Сказка на ночь... "Спящая красавица"

Как-то давно иногда по вечерам я "рассказывала" своим читателям сказки на ночь и вот подвернулся случай продолжить это вечернее занятие. На этот раз предлагаю  "рассмотреть" сказку "Спящая красавица" (правда в сокращенном варианте) с иллюстрациями Бориса Александровича Дехтерева.  Этот художник знаком многим с детства - он иллюстрировал книги М. Горького, сказки А. С. Пушкина, Ш. Перро и многих других детских и не очень писателей. Рисунки выполнялись акварелью, цветными карандашами, гуашью.  В сочетании с текстом получались занимательные книжки, от которых ребенка было уже невозможно оторвать.

Спящая красавица

Читаем дальше...

Дэвид Робертс (англ. David Roberts; 24 октября 1796 — 24 ноября 1864) — шотландский художник.
Родился в семье ремесленника в пригороде Эдинбурга. После окончания начальной школы был определён подмастерьем к маляру и декоратору Гэвину Бьюго (Gavin Beugo).
В 1815 Робертс стал работать самостоятельно. В 1819 — сценограф Королевского Театра в Глазго, в 1820 — в Эдинбургском театре, с 1822 — в театре Друри-лейн (Лондон), а с 1826 — в театре Ковент Гарден. Первая выставка картин состоялась в 1824.
Прославился как мастер изображения архитектурных памятников. В 1824 путешествовал по Франции, Бельгии, Голландии и Германии, где сделал множество рисунков, которые в то время имели большой спрос, поскольку фотография ещё не была изобретена, и рисунки и гравюры были единственным способом показать читателю как выглядят далёкие страны. В 1832—1833 провёл одиннадцать месяцев в Испании и в Марокко.
Дэвид Робертс был также основателем Общества британских художников, которое возглавил в 1831 году.
Наиболее плодотворной была поездка художника в Египет и в Палестину в 1838—1839.
Робертс отплыл в это путешествие 11 сентября 1838 из Марселя и 24 сентября прибыл в Александрию. На корабле художник поднялся по Нилу далеко в Нубию, к храму Абу-Симбел. C 7 февраля по 13 мая 1839 года совершил путешествие через Синай и Петру в Иерусалим и другие места Святой земли. 21 июля 1839 художник вернулся в Англию, привезя с собой 272 рисунка, картину, изображающую панораму Каира, три тетради эскизов и дневник путешествия, переписанный его дочерью Кристиной.
В 1841 году Дэвид Робертс был избран членом Королевской Академии. Публикация в 1842—1849 альбома гравюр с египетских и палестинских картин принесла Робертсу европейскую известность. Он стал самым знаменитым художником викторианской эпохи.
В 1843 Робертс ещё раз побывал во Франции, Бельгии и Голландии, в 1851 — в северной Италии, через два года — в Риме и Неаполе, а позже — снова в Бельгии и в Париже.




Гиза. Большой Сфинкс
Читать далее >>>

Удирай Саймон

Новая серия популярного мульта!

Городским жителям иногда надо бывать на природе. Это успокаивает, отвлекает от проблем и делает людей добрее. Это наверно знали и наши русские живописцы-пейзажисты.  Русскую природу можно рисовать только с любовью и тогда получаются удивительно светлые и яркие работы. К таким художникам с полным правом можно отнести и Константина Яковлевича Крыжицкого, большинство пейзажей которого отличаются необыкновенными оттенками голубого цвета. Даже ночь у него голубая, а не черная и мрачная. 

 

Крыжицкий К.Я. Озеро в горах

Учителем художника в Академии Художеств, в которую он поступил в 1877 году, был замечательный художник и преподаватель М.К. Клодт.  В 1883 году за пейзаж "Дубы" Крыжицкий был награжден малой золотой медалью, а в 1884 году - удостоен большой золотой медали и звания классного художника первой степени за пейзаж "Вид в Киевской губернии". В 1889 году за работу "Лесные дали", а также "за искусство и отличные познания в пейзажной живописи" удостоен звания академика живописи. Вот такие вот скупые строки биографии. Правда еще можно найти упоминание о том, что Константин Яковлевич некоторое время давал уроки живописи членам Императорской семьи и в частности великой княгине Ольге Александровне. А как мы знаем, плохих художников и учителей в семье Романовых никогда не было. О том, что Крыжицкий талантливый художник говорят его живописные работы и то, что они находятся во многих музеях России.

Читаем дальше...

Творчество Александра Николаевича Бенуа до сих для России остается закрытым, т.к. большая часть его работ находится за пределами России. В основном те, кто интересуется искусством знают его литературные труды, посвященные как русским, так и зарубежным художникам. Однако Александр Бенуа был крайне разносторонней личностью - он и живописец, и график, и театральный декоратор, и режиссер-постановщик, и историк искусства. И это неудивительно, ведь он родом из семьи, которая подарила миру множество художественно одаренных людей.

  

Бенуа А.Н. Китайский павильон в Версале. Ревнивец 1906

В 1794 году в Россию из Франции прибыл кондитер Луи-Жюль Бенуа (1770-1822). Его сын Николай Леонтьевич - отец Александра Бенуа, стал известным архитектором. Александр лишь несколько месяцев в 1887 году занимался в вечерних классах Академии художеств, затем учился на юридическом факультете Петербургского университета. Он был художником-самоучкой, но непрерывно работал над собой, называя себя "продуктом художественной семьи". Технику акварельной живописи ему преподавал старший брат Альберт Бенуа, тоже известный художник.

Читаем дальше...

Качество выше, но ролик короче!






Качество ниже, но ролик длиннее!





Действие происходит в 1920—1930-е годы в сталинской Москве и в годы жизни Иисуса Христа в Ершалаиме.

Мастер с гениальным озарением описал последние дни жизни Спасителя в своем романе о Понтии Пилате, за который поплатился свободой.

Его тайная возлюбленная Маргарита готова на сделку с дьяволом, лишь бы спасти Мастера.

В это время некто Воланд, посетивший Москву со своей свитой, наводит ужас на обывателей. Но в мире, где укоренилось зло, и засела нечистая сила, проделки сатаны, окрашенные искрометным юмором, оборачиваются возмездием за людские грехи и пороки.

Ян ван Гойен (Jan van Goyen) (1596 — 1656).

Ян ван Гойен (Jan van Goyen) (1596 — 1656).Голландский живописец, рисовальщик и офортист. В 1616–1617 учился в Харлеме у Эсайас ван де Велде, работал в Лейдене (с 1618) и Гааге (с 1634). Один из создателей школы нидерландского пейзажа, художник Гойен писал лирические виды рек и расположенных на их берегах городов и деревень, включал в композицию одинокие фигуры лодочников и рыбаков, использовал эффект низкого горизонта, передающий равнинный характер ландшафта. Стремясь к созданию поэтически обобщенного образа Голландии, изображал природу в тихие пасмурные дни, тонко воссоздавая влажность воздуха и речных испарений, легкость тумана, обволакивающего предметы (“Река Маас близ Дордрехта”, 1643, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Устье реки”, 1655, Маурицхёйс, Гаага). Живописи Гойена присущи прозрачность и мягкий тональный колорит, основанный на тонких переходах зеленовато-серых и светло-коричневых оттенков.Ван Гойен был одним из первых, кому удалось запечатлеть эффекты свето-воздушной среды. Большинство его картин основано на зарисовках, которые он делал во время путешествий по сельской местности, и похоже, он использовал их снова и снова, поскольку одни и те же сцены повторяются в ряде картин. У Ван Гойена было много учеников и подражателей. Он создал огромное число работ и бесспорно оказал большое влияние на пейзажную живопись 17 и 18 столетий.
 

Далее...

Мария Магдалина - одна из самых загадочных фигур из евангельских сюжетов. Ее образ до сих пор не дает покоя художникам, писателям, сценаристам, поэтам. Существовала ли она на самом деле или все же это некий мифический образ? Ученые гадают, сравнивают, внимательно читают Евангелие, изучают события того времени. Доподлинно известно только одно - Мария из Магдалы, великая грешница, превзошла в служении Спасителю своих соратников-мужчин и навсегда стала символом любви, преданности и веры.

 

Guido Reni  Mary Magdalene 1600

Мария из Магдалы

Светила полная луна
Над озером Генисарета,
И строки Нового завета
Уже шептала тишина.

Среди серебряных олив
Мечтала юная Мария
Ей птичьи голоса вторили,
Надеждой светлой окрылив.

Простое счастье этих дней
Поможет жить, когда, как пламя,
Мужскими липкими руками
Жестокий мир прижмётся к ней.

И, презирая красоту,
Топча достоинство ступнями,
Наполнит сотни рук камнями,
Крича: «Ату её, ату!»

Тогда, готовясь умереть,
Мария голову поднимет,
Но силуэт в искристом нимбе
Толпу заставит присмиреть.

И гул людской начнёт стихать,
Когда Слова взойдут ростками:
«В неё пусть первым бросит камень
Лишь тот, кто вовсе без греха».

И в этот миг родившись вновь,
Поймёт Мария-Магдалина,
Что всё сбылось, о чём молила,
Поймёт, что Бог и есть Любовь.

(Мария Парамонова. Авторский сайт поэтессы )

Читаем дальше...

Ранее начатый рассказ о художнике Константине Андреевиче Сомове будет неполным, если не вспомнить о женских портретах его работы. Как известно из биографии живописца его отношения с женщинами были в основном дружескими, виной тому и гомосексуальные наклонности, и восприятие женщин через призму истории. Можно сказать, что К. Сомов и преклонялся перед женщинами, и в тоже время их ненавидел. Современники художника ставили ему  в вину то, что его изображения женщин некрасивы, позы их неестественны и не чувствуется любви художника к изображаемым персонажам. На этот счет есть запись в  дневнике художника: "Женщины на моих картинах томятся, выражение любви на их лицах, грусть или похотливость - отражение меня самого, моей души...  А их ломаные позы, нарочитое их уродство - насмешка над самим собой и в то же время над противной моему естеству вечной женственностью. Отгадать меня, не зная моей натуры, конечно, трудно. Это протест, досада, что я сам во многом такой, как они.Тряпки, перья - все это меня влечет и влекло не только как живописца (но тут сквозит и жалость к себе). Искусство, его произведения, любимые картины и статуи для меня чаще всего тесны связаны с полом и моей чувственностью. Нравится то, что напоминает о любви и ее наслаждениях, хотя бы сюжеты искусства вовсе о ней и не говорили прямо..."

Сомов К.А. Портрет Е.П.Олив 1914

Но тем не менее К.А. Сомов оставил нам большое количество женских портретов. Эти портреты, чего уж скрывать суровую правду жизни, его и кормили. Заказчиками были богатые дамы и их мужья, которые готовы были платить художнику огромные деньги за свои изображения. Многие из них стали шедеврами и сейчас украшают музеи и частные коллекции по всему миру.

Читаем дальше...

Москва, Петербург, Италия в рисунках Михаила Филиппова

Михаил Анатольевич Филиппов - известный московский архитектор, уроженец Петербурга, приверженец классики. Самым известным его творением является "Римский дом" в Казачьем переулке, очень органично вписанный в окружающее пространство старой Москвы. Портики, колонны, аркады, монументальность Серебряного века - красиво и по-московски, и по-питерски. И соответствует концепции самого архитектора, который считает, что город не должен рождать двадцати-пятидесятиэтажных монстров, где простому человеку находится совсем неуютно. Дом должен быть надежным, сделанным навечно, 6-7 этажным... Вряд ли о надежности можно говорить при виде современных московских небоскребов, далеких от классических канонов архитектуры. Монстры, давящие на человека и уничтожающие вокруг все живое. "В архитектуре главное – идея незыблемости. В современной архитектуре это нарушено," - так говорит сам Филиппов и старается в своих работах следовать этому правилу.

Васильевский остров

Филиппов не только архитектор, он еще и художник. Хотя так оно и должно быть, ведь любой проект  предварительно должен быть прорисован на бумаге. Темы рисунков Филиппова - архитектура Москвы, Питера и Италии или же проекты будущих зданий. И это конечно классика, никакого вычурного модернизва, авангарда и прочей современной чепухи...

Читаем дальше...

Одно из самых красивых времен года в России - осень. Необыкновенные краски, последнее яркое солнце и простор для творчества художников. Особенно для тех, кто пишет пейзажи. Осень в России разная: солнечная и туманная, холодная и дождливая, ласковая и мягкая. Среди работ Исаака Ильича Левитана есть много пейзажей с осенней тематикой и его осень как раз именно такая, разная - тихая, неброская, но такая красивая...

"Картины Левитана не виды местностей, не справочные документы, но сама русская природа с ее неизъяснимо тонким очарованием, тихая, скромная, милая русская природа. Однако где те художники, которые без литературных комментариев (бывают такие «литературные комментарии» и в пейзаже), сразу, одним общим видом своих картин заставляли бы перечувствовать подобные, охватившие их среди природы, настроения? Во всей истории искусства их было очень немного, и Левитан стоит в ряду этих немногих одним из самых первых - настоящий поэт Божьей милостью."

А.Бенуа "История русской живописи в XIX веке", 1901 

Левитан И.И. Золотая осень 1895
(Государственная Третьяковская галерея)

* * *

Читаем дальше...

Любая война не обходится без трофеев, они могут быть совершенно разными - от оружия и станков, до произведений искусства и бытовых мелочей. В первые годы после войны нашу страну заполонило множество ярких музыкальных кинофильмов, которые принято было называть "трофейными".  Попали они в СССР из Бабельсберга (район Потсдама), где находилась крупнейшая немецкая киностудия с одноименным названием, получившая даже наименование  "немецкий Голливуд".  При киностудии существовал и огромный киноархив, в который педантичные немцы собирали все новинки мирового кино, его-то и взяли мы в качестве трофея себе, отдав затем во владение сотрудникам Госфильмофонда в поселке Белые Столбы под Москвой. Спустя некоторое время эти фильмы под чутким контролем самого И.В.Сталина стали демонстрироваться в наших кинотеатрах, создавая незабываемую по тем временам атмосферу праздника и радости. В основном это были немецкие фильмы (хотя тогдашней зритель немецким считал все, что демонстирировалось на тот момент на экране), где главные роли исполняли ведущие звезды немецкого кино и Голливуда: Марлен Дитрих, Марика Рокк, Пола Негри, Вернер Краус, Генрих Георге и еще многие другие, часто даже и не немецкого происхождения. Что так завлекало наших зрителей на эти фильмы? Необыкновенная музыка, красивые женщины и мужчины в элегантных костюмах и платьях, любовь, мелодрама и все прочее, что так не напоминало жизнь вне зрительного зала. Музыка в фильмах действительно была необычной: в зависимости от сюжета это были или арии из опер и оперетт, или легкие уличные песенки, или же просто великолепные оркестровые номера, вальсы, фосктроты, танго и даже русские песни. Кроме того были и еще пластинки с записями музыки 30-40-х годов, которые везли с собой солдаты из Германии. Все это вместе и стало немецкой "трофейной" музыкой, небольшую подборку которой открывает самая знаменитая песня Германии -  "Лили Марлен", написанная в 1938 году - в исполнении  Марлен Дитрих и  Лале Андерсен.

Звезда немецкого кино и Голливуда Марлен Дитрих 

 

Эпоху модерна принято называть прекрасной и даже идеализировать, но на самом деле все не совсем так. Рядом с изящной тихой красотой, утонченностью и романтикой, всегда существует другой мир - мир разнузданности, непринужденности и безудержного веселья. В 1902-1913 известный немецкий журнал "Простодушный" (Simplicissimus) среди прочих своих изданий выпускал и специальные номера, посвященные карнавалу и карнавальной жизни в обществе.

Журнал "Simplicissimus" известен как лучший сатирический журнал того времени, откликавшийся на многие события того времени едкими карикатурами и злободневными литературными заметками. Достаточно упомянуть то, что в журнали активно работали такие известные литераторы, как  Альфред Кубин, Томас Манн, Георг Гросс, Генрих Манн и многие другие. Из-за своей злободневной сатиры журнал был запрещен к распространению в некоторых странах Европы и в частности в России. Во многом благодаря Simplicissimus появилось и среди русских художников желание создать нечто подобное и инициаторами были члены общества "Мир искусства". Но все дело ограничилось несколькими номерами и идея погибла в силу политической напряженности того времени. В Германии же журнал просуществовал до 1944 года, причем сатирическая направленность журнала ушла вместе с началом Первой мировой войны, как и исчезли специальные карнавальные номера.

Читаем дальше...

При упоминании имени Мориса де Вламинка (Maurice de Vlaminck) всегда всплывает термин "фовизм", который для неискушенного в живописи зрителя становится чем-то загадочным и таинственным. На самом же деле он обозначает художественный стиль, который преподносит мир как раз в самом примитивном и простом виде. Отсутствие композиции, правильной перспективы и светотени, необычные цвета красок - от очень ярких до наоборот зловеще темных - все это признаки фовизма. Анри Матисс так говорил об этом: "Исходный пункт фовизма - решительное возвращение к красивым синим, красивым красным, красивым жёлтым - первичным элементам, которые будоражат наши чувства до самых глубин". Впервые живопись в стиле фовизма была продемонстрирована широкому зрителю в 1905 году на Осеннем салоне в Париже. И среди таких имен как Анри Матисс, Жорж Руо и других было и имя художника Мориса де Вламинка.

Морис де Вламинк Мост 1910

Морис де Вламинк сам определял свое творчество как близкое к Ван Гогу. Желающие могут сравнить живопись того и того и найдут много общего. Картины отличаются упрощенной трактовкой предметов, передачей тонких градаций света и использованием ярких контрастных цветов. Фирменные цвета Вламинка - ярко синий, голубой, желтый, красный и коричневый. Принимать или не принимать подобную живопись - это всегда дело вкуса, но как художественное явление она вполне заслуживает того, чтобы хотя бы иметь о ней какое-то представление...

Читаем дальше...

Пение птиц

Малиновка Болотная сова Дрозд певчий Кукушка Королек дальше > > > Рамочка от Егоровой Татьяны

Код для Mail.ru тут

Ян ван Эйк/Мадонна в церкви

Не позднее 1426 г. была написана «Мадонна в церкви» — одна из ранних работ Ван Эйка. Как и большинство его произведений, картина как бы светится изнутри, рождая ощущение возвышенной радости. Такой поразительный эффект внутреннего свечения достигался за счет послойного нанесения масляной краски на белую гипсовую грунтовку, тщательно отшлифованную и покрытую лаком.Дело в том, что Яна ван Эйка долгое время считали изобретателем масляных красок. Это не совсем так.

Художник Ян ван Эйк "Мадонна в церкви" 1425-26г, дерево, масло Столичный музей, Берлин, Германия


Асимметричный состав, необычный для Ван Эйка, объясняется тем, что это левое крыло диптиха. Другое крыло потеряно, но копии того времени подтверждают это.
Красящие составы на основе растительных масел были известны еще в ХII в., но популярностью не пользовались:они долго сохли, часто блекли и растрескивались. Многие художники стремились улучшить старинные рецепты.
>>>>>>>

Художник Carl Brenders /Бабочка

Чудо переходящих одно в другое состояний, это чудо превращения вялой гусеницы, тупой куколки в нежно-прекрасную бабочку, глубоко трогало человека, стало для него подобием собственных душевных превращений, подарило ему надежду на то, что когда-нибудь он оторвется от земли и поднимется в озарённые светом сферы вечности
@ Э. Эппли

Бабочка — символ души, бессмертия, возрождения и воскресения, способности к превращениям, к трансформации, так как это крылатое небесное существо появляется на свет, преображаясь из мирской гусеницы
>>>>>>>

Художник Peng Lian Xu/Вынужденный брак

Вынужденный брак
Стратагема № 13 — Бить по траве, чтобы вспугнуть змею
У царя государства Чжуншань были две возлюбленные — придворные дамы по имени Инь и Цзян. Обе надеялись стать царицами и потому втайне отчаянно боролись друг с другом.
Советник царя Сыма Си заметил это соперничество и решил, что может им воспользоваться, чтобы увеличить своё богатство и влияние.

Ради этого послал он тайно к даме Инь посланца, который, не называя имени пославшего, нашептал ей: «Стать царицей — это не пара пустяков. Если вы добьётесь своего, вы станете первой дамой в государстве и достигнете могущества и власти. Если же вы потерпите неудачу, не только ваша жизнь, но и жизнь всей вашей семьи окажется в опасности.
Картины Peng Lian Xu
>>>>>>>

- знает только АЛЕКСАНДР ВАСИЛЬЕВ

 

В СВОИХ ВИДЕОРОЛИКАХ Я  (Александр Васильев) много говорю о хорошем и плохом вкусе. В этот раз я решил вспомнить о таком понятии, как le faux pas, что в переводе с французского означает "неправильный шаг" и говорит о неумении человека вести себя в обществе. В русском языке le faute pas употреблялось в значении "ошибки в поведении, пробелы в знании этикета". Связано это с тем, что сегодня многие забывают о поведении в социуме. А ведь важно все время помнить о том, чтобы ваши действия были приятны окружающим.

 

Иллюстрации.

 

>>>