Прогулки по Вене - 7.

Вена для многих может показаться скучным городом. Но я бы сравнил ее с бутылкой хорошего вина. Этикетка провоцирует предвкушение.  Слова Кьянти, Карвуазье, Божоле, Кальвадос, Текила  вызывают те же ощущения, что и слово Вена. Нельзя познать вкус вина не попрововав его. Когда бутылка уже откупорена, то ее вкус и аромат еще долго будоражит ваши воспоминания. Так и Вена. Она будоражит воспоминания.

Для многих слово Хундертвассерт лишено какого-то смысла. Но тот, кто однажды прикоснулся к его творчеству, будет помнить свои ощущения всегда. Давайте знакомиться с ним.

Что это?

Итак, в Вене садитесь на U-bahn (метро) - U4 (зеленая ветка) или U6 (коричневая) и едете до станции Spitelau. Там просто выходите наверх - не промахнетесь. Вы увидите мусоросжигающий завод. Мусоросжигающий завод в центре Вены! Автор этого проекта - Хундертвассер.

Выйдя из метро вы увидите это чудо!

Фриденсрайх Хундертвассер (настоящее имя - Фридрих Стовассер) называл себя доктором архитектуры - то есть врачом, лечащим больное зодчество.

Однозначной оценки творчества этого талантливого художника и архитектора нет до сих пор. Вся жизнь его была связана с философским переосмыслением и преобразованием среды обитания человека и архитектурного сооружения как основного элемента этой среды. Он не придавал большое значение каркасу и стенам здания, считая основным его элементом окно: "Здание состоит из окон, оно скомпоновано из них. Если окна правильные, то правильно все здание. Когда строишь дом, начинай с окон, ибо они есть мост между внутренним и наружным пространством. Как первая кожа пронизана порами, так и третья - окнами". Второй кожей человека он считал одежду.

Во главу угла Хундертвассер ставил землю и все на ней произрастающее: траву, цветы, деревья. Поэтому он считал, что человек, как порождение земли, должен жить в гармонии с природой, а не находиться в вечной конфронтации с ней. У природы нет прямых линий и углов. Поэтому признанных мэтров архитектуры (Ле Корбюзье, Гропиуса, ван дер Роэ) он признавал врагами гуманизма и восхищался барселонским отшельником Антонио Гауди.

Все началось полвека назад, когда двадцатилетний юноша из еврейской семьи, от которой после 1943 г. почти ничего не осталось, путешествуя по Италии, сменил собственное имя Фридерик Стовассер на более интернациональное и эстетичное - Фриденсрайх Хундертвассер. Он успел проучиться всего три месяца в венской Академии изящных искусств у профессора с символическим именем Робин Христиан Андерсен, испытал влияние художников-экспрессионистов Уолтера Кампманна и Эгона Шиле и укатил в долгое путешествие. Сменяли друг друга города северной Италии, Тоскана, Рим, Неаполь, Сицилия, Флоренция. В Париже он поступил в Школу изящных искусств, но после первого же дня бросил занятия.

Он создал собственный оригинальный графический стиль, похожий на безумные воронки "Звездной ночи" ван Гога и рушащиеся церкви Аристарха Лентулова. Спираль, изобретенная Хундертвассером в молодости, стала на всю жизнь его любимой темой, формой и содержанием. Он рисовал эти бурные, красочные водовороты со страстью и упоением. Сейчас, кстати, графические работы Хундертвассера занимают почетный этаж в KunstHaus. Он увлекался теорией трансавтоматизма, был немного сюрреалистом, немного абстракционистом, не избежал влияния орнаментов и извивов архитектуры Гауди, но главное - в лучшем виде усвоил все открытия русского авангарда 20-х годов от Филонова до конструктивистов. Хотя, когда видишь золотой купол над Домом или глазурованные разноцветные колонны у входа, почему-то вспоминается собор Василия Блаженного.

В любви в те далекие годы был несчастлив. Дважды женился - один раз в Гибралтаре, другой - в Японии. Первый брак продержался два года, второй - пять. Зато теперь известный на весь мир семидесятилетний художник неизменно появляется всюду в сопровождении юных девушек. Подруги часто меняются, что вызывает зависть и любопытство коллег и деловых партнеров. Хундертвассер всегда носит разные носки. Об этом вам расскажет каждый житель Вены - с восторгом или с презрением.

Он долгие годы эпатировал культурную общественность экстравагантными выходками. Вместе с художниками Эрнстом Фукстом и Арнульфом Райнером основал универсальную академию всех творческих сфер "Пинторариум"; читая лекции в гамбургской Академии изящных искусств, упорно рисовал вместе с Базоном Броком и Хербертом Шульцем "Бесконечную линию" - в результате курс лекций закончился скандалом. Сочинил манифест "Право на третью кожу", который обнаженным прочитал в 1967 г. в Мюнхене изумленной публике. Второе "голое" выступление с манифестом-бойкотом называлось "Loose from Loos". Кажется, в третий раз он устраивал мужской стриптиз перед тогдашним мэром Вены во время борьбы за проект своего Дома. Если учесть, что мэром была женщина, это уже смахивает на легенду. Хотя чем Хундертвассер не шутит.

Речь в обнаженном виде за право на третью кожу по случаю акции Pintorarium
в Галерее Рихарда П. Гартмана. Мюнхен, 1967

Речь в обнаженном виде за право на третью кожу, вы можете прочитать здесь

В свое время Хундертвассер вывел теорию диктатуры окон и их права на самоопределение. Он говорил о том, что дома с упорядоченными линиями фасадов подобны концлагерю, что каждое окно-индивидуум имеет право на свою собственную жизнь. Дома состоят не из стен - это иллюзия, - а из окон. В своем манифесте от 1990 года он писал " Если мы разрешим окнам танцевать, проектируя их в различном стиле, если мы разрешим проявление большего числа неправильностей, как на фасадах, так и в интерьераХ, дома поправятся, дома начнут жить, каждый дом, каким бы безобразным или больным он ни являлся, может быть исцелен"

Все свои лукавые декларации художник честно воплотил в жизнь. Он построил здания, свободные от общепринятых норм и клише, где природа и человек встретились не на почве борьбы и самоутверждения, а на основе творчества.

Дом Хундертвассера, строившийся с 1977 по 1986 г., стал первым свободным Домом и реализацией мечты художника. В бесконтрольной неправильности его линий ощущалась страсть к приключениям, принадлежность к волшебной стране, где соблюдаются права окон и деревьев, где полы не дают соскучиться в своей неровности, а крыши зарастают буйной растительностью. Где красота в широком смысле не имеет препятствий.

Жизнь аристократической Вены, презрев веками сложившиеся традиции, "взорвал" художник и архитектор Фриденсрайх Хундертвассер, настоящий ниспровергатель общепринятых ценностей и устоев. Изящная пощечина буржуазному вкусу - архитектура Фриденсрайха Хундертвассера. Не барокко и не модерн показывают венцы своим гостям, а знаменитый сюрреалистический Дом Хундертвассера. Дом Хундертвассера в Вене (он так официально и называется в путеводителях) - зрелище невиданное.

Даже не дом, а спектакль, какой-то средневековый миракль и мейерхольдовское ревю в одном флаконе. Расчерченный асимметричными четырехугольниками фасад, керамическая плитка как главный элемент декора, нет двух окон одинаковой формы и размера,  неровныестены, полы, напоминающие лесную тропинку. И все это в обрамлении безумно-буйной растительности всех оттенков зелени. В Хундертвассерхаусе шумят водопады, квакают лягушки в пруду, на крыше растут деревья, а в квартирах живут люди. Над окошками маленькие короны - в своем жилье каждый - маленький король. Плюс правило длины руки. Каждый собственник квартиры имеет право перекрасить свою часть фасада, но только насколько сможет достать вытянутой рукой. Это муниципальное жилье - одно из самых дорогих в австрийской столице, но когда Дом закончили в 1986 году, от желающих поселиться в нем отбою не было.

Хотя, говорят, не все жильцы выдерживают долго. Во-первых, постоянно видят под окнами пялящихся туристов, во-вторых, устают, наверное, от неровных полов, особенно с похмелья. Все зависит от того, кто побеждает в душе квартиросъемщика - эстет или обыватель. Вот он, дом Хундертвассера - жемчужина Вены.

Это дом, который не соответствует никаким стереотипам и нормам. Это дом был задуман, спроектирован и оформлен художником как путешествие в неизведанную страну, где окна имеют свои права, где деревья на крыше, где природа и человек встречаются для создания первого свободного дома. Мастер мечтает о домах и прекрасной архитектуре. И мечта становится реальностью. Вот как описывает архитектурный ансамбль сам архитектор: “Это велико и мало одновременно, упорядоченно и беспорядочно, сохраняет черты венского стиля и в то же время далеко от него. Человека здесь встречают вода, деревья, краски, жизнь …” - таков замысел Хундертвассера.

 Даже эти фотографии не передают сказочного ощущения от дома Хундетвассера.

Половина Вены безоговорочно гордится им, вторая половина негодует, считая, что, если дали бы автору волю, он порушил старую имперскую архитектуру, извел на корню знаменитый стиль бидермайер и застроил элегантную Вену своими разноцветными пряничными домиками, смахивающими на жилища гномов из сказок братьев Гримм. "Хундертвассер - это кич!" - кричат ненавистники. "Хундертвассер - гений!" - спорят поклонники. Эксцентричный, на все руки мастер, провокатор, фанатик, космополит в творчестве и по жизни, бродяга и артист. И не по чуть-чуть, а на полную катушку. В общем, человек-оркестр.

Наиболее полное представление о творчестве Хундервассерта дает этот сайт,

И в заключение я дарю Вам маленький венский вальс на стихи Ф.Гарсии Лорки

МАЛЕНЬКИЙ ВЕНСКИЙ ВАЛЬС

Десять девушек едут Веной.
Плачет смерть на груди гуляки.
Есть там лес голубиных чучел
и заря в антикварном мраке.
Есть там залы, где сотни окон
и за ними деревьев купы...
О, возьми этот вальс,
этот вальс, закусивший губы.

Этот вальс, этот вальс,
полный смерти, мольбы и вина,
где шелками играет волна.

Я люблю, я люблю, я люблю,
я люблю тебя там, на луне,
и с увядшею книгой в окне,
и в укромном гнезде маргаритки,
и в том танце, что снится улитке...
Так порадуй теплом
этот вальс с перебитым крылом.

Есть три зеркала в венском зале,
где губам твоим вторят дали.
Смерть играет на клавесине,
и танцующих красят синим,
и на слезы наводит глянец...

А над городом - тени пьяниц...
О, возьми этот вальс,
на руках умирающий танец.

Я люблю, я люблю, мое чудо,
Я люблю тебя вечно и всюду,
и на крыше, где детство мне снится,
и когда ты поднимешь ресницы,
а за ними, в серебряной стуже, -
старой Венгрии звезды пастушьи,
и ягнята, и лилии льда...
О возьми этот вальс,
этот вальс "Я люблю навсегда".

Я с тобой танцевать буду в Вене
в карнавальном наряде реки,
в домино из воды и тени.
Как темны мои тростники!..
А потом прощальной данью
я оставлю эхо дыханья
в фотографиях и флюгерах,
поцелуи сложу перед дверью -
и волнам твоей поступи вверю
ленты вальса, скрипку и прах.

Прогулки по Вене - 6.

Вена у меня ассоциируется еще с двумя именами - Густав Климт и Фриденсрайх Хундертвассер.

Жизнь и эротическое представление о ней, на мой взгляд, составляют суть творчества выдающегося художника конца 19 и начала 20 века Густава Климта.

Жил Климт очень скромно. За границу (да и то ненадолго) он выезжал всего несколько раз в жизни, большую часть времени проводя в Вене и покидая ее лишь для того, чтобы отдохнуть несколько летних недель на озере Аттерзее, в Австрийских Альпах. Несмотря на то, что художник отличался крепким телосложением, любил плавать и заниматься греблей, прогрессирующая депрессия вынуждала его ежегодно, начиная с 1912 года, ездить на воды. Дома Климт жил вместе со своей матерью. Ежедневно он увлеченно работал, иногда даже забывая про обед. Политикой он совершенно не интересовался, и, кажется, не слишком обратил внимание на грянувшую мировую войну.

Густав Климт был самым талантливым в Австро-Венгрии из всех представителей стиля модерн (его называют здесь югендстиль). Творческая манера этого художника-символиста претерпела множество трансформаций: от необарокко его первых картин, к модерну. Климт сменил традиционные аллегории на сложный, изысканный язык узоров, который характерен для его “золотого периода”.

Ранние работы Климта представляли преимущественно большие фрески для театров. Их натуралистический стиль особого интереса для любителей модерна не представляет. В замечательных росписях, изображающих аллегорические фигуры, выполненных в 1891 году Климтом над большой лестницей, расположенной в венском Музее истории искусств, впервые видны типичные для югендстиля четкий силуэт и приверженность к орнаментализму.

Период рубежа ХIХ - ХХ веков вошел в русскую историю как один из необычайно ярких всплесков творческой энергии. Столь стремительный взлет творческой активности стал, в том числе, и причиной рождения в сознании современников особого стиля – стиля модерн – сразу же окрещенного за особую содержательную направленность дополнительным синонимом – «новый стиль».
Культура модерна в высшей степени самобытна и самоценна, так как подарила миру целую плеяду замечательных, архитекторов, художников, скульпторов, поэтов и писателей, режиссеров и музыкантов. Одним из таких представителей и был Густав Климт в Австрии и Врубель в России.

К лучшим работам Климта относят его портреты, написанные в более позднее время. Их можно посмотреть в венской Австрийской галерее, размещённой в Императорской резиденции Бельведер. В этом прекрасном дворце, построенном в барочном стиле, находится коллекция живописи, в которой главное место отведено картинам Густава Климта и их жемчужине знаменитому “Поцелую”.

Это одна из самых любимых моих картин. Моделью к этой картине был сам Густав Климт и его возлюбленная Эмилия Флоге. Завораживающее золотое сияние, притушенный эротизм (на картине открыты лишь лица и руки героев) и очевидная целомудренность изображения вызвали восторг публики (в том числе консервативной и пуританской).

Прогулки по Вене - 5.

Нельзя Вену представить без музыки Штрауса. У нас уже в 1 опусе звучал марш Радецкого Иоганна Штрауса-отца. А теперь послушайте вальсы Иоганна Штрауса-сына 

Мы живем рядом с Городским парком, в котором легендарный Курзал, в котором дирижировал сам Штраус. До сих пор здесь по вечерам играет оркестр и устраивают ужины при свечах.

21 августа 1862 состоялось открытие Штадтпарка. В 1867 г. в парке Йоханн Гарбен построил Венский Курсалон в стиле итальянского Возрождения. В Штадтпарке много скульптур, больше чем в других парках в Вене: это памятник Иоганну Штраусу-сыну - "королю вальса", и Францу Шуберту, Ф.Леару и Р.Штольцу.

Красавица-Вена неотделима от прекрасной музыки Иоганна Штрауса-сына, который прожил в этом городе многие годы и написал лучшие свои произведения. Памятник Штраусу-сыну в городском парке (Stadtpark) - один из главных символов города.

О творчестве Штрауса и его жизни в столице Австрии рассказывает экспозиция в квартире-музее на Praterstrasse, 54, но до этого музея я , к сожалению, не добрался. В этом доме Штраус жил семь лет, здесь им были сочинены многие прекрасные произведения, например, знаменитый вальс «Голубой Дунай». В музее много раритетов, включая музыкальные инструменты, на которых играл Штраус, партитуры его произведений, мебель, картины. В экспозиции подробно рассказывается о личной жизни композитора, а она, стоит отметить, была весьма бурной.

Мы мало знаем о Штраусе-отце. Он был скрипачем, композитором  и дирижером. Его считают родоначальником музыкальной династии Штраусов. Трое его сыновей — Иоганн, Йозеф и Эдуард — тоже стали известными композиторами. Наследие композитора насчитывает 251 творение (в том числе 152 вальса!). Это наследие было бережно сохранено его сыном и издано в 1889 году в Лейпциге. (Johann Strauss. Gesamtausgabe. Herausgegeben von seinem Sohn Johann Strauss, 7 Bände. Leipzig, 1889.)

Это фотография Штрауса-отца.

Иоганн Штраус-сын родился в Вене в 1825 году. Его отец, тоже Иоганн, прежде чем стать скрипачом, перепробовал несколько профессий, и в конце концов именно на музыкальном поприще добился больших успехов. Женившись, Штраус-отец организовал собственный оркестр, игравший танцевальную музыку для увеселения богатых жителей Вены, при необходимости сам сочинял, стал знаменит и получил титул "короля вальса". Штраус-отец много гастролировал со своим ансамблем - выступая в Берлине, Париже, Брюсселе, Лондоне. Своими вальсами он оказывал магическое действие на публику - даже такие маэстро, как Лист и Берлиоз выражали ему свое восхищение.

Почти 10 лет семья Иоганна Штрауса кочевала из одной венской квартиры в другую, и почти в каждой из них появлялся на свет ребенок - сын или дочка. Дети росли в атмосфере, насыщенной музыкой, и все были музыкальны. Оркестр отца часто репетировал на дому, и маленький Иоганн внимательно следил за происходящим. Он рано стал учиться на фортепьяно, пел в церковном хоре. Уже в шесть лет он наигрывал свои собственные танцы. Однако ни отец, ни мать не желали музыкальной будущности своим детям.

Тем временем жизнелюбивый отец стал жить на две семьи, и к семи детям от первого брака у него прибавилось еще семь. Отец был для Иоганна кумиром, и все-таки юноша лелеял мечту когда-нибудь подняться еще выше. Официально он числился в Политехническом училище, однако втайне продолжал заниматься музыкой: зарабатывая деньги преподаванием игры на фортепьяно, он отдавал их за уроки игры на скрипке. Попытки же родителей пристроить его к банковскому делу успеха не имели.

Наконец в свои девятнадцать лет Иоганн Штраус собрал небольшой ансамбль и получил в венском магистрате официальное право зарабатывать на жизнь дирижированием. Его дебют состоялся 15 октября 1844 года в качестве капельмейстера и композитора в знаменитом казино в предместье Вены. Публичное выступление молодого Штрауса с собственным оркестром стало для венской публики настоящей сенсацией. Само собой разумеется, что все увидели в честолюбивом сыне конкурента отцу.

На следующее утро газеты написали: "Добрый вечер, Штраус-отец. Доброе утро, Штраус-сын". Отцу же в ту пору было всего лишь сорок лет. Поступок сына привел его в ярость, и вскоре для сына, еще упивающегося своим триумфом, начались жестокие будни - борьба за выживание. Отец по-прежнему играл на светских балах и при дворе, на долю же сына во всей Вене оставалось лишь два небольших заведения - казино и кафе. Однако осенью 1849 года отец неожиданно умирает, и для сына все разом переменилось. Знаменитый оркестр Штрауса-отца без лишних разговоров избрал Штрауса-сына своим дирижером, и почти все увеселительные заведения столицы возобновили с ним свои контракты. Проявляя недюжинные дипломатические способности, зная, как польстить сильным мира сего, Штраус-сын вскоре стремительно пошел в гору. В 1852 года он уже играл при дворе молодого императора.

Летом 1854 года к И.Штраусу явились с деловым предложением представители русской железнодорожной компании, владевшей пригородной линией, связывавшей С.-Петербург с Царским селом и Павловском. Маэстро получил приглашение выступать вместе со своим оркестром в роскошном Павловском вокзале и в парке, где располагались дворцы царя и великого князя Константина. Деньги предлагались немалые, и Штраус немедленно согласился. 18 мая 1856 года начался его первый сезон под русским небом. Публика сразу же была покорена его вальсами и польками. На его концертах бывали члены императорской семьи. В Вене же Штрауса не без успеха заменял его брат - Йозеф, тоже талантливый дирижер и композитор.

Штраус и Павловск - это тоже два слитых воедино для меня слова

Здание Павловского вокзала, возведенное в дворцовом парке в середине XIX века по проекту Андрея Штакеншнейдера, предназначалось не только для приобретения билетов и ожидания поезда. При вокзале имелся ресторан, сад с фонтанами и большой концертный зал, рассчитанный более чем на 100 человек. В течение шестнадцати лет, с 1856 по 1872 г., с некоторыми перерывами, здесь выступал Иоганн Штраус. Музыкальные вечера в Павловском вокзале продолжались свыше 100 лет, а сам концертный зал Павловска называли первой русской филармонией. На его эстраде выступали не только выдающиеся дирижеры, но и многие исполнители - Федор Шаляпин, Иван Ершов, Анастасия Вяльцева. В 2003 году в Павловском парке установили памятник Штраусу - точную копию золотого Штрауса в Вене

Штраус провел в России с перерывами десять лет. Летом 1858 года во время одной из прогулок Штрауса познакомили с Ольгой Смирнитской. Она привлекла его с первой же встречи. Исключительной красотой Нет. Хотя Ольга и была очень хороша — стройная, с выразительными черными глазами, пышными шелковистыми кудрями, — она вряд ли могла называться красавицей. Но внутренняя красота, непосредственность, удивительное сочетание внутренней серьезности и девичьей шаловливости притягивали к ней.
Увы, мать Ольги была против их связи. Штраус тяжело пережил разрыв с горячо любимой девушкой, ставшей для него воплощением добрых, чистых идеалов. Летом 1859 года он посвятил любимой очаровательные польки-мазурки «Проказница» и «Кобольд», полные реминисценций о лучезарных днях прошлого. Последние дошедшие до нас письма Штрауса к Ольге относятся к зиме 1859—1860 года.
Ольга не только принесла ему радости и горести первой любви. Она обогатила его как человека, музыканта, художника-творца в самом благородном смысле этого слова. Под ее влиянием все доброе, светлое в душе Иоганна выкристаллизовалось, отшлифовалось. Его кругозор значительно расширился. Он узнал молодую, но одну из самых передовых в Европе русскую музыкальную культуру, причем тогда, когда она была еще мало известна на Западе.

В феврале 2011 года по телеканалу "Культура" показали удивительный фильм под названием "Больше, чем любовь" о любви Штрауса и Ольги Смирницкой на основе недавно изданной книги "100 писем о любви".

В России Штраус пережил немало романов, однако супружеское счастье нашел в Вене, женившись в августе 1862 года на Етти Трефц, уже имевшей до него трех дочерей и четырех сыновей. Это ничуть не помешало ей стать не только его возлюбленной, но также музой, сиделкой, секретаршей, деловой советчицей. При ней Штраус еще выше вознесся и еще больше окреп духом. На летний сезон 1863 года Етти вместе с мужем поехала в Россию... Стараясь не отставать от Йозефа, к тому времени ставшего в Вене известным композитором, Иоганн Штраус создает свои шедевры - вальсы "Голубой Дунай" и "Сказки Венского леса", в которых выразилась музыкальная душа Вены, сотканная из мелодий самых разных наций, ее населяющих.

На фото Штраусн со своей женой   Генриеттой Трефц, которая была  была знаменитой оперной певицей.

В 1870 году венские газеты сообщили, что Штраус работает над опереттой. На это его подвигла честолюбивая жена. И вправду, Штраусу надоело "пиликанье" вальсов и он отказался от должности "дирижера придворных балов". Эту должность займет третий его брат - Эдуард Штраус. Первую оперетту Штрауса под названием "Индиго и сорок разбойников" публика приняла на ура. Третьей же опереттой композитора стала знаменитая "Летучая мышь". Поставленная весной 1874 года, она сразу же полюбилась венцам. Композитор одолел еще один Олимп. Теперь он был признан во всем музыкальном мире, однако продолжал работать в лихорадочном темпе и с огромным напряжением. Успех и слава так и не избавили его от страха, что однажды муза покинет его, и он больше ничего не сможет написать. Этот баловень судьбы был вечно недоволен собой и полон сомнений.

Отказ от придворного дирижирования не помешал Штраусу и далее гастролировать по странам и весям, с успехом выступать Санкт-Петербурге и Москве, Париже и Лондоне, Нью-Йорке и Бостоне. Доходы его растут, он входит в элиту венского общества, строит свой "городской дворец", живет в роскоши. Смерть жены и неудачный второй брак на некоторое время выбили Штрауса из привычной колеи успеха, но через несколько лет, будучи уже в третьем браке, он снова на коне.

После оперетты "Ночи в Венеции" он пишет своего "Цыганского барона". Премьера этой оперетты 24 октября 1885 года накануне шестидесятилетия композитора явилась для венцев подлинным праздником, а затем началось ее триумфальное шествие по всем крупным театрам Германии и Австрии. Но Штраусу уже и этого было мало - душа его требовала другого музыкального простора, другой сцены - оперной. Он внимательно следил за музыкальными тенденциями своего времени, учился у классиков, дружил с такими маэстро, как Иоганн Брамс и Ференц Лист. Ему не давали покоя их лавры, и он решил одолеть еще один Олимп - оперный. От этой затеи его не без труда отговорил Брамс и, пожалуй, был прав. Но отсюда следует и другое - Иоганн Штраус как настоящий художник не мог не искать для себя новых путей, новых точек приложения своего недюжинного таланта.

И все-таки для Штрауса это был крах некой мечты. После этого творчество композитора резко пошло по нисходящей. Его новая оперетта "Венская кровь" не понравилась публике и выдержала лишь несколько представлений. В октябре 1894 года Вена торжественно отмечала 50-летие дирижерской деятельности "короля вальсов". Сам же Штраус прекрасно понимал, что это всего лишь ностальгия по старым добрым временам, от которых в воздухе почти ничего не осталось. В дверь стучался суровый двадцатый век.

Последние годы жизни Штраус провел уединенно, прятался в своем особняке, где время от времени гонял с друзьями биллиардные шары. По случаю 25-летия оперетты "Летучая мышь" его уговорили дирижировать увертюрой. Последнее выступление Штрауса оказалось для него роковым - он простудился и заболел. Началось воспаление легких. 30 июня 1899 года Штраус умер. Как когда-то его отцу, Вена устроила ему грандиозные похороны.

Ну и под конец приведу несколько высказываний о Штраусе

Две вещи на земле очень трудны: во-первых, добиться славы, во-вторых, ее удержать. Только подлинным мастерам это удается: от Бетховена до Штрауса, каждому в своем роде.

Роберт Шуман

Штраус - это Бог, владеющий страстями.

Александр Дюма

Имя Штрауса славится ныне во всей танцующей Европе. Оно неотделимо от несметного числа прихотливых веселых вальсов, отличающихся новым ритмом и изящной оригинальной непринужденностью, вальсов, обошедших весь мир...

Гектор Берлиоз

Прогулки по Вене - 4.

Бетховен  впервые приехал в Вену в 1787году в возрасте 17 лет. Вена покорила его. А в 1792 году он приехал в Вену во второй раз по приглашению Гайдна и оставался здесь до конца своих дней. Умер он 26 марта 1827 года в возрасте 57 лет.

Приехав в Вену, Бетховен начал занятия с Гайдном, но они быстро разочаровали и ученика, и учителя. Бетховен думал, что Гайдн был недостаточно внимателен к его стараниям; Гайдна пугали не только смелые по тем временам взгляды Людвига, но и довольно мрачные мелодии, что в те годы было малораспространённым. Однажды Гайдн написал Бетховену::

Ваши вещи прекрасные, это даже чудесные вещи, но то тут, то там в них встречается нечто странное, мрачное, так как Вы сами немного угрюмы и странны; а стиль музыканта — это всегда он сам.

Вскоре Гайдн уехал в Англию и передал своего ученика известному педагогу и теоретику Альбехтсбергеру. Умению свободно писать для голоса Бетховен учился у Сальери. Кстати, почитайте интересную статью, название которой говорит само за себя "Бетховен и Сальери"

 Уже в первые годы жизни в Вене Бетховен завоевал славу пианиста-виртуоза. Его игра поразила слушателей. Прослушав импровизацию Бетховена, Моцарт воскликнул: Он всех заставит говорить о себе!

Бетховен отличался крайней резкостью. Однажды, когда он играл в публичном месте, один из гостей начал разговаривать с дамой; Бетховен тотчас оборвал выступление и добавил: «Таким свиньям я играть не буду!». И никакие извинения и уговоры не помогли.

В другой раз Бетховен гостил у князя Лихновского. Лихновский очень уважал композитора и был поклонником его музыки. Он захотел, чтобы Бетховен сыграл перед собравшимися. Композитор отказался. Лихновский стал настаивать и даже приказал выломать дверь комнаты, где заперся Бетховен. Возмущённый композитор покинул имение и вернулся в Вену. Наутро Бетховен отправил Лихновскому письмо: «Князь! Тем, чем являюсь я, я обязан самому себе. Князей существует и будет существовать тысячи, Бетховен же — только один!»

Однако, несмотря на столь суровый характер, друзья Бетховена считали его довольно добрым человеком. Так, например, композитор никогда не отказывал близким друзьям в помощи. Одна из его цитат:

Ни один из моих друзей не должен нуждаться, пока у меня есть на кусок хлеба, если кошелёк мой пуст я не в силах помочь тотчас же, ну что ж, мне стоит только сесть за стол и взяться за работу, и довольно скоро я помогу ему выбраться из беды.

Сочинения Бетховена начали широко издаваться и пользоваться успехом. За первые десять лет, проведённых в Вене, было написано двадцать сонат для фортепиано и три фортепианных концерта, восемь сонат для скрипки, квартеты и другие камерные сочинения, оратория "Христос на Масличной горе", балет "Творения Прометея", Первая и Вторая симфонии.

В 1796 году Бетховен начинает терять слух. У него развивается тинит — воспаление внутреннего уха, приводящее к звону в ушах. По совету врачей он надолго уединяется в маленьком в пригороде Вены, городке Хайлигенштадт. Однако покой и тишина не улучшают его самочувствия. Бетховен начинает понимать, что глухота неизлечима. В эти трагические дни он пишет письмо, которое впоследствии будет названо хайлигенштадтским завещанием. Композитор рассказывает о своих переживаниях, признаётся, что был близок к самоубийству:

Мне казалось немыслимым покинуть свет,  раньше, чем я исполню всё, к чему я чувствовал себя призванным.

В Хайлигенштадте композитор приступает к работе над новой Третьей симфонией, которую назовёт Героической.

Первая часть – музыка необычайной силы, вторая – потрясающее излияние скорби, третья – остроумное, прихотливое скерцо, а финал – вариации на ликующую, праздничную тему

Интересную историю, связанную с третьей симфонией рассказал Д.Кабалевский. Он где-то вычитал о последних минутах гибели "Титаника", который наскочил на айсберг. В первые же минуты катастрофы обнаружилось, что спасти удастся только женщин, детей, да и то не всех. Ужас охватил находившихся на пароходе... И тут произошло нечто невероятное. На верхнюю палубу вышли музыканты симфонического оркестра, ехавшего на «Титанике» и дававшего по вечерам концерты для пассажиров. Они вышли со своими инструментами в руках, расселись в том же порядке, как всегда сидели в концертах, и заиграли...

Заиграли Третью симфонию Бетховена. Героическую симфонию героического композитора. Симфонию великого музыканта, чья жизнь и чьё творчество были насыщены неустанной, напряжённой борьбой против жестоких ударов судьбы, обрушивавшихся на него с первых до последних дней его жизни, борьбой с горем, унижениями и несправедливостью, борьбой за жизнь, за счастье, за радость...

Смертельно раненый «Титаник» погибал медленно, мучительно долго, словно не хотел расставаться с жизнью. А сотни людей обречённые вместе с ним на гибель, слушали музыку бетховенской симфонии, и эта музыка укрепляла их волю, вливала в них мужество, уберегала от паники, от душевных мук, от сумасшествия, от всего, что неизбежно угрожало каждому, кто находился в эти минуты на тонувшем корабле.

Музыка Бетховена звучала мужественно и величаво, заглушая шум воды, заполнявшей тело корабля, заглушая страдания гибнущих людей. Она звучала до той минуты, пока волны не накрыли палубу вместе с музыкантами, вместе с последними звуками бетховенской симфонии.

Какой могучей силой должна обладать музыка, способная оказать людям поддержку в такую трагическую минуту жизни, помочь им сохранить душевное равновесие, человеческое достоинство...

 Какая невероятная тема звучит в финале этой симфонии, что даже Вагнер и Чайковский должны были повториться и следовать. Послушайте это, и невозможно не чувствовать прочность Французской революции и Наполеона, кому хотел посвятить эту симфонию Бетховен. И никто никогда не понимал Бетховена лучше чем это сделал Караян.

 Женщины в жизни Бетховена тоже играли большую роль.

Источником вдохновения для ряда сочинений стали романтические чувства, которые Бетховен испытывал к некоторым из своих великосветских учениц. Это, возможно, относится к двум сонатам «quasi una Fantasia», ор. 27 (вышли в свет в 1802). Вторая из них (позже получившая имя «Лунной») посвящена графине Джульетте Гвиччарди.

Но ужас от прогрессирующей глухоты сменило счастье от встречи с юной аристократкой, итальянкой по происхождению Джульеттой Гвиччарди (1784–1856). Джульетта, дочь богатого и знатного графа Гвиччарди, приехала в Вену в 1800 году. Тогда ей не было и семнадцати, но жизнелюбие и очарование молодой девушки покорили тридцатилетнего композитора, и он сразу же признался друзьям, что влюбился пылко и страстно. Он был уверен, что и в сердце насмешливой кокетки зародились такие же нежные чувства. В письме своему другу Бетховен подчёркивал: «Эта чудесная девушка так сильно любима мною и любит меня, что я наблюдаю поразительную перемену в себе именно из-за неё».

Через несколько месяцев после первой встречи Бетховен предложил Джульетте взять у него несколько бесплатных уроков игры на фортепиано. Та с радостью приняла это предложение, а взамен за столь щедрый подарок преподнесла своему учителю несколько вышитых ею рубашек. Бетховен был строгим учителем. Когда игра Джульетты ему не нравилась, раздосадованный, он швырял ноты на пол, демонстративно отворачивался от девушки, а та молча собирала тетради с пола. Через шесть месяцев, на пике чувств, Бетховен приступил к созданию новой сонаты, которую после его смерти назовут «Лунной». Она посвящена графине Гвиччарди и была начата в состоянии великой любви, восторга и надежды.

Дописывал же композитор свой шедевр в гневе, ярости и сильнейшей обиде: ветреная кокетка завела роман с восемнадцатилетним графом Робертом фон Галленбергом, который тоже увлекался музыкой и сочинял весьма посредственные музыкальные опусы. Однако Джульетте Галленберг казался гениальным, чем наивная девушка не замедлила поделиться со своим учителем. Тот, разгневанный, попросил юную графиню больше не приходить к нему. «Я презрел её, — вспоминал много позже Бетховен. — Ведь если бы я захотел отдать этой любви мою жизнь, что же осталось бы для благородного, для высшего?» А ученица-аристократка, став графиней Галленберг, покинула Вену и уехала в Италию.

Послушайте Лунную сонату, и подумайте, что с нами делают женщины!

Гений не раз вспоминал, как унижали его женщины. Однажды одна молодая певица из венского театра на предложение встретиться с ней с насмешкой ответила, что «композитор настолько безобразен во внешнем виде, да к тому же кажется ей слишком уж странным», что встречаться с ним она не намерена. Людвиг ван Бетховен и в самом деле не следил за своей внешностью, часто оставался неопрятным. Вряд ли его можно было назвать самостоятельным в быту, ему требовалась постоянная забота женщины. Когда Джульетта Гвиччарди, будучи ещё ученицей маэстро и заметив, что у Бетховена не так повязан шёлковый бант, перевязав его, поцеловав при этом в лоб, композитор не снимал этот бант и не переодевался несколько недель, пока друзья не намекнули на не совсем свежий вид его костюма.

Осенью 1826 года Бетховен заболел. Изнурительное лечение, три сложнейшие операции не смогли поставить композитора на ноги. Всю зиму он, не вставая с постели, абсолютно глухой, мучился оттого, что… не мог продолжать работать. 26 марта 1827 года великий гений музыки Людвиг ван Бетховен скончался.

После его смерти в ящике письменного стола нашли письмо «К бессмертной возлюбленной»: «Мой ангел, моё всё, моё я… Отчего глубокая печаль там, где господствует необходимость? Разве наша любовь может устоять только ценою жертв путём отказа от полноты, разве ты не можешь переменить положение, при котором ты не всецело моя и я не всецело твой? Что за жизнь! Без тебя! Так близко! Так далеко! Какая тоска и слёзы по тебе— тебе— тебе, моя жизнь, моё всё…».

Многие потом будут спорить о том, кому именно адресовано послание. Но маленький факт указывает именно на Джульетту Гвиччарди: рядом с письмом хранился крохотный портрет возлюбленной Бетховена, выполненный неизвестным мастером.

Четвертая, Пятая и Шестая (Пасторальная) симфонии были сочинены в 1804–1808. Пятая – наверное, самая известная симфония в мире – открывается кратким мотивом, про который Бетховен сказал: «Так судьба стучится в дверь». В 1812 были завершены Седьмая и Восьмая симфонии.

 Закончить я бы хотел Одой радости из 9 симфонии Бетховена. Вот как о ней рассказывает Великий Леонард Бернстайн.

Ода радости написана на слова Шелли:


Oh friends, not these sounds!
Rather let us sing more
pleasant ones, and more full of joy.

В Вене Бетховен сменил 30 квартир. Но в одной, что напротив Нового университета он прожил около9 лет. Здесь он написал 4 симфонию,оперу "Фиделио" и фортепьянный концерт. В этом доме мне удалось побывать.

Здесь, на 4 этаже находится квартира Бетховена

Вид из окна дома Бетховена

А это его посмертная маска

Венский дом музыки удивил своих посетителей. Теперь в нем работает интерактивный музей, который позволяет посетителям дирижировать знаменитым Венским филармоническим оркестром и даже самим сочинить симфонию.
На первых двух этажах представленны великолепные экспозиции, которые рассказывают туристам о том, какие звуки воспринимает младенец в утробе матери, как устроено человеческое ухо, а так же объясняют как правильно читать и писать музыку. Так же здесь можно послушать множество звуков со всего и мира, и более того – из космоса.
Третий этаж музея полностью посвящен великим композиторам, которые в разные времена жили в Вене или трудились здесь над своими произведениями: Йозеф Гайдн, Людвиг ван Бетховен, Вольвганг Амадей Моцарт и многие другие. Экспозиция этого этажа начинается в комнате Иогана Штрауса и заканчивается в комнате Густава Малера.
Дирижирование оркестром – одно из самых любимых развлечений для посетителей музея. Музыканты поднимаются на сцену, один из посетителей берет лазерную дирижерскую палочку и оркестр тут же нечинает следовать ее взмахам. К сожалению, многие из туристов являются на столько плохими дирижерами, что музыканты тут же начинают ворчать и посмеиваться над мастерством своего “временного руководителя”. Но это ни чуть не умаляе восторга туристов. Ведь управлять оркестром в знаменитом музыкальном городе мира, для них большая честь.

 К сожалению, только украинское телевидение откликнулось на открытие Дома музыки в Вене в 2009 году. Его обязательно стоит посетить. Мы, к сожалению, не успели!

Прогулки по Вене - 3.

Йозеф Гайдн также у меня всегда ассоциировался с Веной. Здесь он прожил большую часть своей жизни. Его учеником был юный Бетховен. 45 лет он, как и Леопольд Моцарт служил Эстергази придворным композитором. Творческое наследие его включает 104 симфонии, 83 квартета, 52 фортепианные сонаты, оратории («Сотворение мира» и «Времена года»), 14 месс, оперы.

Гайдна называют «отцом» симфонии и квартета. Немало написано и сонат, и симфоний, и квартетов и до Гайдна. Но только в творчестве Гайдна данные жанры стали классическими. В своей музыке Гайдн достаточно широко использовал народные мелодии. Его произведения отличает стройность и уравновешенность формы, светлый жизнеутверждающий характер. Именно поэтому музыку Гайдна называют классической. А так как жизнь Гайдна прошла в близи Вены и в Вене, то Гайдна называют еще и венским классиком. Это же высокое право называться венскими классиками получили еще два великих младших современника Гайдна – Моцарт и Бетховен.

В своей музыке Гайдн передал чувства, мысли и настроения своего времени. Музыку Гайдна любили и тепло принимали его современники. «Отдохновение и бодрость», которые так хотел доставить композитор людям, музыка Гайдна приносит и нам, спустя много десятилетий.

Еще одно направление в музыке - это серенады. Зародилась серенада на юге Европы, под теплым синим небом Италии и Испании. Там она была непременной частью жизни города. То с одной, то с другой улицы почти всегда доносились звуки музыки - чаще всего звон лютни или гитары, пение. Недаром опера Россини «Севильский цирюльник», с таким блеском воплотившая сцены испанской жизни, начинается именно серенадой. Серенадой графа Альмавивы, который поет, в сопровождении наемных музыкантов, под окном очаровательной Розины.

От Севильи до Гренады
В тихом сумраке ночей
Раздаются серенады
Раздается стук мечей.

Эти строки поэта А. К. Толстого, положенные на музыку, и есть серенада. Наверное, вы ее не раз слышали. Серенадами назывались произведения, исполнявшиеся вечером или ночью на улице (итальянское выражение «al sereno» означает «на открытом воздухе») перед домом того, кому серенада посвящалась. Чаще всего - перед балконом прекрасной дамы.

В XVII - XVIII веках серенадами назывались и сюиты для небольшого оркестра, исполнявшиеся также на открытом воздухе. Как правило, композиторы сочиняли их по заказу знатных лиц. Такие серенады писали Гайдн, Моцарт. В XIX веке оркестровых серенад почти не появлялось.

 Послушайте серенаду Гайдна  

И еще интересная история о "Прощальной" симфонии Гайдна. Гайдн написал эту симфонию в качестве тонкого намека своему хозяину, князю Эстергази, на то, что его музыкантам не платят жалование. Этот намек содержится в финале, когда исполнители один за другим покидают сцену, пока не остается только первый скрипач. 
В полузабытой книге одного итальянского музыканта, Джакомо Феррари, "Приятные и интересны анекдоты", изданной в Лондоне в 1830 году на итальянском языке. Феррари, лично знавший Гайдна, рассказывает историю "Прощальной" симфонии    "Однажды князь Эстергази был недоволен музыкантами своего оркестра и приказал Гайдну всех их распустить, за исключением первого скрипача и клавесиниста. Гайдн был вынужден подчиниться, но был очень расстроен тем, что лишал многих людей средств к существованию, а также тем, что сам терял опытных музыкантов. Он решил сочинить инструментальную фугу и пригласил князя Эстергази послушать ее исполнение в воскресенье после Мессы. Князь согласился. После оркестрового раздела, который исполнили вместе все оркестранты, как того требует форма фуги, искусный маэстро ввел своего рода коду с последовательностью пауз, распределенных таким образом, что один инструмент за другим перестают играть. Фуга завершалась одним звуком, исполнявшимся в унисон скрипкой и клавесином. Князю Эстергази так понравилась эта шутка композитора, что он разрешил оставить всех музыкантов на службе".

 8 марта утром я был уже у домика Гайдна. В 1793 году в пригороде Вены Йозеф Гайдн купил этот дом, в ту пору под номером 73 по улице Кляйне Штайнгассе, а ныне 19 по улице Гайднгассе. Композитор его перестроил и надстроил верхний этаж. Именно здесь Гайдн сочинил большую часть своих поздних произведений и прожил 12 лет до самой смерти.

Жил Гайдн очень скромно.

Выставлена в музее и одна из знаменитых визитных карточек старого Гайдна. Когда в 1803 году он вследствие нервного истощения перестал писать музыку и очень редко появлялся на людях, он велел изготовить визитные карточки с цитатой из своей песни "Старик": "Иссякли все мои силы; стар я и немощен"... - Йозеф Гайдн.

Гайдн довольно поздно познакомился с интимной стороной жизни. Хотя почти до 30-летнего возраста музыкант жил в окружении венской богемы, он, вероятно, не имел никаких отношений с женщинами на протяжении всего этого периода.

Невинность молодого композитора проявилась, когда на одном из уроков музыки, которые он давал молодой графине, она, желая получше рассмотреть ноты, сильно наклонилась вперед, и Гайдн увидел ее грудь. "Впервые в жизни я увидел такое! - воскликнул потом Гайдн, рассказывая об этом случае своему другу. - Я очень смутился и перестал играть".

Застенчивый и неуверенный в себе, Гайдн осознал, что и внешность его не особенно привлекала женщин: невысокого роста, лицо покрыто пятнышками от оспы, а большой нос слегка деформирован. Гайдн считал себя уродом и как-то заметил, что женщин привлекала "уж никак не моя красота".


Когда Гайдн, наконец, влюбился, его избранницей оказалась дочь мастера по изготовлению париков, которая к тому времени уже твердо решила стать монахиней. Отец девушки успокоил растерянного музыканта и уговорил его жениться на ее сестре. Этот брак оказался исключительно неудачным.

Анна Мария Келлер, жена Гайдна, показывала свое полное неуважение к профессии своего мужа, например, тем, что использовала его рукописи в качестве папильоток для своих волос. У них не было детей, что тоже сказалось на отношениях между супругами. Гайдн объяснил свое последующее поведение так: "Моя жена не могла иметь детей, и я поэтому был уже не столь равнодушен к тем удовольствиям, которые мог получить в постели другой женщины".

Долгое время после женитьбы Гайдн был практически "женатым холостяком". Он, тем не менее, почти двадцать лет был верен своей жене.

Затем внезапно влюбился в 19-летнюю Луиджию Ползелли, итальянскую оперную певицу, которая тоже состояла в неудачном браке. Внешность и фигура Луиджии были, вне всякого сомнения, гораздо лучше, чем ее голос, и Гайдн любил ее на протяжении нескольких лет и даже пообещал жениться на ней, если они оба вдруг окажутся свободными. К тому времени, однако, когда вначале умер муж Луиджии, а затем скончалась и Анна Мария, любовь Гайдна поостыла. На это повлияло сразу несколько факторов. Во-первых, Луиджия стала все активнее требовать у Гайдна денег, а во-вторых, во время своей поездки в Англию он познакомился там с несколькими женщинами, которые показались ему гораздо более приятными и культурными, чем его итальянская любовница. Гайдн, тем не менее, продолжал аккуратно посылать Луиджии деньги до конца своей жизни. Утверждают, что отцом второго ее ребенка был Гайдн, хотя он сам никогда не признавал это отцовство.

Когда его жена была еще жива, Гайдн познакомился и подружился с англичанкой Ребеккой Шретер, вдовой, которой было уже за 60. Композитор позже написал: "Если бы я был свободным тогда, я бы точно на ней женился". До сих пор неизвестно, почему они внезапно прекратили переписку.

Гайдн часто потом флиртовал с женщинами, но предпочитал держать их на пьедестале. Сердечные дела играли незначительную роль в его жизни, и некоторые утверждают, что оперы Гайдн стал писать именно потому, что в его жизни не случилось страстной и долгой любви.

Ну и снова о музыке.

Йозеф Гайдн написал множество концертов для разных солирующих инструментов, но их ждала довольно странная судьба. Многие произведения утеряны (в их числе концерты для баритона (виолы ди бардоне), для фагота, для контрабаса, для валторны и дуэта валторн, для скрипки, для флейты, для виолончели...) Но при этом до наших дней дошло немалое число концертов, которые исполняются как гайдновские, хотя их авторство весьма сомнительно...Сохранилось три концерта для виолончели и оркестра. Концерт №1(до мажор), обнаруженный около полувека назад, несомненно принадлежит Гайдну. Мстислав Ростропович очень любил виолончельные концерты Гайдна. Послушайте 3 часть ре-мажорного концерта в его исполнении.

Гайдн умер 31 мая 1809 года. В те трагические дни на подступах к Вене стояли войска Наполеона. Воздух сотрясался от пушечных залпов, вокруг рассыпались осколки снарядов. Недолго сопротивляясь, Вена капитулировала. Вслед за этим, около дома Гайдна Наполеон лично приказал выставить караул для охраны, чтобы никто не мог потревожить уже не встающего с постели композитора.Йозеф Гайдн умер знаменитым и окружённым многими поклонниками.

Гайдн пробовал свои силы во всех родах музыкального сочинения, но не во всех жанрах его творчество проявлялось с одинаковой силой. В области инструментальной музыки он по справедливости считается одним из крупнейших композиторов второй половины XVIII и начала XIX столетий. Гайдн открыл новые пути в инструментовке, никто до него не понимал так тонко оркестровый колорит. В симфониях и квартетах он с удивительным мастерством разрабатывал свои мысли, простые и своеобразные. Образцами, имеющими большое воспитательное значение для музыканта, считаются в особенности лондонские симфонии и квартеты.

Оперы Гайдна отличаются прекрасной фактурой, однако драматический стиль был ему чужд. Несмотря на чрезвычайную религиозность, в своих церковных произведениях он редко доходил до настоящего церковного стиля. Его мессы носят светский характер. Более доступны дарованию Гайдна opaтории, в которых встречаются страницы чудной красоты.

Под конец жизни Гайдн пользовался громадной популярностью.Последними произведениями Гайдна три квартета для струнных инструментов.

Йозеф Гайдн, создатель струнного квартета, изначально определил жанр как «беседу четырёх старых добрых друзей, умудрённых опытом, пониманием жизни». С тех самых пор квартет и наиболее интеллектуальный, и исповедальный жанр. Послушаем квартет №103 - это одно из последних произведений Йозефа Гайдна.

И еще одной тайной для меня было создание Гайдном сочинения, известного под названием "Семь Последних Слов нашего Спасителя на Кресте".

Об истории его создания сам композитор написал так: В Кадисе подошел ко мне священник и сказал: "Я устал от традиций. Не могли бы Вы написать сочинение, посвященное Семи Словам нашего Господа? Если Вы не против, я предложил бы Вам следующую программу: в начале священник молится, став на колени. Затем он произносит первые слова Спасителя (Лк. 23:33-34), акцентируя слова Иисуса: "Отче! Прости им, ибо не знают, что делают", и произносит проповедь на эту тему. После этого - Ваша музыка, положенная на латинский текст. Следующая, вторая фраза (священник, как и все остальные тексты, произносит ее, стоя на коленях) - Лк. 23.42-43: "…Истинно говорю тебе, ныне же будешь со мною в раю". Снова проповедь, и - Ваша музыка. Затем третья фраза: Ин.19.25-27 ("Жено! Се, сын твой. Потом говорит ученику: се, Матерь твоя!". Проповедь - и Ваша музыка. Следующая тема - Мф.27:46 "… Боже Мой! Боже Мой! Для чего Ты Меня оставил?". Проповедь, и - музыка. Затем - Ин.19:28. "Жажду". Проповедь - музыка. Шестая фраза: Ин.19:30 - "Свершилось!". Проповедь - музыка. Последняя фраза - Лк. 23:46: "Отче! В руки Твои предаю дух Мой. И сие сказав, испустил дух". И - последняя проповедь с эффектной музыкальной концовкой. Все исполнители должны быть одеты в черное."

Согласитесь, для настоятеля католической церкви в провинциальном испанском городке Кадис, да еще в 18-м веке - идея более чем смелая. Неудивительно, что никто из профессиональных церковных композиторов того времени не откликнулся на предложение "прогрессивно настроенного" священника. Никто - за исключением Гайдна.

Гайдн создал цикл для оркестра из семи медленных частей (композитор именует их "сонатами") с интродукцией и эпилогом "II Terremoto" ("Землетрясение"), живописующим бурю, разразившуюся после смерти Христа. Как предполагают, сочинение впервые было исполнено на Страстной неделе 1786 года в Кадисе в церкви Санта-Куэва и опубликовано в 1787 году.

Вскоре оно приобрело широчайшую известность, и Гайдн, в целях дальнейшей популяризации цикла, сделал его переложение для струнного квартета, также изданное в 1787 году, тогда же вышло и переложение для фортепиано, просмотренное Гайдном.

Прогулки по Вене - 2

Вена и музыка для меня неразделимы. Она ассоциируется у меня со словами столица вальсов, Муза таких прославленных композиторов, как Моцарт, Бетховен, Шуберт, Штраус…

Какой город восторженный Моцарт в письмах своему отцу называл лучшим городом мира? Вену. В каком городе Бетховен сменил 68 квартир? В Вене. По дорожкам какого парка, под управлением смычка скрипки Страдивари в руках Короля Вальсов, самозабвенно кружились красивые пары? В Городском парке Вены. В каком городе мира на Центральном Кладбище есть почётный полукруг, где похоронены великие композиторы? Несомненно, в Вене. Возле какого памятника даже цветы выложены в форме скрипичного ключа? Однозначно, возле памятника Моцарту в Императорском парке в Вене.

Вот он, Моцарт в городском саду.

Начнем с Моцарта

В Вене сохранился всего один дом, где жил Моцарт. Дом Моцарта -Mozarthaus Vienna mit Mozartwohnung (Wien, Domgasse 5). Найти этот дом просто: за апсидой собора св. Штефана на Stefanspl пройти в арку дома 5а. Открыт ежедневно с 10 до 19 часов. Цена билетов: 9 евро, с венской картой — 7 евро. Есть также комбиированные билеты с посещением Дома Музыки и других музеев, входящих в Исторический музей Вены.

В этом доме Моцарт жил с 1784 по 1787. Всего 4 больших, 2 маленьких комнаты и кухня. В этом доме была написана опера «Женитьба Фигаро», поэтому дом также называют Дом Фигаро. Содержание этого дома обходилось Моцарту в 460 гульденов в год! В то время как его отец зарабатывал 400 гульденов в год в Зальцбурге.
В этой квартире началась дружба Моцарта с великим Гайдном, который признавал и ценил талант Моцарта даже когда все его поклонники отвернулись от него.

Подробнее: www.mozarthausvienna.at/

Если быть честным, то я ожидал от этого музея большего. Увидел чисто выбеленные стены, документы, картины.

Я, правда приоткрыл для себя тайну Моцарта. Моцарт для меня всегда был загадкой.

В детстве Моцарт мог  часами  сидеть над цифрами, точно завороженный, испещряя ими тетрадки, стулья, столы. Вольфганг мог бы стать великим математиком или физиком. Но его отец Леопольд решил иначе. Его сын будет только великим композитором! Если понадобится, Леопольд будет голодать и не спать по ночам. Но когда придет время, он потребует, чтобы сын вернул ему долги.
 
Вольфганг стал поистине первым великим европейцем. Первым во всем. В детстве он был приглашен в Ватикан и обласкан самим Папой Римским. Повзрослев, попросил отставки у зальцбургского архиепископа и стал первым независимым музыкантом, самостоятельно зарабатывающим деньги на жизнь.
 
С первых дней жизни в Вене Моцарт стал членом масонской ложи. В музее есть подлиный автограф Леопольда и Амадея Моцарта на акте о вступлении в массонскую ложу.

Загадка ещё и в том, почему великого Моцарта (а великим его уже при жизни признали!) похоронили как бедняка, в спешке, в общей могиле, так что уже через несколько лет никто не мог точно указать даже точное место, где похоронен великий Моцарт... Невольно напрашивается версия, что сильные мира сего очень желали в 1791 году, чтобы никто не смог потом найти могилы Моцарта. И им удалось осуществить свой замысел...

Моцарт действительно был отравлен. Он был масоном, и есть версия что в последней своей опере "Волшебной флейте" он раскрыл секреты масонов и был убит массонами, или врагами масонства. Скорее всего, сильные мира сего не желали, чтобы им мешал Моцарт. Они не признавали гениальность Моцарта.
 
Гений в искусстве, в любви – один из нас, он с легкостью обнародовал чужие тайны. Но главную свою тайну - формулу счастья и бессмертия - навсегда унес с собой. Хочу познакомить Вас с интересным фильмом, который приоткрывает тайную завесу над обликом Моцарта.

За свою жизнь Моцарт написал более 600 произведений, из них 58 симфоний. Полный архив произведений Моцарта Вы можете найти здесь

 Музей Моцарта мне не очень понравился. Я не ощутил в нем "духа Моцарта". Там была одна небольшая экспозиция под названием "Женщины в жизни Моцарта". Но.... Давайте вместе почитаем что наши люди об этом пишут. Вот, что пишет на эту тему в Новом венском журнале Екатерина Пирова

...Моцарт был невысокого роста, слегка неказистый, бледный и не очень симпатичный, зато веселый, сердечный и импульсивный. Несмотря на его внешнее несовершенство, ему рукоплескала вся Европа. Вращаясь в аристократическом обществе, он флиртовал со многими знатными дамами. Однако женщин, сыгравших существенную роль в судьбе влюбленного в музыку Вольфганга Амадея, было совсем немного.

Естественно, первой важной женщиной в жизни Вольфганга была его мать Анна Мария Моцарт, в девичестве Пертль. 

Мать Моцарта была очень общительной, жизнерадостной женщиной. Она любила, когда ее окружали друзья, соседи, дети, собаки и кошки – и чем больше их было, тем лучше. Она охотно и часто сочиняла стихи, и ее вовсе не смущало, что они получались плохими и нескладными. Она обожала розыгрыши и не стеснялась крестьянских бранных слов и крепких выражений.

Она родилась неподалеку от Зальцбурга в деревне Санкт-Гильден, которая находится на северо-западном берегу озера Вольфгангзее.

Санкт-Гильген часто называют «Деревней Моцарта» (Mozart-Dorf). Хотя сам великий композитор никогда в городке (или деревушке?) не был, все же связь между Санкт-Гильгеном и В.-А.Моцартом существует. С 1716 по 1724 год должность окружного судьи в Санкт-Гильгене занимал Вольфганг Николаус Пертль. В 1720 году у него и его жены Евы Розины родилась дочь Анна Мария Вальбурга, вышедшая затем замуж за зальцбургского композитора Леопольда Моцарта.

Нам удалось побывать в Санкт-Гильгене здесь с Ирочкой несколько лет назад. Посмотрите несколько памятных фотографий этих мест.

Сестра Моцарта Наннерль была старше Вольфганга на четыре года. Она была талантливой пианисткой и все свое детство провела в поездках по Европе вместе с семьей. Анна Мария, как и Моцарт, была вундеркиндом, однако отец всегда выдвигал младшего сына на передний план. А Наннерль приходилось оставаться в тени своего гениального брата. Несмотря на это, между детьми Моцартов не было конкуренции, брат и сестра всегда очень искренне любили друг друга. Наннерль была тихой, скромной и домашней, постоянно заботилась о Вольфганге и отце. Когда ей исполнилось 33 года, Анна Мария вышла замуж за юриста Иоганна Баптиста Франца фон Берхтольда цу Зонненбург, вместе с которым поселилась в доме матери в Санкт-Гильгене. У супругов родилось трое детей. После смерти мужа в 1801 году она снова вернулась в Зальцбург, где зарабатывала себе на жизнь уроками игры на фортепьяно.

Мария Анна Текла была двоюродной сестрой Моцарта. Он ее называл ласково «Bäsle» – кузиночкой. В 1777 году, незадолго до кончины матери Моцарта, они вместе побывали в Аугсбурге, где между Вольфгангом и его молодой кузиной завязалась озорная и крайне крепкая дружба.

Алоизия Вебер

В 1777 году Моцарт побывал в немецком городе Мангейме. Там он по уши влюбился в певицу Алоизию Вебер. 16-летняя Алоизия была дочерью театрального суфлера и переписчика нот Фридолина Вебера, который делал все возможное, чтобы прокормить свое семейство. Еще бы! У него подрастали четыре дочери, и две из них уже достигли возраста на выданье. Госпожа Вебер стремилась побыстрее пристроить своих девочек, и не просто так, а повыгоднее, и потому любой молодой человек, появлявшийся в их доме, рассматривался как потенциальный жених. О зяте-звезде супруги Вебер и не мечтали, но судьба распорядилась именно так. Чистый и нежный голос Алоизии, как и она сама, пленили Моцарта. Он сразу же понял, что перед ним девушка его мечты – именно на такой музыкант захотел жениться и провести с ней остаток своих дней. Для нее он написал несколько блестящих концертных арий, предвкушая, что Алоизия станет его женой и будет петь в его будущих операх. Влюбленный Вольфганг даже сочинил музыку для своей свадебной церемонии.

Он, наивный, уже строил планы на будущее, позабыв спросить благословения у своего честолюбивого и строгого отца. Леопольд не задумывался о возрасте своих детей, когда он безжалостно в течение долгих лет заставлял их колесить по всей Европе от одного концертного зала к другому. Сейчас же он посчитал сына слишком незрелым для брака. Он гневно писал Вольфгангу: «Вместо того, чтобы тратить время на женщин, лучше занимайся своей дальнейшей карьерой». Леопольд приказал Моцарту немедленно уехать в Париж – подальше от Мангейма и возлюбленной. Пришлось послушаться отца. Вольфганг с тяжелым сердцем покинул Алоизию. А девушка не теряла времени даром: совместные выступления с Моцартом, его пьесы раскрыли перед ней двери желанных салонов, она стала известной певицей.

После Парижа Моцарт в пух и прах разругался с зальцбургским архиепископом. Поговаривали даже, что священнослужитель выставил Вольфганга за дверь в буквальном смысле при помощи хорошего пинка под зад. Тогда Моцарт подался в Вену, где поселился у госпожи Вебер, к тому времени перебравшейся в имперскую столицу. Она с радостью сдала ему комнату и окружила заботой и вниманием. Ему, недавно потерявшему мать, как раз это и было необходимо. Здесь Моцарт с ужасом узнал, что его возлюбленная Алоизия, ставшая актрисой придворного венского театра, не дождалась его и вышла замуж за другого. Тогда Вольфганг всю свою нереализованную любовь и нежность перенес на ее младшую сестру, Констанцу.

Констанца Моцарт, урожденная Вебер

В истории музыки не было еще ни одной женщины, в адрес которой литераторы, искусствоведы и музыканты излили бы столько желчи, сколько досталось Констанце Моцарт. Какими только эпитетами ее не награждали: глупая пустышка, присосавшаяся к гению; неверная, развратная кокетка, развлекавшаяся с мужчинами на венских курортах, в то время как ее муж боролся за выживание семьи; радостная и предприимчивая вдова, извлекавшая выгоду из торговли рукописями Моцарта, ни разу за 18 лет не посетившая могилу мужа. Ей даже приписывали соучастие в убийстве собственного супруга.Но это не так.

Она была младше Моцарта на шесть лет и влюбилась в него при первой же встрече, а он, увлеченный ее сестрой, этого даже не заметил. После болезненного разрыва с Алоизией именно Констанца оказалась рядом с отвергнутым музыкантом. Наконец-то пришел ее звездный час. Между девушкой и Моцартом разгорелся бурный тайный роман. Отец Моцарта  Леопольд долго не давал своего благословения на брак сына с необразованной и далекой от музыки девушкой. Но, в конце концов, 4 августа 1782 года 26-летний Моцарт обвенчался с Констанцией в соборе Св. Стефана. Их счастливый брак длился девять лет.

Незадолго до свадьбы  композитор написал комическую оперу «Похищение из сераля», ставшую первым произведением национальной австрийской оперы. В год брака Моцарта настигла невероятная слава, даже император был в восторге от его музыки. После свадьбы молодые стали жить отдельно. Моцарт по-настоящему был счастлив. Супруги идеально подходили друг другу. Констанца не была тихой домохозяйкой, она оказалась темпераментной и веселой, как и сам Вольфганг.

Напряженная работа отбирала у Моцарта много сил. Если он куда-нибудь уезжал, то писал жене теплые и нежные письма почти каждый день. Вот одно из них: «Моя любимая женушка, я пользуюсь возможностью, чтобы написать тебе, моя дорогая. Как поживаешь? Так же часто думаешь обо мне, как я о тебе? Каждую минуту я смотрю на твой портрет и плачу от счастья и печали. Береги себя ради меня и будь здорова, любимая! Прощай, целую тебя нежно-нежно миллион раз. Навеки твой, пока смерть не разлучит нас».

Несмотря на эти любовные послания, Констанца ревновала мужа к каждой юбке. Вольфганга всегда окружали очаровательные дамы, а фрау Моцарт, истощенная болезнями и частыми неудачными родами, стала терять свою девичью свежесть. Моцарт пытался успокоить жену, он писал ей из поездок: «Не мучь ни себя, ни меня излишней ревностью! Умоляю! И ты увидишь, какими довольными мы станем! Лишь умное, ровное поведение женщины может возложить узы на мужчину. Пойми это!»

Поговаривали, что и Констанца иногда поглядывала в сторону других мужчин. После очередных родов она отправлялась в Баден, где в компании кавалеров восстанавливала силы и два раза в год лечилась от хронических запоров. В одной из таких поездок в Баден летом 1791 года Констанцию сопровождал красавец Франц Ксавьер Зюсмайр. Он был последним учеником Моцарта, а также другом и бывшим учеником Сальери. Вольфганг очень ревновал супругу к нему и не скрывал этого в своих письмах, адресованных ей. А Констанция тем временем ревновала мужа к его ученице Магдалене Хофдемель. В июле 1791 года у Констанции родился очень симпатичный малыш, которого она назвала в честь Зюсмайра – Франц Ксавьер, чтобы позлить мужа. И тут же злые языки стали упрекать ее в супружеской измене, усиленно намекая маэстро на то, что Франц Ксавьер на самом деле не его сын.

Из шести детей, родившихся у Констанции, выжили лишь два сына – Карл Томас и Франц Ксавьер.

В роковом 1791 году Моцарту исполнилось 35 лет. Его карьера достигла своего апогея, он наконец завершил «Волшебную флейту» – свою самую успешную оперу. В конце ноября Моцарт сильно заболел. У него начались бредовые состояния, головокружения, обмороки, рвота. Он сильно исхудал, а руки и ноги опухли так, что практически не шевелились. 5 декабря он умер. Констанца тем временем восстанавливала свои силы после шестых родов в Бадене. На следующий же день состоялись похороны Моцарта.

Историки склонны считать, что перечень возлюбленных гения был длинным. К ним причисляют пражскую певицу Йозефу Душек, берлинскую исполнительницу Генриетту Бараниус – фаворитку Фридриха Вильгельма II, британское сопрано Нэнси Сторейс, венских певиц Барбару Герл и Анну Готтлиб, а также дочь некого господина Мундбекена, которая из-за несчастной любви ушла в монастырь.

Поговаривали, что у Моцарта был роман и с его ученицей Магдаленой, супругой его приятеля-масона Франца Хофдемеля. Эти шуры-муры или просто сплетни привели к трагедии: на следующий день после смерти Моцарта Хофдемель набросился с бритвой на свою 23-летнюю беременную жену и тяжело ранил ее, а затем перерезал себе горло. Тогда же по Вене поползли слухи, что Хофдемель узнал о романе своей жены и отравил своего соперника Моцарта, чтобы потом убить свою супругу и   себя самого. Стоит ли верить в реальность приписываемых гению романов? Сказать сложно. Остается верить самому Моцарту, который до брака с Констанцией в одном из писем отцу признался: «Всевышний даровал мне талант не для того, чтобы я погубил его из-за жены и прожил бездеятельно свою молодую жизнь. Я только начинаю жизнь, должен ли я ее себе портить? Я определенно ничего не имею против брака, но сейчас он явился бы для меня только злом. И ничем иным. Если бы мне пришлось жениться на всех тех, с кем я потешался, то у меня с легкостью могло бы быть 200 жен».

Прогулки по Вене  - 1

Целую неделю мы провели в Вене. Много впечатлений, но начнем мы наш рассказ с самого яркого - мы побывали 11 марта 2011 года на концерте прекрасного мексиканского певца Роландо Виллазона  в одном из самых лучших концертных залов мира - Музикферайн.

Первый зал мира так часто называют венский Grosser Musikverein, центр австрийской музыкальной жизни. Открытый в 1870 году, зал помимо благородной красоты, в чистом виде воплощающей венский архитектурный стиль второй половины XIX столетия, славится своей уникальной чистой акустикой. На эту священную сцену допускаются только лучшие из лучших.

Традиционный новогодний концерт Венского филармонического оркестра в Золотом зале каждый год транслируется по всему миру.

В этом зале нам удалось побывать. Но мест в зале для сидения не было. В конце зала есть стоячие места, но если уедается занять место у стенки, то можно и посидеть (но на полу). Искусство требует жертв.

В кассе не было билетов даже на стоячие места. Публика на концерте была удивительная. Во время исполнения романсов, а Виллазон исполнял романсы на музыку Шуберта, Массне и неизвестных мне австрийских композитовров, многие слушатели внимательно смотрели программки, где были напечатаны слова песен.

Эмилио Роландо Вильясон Маулеон (Emilio Rolando Villazón Mauleón; родился в Мексике 22 февраля 1972 года.

Давайте познакомимся с ним поближе.

В возрасте 11 лет он поступил в Академию изящных искусств, где получил уроки в музыке, актёрском мастерстве, классическом балете и танце модерн.

В 1990 году баритон Артуро Ньето пробудил в нём интерес к оперному пению и стал его первым педагогом. Вильясон продолжил вокальное образование в национальной консерватории у Энрике Хасо и выиграл два конкурса вокалистов у себя на родине. Тогда он был замечен баритоном Габриэлем Михаресом, помогшим ему начать международную карьеру.

Начало европейской карьере Вильясона было положено успешным выступлением в Генуе в партии Кавалера де Грие в опере Массне «Манон» (1999). 

Мы его узнали совсем недавно, как партнера Анны Нетребко. Судя по всему, их познакомил Плассидо Доминго, под руководством которого Виллазон пел в оперном театре Мехико.

Находясь в расцвете физических и творческих сил, с 2007 года Виллазон начал испытывать проблемы с голосом. Кризис настиг Роландо в начале минувшего года, когда в одном из спектаклей "Лючии ди Ламмермур" на сцене Метрополитен Опера он был вынужден прервать пение, и взволнованную публику пришлось успокаивать Генеральному менеджеру МЕТ Питеру Гелбу. Особенно больно об этом вспоминать потому, что в тот момент на сцене рядом с Роландо находилась Анна Нетребко, только что возобновившая свои выступления после перерыва, связанного с рождением сына.
В тот вечер Роландо совершил подвиг, найдя в себе силы закончить спектакль. Однако стало ясно, что для восстановления голоса надо было принимать срочные меры.
Медицинское обследование обнаружило у Роландо кисту на голосовых связках. Выход был один – операция, и Роландо объявил об отмене сначала некоторых, а затем всех своих выступлений в сезоне 2009-2010.
Ведущие оперные театры вместе с публикой были крайне огорчены, когда в ряд отмененных Виллазоном спектаклей попали с нетерпением ожидавшиеся его совместные выступления с Анной Нетребко. Среди отмененных спектаклей значились "Иоланта" в Баден-Бадене, "Любовный напиток" в парижской Опере Бастиль, "Сказки Гоффманна" в МЕТ, "Кармен" в Венской Опере, "Манон" в лондонском Ковент Гардене.
Летом Виллазону была сделана операция. Несмотря на прогнозы скептиков, восстановление голоса протекало благополучно. Сам певец не торопил процесс выздоровления, обещая поклонникам вернуться тогда, когда это будет возможно.
"Мой голос опять со мной, - сказал недавно Роландо. - Я счастлив сообщить всем, что в настоящее время я уже пою, и нужно только еще немного времени, чтобы быть полностью готовым выйти на сцену  и петь для Вас."
"Я уверена, что он вернется, и голос его будет  еще лучше, чем прежде, - сказала Анна Нетребко. – Я его жду".
И вот он возвращается.
Для своего возвращения он выбрал Вену. 22 марта 2010 года он выступил в роли Неморино в опере Г.Доницетти  "Любовный напиток".

Публика с нетерпением ждала возвращения Вилласона. Мы были этому свидетелями. И после концерта мы сидели в кафе неподалеку от концертного зала и еще раз переживали встречу с прекрасным.

25.02.2011 / 19:00  Выборгский дворец культуры, Санкт-Петербург

АКВИТАНСКАЯ ЛЬВИЦА

Московский Государственный театр «Ленком»
по мотивам пьесы Л.Голдмена "Лев зимой"

Режиссер: Г.Панфилов
Автор: Л.Голдмен, Г.Панфилов

Актеры: И.Чурикова, Д.Певцов, С.Пиотровский, Д.Гизбрехт, И.Коняхин, А.Юганова, А.Сорокин, К.Петухов,
               Е.Мигицко, К.Петров и др.

Чурикова считает, что ей очень повезло с ролью "Аквитанской львицы". "Алиенора - удивительная интереснейшая женщина, перед которой стоят те же проблемы, что и сегодня перед нами: семья, дети, родители и их взаимоотношения", - пояснила она.

1186 год. Перед Рождеством король Англии Генрих II, чья жизнь уже "клонится к закату", должен назвать имя наследника трона. На это торжественное событие прибывают жена Генриха II Элинор Аквитанская, которая провела десять лет в тюрьме за участие в заговоре против мужа; любовница короля, тщеславная принцесса Алэ; ее коварный брат, король Франции Филипп; и трое сыновей Генриха II — Ричард Львиное Сердце, Джеффри и Джон. Все члены семьи люто ненавидят друг друга. Их объединяет лишь одно — непомерная жажда власти и готовность пойти на любое предательство ради обладания ей. И у всей королевской семьи есть достойный пример для подражания — сам жестокий и властолюбивый Генрих II...

Элиенора Аквитанская, любит его, Генриха Второго, даже вопреки тому, что по его воле сидит в тюрьме, встречаясь с сыновьями только раз в год - в Рождество.

Посмотрите анонс этого спектакля.

Инна Чурикова: "Это было такое смятение чувств. Она увидела такого мужчину: с умом Аристотеля и телом, подобным смертному греху. И все святые заповеди они сразу же разнесли в клочья".

В данном случае, речь о Генрихе. Хотя, похоже, такие чувства рождены в душе и на сцене Глебом Панфиловым - режиссером и супругом актрисы. К теме Средневековья они обращаются не в первый раз.

Нет, сегодня на сцене не героическая девушка, готовая умереть за родину. Сегодня та, которая, возможно и послужила причиной последующей Столетней войны между Англией и Францией.

Инна Чурикова: "Я уже не знаю, как в актерском плане, но я просто подросла, действительно, для этой роли".

В Алиеноре - 60, ее муж Генрих - на 11 лет младше. Они оба - исчадье ада. Но Глеб Панфилов обожает этих героев и хочет донести до зрителя не хитросплетения их борьбы за власть, а именно ту любовь, которая двигала мир вперед.

Глеб Панфилов, режиссер: "Она, на мой взгляд, превосходный воспитатель. Она не учит детей. Она, как человек умный, пытается их видеть и принимать такими, какие они есть. Это урок".

Кому из сыновей достанется корона на этот раз решает Дмитрий Певцов. Его Генрих Второй - это король с мозолями на руках. Он спит на открытом воздухе, ходит в одежде из шкур, и не боится никого, кроме своей жены, которую и заточает в замок.

Со своей супругой, признается актер, в жизни бы так не поступил. Хотя она значит для него не меньше, чем Алиенора для Генриха.

Дмитрий Певцов: "Без семьи, без детей, все мои подвиги были бы мне не нужны".

А ради чего совершают подвиги короли, сегодня станет понятно на сцене Ленкома, которая превратилась в эти минуты в замок-хлев. С рыцарскими мрачноватыми танцами, необычной музыкой - три барабана и три флейты - и метущейся хищницей-королевой, вошедшей в историю "Аквитанской львицей".

Вот такой спектакль мы идем смотреть!

Что можно сказать? Такого восторга и потрясения , какие мы испытали много лет назад после спектакля Ленкома "Юнона и Авось" мы не испытали, но спектакль интересный.

«Аквитанская львица» начинается с постельной сцены. Французская принцесса (Алла Юганова), молодая возлюбленная Генриха II Плантагенета, короля Англии (Дмитрий Певцов), выбравшись из объятий любимого, оказывается в изящном телесного цвета трико, зато актер убегает в тылы сцены и обливается там водою в чем мать родила. Смысла в этом действии я большого не увидел На главную мысль не работает, а тогда, как говорится, – зачем? Но можно отметить, что эта сцена сделана весьма деликатно и не раздражает (особенно, когда сидишь далеко)

О чем получился спектакль? О главной проблеме всемирной истории — бесконечном переделе собственности и борьбе за власть и, конечно, за любовь.  Глеб Панфилов предложил зрителям свою версию удивительной и противоречивой истории борьбы за власть и за господство в любви. Она, Алиенора, любит своего мужа и спустя сорок лет: терпеливо выносит его очередных любовниц, если они входят в сплетение ее коварных замыслов, или растаптывает их, словно насекомых, если в будущем эти «красотки» ей не пригодятся. Она, Алиенора Аквитанская, любит его, Генриха II, даже вопреки тому, что по его воле сидит в тюрьме, встречаясь с сыновьями только раз в год — в Рождество.

Дмитрий Певцов хорошо сыграл Генриха. В одном из своих интервью артист сказал:. "Понимаю, что эта роль «на вырост». Хотя по возрасту с моим героем мы одинаковые, но по событиям, испытаниям, чувствам он прожил и познал гораздо больше меня. Генрих опытнее, старше меня и по годам, и по эмоциям, и по действиям, и мне это очень интересно играть. А у сыновей Генриха роли неплохие, но без диких переломов в судьбе, в характере. В течение двух суток у моего Генриха проходит и меняется вся его жизнь – от бравого оптимизма до полного слома. "

Сыновья сыграны одним штрихом - без проработки деталей характера, поэтому без запоминающихся черт. А возможностей по ходу пьесы было достаточно. Но... Режисер не ставил им этой задачи. Я бы сказал, что они о себе рассказывают, из их игры характер не вырастает. Хотелось бы каждого из них увидеть более яркой личностью. Хотя в общем ансамбле  они смотрятся, но больше фоном, чем индивидуальностью. К сожалению, трое сыновей, вышедших из нежного возраста, в исполнении Сергея Пиотровского, Дмитрия Гизбрехта и Игоря Коняхина всего лишь фигуранты, действующие лица запутанной интриги, но никак не характеры с точно выверенными мотивами поведения.  В каждом из них проявляются черты их родителей: Роберт, выращенный матерью, всю жизнь мечтал об отце, всегда хотел быть похожим на него, стремился доказать отцу, что он его достоин и лучше. За это его Алиенора и любит больше других. В среднем Джеффи соединились все черты коварства и беспринципности его родителей - за это они его и  не любят. Пожалуй,Дмитрию Гизбрехту лучше других удалось это показать.  Младшенький Джон - последняя надежда отца - избалованный, себялюбивый юнец, не способный к самостоятельным действиям. Генрих, выращивая его в обожании и вседозволенности, жаждал от него только ответной любви, такой же как у него самого, которой ему не хватало по жизни после потери любви Алиеноры. Дети не могут любить также всепоглощающе как родители, а Джон в особенности. Джон на сцене старается это показать, но чего-то не хватает.

Но почему спектакль выгядит добротным, но не захватывает полностью? Нет какого-то нерва спектакля. Посмотрев спектакль, пережив сутки впечатления от него, можно представить, что он должен бы идти по нарастающей от первой сцены до последней: в первой сцене встречаются политические враги, изощренные интриганты, добивающиеся своей политической цели и в то же время жаждущие победы друг над другом, а в конце оказывается, что движущим мотивом этих действий оказывается жгучая, разрушаюшая и созидающая любовь друг к другу. Алиенора заполучила своего Генриха, добившись этого сломав его. Но он ей и таким нужен.

Про Чурикову можно сказать, что не оправдала ожиданий (наших, другим может быть и достаточно). Она играет профессионально правильно и от  неё не отвлекаешься, но наблюдаешь за ней холодно, со стороны.  Мы не поняли и не поверили, что она год вынашивала планы коронации любимого  сына Ричарда, в голове прокручивала все возможные повороты интриг. Нет жадности взгляда, когда мать вглядывается в каждого сына, чтобы понять, что произошло за время разлуки. Нет в её игре жажды наглядеться и прикоснуться взглядом и телом к Генриху. Единство и борьба двух сильных людей. Борьба есть, единства нет. И, если Генрих не догадывается про самого себя, что ему до сих пор нужна именно Алиенора, то она-то, прожив в заточении годы, всё про себя знает, у неё было время, чтобы понять. Можно поверить в ум этой Алиеноры, но невозможно – ни в ее любовь к мужу, ни в ее привязанность к сыновьям, ни в ее заботу о благе страны. Той самой страны, о судьбе которой так неистово печется Генрих II. Актеры не заставили это почувствовать, но, может, они видели свою задачу иначе. Все эти размышления - скорее желание увидеть решение сверхзадачи нашего понимания пьесы. 

Какой-то смысловой вектор из ее игры вычленить сложно. В спектакле отношения супругов отступают на второй план. Борьба за власть,  корону - главное. Любит Алиенора Чуриковой своего Генриха, презирает его, жалеет, жаждет его перерождения, сказать невозможно. Ни  во что целостное новая роль великой актрисы пока не сложилась.

Если что и заставляет отнестись к спектаклю Панфилова всерьез, так это игра Дмитрия Певцова. Фактурный и технически оснащенный артист не просто не проигрывает на сцене своей партнерше. Он едва ли не впервые в жизни пытается сыграть роль почти трагическую. И, надо сказать, несколько раз в течение спектакля он в этой роли очень убедителен. Он верно расслышал в образе Генриха мотив шекспировского короля Лира, у которого вместо трех дочерей - три предавших его сына. И сыграл, как его герою - монарху, политику, воину и интригану - перед лицом предательства близких людей вдруг открывается тщета бесконечной борьбы всех со всеми. Финальная сцена, где постаревший на глазах Генрих не может казнить готовившего покушение на него сына Ричарда, сыграна убедительно и сильно. И сопереживаешь в этом спектакле не Аквитанской львице, а именно льву, вдруг осознавшим себя простым человеком, сокрушенном отцом.

Главной пружиной действия является Генрих II в исполнении Дмитрия Певцова. Это он сталкивает лбами своих сыновей, претендующих на его престол. Это он мечтает развестись с опальной королевой и жениться на молоденькой любовнице, чтобы она родила новых детей. Это он завоевывает страны и думает, что луна принадлежит ему, а солнце всходит и заходит по его расписанию. Сама же королева, не утратившая женских чар к 60 годам, по-прежнему любит Генриха и хочет вернуть в свою постель. Это своего рода вывернутая наизнанку любовь-ненависть, извращенная властью. В чем они оба сходятся, так это в оценке своих сыновей. Каждый из них знает им цену и думают они о них одинаково.

Самое интересное в спектакле – наблюдать за поединком двух равновеликих соперников, имеющих общих детей. Что связывает и в то же время разъединяет, потому что у каждого из них свои любимчики. В наше время подобного рода семейных драм – пруд пруди, здесь же речь идет о вершителях человеческих судеб, от настроения которых зависит мир на земле. Казалось бы, коронованная особа не имеет права на обычные человеческие слабости, но весь парадокс заключается в том, что королевское величество сделано из того же «теста», что и простой смертный. Значит, сколько ни прикрывайся властью, дарованной от Бога, а личная харизма сыграет свою роль в истории, как, впрочем, и секс. Не случайно Инна Чурикова (Алиеонора), обнимая трех сыновей и обращаясь к залу, гордо заявляет: «Вот какую роль в истории играет секс».

Что касается Эллис -молодой любовницы короля Генриха, принцессы французской, то Алла Юганова сыграла как надо, но тоже одним мазком. В сцене, когда её чуть не выдали замуж за Ричарда, она грозится, что покажет себя, что она не вещь, но этого не увидели. В этой хорошо сыгранной сцене появляется надежда увидеть её королевское начало, но дальше мы видим наивную простушку, не отличающуюся от прежней любовницы - крестьянки Розалинды.

Короля французского Филиппа просто не заметили в спектакле, не было его королевского, волевого начала.

В общем - спектакль хороший! Не такой потрясающий как "Юнона и Авось", но хороший, добротный театральный спектакль. У него есть будущее, а у актеров, и главное - у режиссера, большие возможности для совершенствования.

Спасибо Ленкому за этот спектакль!    (Несмотря на безобразно высокие цены на билеты).

Вот такие впечатления! Пожелаем Глебу Панфилову довести Льва и Львицу до уровня Ленкома! Не бросайте этот спектакль, здесь ест ьполе для творческого развития!

 Здесь вы можете скачать пьесу Голдмана "Лев зимой" и почитать.

Сегодня с огромным удовольствием послушали по телеканалу "Культура" оперу Верди "Риголетто" (Королевский театр Пармы)

Творчество Джкзеппе Верди — вершина итальянской оперы и одна из вершин мировой оперы вообще. Среди великих композиторов, писавших для музыкального театра, его произведения до сих пор, спустя столетие после смерти автора, остаются наиболее популярными, повсеместно исполняемыми, известными каждому профессионалу и любителю музыки.

Музыка Верди мне очень нравится. Предшественники Верди, повлиявшие на его творчество — Россини, Беллини, Мейербер и, самый важный — Гаетано Доницетти. Вагнер на Верди не повлиял совершенно. Ему нравилась музыка Вагнера, но Верди его не принимал.   Он написал в своем дневнике: «Грустно, грустно, грустно, очень грустно. Как бы ни было грустно, но мы должны расстаться с музыкой Вагнера, если не хотим, чтобы нас (он имел в виду музыкантов) уничтожила его злая сила». Уважая Гуно, которого современники считали величайшим композитором эпохи, Верди тем не менее не позаимствовал ничего у великого француза. Некоторые пассажи в «Аиде» указывают на знакомство композитора с вещами Михаила Глинки, которого Франц Лист популяризировал в Западной Европе, вернувшись из турне по России. На протяжении всей карьеры Верди отказывался использовать высокое до в теноровых партиях, ссылаясь на то, что возможность спеть именно эту ноту перед полным залом отвлекает исполнителей до, после, и во время исполнения ноты.

Очень часто в операх Верди, особенно во время сольных вокальных номеров, весь оркестр звучит, как один аккомпанирующий инструмент — как, например, гитара. Некоторые критики утверждают, что Верди уделял техническому аспекту партитуры недостаточно внимания, поскольку ему недоставало школы и утонченности. Сам Верди сказал как-то, «Из всех композиторов, я самый малознающий». Но поспешил добавить, «Я это серьёзно говорю, но под „знаниями“ я подразумеваю вовсе не знание музыки».

Джузеппе Фортунино Франческо Верди родился 10 октября 1813 года в деревне Ле Ронколе близ городка Буссето (Пармское герцогство, Северная Ломбардия). Родители его были крестьянами, отец, кроме того, держал трактир и торговал бакалейными товарами, В 10 лет отец послал Джузеппе в городскую школу в Буссето, где он за 2 года овладел письмом и счетом и получил работу у богатого купца Антонио Барецци, обратившего внимание на необычайную музыкальность сына трактирщика. Барецци был страстным любителем музыки, играл на нескольких духовых инструментах и являлся председателем местного Филармонического общества. В 15 лет Верди начал выступать как органист, дирижер и пианист, нередко в дуэте с дочерью Барецци Маргеритой, которая 8 лет спустя стала его женой. Тогда же он написал принесшие ему признание в Буссето увертюру и кантату «Безумие Саула». В начале 1839 года он вместе с женой и маленьким сыном (полуторагодовалая дочь скончалась в августе предшествующего года) переехал в Милан. Оперой заинтересовалась 23-летняя примадонна театра Ла Скала Джузеппина Стреппони, имевшая большое влияние на импресарио театра Бартоломео Мерелли, и тот согласился поставить оперу с новым либретто под названием «Оберто, граф ди Сан Бонифаччо». Премьера прошла с большим успехом в конце того же года, и с Верди был заключен контракт на 3 оперы.Однако вскоре на композитора обрушились несчастья. Сначала заболел он сам. Едва поправившись, принялся за сочинение новой оперы, но заболели жена и сын. «19 июня 1840 года третий гроб выносят из моего дома! Я был один!.. Один!..» Менее чем 3 месяца спустя состоялась премьера второй, комической оперы Верди, «День царствования», с шумом провалившейся.

Верди считал, что премьерой «Навуходоносора» 9 марта 1842 года началась его творческая карьера. Успех оперы был исключительным. Особый восторг вызывали народные хоры. За три месяца состоялось 57 представлений — небывалое число для театра Ла Скала. Опера воспринималась как прямой призыв к борьбе за свободу родины. За «Навуходоносором» последовали еще 10 опер на историко-героические сюжеты, столь же созвучные умонастроениям 1840-х годов («Ломбардцы в первом крестовом походе», «Эрнани», «Аттила», «Битва при Леньяно» и др.). Верди обращается к выдающимся произведениям мировой литературы — драмам Вольтера и Шиллера, Гюго и Байрона и впервые — к высоко ценимому им Шекспиру. В «Макбете» композитор начинает ту глубокую психологическую разработку характеров, которая впоследствии прославит оперы центрального периода его творчества.

 Период 1850-х годов открылся тремя шедеврами — «Риголетто», «Трубадуром», «Травиатой» (1851—1853). Показ больших народных движений сменился темой социального неравенства, борьбы за свободу личности. Первые постановки трех наиболее популярных опер Верди прошли по-разному. «Риголетто» вызвал цензурные запреты, а его мелодии сразу же разлетелись по стране.

Потом были Отелло, Реквием, "Аида" А 27 января 1901 года он умер в Милане.  «Маэстро умер. Он унес с собой много света и жизненной силы, — писал его друг и либреттист последних опер Арриго Бойто. — Никогда еще я не испытывал такого чувства ненависти к смерти, такого отвращения к таинственной, слепой, бессмысленной, торжествующей бесстрастной силе». На третий день, в соответствии с завещанием Верди, состоялись скромные похороны — без музыки, без речей, рано на рассвете, в присутствии только близких людей. 24 февраля, также согласно его воле, прах Верди и Джузеппины был перезахоронен возле основанного им Дома престарелых музыкантов. Теперь любимого композитора к месту последнего упокоения провожал весь город — более 300 тысяч миланцев — под мелодию хора из «Навуходоносора» «Лети, мысль, на золотых крыльях», которую исполнял хор из 900 человек под управлением Тосканини.

Сегодня речь у нас пойдет о "Риголетто" и о Парме.

В возрасте тридцати восьми лет, в 1851 году, у Верди случился роман с Джузеппиной Стреппони, певицей (сопрано), к тому времени заканчивающей карьеру (они поженились лишь через одиннадцать лет, а их сожительство до свадьбы рассматривалось как скандальное во многих из тех мест, где им приходилось жить). Вскоре Джузеппина прекратила выступления, и Верди, следуя примеру Джоаккино Россини, решил закончить карьеру вместе с женой. Он был состоятелен, знаменит и влюблен. Возможно, именно Джузеппина убедила его продолжить писать оперы. Первая же опера, написанная Верди после «ухода на покой», стала первым его шедевром — «Риголетто».

«Риголетто» является, как мне кажется, лучшей оперой, когда-либо написанной. Артистическая щедрость Верди представлена в ней в полную силу. Невыразимо прекрасные мелодии разбросаны по всей партитуре, пассажи поистине небесной красоты звучат по одному разу каждый, не повторяясь в последствии, бесчисленные арии, дуэты, трио, квартет следуют друг за другом в этом непрерывном празднике музыкального гения, кипят страсти, комедия и трагедия переплетаются и сливаются вместе.

В 1868-ом композитор знакомится с чешской певицей 34-летней Терезой Штольц. А вскоре увлекается ею. Она вдохновляет его на написание опер. Джузеппе часто приглашает ее домой. Его отношения с Терезой обижают Джузеппину. Она просит Верди сделать выбор. ”Думай хоть иногда о том, что я твоя жена, - пишет ему. - Хотя я не обращаю внимания на все пересуды и сплетни, на жизнь ”втроем”, но все-таки я твоя жена и имею право если не на твою нежность, то хотя бы на твое уважение. Неужели ты думаешь, что я требую слишком много?”
Верди чувствует себя виновным, но ничего не может сделать со своими чувствами к Терезе. В конце концов Джузеппина смирилась с увлечением мужа и до конца жизни окружала его своей заботой и любовью. 14 ноября 1897-го она умерла от воспаления легких в возрасте 82 лет. Верди было уже 84 года.
Для Терезы пишет Вагнер оперу "Аида". В 1870-ом египетская власть заказала Джузеппе Верди оперу для празднований в Каире в честь открытия Суэцкого канала. Композитор сначала отказался браться за работу. Но организаторы намекнули, что тогда заказ получит его конкурент Рихард Вагнер. И Верди согласился ознакомиться с условиями контракта. Композитора увлекла история эфиопской царевны Аиды, которую пленили египтяне. Премьера ”Аиды” состоялась в Каире 24 декабря 1871-го. Главную партию исполнила его тогдашняя любовница Тереза Штольц.

 Но мы сегодня говорим о "Риголетто"

 Итак, слушаем "Риголетто". Ни один великий исполнитель не прошел мимо музыки из этой оперы. Среди них и великий Карузо, Паваротти, Сазерлен, Нетребко, Послушаем для начала Лучано Паворотти. Сколько страсти!

 а потом посмотрите вот это

Опера была задумана по мотивам пьесы Виктора Гюго «Король забавляется» (1832).Музыка у меня всегда на слуху. Начинается опера с бала во дворце герцога Мантуанского. Молодой красавец герцог, пустой и ветреный, он славится на всю Мантую своими любовными похождениями. Сейчас, в кругу друзей, герцог с увлечением рассказывает о милой простушке, очаровательной девушке из предместья, которую он лишь недавно случайно повстречал в церкви. Рядом с герцогом - его любимец, спутник всех легкомысленных забав, остроумный и несносный горбун Риголетто. Риголетто - придворный шут, урод, немощный старик. Это тройное несчастье озлобило его, восстановило против всех. У Риголетто есть дочь Джильда, именно ее увидел в церкви герцог. Герцог проникает в дом Риголетто, подкупив служанку. Назвав себя бедным студентом Гвальтьером Мальде, герцог пылко говорит Джильде о своей любви. Сладостно звучат в ночной тиши его речи, и доверчиво внимает ласковой паутине любовных клятв очарованная девушка. В минуту прощанья, не в силах сдержать своего счастья, Джильда обещает Гвальтьеру, что отныне и на всю жизнь сердце ее будет принадлежать только ему, ее прекрасному возлюбленному! Герцог уходит в сопровождении подкупленной им Джиованны, служанки Риголетто. Придворные похищают Джильду для герцога, думая, что она любовница Риголетто.С нежностью и трепетом рассказывает Джильда о чистоте своей первой любви, о радости первых встреч, в смятении вспоминает страшную ночь похищения и последовавшее за ней утро. Риголетто пытается утешить свое дитя: только ради нее он терпел издевательства над собой. Но за поруганную честь дочери он отомстит. Лишь кровь врага смоет теперь их позор! Услышав угрозы, Джильда, и в несчастье верная своей любви, умоляет отца о милосердии к герцогу. Но Риголетто непреклонен - если не кара Бога, то месть человека накажет виновного за его преступление! Все складывается так, что Риголетто убеждает Джидьду об измене герцога, и подговаривает бездельника Спарафучиле убить герцога, который пришел поравзвлечься к его сестре. Тот соглашается, но все складывается так, что вместо герцога Спарафучиле убивает Джильду.Открыв мешок, Риголетто увидел в нём вместо герцога умирающую Джильду. Из последних чувств Джильда просит отца простить герцога и её. Убитый горем Риголетто восклицает:«Ах! Вот где старца проклятье!»

 Одна из самых знаменитых арий для теноров  в мире - песенка герцога «Сердца красавиц» Ее исполяли и Энрико Карузо, и Марио Ланца, Пласидо Доминго, Лучано Паворотти. и вот скгодня я услышал нового тенора Франческо Демура, который еще так молод, что информации в Интернете о нем почти нет. Но пел он неплохо.

Послушайте эту арию в исполнении Э.Карузо или молодого Л.Паворотти

или Ивана Козлоасеого

Итак, слушаем оперу Джузеппе Верди Риголетто.

Телеверсия оперы.
Постановка Королевского театра Пармы (2008 год).
Режиссер Стефано Вициоли.
Либретто Франческо Пьяве.
Оркестр и хор Королевского театра Пармы.
Дирижер Массимо Занетти.

Режиссер телеверсии Андреа Бевилаква.
Оператор-постановщик Фабио Брера.

В главных партиях:
Риголетто - Лео Нуччи,
Джильда - Нино Мачаидзе,
Герцог Мантуанский - Франческо Демура,
Спарафучиле - Марко Спотти,
Маддалена - Стефания Ираньи,
Джованна - Катарина Николик,
Граф Монтероне - Роберто Тальяавини,
Марулло - Орацио Мори,
Борса - Мауро Буффоли,
Графиня Чепрано - Шилла Кристиано,
граф Чепрано - Эцо Тизи.

Спектакль представлен в рамках  фестиваля, посвященного творчеству Верди.

В эфире:
13 февраля 2011 года.

Лео Нуччи пел Риголетто.

В одном из своих интерьвью он рассказал о себе. "Расскажу в миллионный раз. Моя история напоминает фильмы с участием Марио Ланца. В 1957 году один синьор по имени Марио Бигацци, преподаватель пения из Флоренции, проходил мимо моего дома (в местечке Кастильоне деи Пеполи, где я родился, между Болоньей и Флоренцией). Он приезжал каждое воскресенье, чтобы дать урок пения местному мяснику. И вот, услышав, как я распевал дома, маэстро спросил: «А это кто поет?» И сосед ответил: «Наверное, сын Джиджи». Джиджи звали моего отца. Так я начал заниматься пением. И всегда занимался частным образом. Я ни разу не переступил порога консерватории: может быть, именно поэтому я что-нибудь да понимаю в музыке. К моменту встречи с Бигацци я играл в духовом оркестре на флюгергорне. И сколько себя помню, я всегда работал. Потом я переехал в Болонью, где работал в одном из центров продажи автомобилей ФИАТ, и начал заниматься с Джузеппе Маркези. Уроки с ним продолжались вплоть до моего театрального дебюта в 1965 году: я начал с маленьких партий в болонском театре Комунале. Потом пришло время конкурсов, в которых я одержал победу. В те времена в Италии существовали специальные стипендии для одаренных рабочих. Две из них достались мне. Наконец, в 1967 году я выиграл конкурс в Сполето (и по сей день важнейший «трамплин» для молодых оперных певцов) и дебютировал в «Севильском цирюльнике». Три года спустя я почти оставил мысль о сольной оперной карьере: успех не приносил мне денег, а я десять лет проработал на ФИАТе и привык к регулярно выплачиваемой зарплате. Когда в 1969 году мой отец тяжело заболел, у меня даже не было нужной суммы, чтобы добраться до Болоньи, где он лежал в больнице, и я вынужден был взять ее в долг. Так я решил эмигрировать в Австралию. И чтобы скопить необходимые для этого деньги, поступил в хор Ла Скала. Но там я встретился с моей женой, Адрианой Нелли, и это все изменило. Кроме того, тогдашний хормейстер Романо Гандольфи верил в мое будущее в качестве солиста. В 1973 году мы с женой с огромным успехом дебютировали в «Риголетто» в местечке Леньяго неподалеку от Вероны. Вскоре после этого я выиграл конкурс имени Виотти и дебютировал в «Паяцах». Еще год я прослужил в качестве хориста и, начиная в 1975 года, неизменно хожу в солистах. Я никогда не чувствовал себя униженным. Унизительной работы не существует. Существуют люди, которые не хотят работать. Десять лет назад в Болонье мне довелось наблюдать поразительную сцену: из мусорной машины вышла симпатичная девушка, хорошо одетая, со вкусом накрашенная и принялась за свою работу — уборку мусора. То, как она это делала, напоминало о красавице-манекенщице на подиуме. Помнишь, Шекспир сказал: «Нет маленьких ролей, есть маленькие актеры». Так и в жизни. Когда я был молодым и пел в ресторанах, я обходил публику с тарелкой, куда люди клали деньги. И это приносило мне удовлетворение. В театр люди приходят, чтобы тебя послушать. Они платят свои деньги и аплодируют. А если ты плохо одет и поешь под шарманку на площади большого города? Например, такого города, как Вена? Сколько народу остановится, чтобы тебя послушать? Мы с моим агентом непременно осуществим такой эксперимент. я абсолютный фаталист. Все обусловлено судьбой. Мы можем ей только помочь. Но очень часто мы воздвигаем ей препятствия. Для меня, к примеру, пение — радость и развлечение. Я никогда не боялся сцены и никому не создавал проблем. Мне представлялись счастливые случаи, которые я смог использовать. Например, когда в 1978 году заболел баритон и меня срочно вызвали петь генеральную репетицию «Луизы Миллер» в Ковент Гарден с такими партнерами, как Лучано Паваротти и Катя Риччарелли и дирижером Лорином Маазелем. И предупредили: «Споешь только генеральную, потому что у тебя нет международного имени». Я выпросил у них еще один спектакль. Та генеральная с публикой обернулась для меня триумфом, и мне дали спеть премьеру. В конце первого акта Паваротти пришел ко мне в гримерную и сказал: «Чемпион! Ты за один вечер сделал то, для чего нам понадобилось пять лет». На следующий день я получил кучу телеграмм с предложениями из театров Нью-Йорка, Парижа, Чикаго, Лос-Анджелеса... Точно такая же вещь случилась позже со мной, когда в той же «Луизе Миллер», но в Италии, в Триесте, заболел баритон, и Риччарелли назвала мое имя. Что все это значит? Что я только помог моей судьбе. Когда возникала необходимость в баритоне, я находился в состоянии готовности. Так и всем остальным могут помочь серьезность и позитивное отношение к жизни.

Я пою Верди, потому что он мне больше всех нравится. Я считаю себя просто певцом, а не певцом, специальностью которого является музыка Верди. Опера — прежде всего театр. Я иду от слова. Неважно, чью музыку ты поешь, но какой персонаж ты представляешь. Обрати внимание на то, что все великие баритоны были как великими Фигаро, так и великими Риголетто. А такой прекрасный баритон, как Этторе Бастианини, никогда не был ни великим Фигаро, ни великим Риголетто. Просто красивого голоса недостаточно для оперы. В случае обладания только голосом нужно петь в концертах, а не в театре"
Проще назвать, в каких операх не выступал Лео Нуччи. Это певец, которого наряду с Ренато Брузоном можно сегодня назвать одним из последних фундаментальных певцов последней трети 20-го века и настоящего времени. Лео Нуччи – абсолютный итальянец, высочайший профессионал, очень хороший человек. И всё это проявляется в его творчестве. Это певец, слава которого стала громкой не за счёт тех PR-составляющих, которыми определяется успех сегодняшних оперных звёзд. Его успех – это его неустанная работа и преданность оперному театру. Вот и сегодня, как и прежде, певец много работает в Европе и во всём мире.

Джильду пела Нино Мачаидзе. В 2005 она выдержала конкурс среди 400 других претендентов в Академию молодых вокалистов таеатра Ла Скала и сразу же была принята. Здесь же. В театре «Ала Скала» она в 2006 успешно дебютировала в роли Наяды в «Ариадна на Наксосе» Рихарда Штрауса (дирижер Джеффри Тейт) и предложения на другие роли последовали незамедлительно. Ее иногда называют соперницей Анны Нетребко. 27-летняя певица за последние годы уже стала известной среди поклонников оперного искусства во многих мировых столицах музыки.

Нино (на фото) родилась в Тбилиси, обучалась в итальянской Accademia del Teatro Scala и победила в вокальном конкурсе Leyla Gencer в 2006 году. В 24 года она дебютировала на сцене La Scala, исполнив роль Марии в опере Доницетти "La fille du regiment". Аудитория в Зальцбурге, Лондоне и Милане могла также увидеть её в роли Джульетты Шарля Франсуа Гуно, в Нью-Йорке её видели в роли Гильды в "Риголетто". Нино также участвовала в постановке Россини "Il turco in Italia" Оперы Лос Анжелеса и записала вместе с Плачидо Доминго и Анджелой Георгиу новую версию сочинения Умберто Джордано "Fedora".

 Немного поговорим о Парме.

Название итальянского города Парма звучит как символ всего самого качественного, известного и дорогого, что приносит удовольствия несомненные и очень земные: сыр пармезан, пармская ветчина, футбольная команда «Парма», духи «Пармская фиалка». Еще можно припомнить «Пармскую обитель» Стендаля. 

И в том, что касается духовных ценностей, Парма сама себе не уступает: выдающиеся художники Корреджо и Пармиджанино, один из первых в Италии университетов, уроженцем Пармы был величайший дирижер Артуро Тосканини. Но главный предмет гордости всех жителей города то, что в районе Пармы родился великий Джузеппе Верди, чье 200-летие будет отмечаться в 2013 году.

Город Парма находится к востоку от Милана в провинции Эмилья-Романья. В этой провинции находятся знаменитые города Болонья, Парма, Модена, Ровенна, Римини, Пьяченца.

Стоит проехать по средневековым городам этой области.

Болонья знаменита самым старым в Европе университетом, ему 9 веков. Город садов, музеев, парков, церквей, башен и километров торговых улиц. Городской пейзаж оживляют элегантные аркады (или портики), которыми знаменита Болонья (35 км).Город считается кулинарной столицей Италии, гурманы едут сюда, чтобы отведать знаменитые местные деликатесы и вина: пасту тортеллини, талья-телле), фаршированную свиную ножку «зампоне», отбивную из телятины по-болонски, а также мортаделлу – несравненную болонскую колбасу.

Парму называют городам парадных особняков. Город связан с именами Верди, Тосканини, Паганини. В Паллацо дела Пилота XVI века находится один из роскошнейших музыкальных театров во всей Европе, бывший придворный театр Фарнезе.Пармскаую обитель Стендаля вы тоже вспомните здесь.

Санта-Агата неподалеку от Пармы - Здесь Верди купил себе виллу, чтобы не писать больше опер, а жить тихо со своей второй женой. Но именно здесь родилась Риголетто и много других опер. Здесь Ламборджини открыл свой новый исследовательский центр.

Посмотрите на красавцев-Ламборджини

 Идея разработки моделей скоростных автомобилей возникла у производителя тракторов Ферручио Ламборгини в самом начале 60-х годов прошлого века. К тому времени в его «конюшне» уже были авто Ferrari, Osca и Maserati, но ни один из них не был идеален по всем параметрам. Доподлинно не известно, по какой именно причине Ламборгини решил все-таки основать собственную фирму, но в большинстве вариантов этой истории говорится про то, что почтенный Ферручио Ламборгини как-то раз поссорился с владельцем компании Ferrari Энцо Феррари. Говорят, что как-то раз Ламборгини лично посетил фабрику Феррари и пожаловался на то, что в его авто Ferrari 250 GT барахлит сцепление и было бы неплохо улучшить его качество. Но в ответ ему посоветовали не лезть в дело, в котором он ничего не понимает. Мол, занимайся лучше своими тракторами, а в тему скоростных автомобилей не суйся. (По одной из версий Феррари просто отшил его, сказав: «Не нравятся мои машины –  попробуй сделать лучше!»). Обиженный, он загорелся идеей «создать лучший Феррари, чем у Феррари». С этой целью он в 1963 году основал свою фабрику Automobili Ferruccio Lamborghini Sp.A. в деревне Санта-Агата (Sant’Agata),  , неподалёку от фабрики Феррари и пригласил для работы бывших инженеров Феррари — Джанпаоло Даллара (Gianpaolo Dallara) и Боба Уолласа (Bob Wallace).

Павия - римский город, затем перешел к готам, был столицей Королевства Лонгобардов. Хороши соборы, дворцы, великолепные Башни из кирпича, которые сделали Павию знаменитой. Символ Павии, Крытый мост (Ponte Coperto) Изумителен Картезианский монастырь, находится в 1- км от Павии, шедевр ломбардских архитекторов XV в.

Город Варезе расположен в окрестности красивейших озер. Красив построенный в стиле барокко дворец Эстенезе, святилище Сакро Монте, откуда начинается «крестный ход», посвященный «Тайнам четок» и заканчивается на вершине холма у церкви Санта Мария дель Монте. Также представляют интерес виллы - музеи города: Villa Mirabello , Villa Menafoglio Litta Panza , Villa Recalcati.

Модена - родина Лучано Паворотти и Энцо Феррари.

Есть в мире маленькие города, которые славятся не столько культурным или природным богатством, сколько выдающимися личностями, которые там родились. Итальянский городок Модена - один из них. В этом крае жили и творили легендарный инженер-автомобилист Энцо Феррари и знаменитый тенор Лучано Паваротти. Городской театр в Модене теперь носит имя оперного певца Лучано Паваротти (1935-2007). И сам Великий Лучано не раз выступал на сцене этого театра. Местная публика еще в начале его звездной карьеры приветствовала тенора бесконечными овациями. Сцену родного театра певец выбрал и для свадебной церемонии со второй женой Николеттой Мантовани. В городском театре Модены продолжают работать итальянские мастера лирического пения, которые имели счастье дружить с Паваротти. Следующая остановка туристического маршрута следами Паваротти - обычный многоэтажный дом на окраине города. Экскурсовод указывает на окна квартиры на втором этаже. Там в 1935 году в семье пекаря и певца-любителя Фернандо Паваротти родился сын Лучано, голосовые связки которого «затронул сам Господь».

Столица двигателей Модена известна и как столица спортивных автомобилей и двигателей. В окрестностях города расположены автозаводы по производству престижных моделей Lamborghini, Maserati и, конечно, Ferrari. Создателем этой последней марки был великий гонщик, талантливый конструктор и рассудительный предприниматель Энцо Ансельмо Феррари (1898-1988). Кроме страсти к автомобилям, этот неординарный человек с не меньшей страстью любил поесть. Поэтому в Модене немало ресторанов, трактиров, где на стенах можно увидеть фотографии легендарного пилота и его «железного красного коня Ferrari».

Имя Энцо Феррари сейчас известно каждому автомобилисту. Много раз на его машинах были выиграны чемпионаты мира. Но эти победы дались нелегко. Затрачено гигантское количество денег, пережито много неудач, за рулем "Феррари" погибли блестящие гонщики Аскари, Коллинз, Кастеллотти, Муссо, Вильнев. Мало того, в 1959 году умер сын, способный конструктор. в 1963 году этот противоречивый человек выпускает автобиографическую книгу "Мои дьявольские забавы". Откровенно и с
глубоким пониманием дела пишет он о гонках. В его книге много ценных наблюдений, интересной и поучительной информации о малоизвестной закулисной стороне автомобильного спорта. С этой книгой можете ознакомиться здесь


Э. Феррари "Мои дьявольские забавы" (часть 1)    Э. Феррари "Мои дьявольские забавы" (часть 2)

Э. Феррари "Мои дьявольские забавы" (часть 3)    Э. Феррари "Мои дьявольские забавы" (часть 4)

Э. Феррари "Мои дьявольские забавы" (часть 5)

Пьемонт,оз. Маджоре - край роскошных загородных вилл-дворцов, великолепных парков с буйством азалий, рододендронов и камелий, изумительных по красоте пейзажей полныx волшебной прелести островов («изоле Борромее») – выразительный символ привилегированного стиля жизни. Озеро Маджоре, этот природный шедевр, очаровывал многих выдающихся людей, дарил им минуты вдохновения. Вызывают восхищение водные просторы, грандиозные скалы, к которым лепятся крошечные селения рыбаков, эти альпийские вершины, кристально чистый воздух. Кто не залюбуется чудесами залива Борромео, созданными в сотрудничестве с архитекторами и самой природой. Все это сумели оценить Гете, Байрон, Дюма-отец, Флобер, Ницше, Хэмингуэй, Раскин и Стендаль, которые неоднократно посещали Озеро Маджоре.

Озеро Комо – одно из самых глубоких озер европейского континента. Берега озера усеяны виллами аристократов. Отпрыски состоятельных семей, совершавшие традиционное путешествие по Европе в целях завершения образования, обычно очаровывались этими местами и оседали тут, упиваясь неповторимой атмосферой края.

Озеро Гарда– крупнейшее озеро Италии. Альпийский пейзаж со скалистыми горами сочетается здесь с песчаными пляжами и оливковыми или лимонными рощами, придающими картине средиземноморский колорит. К дивному пейзажу здесь прибавляются прелести искусства, культуры и целительное действие терм, мягкого здешнего климата и знаменитой гастрономии Ломбарди.

Итальянская область Эмилья-Романья – это не только знаменитые болонские колбасы, не только обдуваемая ветрами пармских холмов янтарная ветчина (prosciutto di Parma) и не только известный на весь мир «Пармезан». Заметим, что полная «регалия» этого сорта сыра – Parmigiano-Reggiano (вторая часть обусловлена названием города-соседа Reggio [nell’] Emilia) и что это – исконно итальянское изобретение, а не французское, как многие зачастую ошибочно полагают. Но для истинного меломана гораздо важнее другое. В этих местах, в тогдашней глухой деревушке Ле Ронколе (Le Roncole, современное название – Roncole Verdi ) в окрестностях Фиденцы, расположенной неподалеку к северо-западу от Пармы, родился Верди – один из колоссов итальянской оперы XIX века. При этом, говоря о родине Верди, очень часто называют не место его фактического рождения, а Буссето (Busseto) в пяти километрах от Ронколе – вторую родину композитора, городок, куда он переехал в 1824 году под покровительство мецената от музыки Антонио Барецци. Сама же Парма – родина Артуро Тосканини, выдающегося итальянского дирижера XIX – XX веков. Другой не менее известный эмильянец Лучано Паваротти, родившийся в Модене, вписал свою фантастически яркую страницу в вокально-оперное искусство XX века.

В этом доме и в этой комнате родился великий Дж.Верди

 Посмотрите фильм об этой жемчужине северной Италии.

Вернемся в Парму к Королевскому театру. Королевский оперный театр Пармы (Teatro Regio di Parma), первоначально называвшийся Teatro Ducale, то есть Герцогским театром. Его сооружение на месте бывшего монастыря Святого Алессандро началось в 1821 году по волеизъявлению Герцогини Пармской Марии-Луизы (архитектор – Никола Беттоли). Торжественное открытие нового театра состоялось в 1829 году оперой Беллини «Заира». Но наиболее тесно вся история этого оперного дома закономерно связана с именами Верди и Тосканини, выдающегося интерпретатора сочинений «композитора из Буссето».

Как правило, за сезон театр выпускает четыре оперные постановки, но в 2004 году в этих стенах основан и с этого момента ежегодно проводится Фестиваль Верди. Основная цель фестиваля – представить к 200-летию со дня рождения композитора, которое выпадает на 10 октября 2013 года, если и не все, то как можно больше разнообразных названий вердиевского репертуара.

Пройдемся по улочкам Пармы.

Парма – город, которые заложили этруски, а этруски знали толк и умели выбирать красивейшие места для своих городов.
В 183 году до н.э. Парму завоевали римляне, назвав город Августа Парменсис (Augusta Parmensis). При римлянах город процветал.
После падения империи начался упадок и нестабильность. В Средние века сменялись правители Пармы и стиль управления. Строились оборонительные сооружения и менялась планировка города.

Дворец Пилота (Palazzo della Pilotta), его возвел Алессандро Фарнезе в 1602 году. Дворец Пилотта, получивший свое название от старинной баскской игры пелота – один из внутренних двориков дворца был предназначен для этой игры. В комплекс дворца входил также и театр «Фарнезе».

Далее бывший монастырский комплекс Святого Павла (S. Paolo), основанный в XI веке. В этом бенедиктинском монастыре сохранилась комната Святого Павла (известная как комната настоятельницы монастыря), покрытая фресками Корреджо в 1519-1520 гг.

Чуть дальше – Дуомская площадь – это сокровищница Пармы, один из прекраснейших романских ансамблей в Италии. На маленькой площади теснятся кафедральный собор Санта Мария Ассунта, баптистерий и Епископский дворец.

Кафедральный собор Санта Мария Ассунта (Duomo di Santa Maria Assunta) (XII век) – один из лучших образцов романской архитектуры. Первый собор на этом месте существовал еще в 1046 г., но после землетрясения 1117 году был полностью перестроен. Купол в XVI веке был расписан Корреджо.

Знаменитый итальянский княжеский род Фарнезе известен с 13 века. И с 1545 года до 1731 года они правили в Парме

Последний из Фарнезе был убит в Пьяченце в 1731 году. Для Пармы начался новый виток Истории. К власти пришли Бурбоны, потом Пармой, Пьяченцей и Гвасталлой управляла Мария Луиза Австрийская, жена Наполеона, затем опять Бурбоны. Австрийско-французский период подарил Парме Академию художеств, Библиотеку, музей древностей, Королевский театр, художественные галереи и отштукатуренные фасады персико-желтого цвета.

Но вспомним о семействе Фарнезе еще раз: наш путь лежит к Цитадели Санта Кроче (Cittadella Santa Croce).
«Знаменитая Пармская крепость - гроза всей Ломбардии. На огромной ломбардской равнине она видна очень издалека, так как высота ее, по слухам, сто восемьдесят футов, а весь облик этой башни, о которой рассказывают ужасы, внушает такой страх, что она властвует над всей равниной, от Милана до Болоньи.»

Так описывает Стендаль Пармскую крепость в своем романе «Пармская обитель». Но сейчас мало что напоминает об этом. Теперь здесь парк и можно увидеть лишь остатки крепостной стены.

Вот она, Пармская обитель. А еще Парма здавится своей кухней

Сыр Пармиджано-Реджано - пармезан - король сыров.
Пармская ветчина, которой существует множество сортов. Если качество и вкус превыше всего, а цена не имеет значение, то можно попробовать Culatello.
Вкуснейшие tortelli di erbette – конвертики с рикоттой, шпинатом, сыром Пармиджано-Реджано и пряностями.
А на десерт Zuppa Inglese – тирамису из Эмилии Романья.
И конечно, игристое вино Ламбруско

Пармезан

относится к твердым сырам. Его производство ежегодно начинается 1 апреля и заканчивается 11 ноября. После этого сыр созревает до 36 месяцев. Для производства пармезана в год требуется молоко 270 тыс. коров. Чтобы получить 1 кг сыра, необходимо 16 литров молока.

Сначала сыр выдерживают в специальных формах в течение целого года, после чего проводится проверка. Иногда случается, что внутри формы скопился воздух или консистенция получилась не такая однородная, как нужно. Тогда сыр клеймится — отмечается специальными знаками на твёрдой корке. Это означает, что он всё же может поступить в продажу, но под другим именем. Пармезан, который был одобрен сыроделами, выдерживают ещё как минимум год, и только потом он помечается знаком качества DOP (Denominazione di Origine Protetta — знак подтверждения оригинального происхождения) — жжёным клеймом на корке сыра. Кроме того, вся оболочка пармезана маркируется надписью Parmigiano Reggiano, выполненной в виде маленьких дырочек. Маркировку сыра производят, когда пармезан ещё совсем мягкий (в первый вечер приготовления формы). В магазинах пармезан продаётся, как правило, уже расфасованный, так как вся форма (головка) весит 38-40 килограммов.

Пармскую ветчину отличает мягкий пряный вкус, розовый цвет, тонкие слои жира и хрупкая структура.

Пармская ветчина появилась и по сей день производится большей частью в деревне Лангирано . Оригинальная пармская ветчина маркируется клеймом с изображением пятиконечной короны Пармского герцогства. Пармская ветчина является закуской  и в классическом рецепте сервируется с дыней или другими фруктами.

А теперь я познакомлю вас с моими любимыми исполнителями арий из оперы Риголетто

Мне нравится, как Георг Отс исполняет арию Риголетто

И квартет с Анной Нетребко тоже звучит неплохо. В нем поют также Елена Гаранча, Рамон Варгас и Людовик Тезьер.

А послушайте, как звучат несравненные Сазерлед и Лучано Паворотти! Как они хороши в Риголетто!

А слышали вы божественный голос негритянки Леонтины Прайс?

Похороны Вкрди в Милане 27 февраля 1901 года

Поклонимся праху великого Дж.Верди, который был сожжен на кладбище в Милане. На этом месте мемориальная доска и памятник. Прах покоится под мраморной плитой на Миланском мемориальном кладбище.

 Верди написал Реквием в память о великом Россини

Lacrimosa

Реквием Верди

Говоря о музыке Верди, нельзя не  упомянуть и его Реквиеме, написанном в 1874 году.

Я нашел запись Реквиема в исполнении Г.Карояна, Леонтины Прайс, Фьереца Коссото, Вертера Тейла и Николая Гяурова.

Requiem de Verdi (1967) - Messa da Requiem
Scala de Milan
Direction: Herbert von Karajan
Soprano: Leontyne Price
Alto: Fiorenza Cossotto
Ténor: Luciano Pavarotti
Basse: Nicolaï Ghiaurov
(4ème partie -Vierter Teil)

И в операх, и в Реквиеме самое важное для Верди — сила и красота человеческого духа. Все остальное — в значительной мере условности того или иного конкретного сюжета. Именно выпуклость, яркость и напряженность эмоций делают Реквием Верди одним из наиболее любимых произведений слушателей многих стран до сегодняшнего дня.

 №1 Requiem (Вечный покой) начинается едва слышным шепотом хора, которому противопоставлен более светлый, энергичный квартет солистов.

№2 Dies irae (День гнева) рисует остро конфликтные картины Страшного суда, полные смятения и ужасаВ конце 2 части звучит печально умиротворенный квартет с хором Lacrymosa (Слезный день тот). Это завершающий 2-ю часть эпизод - один из самых проникновенных, с мелодией удивительной красоты.

Три последующие части образуют светлый мир произведения.№3 Offertorio (Приношение даров) - декоративно созерцательный квартет солистов развертывающийся неторопливо, в приглушенной звучности.

№4 Sanctus (Свят), открывающийся соло труб, - блестящая фуга для двойного хора, воплощение созидательной ликующей силы жизни.

№5 Agnus Dei (Агнец Божий) - сдержанный, отрешенный дуэт женских голосов, вариации в старинном стиле на необычную тему в духе средневекового церковного песнопения в унисон.

№6 Lux aeterna (Вечный свет) - терцет солистов, построенный на контрасте света и тьмы, с постепенным возвращением настроений 1-й части.

№7 Libera me (Освободи меня, Господи) - развернутый финал, основанный, как и 2-я часть, на противопоставлении разнохарактерных эпизодов. Драматическое соло сопрано подводит к возвращению музыкальной темы грозного хора Dies irae. В центре - скорбный эпизод без сопровождения оркестра (сопрано с хором), как воспоминание о 1-й части. Завершает произведение полная решимости хоровая фуга, которая перекликается с двойной фугой 4-й части.

Работал Верди над "Реквиемом" настолько быстро, что уже три месяца спустя, в августе 1873 года, послал приглашение для участия в премьере любимой певице, первой Амнерис итальянской постановки "Аиды", Марии Вальдман. На партию сопрано он выбрал выдающуюся чешскую певицу, сорокалетнюю Терезу Штольц (Терезину Штольцеву), участвовавшую в итальянских премьерах "Дона Карлоса", "Силы судьбы" и "Аиды".Премьера "Реквиема" состоялась в Милане, в соборе Сан Марко 22 мая 1874 года под управлением Верди, а три дня спустя - в театре Ла Скала и прошла с огромным успехом.

Леонтина Прайс, которую вы только что слушали - одна из величайших певиц мира. Она родилась в 1927 году и живет в Америке. Великолепный голос, исключительно гибкий, с огромным диапазоном от ля малой октавы до ре третьей, сочетается у этой исполнительницы с выдающимся актерским дарованием. Самые крупные творческие удачи Прайс связаны с операми Верди, особенно с Аидой.

Фьоренца Коссотто (Cossotto) (р. 1935) - итальянская певица (меццо-сопрано). Коссотто - одна из крупнейших меццо-сопрано середины 20 века. Диапазон ее голоса позволял ей исполнять и партии драматического сопрано

Николай Гяуров (р.1929) - великий болгарский певец. Он уже в 1957 году покорил весь мир. Кстати, с его первыми выступлениями в Милане связан забавный эпизод. В опере Верди «Дон Карлос», как известно, две крупные басовые партии — король Филипп II и Великий Инквизитор. Гяуров, как более молодой артист, был назначен исполнять роль Торквемады, у которого лишь одна, но мощнейшая по своей силе сцена с королем. Филиппа пел другой болгарин — Борис Христов, к тому времени достигший мировой славы одного из лучших интерпретаторов этой партии. В то время артисты были еще незнакомы. Получив заслуженные аплодисменты после десятиминутной арии, которую Христов уже давно пел скорее «по инерции», певец расслабился. Гяуров, как и положено старому Инквизитору, вначале пел в спокойной, полуречитативной манере, и Христов запросто заглушал его голос своими короткими репликами. Вдруг в том месте, где по указанию композитора певцу следует прибавить мощи, Гяуров, подобно разъяренному зверю, буквально набросился на короля-еретика, так что Христову пришлось нелегко. В конце дуэта зал взревел. После этого спектакля артисты не разговаривали, хотя спектакль в этом же составе шел полтора месяца. Излишне объяснять, что в следующий сезон Гяуров уже пел Филиппа… Бывший заместитель директора Большого театра Леонид Заславский рассказывал мне, что прием с «усилением» Гяуров часто применял к своим «врагам» и на гастролях в Большом. Если перед спектаклем происходил небольшой скандал между солистами, то Гяуров, не подавая виду, спокойно пел свою партию, а когда дело доходило до крупного дуэта, то просто перекрывал обидчика своим «вокальным потоком», после чего тот униженно удалялся. …

Вот такой у нас получилась прогулка в мир музыки.

Если Вам понравилась прогулка - напишите, побродим с Вами по другим городам Италии, которую я обожаю.

5 февраля в арт-кафе Бродячая собака, что на площади Искусств, открылась выставка наших друзей Михаила Георгиевича Цэруша и Ларисы Аркадьевны Астрейн. Мы с ними знакомы уже более 15 лет, и с тех пор следим за их творчеством.

Миша подарил нам две своих картины. Они нам очень нравятся.

Эту картину Миша назвал просто - поселок "Динамо"

Это работа Михаила Цэруш называется "На море"

Лариса Астрейн недавно тоже подарила нам свою работу

работа Ларисы Астрейн называется "Девушка"

Михаил Цэруш родился 10 декабря 1049 года в селе Синешть (уезд Унгень, Р. Молдова) в семье Георгия и Анны .
1964 - Окончил детскую художественную школу им. А.В.Щусева в Кишинэу,
1968 - Окончил Республиканское художественное училище им. А.Плэмэдялэ в Кишинэу,
1971 - Начал посещать мастерскую петербургского художника Владимира Васильевича Стерлигова (1904-1973), ученика К.Малевича, где велись неофициальные занятия по освоению пластических средств импрессионизма - дополнительность цвета и осветление палитры, П. Сезанн - геометризация; кубизм - явление беспредметности. К. Малевич - супрематизм, распределение веса в системе безвесия, состояние супрематического напряжения; М.Матюшин - ЗОРВЕД, формообразующие свойства цвета; В.Стерлигов - чаше-купол, сферическое пространство, мебиустичность и окружающая геометрия.
1975 Окончил Санкт-Петербургскую Академию художеств, факультет живописи.
Исследуя поведение цвета во взаимоотношении с объемом, пришел к заключению, что яркие цвета, например, красный, зеленый, оранжевый, фиолетовый, неблагоприятно влияют на восприятие объемов, а светло-желтый и ахромы: белый, серый, черный, благоприятствуют проявлению объемов через цвет.
1980 - Занимался проблемами техники. Техника как одна из художественных возможностей: кистевой мазок - единица действия, организующая структуру холста; мастехинный мазок - более прямое активное действие. Материал, жест влияют активно на форму. Михаил ЦЭРУШ в основном разрабатывает "цветовые уроки" Стерлигова. "Главное – изображение пространства цветом".

Он выставлялся во многих галлереях мира и получил признание.

1999 Присвоено звание «Maestru în artă»  Республики Молдова
2001   Премия Союза Художников Румынии
2002   Стипендия Фонда Сорос-Молдова
2003   Премия Муниципалитета г. Бакэу, Румыния
2004   Премия Союза художников Молдовы
2005   Присвоена серебреная медаль Академии Художеств России
2009   Присвоена золотая медаль выставки Cannes Azur, M. C. A Канн, Франция
2010   Присвоена Большая золотая медаль, Канн Азюр, М.К.А. Франция 

В 1980 году Михаил Цэруш встретил художницу Ларису Астрейн, установился постоянный творческий контакт, который длится до сих пор.

Лариса Астрейн родилась  в г. Кызыларбат (Ашхабатская обл. Туркменской ССР). С 1954 г. переехала в Ленинград. Занималась в изостудии Дворца пионеров у М. Гороховой. В 1966 г. закончила факультет внутренней отделки зданий Ленинградского высшего художественно-промышленного училища им. В.И. Мухиной. Работала в институте металлургии и сварки художником-архитектором, затем в Комбинате живописно-оформительского искусства. Занималась гобеленом, керамикой.

С 1982 г. занималась по системе В. Стерлигова. Склонна к теории, к аналитическому способу постижения пластических, цветовых знаков. Сосредоточена на проблемах «школы Стерлигова»: деление обобщенных, геометризированных форм, их проникновение друг в друга, взаимовлияние цвета и формы. Живопись преимущественно мерцающая: на поверхности одного цвета - паутина штрихов, мелких мазков или пятен другого.

 У Ларисы Астрейн заметен интерес к цветооптическим задачам. Ее работы представляют собой некую единую цветовоздушную среду, в которой растворяются формообразующие элементы.

 Лариса и Миша как бы взаимно дополняют друг друга и растворяются в творчестве друг друга, оставаясь самобытными художниками.

 В 2010   на выставке в Каннах  Лариса Астрейн была награждена Серебрянной медалью за вклад в искусство, Канн Азюр, М.К.А. Франция

Одна из первых выставок Миши и Ларисы, которую мы увидели была открыта 19 мая 2005 года в Центральном выставочном зале "Манеж" "От предмета к беспредметности",

Лариса Астрейн на выставке в Манеже

От этой выставки я и стал копаться глубже в творчестве Казимира Малевича, "Черный квадрат" которого я всегда воспринимал, как насмешку художника над обществом так называемых интеллектуалов.

«Итак, если есть у тебя разум, учись чему-нибудь,
ибо разум без умения - тело без платья или человек без лица,
ведь сказали: образование - лицо разума.»
Унсур Аль-маали (Кей Кабус)

Одним из ведущих создателей беспредметного искусства считается Казимир Малевич. Неизменным сущностным ядром и содержанием любого настоящего искусства он считал неутилитарную самоценную красоту, которая возникала на основе гармонии всех элементов, часто контрастирующих друг с другом. Истинным «содержанием» искусства является оно «само как таковое», его «строй формовых элементов». В частности, для живописи — это сама живопись — соотношение цветовых масс и форм, живописная фактура, реальная жизнь и развитие цветовых пятен, их «энергийная» сила и динамика; «чистый элемент живописный» и т. п. Живописцу каждый предмет предстает «беспредметной комбинацией цветов», или «цветописью». «Чистый беспредметный контакт» с таким, то есть истинным искусством доставляет зрителю «приятные эмоциональные переживания».

В этом собственно и состоит художественно — эстетическое кредо Mалевича, на основе которого он и пришел к супрематизму. Основу его составляет понятие «беспредметности». Малевич употребляет его в нескольких взаимопересекающихся смыслах, восходящих к его философско — эстетическим представлениям. Согласно им, весь «мир как факт суждения» является «предметным» миром, а «мир как факт вне суждения» — беспредметным. Суждение же у Малевича в данном случае тождественно осознанию, мышлению, разуму. Таким образом, неосознаваемый мир, мир вне познающего разума и является миром беспредметным:

К возможностям же разума и сознания Малевич относился скептически, как художник хорошо ощущая их принципиальную ограниченность, а отсюда беспредметность выступает у него практически онтологическим основанием бытия. Мир, по Малевичу, в сущности своей беспредметен, то есть пребывает вне сферы действия разума, и только внеутилитарное искусство, основывающееся на эстетических, внеразумных, принципах, то есть тоже беспредметное в своей основе, в состоянии «познать» его. При этом беспредметность или сущность искусства осмысливается основателем супрематизма как высшая ступень разумной деятельности человека:

.Искусство «по существу беспредметно, безобразно, вне идей целевых» — не устает повторять русский авангардист. «Беспредметники», хотят освободить искусство от всего внехудожественного, «строить мир по чувству приятных восприятий»; они "созерцают мир явлений, и образ их творится внутри созерцающего — отсюда, если возникает новая реальность, то только реальность как «мир в себе». Беспредметное искусство — это «чистое искусство»; оно обязательно содержит в себе «чистое выражение ощущений» и некий «абсолютный неизменный элемент» искусства, благодаря которому искусство обладает вечной ценностью и именно ради него хранится в музеях. В самом общем плане под беспредметностью в искусстве Малевич понимал его художественность, его эстетическую ценность вне связи с какими-либо иными внехудожественными, преходящими функциями. Ею обладает любое настоящее искусство, но только со времени импрессионистов художники осознали, что искусство можно и нужно освободить от внехудожественного, внеживописного — для живописи, балласта. И Малевич делает следующий и последний шаг — супрематизм.

 Откуда идет супрематизм Малевича? Я думаю, что очень многое он взял от буддизмма. В буддизме центральным является понятие пустоты. В буддизме существует много школ и направлений, но идея пустотности всех явлений образует лицо буддизма и главное его отличие от других религиозных учений.

Учение буддизма говорит: форма есть пустота. Все, что имеет имя и форму, на самом деле пустотно, лишено самости, не может сказать о себе "я". Познание реальности любого явления означает познание пустоты - нуля.  Малевич познавал пустоту. Он писал: " В точке нечего видеть, кроме точки, поэтому появляется в супрематизме точка в виде квадрата или круга, вызывающая сильнейшее негодование всего общества." 

Вот и появился "Черный квадрат" "Малевича

В 1913, или 1914, или 1915 году, в какой именно день — неизвестно, русский художник польского происхождения Казимир Малевич взял небольшой холст: 79,5 на 79,5 сантиметров, закрасил его белой краской по краям, а середину густо замалевал черным цветом. Эту несложную операцию мог бы выполнить любой ребенок — правда, детям не хватило бы терпения закрасить такую большую площадь одним цветом. Такая работа под силу любому чертежнику, — а Малевич в молодости работал чертежником, — но чертежникам не интересны столь простые геометрические формы. Подобную картину мог бы нарисовать душевнобольной — да вот не нарисовал, а если бы нарисовал, вряд ли у нее были бы малейшие шансы попасть на выставку в нужное время и в нужном месте.

Проделав эту простейшую операцию, Малевич стал автором самой знаменитой, самой загадочной, самой пугающей картины на свете — «Черного квадрата». Несложным движением кисти он раз и навсегда провел непереходимую черту, обозначил пропасть между старым искусством и новым, между человеком и его тенью, между розой и гробом, между жизнью и смертью, между Богом и Дьяволом. По его собственным словам, он «свел все в нуль». Нуль почему-то оказался квадратным, и это простое открытие — одно из самых страшных событий в искусстве за всю историю его существования.

На главной картине Малевича "Черный квадрат" не видно его подписи. Это дань признания той истине, что "Я" не существует, что в основе всего - нуль. Сама картина "Черный квадрат" - это изображение нуля, только не привычного, не овального и не круглого, но необычного, квадратного.

Белый фон на этой картине представляет собой некое обрамление и описывает форму квадратного нуля. Черный квадрат в этом белом обрамлении обозначает глубочайшую бесконечную пустоту внутри нуля. Если кто-либо что-либо действительно познал, он познал нуль. "Если искусство познало красоту, познало нуль". Картина "Черный квадрат" выражает эту философскую истину пустоты.

Необходимо заметить, что пустота, понимаемая в буддизме, не есть нечто бессознательное и плохое. Пустота есть высокая реальность, полная истины и сознания, чудесный источник всех вещей и достоинств. Постижение пустоты приносит ясное понимание, освобождение от проблем и конечное спасение.

Картина "Черный квадрат" Малевича - это знак чудесного источника всех вещей и достоинств. Если кто-либо познал "Черный квадрат", он познал нуль, который обращает в ничто все страдания и приносит полное освобождение от всех оков.

Миша Цэруш, прочитав про учителя его учителя, заметил, что было несколько квадратов, приписываемых кисти Малевича. Состояние напряжения двух начал - белого и черного создают форму. Без этого ощущения квадрат не сделать. Возникло новое направление в искусстве - супрематизм. Термином «супрематизм» (от лат. supremus, «высочайший, или преодолевающий») Малевич называет высший и последний этап искусства, суть которого заключается в выходе за традиционные рамки, за пределы видимого, умопостигаемого мира, в Ничто, в Абсолют. Именно так, по мнению Малевича, и можно спасти мир, потерявший целостность и находящийся на грани гибели.

И последнее мое замечание по поводу Черного квадрата.

Интересные факты

• В настоящее время в России находятся четыре «Чёрных квадрата»: в Москве и Санкт-Петербурге по два «Квадрата»: два в Третьяковке, один в Русском музее и один в Эрмитаже. Одна из работ принадлежит российскому миллиардеру Владимиру Потанину, который его приобрёл у Инкомбанка в 2002 году за 1 миллион долларов США (30 миллионов рублей) и передал на бессрочное хранение в Эрмитаж этот первый из существующих вариантов холста с изображением «Чёрного квадрата»

• Малевич – сам того не зная – прозрел появление Пиксела, ввергающего человечество в виртуальное начало компьютерных и телевизионных технологий подчинения массового сознания бездуховности и мерзости запустения. Его ЧК обернулся мириадами пикселов миллиардов телевизионных и компьютерных экранов, которые сверкают разноцветными огнями в домах миллиардов людей по всей Земле. Итак, ЧК=Пиксел. Дать явлению (феномену) точное имя, понять его сущность – значит преодолеть его, стать выше его, сделать возможным подчинить его своей воле.

• Загадки «Черного квадрата» более не существует. Фетиш разоблачен. Не надо ломать голову. Это был всего лишь Пиксел! Всего лишь Пиксел…

Время Малевича было очень напряженное. Тьма поглотила Россию! Если интересен Малевич, то посмотрите великолепный сайт о нем.

У Малевича было много учеников. Одним из них был Владимир Васильевич Стерлигов (1904-1973)

Новая система, предложенная Стерлиговым, позволила передать в живописи иное понимание пространства: его криволинейность, многомерность, возможность сосуществования миров и антимиров. Возможно, что самый главный урок, который давала и дает школа Стерлигова, это — возможность обрести творческую свободу.  Соединение импрессионистической цветности с геометризацией — одна из многих поднятых Стерлиговым проблем. Это все надо иметь ввиду, если пытаться понять творчество  Михаила Цэруша и Ларисы Астрейн.

С творчеством Стерлигова вы можете познакомиться здесь.

Миша Цэруш и Лариса Астрейн были учениками Стерлигова.

Новую выставку, которую мы посетили, Михаил и Лариса назвали "Окно в другой мир". Окно в другой мир - это Зеркало. Зеркала поражают своей непостижимой двойственностью мира. С одной стороны - это материальный предмет, а с другой - неосязаемое отражение, фантом.

Вот и побывали мы в Зазеркалье, в гостях у Миши Цэруша и Ларисы Астрейн. Очень интересно.  

Выше я показал картины Ларисы Астрейн, а ниже - картины Миши Цэруша

Я специально не привел названия картин. Назовите их сами. Это старые картины. А на выставке нас поразили новые картины М.Цэруша из серии Цветовая геометрия и Музыка.

Потом мы посидели у нас и выпили с Мишей замечательный молдавский коньяк "Квинт" за милых женщин и за творчество, которое двигает мир вперед. Главное - бороться и  искать, найти и не сдаваться!

Сегодня 15 ноября. Мы с Мишей уже давно не виделись.

Он работал много в Молдавии  и поделился со мной новыми работами.

Pleasure principle(J.M.Jarre)

Так назвал свою композицию М.Церуш.

Принцип удовольствия - это композиция французского композитора Жан-Мише́ль Андре Жарр ( Jean-Michel André Jarre), одного из пионеров электронной музыки. Начиная с 1979 года он провел десятки музыкально-световых представлений во всех уголках планеты.

Послушайте эту композицию

Принцип удовольствия — один из четырёх принципов работы психического аппарата в теории Зигмунда Фрейда, наряду с принципом постоянства, принципом нирваны и принципом навязчивого повторения.

Принцип удовольствия описывает стремление психики к понижению напряжения до минимального уровня. Поэтому в работе 1920 года «По ту сторону принципа удовольствия» Фрейд делает парадоксальный вывод, говоря о том, что «принцип удовольствия находится в подчинении у влечения к смерти — и тот, и другой стремятся привести организм к уровню минимальной — в идеале нулевой — психической нагрузки. Удовольствие иногда сопоставляют с завистью, какими бы противоположными они ни казались: «…удовольствие связано не с праздностью, а именно с завистью или эрекцией желания»

А этот клип дает возможность познакомиться со светомузыкальным шоу Жарра.

Доминанта красного.

Мне встретилось стихотворение великого кинорежессера Михаила Рома. На мой взгляд, оно созвучно картине Михаила.

Стихи о красном цвете

Откуда столько красного вокруг?
В природе красный цвет, скорее, редкость.
Хотя закат... И всё же, это трюк.
Когда удастся навести на резкость
Одну звезду, которая горит
Поярче Солнца, белыми хвостами,
То светом озарённый лабиринт
Евразии покажется листами
Одной лишь книги, чей урочный час
Ворвался в двери разом, не стучась.

Пришла пора. Двадцатый век созрел.
Все сорок лет блуждания, мытарства
Без церемоний он вершил расстрел,
И в щепки разлетались государства,
И так, и сяк по линиям границ
Перерезая собственные вены...
Коль жизнь - игра, то непременно блиц
Под роковою маской Мельпомены.
Но книга недоступна для неё,
Поскольку правда в ней, а не враньё,

Поскольку книга зрела сорок лет,
Пока не отразилась на бумаге...
И книга знала, что не тёплый плед
Согреет нас, а только спирт из фляги.
Она несла в себе язык такой,
Что гласный не потворствовал согласным.
...Звезда соседство с лунною дугой
Могла бы посчитать огнеопасным,
Ещё бы! Раскалившись до бела,
Она уже не красною была.

Где языками рукопись горит,
Горенье языка не иссякает,
Роман один, но сколько маргарит,
Которых проведенье опекает
И к Мастеру ведёт, мол, не скучай,
Даруя вечность тихую обоим...
Закат роняет, как бы невзначай,
На белый плащ кровавые подбои.
А утром Солнце пятится на юг...
Откуда столько красного вокруг?

2 июня 2001 года

Или стихи С.Есенина (1916)

               О красном вечере задумалась дорога,
               Кусты рябин туманней глубины.
               Изба-старуха челюстью порога
               Жует пахучий мякиш тишины.

"Призвание художника - посылать свет в глубины человеческого сердца", говорит Шуман.

Ему вторит Вачилий Кандинский

"Цвет - это клавиша; глаз - молоточек; душа - многострунный рояль.
Художник есть рука, которая посредством той или иной клавиши целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу.

Таким образом ясно, что гармония красок может основываться только на принципе целесообразного затрагивания человеческой души."

Эту композицию Миша назвал "Прелюдия форм"

В музыке прелюдия -  короткое музыкальное произведение, не имеющее строгой формы.

С.В.Рахманинов писал, что "... Прелюдия по своей природе абсолютная музыка. первичная функция — доставлять интеллектуальное удовольствие красотой и разнообразием своей формы. Это и было целью, к которой стремился Бах в своём удивительном цикле прелюдий, являющихся источником бесконечного наслаждения для музыкально развитого слушателя. Их несравненная красота будет утрачена, если мы попытаемся искать в них отражения настроений композитора."

Колокольное эхо октав
Прорастает над лесом, над сушей
И, аккордам все силы отдав,
Призывает: «послушай, послушай,

Не спеши уходить, подожди!
Есть мгновенья, которых не будет
Без внимания к стуку в груди
В мельтешеньи предпраздничных буден.

Оглянись, затаенно дыша.
И, возможно, увидишь ты сверху –
Где-то рядом чужая душа…
Оказалась твоей на поверку.

Сохрани, хоть на час сохрани
Для себя этот миг потрясенный.
И очищенный чуткостью мир
На ладонях своих понесем мы"

Мы вчера открыли для себя новый театр сатиры на Васильевском. Здание театра было построено в конце XIX века на средства известной петербургской благотворительницы В.Н. фон Дервиз в качестве Народного дома. В первом этажа здания размещались: читальня, библиотека и музыкальные комнаты с роялями для беднейших учащихся консерватории, во втором этаже - небольшой зал, в третьем - Школа живописи. Уютное и прекрасно отделанное здание с хорошим театральным залом стало привлекать многие театральные антрепризы. Среди них : оперное товарищество, труппы актеров Василеостровского театра и берлинского Модерн-театра, Театр Искусств, Музыкально - Драматический театр и пр.
После революции здесь работал Передвижной музыкальный театр, Областной ТЮЗ. А уже после войны здание было отдано Клубу табачной фабрики им.Урицкого и почти пятьдесят лет в прекрасном театральном зале крутили кино. И лишь в 1993 году после капитальной реконструкции и ремонта всего помещения, зданию был возвращен его исторический статус - открылся Государственный Театр Сатиры на Васильевском. Он находится на Среднем проспекте между 10 и 11 линиями.

В золотом фонде театра пьеса 3 спектакля, удостоенных театральных премий.

Спектакль Мухиной ТАНЯ-ТАНЯ. Это пьеса о счастье. Каждый мечтает о счастье. Почему же счастья нет? Почему то, что кажется таким простым, оказывается трагически несбыточным?

Премию "Золотой софит" получил спектакль по пьесе Улицкой " Русское варенье" Людмилы Улицкой, написавшей смешной, но не жесткий текст, сварившая варенье из шума культуры, рифм, из остроумно вывернутых чеховских цитат, все смешав и кинув в вишневое варенье дохлую мышь – и по сюжету (мышь в тазу с вареньем находит Маканя), и символически (вот вам ваш «Вишневый сад» сегодня: мышь в варенье, забытый вместо Фирса кот…). Бубень, с холодностью нездешней, европейской, польской, какой угодно, но точно – с холодностью и отстраняясь, ставит саркастический диагноз русской интеллигенции.

И третий спектакль из золотого фонда тоже по книге Людмилы Улицкой "ДАНИЭЛЬ ШТАЙН, ПЕРЕВОДЧИК". Мы пошли на этот спектакль с некоторым трепетом и с интересом, так как книга нам очень понравилась. В романе Людмилы Улицкой «Даниэль Штайн,переводчик», образ еврейского народа как коллективного Иова, сидящего на пепелище, лишившегося детей, здоровья, имущества и смысла существования. Роман, на мой взгляд,  — лучшее, что написано в начале этого века о проблеме еврейской идентификации.

Главный режиссер театра Анджей Бубень в национальные проблемы углубляться не стал. Евреи в его спектакле — частный случай человечества. Герои помещены в идеальное пространство между небытием, из которого вышли, и пеплом, с которым в итоге смешаются. Модель мироздания окутана тягучей медитативной музыкой, чтобы звуки улицы не нарушили чистоты эксперимента. Словом, это анти-«новая драма», попытка чисто интеллектуального театра.
Те конструкции, что каждому из героев соорудила художник Елена Дмитракова, — это вещи, которых избранным шести героям (в романе их несколько десятков) не хватало для полного счастья. У молодой женщины Эвы (Татьяна Калашникова), рожденной в гетто и воспитывавшейся в приюте, — уголок с зеркальцем, косметикой, полочками для приятных аксессуаров. Ее мать, заслуженная коммунистка Рита Ковач (Наталья Кутасова), сидевшая при всех режимах, теперь имеет мягкое кресло под японским фонариком, на створках которого — ее немеркнущие идеалы: Маркс, Энгельс и Ленин. Фанатичный Гершон Шимес (Михаил Николаев), отсидевший в советском лагере «за самиздат», обитает среди книжных башен. Авигдор Штайн (Игорь Николаев) — взрослый ребенок с мастеровитыми руками — получил универсальный верстак. Самолюбивый литовец Ефим Довитас (Артем Цыпин) обрел грезившийся ему православный приход — его «угол» сконструирован из церковных подсвечников. А сердобольная внучка офицера Третьего рейха Хильда (Елена Мартыненко) живет среди фотографий евреев, которых она спасла тем или иным способом.

В этом благородном безыскусном и прекрасно сыгранном спектакле со сцены к сердцам зрителей незаметно доходит послание. Какое? Сколько бы ни била тебя жизнь, сколько бы ты ни страдал и ни плакал – придёт момент, когда ты встретишь на дороге того, кто согреет твои озябшие руки и поможет разжечь огонёк. Остальное зависит от тебя...

Почитайте книгу Людмилы Евгеньевны Улицкой "Дэниэль Штайн.Переводчик" Любопытная книга. Вы увидите мир Израиля. Спектакль интересен, но книга глубже окунает вас в проблемы этой страны, этого мира. Вы увидите  мудрую старуху, обитающую среди книг и молчания. Озлобленную коммунистку, доживающую свой век в израильском приюте. Сорокалетнюю американку – якобы благополучную, но искалеченную воспоминаниями. Немку, ради искупления вины своего народа работающую в христианской общине под Хайфой. Католическую монахиню, ставшую православной попадьей. Израильского радикала неуравновешенного подростка, грустного араба-христианина. А в центре этого разрозненного и все же отчаянно единого мира – еврей, бывший «крот» в гестапо, бывший партизан, ныне – католический священник. Человек, чья жизнь объясняет, как люди живы до сих пор, как не утопили себя в ненависти и боли. Роман Людмилы Улицкой – о странствиях духа во мраке мира, о том, как всякий ищет и находит свет вокруг и в себе. О Даниэле Руфайзене – человеке, с чьей жизнью не способна соперничать никакая литература. О человеке, который до последнего дня оставался милосердным солдатом.

Когда я начинал читать роман Улицкой, то боялся разочарования, а его нет. Дело в том, что это роман о реальном человеке Освальде Руфайзене.

Еще при жизни он стал легендой. Кто в Израиле не знает о том, как во время 2-й мировой войны еврейский юноша, свободно владеющий несколькими языками, выдавая себя за польского немца, поступил на службу в немецкую жандармерию и спас сотни жизней своих соплеменников, передавая подпольщикам гетто информацию и оружие, а затем дезорганизовал акцию по ликвидации гетто в местечке Мир под Новогрудком (Белоруссия)!

Кто не слышал о том, как он же после войны, будучи кармелитским монахом, судился за право считаться евреем и Израильским гражданином, дошел до Верховного Суда Израиля, защищая права крещеных евреев считать себя частью своего народа, полноценными гражданами своей страны!

Многие слышали о его встрече с Папой Иоанном Павлом II в 1985 году, когда он в течении полутора часов излагал Папе свою концепцию возрождения в Израиле древней, первоначальной формы христианства, восходящей прямо к апостольской традиции, призывал Святейший Престол к установлению дипломатических отношений с Израилем. Знают в Израиле и о его роли в создании в г. Нагарии дома престарелых для "праведников мира" - людей, которые во время 2-й мировой войны спасали евреев. Имя его было на слуху. Об Освальде Руфайзене - брате Даниэле слышали все, но очень мало кто знал о главном подвиге его жизни - подвиге повседневной самоотдачи.

Он свободно говорил и писал на 8-ми языках, и на всех этих языках он служил мессы, произносил проповеди, проводил экскурсии, писал письма. Ежедневно он отдавал свое время и силы десяткам людей, израильтянам и паломникам со всех концов земли, пытаясь со всеми поделиться той беспредельной любовью, которая горела в его сердце - любовью к ближним и дальним, своим и чужим, к христианам, мусульманам, иудеям, к Израилю и ко всему миру.

Ему часто приходилось совершать обряд отпевания. Из разных концов страны к нему обращались в тех случаях, когда из-за несовершенства израильского законодательства или из-за внутрицерковных разногласий возникали проблемы с погребением. Верный Духу, а не букве, он всегда находил возможность помочь людям.

Он безмерно любил Израиль и не любил словосочетания "Святая Земля".

Он говорил: "Земля сама по себе не может быть святой или грешной. Только если мы будем святы, будет свята и земля, на которой мы живем."

Он не одобрял показное благочестие. "Не путайте, - говорил он, - Обязанность христианина - нести свой крест, а не носить свой крестик."

Он объединил вокруг себя выходцев из разных стран, носителей разных культур и традиций. К нему приходили люди, которые в странах исхода были католиками, униатами, православными, протестантами. Он не считал, что все его прихожане автоматически становятся римо-католиками.

Он говорил: "Здесь мы находимся у истоков христианства, здесь нет места разделениям."

Пропасть, разделяющую сегодня иудеев и христиан, он переживал как личную трагедию. Он говорил с Церковью от лица евреев, он говорил с Израилем от лица Церкви!

Тема эта любопытная и много ценного я получил из библиотеки священника Якова Кротова о религии, о сути христианства.

Закончить свое эссе я бы хотел словами соего самого любимого писателя А. де Сент-Экзюпери. Хорошо он сказал в своей книге «Цитадель»: «Люди нередко ошибаются, требуя защиты своих прав, – я озабочен правами Господа в человеке»

10 чудесных мест на Земле, которые вскоре исчезнут

 

Года три назад мы открыли для себя удивительного режиссера со свежим взглядом на театр. И не только потому, что на сцене раздеваются и мужики и женщины. Обнаженка - "слабое место" этого режиссера. Итак, знакомьтесь: Лев Борисович Эренбург - Режиссер, художественный руководитель Небольшого драматического театра (Санкт-Петербург), который был создан им в 1999 году.

Родился Лев Эренбург 10 ноября 1953 в городе Сталинск (ныне – Новокузнецк, Кемеровская область). Окончил филологический факультет Томского государственного университета (1977); актерское отделение Новосибирского театрального училища (1980); с красным дипломом - ЛГИТМиК, курс Г. А. Товстоногова, режиссура драмы (1987). Работал актером Новосибирского ТЮЗа, Читинского театра драмы. Снимался в нескольких российских картинах (в том числе – «Война» А.Балабанова). Имеет медицинское образование (врач-стоматолог).

В 2008 году мы открыли для себя комизм чеховской драмы "Иванов"  Трудно было понять грань между водевилем и трагедией в исполнении актеров Небольшого драматического театра. Однако, странное чувство осталось после этого спектакля, где актеры все время либо купаются, либо кусаются, либо плюются, либо дерутся, либо совокупляются, либо испражняются. В первом акте за задником установлена надувная ванночка, из которой сначала появляется голый, если не считать рыболовной сети на голове, Боркин, затем туда же, скинув халат, плюхнется Иванов, а за ним, прямо в одежде, Львов. Граф Шабельский прячет в собачьей будке выпивку и закусывает костями из миски пса, которого, судя по всему, тоже зовут Граф. Иванов, едва увидит Марфу Егоровну - так сразу лезет с головой ей под юбку. А Марфа Егоровна пытается повеситься на гардине в доме Лебедевых. Шабельский заявляется на свадьбу в дамской ночнушке. Такие остались впечатления от первого знакомства с Эренбургом.

Жизнь в России, по Эренбургу, как цыганский романс: весело и больно. Эта мысль въеласьв меня после посмотра второго спектакля Магнитогрского драматического театра по пьесе Островского "Гроза". Один журналист об этом ярком спектакле написал , что режиссер Эренбург поставил «Грозу» Островского как спектакль о мире, который покинул Бог. О нашем с вами мире. Остается надеяться лишь на то, что у Бога может быть совершенно другое мнение на этот счет. Вдруг он просто раздумывает и испытывает и нас, и режиссера Эренбурга.

Спектакль начинается в бане, где моется и пьет после парной традиционный чай семейство Кабановых. Мать стрижет сыну ногти, жена трет мужа мочалкой, служанка ластится к хозяину дома, вытирая ему ноги, перед тем, как он завернет их в чистые портянки и натянет сапоги. Варя, Катя, служанки-приживалки, сама хозяйка Марфа Игнатьевна Кабанова (Надежда Лаврова) с упоением играют в жмурки. Бешеный купец Дикой (Петр Ермаков) ставит на стул перед гостем маленькую дочку: спой папкину любимую!» И девочка затягивает: «Горе-горькое по свету шлялося и на нас невзначай набрело!». Жесткий спектакль о мерзости быта. Впервые жалеешь Кабаниху, которую можно сравнить с лучом света в темном царстве. Ее,а не Катерину жалко.
 

А Завтра мы идем на спектакль Л.Эренбурга  "Три сестры".  Он три года ставил этот спектакль, и вот премьера состоялась 6 декабря 2010 года.

"Три сестры" я помню в БДТ, когда играли Шарко, Попова, Доронина, Юрский, Копелян, Стржельчик.

Почему добрые, в сущности, и порядочные люди безучастно наблюдают падение и гибель других добрых, порядочных людей? Эту проблему решал в БДТ Г.А.Товстоногов, поставив в 1965 году чеховские «Три сестры». Человек не имеет права говорить, что ему «все равно». Он не смеет, как Андрей Прозоров - О.В. Басилашвили, пиликать на скрипке, когда полыхает пожар. Равнодушие - вот зло. Инертность - вот гибель. Стена непонимания трагически разъединяет собеседников, влюбленных, родных. Люди говорят, не слушая и не стремясь услышать друг друга. Но и себя они не могут достаточно постигнуть. Доктор Чебутыкин - Н.Н. Трофимов - давно примирился с невозможностью понять что бы то ни было на этом свете, и при всей его доброте такая позиция преступна: она стоит жизни его больным, она стоит жизни Тузенбаху, ранит души. Спектакль не оплакивал чеховских героев и не высмеивал их. Он анализировал смысл мнимого существования, безучастных поступков. Он страстно протестовал против гибельного равнодушия, разъединяющего людей.

Самой любимой и трудной была для Ефима Копеляна по его словам роль Вершинина Здесь артист раскрывал драму интеллигента с благородными порывами и тонкими душевными запросами, которого засосали серые будни.

Совсем другой Вершинин у Эренбурга в НеБДТ. Эренбург смотрит на чеховских персонажей другим взглядом, заново открывает их. Кто сказал, что Вершинин – всегда статный военный, Ольга – чопорная строгая учительница, Ирина – беззаботная лучезарная красотка? Эренбург показывает их совершенно другими, непривычными, смешными, нелепыми, возможно, не всегда приятными, но именно в этом – их правда, их особенность

 Все актеры играли прекрасно,  Но не затронул меня спектакль.

Произведение завершается словами Ольги о том, что "придет время, когда страдания перейдут в радость для тех, кто будет жить после нас, счастье и мир настанут на земле, и помянут добрым словом и благословят тех, кто живет теперь…    Так завершается драма А.П.Чехова "Три сестры". Вот об этом спектакль. Главное - Эренбург сделал театр. Театр живет!

В интервью Л.Эренбург сказл «Это мой сад, и я его выращиваю»

А если хотите поразмышлять над образами чеховских Трех сестер, то почитайте пьесу и то, что пишет поэт Иннокентий Анненский о пьесе

Пьесу давно растащили на цитаты, но стоит напомнить их тем, кто не хочет читать Чехова.

_______

МАША

Отчего мы, едва начавши жить, становимся скучны, серы, неинтересны, ленивы, равнодушны, бесполезны, несчастны… Город наш существует уже двести лет, в нем сто тысяч жителей, и ни одного, который не был бы похож на других, ни одного подвижника, ни в прошлом, ни в настоящем, ни одного ученого, ни одного художника, ни мало-мальски заметного человека, который возбуждал бы зависть или страстное желание подражать ему. Только едят, пьют, спят, потом умирают… родятся другие и тоже едят, пьют, спят и, чтобы не отупеть от скуки, разнообразят жизнь свою гадкой сплетней, водкой, картами, сутяжничеством, и жены обманывают мужей, а мужья лгут, делают вид, что ничего не видят, ничего не слышат, и неотразимо пошлое влияние гнетет детей, и искра божия гаснет в них, и они становятся такими же жалкими, похожими друг на друга мертвецами, как их отцы и матери…

______

МАША

Когда берешь счастье урывочками, по кусочкам, потом его теряешь, как я, то мало-помалу грубеешь, становишься злющей..

______

ВЕРШИНИН

И как бы мне хотелось доказать вам, что счастья нет, не должно быть и не будет для нас… Мы должны только работать и работать, а счастье — это удел наших далеких потомков.

______

ВЕРШИНИН

Я часто думаю: что, если бы начать жизнь снова, притом сознательно? Если бы одна жизнь, которая уже прожита, была, как говорится, начерно, другая — начисто! Тогда каждый из нас, я думаю, постарался бы прежде всего не повторять самого себя, по крайней мере создал бы для себя иную обстановку жизни, устроил бы себе такую квартиру с цветами, с массою света..

______

СОЛЕНЫЙ

Если философствует мужчина, то это будет философистика или там софистика; если же философствует женщина или две женщины, то уж это будет — потяни меня за палец.

______

ВЕРШИНИН

Допустим, что среди ста тысяч населения этого города, конечно, отсталого и грубого, таких, как вы, только три. Само собой разумеется, вам не победить окружающей вас темной массы; в течение вашей жизни мало-помалу вы должны будете уступить и затеряться в стотысячной толпе, вас заглушит жизнь, но все же вы не исчезнете, не останетесь без влияния; таких, как вы, после вас явится уже, быть может, шесть, потом двенадцать и так далее, пока наконец такие, как вы, не станут большинством. Через двести, триста лет жизни на земле будет невообразимо прекрасной, изумительной. Человеку нужна такая жизнь, и если ее нет пока, то он должен предчувствовать ее, ждать, мечтать, готовиться к ней, он должен для этого видеть и знать больше, чем видели и знали его дед и отец.

Накануне отъезда мы посетили маленький городок Валенца в Пьемонте недалеко от Алесандрии -города, который осаждал вместе с австрийскими солдатами в Италийском походе А.В.Суворов. Все слышали о переходе Суворова через Альпы или видели картину Сурикова, но про итальянсий поход в школьных учебниках написано мало.

Итальянский поход Суворова проходил в 1799 году. Боевые действия объединенной русско-австрийской армии под командованием генерал-фельдмаршала А. В. Суворова против наполеоновских войск в Северной Италии в рамках войны стран 2-й европейской коалиции (Австрия, Англия, Королевство обеих Сицилии, Россия, Турция) против Франции. Суворов прибыл до подхода русских частей и занялся обучением австрийских солдат. После прибытия русских частей, он в сражении на р. Адда (15 апреля) разбил армию генерала Моро. За полтора месяца союзные войска сумели занять всю Северную Италию. Вскоре они нанесли поражение французам у р. Треббия (6 - 8 июня). 4 августа объединенная французская армия была разбита союзными войсками в сражении у Нови. В результате почти вся Италия оказалась под контролем союзников, после чего, опасаясь усиления позиций России, Англия и Австрия потребовали от Павла 1 отозвать русские войска вместе с Суворовым. (Об Итальянском походе более подробно можете прочитать здесь)

Город Валенца находится на берегу реки По. В этой местности много виноградников, здесь растут легендарные трюфели,

Здесь можно попробовать блюдо со знаменитым белым трюфелем – редчайшим продуктом на земле. Растет он под землей, у определенных видов деревьев, и ищут их с помощью специально обученных собак. Белый трюфель стоит очень дорого, его трут на специальной терке при подаче определенных блюд, а цена блюда устанавливается в зависимости от количества натертого трюфеля (который взвешивают до терки и после). Поэтому не удивляйтесь, если блюдо из домашней лапши в ресторане может оказаться на вес золота!!!

Здесь можно продегустировать самые знаменитые среди итальянских вин - густые благородные вина «Бароло» и «Барбареско» (эти вина считаются почти культовыми, хотя их иногда и критикуют за слишком большую сложность вкуса для современного человека), а также самое популярное сладкое игристое вино в мире – Асти.

Но город тем не менее знаменит не винами и кулинарными изысками.

Главное в Валенце – ювелирные производства. Фактически это столица итальянских золотых дел мастеров.

История золотого ремесла Валенца уходит корнями в далекое прошлое, когда в 1817 году павийский ювелир Франческо Карамора приезжает жить в Валенца и в 1825 году открывает здесь «Первый Фирменный Офис города Александрии». В начале 20 века, благодаря мастерам Винченцо Моросетти и Карло Бигатти, за Валенца укрепляется понятие центра ювелирного ремесла. Винченцо Мелхиорре станет первым из тех, кто поймет необходимость организации продаж изделий за рубеж. В 1945 году на свет появится Ассоциация Ювелиров Валенца (OAV), которая до сих пор играет важную роль в профессиональной жизни золотых дел мастеров.

До начала 19 века город был знаменит своими обувными фабриками. И, на сегодня, продукция этих фабрик по своему качеству занимает лидирующие места в рейтинге лучших марок итальянской и английской обуви. В Валенца нет броских витрин магазинов, а светящиеся вывески большая редкость. Типичное провинциальное «сонное царство» с безликими улицами. Но это только на первый взгляд, потому что, почти, за каждой дверью и каждым окном, в 1200 лабораториях, обозначенных снаружи, у входа, маленькими незаметными табличками, скрываются настоящие сокровища. Здесь проще найти бриллиант чистой воды, чем пачку соли. Тот, кто побывал однажды в этих маленьких ювелирных мастерских, проходя через заслон двойных стеклянных бронированных дверей, попадал в совершенно иной мир тому, который оставался извне.

Город Валенца – это одна большая золото обрабатывающая фабрика. Здесь каждый год  перерабатывается 30 тонн золота (это только по официальным данным) и 80% всех драгоценных камней, экспортируемых в Италию. Как минимум 8 000 из 20 000 жителей Валенца вовлечены в ювелирное производство, но судя по плотному кольцу ювелирных лавок, расположившихся рядом с мастерскими, их гораздо больше.
Валенца – это мировой феномен: американский Проведенс, испанский Толедо и Барселона, немецкий Форцхайм, которые изготавливают продукцию высокого класса, все равно, не могут соперничать с изделиями из Валенца. Не случайно, именно здесь был создан «Музей золота», расположившийся в античном Палаццо Пасторе, экспонаты которого являются истинными произведениями декоративного искусства и образцами современного дизайна.

Предприятия Валенца – это, в основном, семейные подряды и мелкие фирмы численностью от 3-х до 5-ти человек, если не принимать в расчет предприятий, занимающихся только переработкой золота: производство больших золотых слитков, определенного веса, и фасованного золота для изготовления ювелирных изделий. Валенца - это одна большая золото обрабатывающая фабрика. Рядом с многочисленными золотыми лавками по продаже драгоценностей расположились ювелирные мастерские по ремонту и реставрации изделий из золота, где каждая мастерская специализируется на каком-либо одном профиле работ: вставка камней в изделия, граверные работы, нанесение смальты и т.д., которые вместе составляют добрую половину всех ювелирных предприятий Валенца.

Вы попадете в совершенно иной мир,  поскольку за каждой дверью и окном в 1200 мастерских, обозначенных незаметными табличками, изготавливаются эксклюзивные украшения, сделанные вручную с применением виртуозных технических приемов, а также изделия из золота, представляющие собой уникальные художественные произведения.

Особым почетом пользуется фирма Домиани, которой уже более 80 лет. Эквивалентом «Оскара» в мире haute joaillerie является награда Diamonds International Awards. Этот приз вручается за лучший ювелирный дизайн и лучшее украшение с использованием бриллиантов. Среди обладателей этой награды есть абсолютный чемпион – у него их 18. Рекорд принадлежит итальянскому ювелирному дому Damiani. Неудивительно, что Энрико Грасси Дамиани (Enrico Grassi Damiani), родившийся в Валенце – городе, где было мало альтернатив для карьерного роста, – решил стать ювелиром. Удивительно другое: фирма, основанная в 1924 году, довольно быстро стала знаменитой и уважаемой. Энрико смог выделиться среди множества конкурентов. Он создавал классические украшения, которые отличал элегантный дизайн. Заказы на них делали представители многих уважаемых итальянских семейств.
С давних пор в городе Валенца существует легенда, которая рассказывает о повседневной борьбе между доброй волшебницей, живущей в мастерской ювелира, и помогающей мастеру совершать ежедневную чудодейственную работу по изготовлению ювелирных украшений, и злой колдуньей, раздувающей капризы у иноземных купцов при покупке этих изделий.

Если удастся, то можно попасть в «stock» (наковальню ювелира) и посидеть на «tolle» (по-особому изогнутых сидениях, на которых сидят ювелиры во время работы).

Еще  стоит вспомнить ювелирный дом Crivelli Gioielli. Всего 40 лет назад он был создан в Валенце, но уже завоевал мировую известность. Бруно Кривелли использует не только свое мастерство, но и научные достижения, все нюансы современного дизайна, историю украшений и самые необычные веяния моды. Коллекции Crivelli Gioielli - это яркие и незабываемые работы, среди которых мало кому не удастся найти что-то по душе.

Еще об одном великом мастере, который начал постигать азбуку ювелирного искусства в мастерских Валенцы - Паскуале Бруни стоит рассказать

История Pasquale Bruni - это история Дизайнера, ставшего властителем самых дерзновенных грез. Ювелира, вдохнувшего страсть в холодную красоту камня. Философа, разгадавшего самую сокровенную тайну - Желание Женщины.

Паскуале Бруни всегда мечтал создавать такие украшения, которые были бы чем-то большим, чем просто дорогостоящие изделия, а именно персонифицированными и одновременно интимными существами. Известный итальянский ювелир хранит приверженность традициям классики и в то же время следует, а подчас и предвосхищает, современные тенденции в мире моды. Ювелирные творения, созданные талантом Паскуале Бруни, передают магическую атмосферу праздника. Великому художнику удалось в совершенстве познать женскую фантазию, населяющие ее мечты, цвета и образы. В его руках драгоценные камни превращаются в шедевры ювелирного искусства, становясь символом удивительной способности женщин сочетать в одном лице индивидуальность и многообразие.

Контраст форм и материалов в виде камней и золота создают графический, острый, вызывающий дизайн. Их ярко выраженный современный стиль является еще одним признаком принадлежности к семье Pasquale Bruni.

Интересное интервью с Паскуале Бруни можете почитать здесь

Все праздничные искры солнечных зайчиков, нежность волшебного рассвета, мягкость и томность серебристой ночи Валенцы можно увидеть в искрящихся белых и цветных бриллиантах, черных отблесках алмазов, белом, желтом, розовом золоте. Каждое украшение - такой же шедевр, как и день или ночь в Валенце.

Эти изделия, сделанные в Валенце, не имеют ничего общего с тем, что продается в Ареццо или в Виченце – штампованные изделия серийного производства, выпускающиеся в тысячах экземпляров.В магазинах при ювелирных фабриках Валенцы каждое изделие уникально.Здесь можно провести много часов, разглядывая полиные шедевры ювелиного искусства.

А потом знакомые наших друзей пригласили нас на чашку кофе.

Оказалось,что Пино и егожена живут в трехэтажном дворце. Папа его жены много лет назад купил это здание и частично реставрировал его. Теперь здесь есть жилаячасть и магазин - студия, где представлена мебель.

Оценка качества ювелирных камней  Здесь Вы можете слегка повысить свою квалификацию перед поездкой в Валенцу

в Валенца существуют две профессиональные школы золотого ремесла: Государственный Художественный институт «Бенвенуто Челлини», в котором обучается около 400 студентов и Региональный образовательный центр, представляющий собой частную школу, признанную на государственном уровне. В «Челлини» учебный процесс организован в двух уровнях: 3 или 5 лет обучения, где после трехлетнего обучения студенты получают диплом и квалификацию «Мастер-художник», те, кто продолжает обучение еще в течение 2-х лет, получают диплом и квалификацию «Технолог по обработке драг металлов» или «Технолог по обработке драгоценных и полудрагоценных камней» ; пятилетнее образование позволяет студентам продолжить свое обучение в Высших учебных заведениях. Самое ценное в процессе обучения в этих институтах то, что практические уроки проводят высококвалифицированные мастера ювелирного дела, которые передают молодому поколению опыт, мастерство и секреты своего ремесла, накопленные за столетия; методика обучения по принципу: «мастерская – школа», поддерживающая традиции определенных марок предприятий одобрена региональными нормативами от 1997 года

.

Вот такой была наша поездка в Валенцу.

Сегодня православный мир празднует Крещение, или Богоявление Господнее.

Крещение - это третий самый большой праздник, который завершает цикл Рождественских праздников. Церковь рассматривает Крещение Господнее как "праздник просветительства" народов, поскольку согласно ее учению, именно с Крещения Иисус начал проповедь евангельской истины.

Христианский мир отмечает праздник Крещения 19 января. Его еще называют Иорданом. Иордан (от названия реки Йордан в Палестине) - народное название христианского обряда освящения воды. Его осуществляют в память о крещении Иисуса Христа в Иордании, описанном в Евангелиях. Праздник имеет и другое название - Богоявление, - которое происходит от того, что, согласно Библии, во время крещения Иисуса на него сошел с небес Дух Святой в виде голубя, и голос послышался из неба: “Это Сын Мой Любимый, которого его Я полюбил!” (Мт. 3:17).

"Креще́ние (греч. βάπτιση — «погружение в воду») — одно из важнейших христианских таинств. Признаётся всеми христианскими исповеданиями, хотя и не в одинаковом смысле."
Так, формальный перевод будет выглядеть как "Иоанн Омовитель".

Иоанн крестил водой в покаяние и прощение грехов:

От Матфея, 3
11 Я крещу вас в воде в покаяние, но Идущий за мною сильнее меня; я не достоин понести обувь Его; Он будет крестить вас Духом Святым и огнем;

От Иоанна, 1
25 И они спросили его: что же ты крестишь, если ты ни Христос, ни Илия, ни пророк?
26 Иоанн сказал им в ответ: я крещу в воде; но стоит среди вас Некто, Которого вы не знаете.
27 Он -то Идущий за мною, но Который стал впереди меня. Я недостоин развязать ремень у обуви Его.
28 Это происходило в Вифаваре при Иордане, где крестил Иоанн.
29 На другой день видит Иоанн идущего к нему Иисуса и говорит: вот Агнец Божий, Который берет на Себя грех мира.
30 Сей есть, о Котором я сказал: за мною идет Муж, Который стал впереди меня, потому что Он был прежде меня.
31 Я не знал Его; но для того пришел крестить в воде, чтобы Он явлен был Израилю.
32 И свидетельствовал Иоанн, говоря: я видел Духа, сходящего с неба, как голубя, и пребывающего на Нем.
33 Я не знал Его; но Пославший меня крестить в воде сказал мне: на Кого увидишь Духа сходящего и пребывающего на Нем, Тот есть крестящий Духом Святым.
34 И я видел и засвидетельствовал, что Сей есть Сын Божий.

Иисус крестится у Иоанна, не потому, что ему необходимо было прощение грехов или покаяние, а для того, чтобы было возможно свидетельство о Нем и стало возможно современное крещение христиан.

От Матфея, 3
13 Тогда приходит Иисус из Галилеи на Иордан к Иоанну креститься от него.
14 Иоанн же удерживал Его и говорил: мне надобно креститься от Тебя, и Ты ли приходишь ко мне?
15 Но Иисус сказал ему в ответ: оставь теперь, ибо так надлежит нам исполнить всякую правду. Тогда Иоанн допускает Его.




Более того, крест как символ появляется с появлением Христианства, после распятия Христа на кресте. И пусть даже христианские священнослужители и "крестят", используя в обряде крещения крест и прочее, Иоанн никак не может быть "крестителем", потому что Иоанн "крестил" Христа за три года до его распятия, до появления самого креста!

Возможно, крещение в одном из смыслов в наши дни - это обряд очищения подобно очищению Христа при распятии, и поэтому крещение имеет обоснованное название в русском. Но опять же, у "крещения" Христа Иоанном именно такого смысла не было и не могло быть, потому что еще не было креста. Так какой же Иоанн Креститель?

Кажется, так запутанно дело обстоит только в русском языке, ведь на английском Иоанн Креститель - John the Baptist, то есть, Омовитель.
На примере Иоанна, Божьего избранника, Иисус показал пример того, как должно было совершаться таинство погружения в воду, олицетворяющего смерть, погребение и воскрешение, подобно тому, как это произошло позже с Самим Христом. В данном случае слова "погружение" и "крещение" - синонимы.  О кресте не было еще и речи. Но везде, где говорится о крещении, подразумевается погружение.
    В крещении(погружении)участвовали ученики Иисуса еще до Его распятия -  ....хотя Сам Иисус не крестил, а ученики Его..( От Иоанна 4:2).
   ... Эта вода есть образ крещения, которое и сегодня спасает вас. Крещение - это не омовение тела от грязи, а просьба к Богу о чистой совести. Всё это приходит через воскресение Иисуса Христа(1-е Петра 3:21)
  А прообраз погружения, как пишет Петр, было спасение Ноя и его близких(8 человек) через воду - ...некогда непокорным ожидавшему их Божию долготерпению, во дни Ноя, во время строения ковчега, в котором немногие, то есть восемь душ, спаслись от воды(1-Петра 3:20)

После Своего воскресения Спаситель дал Своим ученикам мессионерское поручение о распространении Своего учения и крещении людей. “Итак идите, научите все народы, крестя их во имя Отца и Сына и Святаго Духа, уча их соблюдать всё, что Я повелел вам” (Матф.28:19-20). Апостолы - ученики Спасителя исполняли это повеление. “Так и нас ныне подобное сему образу крещение, не плотской нечистоты омытие, но обещание Богу доброй совести, спасает воскресением Иисуса Христа” (1Пет.3:21).

В Новозаветные времена учениками Спасителя применялся обряд крещения такой же, какой применял и Иоанн Креститель при крещении. В дальнейшем сущность обряда крещения осталась прежней, но внешне обряд крещения изменился. В Новозаветные времена обряд крещения совершался в реках или прудах с применением полного погружения и выхода из воды. В поздние времена для крещения были сооружены специальные бассейны, называемые бабтистериями, которые помещались вначале под открытым небом, а затем в специальных помещениях - крестильнях. В таких бабтистериях крещаемый сходил в бассейн ступенями, чтобы произвести полное погружение тела в воду и совершить омовение.

Затем в Англиканской церкви и других конфессиях обряд полного погружения был заменен кроплением, а самому обряду крещения было придано чисто символическое значение. В первые века существования христианства крещение производилось в большей части над зрелыми людьми. Например, Святые Григорий Богослов, Василий Великий, великомученница Варвара, Константин и Елена и другие люди крестились взрослыми людьми. В VIII веке широко распространился обычай крестить младенцев. Вначале крещение осуществляли миряне, прошедшие аскетическую подготовку, в том числе и женщины (дьякониссы). В дальнейшем совершать крещение имело право только духовенство.""""

 

Таджа - Taggia

Италия - уникальная страна, ей нет равных по количеству памятников архитектуры и искусства. Она ведет свою историю с V века до нашей эры, когда территория Италии была главной частью Римской Империи. Затерялся на берегу Лигурии этот крохотный городок по имени Таджа в 5 км от Сан-Ремо. Он был основан в 159 году до Рождества Христова. 

Это одно из красивейших мест в Лигурии. По преданию, в эти места в VII веке пришли монахи - бенедиктинцы из Пьемонта, которые принесли сюда не только истинную веру, но и научили местных жителей выращивать оливки.

До них эта культура была здесь не известна. И именно оливки, южные фрукты, миндаль и инжир принесли городу благосостояние.


О былом богатстве города можно и сегодя судить по церквам и сохранившимся роскошным дворцам знати с благородными порталами.

Самые красивые здания стоят на улицах Via Curlo, Via Gastaldi, Via San Dalmazzo и на Via Soleri, окаймленной перголой. Здесь каждый месяц проходят ярмарки антикваров.

Пергола - этим красивым словом называется ажурная конструкция, которая служит опорой для вьющихся растений
На украшенных рельефом порталах изображены библейские символы и гербы знатных родов.

Через очень широкое в этом месте русло обычно незаметного ручья Аргентина перекинут еще в средние века мост длиной 260 м с 16 арками.

Вода в безобидном на вид ручье сильно поднимается и разливается. В верхнем городе находится романская церковь Мадонна дель Каннето с криптой XII в. и фресками XVI в., исполненными Джованни и Лукой Камбиазо и Франческо Бреа, племянником знаменитого Людовика Бреа.

Творения этого живописца сохранились прежде всего в доминиканском монастыре, расположенном за городскими воротами Таджии.
 

В одной лишь монастырской церкви есть пять ценнейших алтарных образов кисти Людовика Бреа, родившегося в 1450 г. в Ницце и умершего примерно в 1523 г. в Генуе.

Для доминиканских монахов, обосновавшихся в Таджии в 1468г и начавших строить монастырь, он создал в 1483- 1513 гг составные картины на дереве, на золотом готическом фоне которых изображены Мадонна Милосердная, св. Катарина Сиенская, Крещение Христа и Благовещение.

У-у-ух! Я - танцующий Санта Клаус и у меня есть пожелание для Вас. Полюбуйтесь моим танцем на видео-карточке



С Новым 2011 годом!!!!

Санкт-Петербургcкий государственный театр музыкальной комедии.

31 декабря, пятница.

Летучая мышь

Оперетта в двух действиях Иоганна Штрауса

либретто Карла Хаффнера и Рихарда Жене
постановка Миклоша Габора Кереньи (Венгрия)

редакция — Иштван Каллаи и Дъердь Бём (Венгрия)
русский текст — Сергей Вольский
стихи — Евгений Геркен и Сергей Вольский
музыкальный руководитель и дирижер — Питер Гут (Австрия)
дирижер — Максим Алексеев
художник — Кел Чёрс (Венгрия)
художник по костюмам — Ирина Долгова
балетмейстер — Енё Лоусеи (Венгрия)
главный хормейстер — Алексей Нефедов

Мы встретились с друзьями перед Новым годом в театре, и намеревались услышать великолепную музыку И.Штрауса.

Действующие лица и исполнители:
Генрих Айзенштайн	—	Александр Трофимов лауреат Международного конкурса
Розалинда	—	Катажина Мацкевич лауреат премии "Золотой Софит", лауреат Международных конкурсов
Адель	—	Валентина Михайлова
Фальке	—	Александр Байрон заслуженный артист России
Ида	—	Екатерина Попова
Альфред	—	Станислав Леонтьев
Франк	—	Виктор Кривонос народный артист России
Орловский	—	Владимир Ярош лауреат Международного конкурса
Фрош	—	Сергей Лосев заслуженный артист России (БДТ им. Г.А. Товстоногова)
Блинд	—	Петр Таренков
«Летучая мышь» одна из самых блистательных оперетт Иогана Штрауса. Действие оперетты происходит в Вене. Интрига, затеянная одним из героев, не что иное, как розыгрыш: все друг друга обманывают, напропалую флиртуют, сажают невинных в тюрьму… И эта неразбериха происходит в вихре вальсов и полек великого Штрауса, вот уже более 130 лет. Я видел в Летучей мыши 30 лет назад великих артистов Зою Виноградову, Богданову-Чеснокову, Михайлова. Сегодня молодежь поет неплохо, но нет тех страстей, которые были раньше, и не пили так много на сцене, и декорации современные мне понравились меньше. Накануне Нового года хотелось насладиться музыкой Штрауса, легкостью и красотой оперетты, но спектакль не оставил прекрасного впечатления.

                Спектакль Петербургского театра музкомедии мне показался  нестерпимо вульгарным. Он не столько развлекает, сколько утомляет: неопрятным вокалом, взбрыками кордебалета (балетмейстер Енё Лоусеи), беспрестанными, неловкими кульбитами акробатической комической пары — графа Орловского (Иван Корытов) и Иды (Ольга Лозовая). Сколько-нибудь яркими голосами они вообще не обладают, а кувырки исполняют с крайним напряжением. От напыщенной судорожности движений примадонны театра Карины Чепурновой (Розалинды) вообще скулы сводит. Неплохо звучал приятный объемный голос Александра Трофимова (Айзенштайна), но сам он выглядел отнюдь не элегантно, фрак носить не умеет, по виду — увалень-теленок.

Выигрышнее других выглядела и держалась Валентина Михайлова (Адель). Впрочем, от ее экстремально пронзительного, ультразвукового сопрано порой закладывало уши. Маловыразительный Фальк (ведущий баритон труппы Александр Байрон) и тенор Альфред (Сергей Гранквист), то и дело затягивавший арии из опер Пуччини, то из «Богемы», то из «Тоски» (находка режиссера), общую картину никак не украсили.

Главное впечатление от спектакля — темнота на сцене, усугубляемая непонятно зачем нагнетаемым дымом, в котором тонут контуры фигур (художник по свету Ласло Надь). Множество плюмажей, перьевых боа, блесток, ярких тряпок, атласных халатов (художник по костюмам Ирина Долгова) вроде как создают антураж по опереточному канону. Венгерская графиня в маске появляется на балу, наряженная в цвета венгерского флага, с трехцветным шлейфом, который и разворачивает в кульминационный момент арии, как павлиний хвост. Адвокат в ходе перепалки с Айзенштайном, распахивает мантию, под нею обнаруживается густое серое оперенье. Это, по крайней мере, смешно, метафора легко читается: все адвокаты — стервятники.

Но в целом — унылое зрелище. Доминирующий элемент сценографии — огромная бутылка с шампанским — возвышается в центре, загромождая сцену и нарочито напоминая о финальном резюме: «Во всем виновато шампанское». Музыка Штрауса, которая, по идее, должна пьянить, как игристое вино, в спектакле погибла в океане пошлости.

Авторам оперетты (И.Штаусу и либретистам Р.Жене и К.Хаффнеру) в 1874 году не могло присниться до какой степени можно «опустить» персонажей «Летучей мыши». Особо это сказывается в трактовке князя Орловского. В постановке Театра музыкальной комедии 2010 г. (реж. Миклош Габор Кереньи) князь — фигура во всех отношениях сомнительная. Этот хмырь невысокого росточка с повадками мелкого хулигана (Иван Корытов) одет в первом акте женщиной (якобы тетушка Орловского), болтает что-то о царских балах в Петербурге. Но когда скидывает розовое платье и шляпку, оказывается сильно сексуально озабочен.

Секс является главной режиссерской  концепцией. Венгерско-русский спектакль начинается с появления старичка во фраке, с тросточкой. Он как бы оживляет золотую статую Штрауса из венского парка. Поначалу  старичка можно принять за музыковеда или музыкального критика. Догадаться, что означает эта мимическая роль, нельзя ни по программке, ни по смыслу. Позже нам объяснили : перед нами Зигмунд Фрейд. Соответственно, «Летучая мышь» — порождение тайных сексуальных побуждений Штрауса. Что же касается героев новой постановки, то они и не пытаются скрыть свои желания. Тенор Альфред (Сергей Гранквист), оказавшись в доме Айзенштайнов, для начала снимает брюки. В разных версиях «Летучей мыши» Альфред был то бывшим любовником, то бывшим поклонником хозяйки дома, однако до венгерской простоты нравов никто до сих пор не доходил. В присутствии директора тюрьмы Франка (Виктор Кривонос) шалун, прикрывшись полой халата, раздевает дамочку до пояса. Что происходит ниже пояса, мы можем только догадываться. Однова живем!

Конечно, не стоит преувеличивать невинность Розалинды. Альфреда-то она приняла и Адель отослала. Но, применительно к варианту Кереньи, обида супруга на интрижку с Альфредом выглядит и вовсе нелепо. На балу «венгерская графиня», не задумываясь, отправляется в отдельный кабинет с князем Орловским.

Впрочем, центр сексуальной композиции и композиции спектакля — сестрица Адели, Ида (Ольга Лозовая). Ида — рядовая актриса, однако с первого же выхода, подравшись немного с сестрой, заявляет о своих амбициях. Ее, видишь ли, смущают слухи, будто князь Орловский недостаточно опытен в постели. Обидно вельможе! Тем более, князь требует: пейте и совокупляйтесь. Орловскому приходится доказывать свою дееспособность в танце.

Зал ревет в восторге, когда Лозовая делает очередной смелый кульбит-совокупление. О смачных, взаимных с партнером, шлепках по попе под звуки Большого вальса Штрауса говорить не приходится.

Для ищущей женщины нет преград. Тюремщик Фрош (Валерий Никитенко) воркующим баритоном сообщает: «У нас есть заключенный, который насилует женщин в особо изощренной форме». Ида с итонацией Жанны д’ Арк восклицает: «Где он? Ведите меня к нему». На балу Ида тоже очень разборчива. Ей представляют почтенного африканского посла — она обижается: «То подсовывают недозрелого, то перезрелого». Лозовая — отличная комедийная актриса. Самое смешное место в спектакле, когда Ида под знаменитый вальс топчется по-современному, словно юная доярка в сельском клубе.

Посмотрите отрывок, который является визитной карточкой Гликерии Васильевны Богдановой-Чесноковой, которая сыграла Иду , к сожалению это ее последняя работа в кино, и это абсолютный шедевр- урок “стрельбы глазками” из “Летучей мыши”.

Молодежи далеко до Гликерии Васильевны. Они не умеют жить в роли.

Поголовье «Летучих мышей» И. Штрауса в отечественных музыкальных театрах всë растет. Вульгаризируют эту изящнейшую оперетту в Москве, Иркутске, других театрах России.

В московском Большом театре  действие происходит на океанском лайнере, который тонет подобно «Титанику». И банкиры пляшут на балу со слесарями. Но что мы понимаем в Штраусе? Вот режиссер Бархатов в интервью объяснил: в партитуре «Летучей мыши» закодирована «История Европы, национальные конфликты, социальные спарринги»… Она «о том, что все человеческие законы и заповеди можно легко нарушить…». Вона как глубоко. А мы-то думали… Конечно, маскарад, карнавал разрушает многие границы, но не на уровне: «дай-ка хрясну князя по морде».

В конце бала есть чудный ансамбль с хором, в нем звучит поэтическая грусть о счастье, возможном лишь на праздничную ночь. В том спектакле, который мы увидели, нет ни грусти, ни поэзии,

А музыка Штрауса, конечно, великолепна. Послушайте еще арию графа Орловского и Большой вальс.

Грустным оказалось впечатление от увиденного спектакля. Но музыка Штауса прекрасна!

А потом был Новогодний стол,

Дед Мороз

Его внук

Его дети

Его жена

А внучка поздравила всех по Скайпу

А это вся наша компания у Думписов

Марина говорит хорошие слова

А нашей дружбе уже уже почти 50 лет!

5 января 2011 года бабушка с Данькой сходили в театр Музыкальной комедии

Приключения Тома Сойера

Музыкальная комедия в двух действиях Сергея Баневича

по повестям Марка Твена «Приключения Тома Сойера» и «Приключения Геккельбери Финна»

либретто — Семен Димант
стихи — Нонна Слепакова
постановщик — заслуженная артистка России Алла Семак
художник — Юрий Скорюков
балетмейстер — Наталья Соловьева

 Спектакль понравился и бабушке и внуку

7 января 2011 года в Рождество мы были у друзей на даче

Кто-то пил

Кто-то катался на горке

Кто-то резал салаты

Кто-то готовил вкуснейший плов

Кто-то ел плов

После плова народ отдыхал

После плова народ смотрел телевизор

Кто-то играл в PCP

Кто-то играл в нарды

Все смотрят, как патриарх поздравляет с Рождеством

Рождество наступило

После лыжной прогулки поехали в церковь,

Вот таким была встреча  Нового года!

Ну а по телевизору нас поздравили Путин с Медведевым

Знаменитый физик, лауреат Нобелевской премии Р.Фейнман рассказывает о невообразимой сложности процессов, которые происходят постоянно вокруг нас, но мы не всегда замечаем их, об удивительной человеческой способности изучать Вселенную примитивным инструментом и о том, чем схожи космические лучи, тепло тела пустынной мышки и сигналы московского радио.


А что такое огонь?
Ричард Фейнман о резиновых лентах
Что удерживает поезд на рельсах?

19 декабря 2010, воскресенье, 15.00
ВЕЧЕР ОРГАННОЙ МУЗЫКИ
Бах Лист Франк Сен-Санс
Егор КОЛЕСОВ

Мы побывали на этом концерте. Расскажу попорядку. Сначала о капелле, потом об органисте, а потом о том, что слушали.

Мальтийская капелла входит в архитектурный комплекс «Воронцовский дворец», который был построен выдающимся архитектором Ф.-Б. Растрелли в середине 18 в. для канцлера графа М.И.Воронцова. После продажи дворца Екатерине II в разное время его занимали принц Генрих Прусский, брат Фридриха II, потом в нем жил принц Нассау-Зиген, служивший в российском флоте адмиралом, потом граф И.А. Остерман. И, наконец, Павел I с принятием титула протектора (покровителя) Мальтийского ордена, а затем и великого магистра после взятия войсками генерала Бонапарта о. Мальта (июнь 1798 г.) предоставляет Воронцовский дворец мальтийским рыцарям

В 1798-1800 гг. придворный архитектор Джакомо Кваренги (1744 - 1817) под влиянием высокого ренессанса и благодаря прекрасному знанию римской архитектуры строит Мальтийскую капеллу, мастерски вписав ее в ансамбль Воронцовского дворца архитектора Ф.Б. Растрелли. Католический храм имеет форму прямоугольника с цилиндрическим сводом. Два ряда колонн из искусственного мрамора делят внутреннее пространство капеллы на три нефа. Над боковыми нефами устроены хоры. На хорах справа находится орган фирмы «Валкер», стоявший в капелле с 1909 г., и вернувшийся после реставрации на свое историческое место. Алтарная часть представляет собой апсиду с колоннами, расположенными вплотную к стенам. В центре находится мраморный алтарь, а за ним находился запрестольный образ работы художника А.И. Шарлеманя «Иоанн Креститель». Справа от алтаря под балдахином стояло малиновое бархатное кресло гросcмейстера ордена.
 

 Несколько слов об органисте.

Егор Колесов. Я думаю, что это имя еще будет очень громко звучать по всему миру. Мальчику всего 19 лет. Он в Питере закончил музыкальную школу по классу гитары, потом поступил в музыкальное училище им. Римского-Корсакова, где учился композиторскому искусству и овладел искусством игры на органе. А сейчас учится в Москве в Академии им.Гнесиных.

1 отделение концерта было посвящено творчеству Баха.

                             Егор начал концерт с прелюдии и фуги ля минор И.С.Баха.

 Для органной музыки характерны контрасты высокого и низкого регистров, forte и piano, красочные тембровые сопоставления.

Лучшее из того, что создал Бах для органа, написано в Веймаре: токката и фуга ре минор, прелюдия и фуга ля минор, прелюдия и фуга до минор и целый ряд других произведений.

46 прелюдий были написана И.С.Бахом приблизительно в 1714 году в веймарский период жизни в служебных и педагогических целях для одного из его сыновей — Вильгельма Фридемана на темы литургических немецких хоралов и вошли в сборник, известный как "Маленькая органная книжечка" ("Orgel-buchlein").

Послушайте Прелюдию и фугу ля-минор И.С.Баха

После отъезда из Веймара Бах стал меньше писать для органа; тем не менее, после Веймара были написаны многие известные произведения (6 трио-сонат, сборник «Clavier-Übung» и 18 Лейпцигских хоралов).

Егор Колесов исполнил Три хоральные обработки для органа, Трио-сонату №2 c-moll и Прелюдию и фугу C-dur И.С.Баха

Послушайте Трио-Сонату №2 c-moll И.С.Баха

Во втором отделении звучала музыка Ф.Листа, С.Франка и К.Сен-Санса.

Интересно звучит симоническая поэма Ф.Листа "Орфей" (в органной транскрипции автора).

Симфоническая поэма «Орфей» первоначально представляла собой увертюру к поставленной в Веймаре в 1854 году опере Глюка «Орфей». В этом же году увертюра была переработана в поэму и несла уже новую смысловую нагрузку, где все образы полны символического смысла. Такая трактовка содержится в предпосланной поэме программе: «Орфей оплакивает этот символ идеала, потонувшего в горе и страдании. Ему позволено исторгнуть ее у чудовищ Эреба, извлечь из глубин киммерийского мрака, но не дано, увы, сохранить в этом мире. Пусть, по крайней мере, не возвращаются никогда эти времена варварства... Мы хотели бы воплотить просветленный, возвышенный характер гармоний, излучаемых каждым произведением искусства».

Вот как эта поэма звучит в органном исполнении.

 У Егора Колесова она звучала не хуже.

Потом звучала музыка Сезара Франка. Франк — один из крупнейших композиторов XIX века.Его считают французским композитором, хотя родился он в Аахене в Германии, а отец его был бельгийцем

Многие называют его величайшим из композиторов для органа после Баха. Органные композиции Франка, написанные в типичном позднеромантическом стиле, с многочисленными модуляциями и элементами импровизации,

 Прозвуча Хорал №1 E-dur С.Франка. Вы можете послушать.

В заключение концерта прозвучала музыка Камилла Сен-Санса. По своей природе искусствово Сен-Санса объективно, логично и ясно, интеллектуальное начало в нём часто превалирует над эмоциональным.Более 20 лет Сен-Санс служил органистом в Париже. Но как композитор он написал для органа не так много и то большинство из них в конце жизни. Егор сыграл Прелюдию и фугу H-dur. Бах мне нравится больше.

Вот так мы провели вечер

Воскресенье 19 декабря 2010 года

МАЛЬТИЙСКАЯ КАПЕЛЛА, католич. ц. св. Иоанна Крестителя (Садовая ул., 26), пам. архитектуры классицизма. Сооружена в 1797-1800 (арх. Дж. Кваренги) для нужд рыцарей-католиков Мальтийского ордена, пристроена к юж. фасаду быв. Воронцовского дворца, вмещала 1 тыс. чел. Строгий фасад храма оформлен портиком коринфского ордера.

Интерьер украшен пышной лепниной и декорат. росписью. В 1810 М. к. передана Пажескому корпусу, использовалась как домовая церковь для пажей-католиков и иностр. дипломатов. В 1853 к М. к. пристроена часовня с мраморной гробницей герцога Максимилиана Лейхтенбергского (скульп. А. И. Теребенев) и витражами. В 1909 установлен орган нем. фирмы Валкер. В 1918 церковь закрыта, помещение приспособлено под клубный зал. В 1990-х гг. проведена реставрация (арх. С. В. Самусенко). Ныне - актовый зал и музей Суворовского военного училища.

,