравшись, девушки вновь оборачиваются птицами, а Сюимбике тщетно ищет свои крылья. Ее подруги улетают, а ее пытается схватить Шурале. Сюимбике зовет на помощь, и Али-Батыр в жестокой борьбе побеждает лешего. Тот скрывается, а Сюимбике умоляет Батыра найти ее крылья. Подняв девушку на руки, охотник уносит ее из леса.
В саду перед домом Али-Батыра собираются гости. Сюимбике искренне полюбила своего спасителя и выходит за него замуж. Но тоска по небесному простору, по подругам-птицам не оставляет ее. После свадебных обрядовых игр гости уходят в дом и садятся за столы. В сгущающихся сумерках в сад прокрадывается Шурале и кладет на видном месте крылья Сюимбике, которые принесли ему помощники — черные воронята. Выйдя из дома, девушка с радостью видит крылья, надевает их и поднимается в воздух. Взлетевшие воронята гонят ее к логову Шурале. Батыр бросается в погоню.
В лесном логове Шурале издевается над Сюимбике, требует покориться ему. Но Батыр уже здесь. Горящим факелом он поджигает лес и вступает в поединок с лешим. В ожесточенной схватке силы покидают Батыра, и он последним усилием бросает Шурале в огонь. Тот гибнет, но разгоревшийся пожар грозит и влюбленным. Батыр протягивает Сюимбике крылья, предлагая спасение, но она, покоренная силой его любви, бросает крылья в огонь. И все же им удается спастись.
Снова деревня, в которой живет Али-Батыр. В честь храброго охотника и его прекрасной невесты идет веселый праздник.

Музыка.

«Шурале» — один из самых ярких балетов советского времени. Его музыка, основанная на ритмоинтонациях татарского фольклора, как песенных, так и плясовых, блестяще разработана композитором всеми способами профессиональной музыкальной техники.

Л. Михеева
 

"Венецианский карнавал"-"энциклопедия скрипичной техники"Никколо Паганини



"Венецианский карнавал. ...У моста Риальто взгляд Паганини задержался на фасаде изящного палаццо - некогда здесь музыкант давал концерт у синьора Пальфи, и тут в больших пустынных залах он играл свою "Прекрасную мельничиху". Играл блистательно, не подозревая, что его ослепительная карьера на исходе...
Европейское турне Паганини, очень утомительное, со всеми его переживаниями и треволнениями, в 1834 году закончилось для музыканта печальным финалом: врачи нашли у него туберкулез легких. Теперь и сам Никколо прекрасно сознавал, сколь шатко его положение - любая простуда или эмоциональное расстройство могли сделать его неспособным к игре на недели и даже месяцы. Все неотступнее ему грезился дом его мечты, где он бросит наконец якорь.
...Глядя на свое отражение в зеркале, Никколо криво усмехнулся - бледный, изможденный, нескладный призрак. Все лицо, и так некрасивое, избороздили глубокие морщины... А ведь теперь в его слабеющих день ото дня руках судьба любимейшего существа на свете - сына Ахилла.
Мальчик родился, когда синьору Паганини, кавалеру ордена Золотой шпоры, было уже 42 года. Долгожданного сына маэстро подарила Антония Бьянки, начинающая певица из "Феникса". Привлекательная внешность и живой темперамент Антонии произвели на пылкого Никколо неотразимое впечатление, и он взял ее c собой на гастроли в Милан и Геную. И неожиданно Бьянки сообщила Никколо о своем интересном положении...
Исход любовной интрижки заставил невольно задуматься о будущем: "Моя жизнь будет безоблачной и счастливой, и я увижу свое отражение в детях", - так написал Паганини в 1821 году своему другу Джерми. Похоже, он искренне сам этого желал, но душа странника все же пересилила в нем грезы о семейном очаге: их брак с Бьянки так и не был узаконен. Однако родившийся вскоре малыш завладел всем его сердцем. Чего нельзя было сказать в отношении чувств Никколо к Антонии - страсти улеглись, и теперь она значила для него не больше, чем любая из его прежних женщин.

...Паганини очнулся от грез, привлеченный пением гондольера. Маэстро прислушался - приятный баритон выводил популярнейшую венецианскую канцону "О мама, мама дорогая". Многократно повторяющаяся мелодия таяла в утреннем тумане, сливалась с барочными строениями и эхом возвращалась к маэстро неузнаваемой, принимая фантастические образы из затейливого маскарада. Никколо в нетерпении, сколько позволяли силы, бросился назад в гостиницу, и к вечеру был готов феерический "Венецианский карнавал"




исп.Сальваторе Аккардо

Это творение впоследствии назовут "энциклопедией скрипичной техники".
Ничего больше, сравнимого с "Венецианским карнавалом", Паганини так и не сочинил. "
текст-Елена Кириллина

Перлы дирижеров, или как ругаются интеллигентные люди)

Перлы дирижеров, или как ругаются интеллигентные люди...

Оркестр - это идеально слаженный механизм, и дисциплина играет здесь далеко не самую последнюю роль. А дирижеры не хуже армейских чинов умеют воспитывать оркестрантов. А то и лучше! Ведь делают они это тонко, изящно и очень интеллигентно.

Читать далее...

Густав Малер

Густав Малер родился 7 июля 1860 года в небольшом местечке Калишт на границе между Чехией и Моравией. 

Он оказался вторым ребенком в семье, а всего у него было тринадцать братьев и сестер, из которых семеро умерли еще в раннем детстве.

Бернгард Малер - отец мальчика - был человеком властным и в небогатой семье крепко держал вожжи в своих руках. Может быть, поэтому Густав Малер до конца своей жизни "не нашел ни слова любви, говоря о своем отце", и в воспоминаниях лишь упоминал о "несчастливом и полном страданий детстве". Но, с другой стороны, отец сделал все возможное для того, чтобы Густав получил образование и смог полностью развить свой музыкальный талант.

Читать далее...

С Днём рождения, Тамара СИНЯВСКАЯ !!!

Pодилась 6 июля 1943 года в Москве.

Будущую оперную звезду в послевоенном московском детстве соседи просили петь потише, советовали ее матери отвести ее в Дом пионеров, что та и сделала. Только сначала записали ее не в хор, а в танцевальную группу знаменитого детского ансамбля песни и пляски под руководством В.С. Локтева (помимо пения Тамара очень любила балет). В 1953 году она перешла в хоровой коллектив ансамбля, где занималась 8 лет. В те времена ни один правительственный концерт не проходил без участия этого детского коллектива. Ансамбль В.С. Локтева стал превосходной музыкально-сценической школой. Тамара Синявская научилась не бояться публики, по-настоящему поняла, что значит «чувство сцены», и даже съездила в свою первую зарубежную поездку в ЧССР. Так же, как и многие девочки в этом возрасте, она очень любила кино, и особенно песни из кинофильмов «Кубанские казаки», «Дом, в котором я живу» и многих других, которые знала наизусть и распевала вслух. Потом появилась Лолита Торрес, и Тамара поняла, что на сцене нужно еще и играть, и быть красивой. По словам Тамары Ильиничны, она очень многое у нее взяла, дома могла часами репетировать перед зеркалом.

Читать далее...

Искусство Владимира Ашкенази

Родился 6 июля 1937 года. На протяжении пяти десятилетий радует поклонников своим искусством Владимир Ашкенази, представляя известную когорту выдающихся пианистов советского времени. Его приход на олимп славы был, весьма, быстрым, но не обошлось без неудач, они имеются, практически у каждого человека, тем более у публичных людей. Рецензии о выступлениях Ашкенази носили положительный, в большей степени хвалебный характер, хотя в те годы молодые дарования сравнивались с музыкантами «серебряного века». В одной и рецензий отмечалось, что Владимир, исполняя классическое произведение, сохраняет все богатство красок, цельность замысла и единство, задуманное автором. Молодому музыканту удалось преодолеть и победить в свое время в трех престижных конкурсах. Это вторая премия в варшавском конкурсе 1955 года, победа в 1956 году в брюссельском конкурсе имени Королевы Елизаветы и первое место, занятое при его участии в московском конкурсе имени Петра Ильича Чайковского в 1962 году.

Родившийся ребенок 06.07.1937 года, наречен был Владимиром. Стал проявлять свои музыкальные таланты в раннем возрасте, что является неотъемлемой частью семейных традиций, поскольку отец Владимира был популярным эстрадным пианистом того времени. Наследственность предоставляет человеку большие возможности, но без хорошей школы известными музыкантами не становятся. Младший Ашкенази оканчивал Центральную музыкальную школу, затем обучение продолжалось в стенах Московской консерватории, где с Владимиром занимался Лев Оборин.

Читать далее...

"Тиха моя печаль...".Мальмезон.

Северо-западный богатый парижский пригород, в котором находились владения кардинала Ришелье и императрицы Жозефины. 

 Кардинал приобрёл Рюэй в 1633 году, очень его любил, подолгу там жил. К нему часто приезжали в гости король и королева. С помощью архитектора Жака Лемерсье и строителя Жака Тирио Ришелье украсил замок и парк. Джон Ивлин, посетивший Рюэй в 1644 году, писал: "Дом небольшой, построен в форме прекрасного замка, окруженного рвом. Кабинеты выходят окнами на дорогу, а напротив них разбиты большие виноградники, окруженные стенами.

 

И хотя дом не из самых больших, сады вокруг него настолько великолепны, что Италия вряд ли сможет превойти их по силе доставляемого ими наслаждения". Сады Ришелье были особенно знамениты своими искусственными гротами и оригинальными гидротехническими сооружениями. Фонтан Дракона был описан Ивлином как "медный василиск, управляемый фонтанщиком, выбрасывающим струи воды вверх на высоту примерно 60 футов, и вращающийся вокруг своей оси так быстро, что трудно не забрызгаться". Ришелье также любил высокие деревья и высаженные красивой изгородью вдоль озера в Рюэле конские каштаны. Из цветов, высаженных в саду, кардинал особое предпочтение отдавал тюльпанам.






 Мэрия, где сегодня расположился муниципальный музей:

далее

Ансамбль скрипачей Большого театра

Произведения из репертуара Ансамбля скрипачей Большого Театра.

Идея создания этого прославленного коллектива принадлежала концертмейстеру оркестра Большого театра Юлию Марковичу Реентовичу, руководившему ансамблем с 1956 года до своей смерти в 1982 году. Ансамбль скрипачей Большого театра был создан в конце 1955 года, а его первое публичное выступление состоялось 25 февраля 1956-го, и эта дата считается днем его рождения.

 

«Первые шаги ансамбля скрипачей, – пророчески писал тогда Дмитрий Шостакович, – нас убеждают в том, что будущее этого коллектива прекрасно, и он займет видное место в строительстве советской музыкальной культуры».

Реентович не был великим композитором. Он не был и великим скрипачом, лауреатом международных и всяческих конкурсов.

Его имени нет даже во всезнающей Википедии!
И нет ни одной видеозаписи выступлений некогда прославленного Ансамбля скрипачей Большого театра, основателем и бессменным руководителем которого он являлся.
Есть только скупые несколько строчек биографии, да рассказы о его коллективе в статье, посвященной скрипачке ансамбля и его последовательнице Марте Кушнирской 

Вот в эти несколько строк уложилась биография этого талантливейшего мастера:
Юлий Маркович Реентович, скрипач.

Родился 12 ноября 1914 в Тамбове. Отец - скрипач и педагог Марк Наумович Реентович, ученик Леопольда Ауэра.
В 1931 окончил Тамбовский музыкальный институт по классу скрипки профессор М.Н. Реентовича.
В 1931-1935 совершенствовался в Москве у Абрама Ильича Ямпольского.
С 1931 - артист, с 1952 - концертмейстер оркестра Большого театра.
С 1956 - художественный руководитель организованного им Ансамбля скрипачей Большого театра.
С 1976 - Народный артист РСФСР. Даже не СССР.
И всё.
Но внутри этих коротеньких биографических строчек - целая жизнь.
 

Фибих "Поэма"

Читать далее...

Александр Дольский

Александр Дольский

и красота гнетет и дразнит…
Прекрасны волосы твои,
но одиночество прекрасней.

Изящней рук на свете нет,
туман зеленых глаз опасен.
В тебе все музыка и свет,
но одиночество прекрасней.

Читать далее...

Памяти просветителя Жан-Жака Руссо

Портрет Руссо. Работа Мориса Квентина де Ла Тур

  Французский писатель и философ, представитель сентиментализма Жан-Жак Руссо (1712 - 1778).  Назвать его либералом можно, но только с некоторой натяжкой, поскольку либерализм в характере человека всегда ассоциируется с его дисциплинированностью и разумностью поступков. Поведение же Руссо в обществе таковым признать никак нельзя, хотя все его метания души питала неиссякаемая любовь к свободе. Ромен Ролан писал: «Республика и бог — вот его двоякая любовь и двоякая вера, всосанные с молоком матери в Женеве, и это молоко обратилось у него в кровь».

    Руссо осуждал официальную церковь и    религиозную нетерпимость. Его лозунг: «Назад к природе!» Жан-Жак Руссо оказал огромное влияние на современную духовную историю Европы с точки зрения государственного права, воспитания и критики культуры. Основные произведения: «Юлия, или Новая Элоиза» (1761), «Эмиль, или О воспитании» (1762), «Об общественном договоре» (1762), «Исповедь» (1781–1788). 

  Сущность теории Руссо заключается в том, что он ту фактическую коллективную поддержку населения, на которой основывается государственная власть, стремится превратить в юридическую неограниченную власть всего населения, а все органы государства поставить в положение пассивных орудий, механических исполнителей этой власти. Он хочет рационализировать до конца и без остатка ту психическую, общественную силу, на которую опирается государственная власть.

Читать далее...