-Метки

Вильнюс александр салик александр стецюк анатолий жульев анатолий мухамеджан арнольд кац б.турчинский борис турчинский борис гофман борис турчинский владимир глушков военный дирижер дом чехова в ялте духовой оркестр духовой оркестр петах-тиква житомир житомирский духовой оркестр житомирское музыкальное училище житомирское музыкальное училище им.в.с.косенко журнал оркестр запорожье институт военных дирижеров иосиф манжух иосиф моисеевич манжух казанская консерватория калио мюльберг кларнет консерватория петах-тиква консерватория петах-тиква. леонид джурмий м.дельман манжух маргарита шапошникова марк штейнберг михаил дельман московская консерватория натан рахлин одесса одесская академия музыки одесская консерватория оксана соколик оркестр армии обороны израиля ровенский институт культуры. роман турчинский сергей дурыгин сергей жуков союз композиторов израиля тримитас шимшон дрори ялта

 -Рубрики

 -Фотоальбом

Посмотреть все фотографии серии VIA DOLOROSA
VIA DOLOROSA
16:12 06.06.2014
Фотографий: 16
Посмотреть все фотографии серии Израиль(Петах-Тиква)
Израиль(Петах-Тиква)
19:10 16.07.2013
Фотографий: 14
Посмотреть все фотографии серии консерватория Петах-Тиква
консерватория Петах-Тиква
18:24 28.06.2013
Фотографий: 15

 -Поиск по дневнику

Поиск сообщений в Борис_Турчинский

 -Подписка по e-mail

 

 -Статистика

Статистика LiveInternet.ru: показано количество хитов и посетителей
Создан: 28.03.2009
Записей:
Комментариев:
Написано: 626




МИР ВОКРУГ НАС


Талах Валентин Константинович.

Вторник, 21 Июня 2011 г. 21:54 + в цитатник
IMG_8794 (467x700, 93Kb)
Талах Валентин Константинович (05.04.1937г.-05.10.2008г.) - село Стовинка, Олевского района Житомирская область) - композитор, хормейстер, аранжировщик, дирижер. Заслуженный артист Украины(1983г.)
1953 -1957 учился в Житомирском музыкальном училище по классу кларнет (преподаватель Мостовой И.М.)
1957-1960 служба в рядах Советской армии.
С 1961 года работает в оркестре театра Житомирского музыкально-драматического театра.
Сначала как кларнетист, а затем дирижер театра. Он поднимает на более высокий исполнительский уровень оркестр, хор и вокалистов.
При нем осуществились такие музыкальные постановки как: «Поцелуй Чаниты»-комп.Ю.Милютин, «18 лет»-П.Майборода,«Под черной маской»-комп. Л.Лядова.
Оперетта «Летучая мышь” - комп.И.Штраус, “Утешитель вдов” - комп.Л.Разумовский , «Вольный ветер»-комп.И.Дунаевский и другие…
С 1967 году В.Талах работает дирижером Черкасского музыкально-драматического театра им.Т.Г.Шевченко.
За это время им с успехом поставлены в театре следующие музыкальные спектакли:
«Под чорною маской» Л.Лядова 1972г., «Роза ветров» Б.Мокроусов 1973г
«Запорожець за Дунаєм» С.Гулака-Артемовский 1974г., «Женский бунт» Е.Птичкин 1978г.
«Марица» И.Кальман 1980г., «Кайдашева семья» И.Нечуя-Левицкий 1988г.
«Оперета!... Оперета!.. Оперета!..» (шлягеры популярныхт оперетт) А.Олексюк
«Цыганский барон» И.Штраус 1982г.
Не менее значительна творческая деятельность Валентина Талах,как композитора.
Он написал превосходную музыкау к спектаклям:
«Тарас Шевченко» А.Малишка (1970), «Эмилия Галотти» Г.Лессинга (1975)
«Недоросль» Д.Фонвизина (1978, «Дикий Ангел» О.Коломийца (1978),
«Дуэнья» Р.Б.Шеридана (1992), «Последний бродяга» Р.Вивиани (1993),
«Проделки Скапена» Ж.Б.Мольєра (1996).
Как композитор, дирижер и хормейстер Талах В.К. внес весомый вклад в развитие музыкальной культуры театра, воспитанию музыкантов, вокалистов, актеров. Его вокально-хоровые и музыкальные аранжировки всегда отличались высоким профессионализмом.
На протяжении своей творческой деятельности В.Талах сотрудничал в постановках спектаклей с такими известными режиссерами, как: нар.артист Украины - Б. Шараварко, нар.артист Украины -В.Толок, засл.артист Узбекистана Л.Шекидзе, засл.арт.Украины Г.Артеменко. Артистами: нар.артист СССР Н.Кондратюк, нар.артист Украины- В.Нестеренко,нар.арт.Украины-П.Кукуюк, нар.артист Украины А.Пономаренко и другие…

Музыкальное образование в Израиле.Очерк Б.Турчинского.Журнал "Дети и Музыка" (Москва-№1,июнь 2011г.)

Вторник, 21 Июня 2011 г. 15:51 + в цитатник
P7300109 (146x174, 15Kb)


ПРИВЕТСТВИЕ ОТ РЕДАКЦИИ
Дорогой, уважаемый читатель!
Ты держишь в руках самый-самый первый выпуск журнала «Дети и Музыка». Наконец-то! Свершилось! Ведь журнал-то новый, а вот фестивалю уже десять лет. Мы решили, что пора - пришел срок обратиться к нашим слушателям посредством слова, сделать их нашими читателями, и найти новых единомышленников. Теперь у нас будет больше возможностей для обратной связи! Мы рас-скажем о музыке и композиторах, о лучших музыкальных школах, строгих преподавателях и талантливых учениках, о фестивалях и конкурсах, в которых стоит поучаствовать, и о многом другом!
Итак, тем, кто с нами по фестивалю уже знаком – снова здравствуйте! Тем, кто слышит в первый раз – будем знакомы! Между-народный благотворительный фонд детского и юношеского творчества «Дети и Музыка». Идейный вдохновитель, организатор и создатель фестиваля и фонда – заслуженный артист России Сергей Остапенко.
«Ты помнишь, как все начиналось?»
Итак, 10 лет назад, в ноябре 2001 года впервые стартовал фестиваль «Дети и Музыка». Тогда это был небольшой скромный фестиваль Южного Административного Округа столицы. Потом к участию в конкурсах присоединились дети из других округов сначала Москвы, потом - России. Шли годы, фестиваль разрастался. К нам приезжали дети из Санкт-Петербурга, Самары, Красноярска, Кисловодска, Казани, Чебоксар, Волгограда, Казани, Вологды, Североморска, Тюмени, Ниж-него Новгорода, Тулы, Курска, Владимира и Уфы. Возрастающая известность привлекала к участию представителей из-за рубежа: Украины, Белоруссии, Болгарии, Франции, Германии, Китая, Кореи, Узбекистана и Армении. В 2008 году фестиваль был заслуженно отмечен наградой «Золотой орден семьи Романовых «Святой Николай II» 2ой степени» за вклад в развитие культуры, раскрытие и продвижение творчески одаренных детей.
Нынешнее первое июня, - это не только день выхода в свет перво-го номера журнала, но и день закрытия Х Московского Открыто-го Фестиваля «Дети и Музыка». Фотографии с торжественного закрытия ждите в следующем номере, в сентябре. А там уже недалеко останется до торжественного открытия ХI Московского Открытого Фестиваля «Дети и Музыка». А пока – читайте нас! Ну, с Богом!

Борис Турчинский
Школы в Израиле

Как известно, Израиль - хотя и древняя земля, но государство молодое, и здесь многое недавно начато с нуля, в том числе и в музыкальной культуре, в музыкальном образовании.
В Израиль приезжали музыканты из разных стран, учили детей по своим методикам, внедряли культурные постулаты, принятые у них на Родине. Поэтому израильское музыкальное образование испытало влияние со всех концов земли. Но наиболее сильные влияния оказали немецкая и русская композиторская и исполнительская школы. А структурно израильская система образования ближе к американской. Многое зависит от местной инициативы. Расскажу вам об одном уникальном израильском музыкальном коллективе. Это военный церемониальный Оркестр Армии обороны Израиля. Ничего подобного, пожалуй, нет больше нигде в мире, так как все оркестранты – 18-19-летние солдаты срочной службы. Каждые полгода-год в оркестре происходит ротация, но у главного дирижера Михаэля Яарана нет дефицита исполнителей, так как вновь и вновь приходит пробоваться очень много музыкальной молодежи. Это говорит о многом, и главное – о том, как любят музыку в израильских семьях, как приобщают детей к музыкальной культуре, как стараются дать им музыкальное образование.
В В Израиле существует большое разнообразие форм музыкального образования. Во-первых, это так называемые «Бейт-сефер менаген» (дословно – «играющая школа») - такие есть во многих городах Израиля. Имеются в виду школы, оркестры которых играют на всех школьных (и не только) мероприятиях. Школьные оркестры бывают самые разные – духовые, народные (восточная музыка), оркестр блокфлейт, в их состав могут входить синтезаторы, ударные инструменты. Занятие проводятся небольшими группами, по 3-5 человек в группе, один раз или два раза в неделю. Кроме того, есть, так называемые «Бейт-тизморет» (оркестровый дом) - там проводится обучение игре только на духовых инструментах утром, а затем – после-обеденные занятия по теории музыки, индивидуальные занятия и оркестр. Есть и консерватории, не имеющие утренних проектов, - отчего они, скорее, только проигрывают. Как правило, они малочисленны и с небольшими оркестровыми коллективами, а в некоторых все сводится только к индивидуальным занятиям и ансамблям малой формы. Как возникают эти музыкальные проекты и в каких городах, поселках или кибуцах они находятся, зависит от многих факторов. Это может быть заинтересованность местных властей или личное желание директоров школ. Ведь все это стоит денег. Надо платить преподавателям зарплату, необходима материальная база. Приобретение инструментария и уход за ним. За последние 20 лет, с приездом большой репатриации из бывшего СССР, число таких проектов много-кратно возросло, что подняло общую культуру страны и дало полноценную работу многим музыкантам.


Немного истории.

Начало профессионального музыкального образования в Израиле является, в значительной мере, результатом усилий Шуламит Руппин. Ее институт открыл свои двери в Яффе, близ будущего Тель-Авива, в 1910 году, и в числе его преподавателей поначалу было много профессиональных музы-кантов, специально приглашенных из Европы.
Во главе организации, которая стала называться «Шуламит», после безвременной кончины Шуламит Руппин, встал скрипач из Женевы Мо-ше Hopeнкo. Первые группы студентов были численностью 30-75 человек. Родители с удовольствием направляли на учебу в это учебное заведение своих детей, студенческие концерты стали заметным социальным и культурным явлениям в Яффо. Концерты этой школы за-полнили для многих эмигрантов культурный вакуум, так как в Израиль в то время приезжало много людей из Европы, привыкших посещать хорошие концерты классической музыки.
В Тель-Авиве, что строился на песках близ Яф-фо, было тогда 1800 жителей, и едва ли не треть его жителей посылала своих детей изучать музыку. Этот удивительно высокий процент оставался стабильным до 1930-х годов, когда с резким ростом населения города выросло и число студентов.
В 1972 году ветви музыкального образования школы «Шуламит» протянулись и в Иерусалим.
1980-е годы были ознаменованы ростом новых районов в Иерусалиме, жители которых также приобщали своих детей к музыкальному образованию. Обнаруживалось много новых талантов, и в течение нескольких лет число студентов иерусалимского отделения перевалило за пятьсот. Были сформированы оркестры для женщин, профессиональный струнный оркестр, оркестр камерной музыки, студенческие и другие оркестры.


На тромбоне и валторне
Итак, каково же музыкальное образование в консерваториях Израиля? Раз в неделю - урок по выбранному инструменту, теория и история музыки и оркестр. Чтобы ребенок сам захотел обучаться игре на тромбоне, тубе, валторне - такого, как правило, не бывает. Обычно все хотят играть на флейте, кларнете, саксофоне, ударных инструментах. Поэтому в консерваториях существуют утренние проекты. Работают 4-5 преподавателей. Каждый ведет группу из 3-5 учеников. Задействованы ученики всех четырёх классов школы. Обучение два раза в неделю по 45 минут. Работа учителей оплачивается частично министерством просвещения, частично муниципалитетом. Через полгода начинает функционировать оркестр. К концу года дети и родители должны решить, продолжает их ребенок дальше обучаться музыке или нет. Затем часть детей переходит в собственно консерваторию, где начинает осваивать инструмент более глубоко и основательно. Те из учеников, кто перешел в консерваторию на индивидуальное обучение, продолжают играть в школьном оркестре. Но это уже более подвинутый коллектив, которому в дальнейшем по плечу и более серьезные - по сравнению с младшей группой оркестра – произведения. Вот, от-куда берутся тромбоны, валторны, тубы и т.д., то есть, более редкие музыкальные инструменты и исполнители на них. Несколько школ работают в другом направлении: скрипка и виолончель. Там так-же все построено по вышеописанному принципу.


Что такое «халилит»?

Израильские дети, же-лающие получить специальное музыкальное об-образование, занимаются в музыкальных школах или с частными преподавателя-ми. В музыкальные школы-консерваторионы принимают детей с шести лет. Там преподают игру на различных музыкальных инструментах, ритмику, теорию музыки и балет. Занятия платные. В стране есть также ряд музыкальных общеобразовательных школ, дающих полное среднее образование. Во многих молодежных клубах и общественных цен-трах действуют кружки по обучению игре на различных инструментах. Многие дети младшего возраста учатся игре на блокфлей-те – часто не столько для приобретения навыков игры, сколько для расширения музыкального кругозора. Возьмем для наглядного примера город Петах-Тикву, где я работаю уже 20 лет. Расскажу, как у нас построена учеба. Приблизительно так же это работает во всех других городах. В каждой начальной школе есть уроки музыки. Это игра на блокфлейте. В Израиле это называется «халилит». Звуки этой «дудочки» очень созвучны ментальности души еврейского народа. В них - напоминание о пастушеском прошлом Праотца Авраама, о музыкальных пристрастиях псалмопевца царя Дави-да. Кроме того, почти во всех школах начального уровня есть хор. Хотя хор – явление, скорее, чисто русское, привезенное большой репатриацией. Во многих городах и поселках ширится тенденция обучения детей игре на духовых инструментах. Кроме духового состава, нет, пожалуй, другого музыкального коллектива, с которым через полгода после начала обучения уже можно выступать с простенькими оркестровыми пьесками. Это быстро стали понимать директора школ.


О порядке получения музыкального образования в Израиле – читайте в следующем номере!
Автор: БОРИС ТУРЧИНСКИЙ

Международный фестиваль-конкурс молодых исполнителей игры на духовых и ударных инструментах им.Василия Соколика "Фанфары Ялты - Юниор".

Четверг, 02 Июня 2011 г. 21:16 + в цитатник
Международный фестиваль-конкурс молодых исполнителей игры на духовых и ударных инструментах им.Василия Соколика "Фанфары Ялты - Юниор".

Организатор фестиваля- "Благотворительный фонд развития искусства им. Василия Соколика" при поддержке Ялтинского городского совета и ЯГОО "Национальный союз украинских композиторов".

Цель фестиваля-конкурса: объединить силы и возможности профессионалов – деятелей культуры и искусств, представителей творческой элиты, государственных организаций, в целях сохранения традиций духовой музыки; стимулирование деятельности и повышения уровня молодых исполнителей; обмен опытом между музыкантами, повышение их профессионального мастерства, в том числе проведение мастер классов, «круглых столов» с участием СМИ и общественности.

Организация фестиваля-конкурса.
Для организации и проведения фестиваля-конкурса создают Организационный комитет.
Оргкомитет во главе с художественным руководителем фестиваля обеспечивает своевременное освещение фестиваля в СМИ, составляет программы проведения мероприятий в рамках фестиваля и организует Церемонию награждения победителей, а также приглашает выдающихся деятелей культуры и искусства Украины и зарубежья для участия в фестивале "Фанфары Ялты -юниор".
Фестиваль-конкурс "Фанфары Ялты -юниор" проходит в г.Ялта в октябре 2011 года.
Порядок проведения фестиваля-конкурса:

Фестиваль-конкурс проводится в трех номинациях:
"Солисты-инструменталисты классического отделения."
"Солисты-инструменталисты эстрадного отделения"
"Ансамбли" (в том числе, фортепианные ансамбли, ансамбли ударных инструментов и духовых инструментов с фортепиано)
Возрастные категории:
1. Младшая- Участники до 11 лет (включительно).
2. Средняя - Участники до 14 лет (включительно).
3. Старшая - Участники до 18 лет (включительно)
Для номинации "Ансамбли" допускается участие в коллективе преподавателя по специальности и концертмейстера.

Программные требования.
1. Младшая группа- Два разнохарактерных произведения и произведение страны участника.
2. Средняя группа - Два разнохарактерных произведения и произведение страны участника, одно из них виртуозное
3. Старшая группа - Произведение крупной формы (1 часть или 2,3 части) и два разнохарактерных произведения, одно из которых- виртуозное.
Комиссия оставляет за собой право останавливать исполнение, не дослушав его до конца.

Специальные условия:
Международный фестиваль-конкурс молодых исполнителей игры на духовых и ударных инструментах им.Василия Соколика "Фанфары Ялты -юниор" проводится по принципу самоокупаемости, в связи с этим оргкомитет установил фестивальный взнос: $10 с каждого
участника конкурса. Фестивальный взнос с пометкой «Благотворительный взнос участника фестиваля «Фанфары Ялты - юниор» перечисляется по следующим реквизитам:
p/c 2600142101, МФО 380805 "Райффайзен Банк Аваль" г.Киев ОКПО 26010220, получатель: ЯГОО "Национальная лига украинских композиторов".
Проезд и проживание- за счет направляющей стороны.
Оргкомитет фестиваля оказывает содействие в размещении участников конкурса.

Награждения участников конкурса:
Во всех номинациях фестиваля- конкурса присуждаются дипломы лауреатов и дипломы участников.
Жюри оставляет за собой право присуждать Гран-при конкурса, делить места между участниками, награждать специальными дипломами концертмейстеров, педагогов и иллюстраторов, которые показали высокий уровень мастерства.

Порядок подачи заявок конкурсантами:
Заявки на участие в конкурсе принимаются до 20 сентября 2011 года, адрес художественного руководителя фестиваля fanfaruyalta@yandex.ru
Соколик Оксана Васильевна.
К заявке, поданной в электронном виде, обязательно прилагается сканированная копия свидетельства о рождении конкурсанта, несколько фотографий в электронном виде с инструментом (то же- для ансамблей). Заявки, поданные после 20 сентября, не рассматриваются. Если один исполнитель участвует в нескольких номинациях - анкета для участия подается по каждой номинации.
По мере поступления заявок оргкомитет отправляет официальное приглашение участникам фестиваля-конкурса.

Мы - удивительный народ.

Пятница, 27 Мая 2011 г. 16:40 + в цитатник
> Ай да МЫ!
> Мы - удивительный народ.
> И есть у нас Израиль - страна чудес. Крошечная страна, её еле видно на карте
> Мира. Однако, если почитать мировую прессу, мы - супердержава, которая уже
> захватила половину мира, и собирается захватить вторую.
> Нас, евреев немного, 13-14 миллионов. Из них в Израиле около шести миллионов.
> Однако, мы действительно учим миллиард китайцев выращивать рис. Точнее,
> китайцы этот рис выращивают по нашим, израильским технологиям, разработанным в
> институте "Вулкани". И не только китайцы, а так же казахи и узбеки и одному
> Богу известно кто еще.
> Когда авиация Берега слоновой кости хотела ударить по повстанцам, и нечаянно
> попала по французским "миротворческим силам", Франция уничтожила всю эту
> авиацию (а еще они расстреляли толпу народа с вертолета, хотя нас они ругают
> за каждого убитого нами террориста, но это к делу не относится)... и
> оказалось, что у этого Богом забытого Берега слоновой кости были наши
> израильские беспилотные самолеты.
> Французы очень просили нас больше не продавать им самолеты. Мы не продаем.
> Наверно.
> Кстати, о самолетах. Недавно китайцы сделали самолет, удивительно похожий на
> наш израильский "Лави", который 18 лет назад намного опередил свое время, но
> так и не стал серийным. Проект "Лави" был закрыт по настоянию американцев,
> потому что он был лучше их Ф-16 и грозил отобрать у него весь западный рынок
> истребителей. Сами китайцы такой самолет не сделали бы, значит им сильно
> помогли. А боевой самолет ЮАР удивительно похож на более старый израильский
> "Кфир" (львенок). Впрочем, сам "Кфир"удивительно похож на французский "Мираж",
> хотя и превосxодит его по всем боевым характеристикам... А во многих странах
> делать самолеты не стали, предпочли купить у нас.
> Недавно в Экваториальной Гвинее была эпидемия холеры. По 400 заболевших в
> день. Единственная страна, которая послала туда врачей - Израиль.
> Оказалось, что у них там есть река, из которой они берут питьевую воду и в
> которую сливают канализацию. Дали им минеральную воду, заставили их кипятить
> обычную, остановили эпидемию за неделю. Спасли десятки тысяч человеческих
> жизней. Для туземцев, католиков по вероисповеданию, белые люди со Святой Земли
> стали чем-то вроде Мессии. А больше ни одна страна врачей не послала. Кому они
> нужны, эти туземцы? Да и страшно, холера все таки.
> Вопреки антисемитским анекдотам, мы удивительно смелый народ. Однажды товарищ
> Сталин заявил: "Евреи - неполноценные солдаты", а затем добавил: "Да, евреи -
> плохие солдаты". Это неправда! 131 воину-еврею было присвоено почетное звание
> Героя Советского Союза во время войны. Четверо из них повторили подвиг
> Александра Матросова, пятеро - подвиг Николая Гастелло (Не путать с подвигом
> Ивана Сусанина). А очень многим могли дать звезду Героя, но не дали. Моему
> дедушке могли дать и за Днепр (он командовал саперным батальоном) и за
> Висла-Одерскую операцию (он командовал полком). Но дали только Красную звезду.
> А еще ему дали медаль "За боевые заслуги" и медали за оборону Сталинграда,
> Ленинграда, Кавказа.
> А сейчас у нас самая боеспособная армия в Мире и лучшая в Мире авиация, и нас
> уже 64 лет пытаются уничтожить многократно превосxодящие нас по численности
> арабы, но безуспешно.
> Впрочем, мечта антисемитов все таки сбылась. В прошлом году мы (израильская
> оборонная промышленность) таки сделали кривое ружье, которым можно стрелять
> из-за угла!! Очень забавная вещь и очень полезная. Нормальные герои всегда
> идут в обход.
> Но довольно лирики, вернемся к нашим туземцам и повстанцам. Президент
> банановой республики, как правило, человек смелый и решительный - иначе там
> невозможно. Он лично съел у себя в стране последнего людоеда, чтобы не съели
> его самого. И вот, представьте себе, что такой президент узнает, что повстанцы
> - каким то чудом недоеденные кровожадные людоеды раздобыли танки и
> продвигаются к столице. Где ему искать помощи? У европейцев? Пока они помогут,
> его три раза сбросят и съедят. У американцев? Они на всякий случай помогут
> повстанцам, а потом скажут, что победила демократия. Поэтому президент бежит
> звонить нам и просит срочно прислать ракеты, притом он готов заплатить кучу (в
> прямом смысле) денег, но только если выполним заказ за две недели, ибо если не
> выполним, его съедят и платить нам будет некому. Наш чиновник средней руки
> бежит в армию за старыми ракетами, их срочно модернизируют и через десять дней
> ракеты уже на дороге в Африку. Бедные (во всех смыслах) повстанцы наголову
> разбиты, а наш чиновник средней руки на приеме в президентском дворце гордо
> проходит вдоль шеренги, в которой построены президент и все его министры и
> каждый жмет ему руку. А потом его угощают главным туземным лакомством. Это не
> человечина, но ненамного лучше. А не есть нельзя - это международный
> скандал... Все-таки какое варварство убивать людей не для пропитания, а просто
> так! /хорошо сказано,прим. Ал. М./
> У каждого президента, губернатора, крупного ученого или конструктора есть свой
> придворный еврей, который за него думает. Так, правой рукой Илюшина был
> Лещинер. А брат его, тоже Лещинер работал в том же КБ простым инженером. Звали
> его все Александром Владимировичем, а вот в паспорте было записано его
> настоящее имя. И вот однажды ему надо было ехать на секретный объект,
> понадобился пропуск. Он диктует свои данные (долго диктует, по буквам): Авраам
> Лейба Сруль (да, именно так)... Чекист старательно записал, а он говорит:
> -"Это было имя, а теперь будет отчество". Можете себе представить, как ревел
> матом бедный чекист. В КБ Илюшина не все знали, что есть такие слова. Вот
> такие у нас имена.
> Недавно вышел на свободу Мордехай Ваануну - человек, который работал на
> ядерном реакторе в Димоне, сбежал на запад и рассказал всему Миру про наше
> ядерное оружие. Мосад его украл в Италии, привез домой в чемодане, и тут он
> получил заслуженное наказание. Если бы этого Ваануну не было, его надо было бы
> придумать. Я, например, не знаю, есть ли у нас ядерное оружие (надеюсь, что
> есть, если нету - это блеф тысячелетия). А на западе теперь твердо уверены,
> что у нас сотни ядерных, нейтронных и даже водородных боеголовок. Впрочем, про
> водородные он скорее всего соврал для красоты... А за несколько лет до побега
> в Европу Ваануну, тогдашний президент США Джонсон бегал по овальному кабинету
> Белого дома, топал ногами и кричал: "Как евреи у меня под носом сделали
> ядерную бомбу?!".
> Надеюсь, что так и сделали. Молча.




> А еще мы - космическая держава. Мы делаем отличные спутники и сами запускаем
> их в космос. По данным все той же западной прессы, наш спутник "заглядывал" в
> спальню Саддама Хуссейна. (И откуда эта западная пресса знает такие
> подробности?) Только у нас, евреев все "не как у людей".
> Мы запускаем наши спутники на орбиту в направлении, противоположном спутникам
> всего остального Мира. Русские, американцы, французы (иными словами: Винни-Пух
> и все все все) запускают на восток, а мы - на запад.
> Это никак не связано с тем, что мы пишем справа налево, а весь Мир слева
> направо. Просто, на востоке от нас находятся арабские страны. Не дай Бог
> упадет на них после запуска - международный скандал, или, что еще хуже, к ним
> в руки попадет наш спутник. Так что приходится тратить на запуск лишнюю
> энергию и запускать на запад, в сторону моря.
> И в завершение - анекдот:
> Еврей сидит в очереди в ОВИРе и бормочет:
> -"Был фараон и были евреи, фараона давно нет, а евреи живы. Была инквизиция и
> были евреи. Инквизиции давно нет, а евреи живы. Был Гитлер и были евреи.
> Гитлера давно нет, а евреи живы. Есть большевики и есть евреи..." Тут мимо
> проходит офицер КГБ в штатском и спрашивает: - "Что Вы, Рабинович, бормочете?"
> Еврей ответил: - "Да ничего, товарищ майор, просто евреи вышли в
> четвертьфинал."
> Большевиков тоже давно нет, теперь у нас полуфинал с арабами. Мы обязательно
> победим! Интересно, а с кем будет финал?

Житомирская музыкальная весна-2011

Среда, 25 Мая 2011 г. 08:48 + в цитатник
Житомир / Проходит «Житомирская музыкальная весна-2011»
В третий раз с 16 по 21 мая проходит фестиваль «Житомирская музыкальная весна». Проводится множество концертов на различных сценах Житомира, и большим событием стало комбинированное действие «Ночь музеев» в помещении Житомирского музея Космонавтики, когда одновременно звучала музыка в живом исполнении и показывались инсталляции с компьютерного проектора. Концерт был посвящён памяти директора Житомирского музея Космонавтики Ольги Копыл.

Фестиваль собрал множество известных людей со всего мира. В Житомир прибыл Ричард Камерон-Вольф, композитор и пианист, уже третий раз участвующий в житомирском фестивале. В зале Житомирской Филармонии прошёл авторский концерт Сергея Жукова. Он прошёл с большим успехом. Концерт представил музыкальные жанры, в которых работает Сергей Жуков - вокальный цикл, фортепианные прелюдии, две экспериментальных музыкально-сценических композиции. Также была программа иранского фольклориста Амина Агайкухи с живым исполнением национальной музыки на скрипке и щипковых инструментах. Состоялся концерт-лекция о раннем авангарде в американской музыке (10-20 годы 20 века). Ричард Камерон-Вольф является сегодня единственным исполнителем этих авторов (некоторые из них - украинского происхождения).

Одновременно с музыкальными номерами в музее Космонавтики была представлена небольшая художественная выставка Елены Гузенко с иллюстрациями к музыкальным произведениям.

Оригинальным было и переложение карты звёздного неба на музыку, когда каждая звезда читается как определённая нота. Звучание звёздного неба было осуществлено под компьютерную инсталляцию.

Инициатором проведения фестиваля стал Сергей Жуков, который родился в Житомире, но с 1973 года живёт в Москве, закончил там консерваторию. Сам С.Жуков говорит, что решил на своей родине сделать что-то приятное для Житомирян. Он привёз в Житомир большое количество замечательнейших музыкантов, которые несколько дней выступали на различных Житомирских сценах.

В пятницу в 15.00 состоится концерт «Юные музыканты Житомира – участникам и гостям фестиваля» в ДМШ № 1, а в 18.30 концерт «Старая новая музыка для новых и старых друзей» – Назара Кожухаря и Элеоноры Теплухиной (Москва, Россия) в Житомирской филармонии.

В заключительный день, 21 мая выступит Екатерина Мельникова (Москва, Россия) в Церкви Рождества, а в 18.30 состоится закрытие фестиваля спектаклем с музыкой Александра Стецюка в Житомирском облмуздрамтеатре им. И. Кочерги.


Понравилось: 1 пользователю

Интервью

Вторник, 24 Мая 2011 г. 20:22 + в цитатник
Интервью
Так ты хочешь взять интервью?" - Бог спросил у меня.
"Если есть у тебя время", - сказал я.
Бог улыбнулся.
"Моё время - это вечность..
Какие вопросы ты хотел мне задать?"
"Что больше всего удивляет тебя в человеке?"
И Бог ответил..
"Им на скучивает детство, они спешат повзрослеть, а потом мечтают стать детьми опять.
Они теряют здоровье, зарабатывая деньги, а потом теряют деньги, восстанавливая здоровье.
Они так много думают о будущем, что забывают настоящее. Настолько, что не живут ни в настоящем, ни в будущем.
Они живут и думая, что никогда не умрут, а умирают, как будто никогда и не жили."
Его рука взяла мою и мы молчали некоторое время.
И тогда я спросил:
"Как родитель, какие уроки жизни ты бы хотел, чтобы твои дети выучили?"
"Пусть знают, что невозможно заставить кого-то любить их. Всё что они могут сделать - это позволить себе быть любимыми.
Пусть знают, что это нехорошо сравнивать себя с другими. Пусть учатся прощать, практикуя прощение.
Пусть помнят, что ранить любимого человека занимает всего несколько секунд, а залечить эти раны может занять долге годы.
Пусть поймут, что богат не тот, у кого больше. А тот, кто нуждается в меньшем.
Пусть знают, что есть люди, которые их очень любят, просто они ещё не научились выражать свои чувства.
Пусть осознают, что 2 человека могут смотреть на одно и тоже, а видеть это по-разному.
Пусть знают, что простить друг друга недостаточно. Надо также простить самих себя."
"Благодарю за твое время," - сказал я робко.
"Есть ещё что-то, что ты хотел бы передать своим детям?"
Бог улыбнулся и сказал:
"Пусть знают, что я здесь для них...всегда".


Понравилось: 1 пользователю

Дирижерские перлы от Фомы

Вторник, 10 Мая 2011 г. 16:53 + в цитатник
Среди музыкантов оркестров и дирижеров всегда находились оригиналы.
Оригиналы в мыслях, в поведении, в общении. Особенно заметны в этом отношении дирижеры.

Почему-то, располагая универсальными музыкальными терминами, многие дирижеры пользуются странными выражениями, навеянными им неведомо какими ассоциациями.
Вот, для примера:
- 1. "Так, все взяли инструменты в рот!"
реплика виолончелистки: "а нам что делать, нам надо между ног..."

2. "У вас неверное представление о значении дирижёра, дирижёр нужен не для показа вступлений групп, а для музыки."

3. "Труба, на какой ноте Вы кончаете? на соль диез?"
реплика трубача: "У меня с сексом все в порядке..."

Многие музыканты, записывают такие нестандартные выражения в свои нотные папки. В нашем коллективе у каждого артиста, папки были исписаны от и до.

Вот например:

Вместо того, чтобы сказать играйте это место с двумя РР*, дирижер «выдаёт» такую фразу:

- Прошу сыграть это место так тихо, чтобы можно было слышать звуки,
которые издает задница 2-го гобоя, который спит уже 144 такта.

Или, например, требование к группе саксофонов:

- Возьмите аккорд, в пенке из под молока. Тихонько отпускайте его... и пусть
он тихо, тихо уйдет в другую комнату. А вы останьтесь на месте и возьмите
новый аккорд с филлирацией и вибрато левой ногой?!

При чем мы заметили, что тема музыкальных определений у нашего дирижера менялась с появлением у него впечатлений от реальной жизни.

Например, купил он новый автомобиль:

- Кларнеты! Вы должны в этом месте нажать на тормоза! Но не сразу топить
педаль в пол, а потихоньку, притормаживая, подъезжать к 8-ой цифре и
передать управление трубам и тромбонам!

Или поругался с тещей и женой:

- Тромбоны и Басы! Перестаньте ворчать, как две стервозные бабы.
В этом месте мне от вас нужны ангельские голоса серафимов!

Или исполнение «Полёта шмеля» А. Хачатуряна:

- Дерево!** вы должны убедить публику, что над ней летают строгие шмели, а не навозные мухи, к тому же обожравшиеся сиропом ваших мыслей о предстоящем отпуске и о бабах с выпивкой. Все это будет, но позже! А сейчас соберитесь и сыграйте ПОЛЁТ а не вялое гудение обожравшейся навозной мухи!

За годы работы мы привыкли к своему дирижеру и к его «своеобразной» музыкальной терминологии.

Конечно же мы не забыли, чему нас учили в музыкальных училищах и консерваториях. Но постоянные репетиции одних и тех же произведений,
с толкованием «нестандартных» музыкальных терминов, заставило нас привыкнуть к ним.

Дирижеры же приезжали разные. Одних оркестр уважал и четко следовал их требованиям, ощущая душевные требования профессионалов.
Но иногда появлялись высокомерные, хотя и высокопрофессиональные особи. Таким мы устраивали «итальянские» забастовки, как в фильме «Репетиция оркестра» Феллини.

Например: ровно, через 45 минут поднимался концертмейстер оркестра и останавливал репетицию, ссылаясь на правила «Внутреннего трудового распорядка», которые висели в коридоре. И никакие «вопли» дирижера о «любви к искусству, к профессиональной этике, о высоких моральных качествах советских артистов» не помогали. По знаку концертмейстера оркестр уходил на перерыв. Но это так, мелочи. Самый большой подвох происходил следующим образом:

Однажды к нам приехал один довольно известный дирижер из Москвы.
Своим поведением он сразу же дал понять всем, что мы, артисты оркестра, так, музыкальные «кнопки», на которые он собирается нажимать, по мере исполнения произведений. Это не было высказано прямо, но на первой же репетиции мы почувствовали это.
Конечно, мы применили «прекращение репетиции по звонку», но дирижер и сам прекращал репетиции чуточку раньше и уходил пить кофе в кабинет нашего дирижера. Тот всячески пресмыкался перед заезжей знаменитостью.
Тогда мы решили проучить обоих.
Трактовки произведений заезжего дирижера и нашего вурдалака отличались, как водка от портвейна.
Трактовка музыкальных терминов у заезжей особи была идеальной. Он не допускал никакой отсебятины.

И вот, генеральная репетиция.
Первое произведение – музыка из балета И.Стравинского «Весна священная» (Le Sacre du printemps).
Вступление исполнили прекрасно. Дирижер расслабился. Началась часть «Гадания» и «Танцы щеголих» (Les augures printaniers. Danses des adolescentes).

Сюжет как таковой в балете отсутствует. Содержание «Весны священной» композитор излагает следующим образом: <«Светлое Воскресение природы, которая возрождается к новой жизни, воскрешение полное, стихийное воскрешение зачатия всемирного».> (C)
То есть полная свобода в трактовке музыкального сюжета.

Первые такты Les augures printaniers. А дальше произошло следующее:
Дирижер показывает жестами свою трактовку исполнения, а мы играли так, как требовал наш дирижер. Это было очень «сильное» разночтение произведения. Дирижер прервал генеральную репетицию и потребовал объяснений. Концертмейстер ответил ему, что Вы, уважаемый, приехали и уехали, а нам здесь жить и работать.
Поскольку мы люди дисциплинированные и педантичные, мы записали все указания НАШЕГО дирижера и четко следуем этим установкам.

- Докажите!, - потребовал новый «Караян».***
- Пожалуйста, - отвечает ему концертмейстер и подаёт свою папку с нотами.
Дирижер вчитывается и захлебнувшись клокочущим смехом, кричит:
- Все вон из студии! Репетиция окончена!

Оркестр, оставив ноты на пультах, вытек из студии. Расходиться по домам мы не торопились и поэтому слышали громовой хохот заезжей знаменитости. Очевидно он читал подряд все папки с нотами. Это продолжалось целый час.

На другой день, перед концертом, дирижер сказал, что он ошибся в определении нашего оркестра, просит извинить его и вечером исполнять произведения согласно его трактовке. Потом, что-то вспомнив, он хмыкнул:
- В пенке из под молока?
А мы добавили еще по одному высказыванию нашего дирижера. Знаменитость снова залилась хохотом!

Уезжая, он попросил разрешения сфотографировать наиболее понравившиеся ему «музыкальные» термины.
Оркестр не возражал.

* пианиссимо, тишайше
** Деревянные духовые инструменты и флейты.
*** Герберт фон Караян – австрийский дирижёр. Работал с Берлинским филармоническим оркестром на протяжении 35 лет.

Метки:  

Журнал Дети и Музыка №1

Вторник, 10 Мая 2011 г. 10:26 + в цитатник
nnhn (266x450, 18Kb)
ПРИВЕТСТВИЕ ОТ РЕДАКЦИИ
Дорогой, уважаемый читатель!
Ты держишь в руках самый-самый первый выпуск журнала «Дети и Музыка». Наконец-то! Свершилось! Ведь журнал-то новый, а вот фестивалю уже десять лет. Мы решили, что пора - пришел срок обратиться к нашим слушателям посредством слова, сделать их нашими читателями, и найти новых единомышленников. Теперь у нас будет больше возможностей для обратной связи! Мы рас-скажем о музыке и композиторах, о лучших музыкальных школах, строгих преподавателях и талантливых учениках, о фестивалях и конкурсах, в которых стоит поучаствовать, и о многом другом!
Итак, тем, кто с нами по фестивалю уже знаком – снова здравствуйте! Тем, кто слышит в первый раз – будем знакомы! Между-народный благотворительный фонд детского и юношеского творчества «Дети и Музыка». Идейный вдохновитель, организатор и создатель фестиваля и фонда – заслуженный артист России Сергей Остапенко.
«Ты помнишь, как все начиналось?»
Итак, 10 лет назад, в ноябре 2001 года впервые стартовал фестиваль «Дети и Музыка». Тогда это был небольшой скромный фестиваль Южного Административного Округа столицы. Потом к участию в конкурсах присоединились дети из других округов сначала Москвы, потом - России. Шли годы, фестиваль разрастался. К нам приезжали дети из Санкт-Петербурга, Самары, Красноярска, Кисловодска, Казани, Чебоксар, Волгограда, Казани, Вологды, Североморска, Тюмени, Ниж-него Новгорода, Тулы, Курска, Владимира и Уфы. Возрастающая известность привлекала к участию представителей из-за рубежа: Украины, Белоруссии, Болгарии, Франции, Германии, Китая, Кореи, Узбекистана и Армении. В 2008 году фестиваль был заслуженно отмечен наградой «Золотой орден семьи Романовых «Святой Николай II» 2ой степени» за вклад в развитие культуры, раскрытие и продвижение творчески одаренных детей.
Нынешнее первое июня, - это не только день выхода в свет перво-го номера журнала, но и день закрытия Х Московского Открыто-го Фестиваля «Дети и Музыка». Фотографии с торжественного закрытия ждите в следующем номере, в сентябре. А там уже недалеко останется до торжественного открытия ХI Московского Открытого Фестиваля «Дети и Музыка». А пока – читайте нас! Ну, с Богом!

Борис Турчинский
Школы в Израиле

Как известно, Израиль - хотя и древняя земля, но государство молодое, и здесь многое недавно начато с нуля, в том числе и в музыкальной культуре, в музыкальном образовании.
В Израиль приезжали музыканты из разных стран, учили детей по своим методикам, внедряли культурные постулаты, принятые у них на Родине. Поэтому израильское музыкальное образование испытало влияние со всех концов земли. Но наиболее сильные влияния оказали немецкая и русская композиторская и исполнительская школы. А структурно израильская система образования ближе к американской. Многое зависит от местной инициативы. Расскажу вам об одном уникальном израильском музыкальном коллективе. Это военный церемониальный Оркестр Армии обороны Израиля. Ничего подобного, пожалуй, нет больше нигде в мире, так как все оркестранты – 18-19-летние солдаты срочной службы. Каждые полгода-год в оркестре происходит ротация, но у главного дирижера Михаэля Яарана нет дефицита исполнителей, так как вновь и вновь приходит пробоваться очень много музыкальной молодежи. Это говорит о многом, и главное – о том, как любят музыку в израильских семьях, как приобщают детей к музыкальной культуре, как стараются дать им музыкальное образование.
В В Израиле существует большое разнообразие форм музыкального образования. Во-первых, это так называемые «Бейт-сефер менаген» (дословно – «играющая школа») - такие есть во многих городах Израиля. Имеются в виду школы, оркестры которых играют на всех школьных (и не только) мероприятиях. Школьные оркестры бывают самые разные – духовые, народные (восточная музыка), оркестр блокфлейт, в их состав могут входить синтезаторы, ударные инструменты. Занятие проводятся небольшими группами, по 3-5 человек в группе, один раз или два раза в неделю. Кроме того, есть, так называемые «Бейт-тизморет» (оркестровый дом) - там проводится обучение игре только на духовых инструментах утром, а затем – после-обеденные занятия по теории музыки, индивидуальные занятия и оркестр. Есть и консерватории, не имеющие утренних проектов, - отчего они, скорее, только проигрывают. Как правило, они малочисленны и с небольшими оркестровыми коллективами, а в некоторых все сводится только к индивидуальным занятиям и ансамблям малой формы. Как возникают эти музыкальные проекты и в каких городах, поселках или кибуцах они находятся, зависит от многих факторов. Это может быть заинтересованность местных властей или личное желание директоров школ. Ведь все это стоит денег. Надо платить преподавателям зарплату, необходима материальная база. Приобретение инструментария и уход за ним. За последние 20 лет, с приездом большой репатриации из бывшего СССР, число таких проектов много-кратно возросло, что подняло общую культуру страны и дало полноценную работу многим музыкантам.


Немного истории.

Начало профессионального музыкального образования в Израиле является, в значительной мере, результатом усилий Шуламит Руппин. Ее институт открыл свои двери в Яффе, близ будущего Тель-Авива, в 1910 году, и в числе его преподавателей поначалу было много профессиональных музы-кантов, специально приглашенных из Европы.
Во главе организации, которая стала называться «Шуламит», после безвременной кончины Шуламит Руппин, встал скрипач из Женевы Мо-ше Hopeнкo. Первые группы студентов были численностью 30-75 человек. Родители с удовольствием направляли на учебу в это учебное заведение своих детей, студенческие концерты стали заметным социальным и культурным явлениям в Яффо. Концерты этой школы за-полнили для многих эмигрантов культурный вакуум, так как в Израиль в то время приезжало много людей из Европы, привыкших посещать хорошие концерты классической музыки.
В Тель-Авиве, что строился на песках близ Яф-фо, было тогда 1800 жителей, и едва ли не треть его жителей посылала своих детей изучать музыку. Этот удивительно высокий процент оставался стабильным до 1930-х годов, когда с резким ростом населения города выросло и число студентов.
В 1972 году ветви музыкального образования школы «Шуламит» протянулись и в Иерусалим.
1980-е годы были ознаменованы ростом новых районов в Иерусалиме, жители которых также приобщали своих детей к музыкальному образованию. Обнаруживалось много новых талантов, и в течение нескольких лет число студентов иерусалимского отделения перевалило за пятьсот. Были сформированы оркестры для женщин, профессиональный струнный оркестр, оркестр камерной музыки, студенческие и другие оркестры.


На тромбоне и валторне
Итак, каково же музыкальное образование в консерваториях Израиля? Раз в неделю - урок по выбранному инструменту, теория и история музыки и оркестр. Чтобы ребенок сам захотел обучаться игре на тромбоне, тубе, валторне - такого, как правило, не бывает. Обычно все хотят играть на флейте, кларнете, саксофоне, ударных инструментах. Поэтому в консерваториях существуют утренние проекты. Работают 4-5 преподавателей. Каждый ведет группу из 3-5 учеников. Задействованы ученики всех четырёх классов школы. Обучение два раза в неделю по 45 минут. Работа учителей оплачивается частично министерством просвещения, частично муниципалитетом. Через полгода начинает функционировать оркестр. К концу года дети и родители должны решить, продолжает их ребенок дальше обучаться музыке или нет. Затем часть детей переходит в собственно консерваторию, где начинает осваивать инструмент более глубоко и основательно. Те из учеников, кто перешел в консерваторию на индивидуальное обучение, продолжают играть в школьном оркестре. Но это уже более подвинутый коллектив, которому в дальнейшем по плечу и более серьезные - по сравнению с младшей группой оркестра – произведения. Вот, от-куда берутся тромбоны, валторны, тубы и т.д., то есть, более редкие музыкальные инструменты и исполнители на них. Несколько школ работают в другом направлении: скрипка и виолончель. Там так-же все построено по вышеописанному принципу.


Что такое «халилит»?

Израильские дети, же-лающие получить специальное музыкальное об-образование, занимаются в музыкальных школах или с частными преподавателя-ми. В музыкальные школы-консерваторионы принимают детей с шести лет. Там преподают игру на различных музыкальных инструментах, ритмику, теорию музыки и балет. Занятия платные. В стране есть также ряд музыкальных общеобразовательных школ, дающих полное среднее образование. Во многих молодежных клубах и общественных цен-трах действуют кружки по обучению игре на различных инструментах. Многие дети младшего возраста учатся игре на блокфлей-те – часто не столько для приобретения навыков игры, сколько для расширения музыкального кругозора. Возьмем для наглядного примера город Петах-Тикву, где я работаю уже 20 лет. Расскажу, как у нас построена учеба. Приблизительно так же это работает во всех других городах. В каждой начальной школе есть уроки музыки. Это игра на блокфлейте. В Израиле это называется «халилит». Звуки этой «дудочки» очень созвучны ментальности души еврейского народа. В них - напоминание о пастушеском прошлом Праотца Авраама, о музыкальных пристрастиях псалмопевца царя Дави-да. Кроме того, почти во всех школах начального уровня есть хор. Хотя хор – явление, скорее, чисто русское, привезенное большой репатриацией. Во многих городах и поселках ширится тенденция обучения детей игре на духовых инструментах. Кроме духового состава, нет, пожалуй, другого музыкального коллектива, с которым через полгода после начала обучения уже можно выступать с простенькими оркестровыми пьесками. Это быстро стали понимать директора школ.


О порядке получения музыкального образования в Израиле – читайте в следующем номере!
Автор: БОРИС ТУРЧИНСКИЙ


Научиться играть на блокфлейте…

Блокфлейта – старинный инструмент, для него писали произведения великие композиторы: Бах, Гендель, Вивальди, Телеман и другие. Во многих европейских государствах блокфлейта приобрела очень большую популярность и как исполнительский и как подготовительный инструмент для перехода к игре на других духовых . Так, например, в Италии, Германии, Чехии блок-флейта широко используется в целях приобщения детей к музыке. Еще в семидесятые годы прошлого века профессор музыкально-Педагогического института им. Гнесиных Иван Пушечников широко вводил в практику обучение детей младшего возраста в ДМШ игре на блокфлейте.
Обучение детей игре на блокфлейте с раннего возраста решает ряд проблем, связанных с дыханием, работой лег-ких, дает музыкальное развитие на очень про-стом и доступном инструменте. Из семейства блокфлейт наибольшее распространение полу-чила блокфлейта-сопрано (строй С).
Простота конструкции, небольшой размер, легкий вес инструмента, минимальная сила вду-вания воздуха дают возможность приобретать навыки музицирования детям 5-6 лет. Существу-ет две системы блок-флейт – немецкая и ба-рочная. Автор рекомендует блокфлейту немецкой системы, (обо-значение на корпусе блокфлейты cзади «G», а барочная – «В»). Блок-флейта обычно состоит из трех частей – мундштука, средней части и раструба. Шестое и седьмое отверстие от мундштука двойные, что позволяет играть ноты до-диез и ре-диез первой октавы.
Советы для начинающих
Не знаете, какой учебник выбрать? Для начала по-советуем вам хрестомаию «Блокфлейта» А.П. Жульева. Этот учебник имеет партию блокфлей-ты и клавир. Партия со-стоит из двух разделов: первый - это пьесы. Второй раздел - упражнения, этюды, гаммы, трезвучия, доминантсептак-корды, уменьшенные сеп-таккорды, аппликатура блокфлейты. Материал Хрестоматии основан на практической и методи-ческой работе автора с учащимися 1-3-х классов в течение более 25 лет. За это время материал Хрестоматии испытал себя на практике. Материал расположен с последовательным усложнением, которое содействует раз-витию музыкально-исполнительских навыков ученика, пробуждает интерес и любовь к музыке, способствует формированию его эстетического вкуса. Начальные пьесы построены на очень удобных в исполнении звуках: «си», «ля», «соль» первой октавы. Это дает возможность учащемуся быстро овладеть этими звуками, а потом посте-пенно остальными звука-ми диапазона блокфлей-ты. Все пьесы имеют ху-дожественный фортепи-анный аккомпанемент. В Хрестоматии так же использованы классические произведения: Адажио Т.Альбинони, «Хор поло-вецких девушек» из оперы А.Бородина «Князь Игорь», Песня Д.Перголези и др. Авторские упражнения и этюды написаны с учетом технических возможно-стей начинающего блок-флейтиста. Они небольшие по размеру, и в то же время носят художествен
ный характер. Материал Хрестоматии так же под-ходит для обучения на свирели, флейте, гобое, кларнете, саксофоне, трубе и др.

АВТОР: БОРИС ТУРЧИНСКИЙ
«Музыка для родных и любимых детей»
''Все, что нами делается, - делается для родных, любимых детей!''
Заслуженный деятель искусств Украины Михаил Некрич


Некрич Михаил Григорьевич. Композитор, педагог, аранжировщик, Заслуженный деятель искусств Украины. Родился в 1940 году в Житомире. С 1960 по 1968 гг. – руководитель эстрадных коллективов ровенской и кировоградской филармоний. В 1968 -1971годах руководитель житомирского "Биг-бэнда" и ансамбля "Юность" при житомирском городском Доме культуры, лауреата многих республиканских и всесоюзных конкурсов. 1971-1975 годы. Руководитель знаменитого эстрадного оркестра "Зеленый огонек", город Черкассы. С 1975 года художественный руководитель днепропетровской филармонии. В 1975 году основал и с тех пор является бессменным руководителем лауреата международных конкурсов образцового детского ансамбля «Мастерок» (г.Днепропетровск). У ансамбля сотни концертов в год, записи на радио и телевидении. Коллектив в разные годы записал пять пластинок на всесоюзной студии “Мелодия”, а также восемь компакт-дисков различной музыки – эстрадной, джазовой, фольклорной, в том числе диск-альбом «Святкови колядки» (Ганновер-1999г.)
Сегодня все реже нас радует детское искусство. Более того, возникают сомнения: живет ли оно вообще. Как оказалось, не только живет, но и развивается. Причем, не только в глубинке, где современный ритм спокойнее, но и в «сумасшедших» мегаполисах. Благо, есть люди, которые, невзирая на трудности, способствуют развитию юных талантов. Реалии нашего времени не влияют на тех, кто способен посвятить себя самому светлому, чистому и святому – Богу и детям. С одним из интереснейших людей заслуженным деятелем искусств Украины Михаилом Григорьевичем Некричем за месяц до 35-ого юбилея ансамбля «Мастерок» побеседовал БОРИС ТУРЧИНСКИЙ.


Итак, все началось с трубы?!

- Михаил Григорьевич, начнем наши воспоминания с далеких 60-х годов… Первые шаги в музыке...
- Свое знакомство с ми-ром музыки я начал в Житомирском Дворце пионеров и школьников в оркестре народных ин

струментов, где в 1951 году обучался игре на домбре. Долго я там не про-держался, уж и не помню, по какой причине, наверное, не полюбилась мне домра, на которую меня посадил руководитель оркестра М.И. Забавчик.
Долгой и интересной судьбой в мире духовых инструментов я обвязан замечательному человеку и педагогу, которому обязаны и многие мальчишки города. И те, кто продолжил музыкальную карьеру, и те, кто не пошел дальше. Это Семен Николаевич Москалев, красивый и умный человек, которому можно было подражать во всем. Интеллигент высшей пробы, всегда аккуратно одет, с чистой русской речью и очень теплым отношением к нам, ребятне.
Кажется, это было в сентябре 1952 года. Он пришел к нам в школу с трубой, за-шел в класс, и начал рас-сказывать о духовом оркестре. Говорил очень увлеченно и убедительно. Многие мальчишки сразу согласились пройти музыкальную проверку. Мне он дал попробовать трубу, и у меня сходу получилось из-влечь несколько звуков.
Некоторое время я выполнял самую ответственную работу, - носил на голове большой барабан, когда оркестр куда-нибудь отправлялся на игру. Потом я пробовал все инструменты от баса до трубы, на чём конкретно и остановился. Если бы не глубочайшая любовь и уважение к С. Н. Москалёву, я и здесь не за-держался бы. Он был удиви-тельный человек, пацаны его боготворили. Он резко отличался от многих руководителей, своим теплым отношением к нам, не говоря уже о том, какой он был музыкант. Умел играть и показать на всех инстру-ментах.
Не надо забывать, что это были не самые лучшие годы СССР. Еще ощущались последствия войны, мы не всегда были сыты и нормально одеты. Не покривлю душой, если скажу от имени всех его многочисленных воспитанников, и неважно, состоялась ли их музыкальная карьера, мы ему многим обязаны. Несмотря на то, что я много лет занимаюсь другими вещами, труба – моя любовь на всю жизнь…

«С тех пор я – трубач!»

- Как складывалась твоя творческая судьба да-лее?
- Затем я был воспитанником военного духового оркестра в Бердичеве. Многие музыканты моего поколения прошли школу «воспитонской» службы в военных оркестрах. У меня на памяти десятки имен, а вообще их, на-верное, сотни, тех, которые впоследствии стали известными музыканта-ми. Трубачи М.Табаков, С.Еремин, Т.Докшицер. Дирижеры Н.Рахлин, В.Агапкин, М.Финберг, В. Халилов и многие, мно-гие другие. Этот список можно долго продолжать.
Не избежал этой участи и я. Два года – с 1955 по1957-й в шинели, в сапо-гах. Играл в оркестре пар-тию 2-й трубы. Справлялся хорошо. Но в дальнейшем судьба дала новый пово-рот моему росту в музыке, это произошло после зна-комства с Борисом Векс-лером, прекрасным ак-кордеонистом – виртуо-зом.
Старшее поколение помнит гремевшее на весь мир трио Векслера. В репертуа-ре этого коллектива было все –от музыки барокко и до современного джаза. И все это было на самом высо-ком исполнительском уров-не.
И вот в мои 15 лет, состоя-лась историческая встреча с этим необыкновенным че-ловеком, который, по сути, и определил мое будущее, как музыканта, пригласив играть в оркестре неболь-шого кинотеатра имени Франко в Житомире.
Об этом человеке, му-зыканте-легенде, я хотел рассказать чуть подробнее. При первой встрече, он мне сказал: «Сыграйте мне, по-жалуйста, что-нибудь джазо-вое». И я сыграл «Неаполи-танскую песню» П.И.Чайковского. И только благодаря моему красивому звуку Векслер меня взял в оркестр кинотеатра Франко. Ну, а дальше он дал мне настоящую школу мужества. Научил быть аккуратным, ни-когда не опаздывать, зани-маться на инструменте, учиться импровизировать и так далее. Он по-настоящему открыл для меня мир музыки как классиче-ской, так и народной и эст-радной. И вот с 15 лет я стал зарабатывать деньги музы-кой.

Всю свою творче-скую жизнь я учусь. Сей-час, когда не имею воз-можности писать «на живые команды» - орке-стры, приходится сочи-нять и аранжировать на компьютере. С другой стороны, это даёт мне возможность анализи-ровать своё творчество. И, как правило, после некоторого времени, мне сделанное не нра-вится. Я опять переделы-ваю, даже, если это уже и не нужно. Но вернёмся к главной теме. В 1975 году я получил пригла-шение в Днепропетров-скую филармонию му-зыкальным руководите-лем. Там я проработал десять лет. Работая в филармонии, одновре-менно я создал детский ансамбль «Мастерок». Вместе с моими колле-гами Натальей Некрич и Георгием Некричем мы учили детей играть на музыкальных инструмен-тах, учили их сцениче-скому мастерству, во-калу. В 2011 году ан-самблю исполняется 35 лет. «Мастерок» много гастролирует. –
- Ансамблем «Масте-рок» записан в Ганнове-ре CD альбом «Святкови колядки». Расскажи об этом.
- Это было в 1999 году. Сами понимаете, что колядки – песнопения не только народные, но и часть церковного пения. Поэтому более десяти лет, мы тесно сотрудни-чаем с Центром Право-славной Культуры «Лест-вица» и Днепропетров-ской епархией Украин-ской православной церкви. Записали мы два компакта с рожде-ственскими колядками. Первый – в Ганновере, автором проекта являет-ся мой друг батюшка Игорь Собко, он же ру-ководитель Центра «Ле-ствица». А второй – на фирме грамзаписи « Алантик-сити» в Киеве.
- А многочисленные твои питомцы, где они, кто они сегодня, чем за-нимаются?
- По-разному сложились их судьбы. Кто-то посвя-тил жизнь искусству и музыке, а кто-то – просто добрый семьянин. Ма-рина Кулеба – журна-лист на телеканале НТВ в программе «Детали», Армен Костандян – со-лист украинского госу-дарственного оркестра «Радио-Бэнд» под управ-лением Александра Фокина. Творчески оформлял Виктора Шпортько, сегодня это профессор Националь-ного Университета куль-туры и искусств, народ-ный артист Украины. Орест Северин солист (флейтист) камерного оркестра «Эрмитаж» под управлением Сан-децкиса в Санкт - Пе-тербурге. Дима Болотов, гитарист, аранжиров-щик, работает в Москве со звёздами россий-ской эстрады и так да-лее. А я, слава Богу, ос-тался Мишей Некричем.
- Михаил, какими госу-дарственными награ-дами ты награжден?
- Страна именует меня «Заслуженный деятель искусств Украины», но этим деятелем хочется не только именоваться, но чувствовать реальную заботу, внимание и ува-жение. Я не против и достойной пенсии, не сомневаюсь, в этом поддержат меня многие другие заслуженные деятели и не только. Кстати, ансамблю при-своено звание «Лауреат международных конкур-сов детский образцовый ансамбль «Мастерок». По-моему, это звучит!
- Мы знаем, есть у тебя и церковные награды.
- В юбилей 30-летия «Мастерка» в 2005 году Блаженнейший Влади-мир, митрополит Киев-ский и всея Украины на-градил меня медалью святого равноапостоль-ного князя Владимира. Труды мои и ансамбля «Мастерок» отмечены правящим архиереем митрополитом Иринеем благословенными гра-мотами, а эта награда для меня очень дорога, потому что вручил ее Предстоятель Украин-ской Православной Церкви. И наградил он не только меня, но и всех детей, которые прошли школу творческих талан-тов на протяжении всех этих долгих 30 лет.
- Маэстро, за годы творчества ансамбль «Мастерок» радовал не только слушателей Кие-ва и Москвы, как часто с нашей культурой при-ходилось знакомить зрителя и за рубежом?
Меня зовут Михаил Гри-горьевич, и думаю, что пока именовать так меня будет скромнее и пра-вильнее. А что касается гастрольной деятельно-сти ансамбля «Масте-рок», то с 1975 года он пролегал приблизитель-но следующим мар-шрутом: Польша, Болга-рия, Румыния, Венгрия, Испания, Италия, Шве-ция, Германия, Китай Финляндия. Извиняюсь за нескромность, но мне придется доставать кар-ту мира. Эти маленькие ангелочки, которым от 4 до 14 лет, смогли пора-довать многих зрителей из разных стран и при-общить их к нашей куль-туре, познакомить с тра-дициями нашей страны. Мне вспоминаются ро-ждественские колядки, которые мы исполняли в Ганновере для немецких детей. Какие у них были лица и проникновенные глаза! Конечно, они не понимали всех слов, а мы пели на русском и украинском, но музыка язык интернациональный и они слились с нами в единых чувствах.
- Хватает ли времени заниматься собой и своей семьей?
- Я – в среднем возрасте, нельзя сказать, что в рас-цвете, но и не в увяда-нии. В декабре, мне ис-полнилось– 71. У меня – спортивная зависимость, так как люблю бег, за-рядку, езду на велосипе-де. С благоверной суп-ругой, сподвижницей по творчеству, педагогом-репетитором «Мастер-ка» Натальей Юрьевной Владимировой мы все-гда вместе, как дома, так и на
Богатство Украины
Наша справка
Ансамбль “Мастерок” начал свое существование в октябре 1975 года. Возраст его участников – от 7 до 13 лет. Основатель и художественный руково-дитель ансамбля – заслуженный дея-тель искусств Украины, композитор Михаил Некрич. Преподаватели-репетиторы – Наталья и Георгий Не-крич. Звукорежиссер – Борис Капце-лович.
Слушая “Мастерок”, не возникает мысли относительно некоего несо-вершенства, мол, это ведь совсем маленькие музыканты. Отнюдь. Эти де-ти – талантливые жемчужины украин-ской земли, в которых живет генетиче-ская предрасположенность к пению, музыкальному самовыражению, к то-му же воплощенному с большим во-одушевлением и ответственностью.
Концертная программа ансамбля – насыщенное музыкальное сопровож-дение, активные сценические дейст-вия, многоголосое пение. А если к этому прибавить разнообразные кос-тюмы и высококачественное звуковое оборудование, то вы понимаете, что юные музыканты “Мастерка” – это действительно богатство Украины.
работе. Знаете, каждый человек желает ласки и тепла, вот я ей за все это благодарен. Поэтому и творится хорошо, и жи-вется... И это не просто работа, а жизнь в твор-честве. Когда ты раду-ешься за тех детей, ко-торых тебе вверил Бог, всегда видя светлые улыбки, то хочется ска-зать, что эти почти 36 лет – как один день. Но в этом одном дне более 500 детей, которые были рядом со мной, а я всегда с ними. И, слава Богу, что они не забывают добрые тра-диции нашего ансамбля и, что особенно приятно, помнят меня и тех лю-дей, которые трудились для их радости и счастья.
Нас приглашали участвовать в культурной программе чемпионата мира 2006 года по футболу в Германии. Ян Табачник звал нас в гости в Киев на съемки передачи «Честь имею пригласить». Плодо-творным было творче-ское сотрудничество с Центром православной культуры «Лествица», так как они владеют огром-ным музыкальным архи-вом, а на сегодняшний день – это бесценное сокровище! Всегда при-лагаем все свои усилия, старания и умения. Все, что нами делается, – де-лается для родных, лю-бимых детей!



Фестиваль «Дети и Музыка». Хроника


Второго декабря в Мо-скве, в Царицынском музее-заповеднике прошло долгожданное открытие десятого, юбилейного фестиваля «Дети и музыка». Оно порадовало публику блестящими выступле-ниями детей с оркест-ром и приветственны-ми речами «главноко-мандующих» меро-приятия. А таковыми яв-ляются начальник управления культуры ЮАО г. Москвы Марина Реер, заслуженный ар-тист России Сергей Остапенко, директор оркестра «Садко» Сер-гей Давыдов, предсе-датель жюри феста, заслуженный артист профессор МХК им ПИ Чайковского А. Голы-шев и многие другие замечательные люди. Произнес речь и гене-ральный спонсор ме-роприятия Сергей Бы-линкин.
Минутой молчания поч-тили все собравшиеся память бывшего пред-седателя жюри фести-валя, народного арти-ста России Александ-ра Корнеева. Алек-сандр Васильевич все-гда прикладывал много усилий, чтобы фести-валь «Дети и Музыка» развивался.
Теперь жюри возглавля-ет заслуженный артист России, профессор МГК им. П.И. Чайковско-го Александр Голышев.
А что касается высту-пивших на открытии де-тей, то они не простые, а золотые. Это те ребя-та, которые победили на фестивале прошлых лет. К примеру, про-шлогодний призер - одинадцатилетний Иван Новиков - про-фессионально испол-нил на гобое «Скрецо» И. С. Баха. А еще были трубы, скрипки, сак-софоны…
Традиционно на кон-курсе представлено несколько номинаций: лучшие исполнения на струнных, духовых, на-родных инструментах, а также пианистов, во-калистов и ансамблей. Кроме того, как всегда в рамках конкурса в выставочном зале-музее «Замоскворечье» будут представлены работы юных художни-ков.
Особенностью фести-валя является предос-тавляемая победителям конкурсов возможность выступить с профес-сиональным оркест-ром. А это удается не всякому взрослому му-зыканту.



Итоги конкурсов будут подведены членами жюри ко Дню Защиты Детей, первого июня. Тогда же и состоится гала концерт с участием победителей, с вручением призов, грамот и именных стипендий.
А вот небольшой фотоотчет с первого и второго тура фестиваля.








ПАМЯТИ ВЕЛИКОГО ФЛЕЙТИСТА

Александр Васильевич Корнеев (1930 – 2010) – один из величайших флейтистов ХХ века. Не случайно в нашей стране и во всем мире его назы-вали «Золотой флейтой России».
А. Корнеев родился в Москве. Первым наставником будущего музыканта был В.А. Щербинин. В 1944г. Александр был зачислен в музыкальное учи-лище при Московской консерватории в класс известного педагога и компо-зитора В.Н. Цыбина, автора произведений для флейт.
В девятнадцатилетнем возрасте началось артистическое восхождение мо-лодого флейтиста. В 1949 году А. Корнеев становится лауреатом междуна-родных конкурсов Всемирных фестивалей молодежи и студентов в Буда-пеште и Берлине, победителем конкурса им. Антонина Рейха в Праге.
В 1949 г. одаренного молодого флейтиста приглашают работать в Большом симфоническом оркестре Всесоюзного радио. Впоследствии Корнеев про-работал там около 30 лет. Он выступал с крупнейшими российскими дири-жерами, а также с зарубежными мэтрами. Как солист-флейтист Корнеев много концертировал. Искусству блестящего виртуоза, артиста яркого и самобытного таланта, аплодировали в Венгрии, Германии, Чехии, Югосла-вии, и многих других странах мира .
Исполнительское искусство Корнеева не раз получало восторженные от-клики и оценки музыкальных критиков и рецензентов: «…Этого чародея, извлекающего из своей флейты звучания необыкновенной выразительности и красоты, интонирующего столь точно и органично, что кажется, иначе и «дышать» не может музыка, которую он в данный момент играет». В ре-цензиях часто отмечаются яркая индивидуальность, узнаваемая манера ис-полнения, «которую отличает тонкий музыкальный вкус, глубокая проник-новенность, виртуозное владение инструментом», «абсолютно корректная и стилистически точная интерпретация».
Концертный репертуар А. Корнеева был необычайно широк и разнообра-зен. Именно Корнеев был единственным в нашей стране флейтистом, ис-полнившим цикл Баховских сонат в один вечер. Но наряду с произведе-ниями классиков и романтиков, он включал в свои концертные программы и произведения современных отечественных композиторов. Без всякого преувеличения можно сказать, что благодаря такой яркой аристократиче-ской личности, каковым был, несомненно, Александр Васильевич, расши-рился и преумножился флейтовый репертуар. В разные годы ему писали и посвящали свои сочинения композиторы С. Василенко, Ю. Кейн, М. Вайн-берг, Ю. Левитин, К. Караев и многие другие.
Неуемная творческая энергия А. Корнеева проявлялась в его стремлении познакомить российских слушателей с флейтовыми новинками зарубежных композиторов. Об исполнении Концерта для флейты и струнного оркестра французского композитора А. Жоливе газета «Советская культура» писала: «Концерт был превосходно исполнен А. Корнеевым и ансамблем солистов под управлением автора. Исполнители раскрыли колористическую тон-кость, светлую направленность и оптимизм музыки А. Жоливе».
Артистический дар Корнеева проявился в дирижировании различными ан-самблями, с которыми он неоднократно и с неизменным успехом выступал у нас в стране и за рубежом, делал записи на радио, телевидении, фирмах звукозаписи. Именно он был первооткрывателем многих новых партитур отечественных композиторов: вспомним хотя бы «Камерную симфонию» Р. Габичвадзе, «Пушкинскую симфонию» В. Купревича, «Оркестровые ми-ниатюры» В. Дьяченко.
С 1995 года А. Корнеев – солист Московской государственной академиче-ской филармонии. Он выступает в ансамбле с замечательной пианисткой, дипломантом многих международный и всероссийских конкурсов Еленой Корнеевой. Все отмечали гармоничность, слаженность и стабильность это-го прекрасного дуэта.
Свой опыт, тайны мастерства А.В. Корнеев многие годы передавал бук-вально до самого последнего дня своей жизни студентам Московской кон-серватории, профессором которой он был. Учиться в классе А.В. Корнеева было престижно и гарантировало знак качества. Поэтому его студенты становились лауреатами многих всероссийских и международных конкур-сов.
А. Корнеев проводил мастер-классы в различных городах России и многих других странах. Он получил почетный сертификат Карнеги-холл «Лучший педагог». Но, несмотря на широкую известность и признание, выраженное в высоких наградах – Народный артист РФ, лауреат государственных пре-мий, орденоносец (Орден Почета «За заслуги перед Отечеством IV степе-ни) – Александр Васильевич был всегда скромным и уважительным по от-ношению к коллегам и людям, с которыми по жизни сталкивался. Он ис-кренне радовался, что музыкальной школе в гор. Щербинка было присвое-но его имя. Он хорошо понимал, в первую очередь, важность приобщения к музыке детей с раннего возраста.
В заключительном блоке этой статьи я хотел бы остановиться на запом-нившихся мне творческих встречах с Александром Васильевичем Корнее-вым. Истинной вершиной нашего творческого альянса можно считать ис-полнение и запись в конце 70-ых гг концертной симфонии для арфы и ор-кестра «Фрески св. Софии Киевской». Дирижерский дар А. Корнеева рас-крылся в полную силу. Многие музыканты считают трактовку этого сочи-нения с участием выдающейся арфистки Ольги Эрдели и ансамбля солистов оркестра Всесоюзного радио эталонной.
Когда Александру Васильевичу было уже за 75 лет, в Кафедральном като-лическом соборе непорочного зачатия состоялся один из последних соль-ных концертов флейтиста. Он просил меня прийти на ночную репетицию, поскольку играл мою «Песнь блаженной ночи» для флейты и органа – что-бы я послушал соотношение баланса инструментов. Внутри собора было так холодно, что исполнители играли в перчатках. Тогда мне подумалось: в возрасте Александра Васильевича духовики давно не играют… Что же им движет, что он преодолевает холод, неудобное репетиционное время и фи-зически выдерживает всю обширную программу? Ответ я получил на сле-дующий день: огромный собор до отказа был наполнен слушателями, свет был погашен, музыка лилась сверху…

Концерт прошел на едином дыхании, как прекрасный сон. Когда же Корне-ев спустился вниз, публика стоя восторженно приветствовала его. Это был настоящий триумф артиста, подарившего своим вдохновенным искусством радость и счастье слушателям.

Метки:  

Pервые земляне на Марсe

Суббота, 07 Мая 2011 г. 22:18 + в цитатник
Высаживаются первые земляне на Марс. Исследуя окрестности они спускаются
в какую-то долину и тут один из космонавтов восторженно говорит:
- Анализаторы показывают наличие кислорода, возможно атмосфера здесь пригодна для дыхания.
Второй отвечает:
- Сейчас проверим, если спичка будет гореть, значит можно дышать.
Он достает спичечный коробок, вынимает спичку, но не успевает ее зажечь, как из-за валуна выскакивает синий марсианин с криком:
"Нет! Нет!", показывая всем своим видом, чтоб спичку не зажигали.
Космонавт в испуге отбрасывает спичку, абориген скрывается.
- Что это было,- спрашивает космонавт товарища.
- Не знаю, возможно в атмосфере есть горючие газы, все может рвануть,
может, он предупредить нас хочет?..
10:11
Они проверяют по анализатору, но ничего опасного не обнаруживают.
- Я все же попробую, - говорит снова второй космонавт и опять достает спичку.
Из-за окрестных валунов выскакивает целое племя марсиан, во главе с ярко-синим вождем и все дружно кричат:
"НЕТ!" размахивая руками и глядя умоляющим взглядом.
- Может почва здесь состоит из горючих материалов и они боятся пожара,
- высказывает догадку первый.
- Здесь та же самая почва, что была в месте посадки, - возражает
второй,- не загорелась же она от двигателей.
И космонавты решают все же закончить эксперимент. Второй решительно
достает третью спичку и зажигает ее не взирая на протесты аборигенов.
Спичка горит, ничего страшного не происходит.
Аборигены, разочарованно вздохнув поворачиваются и уходят.
- Постойте, - кричит вслед космонавт, - а почему нельзя было зажигать спичку?
Вождь обернувшись говорит с укоризной:
"Так ведь ШАББАТ, идиот..

Раскрыта тщательно охраняемая ПРАВДА о происхождении Ленина!

Суббота, 07 Мая 2011 г. 19:16 + в цитатник
Раскрыта тщательно охраняемая ПРАВДА о происхождении Ленина!

Фото © ИТАР-ТАСС

В СССР тема происхождения вдохновителя Октябрьской революции Владимира Ильича Ленина тщательно охранялась, являясь чуть ли не государственной тайной. Дело в том, что среди предков Ленина есть евреи. Советские руководители боялись, что это информацией могут воспользоваться антисемиты. Не так давно вышла книга американского профессора Йоханана Петровского-Штерна, называющаяся "Еврейский вопрос Ленина".

В этой книге говорится, что прадед Ленина - Мошко Бланк - был евреем. Немецкая газета Sueddeutsche Zeitung опубликовала рецензию на эту книгу, указав, что в действительности еврейского в Ленине настолько мало, что ему даже отказали бы в праве на репатриацию. Его прадед Бланк крестился в преклонном возрасте, дед Ленина Исраэль был крещён сразу же при рождении, а затем женился на Анне Гроссчоп - немке со шведскими корнями.

Петровский-Штерн в своей книге рассказывает, что Ленин даже не догадывался о том, что среди его предков есть чистейший еврей - в РСДРП(б) было неприлично обсуждать национальности, люди вступали туда, грубо говоря, с национальностью "революционер". В рецензии Sueddeutsche Zeitung, между тем, указывается, что Ленин мог быть и ирландцем, и итальянцем, и по большому счёту это не имело никакого значения для хода мировой истории. Однако это может что-то значить для любителей теории "еврейского заговора".

Накануне Дня Победы

Суббота, 07 Мая 2011 г. 19:15 + в цитатник
Накануне Дня Победы это всегда обостряется, как дурная болезнь: желание втащить хоть куда-нибудь своего идола и сложить перед ним руки в молитвенном благоговении. Этот день - один из немногих, когда поклонникам Генералиссимуса кажется, что с его постамента можно отмыть кровавые пятна и выдать победу в войне за его личное достижение.

Это один из немногих мифов о прошлом, который фактически остался нетронутым в советское время: Сталин, исчезнувший было с экранов с началом развенчания "культа личности", благополучно на них вернулся - пускай не таким величественным, но все таким же мудрым. Над глорификацией этого образа работали сонмы советских романистов и историков. И они же благополучно замалчивали правду о войне. Правду о постыдном союзе Сталина и Гитлера. Правду о ленд-лизе и совместной борьбе союзников против нацизма - борьбе, к которой Советский Союз был вынужден присоединиться только после начала гитлеровской агрессии. Правду о неисчислимых жертвах и наплевательском отношении к человеческим жизням. Правду о издевательстве над населением огромной части страны, брошенным на произвол судьбы в первые месяцы войны и потом на десятилетия переведенном в категорию неблагонадежного. Правду об армии-освободительнице, которая не только избавила Европу от гитлеризма, но и принесла освобожденным странам сталинизм с его лагерями, показательными процессами и разрухой.

Но всей этой правды нет в нашей памяти. Поэтому коммунисты все тащат и тащат своего кумира на постаменты в эти майские дни, прямо по Галичу - "уходят бронзовые, но лежат, притаившись, гипсовые". Поэтому любой высокопоставленный ворюга готов в любой момент вывесить портрет Сталина или хотя бы бессмертную цитату вождя в уверенности, что это заменит новые дороги, новые станции метро, просто нормальную жизнь. В этом нет ничего нового - в сталинском Советском Союзе его портретами тоже прикрывали нищету и голод, ложь и репрессии, пытки и смерть. Так было принято - в этом и была суть выстроенной Генералиссимусом на наших костях системы. И удивляться тут не приходится. Поразительно то, что все это продолжается по сей день. И не только продолжается, но и усиливается.

В конце 80-х - начале 90-х, когда люди наконец получили возможность узнать и сказать о сталинизме все то, что система упрямо не хотела признавать даже в годы борьбы с "культом личности и его последствиями", ни у кого - разве что у отдельных маргиналов типа какой-нибудь Нины Андреевой - не было сомнений, что мы говорим о параноидальном преступнике, весь политический талант которого заключался в умении давить и стрелять. Да, рабскому обществу свойственна симпатия к таким талантам - не случайно сегодня многие бывшие советские люди с таким энтузиазмом вглядываются в миндалевидные глаза безумного Муамара. Но тогда мы, кажется, освобождались. Тогда на проходивших в Москве "неделях памяти" даже не какие-то там диссиденты, а Дмитрий Шепилов, тот самый "примкнувший Шепилов", некогда кандидат в члены Президиума ЦК КПСС и главный редактор газеты "Правда", говорил о сталинских злодеяниях.

Но вскоре освобождение завершилось. Сталин всегда встречается и будет встречаться на дороге к рабству. Всегда на этом крестном пути кто-то будет хватать его бюст и водружать эту белесую мерзость на какой-нибудь ленинградской или запорожской улице, а кто-то будет право на эту "акцию победы" защищать. Когда во время одного из недавних украинских телевизионных шоу депутатка-регионалка истошно кричала на меня, требуя "не трогать Сталина и не оскорблять стариков", я понял: все начинается сначала. Стариков обворуют, молодых оболванят. Так бывает всегда, когда не трогают Сталина.
Виталий Портников

Александр Ольбик.Интервью с Евгением Кисиным.

Пятница, 06 Мая 2011 г. 22:48 + в цитатник
Ольбик Александр Степанович



"Без музыки жизнь была бы ошибкой. Фридрих Ницше
Музыка не имеет отечества; отечество ее - вся вселенная. Ф. Шопен


ПИАНИСТ,

ИЛИ БЕСЕДА ПОД СЕНЬЮ ЮРМАЛЬСКИХ СОСЕН

"Без музыки жизнь была бы ошибкой.
Фридрих Ницше

Музыка не имеет отечества; отечество ее - вся вселенная.
Ф. Шопен

Из Парижа - в "Ноев ковчег"

Кажется, я знаю его сто лет, правда, заочно, с тех пор, когда случайно увидел по телевизору. Ведущий программу называл его вундеркиндом, приобщившимся к классической музыке почти с пеленок. Тогда ему было то ли тринадцать, то ли четырнадцать лет. Хрупкий юноша, с копной темных волос, с лицом байроновского персонажа - бледным и, как мне показалось, печальным.
Прошли годы и я еще пару раз, в каких-то утренних скоротечных передачах снова видел его и снова меня поражало то, что о нем говорили. И вот, в один из августовских дней, в автобусе, направлявшемся из Булдури в Майори, случилась эта неожиданная встреча. Он был в компании спутников - двух седовласых женщин и мужчины, как потом выяснилось, - отца Игоря Борисовича. А женщины - его мама Эмилия Ароновна и, теперь уже известная в мире учительница музыки, Анна Павловна Кантор. Ладно, не буду больше интриговать читателя: речь идет о встрече с Евгением Кисиным. Знаменитым пианистом и необыкновенного обаяния человеком.
Понимая, что нехорошо тревожить людей, находящихся на отдыхе, я тем не менее, поддавшись неизъяснимому интересу к этому человеку, подошел к нему и, извинившись, попросил об интервью. И Женя...Евгений Игоревич согласился побеседовать, но на его "площадке", то есть в отеле "Дайна", в Меллужи, где он вместе с родителями и своей учительницей остановился.
И 23 августа 2009 года эта незабываемая встреча состоялась. Мы разговаривали на террасе, вокруг шумели сосны, день был не пасмурный, но и не солнечный, обычный уходящий август...Сразу же договорились: обращаться друг к другу по имени, без "церемоний"...
- Женя, почему вы приехали именно в Юрмалу, которая в общем-то далека от мировых курортных стандартов, где холодное море и не самое теплое солнце? На планете ведь много других, более фешенебельных, что ли, уголков для досужего времяпрепровождения...
- Дело в том, что я совершенно не переношу жары. А здесь для меня климат идеальный, спокойная природа, помогающая расслабиться и отдохнуть. Впервые я побывал в Юрмале в детстве, когда перешел во второй класс. Жили мы тогда в Каугури, у пожилой женщины, и я помню, что именно в тот приезд, когда мы ждали автобуса на остановке в Майори, я впервые правильно произнес букву "эр"...вместо "эл".И это стало моей маленькой памяткой о Юрмале.
Во-вторых, сюда каждый год приезжают наши хорошие друзья из Москвы и останавливаются в этой же гостинице. Так что я в Юрмале уже в четвертый раз. И знаете, хотя я 21 год (с 1987 по 2008) сюда не приезжал, где-то в подсознании у меня с давних пор сохранился запах этого моря, и, когда я выхожу на берег,то ощущаю какую-то ностальгию. Я вообще люблю природу, хотя выезжать "на нее" мне удается крайне редко. Что же касается фешенебельности, то вот она меня никогда не привлекала, скорее наоборот - в чем-то даже отталкивала. Я больше всего на свете люблю проводить время с друзьями, и для меня это дороже и важнее всего. Помимо музыки, конечно. Я здесь каждый день по несколько часов гуляю быстрым шагом вдоль берега. Довольно часто мы ходим в "Ноев ковчег", в прекрасный армянский ресторанчик, который находится в Асари. А когда бываем в Майори, посещаем там очень хороший ресторан русской кухни.
- О вас много написано в интернете, но я специально не стал туда особенно углубляться, поскольку очень хотелось услышать именно от вас - с чего, собственно, началось ваше путешествие в волшебную страну по имени "классическая музыка"?
- Хорошо, расскажу с удовольствием. Родился я в Москве, 10 октября 1971 года. Там, где я рос, названия многих улиц почему-то были связаны с Крымом: Нахимовский проспект, Севастопольский проспект, Криворожская улица, Симферопольский бульвар и Симферопольский проезд, небольшая, подковообразная улочка, на которой находился наш дом 8. Вокруг стояло 10 пятиэтажных "хрущевок" и в одной из них жили мы: мои родители, дедушка с бабушкой и старшая сестра Алла. Это были три комнаты на втором этаже. После моего рождения, бабушке с дедушкой дали отдельную квартиру на самой окраине Москвы.
Насчет даты моего рождения ... Однажды, еще будучи ребенком и, начитавшись книг о великих композиторах, я подбежал к моей маме и с восторгом объявил: "Мама! Верди родился вместе со мной, 10-го октября! А Берлиоз - около бабушки, 11-го декабря!". Моя бабушка Рахиль Соломоновна родилась 12-го декабря.
Отец работал инженером на заводе, где производили детали для ракет, о чем я узнал значительно позже: ведь об этом запрещено было рассказывать. Отвечая на наши с сестрой вопросы, папа говорил, что его завод производит автоматы для газированной воды. Однажды, когда мы с Гербертом фон Караяном давали концерты в Западном Берлине, произошел любопытный казус. На приеме, устроенном звукозаписывающей фирмой "Дойче Грамофон", которая записывала эти концерты, подошел ко мне американский еврей, работавший в этой же фирме, и с широкой улыбкой на лице начал рассказывать, что его бабка с дедом тоже из России, что он любит пирожки и т.д. Потом стал расспрашивать обо мне, о моих родителях. И я ему, по простоте душевной, сказал, что мама у меня преподавательница фортепиано, а отец инженер ... и вдруг по-русски, с легким акцентом, он меня спрашивает: "Работает на ракетном заводе?". Я, естественно, в ужас пришел, подумал: "Откуда он знает?!". А оказалось, что этот человек когда-то немножко изучал в университете русский, и в его учебнике были такие фразы: "Иван Иванович работает на ракетном заводе. Иван Иванович - дармоед. Иван Иванович живет, как хороший большевик."
Мама моя преподавала фортепиано в детской музыкальной школе, сестра Алла училась в ЦМШ, играла на рояле. Так что классическую фортепианную музыку я слышал еще в утробе матери. И в один прекрасный день, когда мне было 11 месяцев, я вдруг запел - тему фуги Баха, которую Аллочка в то время разучивала. А до этого все мои домашние радовались, какой я спокойный ребенок, стою себе тихо в манежике. После того, как я запел, все поняли, что я не просто стоял, а слушал музыку! И с тех пор я начал петь все подряд. А как только немного подрос, прикоснулся к роялю и начал играть по слуху и импровизировать. Тогда мне было два года и два месяца, и я уже мог, стоя на полу, доставать до клавиатуры. Сначала играл одним пальцем, а потом всеми десятью. Естественно, я ничего этого не помню, мне об этом рассказывали родители.
Одно из моих самых первых воспоминаний - как я играл на рояле и пел, а папа меня записывал. У нас был громоздкий, с большими бобинами магнитофон "Аидас", так вот, его микрофон, величиной с ладонь, висел передо мной на пюпитре, а я что-то играл и пел по слуху, импровизировал. В какой-то момент, помню, папа отмотал пленку назад, и послышалось, как я пытаюсь петь низким голосом: "Светит незнакомая звезда...", а папа говорит: "Это ты пел позавчера.". Тогда мне было три с половиной года.

Судьбоносная встреча

- Наблюдая за вами, слушая ваши импровизации, у родителей, очевидно, уже был готов ответ на вопрос - каким путем пойдет по жизни их Женя?
- Конечно, мои родители отдавали себе отчет в том, что их отпрыск имеет способности к музыке. Однако, как ни странно, мама моя не хотела, чтобы я учился музыке, потому что прекрасно понимала, как это трудно, каких физических и духовных сил это потребует.
Когда мне было пять лет, муж одной из маминых сослуживиц Евгений Яковлевич Либерман - очень известный пианист, преподаватель в Гнесинском институте - попробовал было дать мне несколько уроков, но, увы, из этого ничего не получилось. Как он сам признавался, учить детей было не его призванием. Однако он принял участие в моем музыкальном образовании. Именно он познакомил моих родителей с Анной Павловной Кантор, которая преподавала фортепиано в Московской средней специальной музыкальной школе (МССМШ) имени Гнесиных. В сентябре 1977 года, когда мне еще не исполнилось шести лет, меня отвели в эту самую музыкальную школу, где меня приняла Анна Павловна. Помню, что на мне в тот день была красная рубашка с какими-то бабочками и собачками, а Анна Павловна была одета в зеленое и левая нога у нее была забинтована: оказалось, что за несколько месяцев до того она сломала ногу.
- Видимо, вы пришлись друг другу "по вкусу", если с тех пор нерасторжимый тандем - пианист Евгений Кисин и преподаватель Анна Павловна Кантор - является бесспорным фактом музыкально-творческого содружества. Полагаю, однако, что ваше поступление в знаменитую "Гнесинку" в столь раннем возрасте требовало от вас весомых доказательств вашего "вундеркиндства"...Что это было - экзамен, опрос или какое-то специальное тестирование? Или вас взяли на учебу, полагаясь лишь на "поручительство" и авторитет Евгения Яковлевича?
- Ну, что Вы, какое там поручительство! Было прослушивание. Сначала я играл Анне Павловне - третью балладу Шопена, двенадцатую рапсодию Листа, что-то из "Щелкунчика", потом что-то импровизировал... А затем Анна Павловна пригласила в класс заведующую музыкальной частью школы Елену Евгеньевну Лысенко и преподавательницу сольфеджио Екатерину Георгиевну Кругликову; которым я тоже поиграл, после чего меня приняли в школу. Анна Павловна тогда сказала моей маме: "Я вашего сына учить не берусь, потому что он уже по слуху играет Шопена, Листа, и ему скучно будет учить нотную грамоту и все остальное, что полагается". Но мама заверила Анну Павловну, что я мальчик любознательный и все новое мне будет интересно. Так я поступил в нулевой класс этой знаменитой школы, в которой проучился 12 лет. Кстати, на первых порах мне действительно было скучно, потому что у меня просто не укладывалось в сознании...или, скорее, в подсознании, что те простенькие пьески, которые Анна Павловна задавала мне к уроку - это тоже музыка. И потому я играл их совершенно индифферентно. Но подошло время, когда мне нужно было сдавать первый зачет, на котором я должен был сыграть сонатину немецкого композитора Карла Рейнеке, но Анне Павловне так и не удалось во мне что-то "разбудить", чтобы я воспринял это как Музыку. Возможно, это произошло потому, что Анна Павловна меня в то время еще не очень хорошо знала, чтобы каким-то образом изменить мое подсознательное восприятие этой музыки. И тогда моя мама стала рассказывать что-то такое, что, по ее мнению, должно было вызвать у меня соответствующие ассоциации...И добилась успеха.Этого я сам, конечно, тоже не помню, знаю со слов Анны Павловны.
- Значит, опасения вашей мамы насчет трудностей, связанных с учебой, были напрасными?
- Но не беспочвенными: я в детстве часто болел воспалениями легких и простудами, поэтому в школу почти не ходил. И большинство преподавателей по распоряжению директора школы Зиновия Исааковича Финкельштейна начали заниматься со мной индивидуально.
- Дома у вас?
- Нет, дома со мной занимался только учитель истории Виктор Юрьевич Дашевский. Сначала он проводил уроки со мной во время прогулок по свежему воздуху, а потом стал приходить к нам домой и иногда задерживался до позднего часа. А уходя, оправдывался перед моей мамой: дескать, Эмилия Ароновна, вы не волнуйтесь, мы не только об истории говорили, мне просто очень приятно беседовать с вашим сыном на разные темы. Виктор Юрьевич всегда был ярым антисталинистом и впоследствии стал заместителем председателя Московского антифашистского центра. В Москве это сейчас известный человек. Во время учебы он постоянно знакомил меня с разными злободневными статьями, комментировал события, которые в конце 80-х сотрясали страну. И многое из его "мировоззренческих" лекций осталось у меня в голове до сих пор. Между прочим, после ухода из нашей школы он еще больше года продолжал приходить к нам, заниматься со мной и на все предложения моих родителей об оплате отвечал категорическим отказом и принципиально не взял ни копейки! Вот такой человек... В связи с этим мне хотелось бы вот что сказать: я уважаю любую религию, если только она не служит злу, и верующих людей, если только они не являются фанатиками, но категорически отвергаю знаменитый постулат Достоевского: "Если Бога нет, то все дозволено!". Мои многолетние наблюдения над самыми разными людьми подтверждают, что это АБСОЛЮТНЕЙШАЯ ЧУШЬ! Я рос, будучи окруженным далекими от веры и верований людьми и при этом глубоко нравственными, которые ох как многого и не мыслили себе позволить по моральным соображениям, которые были у них, что называется, в крови! И тот же Виктор Юрьевич: он всегда был убежденным атеистом, даже занимался, помимо педагогической работы в школах, атеистической пропагандой, дружил с советским религиоведом, библеистом Крывелевым и, по-моему, приведенный мною только что пример нагляднейшим образом показывает, каких высоких моральных принципов был этот человек! И насколько выше и искреннее он в данном случае проявлял себя, чем, например ... Не буду называть его имени, это был выдающийся и прославленный музыкант, его уже нет на свете, и пусть земля ему, как говорится, будет пухом, но... Импресарио из Люксембурга рассказывал, как этот музыкант, отыграв однажды у него концерт,и, прежде чем получить очень высокий (как и полагалось по его статусу и мастерству!) гонорар, достал иконку, бухнулся на колени и, подняв вверх руки с иконкой, запричитал: "Прости, Господи! Клянусь, это я только на дачу беру!" Но "отчитавшись" перед Богом, мгновенно поднялся с колен, убрал иконку и преспокойно взял гонорар. Все присутствующие, конечно, были в полном опупении - зачем было такое юродство демонстрировать?
В школе у нас были даже НВП и ГО - начальная военная подготовка и гражданская оборона. Военруком у нас был отставной полковник Георгий Тимофеевич Тушев, который и мальчиков и девочек заставлял разбирать и заново собирать "Калаш", держа при этом в руках секундомер. Некоторые девочки из-за этого калечили себе пальцы, но военрука боялись все, даже Зиновий Исаакович. И вот, когда мне пришла пора изучать военное дело, к товарищу полковнику "с мирной миссией" отправилась Анна Павловна и попыталась объяснить ему, что Женю Кисина ни в коем случае нельзя отвлекать от музыки, что это такой уникальный мальчик, что его руки дорого стоят, и нельзя их портить всякими железками...Однако Георгий Тимофеевич поначалу смотрел пустым взглядом, и было ясно, что все доводы Анны Павловны проваливались в пустоту. И тогда она использовала свой главный козырь: учтите, сказала она военруку, руки этого мальчика являются национальным достоянием; Женя только что вернулся из гастролей по Японии и привез нашему государству пять с половиной миллионов йен ... Но для полковника что йены, что доллары, что пиастры, и он переспросил: "Сколько?!" - на что Анна Павловна подтвердила: "Пять с половиной миллионов! Поэтому если с его руками что-то случится - будете персонально отвечать!". И вот тут он на несколько секунд задумался - и с печалью в голосе изрек: "Да ... он служить не будет." Потом, в течение всего времени наших занятий, он относился ко мне хорошо.
А русским и литературой мы с учителем Григорием Борисовичем Минкиным занимались в лаборатории. Не могу сказать, что это были мои любимые предметы. Всякие грамматические правила меня никогда не интересовали, а что касается литературы, я ее всегда, конечно же, любил, но не как школьный предмет. Поэтому, когда я сдавал выпускной экзамен по литературе, Григорий Борисович разрешил мне отвечать "в вольном стиле", то есть не придерживаться вопросов, которые были в билете. Я, разумеется, этим воспользовался и рассказал все, что знал о Волошине. Тогда я этим поэтом очень увлекался.

Попытки композиторства

- Когда я лежал в постели с воспалениями легких, то сочинял музыку. К тому времени я уже научился писать ноты. Сначала сочинял для фортепиано, а потом начал писать и для других инструментов, так как в детстве любил читать книги про разные музыкальные инструменты. Но знания мои о них были сугубо "теоретическими", поскольку я не имел практического представления об их возможностях и ограничениях. Поэтому то, что я писал для этих инструментов, сыграть на них подчас было невозможно. Один мой школьный приятель, скрипач, посоветовал написать вариации для скрипки и фортепиано на какую-нибудь известную тему. Я выбрал первую тему скрипичного концерта Мендельсона, написал вариации и отдал их своему товарищу. Через пару дней он мне заявил: "Знаешь, Жень, если бы Яша Хейфец как следует позанимался, то, наверное, половину бы смог сыграть".
Так что перепробовал я разные инструменты, разные стили и наступил момент, когда я почувствовал, что не знаю, что делать дальше. Наверное, так и должно было случиться, ибо тот момент как раз совпал с периодом, когда я начал активно концертировать. Так что мое сочинительство кончилось где-то в середине 80-х годов.
- Но хоть что-то из ваших сочинений сохранилось для музыкальной истории?
- Три моих, с позволения сказать, музыкальных произведения были впоследствии опубликованы в сборниках фортепианных пьес для детей. Это "Новогодний марш", "Рассказ" и "Этюд", которые я сочинил, когда мне было семь лет.

Когда кончается детство

- Летом 1985 года, когда мне было 13 с половиной лет, мы переехали на другую квартиру, в Сокольники, в получасе езды от школы. Этот переезд для меня как бы подвел черту под моим детством. Предшествовала ему следующая история: после моего дебюта в марте 1984 года с двумя фортепианными концертами Шопена в Большом зале Московской консерватории, со мной пожелал встретиться глава Союза композиторов Тихон Николаевич Хренников. И такая встреча с этим замечательным, добрым, щедрым и необыкновенно гостеприимным человеком состоялась. И имела для нашей семьи очень значимые бытовые перемены. Со мной была Анна Павловна, и Тихон Николаевич спросил у нее - почему, дескать, Женя такой бледный?, на что она ответила: мальчик утомляется, далеко живет от центра, тратит на дорогу в школу много времени. И Хренников для себя записал: "Приблизить Кисина к школе". Так благодаря его хлопотам, год спустя, у нас появилась новое, более просторное и значительно более близкое к центру города, жилье.
- И место для рояля?
- Ну, место для рояля у нас и в старой квартире было. Как раз из-за переезда на новую квартиру нам пришлось продать наш старый рояль, прекрасный старый "Бехштейн", так как он не влезал в лифт. Купил его у нас пианист Владимир Виардо и, отдавая деньги моему папе, заявил: "Вообще-то вы могли бы продать его подороже!". Пару лет спустя, Владимир Теодорович Спиваков подарил мне "Стейнвей", который в то время невозможно было в Москве достать. Правда, на нем я почти не играл, берег, ибо инструмент был уже старенький и хрупкий, так что с подарком Маэстро приходилось обращаться деликатно. Но опять-таки, благодаря помощи Хренникова, Музфонд стал давать мне бесплатно рояли на прокат. Сначала я занимался на "Петроффe", на котором за несколько месяцев порвал половину струн, а потом мне выдали "Эстонию", и на ней я работал до самого отъезда из России. Рояль стоял в моей спальне, звучал, правда, отвратительно, но все же был надежной рабочей лошадкой.
В этой связи не могу не вспомнить один инцидент, связанный с моей игрой на рояле, уже в новой квартире, в Сокольниках. Дом был новый, с очень тонкими стенами, и жили там в основном военные и сотрудники КГБ. И вскоре после того, как мы туда въехали, в кабинете директрисы школы, где работала моя мама, раздался телефонный звонок и требовательный мужской голос спросил - у вас работает такая Кисина? И пошли расспросы: что она преподает, какое у нее расписание работы и пр.? Ну, директриса, Ирина Владимировна, крайне удивленная, в свою очередь спрашивает: позвольте, товарищ, а в чем, собственно, дело? И звонивший начал возмущаться, что, дескать, здесь целый день играют на рояле, мешают трудящимся ...тут наверняка пахнет частными уроками. Естественно, Ирина Владимировна начала объяснять, что никаких частных уроков нет, просто у Кисиных такой талантливый мальчик и ему необходимо заниматься дома. "Какой еще мальчик? - взревел сосед (как потом выяснилось, в звании полковника), - Он что - в школу не ходит?" И, видимо, чтобы добить аргументами директрису, полковник произнес сакраментальную фразу, которая потом облетела всю музыкальную Москву: "Что значит занимается дома?! Я артиллерист, но я же дома не стреляю!"
В общем, ничего не добившись от Ирины Владимировны, товарищ полковник пошел по соседям собирать подписи в районную прокуратуру, что благополучно им было реализовано, и жалоба полетела по инстанциям. В ней, между прочим, была допущена принципиальная неточность относительно инструмента, с помощью которого я будто бы глушил весь дом: по версии полковника, "посреди комнаты стоит огромный рояль с открытой крышкой, а за ним сидит мальчик и очень сильно жмет на педали". Но тогда у меня рояля еще не было, играл я на каком-то наскоро после переезда купленном пианино. И когда "сигнал" о таком-сяком шумопроизводящем Кисине дошел до какого-то ответственного лица, к нам на квартиру нагрянул молодой сотрудник милиции - и надо же случиться, что как раз в это самое время я находился на репетиции в Кремле! Мой папа был дома и объяснил милиционеру, где и с какой целью в данный момент находится его сын: по случаю предстоящего ХХVII "исторического съезда" КПСС, в кремлевском Дворце съездов готовился гала-концерт, участвовать в котором был приглашен также "вундеркинд" Женя Кисин. Услышав это, блюститель порядка взял под козырек и отчеканил: "Играл и будет играть!". И действительно, после этого все жалобы прекратились.

Большой зал Московской консерватории

- Женя, рассказывая историю визита к Хренникову, Вы упомянули о своем дебюте в Московской консерватории. Нельзя ли об этом поподробнее? Ведь в каком-то смысле, для "серьезного" музыкального мира то выступление стало сенсацией...
- Да, конечно, расскажу. Самое первое мое публичное выступление состоялось на сцене Центрального Дома культуры железнодорожников. Это был концерт учеников нашей школы. Мне было тогда 7 лет, и на афишах значилось: "Кисин, 4 пьесы, исполняет автор". В 11 лет я сыграл свой первый сольный концерт - в Доме композиторов. Но настоящим моим дебютом было выступление с оркестром Московской филармонии под управлением Дмитрия Китаенко в Большом зале Московской консерватории. Произошло это знаменательное для меня событие 27-го марта 1984 года. Мне тогда было 12 лет. Я исполнил первый и второй концерты Шопена - моего самого любимого композитора.
- С этого все и началось?
- Смотря, что Вы под этим подразумеваете.
- Я имею в виду Ваше вхождение в когорту музыкантов- исполнителей, принять которых на своей сцене сочтет за честь любой город мира.
- Это случилось не сразу, но тот концерт, безусловно, был моим дебютом на большой сцене и стал, если можно так выразиться, краеугольным камнем моей карьеры. Благодаря ему обо мне узнало очень много людей, особенно после того, как около года спустя вышла в свет запись этого концерта и ее стали продавать за границей. Как я узнал несколькими годами позже, выдающийся пианист и дирижер Даниэль Баренбойм давал послушать эту запись многим людям на Западе: и прославленной пианистке Марте Аргерих, и директрисе Карнеги Холла Джудит Эррон и другим. Именно после того концерта обо мне узнал Спиваков - и пригласил сыграть с его оркестром "Виртуозы Москвы".
После окончания музыкальной школы, я поступил в Академию музыки имени Гнесиных. Кстати сказать, мне не пришлось сдавать выпускного экзамена по специальности в школе, в зачет вошел один из моих концертов в Большом зале Консерватории. В музыкальную Академию мы перешли вместе с Анной Павловной, она продолжала и там быть моим педагогом. Однако проучился я там немного, только два курса.
- А чему вас могли научить в Академии, после двенадцати лет учебы в Гнесинке?
- В то время я уже очень редко посещал занятия, так как большую часть времени концертировал. В Академии была очень хорошая преподавательница истории музыки, и хотя я посещал ее уроки всего несколько раз, зато много времени проводил в фонотеке и переписывал оттуда записи произведений французского композитора Оливье Мессиана, которого мы как раз проходили по программе, и записей которого у меня не было дома. Несколько раз побывал на уроках психологии, после одного из которых я и другие мои сокурсники поняли, что являемся иссиня-черными меланхоликами! А преподаватель "политических дисциплин" велел мне почитать "Коммунистический манифест" и после прочтения поделиться своими впечатлениями от этого "фундаментального труда". Я что-то такое наговорил, после чего учитель сказал: "Ну, и что: "приобрели они весь мир"? Вон, под окном, пролетарий в луже пьяный валяется.". И резюмировал, что к марксизму нельзя относиться догматически, иначе марксисты поставят себя в глупейшее положение.

Гастроли по соцлагерю и...
проблемы с "анкетными данными"

- Однако вернусь немного назад: первая моя поездка за рубеж состоялась в мае 1985 года, в Восточную Германию, где проходили так называемые Дни Москвы в Берлине. Гала-концерт давали в Берлинском оперном театре: пели Кобзон и Мальченко, танцевал ансамбль "Березка", Арутюн Акопян показывал фокусы и т.д. Я сыграл две пьесы - "Посвящение" Шумана-Листа и вальс Шопена. Это была моя премьера за рубежом... еще в "социалистической Восточной Европе". На концерте присутствовал вождь ГДР, Генеральный секретарь СЕПГ Эрих Хонеккер, и вся его партийная свита. И после концерта ко мне подошел Кобзон и сказал: "А знаешь, что сказал Хонеккер? Если бы не было Кисина, не было бы концерта!" Не знаю, может, Кобзон все это придумал, чтобы сделать мне приятное, но, как говорится, за что купил, за то и продаю...
А после этого, в октябре того же, 1985 года, состоялась уже более серьезная поездка за рубеж, с настоящими концертами в Будапеште. Поехал я туда вместе с прославленным оркестром "Виртуозы Москвы". За месяц до этого мы с "Виртуозами" гастролировали в Баку, и в первый же вечер, когда мы туда приехали, ко мне в номер зашли Владимир Спиваков, с тогдашним директором оркестра Амаяком Дургаряном. Разговор зашел о предстоящей поездке в Будапешт и о возникших проблемах. Анна Павловна спросила у Спивакова: "Что, опять анкетные дела?" До того я никогда не слышал подобного выражения и, тем не менее, сразу же догадался, что оно означает. И Спиваков рассказал о том, что он имел беседу с тогдашним замминистра культуры Георгием Ивановым (о нем, кстати, Плисецкая упоминает в своей биографии; он ей тоже палки в колеса ставил), который твердо заявил, что Женя Кисин в Будапешт не поедет. Сначала он это мотивировал тем, что я "еще маленький", на что Спиваков возразил: а как же Вадик Репин? (Сверстник Кисина, начал играть на скрипке в пятилетнем возрасте. В 1989 году Вадим Репин выиграл самый престижный скрипичный турнир в мире - Конкурс имени королевы Елизаветы. (в Брюсселе - прим.А.О.). "Ну, там Хренников ..." - сказал Иванов. "А здесь Дни советской культуры в Будапеште!" - парировал Владимир Теодорович. Тогда Иванов "объяснил", что "мы считаем своим долгом заботиться о здоровье Жени Кисина". Естественно, было ясно, что причина вовсе не в здоровье моем, а в 5-м пункте. Помню, как Спиваков тогда возмущался: "Репин трубит Тихона Николаевича на всех углах, а Женечку даже в Венгрию пускать не хотят! Конечно, не могут же они прямо сказать, что и вы евреи, и "Виртуозы Москвы" евреи ... ну, парочка армян там есть!..".
К счастью, у Владимира Теодоровича были хорошие отношения с тогдашним министром культуры Демичевым, который и дал "добро" на мою поездку в Венгрию.
Сначала мы выступали в каком-то провинциальном городке, затем - в Будапеште. Играли концерт Моцарта, а на следующий день, в Доме венгерско-советской дружбы, состоялся мой сольный концерт, на котором я играл Шопена. На этот концерт пришел глава японской концертной фирмы "Japan Arts" Накато-сан и, прослушав мое выступление, загорелся желанием привезти меня в Японию. На следующий день был прием в Венгерском парламенте, на котором присутствовали и мы со Спиваковым. Пришел туда и Накато-сан и сразу же "подкатился" к Демичеву, попросив его разрешения на мою гастроль в Японию. Петр Нилович, как рак, покраснел и начал что-то мямлить о моем здоровье, что мне нужно еще учиться, а не гастролировать и т.д. Но Накато-сан (который, как оказалось потом, был членом японской компартии) пошел на хитрость и подъехал с другой стороны: он рассыпался в комплиментах в адрес советского образования вообще и музыкального в частности, и что, увещевал он дальше Демичева, приезд Кисина в Японию будет яркой демонстрацией того, как замечательно в СССР учат детей музыке. Тогда Демичев сказал: "Он еще маленький и потому не может ехать в Японию один," - на что стоявший рядом Спиваков заявил: "Я готов с ним поехать!". И год спустя, мы с "Виртуозами" отправились в Японию.
Но вернусь к приему в венгерском Парламенте. Принимавшие нас представители "Интерконцерта" (венгерский аналог советского Госконцерта) попросили у Демичева разрешения на мое участие в гала-концерте "Евровидения" в Будапештском театре, который должен был состояться через две недели. Демичев спросил меня, хочу ли я сыграть на этом мероприятии и, получив положительный ответ, сказал венграм: "Хорошо, он приедет." Тогда наши "хозяева" сказали Анне Павловне, что, если я сейчас уеду, то потом меня уже не выпустят, и заявили Демичеву, что приглашают меня на эти две недели остаться в Будапеште и оплатят все расходы. Ну, тут уже Демичеву ничего не оставалось, кроме как согласиться. И за эти две недели я дал два сольных концерта. Венгры были очень гостеприимны, и вообще мне запомнилась та поездка...необыкновенно красивый Будапешт, необыкновенно радушный прием, очень милые люди. Мне тогда как раз исполнилось 14 лет.

В "лапы" капитализма...

- Год спустя, я впервые направляюсь в капстрану, да еще какую - в Японию! После самого первого концерта сидим мы со Спиваковым в моем номере, ужинаем, и вдруг он говорит о том, что хочет организовать музыкальный фестиваль в ... Израиле. Я это, естественно, воспринял, как шутку, да и в тоне самого Владимира Теодоровича слышались шутливые нотки. Ведь тогда еще между СССР и Израилем даже не было дипломатических отношений. Но у власти уже был Горбачев, началась так называя перестройка. Все быстро менялось и то, что год-два назад казалось несбыточным, теперь становилось явью. Так и случилось с нами: спустя еще два года мы с "Виртуозами Москвы" поехали-таки в Израиль! Kак мне потом рассказывал Спиваков, примерно, за год до поездки, его вместе с директором оркестра Робертом Бушковым вызвали в ЦК, где им объяснили, что будут восстанавливаться дипотношения между двумя странами и потому надо поехать: это будет важное политическое мероприятие. Принимающей стороной в Израиле была тамошняя компартия ...

Хрустальный приз - вдребезги!

- Вскоре после моих первых успешных гастролей в Японии, меня снова, через Госконцерт, пригласили туда. Но пригласивший меня "Джапан Артс" получил отказ. Москва в традиционном духе аргументировала это тем, что я уже был в Японии, что я "еще маленький" и т.д.. Много лет спустя, я узнал от пианиста Владимира Крайнева, что "пробил" мою вторую поездку в Страну восходящего солнца опять-таки Хренников. Дело в том, что в Японии намечался творческий вечер Тихона Николаевича с участием Гергиева, Крайнева, Вадика Репина, которого Хренников в то время активно протежировал. Но японцы Вадика еще не знали и заявили, что примут Репина только в том случае, если приедет пианист Кисин. И Хренникову ничего не оставалось как только "поднажать" на Госконцерт, чтобы тот дал добро на мою поездку в Японию. Что и было сделано. В общем, полетели мы в Японию, где сыграли по несколько концертов, и тогда же я узнал, что за мой первый концерт с "Виртуозами", который проходил в Осаке и который объявили "лучшим концертом года", меня наградили Хрустальным призом. Церемония вручения наград состоялась в Осаке, а после нее - пресс-конференция. Гран-при получил знаменитый дирижер Клаудио Аббадо за его концерт с Венским филармоническим оркестром. Однако сам он на церемонии не присутствовал, приз за него получал не то посол, не то консул Австрии. А со мной произошло следующее: когда мне вручили хрустальный приз в бархатной раме, я по просьбе фотографов наклонил его, чтобы им лучше было видно, приз выпал из рамы и, стукнувшись об пол, разбился вдребезги. Никто из японцев даже глазом не моргнул, зато я, конечно, жутко растерялся и, встав на корточки, стал подбирать осколки приза, цена которого, как мне потом обьяснили, составляла 800 000 йен. В зале при этом царила гробовая тишина, и потому Анна Павловна и моя мама, сидевшие в заднем ряду, ничего не поняли: чего это я на корточки встал что-то там с пола подбираю? Потом меня успокоили, сказав, что главная часть приза, то есть серебряный кругляш, осталась цела, и что через пару недель будет изготовлен новый приз, что и было сделано.
Но, пожалуй, "главным призом" стала для меня встреча с великим дирижёром Гербертом фон Караяном.Летом 1988-го года, когда я был на гастролях в Швейцарии и Австрии с "Виртуозами Москвы", организовывавший эти гастроли импресарио Ганс-Дитер Гере, услышав мою игру, послал несколько моих записей Караяну, написав ему, что скоро я буду в Зальцбурге (Караян там жил) и, если маэстро захочет встретиться и послушать меня "живьем", то такую встречу можно будет организовать. Караян согласился - и 9-го августа, на следующий день после нашего с "Виртуозами" концерта в Зальцбурге, состоялась это событие, ставшее одним из самых волнительных, памятных и судьбоносных в моей жизни.
Мы встретились в здании зальцбургского Festspielhaus'а, в комнате #447. Тогда эту большую комнату использовали для занятий балетом; не знаю, как сейчас, но, приезжая в Зальцбург на гастроли, я всегда занимаюсь в этом столь памятном для меня месте (и там до сих пор стоит старый "Bosendorfer", на котором я тогда играл Караяну). Встреча наша была назначена на 11.30 утра; я, естественно, пришел заранее и начал разыгрываться. Вдруг открывается дверь и входит Спиваков. "Володя, а Вы откуда?!" -удивленно спрашивает его Анна Павловна, - "Вы же должны были в Вену ехать с оркестром!". "Когда ТАКОЕ происходит," - ответил Владимир Теодорович, - "я не могу не присутствовать!".
В 11.30 мы услышали шум за дверьми - и в комнату вошел ... нет, ввели (он тогда уже не мог передвигаться самостоятельно) Караяна, которого сопровождала большая "свита": не помню уж, кто именно там был, помимо его супруги и фотографа из звукозаписывающий фирмы "Дойче граммофон", но пришло, насколько я помню, больше десяти человек. Маэстро был в синем спортивном костюме и темных очках. Хотя он не мог сам ходить, рукопожатие его было крепким - и я помню, что у меня было ощущение, что он смотрит на меня пронизывающим взглядом из-под очков. Все расселись (стулья были расставлены в три ряда), и я направился к роялю, стоявшему в нескольких метрах от стульев. Сел, начал играть Фантазию Шопена. Я тогда, естественно, очень волновался, но подготовился как следует - и потом Анна Павловна мне сказала, что я никогда так хорошо не играл это произведение. Кончил играть. Молчание. Я встаю, делаю несколько неуверенных шагов по направлению к присутствующим - и вижу, что Караян посылает мне воздушный поцелуй! Подхожу ближе - и вижу, что очки у Караяна сняты и он вытирает глаза платком ...
Ну, дальше можно было бы уже и не рассказывать ... такие моменты, конечно, случаются считанные разы в жизни ...
- Еще! - говорит мне Караян (по-английски).
- Можно я сыграю 12-ю рапсодию Листа?
- Что хочешь!
Я сыграл рапсодию, встаю, направляюсь к Караяну. Вижу, что темные очки у него снова на лице, он поднимается со стула и пытается пойти. Я подхожу к нему; он дает понять, что хочет вместе со мной подойти к роялю. Кто-то из "свиты" пытается помочь ему, но Караян отстраняет этого человека. Тогда подходит Спиваков и говорит Маэстро, что он знает немецкий и поможет с переводом. Мы втроем направляемся к роялю и садимся около него. Караян спрашивает меня, играю ли я 2-й концерт Брамса и, получив отрицательный ответ, предлагает мне его выучить и сыграть с ним... А дальше я почти не помню подробностей. Помню только, что встреча наша длилась час, что постепенно к нам подошли все присутствующие, что я еще сыграл "Сицилиану" Баха в обработке Кемпфа и начало 3-й части 2-го концерта Рахманинова, после чего Караян попросил меня сыграть финал и, когда я закончил, он произнес: "Ты должен сыграть это со мной здесь летом будущего года!". Потом супруга маэстро сказала: "Я 30 лет живу с моим мужем и никогда не видела его таким растроганным и потрясенным!" - а сам Караян ... не очень-то удобно мне о таком рассказывать, но что было, то было: прощаясь и пожимая руку моей маме, он сделал жест в мою сторону и сказал по-английски: "Гений!".
В общем, состояние мое в тот день было точным воплощением выражения "на седьмом небе".
А полтора месяца спустя от Караяна пришло приглашение сыграть с ним и с Берлинским филармоническим оркестром в его новогоднем концерте в Берлине - 1-й концерт Чайковского. Так в самом конце декабря, того же 1988-го года, состоялось первое наше сотрудничество. Концерт тот был записан на аудио и на видео, шла прямая трансляция на всю Европу, на следующий день его показали по американскому телевидению ... а по советскому - лишь несколько месяцев спустя (хотя Караян по окончании концерта обратился к слушателям и произнес слова "С Новым Годом!" по-немецки, по-французски и по-русски). Конечно же, значения того концерта для моей карьеры невозможно переоценить. Когда немногим больше года спустя я впервые встретился с Ростроповичем (во время его первого приезда в Москву после изгнания), он сразу сказал мне: "Я тебя слышал, когда ты играл с Караяном.". И до сих пор иногда ко мне после моих выступлений подходят люди и вспоминают тот концерт. Два с половиной месяца спустя мы снова дважды сыграли 1-й концерт Чайковского на Пасхальном фестивале в Зальцбурге, а в июле 1989 года Караяна не стало...

Первая студийная запись.

- Как я уже говорил, я много давал концертов, которые шли через Госконцерт, хотя постепенно в стране уже начали появляться другие компании. В 1990 году я уже сотрудничал с советско-американской компанией "Артс энд электроникс", но сам я с ними дела не имел, все переговоры вела Анна Павловна. Компания брала всего 10 процентов моих доходов, что по западным меркам абсолютно нормально, хотя некоторые западные компании "отстегивают" себе 12-15 процентов комиссионных. Помню, когда после моей первой поездки в США я впервые в жизни пришел в Госконцерт, одна сотрудница поинтересовалась - почему, дескать, я сотрудничаю не с ними, ведь они тоже сейчас берут 10 процентов? Но вернусь немного назад. В 1988 году ведущая американская звукозаписывающая компания "RCA" (с которой в свое время сотрудничали такие музыканты, как Рахманинов, Тосканини, Артур Рубинштейн, Хейфец, Горовиц) обратилась во Всесоюзное объединение "Международная книга" - "Межкнига" с предложением записать советских музыкантов: Юрия Темирканова, Наталью Гутман, Олега Кагана, Владимира Спивакова, кого-то еще и - меня. И в мае 1988 года, состоялась моя первая запись на Западе. Это был мой дебют в Лондоне. Мы с Гергиевым и с Лондонским симфоническим оркестром в концертном зале Барбикан сыграли второй концерт Рахманинова, на следующий день записали его, а еще через день я записал шесть этюдов-картин Рахманинова. Гергиев тогда на Западе был еще неизвестен, вернее, малоизвестен, как раз за несколько дней до того он стал главным дирижером Мариинки. Это былa самая первая в моей жизни студийная запись. Все мои записи, вышедшие в Союзе, были "живые", то есть сделанные с концертов.
- А какие для вас предпочтительнее - студийные или "живые" записи?
- Как правило, у меня лучше получается на концертах: все-таки публика вдохновляет, никуда от этого не денешься. А в студии, как я ни стараюсь "настроить" себя, внушить самому себе, что хотя сейчас меня оркужают только четыре стены и микрофоны, зато потом-то меня услышат сотни тысяч слушателей...это самовнушение, увы, не всегда срабатывает... Далеко не всегда удается вызвать в себе необходимое внутреннее состоянее и, возможно, это происходит потому, что отсутствует ощущение СИЮМИНУТНОСТИ творчества... Но вернемся к моей лондонской записи: когда она вышла в свет, в RCA стали звонить разные американские импресарио, о чем я узнал в Зальцбурге. Это был 1989 год, зальцбургский Пасхальный фестиваль, который возглавлял Караян и на которой он пригласил меня сыграть с ним. И вот приезжает туда из Америки представитель RCA и рассказывает нам с Анной Павловной о том, что все ведущие нью-йоркские импресарио звонят ему, все хотят привезти меня в США. Мы спросили у него: а кого бы Вы порекомендовали? И он порекомендовал не очень большую, но престижную компанию "IMG", поскольку, как он объяснил, "в отличие от таких концернов, как "Columbia" и "ICM", в "IMG", вам будут уделять гораздо больше персонального внимания". И несколько месяцев спустя, в Москву прибыл глава "IMG" Чарльз Хэмлин с двумя целями: провести переговоры с Госконцертом по поводу приезда в Москву скрипача Ицхака Перельмана и встречи со мной - по поводу моего приезда в Америку. И мы с ним встретились в гостинице "Россия", познакомились, поговорили. Он оказался очень интеллигентным, милым человеком, и мы с Анной Павловной, что называется, остановились на нем...
- И заключили с ним контракт?
- Нет, контракт с ним заключил Госконцерт. Мы просто с Хэмлиным обговорили возможные варианты моих гастролей в Штатах. И год спустя, в сентябре 90-го года, состоялся мой дебют в Америке. Чарльз все сделал по высшему разряду и даже превзошел устоявшиеся каноны. Этот человек обладал большими дипломатическими способностями. В чем это выражалось? В том, что он сумел всех убедить, чтобы я сыграл с Нью-Йоркским филармоническим оркестром под управлением Зубина Меты, а через несколько дней после этого дал сольный концерт в Карнеги Холл. Каждый хотел эксклюзива. Ныне покойная директриса Карнеги Холл Джудит Эррон настаивала на том,чтобы я играл только в "ее" зале - сольный концерт, без оркестра. Дело в том, что Нью-Йоркский филармонический оркестр в Карнеги не играет, он играет только в "Линкольн-центре". Но в итоге я выступил и там и там. И тогда в музыкальных кругах Нью-Йорка в шутку говорили, что Чарли совершил политический переворот. Все прошло очень успешно, и меня признали.

Почти эмиграция

- Женя, если не секрет - что за причны, которые заставили вас покинуть Москву, Академию музыки, родные пенаты и перебраться в США? В Интернете я встречал утверждения, что будто бы Вы остались в Штатах, дабы "откосить" от армии. Насколько это соответствует или не соответствует фактам?
- Абсолютно никакого секрета тут нет: причина была та, что жизнь в стране становилась в то время все тревожнее и неопределеннее. После августовского путча 1991 года я по наивности думал: ну все, победила демократия, теперь все будет хорошо! Но мои родители отреагировали совершенно иначе: в этот раз путч провалился, рассуждали они, а в следующий может удасться, так что лучше поскорее уехать и переждать где-нибудь это смутное время. В октябре того года у меня были гастроли по США и Канаде, и я попросил Хэмлина организовать для меня и для всей моей семьи долгосрочные визы, что он и сделал. А когда несколько месяцев спустя (в мае 1992-го) мой папа приехал в Москву, наши друзья, проверявшие нашу почту, вручили ему адресованную мне повестку в военкомат, датированную еще февралем и со штампом: "Отсрочка аннулирована". В метро же папа увидел надписи: "Жиды! Убирайтесь со своими жиденками!" - и нарисованные рядом поросячьи морды с толстыми носами. В общем, стало ясно, что возвращаться в бывший Союз нечего. Кстати, главная причина, по которой я сейчас не возвращаюсь в Россию, - это именно нынешний бурный расцвет антисемитизма и вообще ксенофобии, при полном попустительстве органов власти. Я не знаю, насколько вы в Латвии осведомлены об этом, но сейчас число преступлений в России на почве ксенофобии и расизма, когда людей неславянской внешности зверски избивают, а нередко и убивают, исчисляется уже десятками, если не сотнями тысяч! А в Москве, например, пару лет назад появилась сеть кафе, куда людей с неславянской внешностью просто не пускают! Мило, правда? Вам это ничего не напоминает?
- Ассоциация более чем прозрачна и многое, о чем вы говорите, к великому сожалению, имеет место быть. Но и у нас, в Латвии, тоже иногда повевают холодные ветры национальной нетерпимости, хотя согласен, то, что происходит в этом смысле в России, с нашими "провинциальными" масштабами несравнимо. Так что же у вас было с призывом на действительную службу?
- Что касается аннулированной отсрочки от армии, я ее получил в свое время благодаря хлопотам все того же Спивакова, который написал письмо Раисе Максимовне, супруге Горбачева, возглавлявшей в те годы Фонд Культуры. То письмо подписали все "Виртуозы Москвы", и мне дали отсрочку (до того я, как положено, ходил в военкомат, прошел все тесты и медкомиссию и получил приписное свидетельство; приписали меня к войскам связи). А в декабре 1991-го в Москве проходил объединенный концерт двух симфонических оркестров (Молодежного оркестра Европейского сообщества и Молодежного оркестра имени Густава Малера) под управлением Клаудио Аббадо и я был солистом, мы вместе исполнили Фантазию Бетховена для фортепиано, хора и оркестра. На этот концерт пришли Горбачев с супругой, и в антракте мне сказали, что Михаил Сергеевич хочет меня видеть и просил проводить меня к нему в ложу. Сначала меня подвели к Раисе Максимовне, которая поблагодарила меня, сказала, насколько у них сейчас тяжелые дни (тогда уже были подписаны Беловежские соглашения, и всем было ясно, что Горбачев уходит в отставку). Потом я подошел к Михаилу Сергеевичу, и он сказал: "А вот Раиса Максимовна как раз вспомнила: как хорошо, что в свое время "мы добились", чтобы Женю не забрали в армию!".
Это была единственная моя встреча с Горбачевым ...
В общем, после посещения папой Москвы вскоре после нашего отъезда стало ясно, что лучше туда "не дергаться". Пару лет спустя ныне покойный Алеша Султанов, который в 1988 году победил на конкурсе имени Вана Клиберна в Техасе , и потом тоже переехал в Америку, рассказал мне о том, как незадолго до того прилетел он в Москву - и на паспортном контроле в аэропорту ему говорят: "А, уклоняетесь от воинской службы, молодой человек!". Он сначала даже не поверил, что это всерьез, но пограничник, сидевший за стойкой, вызвал другого, и они начали на полном серьезе говорить Алеше, что сейчас же его "забреют": "Ничего, ничего! Послужишь в армии - лучше будешь играть на своей пианине!". К счастью, у Алеши с собой оказался блок "Марльборо", и он предложил его пограничникам. Они взяли сигареты и сказали: ладно, парень, иди, мы тебя не видели.
Потом Ирина Архипова добилась того, чтобы меня включили в список 400 "наиболее талантливых представителей искусства", которым дали отсрочку до 1-го апреля 1995 года. Можно было бы этим утешиться, но...в декабре в 1994 году, наши друзья, проверявшие нашу почту в Москве, снова обнаружили в ящике две повестки в военкомат, а затем еще одну, но уже в прокуратуру, предписывающую мне и моей матери явиться туда, а в случае неявки без уважительной причины, мы, дескать, будем привлечены к ответственности. Поэтому я несколько лет и не ездил в Россию.
- Но вы ведь могли принять американское гражданство, сняв тем самым все проблемы с призывом в российскую армию.
- Что касается американского гражданства...Во-первых, я не связывал свою дальнейшую жизнь со Штатами, всегда хотел жить в Европе, и, во-вторых, для получения гражданства США, нужно было там прожить не менее пяти лет.
- Как вообще складывалась ваша личная и профессиональная жизнь на этом заокеанском континенте?
- Я, мои родители, сестра Алла и Анна Павловна (которая к тому времени уже стала фактически членом нашей семьи и переехала жить к нам) несколько лет жили в Нью-Йорке. Жилье появилось не сразу, первые 11 месяцев мы снимали частную меблированную квартиру, принадлежавшую приятелю Чарли Хэмлина. Этот человек был дирижером бродвейских шоу, но в то время с семьей находился в Лос-Анджелесе. На мою удачу, в его квартире был рояль. Я тогда еще плохо знал английский и старался наверстать упущенное. И знаете по какому "учебнику" я осваивал язык? По автобиографии Галины Павловны Вишневской, которую я еще в Москве прочитал по-русски, а в нашей первой нью-йоркской квартире нашел эту книгу в английском переводе. Это мне очень помогло, ведь там много было специфических выражений, которых ни в одном словаре не найдешь. Помню, знаменитое письмо Ростроповича в защиту Солженицына я выучил в английском переводе по этой книге наизусть.
Одиннадцать месяцев спустя, хозяин квартиры через Чарли передал нам, что квартиру он продает, поэтому либо покупайте, либо выметайтесь. Но поскольку речь шла о продаже квартиры, к нам часто приходили маклеры с клиентами, и хозяин нас предупреждал, чтобы мы перед их визитом включали свет. Это была хитрость, поскольку в смысле освещенности квартира была не из лучших: большинство окон выходило во внутренний "колодец". И вот при одних таких "смотринах" мы познакомились с маклершей - женщиной родом из России. Звали ее Наташей. И когда хозяин поставил нас перед дилеммой - покупать эту квартиру или съезжать - мы связались с Наташей, и она порекомендовала нам другую квартиру. Не для покупки, а снова для съема. В том же районе Манхеттена, на Upper West Side. И эту квартиру мы снимали в течение почти четырех лет, пока не нашли, наконец, жилье уже для покупки. Нам в этом деле помог тот самый бывший представитель RCA, который когда-то порекомендовал мне Чарли Хэмлена и который несколько лет спустя ушел из RCA и переквалифицировался в маклера. Именно с его помощью в 1996 году, мы купили квартиру в доме "Ансония" на углу Бродвея и 73-й улицы. Этому зданию уже бoльше 100 лет; раньше, еще до войны, там была гостиница, в которой в то время останавливались знаменитые музыканты, приезжавшие в Нью-Йорк: например, Карузо, Тосканини, Шаляпин, Стравинский; там также жили Малер, Зилоти, Рахманинов, Менухин и многие другие. Словом, все великие маэстро, приезжавщие в США, квартировались там месяцами и даже годами. У входа есть мемориальная доска, на которой упомянуты имена знаменитых музыкантов. Это, пожалуй, самое лучшее в Нью-Йорке здание именно для музыкантов, ибо стены его толстенные, звуконепроницаемые, так что музицируй, сколько хочешь, и ты никому не будешь мешать. Когда заходишь в этот дом, впечатление такое, как будто попадаешь в консерваторию. В основном там сейчас живут вокалисты. Идешь по коридору - и слышишь пение...

В жизнь Евгения Кисина входит
лорд Гарри Киссин

- Можно ли так сказать, что Ваша жизнь как бы разделена на две "эпохи" - советско-российскую и "западную"? Чувствовали ли Вы себя в тех же Штатах, "как у себя дома"?
- Почему мы остались, вернее, задержались в Америке, я уже говорил. К этому могу лишь добавить, что если бы это не совпало с моими гастролями по Америке и, если бы не помощь Чарльза Хэмлина, возможно, все сложилось бы по-другому. Я всегда хотел жить в Европе - в Германии или в Англии. Но в Германии как раз в то самое время, то есть в конце 1991 года, в связи с падением Берлинской стены и объединением Восточной и Западной Германий, поднялась волна ксенофобии. Так что Германия в наших планах отпала. Осталась Англия. Но для переезда туда никаких предпосылок в то время не было. И вдруг весной 1992 года, буквально через несколько месяцев после нашего переезда в Америку, заявляется к нам Чарли и начинает кланяться, делать реверансы (что при его двухметровом росте выглядело особенно комично), заявляя, что отныне он только так и будет с нами разговаривать. В чем дело? Чарли достает листок бумаги с эмблемой Палаты лордов и соответствующей надписью. Ниже шел текст, под которым красовалась подпись: "Lord Kissin" В нем говорилось, примерно, следующее: уважаемый г-н Хэмлин, я в последнее время все чаще и чаще слышу о молодом пианисте Евгении Кисине, и поскольку Вы его менеджер, мне интересно узнать, не родственники ли мы с этим музыкантом? Мы, конечно, все хорошо похихикали, но Чарли лорду Киссину, естественно, ответил - и несколько недель спустя получил от него второе письмо, в котором лорд Киссин писал, что его дядя в 20-30-е годы жил в Советском Союзе и заведовал там экспортом хлеба, а в конце 30-х, во время сталинских чисток, был расстрелян. И когда я это прочитал, я тут же вспомнил один из моих разговоров с моим дедушкой, который незадолго до своей смерти несколько месяцев жил у нас. Как раз когда умерла бабушка, его положили в больницу с раком простаты, сделали операцию, потом что-то вкололи, чего колоть было нельзя, и он совершенно оглох. Затем он на несколько месяцев выписался, потом снова попал больницу, где и скончался. Но в течение тех нескольких месяцев, что дедушка жил у нас, я с ним довольно много общался - правда, весьма странным образом: поскольку из-за глухоты он ничего не слышал, приходилось писать ему на бумаге, а он отвечал голосом. Так мы и общались. И для меня те месяцы были очень дороги, потому что мне было уже 16-17 лет, и я впервые с ним говорил, как взрослый со взрослым. И вот тогда, а это был конец 1988 года, дедушка мне рассказал любопытную историю о своем двоюродном дяде Абраме Ананьевиче Киссине, который был замначальника Центросоюза СССР, начальником Внешнеторгового объединения "Экспортхлеб", и в конце 30-х его арестовали и дедушка думал, что его сослали в Астрахань. С тех пор ни дед, ни мои родители ничего о нем не слышали.
(Когда это интервью писалось, Евгений Игоревич прислал из Парижа письмо, в котором говорилось о подробностях трагической участи Абрама Киссина, о чем он в свою очередь узнал из письма сына лорда Киссина Роберта (по каким-то неизвестным для Жени причинам, фамилии старших Киссиных пишутся с двумя "с", что, возможно, связано с "произволом" провинциальных чиновников, оформлявших еще до революции метрики и паспорта старших родственников Евгения Кисина. Но возможен и обратный вариант, когда уже при совесткой власти, теми же "оформителями" документов одна "с" показалась им лишней).Оказывается Абрам Ананьевич не был сослан в Астрахань, как полагали его близкие, а был в январе 1938 года арестован и обвинен в контрреволюционной и террористической деятельности. Суд был скорый: 10 марта 1938 года Военная коллегия Верховного суда СССР (ВКВС) приговорила его к высшей мере наказания и...в тот же день Абрама Киссина расстреляли. И только через семнадцать лет, то есть 21 сентября 1955 года, он был реабилитирован - прим. А.О.)
Однажды, когда мы с дедушкой смотрели семейный альбом, в котором были фотографии с изображением молодой пары, быть может, мужа и жены, дедушка сказал, что это наши родственники, которые жили в Гданьске. Но больше ничего не сказал. А когда мы стали общаться с лордом Киссиным, выяснилось, что его отец был родом из того же местечка, что и мой дедушка: Коханово Оршанского уезда Витебской области (бывшей Могилевской губернии); из Коханово отец лорда переехал в Данциг (город Гданьск, который с 1793 по 1945 год носил название Данциг,нем.), где будущий лорд родился и вырос. И оказалось, что лорд Киссин и мой покойный дедушка - троюродные братья!
В семье будущего лорда говорили по-русски и по-немецки, учился он в университетах Базеля и Фрайбурга, изучал право. Там же, в сионистском клубе Фрайбургского университета, молодой Гарри познакомился со своей будущей женой, которая была родом из Берлина. Вскоре после женитьбы они перебрались в Англию, где и обосновались. Это были 30-е годы, незадолго до войны. Вся семья супруги Гарри Киссина во время Холокоста погибла...Судьба отца лорда тоже трагична: спасаясь от нацистов, он бежал во Францию, но в пути, находясь в грузовике с беженцами, он выпал из машины, в результате чего получил не совместимую с жизнью травму. Его жена добралась до Англии и до конца своих дней жила вместе с семьей сына. А сам Гарри в Англии начал заниматься бизнесом и весьма преуспел. Потом вступил в Лейбористскую партию, близко сошелся с премьер-министром Гарольдом Вильсоном. Вообще удивительно, насколько в нашем мире все взаимоувязано. Ну, подумайте, Саша, сами. Однажды, когда я искал в интернете очередную информацию о своем бывшем учителе истории Викторе Юрьевиче Дашевском, я наткнулся на какое-то черносотенное издание, в котором был опубликован рейтинг так называемых "русофобов". На первом месте в этом, с позволения сказать, рейтинге стояло имя Виктора Юрьевича. Вообще, конечно, называть его "русофобом" или вообще каким бы то ни было "фобом" - ничего глупее нельзя придумать... Этот человек, сколько я его помню, всегда был интернационалистом по глубочайшему убеждению, подчеркивал, что его жена русская, часто повторял мне, что "нет хороших и плохих национальностей, а есть, Женя, хорошие и плохие люди", - и в качестве примера одного из последних любил приводить Лазаря Моисеевича Кагановича, называя его при этом именно по имени-отчеству-фамилии! Не то, чтобы мне когда-либо нужно было объяснять такие вещи, они вообще-то для меня с детства были очевидны, просто Виктор Юрьевич очень волновался, чтобы я не попал под чье-то "нехорошее влияние". И помню, как он мне объяснял, что мы с ним евреи, но принадлежим к русской нации, поскольку нация определяется не кровью, а культурой, и потому еврейской нации на существует как таковой - а в Израиле сформировалась "ивритская нация"...В общем, определение "русофоб" по отношению к этому человеку - это совершеннейший бред сивой кобылы, однако то, что его имя стояло на первом месте в таком "рейтинге", меня нисколько не удивило. Дело в том, что являясь зампредседателя Московского антифашистского центра, он много лет боролся (и продолжает бороться) с разными черносотенцами, пытаясь добиться привлечения их к уголовной ответственности по статье, запрещающей разжигание расовой, национальной и религиозной розни. Так вот, из этого самого "рейтинга русофобов", я узнал, что тема кандидатской диссертации моего бывшего учителя истории была: "Экономическая политика лейбористского правительства Великобритании времен Гарольда Вильсона". Стало быть, труд моего учителя в значительной мере был посвящен деятельности моего именитого родственника, поскольку тот был советником Вильсона!.. Правда потом, став лордом, он вышел из лейбористской партии, поскольку, как он объяснил мне, партийные правила в Великобритании горадзо строже, чем, скажем, в Соединенных Штатах, а он "не хотел быть повязанным никакой религией". И я помню, как за несколько дней до голосования в Палате лордов по поводу Маастрихтского договора мы сидели вместе на вилле лорда на юге Франции и он говорил мне, что (будучи уже в весьма преклонном возрасте и отнюдь не блещущий избытком сил!) собирается специально лететь в Лондон на это заседание для того, чтобы проголосовать ... против своей бывшей партии! Впервые в жизни. Дело в том, что лейбористы поставили условием для принятия Маастрихтского договора (положившего начало Европейскому союзу - прим. А.О.) так называемый social chapter, ограничивавший рабочий день восемью часами, с чем лорд Киссин был категорически не согласен. "Они считают это социалистическим принципом, - объяснял он мне. - Я, в общем, тоже социалист, но не считаю, что это социалистический принцип. Я убежден, что если человек хочет работать больше восьми часов, то почему ему надо это запрещать? Мне очень трудно, - говорил мне лорд, - голосовать за правительство, которое я так не люблю, которое совершило столько ошибок... но это необходимо сделать, потому что Маастрихтский договор - это большое дело, и нельзя допустить, чтобы его провалили."
Вот такую принципиальность, честно говоря, очень ценю в людях, независимо от их политических, религиозных и прочих взглядов: гибкость, реалистичность, отсутствие догматизма во взглядах и поступках ...
Но вернемся назад. Итак, после второго письма лорда Киссина Чарли, я уже сам ему ответил. Но тут я должен наш разговор опять увести немного в сторону. В Лондоне у меня были друзья, одна супружеская пара: Джон занимался политологией, его жена Норетта - педагог фортепиано, кстати, ученица великого пианиста Артуро Бенедетти Микеланджели. Приезжая в Лондон, я всегда останавливался у этих очень милых, гостеприимных людей. И вот Джон, когда я рассказал ему о лорде Киссине, взял и по собственной инициативе написал ему письмо, в котором оговорился, что, дескать, для артиста перо не самый удобный инструмент и потому пишет он, друг Жени, который в данный момент живет в Америке, но хотел бы вместе со своей семьей обосноваться в Англии, в Лондоне. Ну, и выдал целую россыпь комплиментарных фраз в мой адрес. Вы же понимаете, что мне самому обращаться с такой просьбой к лорду, которого я еще совершенно не знал, было невозможно. И поверьте, я не просил Джона об этом "одолжении", это была всецело его инициатива. Конечно, разговор о моем стремлении жить в Лондоне, у нас с Джоном был, но не более...

Обед на Лазурном берегу

- Меня просто распирает любопытство - как на то письмо отреагировал лорд Киссин?
- В высшей степени положительно. Потом мы с ним перезванивались, и дело кончилось нашей встречей. Лорд жил на юге Франции, недалеко от небольшого городка Ментон, что расположен на Лазурном берегу и куда вскоре меня привели мои гастроли. И лорд со всей своей семьей пришел на мой концерт, и моя мама тут же "опознала" его, сказав, что он очень похож на родного брата моего деда Семена. Я тоже дядю Сеню помнил, но сходства между ним и лордом сразу не усмотрел: лорд был высокого роста, а дядя Сеня маленького. К тому же лорд носил усы, которых у дядя Сени никогда не было. Кстати, несколько месяцев спустя, когда лорд и его жена были в Нью-Йорке и приехали к нам в гости и мы показали им фотографию моего дедушки, у него просто слезы полились из глаз, и он сказал жене: "Смотри, ведь он - просто копия моего брата!".
Как впоследствии мне рассказал лорд, младший брат его Самуил в молодости был троцкистом, но порвал с Троцким после того, как сей милейший господин, увидев беременную жену Самуила, заявил: "Не люблю уродливых женщин!". Когда началась Вторая мировая, Самуил говорил Гарри: "Ты что думешь, что я собираюсь участвовать в империалистической войне?!" - а несколько недель спустя, после подписания пакта между Гитлером и Сталиным, сразу же записался в британскую армию! Сам же будущий лорд, кстати, во время и после войны служил в британской разведке... Но вернемся в Ментон. На следующий день после концерта мы поехали к лорду на обед. Поговорили, что называется по душам и в результате этого разговора определились в степени родства. Все точки над i в тот день были расставлены. Лорд впоследствии оказался совершенно необыкновенным человеком: умным, образованным, интеллигентным, в полном смысле слова блестящим - и при этом очень сердечным! Довольно скоро мы прониклись друг к другу большой симпатией, он действительно почувствовал в нашей семье родных людей, и мы стали с ним очень близки. Если, даст Бoг, у меня когда-нибудь будет сын, - я обязательно назову его Гарри, в память нашего лорда ... В конце того первого нашего обеда на его вилле, лорд спросил: где, мол, вы хотите жить? И с тех пор стал нам помогать перебраться в Лондон.
Но, как говорится, быстро только сказки сказываются. Понадобилось много сил и времени, чтобы моя мечта жить в Англии стала реальностью. К сожалению, не обошлось без назойливого вмешательства прессы: весной 1995 года лондонская "Санди Телеграф" опубликовала статью о лорде и обо мне, которая начиналась с такой фразы: "Что превращает стремящегося в страну иммигранта в национальное достояние?". В этой статье многое было переврано, масса авторской отсебятины и лорд, прочитав ее, очень возмутился. Усугубляло его гнев еще и то обстоятельство, что журналист не сдержал слова, данного лорду в присутствии другого человека, показать текст беседы перед публикацией. Автору статьи Гарри Киссин отправил гневный факс, но с того, как с гуся вода. Журналист отзвонился и, прикинувшись наивным школяром, сказал, что произошло недоразумение, как будто его не так поняли, поскольку он обещал выслать не копию статьи, которую должны напечатать, а сам экземпляр газеты с уже опубликованной статьей. И пообещал выслать газету. Однако до самой смерти (что произошло через два с половиной года) лорд того экземпляра газеты так и не получил. Но публикация не прошла мимо внимания лондонского корреспондента газеты "Известия" Шальнева, который, прочитав статью в "Санди Телеграф", написал по ее материалам статью в свою газету. И в ней говорилось о причинах моего невозвращения в Россию. И гла

Б. Турчинский "МОИ УНИВЕРСИТЕТЫ".

Среда, 04 Мая 2011 г. 09:37 + в цитатник
ГОРДОН-ИЕРУСАЛИМ 018 (244x400, 21Kb)

МОИ УНИВЕРСИТЕТЫ


Родился Борис Романович Турчинский в очень далеком,1952году - "в прошлом веке" в городе Житомире, в семье музыканта Романа Иосифовича Турчинского и, тогда домохозяйки, Сони. С детства все родные и знакомые знали, что я должен стать музыкантом и только! Однако, на виолончель (этот инструмент очень любил отец), меня в единственную (в то время в Житомире была только одна музыкальная школа, а сейчас их пять) 1-муз. школу не приняли. Был большой конкурс. Даже не помню "вердикта" приемной комиссии. Зато на следующий год без проблем я поступил на кларнет. Не буду вспоминать первых учителей, т.к. они не оставили в моей памяти ничего особенного. Но вот дирижера духового оркестра из Дома пионеров, стоит вспомнить. Это Москалев Семен Николаевич. Через его оркестр прошли сотни маленьких музыкантов, многие из которых позднее стали профессионалами. Он был прекрасным человеком, большим интеллигентом и просто умницей.
К каждому мальчику у него был индивидуальный подход, всегда находилось ласковое слово. Очень многие ему благодарны за первые шаги, и в музыке, и в жизни. В том числе и Я.

*****************************************************************************
С 1965 года я воспитанник военного духового оркестра в гор.Вильнюсе. Здесь прослужил до 1968года. Первым моим наставником был замечательный человек, дирижер и опытный педагог, заслуженный артист Литвы - Иосиф Моисеевич Манжух. Думаю именно Вильнюсский период заложил много положительного, что помогло мне правильно ориентироваться в дальнейшем. И.Манжух поощрял и разрешал учиться всем и не только воспитанникам, но и солдатам срочной службы, что было запрещено законом советского времени. Наш оркестр был лучшим в Прибалтийском военном округе. В Вильнюсе я окончил музыкальную школу. Кстати, в 1967 году, будучи в последнем классе, принимал участие в Республиканском конкурсе юных исполнителей на духовых инструментах среди детских музыкальных школ Литвы, который проходил в Укмергесе (30-40км. от Вильнюса). Неожиданно для себя и своего педагога, занял 1-место среди кларнетистов. К сожалению, не могу вспомнить свою программу. В памяти лишь обязательное произведение для всех: «Дивертисмент», В.А.Моцарта. Мою фотографию поместили при входе в Музыкальную школу. Было очень приятно...

****************************************************************************

После 3-лет службы, я вдруг захотел продолжить свое музыкальное образование. Поступаю а Вильнюсское, а затем перевожусь в Житомирское музыкальное училище им.В.С.Косенко. Моим преподавателем был Заяц Валерий Иванович. Во время моего последнего посещения Ровно в 2008 году, я с прискорбием узнал о трагически- последних годах его жизни. Он был удивительный человек, с большим чувством юмора, прекрасный кларнетист и дирижер. С ним всегда было интересно.

****************************************************************************

Год-1971. С довольно хорошими оценками, я окончил Житомирское музыкальное училище и готовился к поступлению в консерваторию, но служба в Красной Армии прервала занятия, правда только на два года. Срочную службу я проходил в оркестре штаба Прикарпатского военного округа (в то время оркестр возглавлял одаренный молодой дирижер – Анатолий Сафатинов).

*****************************************************************************

В 1973 году я поступил в Уральскую консерваторию(Свердловск) в класс доцента И.М.Нестерова, а уже через 2 года, в 1975 году, перевелся в Одесскую государственную консерваторию к проф.Мюльберг К.Э . Калио Эвальдович и поныне в прекрасной творческой и физической форме, несмотря на почтенный возраст. Учебу в консерватории я совмещал с работой в оркестре военного училища у заслуженного артиста Украины, а затем и Народного артиста Украины Салика Александра Яковлевича. Об этом удивительном человеке, хочется вспомнить особо. Он собрал коллектив высокопрофессиональных музыкантов, которому были по плечу произведения любого и симфонического масштаба. Соревноваться с ним не мог никто в Одесском военном округе. К сожалению, он умер в 1998 году.

**************************************************************************

. С 1979 года я возглавил городской духовой оркестр города Житомира. Это были интересные годы. В оркестре работали, в большинстве своём, опытные музыканты. Множество концертов и выступлений на практике помогали осваивать технику дирижирования. Но я всё время ощущал в себе какой-то "диссонанс". Тоска по Одессе. Не хватало друзей и кларнета, калейдоскопа событий, того музыкального мира, которым отличается жизнь большого города. В общем, не хватало ОДЕССЫ. Плохое финансирование ускорили распад этого коллектива. Просуществовав 5-лет, духовой оркестр г. Житомира "приказал долго жить". А жаль! Город в нем нуждался. Отрадно, что сейчас в Житомире созданы и успешно функционируют два духовых оркестра. Я им могу только пожелать творческих успехов и «долголетия».

************************************************************************
Приходилось мне работать и в Житомирском музыкально-драматическом театре. Игра в этом оркестре доставляла удовольствие. Это был своеобразный мир, и особая атмосфера. Выступал я и с другими театральными коллективами: Харьковский, Гомельский, Ровенский, Одесский, Днепропетровский, Московский театр Советской Армии.

***************************************************************************

1986году я прошел по конкурсу на должность преподавателя кафедры духовых инструментов Ровенского института культуры (кларнет, саксофон и дирижирование). В Ровно я не только преподавал, но и руководил студенческим оркестром института. К чести этого города, сейчас тут проходят ежегодные конкурсы и фестивали духовых оркестров, а также конкурсы исполнителей инструменталистов. Носят они имя заслуженного работника культуры Украины, Вячеслава Старченко. Это была, личность многогранная. Выпускник Житомирского музыкального училища по классу тромбона, (преп.Г.Ройтфарб), основатель кафедры, он был отличным организатором и замечательным дирижером. На первый конкурс, в качестве председателя жюри, приезжал великий трубач современности Тимофей Докшицер.

**************************************************************************

С 1990года я в Израиле. Почти все эти годы преподаю в консерватории гор. Петах-Тиква кларнет, саксофон, различные ансамбли и духовой оркестр.

****************************************************************************

В 2007 году я посетил Москву, и этот визит оказался для меня знаменательным. Встретился с друзьями. Среди них многие достигли высокого положения в обществе и в искусстве.

Владимир Шиш – валторнист, выпускник Житомирского музыкального училища 1970 года (преп. М.С.Лукашенко). Сегодня он - профессор Академии музыки им. Гнесиных, заслуженный артист РФ.

Василий Матвейчук - валторнист, выпускник Житомирского музыкального удилища 1971 года (преп.Д.И.Цыбенко). Заслуженный работник культуры РФ, профессор Московского Государственного Университета культуры и Искусств, кандидат искусствоведения, заместитель редактора научно-популярного музыкального журнала ОРКЕСТР.

Сергей Жуков, композитор-выпускник Житомирского музыкального училища 1972 года.
Заслуженный деятель искусств РФ, автор ряда балетов, получивших международное призвание.
Именно в Москве я получил предложение от шефа-редактора журнала «Оркестр», профессора, зав. кафедрой духовых инструментов Московского Государственного Университета культуры и Искусства, Анатолия Леонидовича Дудина, попробовать себя в качестве автора очерка и написать о своем бывшем дирижере Салике Александре Яковлевиче, которого Анатолий Леонидович знал лично.

Первая моя статья рождалась долго и в муках. Вариантов было много. И только с третьего или четвертого раза у меня получилось. После нескольких первых очерков, мне предложили стать нештатным корреспондентом журнала «Оркестр» в Израиле

*****************************************************************************

С ЛИТЕРАТУРНОЙ ПОЛКИ.


(2007-2011) ОЧЕРКИ И СТАТЬИ


«Спасибо тебе Салик!», (под таким заголовком вышла моя первая статья). (Дек. 2007 года, №9).

«Праздник духовых оркестров в Хайфе» (сент. 2008 года, №12.)

«Путь к совершенству» о моем учителе, Калио Эвальдовиче Мюльберге, профессоре Одесской консерватории, кандидате искусствоведения, засл. арт. Украины (сент. 2009 год .№16.)

«И все-таки марши» - о выпускнике Житомирского музыкального училища, дирижере и тромбонисте, заслуженном работнике культуры, доценте, основателе и многолетнем заведующем кафедрой Ровенского института культуры Вячеславе Старченко( дек.2009 год, №17).

«Жизнь, отданная музыке», очерк о выпускнике Житомирского музыкального училища, кларнетисте и дирижере, заслуженном деятеле искусств РФ, профессоре Воронежской Академии музыки и главном дирижере Липецкого симфонического оркестра Гаррий Оганезове (дек.2010год, №20).

«Тромбон Григория Ройтфарба», о выпускнике Житомирского музыкального училища, тромбонисте – виртуозе, Народном артисте Татарстана, Григории Ройтфарбе ( июнь 2010 год, №18).

«Дело его жизни» - о заслуженном артисте Литвы, военном дирижере Иосифе Манжухе (янв. 2010 год. №19).

«Вслушиваясь в его музыку» - об израильском композиторе Борисе Пиговате (апр. 2011 год, №22)

«По Красной площади с оркестром» - об израильском военном дирижере Михаеле Яаране и оркестре Армии обороны Израиля (апр. 2011 год, №23).

А совсем недавно я начал сотрудничать с еще одним журналом в Москве - «Дети и Музыка». По просьбе редакции журнала я написал две статьи.

«Дети и музыка в Израиле», о начальном этапе обучения игре на духовых инструментах в системе музыкального образования Израиля (май 2011год, №1).

А также и о нашем земляке, композиторе и аранжировщике, заслуженном деятеле искусств Украины, руководителе образцового детского ансамбля «Мастерок» (Днепропетровск) Михаиле Некриче.


"Музыка для родных и любимых детей" (май 2011год, №1).

Появлением в журнале «Дети и музыка» этих двух статьей, я обязан своему старому другу по военно-оркестровой службе в Одесском военном округе Сергею Остапенко. Ныне он - заслуженный артист РФ, художественный руководитель и главный дирижер камерного оркестра «Садко», организатор ежегодного Московского фестиваля детского творчества «Дети и музыка» и соавтор одноименного детского музыкального журнала.

**************************************************************************

Детскому музыкальному творчеству я посвятил многие годы своей жизни. Это моя стихия, и, наверное, как бы высоко это ни звучало, мое ПРИЗВАНИЕ!

****************************************************************

Интернет Ссылки:

http://www.liveinternet.ru/showjournal.php?journalid=3166161&tagid=1940747





Борис Турчинский
Преподаватель консерватории г. Петах-Тиква
Собкор научно-популярного журнала "Оркестр" в Израиле
Май 2011 г.


Метки:  

ВСЛУШИВАЯСЬ В ЕГО МУЗЫКУ Борис Турчинский (Израиль xx1)

Вторник, 03 Мая 2011 г. 20:18 + в цитатник
bdbbb7971f48x (160x109, 4Kb)
ВСЛУШИВАЯСЬ В ЕГО МУЗЫКУ
Музыкальный журнал Израиль ХХ1
МАЙ 2011 ГОД. №27

Борис Турчинский


«Наиболее важными событиями своей творческой жизни я считаю премьеру «Холокост-Реквиема» в Киеве в 2001-м году (к 60-й годовщине трагедии Бабьего Яра) и исполнение этого же сочинения в Новой Зеландии в 2008-м году в программе концерта «70 лет событий «Хрустальной Ночи» (в память о событиях, с которых началась трагическая история Холокоста). Также для меня очень важна премьера «Песен моря» в Карнеги-Холле и исполнение симфонической картины «Ветер Йемена» такими замечательными духовыми оркестрами, как Tokyo Kosey Wind Orchestra (2004 год, международный фестиваль в Токио) и «La Armonica» (Буньоль, Валенсия, 2010 год, концерт «Mano a mano»).
Так вкратце ответил израильский композитор Борис Пиговат на мой вопрос о главном в его творческой биографии. Вообще же он так глубок и интересен, что одним коротким вопросом и одним коротким ответом не определить этого мастера и не постичь его творчество.
Справка
Борис Зеликович Пиговат — композитор, преподаватель, доктор Бар-Миланского университета (2002 г.), член Союза композиторов Израиля. Родился в Одессе, закончил теоретико-композиторское отделение Московского музыкального училища имени Гнесиных, затем Московский музыкально-педагогический институт имени Гнесиных по классу композиции у профессора Н.И.Пейко.
Так пишет о Борисе Пиговате Википедия и делает забавную, но довольно показательную ошибку. Потому что правильно не Бар-Миланского, а Бар-Иланского университета.
Не все в мире знают об израильском университете Бар-Илан, хоть он престижный и довольно известный, зато о Милане – городе-законодателе высокой моды и высокого искусства, «Париже на Апеннинах», знают все! Отсюда и эта ошибка по созвучию…
Этот небольшой казус заставил задуматься о звуках и созвучиях, ассоциациях, без которых в музыке не может быть ничего, – без воображаемых картин, которые рисует в сознании её звучание. У каждого слушателя ассоциации свои, и пояснять их не нужно. В этом вся волшебная притягательность музыки… В музыке ничего не надо объяснять!
… Ну, разве что иногда, и самую чуточку.
Однажды, под впечатлением потрясающей игры великого кларнетиста Гиоры Фейдмана Борис Пиговат написал сочинение «Цфат» – клезмерскую рапсодию для тромбона и духового оркестра; это сочинение было посвящено Фейдману. (Читателю стоит пояснить, что Цфат – это город на севере Израиля, где ежегодно проходит фестиваль клезмеров.) Позже была сделана версия для скрипки с оркестром, которая тоже очень понравилась Фейдману, и он захотел ее играть как со струнным оркестром, так и со струнным квартетом. Только он попросил пьесу переименовать – за пределами Израиля не знают, что такое Цфат, и поэтому ее лучше назвать в соответствии с характером музыки – «Еврейская свадьба». Так композитор и сделал.
- Борис, с чего все начиналось? Кто первым увидел в Вас будущего композитора, кто подсказал Вам этот путь? Интересно было бы узнать о Ваших первых учителях!
- После того, как меня не приняли в школу имени Столярского (я не повторил точно предложенные мне ритмические рисунки), я поступил в класс скрипки обычной одесской районной музшколы – ДМШ №4.
Но сказать «обычной» было бы неправильно, ибо во главе этой школы стоял совершенно необыкновенный человек – Владимир Данилович Стаховский, великий энтузиаст музыкального образования. При нем в школе был класс композиции, выпускники получали уроки хорового дирижирования (с возможностью продирижировать школьным хором), а сам он организовал особую группу по теории музыки и сольфеджио, куда мне посчастливилось попасть. Там мы получали знания и навыки, соответствующие объему первого курса теоретического отделения музыкального училища. Именно Стаховский убедил моих родителей дать мне возможность попробовать поступить на учебу в Гнесинское музыкальное училище в Москве.
- Ваши первые сочинения пришлись на годы обучения в музыкальном училище? Ведь надо сказать, что в Советском Союзе, в отличие от других стран, было то среднее звено музыкального образования, та кузница, которая давала довольно высокий профессиональный уровень, обеспечивала многие оркестры талантливыми музыкантами, а детские музыкальные школы - преподавателями. Что осталось у Вас в памяти об этих годах?
- В музыкальном училище я прошел прекрасную подготовку. Знания, полученные там, помогли мне в вузе, в Гнесинке, отдавать минимум времени подготовке к занятиям и экзаменам по музыкально-теоретическим дисциплинам и максимально сосредоточиться на композиции, инструментовке (в классе профессора Николая Ивановича Пейко) и полифонии (которая в классе профессора Генриха Ильича Литинского была, фактически, еще одним курсом композиции).
Дополнительным фактором моего музыкального образования в тот период была интенсивная концертная жизнь Москвы. Первые два года в училище я занимался по композиции у Олега Константиновича Эйгеса – прекрасного музыканта, композитора и пианиста (позднее он перестал преподавать). Из сочинений училищного периода сохранились два – это «Маленький Принц» и «Соната-Баллада», которые впоследствии были изданы.
Однако композитором меня сделали годы учебы в классе Н.И. Пейко. Я счастлив, что судьба даровала мне общение с этим необычайно строгим (иногда даже суровым) и принципиальным учителем. Даже сейчас, во время работы над сочинением, я стараюсь увидеть свою работу его глазами и убрать все лишнее или недостойное.
Если говорить о значительном творческом успехе в период учебы, то это моя кантата «Хатынь» для хора, фортепиано и ударных инструментов. Работа победила на Всесоюзном студенческом композиторском конкурсе. Тогда же произошло еще одно знаменательное для меня событие. Готовя исполнение кантаты силами студентов института, я обратился за содействием к ударникам – ученикам класса Владимира Павловича Штеймана. Так я стал в этом классе «своим человеком», сделал обработки для ансамбля ударных инструментов таких произведений как «Протяжная» К.Лядова и 4-я часть «Испанской Рапсодии» Н. Римского-Корсакова.
Для Володи Калабанова – одного из лучших учеников Штеймана в тот период – я написал пьесу для вибрафона соло, которую потом, как я узнал совершенно случайно, уже будучи в Израиле, использовали как обязательное произведение на одном из Всероссийских конкурсов. Если бы не эти контакты с классом Штеймана, партии ударных инструментов в моих партитурах выглядели бы по-другому.
Кажется, я был на третьем курсе, когда кафедры композиции и духовых инструментов решили, что студенты-композиторы должны написать небольшие сочинения для духовых инструментов. Я написал одну пьесу для трубы (класс Т.А. Докшицера) и еще одну – для тубы (класс В.Н. Досадина). Так началось мое вхождение в доселе малознакомый мне мир духовых инструментов.
Где эти пьесы сейчас, я не знаю. Тогда не было возможности скопировать, я отдал оригиналы исполнителям, а черновики не сохранил. Может быть, где-то эти ноты лежат – мне было бы интересно на них взглянуть сейчас. А на четвертом курсе я написал одночастный концерт-поэму для саксофона и струнных (плюс три тромбона и туба) и «набрался наглости» попросить исполнить это сочинение известную советскую саксофонистку Маргариту Шапошникову. И, что удивительно, – она согласилась! И прекрасно сыграла, правда, не с оркестром, а с фортепиано.
- На годы учебы в Москве пришёлся заметный творческий успех. Давайте поподробнее об этом. Сохранились ли у Вас творческие связи с российскими исполнителями, композиторами и дирижерами?
- У меня в Москве есть старинный друг, еще со студенческой скамьи – композитор Владимир Довгань, удивительной душевной чистоты человек и очень глубокий, серьезный и искренний композитор. Я очень люблю его музыку, в ней есть подлинность чувства и мысли, чего мне так часто не хватает в современной музыке.
Уже из Израиля я установил очень хорошие творческие контакты с музыкантами из Саратова – профессором класса трубы Саратовской Академии музыки, создателем и бессменным руководителем духового оркестра «Волга-Бэнд» дирижёром Анатолием Селяниным, дирижёрами Аркадием Шуром и Кириллом Ершовым, а также руководителем Brand Brass ансамбля Олегом Абрамовым. «Волга-Бэнд» - прекрасный музыкальный коллектив, обладающий высочайшим исполнительским уровнем. Этот оркестр исполнил почти всё, что мной написано для духового оркестра. А для ансамбля Brand Brass я сделал камерную версию моей оркестровой пьесы «Посвящение Шагалу», которую он играл как в России, так и за рубежом. Мои сочинения исполнялись также в Оренбурге.
Благодаря живущему в Израиле дирижеру Льву Арштейну у меня завязался творческий контакт с очень хорошим коллективом – симфоническим оркестром Белгородской филармонии. Они уже играли мою симфоническую поэму «Восхождение», и я надеюсь на дальнейшее плодотворное сотрудничество.
- Волею судьбы Вы оказались в Таджикистане, в Душанбе. Как Вы попали туда и чем знаменателен для Вас этот период жизни - прежде всего, естественно, творчески?
- Как я попал в Таджикистан? Очень просто. Будучи студентом, женился на однокурснице, жительнице Душанбе, и после окончания института им. Гнесиных мы распределились в Таджикистан.
В течение двенадцати лет я там преподавал, работал консультантом в Союзе композиторов, и даже какое-то время – вторым дирижером оркестра народных инструментов Таджикского телевидения и радио.
Что мне как композитору дал этот период жизни? Главное – умение воспринять и прочувствовать закономерности незнакомого для меня музыкального пласта (можно даже сказать, музыкального мира) с тем, чтобы потом преломить эти характерные черты сквозь призму моего собственного стиля. Я думаю, без этого приобретенного мной опыта не было бы таких моих произведений как «Ветер Йемена», «Изгнание», «Из 1001-й ночи» и некоторых других.
- В 1990 году Вы репатриировались в Израиль. Как сложилась Ваша судьба в первые годы? Как сегодня Вы себя чувствуете в этой стране?
- Первые два года я провел в кибуце Дафна рядом с ливанской границей. Удивительной красоты место! Там мы учили иврит, там я начал работать на обувной фабрике – отливал резиновые сапоги для конного спорта. Государство дало нам финансовую помощь для проживания, но необходимо было заработать на первый взнос для покупки квартиры. Работать приходилось с 4-х утра до 4-х дня. Вообще-то рабочий день – 8 часов, но сверхурочно платили больше.
После работы я немного отдыхал и приступал к сочинительству. Я не стеснялся того, что работаю не по специальности. И я, и все окружающие прекрасно понимали, что это временный этап в жизни и что я иду обычным путем репатрианта, прежде чем обрету свое место в новом для себя мире. Недаром в Израиле бытует выражение: «Любая работа приносит уважение выполняющему ее».
И действительно, через два года я уже начал работать как музыкант, - продолжает свой рассказ Борис Пиговат. - Министерство по делам репатриантов и Министерство культуры разработали специальную программу трудоустройства композиторов из бывшего СССР. Были созданы особые композиторские ставки при израильских детских музыкальных учебных заведениях – консерваториях (не путать с консерваториями в России! Тут, в Израиле, их называют «консерваторион»). Это была должность вроде «composer-in-residence» (в переводе с иврита – «домашний композитор»), и я начал работать таким «домушником» и дирижером струнного оркестра в консерваторионе в маленьком городке Кирьят-Бялик на севере Израиля, рядом с Хайфой.
Продолжаю там работать и сейчас. Этот оркестр – моя творческая лаборатория. Почти все мои сочинения для струнного оркестра были сначала исполнены этими детьми, и лишь потом – профессиональными оркестрами в Израиле и за его пределами.
Сейчас из всей музыки, написанной до приезда в Израиль, я оставляю в общем списке всего 6-7 произведений, которые по своему уровню могут приблизиться к «постсоветским» опусам. Объяснить это иначе, чем общим воздействием новой действительности, иной земли, иной атмосферы, я не могу, так как поначалу, переехав в Израиль, никакого музыкального влияния я не испытывал.
Первые два года, живя в кибуце Дафна, я был оторван от музыкальных центров и коллективов. Тем не менее, даже вещи этих лет уже значительно отличаются от всего, что я писал раньше: словно были сорваны какие-то запоры и высвободились ранее скованные силы.
И судьба у произведений, созданных в Израиле, тоже другая. Я недавно прикинул, что эти сочинения прозвучали более чем в 25 странах – в исполнении как израильских, так и местных музыкантов. У меня ощущение, что эта земля помогает тем, кто ее любит; она раскрепощает человека, выявляет и усиливает его скрытые потенции. Я благодарен Израилю ещё и за то, что именно здесь мною написано произведение, которое я считаю самым важным своим созданием – Реквием «Холокост» для альта и симфонического оркестра.

Аспирантуру я закончил в институте им. Гнесиных – заочно, у Н.И. Пейко в 1983-1986 годах. Завершал «Скорбной музыкой» для симфонического оркестра. А в Израиле я защитил докторскую диссертацию в Бар-Иланском университете, у профессора Андре Хайду. Композиция - оратория «Плач Иеремии». Теоретическое исследование - «Мелодические модели в «Страстях по Луке» К. Пендерецкого».
- Наш журнал во многом обращен к знатокам и любителям духовой музыки. Исходя из этого, хочется узнать, сколько произведений написано Вами для духовых инструментов?
Мною написано довольно много сочинений для духового оркестра, причём, все – после 1997 года. До этого периода мое отношение к этому составу было прохладным. Для меня это был оркестр, исполняющий марши, попурри, вальсы, фантазии на темы песен и тому подобное.
Все изменилось, когда я познакомился с одним замечательным человеком – дирижером оркестра консерватории израильского города Петах-Тиквы Михаилом Дельманом. Он открыл для меня совершенно новый и удивительный мир современного духового оркестра.
Я вдруг узнал, что есть замечательные профессиональные коллективы, играющие не только произведения, изначально написанные для этого состава, но уже давно практикующие исполнение блестяще сделанных переложений таких сочинений, как «Море» Дебюсси, 3-я симфония Малера, «Испанское каприччио» Римского-Корсакова, «Ромео и Джульетта» и «Франческа да Римини» Чайковского. Эти партитуры сделаны так, что не ощущается недостатка от отсутствия струнной группы. Тем более что в ряде духовых оркестров, помимо давно узаконенных контрабасов, уже существует и группа виолончелей. Подобные оркестры уже называются по-другому – Symphonic Wind Band, Symphonic Band, Wind Symphony.

Я начал фактически заново учиться оркестровать для духового оркестра, а точнее - стал по-другому мыслить для этого состава. Здесь есть огромный потенциал для композитора, тем более что такие оркестры испытывают острую потребность в качественных оригинальных симфонических, подчеркиваю - симфонических по духу, материалу и уровню развития - сочинениях.
Изначально свои произведения я писал для духового оркестра консерватории Петах-Тиквы, где я уже более 10 лет работаю как composer-in-residence. Это молодой, но прекрасный коллектив, с высоким исполнительским уровнем подготовки, и сочинять для него – подлинное удовольствие. Иногда кажется, что эти ребята не знают слова «невозможно». Произведения, которые я писал для них, затем хорошо оценивались профессиональными дирижерами, например, Деннисом Джонсоном, до недавнего времени – председателем WASBE, Всемирного объединения духовых оркестров и ансамблей. Они оценивались по существующей шестибалльной шкале как соответствующие уровням 5, 5+ и 6. Для детей это был «этгар» - «вызов», они его принимали и справлялись! А уже потом эти произведения исполнялись профессиональными и университетскими, что близко по уровню, оркестрами Америки, Европы и даже Японии (Tokyo Kosei Wind Orchestra на фестивале ACL в Токио в 2003 году).
Сейчас я тоже стал членом WASBE, контактирую со многими дирижерами и оркестрами. Что же касается детского оркестра из Петах-Тиквы, с которого все началось, то я по-прежнему продолжаю с ним работать, вижу в нём серьёзного партнёра, оркестр осуществляет почти все мои премьеры (за исключением поэмы «Песнь моря», которую я написал по заказу Денниса Джонсона для его концерта в Карнеги-холле, и недавно исполненной им же «Идиллии»). Их исполнение нельзя назвать «детским», а можно только «молодым» - столько души, эмоционального огня и просто старания они в это вкладывают! Оркестром записано четыре диска, на которых звучат и мои сочинения.
Справка
Оркестр консерватории Петах-Тиквы является лауреатом многих престижных конкурсов и фестивалей духовой музыки, постоянно занимает первые места на конкурсах в Израиле, среди его достижений - первые места в Керкаде (Нидерланды), Цюрихе и Интерлакене (Швейцария), второе место в Валенсии (Испания). Оркестр побывал с концертами в США (Чикаго), в Норвегии, Австрии.
Среди выпускников оркестра консерватории - М. Тимошин и А. Вайнер (флейта), солисты оркестра армии обороны Израиля, лауреаты Всеизраильского конкурса молодых исполнителей, С. Бергер (валторна) — музыкант ансамбля современной музыки во Франкфурте, Ш. Брил (кларнет) — выпускница Академии музыки в Любеке (Германия), победительница на женевском конкурсе в 2007 году, Б. Керцман (труба) — музыкант Штаатсопер (Германия), М.Меерович - солистка-кларнетистка симфонического оркестра гор. Бэер-Шева.
Об уровне оркестра консерватории говорит и его репертуар. Взять хотя бы произведения, исполняемые коллективом в этом году: М.П.Мусоргский, увертюра «Ночь на лысой горе»; И.С.Бах «Чакона» из 2-й партиты ре-минор (аранжировка М.Дельмана); Г.Малер 5 симфония (1 ч.), также в аранжировке М.Дельмана и другие произведения. Большую поддержку коллектив оркестра получает от дирекции консерватории в лице Э.Алона и мэра города Петах-Тиква И.Охайона.

Борис Пиговат сыграл заметную роль в истории знаменитого саратовского «Брандт Брасс ансамбля», написав произведение для его репертуара. Сегодня это один из популярнейших коллективов своего жанра в России. «Брандт Брасс ансамбль» уверенно и многозначительно зарекомендовал себя на международных конкурсах и фестивалях. Это единственный музыкальный коллектив России, который работает в жанре брасс-десятки. Специально для участия саратовских коллег в «Брасс Фестивале» в Германии Борис Пиговат сделал камерную версию «Еврейской рапсодии» (посвящение Марку Шагалу), мировая премьера которой состоялась на заключительном концерте фестиваля. Саратовские музыканты сразу признали, что музыка Пиговата очень яркая и эмоциональная, пропитанная экзотическими израильскими мелодиями.
«Мы и сейчас работаем над созданием новых совместных произведений и надеемся уже в новом сезоне порадовать слушателей премьерами произведений Бориса Пиговата, - рассказали корреспонденту коллеги израильского композитора в Саратове, - Сначала мы познакомились с его музыкой. На еврейском концерте оркестра «Волга-Бэнд» исполнялось очень много произведений Пиговата. Нас поразила глубина этой музыки! И в то же время, мы поняли, что на его произведениях мы можем показать технические, звуковые возможности своего ансамбля. Характерно, что мы ни разу не виделись с этим композитором лично. Но интенсивно общаемся по электронной почте и по телефону. Он постоянно интересуется, что у нас нового, а мы стараемся показывать его произведение «Посвящение Марку Шагалу», написанное для нас, практически везде. Пиговат очень востребован не только в Израиле. Мы обсуждаем рождение новых произведений, не хотелось бы размениваться на какие-то миниатюрки, хочется таких глобальных вещей, как дарит нам этот композитор!»
- Вы неоднократно в своем творчестве обращаетесь к теме Холокоста. Что она для Вас? Почему так трогательно близка Вам эта тема? От себя лично скажу, что, слушая «Бабий Яр», я был потрясен и покорен красотой музыки, глубиной ее психологического содержания. Воздействие на слушателя огромно, это заставляет нас, не знавших ужасов Холокоста, содрогнуться и замереть в памятном молчании.
- Я так отвечу на этот вопрос. Трагическая тема — вечная тема в искусстве и мощная подпитка творчества композиторов, музыкантов, художников…
Из газет:
В Национальной филармонии Украины прошел вечер посольств Израиля и Германии, посвященный трагедии Бабьего Яра. На вечере был исполнен Реквием «Холокост», который написал израильский композитор Борис Пиговат.
- Наше посольство решило сделать несколько проектов в области культуры, связанных с этой печальной датой, — рассказала посол государства Израиль в России Анна Азари. - Параллельно и не зависимо от нас немецкое посольство тоже собиралось провести концерт в эти дни. Мы объединили творческие усилия, и получилась международная акция. Национальный симфонический оркестр Украины и дирижер Роман Кофман — из Украины, солист-альтист Райнер Мог — из Германии, Реквием «Холокост» написал израильский композитор Борис Пиговат, а симфония «Желтые звезды» — детище знаменитого российского композитора Исаака Шварца.
Борис Пиговат не скрывал своего волнения оттого, что мировая премьера его произведения состоялась именно в Киеве. Он рассказал о том, что, когда писал «Реквием», то пережил огромную внутреннюю боль, которая выплеснулась в музыке. Работа растянулась на полтора года и шла очень мучительно. К этому примешивались и личные переживания композитора: ведь в Бабьем Яре – могила его близких родственников, убитых нацистами 29 сентября 1941 года.
Свое сочинение он построил по традиционной структуре католической поминальной мессы и в характере особой Поминальной молитвы («Изкор») памяти 6 000 000 погибших в Холокосте, которая, по еврейской традиции, читается четыре раза в год. Поэтому Реквием «Холокост», безусловно, относится и к общеевропейской, и к еврейской религиозной традиции.

Из газет:
Реквиему «Холокост» мы предрекаем большое сценическое будущее! Сочинение Бориса Пиговата сложное, но без вычурности, и в то же время простое, но без примитива, сердечное, искреннее — высокого класса!
Как и со своими новыми друзьями – саратовскими музыкантами, с маэстро Романом Кофманом Борис Пиговат познакомился вначале заочно, по телефону. Затем Борис приехал в Киев и присутствовал на всех репетициях Симфонического оркестра филармонии Украины. Композитор из Израиля высоко оценил мастерство своих коллег – украинских музыкантов. «Очень важно, что они приняли мою музыку и тепло отнеслись к ней. Это чувствуется по их трепетному исполнению «Реквиема», — сказал композитор.

Из газет:
Посол Федеративной Республики Германии господин Дитмар Штюдеманн подчеркнул: «Наш вечер показал, что мы хорошо понимаем друг друга и подобными акциями создаем прочный культурный мост, объединяющий народы разных стран. Ведь музыка безгранична, она понятна каждому и обладает огромной эмоциональной силой».

В зале присутствовали представители многих государств. После концерта зрители подходили к дирижеру Роману Кофману и композитору Борису Пиговату со своей благодарностью, и чаще всего на разных языках звучали слова «великолепно, замечательно!», «Это удивительная музыка, спасибо, что вы познакомили нас с ней!»
- Расскажите о Вашей творческий дружбе со всемирно известным кларнетистом Гиорой Фейдманом — лучшим исполнителем клезмерской музыки.
- Эта история началась около десяти лет назад, тогда я познакомился с величайшим кларнетистом Гиорой Фейдманом: он подарил мне свой компакт-диск, и на этом пока наше общение закончилось. Во всяком случае, когда мы встретились спустя семь лет, он об этом не помнил. А для меня слушание его диска стало откровением. Под впечатлением от его потрясающей игры я написал сочинение «Цфат» – клеймерскую рапсодию для тромбона и духового оркестра. (Об этом уже говорилось выше, как и о городе Цфате, где ежегодно проходит фестиваль клезмеров.)
Я выбрал тромбон по простой причине – в консерваторионе Петах-Тиквы был в это время очень хороший тромбонист - Дотан Дор. Впоследствии я сделал еще одну версию – для скрипки и струнного оркестра. Гиора Фейдман ничего об этом произведении не знал, в течение семи лет мы с ним никак не пересекались. И вот, когда мы встретились года три назад, я дал ему послушать версию для скрипки с оркестром. Она ему очень понравилась, и он захотел ее играть.
Кроме просьбы переименовать пьесу в соответствии с характером музыки, последовало ещё одно пожелание. На такие вещи композиторы обычно соглашаются неохотно – вместо написанной мной медленной вступительной части Фейдман хотел играть собственную импровизацию. И теперь это сочинение существует в двух вариантах – основном и «версии для Гиоры». Именно так написано в партитуре и партиях – чтобы не перепутать!

* * *
Читая ответы Бориса на мои вопросы, я поразился одной мысли.
Сколько знаменитых в будущем музыкантов, да и вообще - профессионалов в других областях жизни - тоже не поступали с первого раза в выбранные ими учебные заведения - а потом становились знаменитостями на своем поприще!
Вспоминается, как Петр Соломонович Столярский, в чью школу в свое время не поступил Борис Пиговат, отыскивал юные таланты. Уверен: поступи Борис в его школу - был бы Столярский в судьбе Бориса одной из самых знаковых фигур! И творческая судьба Пиговата, возможно, была бы в чем-то другой, может быть, еще более успешной.
Столярский был необыкновенный педагог. Он брал детей на «музыкальное воспитание». Он неизменно приговаривал: «Хорошему материалу нужен хороший портной». Жаль, не случилось этому портному «кроить» такой блестящий, хоть и грубоватый поначалу, материал, каковым был маленький Боря Пиговат…
* * *
- Вы являетесь лауреатом многих престижных международных и израильских премий и наград. Расскажите, пожалуйста, о своих наградах.
- Многих наград – это очень громко сказано. Еще живя в СССР, я послал свое сочинение для квартета тромбонов на конкурс в Венгрию, где получил почетный диплом. Фактически это было третье место, так как первую премию никто не получил. А уже в Израиле я дважды получал премию ACUM (это аналог американского ESCAP) и премию Премьер-министра Израиля. Пока это все мои престижные награды.
Справка
Сочинения Бориса Пиговата: оратория «Eichah» («Плач Иеремии») для чтеца, сопрано, хора и симфонического оркестра (2001); Симфония № 1 «Мемориал» для симфонического оркестра (1987); Симфония № 2 для струнного оркестра (1989/90); «Musica Dolorosa» для камерного оркестра (1987); «Иерусалим» – фантазия для симфонического оркестра (1993); «Tachanun» («Мольба») для симфонического оркестра (1996); поэмы для симфонического духового оркестра «Массада» (1997), «Dies Irae» (2001), «На горе Синай» (2004); «Четыре сказки» для симфонического духового оркестра (2005); «Нигун» для струнного оркестра (1996); «Токката» для струнного оркестра (1997), Соната для фортепиано (1988); «На реках Вавилона» – для смешанного хора а капелла (1991); «Молитва» для скрипки (или альта) и фортепиано (1994); «Шуламит» для флейты, фагота и арфы (1996); «Блуждающие звезды» для арфы (1999) и др.
Много разной музыки написано композитором Борисом Пиговатом! Но он выделяет из всего многообразия своих сочинений лишь некоторые - как самые любимые. Почему? На этот вопрос убедительно даже он не всегда может ответить словами. Чтобы это понять - просто вслушайтесь в его музыку!

Метки:  

Борис Турчинский "Дети и музыка в Израиле".

Вторник, 12 Апреля 2011 г. 02:59 + в цитатник
4242 (120x149, 6Kb)
Как известно, Израиль – земля древняя, но государство молодое, здесь многое недавно начато с нуля, в музыкальной культуре и образовании.
В страну прибывали музыканты из разных стран. Воспитанные каждый на своей культуре, они привносили разнообразные методики в музыкальном образовании. Наиболее сильное влияния оказали немецкая и русская композиторская и исполнительская школы. А структурно израильская система образования ближе к американской



Что такое «халилит»?

Израильские дети, желающие получить специальное музыкальное образование, занимаются в музыкальных школах или с частными преподавателями.
В музыкальные, школы-консерваторионы, принимают детей с шести лет. Там преподают игру на различных музыкальных инструментах, ритмику, теорию музыки и балет
В стране есть также ряд музыкальных общеобразовательных школ, дающих полное среднее образование. Во многих молодежных клубах и общественных центрах действуют кружки по обучению игре на различных инструментах. Многие дети младшего возраста учатся игре на блокфлейте – часто не столько для приобретения навыков игры, сколько для расширения музыкального кругозора.
Возьмем для наглядного примера город Петах-Тикву, где я работаю уже 20 лет.
Расскажу, как у нас построена учеба. Приблизительно так же это работает во всех других городах.


На тромбоне и валторне.

Музыкальное образование в консерваториях Израиля платное. Раз в неделю - урок по избранному инструменту, теория и история музыки и оркестр.
Чтобы ребенок сам захотел обучаться игре на тромбоне, тубе, валторне - такого, как правило, не бывает. Обычно все хотят играть на флейте, кларнете, саксофоне, ударных инструментах. Поэтому от консерваторий в некоторых общеобразовательных школах города работают утренние проекты.
Эти уроки называются «оркестровые инструменты», они введены в школьное расписание всех четырёх начальных классов.
Работают 4-5 преподавателей. Каждый ведет группу из 3-5 учеников. Обучение два раза в неделю по 45 минут.
Работа учителей оплачивается частично министерством просвещения, частично муниципалитетом. Через полгода начинает функционировать оркестр. К концу первого года дети и родители должны решить, продолжает их ребенок дальше обучаться музыке или нет.
Затем часть детей переходит в собственно консерваторию, где начинает осваивать инструмент более глубоко и основательно. Те из учеников, кто перешел в консерваторию на индивидуальное обучение, продолжают играть в школьном оркестре, но это уже более подвинутый коллектив, которому в дальнейшем по плечу и более серьезные - по сравнению с младшей группой оркестра – произведения. Вот, откуда берутся тромбонисты, валторнисты, тубисты и исполнители на других, менее распространённых инструментах.
Некоторые школы работают в другом направлении: скрипка и виолончель. Там также все построено по вышеописанному принципу

Многое зависит от местной инициативы.

Не так давно я поместил в Интернете рассказ об уникальном израильском музыкальном коллективе – Оркестре Армии обороны Израиля. Статья называется «По Красной площади с оркестром». Такого оркестра, пожалуй, нет больше нигде в мире, так как все ребята – 18-19-летние солдаты срочной службы. Каждые полгода-год здесь происходит ротация, но у главного дирижера Михаэля Яарана нет дефицита исполнителей, так как вновь и вновь приходит пробоваться очень много музыкальной молодежи. Это говорит о многом, и главное – о том, как любят музыку в израильских семьях, как приобщают детей к музыкальной культуре, как стараются дать им музыкальное воспитание.
.
В Израиле существует большое разнообразие форм музыкального образования. Одной из них можно было бы назвать так называемые «Бейт-сефер менаген» (дословно – «играющая школа») - такие есть во многих городах Израиля. Это только утренние, без связи с консерваториями, проекты в школах, оркестры которых играют на всех школьных (впрочем, и не только) мероприятиях. Они бывают самые разные – духовые, народные (восточная музыка), оркестр блок-флейт, в их состав могут входить синтезаторы, ударные инструменты.
Кроме того, есть, так называемые «Бейт-тизморет» (оркестровый дом) - там проводится обучение игре только на духовых инструментах утром, а затем – послеобеденные занятия по теории музыки, индивидуальные занятия и оркестр. Есть и консерватории, не имеющие утренних проектов, - отчего они, скорее, только проигрывают. Как правило, они малочисленны и с небольшими оркестровыми коллективами, а в некоторых все сводится только к индивидуальным занятиям и ансамблям малой формы.
Как возникают эти музыкальные проекты, и в каких городах, поселках или кибуцах они находятся, зависит от многих факторов. Это может быть заинтересованность местных властей или личное желание директоров школ. Ведь все это стоит денег. Надо платить преподавателям зарплату, необходима материальная база. Приобретение инструментария и уход за ним. За последние 20 лет, с приездом большой репатриации из бывшего СССР, число таких проектов многократно возросло, что подняло общую культуру страны и дало
полноценную работу многим музыкантам.


Страницы истории.

Начало профессионального музыкального образования в Израиле является, в значительной мере, результатом усилий Шуламит Руппин. Ее институт открыл свои двери в Яффо, близ будущего Тель-Авива, в 1910 году, и в числе его преподавателей поначалу было много профессиональных музыкантов, специально приглашенных из Европы.
Во главе организации, которая стала называться «Шуламит», после безвременной кончины Шуламит Руппин, встал скрипач из Женевы Моше Hopeнкo. Первые группы студентов были численностью 30-75 человек. Родители с удовольствием направляли на учебу в это учебное заведение своих детей, студенческие концерты стали заметным социальным и культурным явлениям в Яффо. Они заполнили для многих эмигрантов культурный вакуум, так как в Израиль в то время приезжало много людей из Европы, привыкших посещать хорошие концерты классической музыки.
В Тель-Авиве, что строился на песках близ Яффо, было тогда 1800 жителей, и едва ли не треть его жителей посылала своих детей изучать музыку. Этот удивительно высокий процент оставался стабильным до 1930-х годов, когда с резким ростом населения города выросло и число студентов .
В 1972 году ветви музыкального образования школы «Шуламит» протянулись и в Иерусалим.
1980-е годы были ознаменованы ростом новых районов в Иерусалиме, жители которых также приобщали своих детей к музыкальному образованию. Обнаруживалось много новых талантов, и в течение нескольких лет число студентов иерусалимского отделения перевалило за пятьсот. Были сформированы оркестр для женщин, профессиональный струнный оркестр, оркестр камерной музыки, студенческие и другие оркестры.












Основа – среднее образование

При поступлении в высшее музыкальное заведение Израиля – музыкальную академию - непременно требуется документ о среднем образовании, как и при поступлении на любой факультет университета. Проводятся экзамен по специальности. Необходимо сыграть концертную программу, состоящую из сонаты или концерта, этюда, нескольких пьес; записать на слух двухголосный диктант. Он самый. Куда без него?
Необходимо заметить, что изучению теоретических дисциплин уделяется большое внимание.
Как и в российские музыкальные школы, в израильские консерваторионы, на обучение по классу духовых инструментов детей принимают с 10 лет. До 18-летнего возраста он изучает на протяжении пяти лет сольфеджио и историю музыки, а на протяжении всей учебы участвует в оркестре и в ансамблях. Также есть три очень ответственных экзамена (помимо ежегодных академконцертов). После третьего, пятого года обучения. И конечно, государственный экзамен.
Он у нас в Израиле совпадает с последним классом в общеобразовательной школе. Оценка, полученная на государственном экзамене по музыке, входит в общий аттестат. Это может быть 5 или 3 единицы, в зависимости от исполнительских возможностей ученика, что поднимает общую среднюю оценку аттестата. Требования для государственного экзамена довольно сложные. Я бы их приравнял к аналогичным требованиям в музыкальных училищах России.





Академия музыки им. Бухмана-Мэта в Тель-Авиве.

Конечно, высшая цель получающих профессиональное музыкальное образование в Израиле – музыкальная академия. А их в Израиле две -Тель-Авивская и Иерусалимская. Расскажем немного об одной из них и о ее ректоре.
Новый ректор музыкальной академии Бухмана-Мета Тель-Авивского университета доктор Томер Лев меньше всего похож на важного академика. Да и вообще, на типичного ректора – крупного, седовласого, величественного – не походит. Томер Лев молод, ему нет и сорока, изящен, гибок, прост и приветлив.
Он и сам выпускник фортепианного факультета Тель-Авивской академии, получил докторскую степень в Нью-Йорке. Как пианист он много выступает в качестве солиста и ансамблиста. Томер Лев также превосходный лектор: он предваряет вступительным словом все концерты студенческого симфонического оркестра, а его беседы в цикле концертов-лекций "Венское чудо", где он играет и рассказывает, пленяют поэтичностью слога, тонкостью наблюдений, недюжинной эрудицией и артистическим обаянием.
Главным же направлением своей деятельности доктор Лев считает совершенствование высшего музыкального образования. В Израиле имеются два учебных заведения, которые готовят музыкантов высшей квалификации, и оба до сегодняшнего дня именуются академиями музыки.
Академии в Иерусалиме носит имя Самуэля Рубина, первого мецената высшего музыкального образования еврейского населения тогда еще подмандатной Палестины.
Причем, если иерусалимская академия музыки и танца Рубина – отдельное, самостоятельное учреждение, то музыкальная академия Бухмана-Мэта в Тель-Авиве – составная часть университета. Имя дано в честь крупного мецената из Германии Йосефа Бухмана и главного дирижера Тель-Авивского симфонического оркестра Зубина Мэта.
Для сравнения: в Соединенных Штатах высшее музыкальное образование получают на музыкальных факультетах университетов (большей частью композиторское, дирижерское и музыковедческое образование), а также в двух самых престижных заведениях: Джульярдской школе в Нью-Йорке и институте Кертиса в Филадельфии.



Об отношении государства к подготовке музыкантов

Государственные инвестиции в культуру – это не деньги на ветер, это вложение в будущее. ЮНЕСКО рекомендует вкладывать в культуру 1 процент государственного бюджета, а в Израиле после всех недавних сокращений – это даже и не процент, а всего 0,002 процента. И, несмотря на это, уровень музыкантов, учившихся в Израиле, очень высок. Израиль остается экспортером обучения талантов, что приносит государству немалые материальные и моральные дивиденды. Ведь артисты, музыканты – это лицо страны. Наши выпускники завершают образование и преподают в самых знаменитых академиях мира, выступают на самых престижных концертных эстрадах.







Мой личный путь и мой опыт

1991 год... Меня познакомили с директором консерватории г. Петах-Тиква Арье Рувеном. Встреча оказалась очень теплой и приятной, но место преподавателя по кларнету и саксофону в консерватории не было, и Арье предложил мне поработать в проекте по утрам, причем, учить детей игре на фанфарах, а там, мол, увидим. Постепенно я уговорил руководство консерватории дать мне другие инструменты и добавить преподавателей.
Моя первая утренняя работа – оркестр школы «Гордон», которым я руковожу по сей день и где директором много лет работает Варда Гранот. Здесь я работаю уже 20 лет, многие из детей этой школы – моя гордость в консерватории.

Два года я работал по утрам в Петах-Тикве, а после обеда ездил в консерватории городков Кирьят-Моцкин, Ор-Акива, Кирьят-Атта, Кирьят-Бялик. Все они расположены на севере Израиля, далековато от Петах-Тиквы. Например, до Кирьят-Моцкина – 120 километров.
«Веселое было время». Сейчас моей тогдашней выносливости можно только позавидовать.
Теперь у меня довольно большой класс, а кроме этого я веду различные инструментальные ансамбли, а также духовой оркестр. Мои коллеги – это очень опытные музыканты. Достаточно сказать, что духовой оркестр консерватории Михаила Дельмана на протяжении более 15 лет постоянно занимает первые места на всеизраильских конкурсах духовой музыки и неоднократно – на международных конкурсах за границей.


Гордость нашего города

Духовой оркестр города Петах-Тиквы – «Wind Orchestra of the Petach Tikva Conservatory» основан в 1972 году и базируется при муниципальной консерватории. Директор Э.Алон. Коллектив состоит из 70 юных музыкантов в возрасте от 12 до 18 лет, и часто выступает перед жителями города и пользуется большой популярностью. Большое внимание и поддержка оказываются духовому оркестру со стороны муниципалитета (Мэр И. Охайон).
На духовом отделении занимаются более 200 детей. Оркестр постоянно занимает призовые места в Израиле, а также является лауреатом многих престижных международных конкурсов. Первые места в Керкаде (Нидерланды), Цюрихе и Интерлакене (Швейцария), второе место в Виленсии (Испания). Оркестр побывал с концертами в США (Чикаго) и в Норвегии. Записано несколько компакт-дисков.
Руководит коллективом уже упоминавшийся мною Михаил Дельман, выпускник Кишиневской консерватории. Благодаря его высокой профессиональной подготовке, а также отличным организаторским способностям, оркестр постоянно на высоте.
На отделении преподают педагоги с большим стажем и умением работать с детьми. Необходимо отметить, что подавляющее большинство преподавателей — это люди из бывшего СССР. Благодаря лучшим традиционным методикам русской и советской школы обучения игры на духовых инструментах, они смогли сформировать высокий уровень исполнительского мастерства учеников.
Хочу назвать некоторых педагогов, своих коллег. Это Алекс Чичельницкий, выпускник Московского института имени Гнесиных, преподаватель класса тромбона. Самуэль Шифрин, выпускник Алма-атинской консерватории и факультета военных дирижеров, преподаватель класса тромбона. Алекс Ройзман, выпускник Казанской консерватории, преподаватель класса трубы. Шимон Ваинрид, выпускник Кишиневской консерватории, преподаватель класса флейты.М.Ицхаков-выпускница Душанбинской консерватории, преподаватель класса флейты, Ю.Горлин-выпускник Харьковского института искусств, преподаватель класса валторны, В.Жиляев-выпускник Одесской консерватории, преподаватель ударных инструментов, Ну и ваш покорный слуга-выпускник Одесской консерватории, преподаватель класса кларнета и саксофона.


В репертуаре оркестра консерватории - классическая музыка, музыка современных израильских и зарубежных композиторов. Это всегда яркие, интересные произведения, требующие хорошего владения инструментом. Для оркестра много пишет замечательный израильский композитор Борис Пиговат.
Вот далеко не полный перечень нашего репертуара. М.П. Мусоргский «Картинки с выставки» и «Ночь на лысой горе», Д. Д.Шостакович «Праздничная увертюра», И. С. Бах. «Чакона». Г.Малер, 5 симфония (1 часть) - в талантливой аранжировке М.Дельмана. Б. Юсупов. «Хайфские зарисовки». Б. Пиговат. «Массада», «На горе Сион». Ф. Зуппе «Поэт и крестьянин» И. Грациани (один из главных дирижеров оркестра Армии обороны Израиля) «Марши».
На базе консерватории работают еще несколько творческих коллективов. Недавно был образован любительский духовой оркестр, состоящий из выпускников специальных учебных заведений и музыкантов-любителей. Ансамбль саксофонов консерватории, которым я руковожу, завоевал популярность в городе, дает много концертов, играет легкую музыку, а также песни израильских композиторов. Кроме этого, плодотворно работает ансамбль флейт под руководством Шимона Ваинрида. При консерватории существуют также два подготовительных оркестра, которые дают музыкантов в основной оркестр.
Хочется отметить выпускников нашей консерватории, ставших замечательными исполнителями. Среди них: М. Тимошин и А. Вайнер (флейта), солисты оркестра армии обороны Израиля, Лауреаты Всеизраильского конкурса молодых исполнителей, С. Бергер (валторна) — музыкант ансамбля современной музыки во Франкфурте, Ш. Брил (кларнет) — выпускница Академии музыки в Любеке (Германия), победительница на Женевском конкурсе в 2007году,
Б. Керцман (труба) - Лауреат международного конкурса в Польше, музыкант Штаатс Опер (Германия) , М.Меерович - солистка-кларнетистка симфонического оркестра города Бээр-Шевы и другие.


………………………………………………………………………………………………………………..




Как видите, в Израиле духовая музыка развита на достаточно хорошем уровне. Особенно это стало заметно в последние годы.
Каждый год проводятся конкурсы и фестивали духовых оркестров,
Израильские духовые оркестры - желанные гости на заграничных фестивалях и конкурсах духовых оркестров, где они нередко занимают призовые места, что само говорит об исполнительском уровне этих коллективов. Среди ведущих оркестров можно назвать коллективы Кфар-Сабы, Нетании, Афулы, Хайфы, Акко, Тель-Авива, Бат-Яма.


Вот такова краткая информация о нашей действительности в области детского музыкального образования.
Автор ни в коей мере не претендует на научный труд. Тема многогранна. Консерваторий с различными построениями своих программ и приоритетов много. Обо всем в этой небольшой статье не расскажешь. Думаю, я лишь чуть приоткрыл читателю дверь в аудиторию израильского детского музыкального образования, в частности, обучения игре на духовых инструментах, которому я сам с удовольствием посвятил немало лет своей творческой жизни.

Борис Турчинский "Дети и музыка в Израиле".

Воскресенье, 10 Апреля 2011 г. 08:46 + в цитатник
4242 (120x149, 6Kb)
Научно-популярный журнал Оркестр
сент.2011г. Москва









Как известно, Израиль - хотя и древняя земля, но государство молодое, и здесь многое недавно начато с нуля, в том числе и в музыкальной культуре, в музыкальном образовании.
В страну прибывали музыканты из разных стран, они учили по своим методикам, внедряли культурные постулаты, воспринятые ими в странах своего рождения и воспитания. Поэтому израильское музыкальное образование испытало влияние со всех концов земли. Но наиболее сильные влияния оказали немецкая и русская композиторская и исполнительская школы. А структурно израильская система образования ближе к американской.


Многое зависит от местной инициативы.

Не так давно я поместил в Интернете рассказ об уникальном израильском музыкальном коллективе – военном правительственном церемониальном коллективе -Оркестре Армии обороны Израиля. Статья называется «По Красной площади с оркестром» Ничего подобного, пожалуй, нет больше нигде в мире, так как все оркестранты – 18-19-летние солдаты срочной службы. Каждые полгода-год в оркестре происходит ротация, но у главного дирижера Михаэля Яарана нет дефицита исполнителей, так как вновь и вновь приходит пробоваться очень много музыкальной молодежи. Это говорит о многом, и главное – о том, как любят музыку в израильских семьях, как приобщают детей к музыкальной культуре, как стараются дать им музыкальное образование.
Многое в Израиле в этом смысле не так грандиозно, как в России - но музыкальное образование все же очень и очень популярно.
В Израиле существует большое разнообразие форм музыкального образования. Первой из них можно было бы назвать так называемые «Бейт-сефер менаген» (дословно – «играющая школа») - такие есть во многих городах Израиля. Это только утренние проекты в школах, оркестры которых играют на всех школьных (впрочем, и не только) мероприятиях. Школьные оркестры бывают самые разные – духовые, народные (восточная музыка), оркестр блокфлейт, в их состав могут входить синтезаторы, ударные инструменты. Занятие проводятся небольшими группами, по 3-5 человек в группе, один раз или два раза в неделю.
Кроме того, есть, так называемые «Бейт-тизморет» (оркестровый дом) - там проводится обучение игре только на духовых инструментах утром, а затем – послеобеденные занятия по теории музыки, индивидуальные занятия и оркестр. Есть и консерватории, не имеющие утренних проектов, - отчего они, скорее, только проигрывают. Как правило, они малочисленны и с небольшими оркестровыми коллективами, а в некоторых все сводится только к индивидуальным занятиям и ансамблям малой формы.
Как возникают эти музыкальные проекты и в каких городах, поселках или кибуцах они находятся, зависит от многих факторов. Это может быть заинтересованность местных властей или личное желание директоров школ. Ведь все это стоит денег. Надо платить преподавателям зарплату, необходима материальная база. Приобретение инструментария и уход за ним. За последние 20 лет, с приездом большой репатриации из бывшего СССР, число таких проектов многократно возросло, что подняло общую культуру страны и дало
полноценную работу многим музыкантам.


Немного истории

Начало профессионального музыкального образования в Израиле является, в значительной мере, результатом усилий Шуламит Руппин. Ее институт открыл свои двери в Яффе, близ будущего Тель-Авива, в 1910 году, и в числе его преподавателей поначалу было много профессиональных музыкантов, специально приглашенных из Европы.
Во главе организации, которая стала называться «Шуламит», после безвременной кончины Шуламит Руппин, встал скрипач из Женевы Моше Hopeнкo. Первые группы студентов были численностью 30-75 человек. Родители с удовольствием направляли на учебу в это учебное заведение своих детей, студенческие концерты стали заметным социальным и культурным явлениям в Яффо. Концерты этой школы заполнили для многих эмигрантов культурный вакуум, так как в Израиль в то время приезжало много людей из Европы, привыкших посещать хорошие концерты классической музыки.
В Тель-Авиве, что строился на песках близ Яффо, было тогда 1800 жителей, и едва ли не треть его жителей посылала своих детей изучать музыку. Этот удивительно высокий процент оставался стабильным до 1930-х годов, когда с резким ростом населения города выросло и число студентов .
В 1972 году ветви музыкального образования школы «Шуламит» протянулись и в Иерусалим.
1980-е годы были ознаменованы ростом новых районов в Иерусалиме, жители которых также приобщали своих детей к музыкальному образованию. Обнаруживалось много новых талантов, и в течение нескольких лет число студентов иерусалимского отделения перевалило за пятьсот. Были сформированы оркестры для женщин, профессиональный струнный оркестр, оркестр камерной музыки, студенческие и другие оркестры.






На тромбоне и валторне

Музыкальное образование в консерваториях Израиля. Раз в неделю урок по избранному инструменту, теория и история музыки и оркестр.
Чтобы ребенок сам захотел обучаться игре на тромбоне, тубе, валторне - такого, как правило, не бывает. Обычно все хотят играть на флейте, кларнете, саксофоне, ударных инструментах. Поэтому в консерваториях существуют утренние проекты.
Работают 4-5 преподавателей. Каждый ведет группу из 3-5 учеников. Задействованы ученики всех четырёх классов школы. Обучение два раза в неделю по 45 минут.
Работа учителей оплачивается частично министерством просвещения, частично муниципалитетом. Через полгода начинает функционировать оркестр. К концу года дети и родители должны решить, продолжает их ребенок дальше обучаться музыке или нет.
Затем часть детей переходит в собственно консерваторию, где начинает осваивать инструмент более глубоко и основательно. Те из учеников, кто перешел в консерваторию на индивидуальное обучение, продолжают играть в школьном оркестре. Но это уже более подвинутый коллектив, которому в дальнейшем по плечу и более серьезные - по сравнению с младшей группой оркестра – произведения. Вот, откуда берутся тромбоны, валторны, тубы и т.д., то есть, более редкие музыкальные инструменты и исполнители на них.
Несколько школ работают в другом направлении: скрипка и виолончель. Там также все построено по вышеописанному принципу.


Что такое «халилит»?

Израильские дети, желающие получить специальное музыкальное образование, занимаются в музыкальных школах или с частными преподавателями.
В музыкальные школы-консерваторионы принимают детей с шести лет. Там преподают игру на различных музыкальных инструментах, ритмику, теорию музыки и балет. Занятия платные.
В стране есть также ряд музыкальных общеобразовательных школ, дающих полное среднее образование. Во многих молодежных клубах и общественных центрах действуют кружки по обучению игре на различных инструментах. Многие дети младшего возраста учатся игре на блокфлейте – часто не столько для приобретения навыков игры, сколько для расширения музыкального кругозора.
Возьмем для наглядного примера город Петах-Тикву, где я работаю уже 20 лет.
Расскажу, как у нас построена учеба. Приблизительно так же это работает во всех других городах.
В каждой начальной школе есть уроки музыки. Это игра на блокфлейте.В Израиле это называется «халилит». Звуки этой «дудочки» очень созвучны ментальности души еврейского народа. В них - напоминание о пастушеском прошлом Праотца Авраама, о музыкальных пристрастиях псалмопевца царя Давида. Кроме того, почти во всех школах начального уровня есть хор. Хотя хор – явление, скорее, чисто русское, привезенное большой репатриацией. Подробнее об этом - ниже.
Во многих городах и поселках ширится тенденция обучения детей игре на духовых инструментах. Кроме духового состава, нет, пожалуй, другого музыкального коллектива, с которым через полгода после начала обучения уже можно выступать с простенькими оркестровыми пьесками. Это быстро стали понимать директора школ.






Прежде – среднее образование

При поступлении в высшее музыкальное заведение Израиля – музыкальную академию - непременно требуется документ о среднем образовании, как и при поступлении на любой факультет университета. Проводятся особые приемные испытания: необходимо сыграть или спеть концертную программу, состоящую из сонаты или концерта, этюда, нескольких пьес; записать на слух двухголосный фрагмент. Иными словами, диктант по сольфеджио. Он самый. Куда без него?
Итак, ребенок прежде всего занимается в музыкальной школе, называемой в Израиле консерваторион. Как и в российские музыкальные школы, в израильские консерваторионы (в дальнейшем консерватории) на обучение по классу духовых инструментов детей принимают с 10 лет. До 18-летнего возраста слушатель изучает на протяжении пяти лет сольфеджио и историю музыки, а на протяжении всей учебы участвует в оркестре и в ансамблях. В течение всей учебы у каждого ученика есть три очень ответственных экзамена (помимо ежегодных академконцертов): после третьего и пятого года обучения.
Последний год обучения у нас в Израиле совпадает с последним классом в общеобразовательной школе (тихоне). Оценка, полученная на государственном экзамене по музыке, входит в общий аттестат. Это может быть 5 или 3 единицы, в зависимости от исполнительских возможностей ученика, что поднимает общую среднюю оценку аттестата. Требования для государственного экзамена довольно сложные. Я бы их приравнял к аналогичным требованиям в музыкальных училищах России.





Академия музыки им. Бухмана-Мэта в Тель-авиве.

Конечно, высшая цель получающих профессиональное музыкальное образование в Израиле – музыкальная академия. Расскажем немного об одной из них и о ее ректоре.
Новый ректор музыкальной академии Бухмана-Мета Тель-Авивского университета доктор Томер Лев меньше всего похож на важного академика. Да и вообще, на типичного ректора – крупного, седовласого, величественного – не походит. Томер Лев молод, ему нет и сорока, изящен, гибок, прост и приветлив.
Он и сам выпускник фортепианного факультета Тель-Авивской академии, заканчивал докторат и получил докторскую степень в Нью-Йорке. Как пианист он много выступает в качестве солиста и ансамблиста. Томер Лев также превосходный лектор: он предваряет вступительным словом все концерты студенческого симфонического оркестра, а его беседы в цикле концертов-лекций "Венское чудо", где он играет и рассказывает, пленяют поэтичностью слога, тонкостью наблюдений, недюжинной эрудицией и артистическим обаянием.
Главным же направлением своей деятельности доктор Лев считает совершенствование высшего музыкального образования. В Израиле имеются два учебных заведения, которые готовят музыкантов высшей квалификации, и оба до сегодняшнего дня именуются академиями музыки.
Академии в Иерусалиме носит имя Самуэля Рубина, первого мецената высшего музыкального образования еврейского населения тогда еще подмандатной Палестины.
Причем, если иерусалимская академия музыки и танца Рубина – отдельное, самостоятельное учреждение, то музыкальная академия Бухмана-Мэта в Тель-Авиве – составная часть университета. Имя дано в честь крупного мецената из Германии Йосефа Бухмана и главного дирижера Тель-авивского симфонического оркестра Зубина Мэта.
Для сравнения: в Соединенных Штатах высшее музыкальное образование получают на музыкальных факультетах университетов (большей частью композиторское, дирижерское и музыковедческое образование), а также в двух самых престижных заведениях: Джульярдской школе в Нью-Йорке и институте Кертиса в Филадельфии.
В Германии высшие музыкальные школы так и называются – Hochmusikschule, многие из них в прошлом именовались на итальянский лад консерваториями.
В СНГ, наоборот, консерватории, в первые же годы советской власти получившие статус высших учебных заведений, консерваториями и остаются, а вот некоторые институты искусств (не путать с институтами культуры, которые готовят руководителей самодеятельности) и музыкально-педагогические институты (не путать с музыкальными факультетами пединститутов, где готовят учителей общеобразовательных школ и педучилищ) переименовываются нынче в академии.

Технические перепады израильтян

В израильских музыкальных вузах много внимания уделяют теории. На экзаменах и зачетах необходимо ответить на многие вопросы, показав знание музыкальной литературы. Как же без этого человек сможет учиться? А вот каким образом он освоил инструмент, или где ему ставили голос – в консерваторионе или частным образом, это уже значения не имеет.
Заметны ли отличия в подготовке, в отношении к профессии, общемузыкантском и общекультурном уровне, вообще – в психологии у уроженцев Израиля и прибывших из тех краев, что когда-то были Советским Союзом? Да, заметно. У россиян, поголовно выпускников музыкальных училищ (в Израиле иногда даже ивритоговорящие музыканты и музыковеды так и говорят – «училище», они знакомы с этим русским словом), - очень твердый средний показатель. Они техничны, дисциплинированны, целеустремленны, у них, несомненно, свое особое мировидение.
Израильтяне же по умственному складу более эклектичны, их мышление менее упорядочено, они заняты поиском своей собственной дороги. Технические перепады у израильтян очень значительны. Может быть, как раз оттого, что их довузовская подготовка отнюдь не была единообразной.
Хотелось бы надеяться, что те, кто родились здесь, в Израиле, будут столь же дисциплинированны, как "русские" (так в Израиле называют всех выходцев из бывшего СССР), а "русские", в свою очередь, станут более плюралистичны, открыты разным художественным веяниям, раскованны. Ведь их скованность не артистическая, а психологическая.
Очень хорошо, что в академиях так много молодежи из СНГ, с их серьезным отношением к делу и профессиональной оснащенностью.
В российских консерваториях все педагоги были обязаны давать бесплатные концерты, играя по 2-3 новые программы в год, по аналогии с другими вузами, где каждый преподаватель, выполняя "вторую половину нагрузки", должен был заниматься научными исследованиями.


Об отношении государства к подготовке музыкантов

Государственные инвестиции в культуру – это не деньги на ветер, это вложение в будущее. ЮНЕСКО рекомендует вкладывать в культуру процент государственного бюджета, а в Израиле после всех недавних сокращений – это даже и не процент, а всего 0,002 процента. И несмотря на это, уровень музыкантов, учившихся в Израиле, очень высок. Израиль остается экспортером талантов, что приносит государству немалые материальные и моральные дивиденды. Ведь артисты, музыканты – это лицо страны. Они уравновешивают образ Израиля как воюющего милитаризованного государства. Наши выпускники завершают образование и преподают в самых знаменитых академиях мира, выступают на самых престижных концертных эстрадах.
Поэтому наши преподаватели гордятся, что в этот переломный момент, сложный для страны, но и очень перспективный для израильского искусства, оказались во главе высшей школы музыки.







Мой личный путь, мой опыт

1991 год... Меня познакомили с директором консерватории в г. Петах-Тиква Арье Рувеном. Встреча оказалась очень теплой и приятной, но место преподавателя по кларнету и саксофону в консерватории не было, и Арье предложил мне поработать в проекте по утрам (школа Гордон), причем, учить детей игре на фанфарах, а там, мол, увидим. Постепенно я уговорил руководство консерватории дать мне другие инструменты и добавить преподавателей.
Моя первая утренняя работа – оркестр школы «Гордон», которым я руковожу по сей день и где директором много лет работает Варда Гранот. Здесь я работаю уже 20 лет, многие из детей этой школы – моя гордость в консерватории.

Два года я работал по утрам в Петах-Тикве, а после обеда ездил в консерватории городков Кирьят-Моцкин, Ор-Акива, Кирьят-Атта, Кирьят-Бялик. Все они расположены на севере Израиля, далековато от Петах-Тиквы. Например, до Кирьят-Моцкина – 120 километров.
1991-й год… «Веселое было время». Сейчас моей тогдашней выносливости можно только позавидовать.
Теперь у меня очень большой класс, а кроме этого я веду различные инструментальные ансамбли, а также духовой оркестр. Мои коллеги – это очень опытные музыканты. Достаточно сказать, что духовой оркестр консерватории Михаила Дельмана на протяжении более 15 лет постоянно занимает первые места на всеизраильских конкурсах духовой музыки и неоднократно – на международных конкурсах за границей.


Гордость нашего города

Духовой оркестр консерватории города Петах-Тиквы – «Wind Orchestra of the Petach Tikva Conservatory» основан в 1972 году и базируется при муниципальной консерватории. Оркестр состоит из 70 юных музыкантов в возрасте от 12 до 18 лет, он часто выступает перед жителями города и пользуется большой популярностью. Большое внимание и поддержка оказываются духовому оркестру со стороны консерватории города (директор Э. Алон) и муниципалитета (Мэр И. Охайон).
На духовом отделении занимаются более 200 детей. Оркестр постоянно занимает первые места в Израиле, а также является лауреатом многих престижных международных конкурсов. Первые места в Керкаде (Нидерланды), Цюрихе и Интерлакене (Швейцария), второе место в Виленсии (Испания). Оркестр побывал с концертами в США (Чикаго) и в Норвегии. Записано несколько компакт-дисков с концертами.
Руководит коллективом уже не раз мною упоминавшийся Михаил Дельман, выпускник Кишиневской консерватории. Благодаря его высокой профессиональной подготовке, а также отличным организаторским способностям, оркестр постоянно на высоте.
На отделении преподают педагоги с большим стажем работы и умением работать с детьми. Необходимо отметить, что подавляющее большинство преподавателей — это люди из бывшего СССР. Благодаря лучшим традиционным методикам русской и советской школы обучения игры на духовых инструментах, они смогли сформировать высокий уровень исполнительского мастерства учеников.
Хочу назвать некоторых педагогов, своих коллег. Это Алекс Чичельницкий, выпускник Московского института имени Гнесиных, преподаватель класса тромбона. Самуэль Шифрин, выпускник Алма-атинской консерватории и факультета военных дирижеров, преподаватель класса тромбона. Алекс Ройзман, выпускник Казанской консерватории, преподаватель класса трубы. Шимон Ваинрид, выпускник Кишиневской консерватории, преподаватель класса флейты.М.Ицхаков-выпускница Душанбинской консерватории, преподаватель класса флейты, Ю.Горлин-выпускник Харьковского института искусств, преподаватель класса валторны, В.Жиляев-выпускник Одесской консерватории, преподаватель ударных инструментов, Ну и ваш покорный слуга-выпускник Одесской консерватории, преподаватель класса кларнета и саксофона.


В репертуаре оркестра консерватории - классическая музыка, музыка современных израильских и зарубежных композиторов. Это всегда яркие, интересные произведения, требующие хорошего владения инструментом. Для оркестра много пишет замечательный израильский композитор Борис Пиговат.
Вот далеко не полный перечень нашего репертуара. М. Мусоргский «Картинки с выставки» и «Ночь на лысой горе», Д. Шостакович «Праздничная увертюра», И. С. Бах. «Чакона». Г.Малер, 5 симфония (1 часть) - в талантливой аранжировке М.Дельмана. Б. Юсупов. «Хайфские зарисовки». Б. Пиговат. «Массада», «На горе Сион». Ф. Зуппе «Поэт и крестьянин» И. Грациани (один из главных дирижеров оркестра Армии обороны Израиля) «Марши».
На базе консерватории работают еще несколько творческих коллективов. Недавно был образован любительский духовой оркестр, состоящий из выпускников специальных учебных заведений и музыкантов-любителей. Ансамбль саксофонов консерватории, которым я руковожу, завоевал популярность в городе, дает много концертов, играет легкую музыку, а также песни израильских композиторов. Кроме этого, плодотворно работает ансамбль флейт под руководством Шимона Ваинрида. При консерватории существуют также два подготовительных оркестра, которые дают музыкантов в основной оркестр.
Хочется отметить выпускников нашей консерватории, ставших замечательными исполнителями. Среди них: М. Тимошин и А. Вайнер (флейта), солисты оркестра армии обороны Израиля, лауреаты Всеизраильского конкурса молодых исполнителей, С. Бергер (валторна) — музыкант ансамбля современной музыки во Франкфурте, Ш. Брил (кларнет) — выпускница Академии музыки в Любеке (Германия), победительница на Женевском конкурсе в 2007
году, Б. Керцман (труба), музыкант Штаатс Опер (Германия), М.Меерович - солистка-кларнетистка симфонического оркестра города Бэер-Шевы и другие.


………………………………………………………………………………………………………………..




Как видите, в Израиле духовая музыка развита на хорошем уровне. Особенно это стало заметно в последние годы.
Каждый год проводятся конкурсы и фестивали духовых оркестров
Израильские духовые оркестры - желанные гости на заграничных фестивалях и конкурсах духовых оркестров, где они нередко занимают призовые места, что само говорит об исполнительском уровне этих коллективов. Среди ведущих оркестров можно назвать коллективы Кфар-Сабы, Нетании, Афулы, Акко, Тель-Авива, Бат-Яма.… ………………………………………………………………………………………………………………… Вот такова краткая информация о нашей музыкальной действительности в области детского музыкального образования.
Автор ни в коей мере не претендует на научный труд в этой области. Тема многогранная. Консерваторий с различными построениями своих программ и приоритетов много. Обо всем в этой небольшой статье не расскажешь. Думаю, я лишь чуть приоткрыл читателю дверь в аудиторию израильского детского музыкального образования в области обучения игре на духовых инструментах, которой сам с удовольствием посвятил немало лет своей творческой жизни.

Метки:  

"Музыка для родных и любимых детей"-очерк Б.Турчинского (интервью с Михаилом Некричем).

Пятница, 01 Апреля 2011 г. 18:41 + в цитатник
 (300x391, 9Kb)
Музыка для родных и любимых детей
Журнал Дети и Музыка
Москва 1.06.2011
Борис Турчинский

«…наградить орденом «За заслуги» III-й степени… Некрича Михаила Григорьевича, художественного руководителя образцовой шоу-группы «Мастерок» городского коммунального учреждения культуры «Днепропетровская детская музыкальная школа номер 7».

Из Указа Президента Украины В. Ф.Януковича. (март 2011г.)


Заслуженный деятель искусств Украины Михаил Некрич: ''Все, что нами делается, - делается для родных, любимых детей!''

Некрич Михаил Григорьевич. Композитор, педагог, аранжировщик, Заслуженный деятель искусств Украины. Родился 1 декабря 1940 года в Житомире. С 1960 по 1968 гг. – руководитель эстрадных коллективов Ровенской и Кировоградской филармоний. В 1968 -1971 годах руководитель Житомирского "Биг-бэнда" и ансамбля "Юность" при Житомирском городском Доме культуры, лауреата многих республиканских и всесоюзных конкурсов. 1970-1975 годы- руководитель знаменитого эстрадного оркестра "Зеленый огонек", город Черкассы. С 1975 года музыкальный руководитель эстрадного отдела днепропетровской филармонии. В 1975 году основал и с тех пор является бессменным руководителем лауреата международных конкурсов образцового детского ансамбля «Мастерок» (г.Днепропетровск). У ансамбля сотни концертов в год, записи на радио и телевидении. Коллектив в разные годы записал пять пластинок на всесоюзной студии “Мелодия”, а также восемь компакт-дисков различной музыки – эстрадной, джазовой, фольклорной, а также альбом-диск « Святкови Колядки» (Ганновер, 1999 г.).

Сегодня все реже нас радует детское искусство. Более того, возникают сомнения: живет ли оно вообще?
Как, оказалось, живет и развивается. Причем, не только в глубинке, где современный ритм спокойнее, но и в «сумасшедших» мегаполисах.
Благо, есть люди, которые, невзирая на трудности, способствуют развитию юных талантов. Реалии нашего времени не влияют на тех, кто способен посвятить себя самому светлому, чистому и святому – Богу и детям.
С одним из интереснейших людей, хорошо известных в Украине и за ее пределами, заслуженным деятелем искусств Украины Михаилом Григорьевичем Некричем я беседую за месяц до юбилея Мастерка-35 летия со дня создания.

Итак, все началось с трубы?!



- Дорогой Михаил Григорьевич, давай начнем наши воспоминания с далеких 60-х годов… Насколько я знаю, ты сделал те шаги в Житомирском Дворце пионеров. Кто привел тебя в духовой оркестр Дворца? С большой теплотой вспоминаю руководителя этого коллектива. Это был замечательный человек и настоящий наставник Семен Николаевич Москалев. Скольким мальчишкам он помог в жизни стать людьми! Немало выбрали музыку своей профессией. Значит, у тебя все началось с трубы?

Не совсем так. Свое знакомство с миром музыки я начал в житомирском Дворце пионеров и школьников, но не в духовом оркестре, а в оркестре народных инструментов, где в1951 году обучатся игре на домбре. Долго я там не продержался, уж и не помню, по какой причине, наверное, не полюбился мне этот инструмент.
А вот долгой и интересной судьбой в мире духовых инструментов я обвязан замечательному человеку и педагогу, которому обязаны и многие мальчишки города. И те, кто продолжил музыкальную карьеру, и те, кто не пошел дальше. Это, как уже сказано, Семен Николаевич Москалев, красивый и умный человек, которому можно было подражать во всем.
Интеллигент высшей пробы, всегда аккуратно одет, с чистой русской речью и очень теплым отношением к нам, ребятам.
Кажется, это было в сентябре 1952 года. Он пришел к нам в школу с трубой, зашел в класс, и начал рассказывать о духовом оркестре. Говорил очень увлеченно и убедительно. Многие мальчишки сразу согласились пройти музыкальную проверку. Мне он дал попробовать трубу, и у меня сходу получилось извлечь несколько звуков.
Некоторое время я выполнял самую ответственную работу, - носил на голове большой барабан, когда оркестр куда-нибудь отправлялся на игру. Потом я пробовал все инструменты от баса до трубы, на чём конкретно и остановился. Если бы не глубочайшая любовь и уважение к С. Н. Москалёву, я и здесь не задержался бы. Он был удивительный человек, пацаны его боготворили.
Он резко отличался от многих руководителей, своим теплым отношением к нам, не говоря уже о том, какой он был музыкант. Умел играть и показать на всех инструментах.
Не надо забывать, что это были не самые лучшие годы СССР. Еще ощущались последствия войны, мы не всегда были сыты и нормально одеты. Не покривлю душой, если скажу от имени всех его многочисленных воспитанников, и неважно, состоялась ли их музыкальная карьера, мы ему многим обязаны. Несмотря на то, что я много лет занимаюсь другими вещами, труба – моя любовь на всю жизнь…


«С тех пор я – трубач!»

- Для каждого мальчишки у Москалева всегда было своё ласковое слово. Насколько я знаю, ты у него был «мамочка», а вот я был «солнышко» из-за обилия веснушек.
- Кстати, а, сколько мальчишек из этого оркестра нашли свое место в музыкальном мире и достигли больших высот!?

- В мои годы – это, ныне народной артист Татарии, тромбонист-виртуоз Григорий Ройтфарб, заслуженный деятель искусств, главный дирижер Липецкого симфонического оркестра Гаррий Оганезов. Начинал со мной в оркестре на кларнете Борис Фишерман , сегодня заслуженный деятель искусств Украины.

- Как складывалась твоя творческая судьба далее?

- Затем я был воспитанником военного духового оркестра в Бердичеве. Многие музыканты моего поколения прошли школу воспитонской службы в военных оркестрах. У меня на памяти десятки имен, а вообще их, наверное, сотни, тех, которые впоследствии стали известными музыкантами. Трубачи М.Табаков,С.Еремин,Т.Докшицер.Дирижеры Н.Рахлин, В.Агапкин, М.Финберг, В. Халилов и многие, многие другие. Этот список можно долго продолжать.
Не избежал этой участи и я. Два года – с 1955 по1957-й в шинели, в сапогах.
Играл в оркестре партию 2-й трубы. Справлялся хорошо. Но в дальнейшем судьба дала новый поворот моему росту в музыке, это произошло после знакомства с Борисом Векслером, прекрасным аккордеонистом – виртуозом. В мои 15 лет, состоялась историческая встреча с человеком, который, по сути, и определил мое будущее, как музыканта, пригласив играть в оркестре небольшого кинотеатра имени Франко в Житомире.
Об этом человеке, музыканте-легенде, я хотел рассказать чуть подробнее.
Те, кто из читателей журнала постарше помнят гремевшее на весь мир Трио Векслера. Это был коллектив, который с одинаковой легкостью и на высоком уровне играл различную музыку. От барокко и до современного джаза.
При первой встрече, он мне сказал: «Сыграйте мне, пожалуйста, что-нибудь джазовое». И я сыграл «Неаполитанскую песню» П.И.Чайковского. И только благодаря моему красивому звуку Векслер меня взял в оркестр кинотеатра Франко.
Ну, а дальше он дал мне настоящую школу мужества. Научил быть аккуратным, никогда не опаздывать, заниматься на инструменте, учиться все время и так далее.
Он по-настоящему открыл для меня мир музыки как классической, так и народной и эстрадной. И вот с 15 лет я стал зарабатывать деньги музыкой.



«Пишу и переделываю»

- Всю свою творческую жизнь я учусь. Сейчас, когда не имею возможности писать «на живые команды» - оркестры, приходится сочинять и аранжировать на компьютере. С другой стороны, это даёт мне возможность анализировать своё творчество. И, как правило, после некоторого времени, мне сделанное не нравится. Я опять переделываю, даже, если это уже и не нужно. Но вернёмся к главной теме.
В 1961 году меня пригласили в Житомир возглавить Биг-Бенд. Это было поистине счастливое время моего растущего творчества. За сезон (6 месяцев) я сделал 120 аранжировок! Вот это была для меня творческая лаборатория!
С тех пор для меня мой любимый инструмент, труба, потихоньку стал уступать место руководителю и аранжировщику во мне. В ту пору было, у кого учиться: К.Бэйси, Д.Элингтон, Ч. Паркер, О. Лундстрем, А. Кролл. Тогда всё было в живом исполнении. Нет, я не ностальгирую. Но мне смешно, когда висят афиши, например: «Грузинский ансамбль танца» и сообщается, что будет «живой звук». Или концерт симфонического оркестра, и в углу афиши приписка: « Живой звук». Это всё равно, как на этикетках минеральной воды, пишут: «Без ГМО».


«Я слышал, как должен звучать оркестр»

- Год 1968-й. Ты вернулся домой, в Житомир, и занялся созданием настоящего джазового оркестра, Биг-Бенда. Я был польщен, когда ты меня, юношу, студента второго курса музыкального училища, взял к себе. Мой авторитет тогда сильно вырос среди однокурсников и вообще – среди музыкантов города. Несмотря на то, что я не стал джазовым музыкантом, я многому у тебя научился. А главное, наверное, как я понимаю сейчас, по прошествии многих лет, научился многим вещам, необходимых руководителю коллектива.
Приятно это слышать от тебя. И спасибо за комплимент. Мне в жизни повезло. Как это ни банально звучит, но не обделил меня Бог хорошими, умными, высокоинтеллектуальными друзьями. Особую роль я отвожу своему другу и наставнику, человеку, который влиял на мою жизнь, - Григорий Шию. Я рос без отца, и он мне его заменял в воспитании и в оценке моих поступков. Многое связано с ним, в том числе моё становление, как профессионального музыканта. Он всегда мог меня подвергнуть жесточайшей критике за ту или иную аранжировку, музыку. Я вообще был парнишкой вспыльчивым, но всегда знал, чего хочу, ибо слышал, как должен звучать оркестр.
Возвращаюсь к тому оркестру, вспоминаю, какой это был замечательный профессиональный коллектив. Если я не ошибаюсь, он просуществовал только два года, а потом… Директор Дома культуры был направлен на другое место работы, и все быстро развалилось.

- Уместно вспомнить человека, который помог тебе организовать этот коллектив. Захар Давыдович Гурвич, человек огромного организаторского таланта. В его послужном списке была такая самодеятельность в Доме офицеров, где он был начальником в чине подполковника, которая не уступала в профессионализме коллективам местной филармонии.

- После его ухода все быстро заглохло. На новом месте в городском доме культуры он произвел « революцию», сделал капитальный ремонт здания, которое не ремонтировалось десятки лет. А какие творческие коллективы возникли при нем! И опять, как на предыдущем месте, после его ухода – одни воспоминания. Он же создал музей космонавтики им. С.П.Королева, который и сегодня считается одним из лучших в Украине.

- Затем его сильно обидели в Житомире, на открытии музея даже цветочка не подарили. И он уехал в Днепропетровск, строить и затем открывать Оперный театр. Там ваши пути пересекались?

- Да, в 1975 году. Я получил приглашение в Днепропетровскую филармонию музыкальным руководителем. Там я проработал десять лет. Работая в филармонии, одновременно я создал детский ансамбль «Мастерок». Вместе с моими коллегами Натальей Некрич и Георгием Некричем мы учили детей играть на музыкальных инструментах, учили их сценическому мастерству, вокалу. В 2011 года ансамблю исполниляется 35 лет. «Мастерок» много гастролирует.

«Есть трудности – а мы поем!»

- Михаил, у тебя большой жизненный опыт. Работал руководителем эстрадных и джазовых оркестров, оркестра «Зеленый огонек» в городе Черкассы, писал много аранжировок. Был в тесном творческом союзе с Юрием Силантьевым. Был музыкальным руководителем днепропетровской филармонии и в это же время – руководителем городского эстрадно-симфонического оркестра, который состоял из студентов музыкального училища и педагогов музыкальных школ. Какие воспоминания остались о том времени?

- В 1981 году в Днепропетровске проводился Первый Всесоюзный фестиваль советской песни под руководством народного артиста СССР Юрия Силантьева. После проведения фестиваля, подводя итоги, первый секретарь днепропетровского обкома КПСС Е. Качаловский говорит Силантьеву: « Какой у вас замечательный оркестр, вот бы нам такой!». В ответ на это Силантьев взял меня за руку, подвёл к Качаловскому и говорит: «Так вот, Некрич сделает нехуже! Вы только помогите в организации».
Это было, как снег на голову. Не скрою, я был польщён. Ну и началось. Продолжалось это до мая 1986 года. Как водится, потом это никому не стало нужным и оркестр почил в бесславии… Но лично я не печалюсь и благодарю Бога за все, что есть сегодня. Есть трудности – а мы поем, есть революции – а мы все равно играем.

- Важной вехой на твоем творческом пути был оркестр «Зеленый огонек» в Черкассах. Расскажи, пожалуйста, об этом.

- В 1970 году меня пригласили руководителем Биг-бэнда «Зелёный огонёк» в Черкассы.
Надо сказать это был оркестр из высокопрофессиональных музыкантов.
Создателем оркестра был фронтовик Михаил Ильич Бинусов. Настоящий папа. Для музыкантов и исполнителей он выбивал квартиры, оплату, оборудование, лучшие музыкальные инструменты. Мне было лестно, что меня пригласили на работу, но и в тоже время очень ответственно это было. Ведь до меня руководили оркестром известные в СССР музыканты В.Коржаневский, Р. Вершков, Е. Дергунов. Но, думаю, я справился с этой задачей. Проработал я до 1975 года.

- С какими известными композиторами и музыкантами тебе приходилось сотрудничать?

- Их было не так уж много, но некоторых я хотел бы назвать, потому что мы поддерживаем добрые и дружеские отношения по сей день. Это Евгений Крылатов, Владимир Шаинский, Ирина Кирилина, Александр Злотник, Эдуард Ханок и другие


Человек тогда счастлив, когда он востребован!

- Ансамблем «Мастерок» записан в Ганновере CD альбом «Святкови колядки». Расскажи об этом.

- Это было в 1999 году. Сами понимаете, что колядки – песнопения не только народные, но и часть церковного пения. Поэтому более десяти лет, мы тесно сотрудничаем с Центром Православной Культуры «Лествица» и Днепропетровской епархией Украинской православной церкви. Записали мы два компакта с рождественскими колядками. Первый – в Ганновере, автором проекта является мой друг батюшка Игорь Собко, он же руководитель Центра «Лествица». А второй – на фирме грамзаписи « Алантик-сити» в Киеве.


- А многочисленные твои питомцы, где они, кто они сегодня, чем занимаются?

- По-разному сложились их судьбы. Кто-то посвятил жизнь искусству и музыке, а кто-то – просто добрый семьянин. Марина Кулеба – журналист на телеканале НТВ в программе «Детали», Армен Костандян – солист украинского государственного оркестра «Радио-Бэнд» под управлением Александра Фокина. Творчески оформлял Виктора Шпортько, сегодня это профессор Национального Университета культуры и искусств, народный артист Украины. Орест Северин солист (флейтист) камерного оркестра «Эрмитаж» под управлением Сандецкиса в Санкт - Петербурге. Дима Болотов, гитарист, аранжировщик, работает в Москве со звёздами российской эстрады и так далее. А я, слава Богу, остался Мишей Некричем.


.



И слава его нашла

- Михаил, какими государственными наградами ты награжден?

- Страна именует меня «Заслуженный деятель искусств Украины», но этим деятелем хочется не только именоваться, но чувствовать реальную заботу, внимание и уважение. Я не против и достойной пенсии, не сомневаюсь, в этом поддержат меня многие другие заслуженные деятели и не только. Кстати, ансамблю присвоено звание «Лауреат международных конкурсов детский образцовый ансамбль «Мастерок». По-моему, это звучит!

- Мы знаем, есть у тебя и церковные награды.

- В юбилей 30-летия «Мастерка» Блаженнейший Владимир, митрополит Киевский и всея Украины наградил меня медалью святого равноапостольного князя Владимира. Труды мои и ансамбля «Мастерок» отмечены правящим архиереем митрополитом Иринеем благословенными грамотами, а эта награда для меня очень дорога, потому что вручил ее Предстоятель Украинской Православной Церкви. И наградил он не только меня, но и всех детей, которые прошли школу творческих талантов на протяжении всех этих долгих уже 35 лет.


Богатство Украины

Наша справка.
Ансамбль “Мастерок” начал свое существование в октябре 1975 года. Возраст его участников – от 7 до 13 лет. Основатель и художественный руководитель ансамбля – заслуженный деятель искусств Украины, композитор Михаил Некрич. Преподаватели-репетиторы – Наталья и Георгий Некрич. Звукорежиссер – Борис Капцелович.
Слушая “Мастерок”, не возникает мысли относительно некоего несовершенства, мол, это ведь совсем маленькие музыканты. Отнюдь. Эти дети – талантливые жемчужины украинской земли, в которых живет генетическая предрасположенность к пению, музыкальному самовыражению, к тому же воплощенному с большим воодушевлением и ответственностью.
Концертная программа ансамбля – насыщенное музыкальное сопровождение, активные сценические действия, многоголосое пение. А если к этому прибавить разнообразные костюмы и высококачественное звуковое оборудование, то вы понимаете, что юные музыканты “Мастерка” – это действительно богатство Украины.



- Скажи, когда работалось легче и приятнее, в то, советское, время или сегодня?

- Вопрос очень объемный и большой, но я постараюсь ответить лаконично. Не стоит скорбеть за тем, чего уже нет, да и, слава Богу, быть не может. Но должен отметить: много было того хорошего, что позволяло не только творить, но и спать спокойнее.
Во-первых, это внимание к детскому творчеству и воспитанию молодежи, во-вторых, приятно ощущать свое достоинство как руководителя, музыканта и композитора, а в третьих, – была государственная идеология к творчеству.
Творчество поощрялось и приветствовалось, создавались условия для работы и отдыха детей, детское творчество всячески популяризировалось. Это сотни концертов в год, выступления на телевидении и радио.
Сегодня, к сожалению, этим мы похвастаться не можем. Как говорил один из президентов Украины: «Имеем то, что имеем». Но лично я не печалюсь и благодарю Бога за все, что есть сегодня. Детские светлые песни ведь у детей отнять невозможно.
И сегодня все чаще находятся люди, которые в частном порядке, понимая важность воспитания культурного человека, стремятся помочь нам. Вот так живем, так вот и трудимся все эти годы.

Михаил Григорьевич, за годы творчества ансамбль «Мастерок» радовал не только слушателей Киева и Москвы, как часто с нашей культурой приходилось знакомить зрителя и за рубежом?

Что касается гастрольной деятельности ансамбля «Мастерок», то с 1975 года он пролегал приблизительно следующим маршрутом: Польша, Болгария, Румыния, Венгрия, Испания, Италия, Швеция, Германия, Китай Финляндия. Извиняюсь за нескромность, но мне придется доставать карту мира. Эти маленькие ангелочки, которым от 4 до 14 лет, смогли порадовать многих зрителей из разных стран и приобщить их к нашей культуре, познакомить с традициями нашей страны. Мне вспоминаются рождественские колядки, которые мы исполняли в Ганновере для немецких детей. Какие у них были лица и проникновенные глаза! Конечно, они не понимали всех слов, но музыка язык интернациональный.


Как живется, так и творится

- Как говорится, какие наши годы… А хватает ли времени заниматься собой и своей семьей?


- Я – в среднем возрасте, нельзя сказать, что в расцвете, но и не в увядании. В декабре, мне исполнилось – 71. У меня – спортивная зависимость, так как люблю бег, зарядку, езду на велосипеде. С благоверной супругой, сподвижницей по творчеству, педагогом-репетитором «Мастерка» Натальей Юрьевной Владимировой мы всегда вместе, как дома, так и на работе. Знаете, каждый человек желает ласки и тепла, вот я ей за все это благодарен. Поэтому и творится хорошо, и живется...
И это не просто работа, а жизнь в творчестве. Когда ты радуешься за тех детей, которых тебе вверил Бог, всегда видя светлые улыбки, то хочется сказать, что 30 лет - как один день. Но в этом одном дне более 500 детей, которые были рядом со мной, а я всегда с ними. И, слава Богу, что они не забывают добрые традиции нашего ансамбля и, что особенно приятно, помнят меня и тех людей, которые трудились для их радости и счастья.
Нас приглашали участвовать в культурной программе чемпионата мира 2006 года по футболу в Германии. Ян Табачник звал нас в гости в Киев на съемки передачи «Честь имею пригласить». Плодотворным было творческое сотрудничество с Центром православной культуры «Лествица», так как они владеют огромным музыкальным архивом, а на сегодняшний день – это бесценное сокровище! Всегда прилагаем все свои усилия, старания и умения.
Все, что нами делается, – делается для родных, любимых детей!

Метки:  

Положение 3-го Международного фестиваля духовой музыки им. Василия Соколика «Фанфары Ялты» 27-31 мая 2011 г., Украина, АРК, город Ялта

Воскресенье, 20 Марта 2011 г. 16:24 + в цитатник
 (700x467, 274Kb)
Положение 3-го Международного фестиваля духовой музыки
им. Василия Соколика «Фанфары Ялты»
27-31 мая 2011 г., Украина, АРК, город Ялта

Организаторы : «Благотворительный фонд развития искусства им. Василия Соколика», СПД О.В.Соколик, при поддержке Министерства культуры и искусств Автономной Республики Крым и исполнительного комитета Ялтинского городского совета.

Цели и задачи фестиваля:
● объединить силы и возможности профессионалов – деятелей культуры и искусств, представителей творческой элиты, государственных организаций, в целях сохранения традиций духовой музыки
● создание принципиально нового праздника духового искусства, где финансовый критерий не является доминирующим
● привлечение внимания со стороны государственных, общественных и коммерческих организаций к проблемам творческих коллективов и исполнителей
●открытие дополнительных возможностей для общения деятелей культуры разных стран в третьем тысячелетии
● обмен опытом между музыкантами, повышение их профессионального мастерства, в том числе проведение мастер классов, «круглых столов» с участием СМИ и общественности
● учреждение и награждения премиями и стипендиями в области искусства, проведение благотворительных акций.
Общие положения.
Участники фестиваля – творческие коллективы и отдельные исполнители:
● духовые оркестры (студенческие, муниципальные, любительские и профессиональные)
● духовые ансамбли,
● солисты,
Возраст участников не ограничивается.

Оргкомитет и жюри Фестиваля:
Для организации Фестиваля создается Оргкомитет , куда входят организаторы фестиваля и представители городского совета. Оргкомитет утверждает состав Международного жюри Фестиваля.
Условия и порядок проведения фестиваля.
● Каждый участник фестиваля (оркестр, ансамбль) будет иметь возможность принять участие в марш-параде на Набережной Ялты, Торжественном открытии фестиваля, заключительном Гала-концерте. Участникам также будет предоставлено право выступления в конкурсном сольном отделении (до 30 минут, детские – до 15 минут) на открытой концертной площадке.
● В рамках Фестиваля состоятся открытые репетиции и мастер-класс с участием известных мастеров духовой музыки.
● В программе фестиваля предусмотрены экскурсии по Крыму, вечера неформального общения, а также концерт-капустник со специально подготовленным номером от каждого коллектива (до 10 минут).
● Заезд участников фестиваля 27 мая до 12 часов (пятница), выезд 1 июня 2011 года.
По предварительной договоренности возможно продлить время пребывания коллектива в Ялте.
Для участия в Фестивале необходимо:
● подать заявку на участие в Фестивале по электронной почте nidman3@yandex.ru до 20 апреля 2011 года (см. Приложение 1)
● к заявке об участии прилагается фотография 3*4 руководителя оркестра и фотография 9*12 всего коллектива в электронной версии (цветные, 3*4 см., 300 точек, JPG, TIFF).
В заявке обязательно указать райдер для выступления коллектива на концертной площадке.
● творческую характеристику коллектива и дирижера.
Оргкомитет не несет ответственность за утрату документом при пересылке и не рассматривает документы, присланные не полностью или с опозданием.
Специальные условия:
● конкурсная программа выступлений может включать произведения классической духовой, джазовой, народной или эстрадной музыки, согласно стилевым особенностям коллектива. Присутствие в программе произведений классической духовой музыки обязательно.
● программа должна обязательно содержать произведение страны участника Фестиваля.
● продолжительность выступления в Торжественном открытии фестиваля и Заключительном Гала-концерте - до 10 минут. Кроме того для выступления в церемонии открытия в репертуаре необходимо иметь «музыкальную визитку-фанфару»- до 16 тактов.
● произведения для исполнения Большим сводным оркестром будут высланы участникам фестиваля Художественным руководителем Фестиваля
● программа Гала-концерта определяется Художественным руководителем фестиваля по согласованию с коллективами
● для выступления в Гала-концерте участниками должно быть подготовлено дефиле до 10 минут, не входящее в программу конкурсного отделения.
Для поощрения участников фестиваля устанавливаются награды:
диплом лауреата 1-й, 2-й и 3-й степени, а также дипломы в различных номинациях.
Все награды согласуются с жюри, которое оставляет за собой право присуждать не все премии, определять победителей в номинации «Золотой тромбон», «Золотой баритон» и т.д., присуждать Гран-При Фестиваля, делить премии между исполнителями и т.д. Все решение жюри фестиваля являются окончательными и пересмотру не подлежат.
Организаторы Фестиваля оставляют за собой право на трансляцию, аудио - и видеозапись выступлений и бесплатное использование записанного материала без разрешения на то участников.
Финансовые условия:
Расходы по проезду участников фестиваля несут делегирующие их организации.
Оргкомитет фестиваля оказывает содействие в размещении участников фестиваля и обеспечению трехразовым питанием во время пребывания в Ялте. Проезд, питание и проживание участников оплачивают участники фестиваля. Проживание + питание от 17 $ в сутки за каждого участника фестиваля (сумма может незначительно меняться)
Фестивальный взнос составляет: для солистов 100 грн , для ансамблей до 4-х участников - 300 грн. , для ансамблей от 4-х до 10-ти участников - 350 грн., для оркестров - 550 грн. Все коллективы вносят один общий указанный взнос от всего коллектива.
Электронный адрес организатора фестиваля: nidman3@yandex.ru Оксана Соколик
План проведения фестиваля.
27 мая
17.00 – марш-парад духовых оркестров.
Торжественное открытие фестиваля (Набережная им. Ленина, площадь у памятника им. Ленина)
28 мая
15.00 – мастер-класс, репетиция сводного духового оркестра –
(Площадь у памятника им. Ленина)
09.00 - 12.30
16.00 - 19.00 – конкурсные выступления участников фестиваля –
(Площадь у памятника им. Ленина).
29 мая.
10.00-13.00 Экскурсионная программа.
13.00 –15.30 Мастер-класс ведущих специалистов в области
исполнительства на духовых и ударных инструментах.
17.00-18.00 Концертные выступления участников Фестиваля у памятника А.С.Пушкина (Пушкинский бульвар) и наНабережной у фонтанов (р-н театра им.А.П.Чехова)
19.00 – капустник «Музыканты улыбаются» (Ялтинский культурный центр).
30 мая
10.00 – морская прогулка "Музыка на воде".
16.00 - Пресс-конференция по итогам Фестиваля (арт-клуб FIOLET)
17.00 – Марш-парад духовых оркестров - набережная им. Ленина;
Гала-концерт, награждение лауреатов фестиваля - площадь у памятника им. Ленина;
21.00 Джем-сейшн – джаз-клуб музыкального салона "Черное море".

31 мая – разъезд участников фестиваля.

Б.Пиговат ««В этой жизни нет ничего случайного» -очерк Е.Николаевой

Пятница, 04 Марта 2011 г. 17:33 + в цитатник
 (246x177, 15Kb)


«В этой жизни

нет ничего случайного» -очерк Е.Николаевой

С композитором Борисом Пиговатом, моим старшим товарищем по Гнесинскому училищу, мы случайно пересеклись весной 2008 года, когда в Интернете, на сайте «Одноклассники» я наткнулась на вполне узнаваемое, даже по прошествии многих лет, лицо. Завязалась оживленная переписка, результатом которой и стала настоящая публикация. География жизненных маршрутов Бориса Пиговата весьма разнообразна и непроста1. Однако траектория его профессионального пути остается неизменной, и он продолжает следовать своему призванию с завидным упорством и постоянством. Преданность этого человека Музыке в конечном итоге оказывается щедро вознагражденной: он занят любимым делом, его произведения звучат во многих странах мира, он продолжает себя в учениках. О подобной самореализации в наше нестабильное время может мечтать любой музыкант. К настоящему времени Борис Пиговат является автором двух ораторий, двух симфоний, Реквиема для струнного альта и симфонического оркестра, четырнадцати симфонических поэм (шести – для симфонического оркестра и восьми – для большого духового
оркестра), произведений для струнного оркестра, камерно-инструментальной музыки. Далее привожу фрагменты моего виртуального интервью.

- Боря, насколько я помню, ты уже в училище, будучи студентом теоретического отделения, производил впечатление человека чрезвычайно серьезного, очень основательно погруженного в музыку. Никто и не сомневался в твоей композиторской будущности! А как же все начиналось, каким образом сформировались твои профессиональные пристрастия?

Никаких особых предпосылок к тому, что я стану композитором, ни в семье, ни в окружавшей меня обстановке не было. Мы жили в фабричном поселке на окраине Одессы. Отец – инженер-текстильщик – работал на суконной фабрике; мать была врачом там же в медпункте. Никакого отношения к музыке они не имели. Моя старшая сестра училась играть на фортепиано, но это было типичное для Одессы того времени явление. Когда меня, как и мою сестру, привели в районную ДМШ, я собирался (вернее, «меня собирались») поступать в класс фортепиано. Однако на тот момент не было желающих учиться на скрипке (в Одессе иногда такое случается), и меня определили быть юным скрипачом, хотя мечтал я о фортепиано. Естественно, заниматься на скрипке я не любил, а поскольку от меня требовали ежедневных домашних упражнений (точнее, звучания), то я часто закрывался на кухне, ставил на пульт очередной том Дюма и возил смычком по струнам. Смех-смехом, но все же эти семь лет «скрипичных страданий» дали мне ощущение инструмента. Когда сейчас мне приходится писать для струнных, я всегда представляю, как можно сыграть тот или иной аккорд, пассаж и стараюсь сделать партии удобными для исполнителей.

И быть бы мне еще одним одесским ребенком, умеющим немножко играть на скрипке, если бы не один человек – директор этой самой ДМШ № 4 на Слободке В. Д. Стаховский. Человек неуемной энергии (он и сейчас руководит хором), энтузиаст, пытавшийся нащупать новые пути детского музыкального образования, он создал особую теоретическую группу, в которую включил и меня. Мы занимались очень интенсивно, уже в 5-6 классе освоили элементарную теорию в объеме, аналогичном второму курсу теоретического отделения училища. На уроках сольфеджио мы пели хоралы из «Страстей» Баха, фрагменты моцартовского Реквиема, много другой хорошей музыки. Но главное, Стаховский пригласил консерваторского преподавателя гармонии, который вел у нас уроки сочинения. Так я впервые начал сочинять, и пьеса «Весна» для скрипки и фортепиано даже получила Вторую премию на Всеукраинском конкурсе детского музыкального творчества.

– С таким багажом уже можно было смело покорять Москву!

– Период обучения в музыкальном училище имени Гнесиных – это прекрасная пора юности, со всеми ее достоинствами и недостатками (включая чрезмерную категоричность некоторых суждений и поступков, о чем сожалеешь, став старше).

Преподавательский состав был замечательным: теоретические предметы вели доценты консерватории и гнесинского института – Б. К. Алексеев (гармония и сольфеджио), В. Н. Холопова (анализ музыкальных произведений), А. Г. Чугаев (полифония). Инструментоведение и индивидуальные занятия по свободному стилю проводил аспирант консерватории – А. С. Соколов, будущий профессор МГК и министр культуры России. Азы композиции я постигал под руководством О. К. Эйгеса – композитора и пианиста, яркого представителя старой московской интеллигенции. К сожалению, с третьего курса по неизвестной мне причине эти занятия прекратились, и я был предоставлен самому себе.

Особо я хочу сказать о преподавателе фортепиано (язык не поворачивается сказать – общего) Алле Андреевне Коллегаевой. Ученица С. Файнберга, она была яркой, артистической натурой, помимо музыки увлекалась поэзией и живописью. Ей я всегда мог сыграть новое сочинение и получить абсолютно искренний, благожелательный, но при этом предельно строгий с позиций художественного вкуса отзыв (кстати, далеко не всегда греющий самолюбие молодого автора). В целом, база знаний и навыков, полученная в училище, была настолько фундаментальна, что позволила чувствовать себя предельно комфортно во время учебы в вузе, а затем явилась серьезным подспорьем в последующей преподавательской работе.

– С учителями тебе действительно повезло. Но «московские университеты» ты проходил и вне стен Гнесинки!

– Москва обрушила на меня, провинциального подростка, подлинное цунами художественных впечатлений – концерты, спектакли, выставки… Уже в первый год я купил абонемент в БЗК «Лауреаты Ленинской премии» и послушал корифеев, которых знал только по пластинкам – Рихтера, Гилельса, Ойстраха, Ростроповича, Когана. В том же году я случайно попал на спектакль Венской оперы «Тристан и Изольда», что было невероятным событием. Вообще 1970-е годы в Москве были золотым временем с точки зрения концертной и художественной жизни. Приезжали со всего мира замечательные солисты и коллективы, привозились музейные экспозиции. В Москве тогда впервые стали появляться в продаже немецкие нотные издания. Не помню, чем я питался, но прекрасной нотной библиотекой, приобретенной в то время, я пользуюсь и сейчас.

Если же говорить о моих композиторских работах этого периода, то из довольно большого списка остались два сочинения для фортепиано, которые я считаю своими первыми произведениями (то есть я их не стесняюсь): это сюита «Маленький Принц» и Соната-баллада. Оба опуса в 1980-е годы были изданы – соответственно, чешским «Супрафоном» и нашей «Музыкой».

– Шлифовкой твоего композиторского имиджа в ГМПИ имени Гнесиных занимались признанные корифеи – Николай Иванович Пейко, Генрих Ильич Литинский и Юрий Александрович Фортунатов.

Я благодарен судьбе за то, что мне посчастливилось общаться с такими замечательными и такими разными педагогами. Еще в училище я неоднократно слышал, что профессор Пейко необычайно строг и требователен, что учиться у него трудно, но его студенты получают настоящую композиторскую школу. Поэтому, сдав вступительные экзамены в институт, я попросился в класс Н. И. Пейко. Я учился у Николая Ивановича в 1973–1978 годы, а затем – после пятилетнего перерыва – еще три года в заочной аспирантуре (как ассистент-стажер). С самого начала мне пришлось ощутить особый стиль работы профессора: я принес на урок фортепианную пьесу, а он оставил от нее лишь первые пять тактов и сказал: «Теперь можно начинать работать». И так продолжалось (в различных вариантах) на протяжении всего первого курса. Среди огромного количества музыкального шлака (как я сейчас вижу) он учил меня отыскивать те истинные зерна, из которых вырастет произведение, а затем находить наиболее естественный путь для их развития.

Вспоминается и другой случай из первого года обучения. В течение нескольких месяцев я писал цикл дуэтов для скрипки и виолончели. Прошел экзамен, я получил за эту работу отличную оценку, и только через несколько дней учитель осторожно спросил меня, знаком ли я с Квинтетом Шостаковича. Я тогда еще не знал это сочинение, хотя и был фанатичным поклонником его симфонической музыки. Николай Иванович поставил мне запись Интермеццо из Квинтета, и я с ужасом осознал, что тема одного из дуэтов буквально «слизана» оттуда: тот же ре-минор, такое же pizzicato виолончели и очень похожая фраза скрипки (в том же регистре, что и у Шостаковича, и даже обыгрывающая тот же звук «ля»). Короче, я почувствовал, что мои щеки пылают! И ведь Николай Иванович ничего мне не говорил, пока я писал этот дуэт, потому что, видимо, почувствовал, что сходство случайно, а пьеса получается хорошая и не стоит меня сбивать. Видя мое смущение, он начал меня успокаивать и приводить примеры невольных заимствований в творчестве великих композиторов. Особенно поразил меня шопеновский фрагмент в сочинении Шостаковича (жаль, что я сейчас не помню, о каких именно произведениях тогда шла речь). Вот и говори после этого о суровости Николая Ивановича!

– Поиски «своего» материала – это лишь одна сторона работы композитора. Битва за форму, как правило, происходит не менее драматично…

Конечно же, очень важно было научиться находить наиболее адекватную для воплощения музыкальной идеи форму. При этом из различных мест произведения подчас изымались не только «лишние» такты, но иногда и довольно значительные фрагменты уже написанной музыки. «Отжать воду» – так говорил Николай Иванович и, выразительно показывая руками, сравнивал этот процесс с изготовлением творога. Зачастую подобное отжатие происходило уже после завершения произведения или даже после его неоднократного исполнения. Так, например, он предложил мне исключить из четырехчастного струнного квартета вторую (медленную) часть, так как она мешала общей направленности всего цикла на финал. И случилось это уже после того, как квартет был исполнен на Всесоюзном фестивале молодых композиторов! На такую болезненную, но необходимую «хирургическую» операцию я сам вряд ли бы решился, хотя подспудно и ощущал какие-то неполадки в целостном восприятии цикла. Начиная с III курса, Николай Иванович почти не вмешивался в работу над материалом. Его указания стали носить более общий характер, однако всегда точно характеризовали суть проблемы, например: «Опять рвешь на себе рубаху уже на первой странице!» (это относительно трагедийной гиперэмоциональности, которой страдали мои произведения в тот период). Хочу подчеркнуть, что на протяжении всех лет учебы у Пейко у меня было ощущение потрясающего творческого резонанса, совпадения основных художественных критериев. Видимо, поэтому я так спокойно относился к его суровой школе – меня убеждали все его доводы. Николай Иванович был для меня идеальным учителем, и мне очень нравилась его музыка – а ведь это очень важно для ученика.

Мой профессор поражал энциклопедичностью своих знаний. Мы занимались у него дома, и при возникновении той или иной проблемы он тут же доставал ноты и показывал, как справлялись с подобной ситуацией другие композиторы. Мы слушали много музыки, которую он затем анализировал, и часто засиживались допоздна с партитурой какой-нибудь оперы. Учитель старался предельно расширить наш кругозор, поэтому знакомил нас и с произведениями, которые ему самому активно не нравились, но, тем не менее, он считал полезным наше знакомство с ними. В его домашнем собрании хранились многие уникальные документы, которые в публичных библиотеках можно было получить только по специальному разрешению. Это была эпоха «золотого застоя» – «благополучные» 1970-е, когда острые углы недавней истории подвергались тщательной ретуши. Но обходить жесткие реалии стороной было не в характере Николая Ивановича. Поскольку я тогда очень интересовался всем, что касалось Д. Д. Шостаковича, он дал мне возможность прочитать материалы, связанные с кампанией против формализма, включая полную стенограмму Первого Всесоюзного съезда композиторов. Результатом стало потрясение, которое открыло мне глаза на многое и произвело подлинный переворот в сознании.

Главный урок, который я вынес из класса Николая Ивановича Пейко, можно свести к следующему: никогда не идти на компромисс с самим собой, не жалеть усилий и времени в поисках наилучшего, а иногда и единственного решения, уметь отказаться от написанного, если этого требует совершенство целого. И еще – он научил меня быть самим собой, не подстраиваться под модные тенденции и достойно идти своей дорогой, «сохраняя лицо». И мне иногда кажется, что для меня это даже важнее, чем все остальное.

– О Генрихе Ильиче Литинском говорили, что у него училась половина композиторов СССР, а вторая половина - у его учеников.

Практически так оно и было на самом деле! Достаточно сказать, что и Н. И. Пейко, будучи в консерватории учеником Н. Я. Мясковского, в музучилище занимался у Литинского. Литинский был признанным патриархом советской композиторской школы, и его имя среди студентов-композиторов (да и не только студентов) было – Генрих Великий. Мой друг Юра Семашко (ныне покойный) и я занимались у него по полифонии, но он никогда не делал различий между нами и студентами своего композиторского класса. Когда я произношу имя Генриха Ильича, у меня на лице непроизвольно появляется улыбка: так много света излучал этот человек. У него было особое, заботливо-трепетное отношение к ученикам. Он настолько щедро делился с нами своей положительной энергией, что иногда хотелось прийти и посидеть в его классе – просто так. Его уход (как мне рассказывали) был достойным завершением всей его жизни: он закончил работу над новым сочинением, поставил точку, а на следующее утро не проснулся.

На уроках полифонии (особенно строгого стиля) он придерживался старинного метода преподавания «от мастера к ученику» – «делай, как я». Он показывал, что и как нужно сделать, и только потом, когда мы выполняли упражнение по его стопам, он подробно объяснял, что и почему у нас получилось. Видя перед собой такого учителя, покоренные его личностью, мы не могли не стараться выполнять все работы по максимальной программе. Например, в порядке вещей были 12–14-голосные имитации строгого письма, а экзаменационная суточная фуга могла иметь вид оркестровой партитуры (разумеется, с прелюдией). В его классе полифонии хотелось «сворачивать горы» – и я, и Юра Семашко ощущали это именно так. При изучении свободного стиля наши работы все больше и больше превращались в оригинальные сочинения, и поэтому я всегда считал, что у меня было два учителя по композиции – Николай Иванович Пейко и Генрих Ильич Литинский.

Генрих Ильич дал нам в руки инструмент с тем, чтобы мы никогда специально не задумывались над способом его использования – это как дыхание, голоса должны быть пластичны и естественны в своем развитии. Что касается сознательного введения полифонических приемов и форм, то мне в связи с этим вспоминается его фраза: «Когда композитор не знает, что ему делать в разработке, он пишет фугу или фугато». Главный урок, который мы хорошо усвоили, заключается в избегании стереотипных решений.

– А когда ты начал общаться с Ю. А. Фортунатовым?

С Юрием Александровичем я познакомился в начале 1880-х, когда стал регулярно ездить в ДТК Иваново на семинар молодых композиторов. Если попытаться дать определение тому, каким мы видели Фортунатова, то мне он кажется Поэтом и Магом оркестра! Думаю, что в этой области ему не было равных. Он приучал нас любить каждый инструмент оркестра, искать и находить наиболее выразительные его черты и успешно их использовать, уметь отказываться от стандартных решений. Зачастую предлагаемые им варианты инструментовки казались парадоксальными, но они призваны были максимально усилить выразительность музыки. Не раз бывало, что рекомендованный им вариант удивительным образом высвечивал скрытые даже от самого автора сильные стороны созданного им музыкального материала. Например, Юрий Александрович как-то посоветовал мне добавить солирующую трубу к группе высоких виолончелей, в результате вдруг «прорезался» и стал доминирующим ламентозный характер мелодии. А как сделать, чтобы арфа звучала так, словно у нее есть продлевающая звучание педаль, подобная фортепианной, и в то же время придать ее тембру некий «неземной» оттенок? Оказывается, для этого нужна четырехзвучная тишайшая педаль тремолирующей маримбы. Раньше я бы и не задумался об этом – ведь у арфы все-таки звук тянется, хотя и не так, как на фортепиано (кроме того, по обыкновению можно подставить педаль струнных – все так делают!).

Однажды я обратился к Юрию Александровичу за советом – по поводу предполагаемой пьесы для квартета тромбонов. Как мне тогда казалось, я знал достаточно о возможностях этого инструмента, но был уверен, что мэтр подскажет мне нечто абсолютно новое и неожиданное. Он сказал: «Забудь, что ты пишешь для тромбонов, пиши сочинение для квартета виолончелей, а потом отдай его тромбонам». И всё! Парадоксальный совет, не так ли? Но он открыл передо мной такие ресурсы, о которых я и не помышлял. И теперь, работая над оркестровым произведением, я стараюсь все делать так, как если бы продолжал консультироваться у Юрия Александровича.

– Каким же образом ты после Одессы и Москвы попал в Таджикистан?

Очень просто! Моя жена родом оттуда, мы учились на одном курсе, поженились во время учебы и по ее завершении распределились на работу в Душанбе – столицу Таджикистана. Должен сказать, что поначалу я получил определенный культурный шок: это была другая страна (хотя все тот же великий Союз), другие люди, обычаи, нормы поведения. Это была совершенно другая жизнь – с намного более медленным (особенно по сравнению с Москвой) темпом, другая ментальность.

Для меня, как композитора, самым важным, что я вынес из двенадцати лет жизни в Таджикистане, оказались принципы работы с внеевропейским музыкальным материалом. И этим бесценным опытом я обязан одному человеку – Набиджану Абдуллаеву, дирижеру оркестра таджикских народных инструментов. Противоречивый и импульсивный, имевший как преданных друзей, так и непримиримых противников, он был буквально одержим одной идеей: он стремился сделать шашмаком (особый пласт профессионального музыкального искусства устной традиции) доступным, с одной стороны, для европеизированного уха и одновременно открыть новые краски этого искусства для традиционного слушателя. Он хотел, чтобы эта унисонная музыка обогатилась такими завоеваниями европейской музыкальной культуры как гармония, контрапункт, оркестровая фактура, но при этом не потеряла своей «особости». Мелодию надо было не просто обработать, а максимально усилить ее воздействие на слушателя, как бы укрупнить унисонную основу. Все средства музыкального языка призваны были органично вписаться в общую музыкальную ткань, диктуемую мелодической линией. По идее Абдуллаева, целью работы композитора в рамках данного жанра должно быть не самовыражение, а растворение в макоме…

Я погрузился в этот новый для меня океан музыки и начал чувствовать изгибы мелодического развития буквально физически. Аудж (кульминационный раздел) в мощнейшем исполнении 60-летней Барно Исхаковой мог привести меня в состояние экстатического восторга, равно как и бесчисленное множество поклонников этого искусства.

Я обработал несколько жемчужин шашмакома, таких как «Синахуруш», «Бебокча» и «Муноджот». Они потом были записаны на пластинку ОНИ Узбекистана, солировала Барно Исхакова. Когда я увидел слезы на глазах звукорежиссера после записи «Муноджот» (там аудж в сопровождении оркестра прозвучал особенно впечатляюще), я понял, что со своей задачей я справился. Этот опыт постижения иного музыкального мира, «растворения» в нем и превращения его в мой собственный стал для меня поистине бесценным. Он очень пригодился мне позже – в Израиле, когда я писал симфоническую поэму «Ветер Йемена» и некоторые другие произведения. Сейчас я четко осознаю, что приобрел эту способность к органичному «вживанию» только благодаря сотрудничеству с Набиджаном Абдуллаевым.

– Проблема стилистической идентификации композитора в разные эпохи и решалась по-разному. Однако (как это уже часто случалось в истории музыки), авангардные течения – по прошествии времени – обнаруживали подспудную преемственность с традицией, а пресловутый консервативный академизм вдруг становился необычайно актуальным и даже новомодным. Нечто похожее наблюдается и сейчас – в пестрой панораме современной музыки.

А что вообще принято называть современной музыкой? Музыку, написанную нашими современниками, или же музыку, соответствующую неким эстетическим, стилистическим и композиционно-техническим канонам, установленным авторитетной и доминирующей в музыкальном мире группой музыкантов в качестве критериев так называемой новой музыки? Этот вопрос совсем не праздный. Он до сих пор дискутируется в кулуарах такой организации, как ISCM (International Society for Contemporary Music), национальными секциями которой являются союзы (объединения, лиги) композиторов различных стран. Некоторые из национальных секций (например, австрийская, германская) в своих названиях определение современная музыка заменяют эпитетом новая. В полной мере я ощутил наличие этой дискуссии на фестивале ISCM «World Music Days 2000» в Люксембурге, где исполнялась моя Симфоническая поэма для духового оркестра. После концерта к руководителю израильской делегации подошел его немецкий коллега и сказал: «Это хорошая пьеса, но она не соответствует направленности фестиваля. Это не новая музыка» (замечу, что поэма была отобрана для исполнения оргкомитетом фестиваля). И председатель СК (Лиги) Израиля (сам, кстати, достаточно «левый» композитор) ответил так: «Возможно, это не новая музыка, но это – современная музыка». Мое сочинение действительно выглядело нонсенсом на фоне остальной программы фестиваля, а его автор казался представителем другого мира.

Однако это ощущение для меня не ново – оно сопровождает меня со студенческих лет. В тот период композиторская молодежь (да и не только молодежь) заметно «полевела». Я постоянно ходил на концерты в ВДК, участвовал во всесоюзных студенческих конференциях и фестивалях молодых композиторов, слушал много «новой» музыки и чувствовал себя абсолютно потерянным. Это сейчас такое время (часто определяемое словечком постмодернизм), когда стилистический плюрализм в моде, любое направление релевантно и никто (почти) не упрекнет тебя в старомодности. Но представьте себе такого постмодерниста в самый разгар модернизма! Можно сказать: «он опередил свое время» (звучит красиво и успокаивающе, не правда ли?), а можно и так: «он ретроград и конформист, безнадежно отстал от своего времени»! До сих пор помню определение, которое я прочитал в стенгазете Ленинградской консерватории по поводу своего струнного квартета, исполненного в рамках Всесоюзного фестиваля студентов-композиторов: «пожелтевшие страницы». У меня тогда еще не выработался иммунитет на подобные вещи, и я чувствовал свою ущербность. Поверьте, ощущение не из приятных!

– Неужели у тебя не возникало соблазна поддаться общему поветрию?

Я честно старался измениться и, что называется, шагать в ногу со временем. Я штудировал партитуры, которые удавалось достать; «перекопал» от корки до корки только появившуюся тогда книгу Ц. Когоутека о техниках композиции в музыке XX века, но, прежде всего, я слушал, слушал, слушал… и потихоньку приходил в отчаянье. Не могу сказать, что мне не нравилось все, что я слышал. Я очень люблю многие произведения Шнитке (правда, я никогда не воспринимал его как модерниста), а его Виолончельный концерт ввергает меня в состояние благоговейного ужаса и одновременно какого-то мистического восторга. Я преклоняюсь перед колоссальной мощью его таланта! Еще в конце 1960-х я пристально заинтересовался творчеством Пендерецкого: это, в конечном счете, привело к написанию работы «Интонационные модели в «Страстях от Луки» Пендерецкого», которая стала музыковедческой частью моего композиторского доктората. Но в большинстве случаев новая музыка, которую я слушал в концертах и в аудиозаписях, никак меня не убеждала, не находила во мне должного эмоционального отзыва. Все это было не мое, и я ничего не мог с этим поделать. Мне оставалось или ломать себя в угоду конъюнктуре, или «сохранить лицо», но быть «чужаком». Это было нелегкое для меня время, и как-то Николай Иванович Пейко сказал по поводу моей ситуации: "Представь, что ты идешь и несешь на голове прекрасную хрустальную чашу, а на тебе нападают собаки. Ты можешь отбиться от них, но при этом уронишь чашу, и она разобьется. Ты можешь сохранить ее, но тогда будешь искусан. Вот и делай свой выбор". Ну что ж, я свой выбор сделал.

– В свое время «левизна» советской композиторской молодежи была своеобразной формой протеста против официоза, попыткой плыть против течения.

Вот именно. Но затем эта фронда сама превратилась в очень мощное господствующее течение, против которого теперь предстояло плыть мне. Думаю, что с этой задачей я в результате справился. И вот что интересно – у меня выработался своеобразный иммунитет против нападок на «несовременность» моих сочинений, хотя мне порой кажется (возможно, я и ошибаюсь), что я не такой уж «замшелый» традиционалист. Конечно, я счастлив, когда мне удается сочинить яркую, красивую тему. Я очень люблю чистые гармонические краски, стараясь найти и передать некое ощущение красоты и покоя. Воплощение красоты в музыке всегда было и будет актуально, потому что любование прекрасным облагораживает человеческую душу. Но, когда возникает необходимость (в связи с замыслом произведения и естественным развитием материала), я использую любые средства из арсенала современной композиторской техники, то есть я не «зашорен» своей приверженностью к традиции.

Главное для меня – это эмоциональное воздействие музыки на слушателя. Если мне удается заставить его сопереживать (часто помимо его воли), я считаю свою задачу – нравственное очищение через эмоциональное переживание – выполненной. Кстати, мои «старомодные» произведения почему-то очень нравятся исполнителям, а это залог того, что сочинения будут сыграны с полной отдачей, и их энергетический заряд будет передан слушателям адекватно.

– С 1990 года твоя линия жизни опять делает зигзаг: ты переезжаешь в Израиль.

Эта земля завораживает, она обладает какой-то совершенно особой энергетикой – недаром ее считают Святой Землей трех религий. Попав сюда, я как-то незаметно для себя совершил резкий стилистический и качественный скачок, причем поначалу я этого абсолютно не ощущал и не понимал. А сейчас, оглядываясь на прожитые в Израиле 18 лет, я вижу четкую грань между всем, что было создано до 1990 года и после – как будто это произведения двух разных композиторов.

В общем, я могу сказать, что Россия воспитала меня, дала мне прекрасное образование и лучших учителей, а Израиль даровал мне возможность максимальной самореализации.

– А теперь вопрос, на который композиторы иногда затрудняются ответить: как ты пишешь, как у тебя протекает сам процесс сочинения?

Мне вспоминается, что пишет по этому поводу П. И. Чайковский в ответ на просьбу Н. Ф. фон Мекк рассказать о своей работе. «Вы хотите знать процесс моего сочинения? Знаете ли, друг мой, что на это отвечать обстоятельно довольно трудно, ибо до крайности разнообразны обстоятельства, среди которых появляется на свете то или другое сочинение». В этом письме от 24 июня 1878 года (как и в нескольких других) Чайковский дает настолько точные характеристики различных стадий и аспектов творческого процесса, что я готов подписаться под его каждым словом. Перечитывая недавно эти письма, я невольно поймал себя на мысли, что все переживания Петра Ильича, сопутствующие сочинению музыки, почти буквально совпадают с моими собственными ощущениями. Вслед за Чайковским я бы выделил несколько существенных этапов композиторского труда:

1. Возникновение общей идеи сочинения.
2. "Погружение" в эмоциональную атмосферу сочинения, "разогрев" – эмоциональная настройка на работу.
3. "Нащупывание" исходного материала, соответствующего общей идее и эмоциональной атмосфере будущего произведения.
4. Формирование основного композиционного плана (который, впрочем, довольно часто радикально изменяется).
5. Собственно написание нового произведения.
6. "Доводка" написанного материала.



Должен сразу оговорить, что работа над новым сочинением не всегда так аккуратно "разложена по полочкам". В реальности грани между различными ее фазами бывают стерты – что-то может проходить параллельно, переплетаться и т. д.

Итак, возникновение замысла. Речь идет не о какой-то музыкальной идее (то есть не о музыкальном материале), а о настроении, образах и эмоциях, часто – о жанре, которые хочется воплотить. Материал придет потом, а пока внутри тебя просто формируется какое-то "ощущение" будущего произведения, предчувствие его появления. В ряде случаев начальная идея сочинения рождается как результат сильного эмоционального потрясения. Так, например, Фортепианную сонату (1988) я написал после просмотра фильма Т. Абуладзе "Покаяние", вызвавшего у меня подлинный эмоциональный шок. Пьеса "Тихая музыка" (1997) родилась после целой серии жутких терактов.

Но порой бывает, что проходит большой промежуток времени, прежде чем начальный замысел, рожденный бурей испытанных тобой эмоций, воплотится в произведение. Например, симфоническая поэма «Lest we forget» дозревала около десяти лет – с 1999 по 2009 год.

В других случаях произведение возникает в результате желания отразить в звуках образы литературных или живописных первоисточников. Так были написаны «Алые паруса» для скрипки и фортепиано (по А. Грину), «Блуждающие звезды» для арфы соло (по Шолом-Алейхему), «Весна» для пикколо и арфы и «Рождение Венеры» для скрипки с оркестром (по картинам Боттичелли).

Иногда идея сочинения возникает, как желание переключиться в иную эмоциональную сферу, найти противовес тем эмоциям, которые властвовали над тобой при создании предыдущего сочинения. Так случилось, когда я уже завершал «Lest we forget» (я буквально задыхался в ужасной атмосфере этого произведения). Тогда я решил написать безоблачную красивую романтическую музыку – и появилась симфоническая поэма «Волшебный сад».

Бывает, что идея нового сочинения приходит как бы «ниоткуда». Ты работаешь над каким-то произведением, и вдруг появляется музыкальный материал, никакого отношения к твоей нынешней работе не имеющий. Ты не знаешь, откуда он пришел, почему возник (это уже тайны подсознания). Новый материал вдруг пробуждает идею и образы будущего сочинения, хотя, признаюсь, такая последовательность событий более редка.

Все сказанное выше относится к тем сочинениям, «которые я пишу по собственной инициативе, вследствие непосредственного влечения и неотразимой внутренней потребности» (опять цитата из письма Чайковского – что делать, если он так прекрасно формулирует?!).

Другая группа сочинений – это те, которые пишутся по просьбе или на заказ. И тогда самый правильный путь – принять это как свою собственную идею изначально. Иначе мысль о том, что тебе навязывают замысел, может испортить все дело. В этом случае очень важно найти некую «изюминку», которая подскажет идею и характер произведения. Иногда это могут быть характерные черты исполнительского стиля того или иного музыканта (например, чрезвычайно теплый и насыщенный звук). Подчас приходится сталкиваться с такими необычными составами, что необходимо сначала найти программу, которая направит в определенное ассоциативное русло все поиски и определит образы и атмосферу сочинения, позволив адекватно использовать тембровую палитру инструментального ансамбля. Однажды меня попросили написать пьесу для флейты, фагота и арфы (в то время как общепринятый стандарт со времен Дебюсси – флейта, альт и арфа). Я, прежде всего, предположил, что это может быть любовный дуэт на фоне такого древнего и колоритного инструмента как арфа. Отсюда возникла ассоциация с библейской «Песнь Песней»: так и появилась пьеса «Суламифь».

В ряде случаев для заказных произведений я, прежде всего, ищу программную идею, которая меня «заведет» и подскажет направление поисков. Я люблю писать музыку с программной подоплекой, хотя обычно такая канва носит самый общий характер. Но случается и так, что найденный материал перерастает избранную программу, его развитие входит в противоречие со схемой, и тогда я становлюсь «на сторону» музыкального материала – трансформирую программу или вообще от нее отказываюсь. Важно, что свою исходную функцию – «разогреть» воображение и направить творческий поиск по определенному руслу – программа уже выполнила.

Следующая фаза процесса – «подогрев», настройка на работу. Обычно это бывает необходимо, когда собираешься писать произведения не по внутреннему побуждению, а по просьбе или заказу. Опять призову на помощь П. И. Чайковского: «Для сочинения второго разряда (то есть «заказного» – Б. П.) иногда приходится себя настраивать». Или: «Нужно подогревать себя, – иначе далеко не уйдешь».

Существуют несколько произведений (точнее, несколько частей из симфоний), прослушивание которых воздействует на меня как своеобразный творческий допинг. Назову лишь два из них – Adagio из Восьмой симфонии Брукнера и I часть (опять-таки Adagio) из Десятой симфонии Малера. К ним можно добавить и реконструированную Д. Куком пятую часть той же малеровской симфонии с ее какой-то совершенно неземной трепетной флейтовой темой.

Музыка этих произведений, по моему мнению, настолько вдохновенна и совершенна, что она буквально завораживает мощью величественной красоты, заставляет резонировать какие-то потайные струны твоей души и пробуждает (причем в любой ситуации и состоянии) непреодолимое желание эмоционального отклика, потребность сочинять. В этом есть какая-то магия! Но даже ощутив этот прилив творческой энергии, я обычно не спешу приступать к работе, так как для меня существует еще один предварительный этап подготовки – погружение в специфическую звуковую атмосферу (опять-таки подчеркиваю, что все здесь сказанное не относится к работе над всеми произведениями, хотя бывает довольно часто).

Если я задумал сочинение для какого-либо сольного инструмента (с оркестром или без) или для инструментального состава, я начинаю слушать много музыки, написанной для этого инструмента или ансамбля. Моя цель при этом – не только (и не столько) посмотреть и поучиться, как другие композиторы используют этот инструмент/ансамбль (хотя я в этом не вижу ничего зазорного). Главное – «впитать в себя» тембр инструмента, его специфические особенности, добиться, чтобы его звучание стало твоей внутренней сущностью, чтобы было ощущение, что ты сам хорошо и давно играешь на этом инструменте и ты можешь в любой момент мысленно воссоздать его звучность во всем богатстве красок. Если же я пишу для конкретного исполнителя, то стараюсь послушать как можно больше произведений в его исполнении с тем, чтобы максимально прочувствовать его исполнительскую манеру, как бы идентифицироваться с ним.

Предварительная работа нужна и тогда, когда замысел произведения требует от тебя «захода на чужую территорию», где ты раньше никогда не бывал (с точки зрения жанра, стиля, интонационной атмосферы). Так, сочиняя Концертный марш для духового оркестра (бывает в жизни и такое), я прослушал огромное количество маршей для того, чтобы усвоить основные стандартные формулы и в дальнейшем либо избегать их, либо осознанно использовать, "преодолевая изнутри".

Или другой пример. Когда я работал над IV частью «Сказок» (с подзаголовком «Из 1001 ночи»), я в течение двух месяцев слушал и расшифровывал (что особенно важно, так как эти интонации нужно было «пощупать») образцы музыкального фольклора исламских стран. Постепенно происходит своеобразное вживание в материал: ты начинаешь себя чувствовать композитором, который постоянно пишет именно такую музыку; при этом что-то поворачивается в сознании – идет полное переключение, меняется стиль и мироощущение. На мой взгляд, это даже не «смена масок», так как происходит нечто похожее на раздвоение композиторского Я. При этом Я прежний стараюсь всем своим композиторским опытом и навыками, знаниями и ощущениями помогать себе новому, «локальному».

Вся эта предварительная стадия («подогрев» и настройка на работу) постепенно вводит меня в состояние нетерпеливого ожидания, предвкушения работы. И здесь наступает следующий этап, который я называю «нащупыванием» материала. Мне кажется, что это слово наиболее точно отражает сущность процесса, ибо я действую практически вслепую. Уже охваченный эмоциональной атмосферой будущего сочинения, я сажусь к роялю и начинаю импровизировать – искать тематические зерна, соответствующие образной направленности задуманного произведения. Ситуация не из приятных – я вроде бы знаю (точнее – ощущаю), ЧТО мне нужно, но абсолютно не представляю, КАК это выглядит. Период начального поиска может быть очень коротким – иногда даже нисходит некое «озарение», и искомый материал появляется буквально с первой минуты работы. Но, случается, что этот начальный поиск затягивается, и ты начинаешь беситься от чувства собственного бессилия и беспомощности, от неумения найти единственно возможный и необходимый материал. Подчас кажется, будто ты, наконец, нашел то, что нужно, а на следующий день все приходится зачеркнуть и начать сначала.

На этом этапе очень важно не жалеть себя и не идти на компромисс, ибо от найденного сейчас зерна будет зависеть судьба всего сочинения. Здесь главное не «сфальшивить» – материал должен полностью соответствовать образной идее и эмоциональному настрою будущего произведения: любая неточность, любая «слабина» на этом этапе потом отрицательно скажутся на конечном результате. Поэтому – терпение, терпение и еще раз терпение!

Воистину, как у Маяковского – «Изводишь единого слова ради тысячи тонн словесной руды». Но, как я уже отметил, к моему счастью, искомый материал часто появляется уже очень скоро после начала «нащупывания». Кстати, вовсе не обязательно, что это будет главная тема произведения: важно, чтобы «процесс пошел». Однажды я вначале «набрел» на материал для коды сочинения, и уже он как магнит «притянул» к себе другие темы.

Постепенно подходящий материал накапливается, начинает группироваться, и с этого момента вырисовывается конструктивный план сочинения. Весь имеющийся материал я заново перераспределяю и записываю в различные блоки в соответствии с намеченным планом, а затем все приходящие идеи вносятся в тот блок, который наиболее для них подходит (иногда сразу в два или три блока). После этого начинается последовательная работа в соответствии с эскизным планом, который в процессе может и измениться. При этом главное – не бояться отказаться от материала, который тебе очень нравится, но есть в нем нечто, что не «вписывается» в общую картину. Здесь очень важно доверять своему чутью, внутреннему контролеру. Нужно убедиться, что «кирпичик» находится на том единственном месте в «кладке», которое для него предназначено, и что вообще данный элемент предназначен именно для этого «здания». Этот процесс идет далеко не всегда последовательно от начала произведения к концу, то есть работа идет кусками, с большим количеством эскизов.

Должен сказать, что процессы накопления материала и построения подробного композиционного плана обычно идут параллельно и взаимодействуют, хотя самая общая конструкция произведения формируется в сознании еще тогда, когда обдумывается первоначальная идея сочинения. В целом композиционный план не является чем-то незыблемым, он постоянно варьируется, уточняется и обрастает деталями по ходу работы: все делается для того, чтобы структура была сбалансированной, убедительной и чтобы ничто не препятствовало естественному развертыванию музыкального материала (опять-таки, главный критерий здесь – твое внутреннее чутье и многолетний опыт).

Случается, что планируешь заняться одним разделом, а как только садишься за инструмент, руки (а точнее, подсознание, «зацепившееся» за какую-нибудь мелодическую, гармоническую или фактурную формулу) начинают «выдавать на-гора» что-то совершенно иное, подходящее к другому разделу, и ты бросаешь все свои намерения на этот день и следуешь за материалом. Иногда несколько дней ничего не получается, и тогда необходимо «отпустить» ситуацию, переключиться на другой материал и дать свободно работать подсознанию – и в какой-то момент правильное решение придет. Не надо переживать, когда что-то застопорилось. В таких случаях, как говорил Г. И. Литинский своим ученикам: «Если ты просидел пять часов перед пустым нотным листом и не написал ни одной ноты, то ты провел день с пользой».

В процессе всей этой длительной, скрупулезной и где-то мучительной работы постепенно вызревает какое-то новое состояние: ты погружаешься в материал, ты в нем существуешь, дышишь его атмосферой, начинаешь его чувствовать, как часть себя. В какой-то момент приходит ощущение некоего прорыва, изменяется качество всего процесса. Вспоминаются документальные кадры о подготовке первых космонавтов, когда самолет преодолевает определенный скоростной рубеж, и возникает качественно новое состояние – невесомость. Так и в нашей работе. Вдруг наступает период, когда материал «ловит» тебя повсюду, в самое неподходящее время. Он звучит в голове уже в тембре, тональности, со всеми аттрибутами фактуры – только успевай записывать. Я несколько раз потерял очень хорошие темы лишь потому, что не смог их удержать в памяти, и теперь в такой период никуда не выхожу без нотных записных книжек.

В эти моменты «озарений» не задумываешься над подробностями – все можно будет сделать потом, во время «доводки». А сейчас главное – «нестись в потоке». Начинается фейерверк идей, «фонтанирование». Вдруг все начинает получаться, и ты понимаешь, как лучше решить ту или иную проблему в развитии материала и в построении формы. Максимально обостряется чутье на внутреннюю фальшь. Ты работаешь как бы под диктовку, материал тебя «ведет», нужно только уметь к нему прислушаться. Это какое-то лихорадочное состояние (Чайковский назвал его сомнамбулическим): бывает, что вскакиваешь среди ночи, чтобы записать мелодическую или ритмическую формулу, пульсирующую в голове – иначе не сможешь заснуть.

Потом, когда это состояние творческого горения заканчивается, начинаются «доводка» и «чистка». Здесь уже идет проверка и подгонка всех деталей – тут что-то убрать, там добавить контрапунктическую линию, здесь изменить фактуру и т. д. и т. п. Иногда в целом разделе есть необходимость изменить всего лишь бас одного аккорда (я с этим столкнулся на днях), чтобы исчезло ощущение некоего дискомфорта, когда что-то мешает, «жмет» или «плохо сидит»… Когда вся работа завершена и произведение готово, ты (примерно через месяц) недоуменно оглядываешься назад: как же это я сделал?

– Какое из своих произведений последних лет ты считаешь особенно значительным?

Я считаю самым важным своим созданием – Реквием «Холокост» для струнного альта и симфонического оркестра.

- Для обращения к подобной теме нужна очень серьезная мотивация. Расскажи о своей работе над этим произведением.

Холокост (Катастрофа) для меня – не абстрактный символ, отражающий одну из самых трагических страниц в истории еврейского народа. Тема Холокоста глубоко личностна: родители моего отца и его младшая сестра были убиты в Киеве в первый же день Бабьего Яра – 29 сентября 1941 года. С детства я помню рассказы отца о семье. В возрасте 9-10 лет я ездил с ним в Киев, были мы и в Бабьем Яру. Возможно, я далеко не все понимал, но это прочно отложилось в подсознании. Когда мне было пятнадцать, в библиотеке я нашел книгу о Нюрнбергском процессе – с обильными документами и фотографиями. Подобный шок я испытал потом только однажды – в Иерусалимском Музее Катастрофы «Память и имя».

Много лет я подступал к теме Холокоста, но никак не мог решиться - боялся, что не справлюсь, не подниму этот груз. И только в 1994-м, спустя три года после приезда в Израиль, я понял, что могу начать работу. Я так подробно рассказываю всю предысторию потому, что в дальнейшей судьбе этого сочинения есть нечто мистическое. Я не сообщал отцу, по-прежнему жившему в Одессе, что пишу произведение о Холокосте. Он в то время уже был тяжело болен - два года не вставал с постели и мог уйти из жизни в любой момент. Я закончил Реквием, а через день получил известие, что папа скончался. Может быть, это случайное совпадение, но возможно и то, что сочинение, о котором он не знал, было для него не менее важно, чем для меня самого. И он словно ждал завершения этой работы. Кто знает…

Все это случилось в начале 1995 года. Через несколько месяцев я послал партитуру Реквиема на анонимный (под девизами) композиторский конкурс, проводимый организацией ACUM (израильский аналог американской ASCAP). На этом конкурсе присуждается только одно призовое место, и Реквием его получил. В течение последующих лет я пытался найти возможность для исполнения Реквиема. Это было непросто – добиться премьеры 45-минутного произведения, написанного незнакомым широкой публике автором. Тем не менее, у меня уже был прекрасный солист – Юрий Гандельсман, концертмейстер группы альтов в Израильском филармоническом оркестре. Нашелся и дирижер – Стенли Спербер, главный дирижер симфонического оркестра Хайфы: ему Реквием сразу понравился, и он очень хотел исполнить это сочинение. Была уже назначена дата премьеры (30 июня 2000 года, под занавес концертного сезона), но за месяц до концерта все было отменено из-за нелепой технической неувязки. Перенесли премьеру Реквиема на следующий сезон, и – опять отмена: выяснилось, что на этот раз не будет обещанного финансирования.

В том, что после такой двойной отмены премьера все-таки состоялась – а состоялась она в Киеве, в концерте, посвященном 60-летию трагедии Бабьего Яра – я вижу руку Провидения. Это было чудо: как будто судьба хотела, чтобы именно таким образом «завершился круг».

- Почему ты обратился к жанру реквиема, а не выбрал нечто иное, например, симфонию?

В течение столетий реквием, как музыкальный жанр, в достаточной степени обособился от культового первоисточника, но при этом продолжает нести колоссальную семантическую и эмоциональную информацию, которая воздействует на слушателя, но прежде - на самого композитора. Текст, а точнее, его эмоциональная и смысловая сущность, как бы незримо присутствует в моем бестекстовом инструментальном опусе. И достаточно кодовых слов, заключенных в названиях частей, чтобы слушатель настроился на восприятие всего информационного слоя канонической латыни (естественно, для инструментального сочинения я не мог использовать все части традиционного реквиема: я выбрал те четыре, которые наиболее соответствовали моему замыслу симфонического сочинения – Requiem aeternam, Dies irae, Lacrimosa и Lux aeterna).

В своем произведении текстовый вектор я постарался усилить также с помощью особого приема – путем введения фактурных и мелодико-ритмических формул, создающих эффект звучания хора, словно поющего “Requiem” и “Requiem aeternam”, а в начале второй части тромбоны исполняют основную тему, которую можно было бы подтекстовать строками: “Dies irae, dies illa solvet saeclum in favilla, teste David cum Sybilla”.

- А как пришла мысль сделать Реквием инструментальным?

В какой-то момент я вдруг решил уйти от прямого использования хора. Мне показалось, что текстовая информация начнет доминировать над музыкальным и эмоциональным посылом. Я хотел добиться более непосредственного, прямого эмоционального воздействия на аудиторию и чувствовал, что текст будет мне мешать. Тогда я и задумался об оркестровом решении. Для окончательного оформления замысла мне не хватало некоего внешнего толчка. И когда Юрий Гандельман – альтист, которого я знал еще по совместной учебе – предложил написать что-нибудь для него, я получил ту недостающую деталь, которая позволила мне увидеть полную картину сочинения. Именно альт, с его «человеческим» голосом, его интимной проникновенностью и глубиной, мог заменить и хор, и певцов-солистов, и даже чтеца.

- В Dies irae есть эпизод, шокирующий своей эмоциональной откровенностью…

Для меня в свое время огромным потрясением было чтение главы из романа «Жизнь и Судьба» Гроссмана, где описываются последние минуты людей, погибающих в газовой камере. И хотя это описание граничило с грубым натурализмом, я (после многодневных сомнений) все же попытался воплотить данный эпизод музыкальными средствами в завершающем разделе части Dies irae. Меня можно обвинить в чем угодно - в примитивности подхода, в плохом вкусе, в натурализме, выходящем за рамки настоящего искусства (кстати, а кто устанавливает эти рамки?). Я приму все упреки, но буду стоять на своём, потому что просто обязан был дать этот фрагмент. И если слушатель здесь содрогнется, ощутив смертельный холод и пустоту, я буду считать свою задачу выполненной.

После всего ужаса, который я чувствовал, когда работал над завершением Dies irae, написание традиционной Lacrimosa было бы фальшью. Здесь уже невозможно тихое оплакивание – только крик, крик гнева возмущения и боли. Уже потом, когда не остается сил и выплаканы все слезы, вопль превращается в стон. Все эти эмоциональные переходы воплощаются солирующим альтом в полном одиночестве (каденция альта). Когда же к солисту подключается оркестр, то начинается музыка тихого умопомрачения - какой-то призрачно-сюрреалистический вальсок, внезапно прерываемый последним судорожным всплеском. И лишь после того, как звучание альта полностью иссякает, появляется тихая печальная музыка, интонационно отсылающая слушателя к моцартовой Lacrimosa…2

Январь 2009 г

Борис Турчинский ПО КРАСНОЙ ПЛОЩАДИ С ОРКЕСТРОМ! Оркестр Армии Обороны Израиля

Пятница, 25 Февраля 2011 г. 17:39 + в цитатник
 (160x92, 3Kb)
Борис Турчинский
ПО КРАСНОЙ ПЛОЩАДИ С ОРКЕСТРОМ!

Чем отличается оркестр Армии обороны Израиля от десятков и сотен аналогичных оркестров других армий мира? Главным образом тем, что это один из немногих в мире музыкальных военных коллективов – если не единственный, - где все оркестранты – солдаты срочной службы.

Как-то в Тель-Авиве побывал в гостях оркестр Болгарской армии. Исполняя свои национальные марши, стройно шагая, прошлись колонной по залу и поднялись на сцену солидные мужчины в яркой форме.
Солидные мужчины. Вот именно! На знаменитом московском Международном фестивале военных духовых оркестров «Спасская башня» (2009г.) можно было легко заметить: практически, все военные оркестры – из России, Германии, Италии, Франции и других стран состоят из музыкантов лет от тридцати до пятидесяти.
В военных оркестрах служат сверхсрочники - а вернее, даже не служат, а работают по контракту. Далеко за примерами ходить не надо - взять хотя бы структуру российских военных оркестров. В ведущих военных коллективах Российской Федерации – таких, как оркестр Министерства Обороны, - каждый исполнитель, хорошо подготовленный и тщательно отобранный, может быть солистом любого симфонического или оперного оркестра. Но эти музыканты служат в военном оркестре продолжительное время, иногда до 25 лет. Это их работа, и за нее они получают зарплату.
А ЧТО У НАС?

Наши мальчики и девочки приходят в армию по призыву военкоматов на свои положенные 2-3 года.
В Москве, на фестивале, это всех немало удивило. Везде и всех удивляет, что израильский военный оркестр на сто процентов состоит из срочников. Каждый год в оркестре происходит ротация, чуть ли не половину оркестра приходится менять. Каждый год, а то и полгода, главному дирижеру приходится многое начинать с начала. В этом уникальность оркестра: он всегда в обновленном виде, в нем нет ничего застоявшегося и закостенелого.
Быстро пролетают годы срочной службы, и затем, как в песне поется: «Уносить свои гитары им придется все равно».
Эти оркестранты умеют играть абсолютно все – от маршей до рока. Они - разноплановые молодые солдаты-виртуозы. Сколько же талантов тут проходит каждые полгода-год! О чем это говорит? - Военный оркестр Израиля, единственный военный оркестр в стране, он же – Правительственный церемониальный, - вместилище и кузница необыкновенных талантов!

… мне доверена песня – оружье мое

А кстати, где хранятся инструменты музыкантов оркестра Армии обороны
Израиля? - Там же, где и оружие любого израильского солдата: не в пирамиде, не в арсенале, не на складе – а при себе. С инструментами солдаты приезжают на службу, с инструментами уезжают… «…Как солдату ружье, мне доверена песня – оружье мое…»
Вообще, если быть совсем уж точным, то святая святых оркестра – это кабинет главного дирижера. Здесь зарождается все то, с чем оркестр выходит на церемонии государственного уровня, с чем он вышел на главную площадь России, будучи приглашенным на Всемирный военный музыкальный фестиваль.
Простая скромная комната, со старомодной крашеной, раздражающе примитивной железной дверью. Израильская жара здесь оборачивается другой крайностью – неуютно дует от кондиционера. О своей деятельности в этой комнате подполковник Яаран говорит так же просто: «Прихожу утром на работу, как все. Как все, отмечаю электронной карточкой свой приход… И жду в этих стенах окончания рабочего дня».
Он лукавит, шутит. Вы видели в московских новостях сюжет, показанный потом по всем телеканалам, – о том, с каким успехом выступил оркестр Армии обороны Израиля в программе фестиваля "Спасская башня-2009"? Этот успех, распространившийся по всей самой большой, самой заметной и действительно «красной» площади России, а с нее – по телеканалам на весь мир, начинался здесь, в этой тесноватой комнатке.
Он, этот всемирный успех, рождался и ковался именно здесь, во дворе, на крошечном плацу, условно ставшем на время «Красной площадью». Здесь будущий успех был задуман, в деталях просчитан, до мелочей расписан и до совершенства отрепетирован именно этим шутливо говорящим о работе человеком. Человеком государственного, а вернее - межгосударственного уровня в рамках его "обычного", как он говорит, рабочего дня - с восьми до пяти.


БЕССАРАБИЯ—ОДЕССА—ИЗРАИЛЬ
По рождению и природной сущности своей, как сам о себе говорит Михаэл, он - простой местечковый еврей из Бессарабии, игравший военные марши во время срочной службы в Одессе. Но наберите в YouTube «Оркестр Армии обороны Израиля» (например, вот: http://www.youtube.com/watch?v=X0ChWsmC-nQ&NR=1) -
и вы увидите, как Михаэл в прямом смысле слова четко «построил» и расчертил российскую Красную площадь.
В этой простой комнате, где рождаются идеи дирижера, хранятся бесценные вещи. Многочисленные музыкальные диски, в том числе – гимны всех стран: ведь оркестр государственный, церемониальный. Хороший музыкальный центр с великолепным звуком, чтобы их прослушивать.
Все здесь держится на его инициативах, идеях и воплощениях. На любой из вопросов: кто вам, ребята, это поставил? кто задумал? кто это с вами отрепетировал? кто занимается с вами – не только музыкальной, но и строевой подготовкой? – молодые солдаты непременно и с удивлением ответят: «Ну, как кто? Конечно, он, главный дирижер, подполковник Яаран!»

ТА САМАЯ ШАРВИТАНИТ.


Обычно в оркестре 60 человек. И мальчиков, и девочек примерно поровну.
Как происходит отбор? Очень просто. Каждый из претендентов служить не без опаски заходит в кабинет главного дирижера, и убеждает его, что достоин быть членом коллектива. Вот и все. Убеждает не словами, конечно, а силой своего музыкального таланта, т.е. безупречным владением музыкальным инструментом.
Слушают ребят многие. Но решающее слово за главным дирижером. И потом все, что мы увидим в сюжетах теленовостей об официальных встречах глав государств и правительств, на парадах и концертах, все, что понравится и не понравится – за все это спасибо - ему. И спрос, впрочем, тоже с него.
По внешнему виду, за красивые глаза, тут не отбирают.
Хотя так получилось, что на «Спасской башне» в Москве строй возглавляла девочка-шарнитонит, (так называется на иврите тамбурмажор) такая красивая, что все телеоператоры все время старались заснять ее поближе! К слову, это Ширли Фрумкин, и она уже закончила службу…
.
Если исполнительница будет прекрасно выглядеть, но плохо играть, то « А вы, друзья, как ни садитесь, всё в музыканты не годитесь»! Обратите внимание, если будете смотреть выступление оркестра в YouTube: музыканты очень разного роста, есть одна девочка просто крошечная - но как она играет! И оркестр построен на плацу так, что разница в росте почти незаметна. Да и не на это, скорее всего, обращает внимание слушатель - он увлечен музыкой.
Главное тут качество кадров. И кому оркестр обязан качеством? В основном и главным образом только ему, своему наставнику.



- Всем запомнилось, когда Ваши ребята приседали и поднимались с тубами во время исполнения «Хава нагила» на Красной площади…


Подполковник Яаран улыбается. Заметили его идею…
У них на плацу, дома, в раструбе старой тубы, посажены цветы. Мне как-то рассказывал один ракетчик, что цветы у них в дивизионе сажали в отработавшие свое, похожие на горшки сопла двигателей стратегических ракет. Неистребима тяга человека к красоте, он старается поселить ее в любой железке. Мечи перековываются не только на орала, но и на банальные цветочные вазы. Соорудить вместилище красоты можно, оказывается, и из реактивного двигателя ракеты, и из военной трубы, что когда-то была призвана звать в поход.
- Сейчас у меня есть хорошая девочка-тубистка. А в прошлом году не было тубиста среди призывников. Дефицитная специальность.
Вот как интересно получается. Этот человек – главный дирижер – абсолютно все здесь решает, но и он в полной зависимости от того, кто к нему приходит проэкзаменоваться. А если не придет нужный исполнитель?..
Помогает тесный контакт с дирижерами детских оркестров. В Израиле очень развита детская духовая музыка, в основном эти оркестры базируются при муниципальных консерваториях (консерватории в Израильской системе музыкального образования - это обучение детей музыке в возрасте от 8 до 18 лет, в зависимости от выбранного инструмента). Исполнительский уровень этих коллективов довольно высокий. Взять, к примеру, оркестр из консерватории Петах-Тиква (дирижер Михаил Дельман): оркестр лауреат многих престижных международных фестивалей и конкурсов, им записано 4 диска. Или оркестры Кфар-Сабы (дирижер Офер Эйн-Абар), оркестр из Натании (дирижер Моти Мирон) и другие. Все они - хорошие знакомые Михаэля Яарана, и это - потенциал. Иной раз позвонит кто-то из таких коллег: «Ты знаешь, у меня есть для тебя в этом году хороший баритонист». Или: «Придет к тебе на прослушивание из нашего оркестра трубач». Однако все равно эти ребята приходят в оркестр не просто так – сами по себе или по чьей-то рекомендации. Прежде их призывают на воинскую службу.
Надо еще заметить, что оркестр часто устраивает совместные выступления с различными юношескими и детскими оркестрами страны. Это дает юным оркестрантам дополнительный импульс к занятиям на инструменте. Все хотят быть похожими на военных музыкантов, все хотят в будущем играть в этом коллективе.
Репертуар концертных выступлений оркестра разнообразен и обширен, тут и серьезные произведения, и песни израильских композиторов.
В составе оркестра есть инструментальная группа и вокалисты: ведь оркестр дает много концертов для воинов израильской армии, а эта аудитория хочет слушать современные песни. Недавно оркестром записан диск. Среди записанных произведений – фрагмены из "Вестсайдской истории" Л.Бернстайна, марш «Акумта» («десантные береты») израильского композитора Б.Пиговата, концерт для кларнета с оркестром А.Шоу (солист О.Толедано), марш «Парад победителей» челябинского композитора В.Ошерова, «Американец в Париже» Д.Гершвина, Вальс к драме «Маскарад» А.Хачатуряна… Всего 19 произведений.
Отбирает своих музыкантов М.Яарон очень придирчиво. Он их воспитывает. С ними он выходит потом на Красную площадь, на 50-ю Авеню в Нью-Йорке или к ковровой дорожке у трапа правительственного самолета в аэропорту Бен-Гурион. И уровень должен быть соответствующий!

Школа русская – школа прусская

Русская школа военной строевой выучки – это, по сути, прусская школа. У израильских солдат в строю руки прямые, а это школа английская. Израильские ребята ходят примерно так, как гвардейцы ее королевского величества в моменты смены дворцового караула в Лондоне.
В России и в большинстве постсоветских армий, наоборот, присутствует отмашка согнутой руки, а ноги прямые. Тело - вперед. Строевой ритм – 120 шагов в минуту. В израильской армии – 108. Намного спокойнее. Едва ли не «в темпе вальса» дефилирует израильский строй.
В отличие от других армий мира, в израильской армии нет большого акцента на строевую подготовку. Тут главное - боевая учеба, военная техника: танки, корабли и самолеты, пограничники, борьба с террором. А «ямин-смоль» (левой, правой, ать-два!) – на втором месте, и поэтому, чтобы пройти по Красной площади, пришлось серьезно готовиться. «Кровавый» был месяц август. Кровь, «выпитая из дирижера и солдат», и слезы девочек-солдаток. Во всем мире «солдатка» - это жена солдата, и только в израильской армии, как известно, это сам солдат.
Строевая подготовка у церемониального оркестра, конечно, есть и без того. Но для Москвы готовились специально и готовили специальную программу. Смотрелись наши ребята очень красиво.
На вопрос, кто готовил их, кто командовал, любой в оркестре вновь только усмехнется: ну, кто? Конечно, он! Главный дирижер, подполковник Яаран.
33 года он в израильской армии.
Помнит ли он что-то из опыта армии советской? Помнит. Но того знания тут почти не применить, тут все совсем по-другому.



Фестиваль «Спасская башня» 2009
В этой главе, продолжающей повествование о том, как здорово шли наши ребята-военные оркестранты по Красной площади, по московским улицам, как играли в московских садах и парках, собирая множество благодарных слушателей, не будет избитого заголовка вроде «По главной улице с оркестром» или «В городском саду играет…». Потому что речь о музыке, а музыка не терпит банальности. Она всегда исподволь дарит новые идеи, новые открытия. Музыка – всегда нова!
На фестивале «Спасская башня» россияне узнали и открыли для себя Оркестр армии обороны Израиля и принимали этих ребят и девушек не просто как замечательных музыкантов, но и как посланцев маленькой страны, армия которой стоит на переднем крае борьбы с терроризмом.
В Москве, тоже познавшей, что такое взрывы, отношение к Израилю и его военным сегодня не такое, каким было еще год или два назад. «Шалом вам, наши дорогие израильские друзья!» - объявил диктор. И это было сказано с большим и искренним чувством.
А что ж Москва для этих молодых израильских ребят?
Москва… Ну, Москва и Москва. Честно говоря, не так уж много в этом «звуке для сердца израильского слилось» и, прямо скажем, почти ничего в нем не отозвалось. Возможно, самую малость. Мало ли мостовых в мире, по которым эти ребята чеканили шаг. Так же точно шли они по Нью-Йорку, даже еще более бравурно, потому что их неистово приветствовала тамошняя еврейская община, а в одном лишь этом городе евреев проживает больше, чем во всем Израиле.
Что для этих ребят Москва?.. А для него, для их командира?..
Дело в том, что Михаэл Яаран в свое время был советским солдатом и носил на фуражке такую же красную звезду, как и на Спасской башне Кремля, именем которой назван фестиваль. Для всех нас, кого в Израиле называют русскими, Москва и ее Красная площадь - это было, есть и будет нечто особенное. Кстати, службу Михаил проходил в самом лучшем, на то время, оркестре Одесского военного округа. Коллективом руководил талантливый армейский дирижер Леонид Салик, заслуженный артист Украины, ныне пенсионер. Мог ли он предположить тогда, в 1960-е, что когда-нибудь выведет свой еврейский оркестр «пред стены» Кремля! Об этом он говорит с большой гордостью.
Для него, в отличие от многих его ребят-израильтян, та поездка в Москву была совершенно необыкновенной. Почему? А разве непонятно без всяких объяснений? Как он сам выражается, для него это было даже завершением некоего жизненного цикла. Триумфальным завершением.


Не надувая щек

Подполковник Яаран получил в Кремле медаль. Показывает он ее с большой гордостью, но говорит о награде спокойно. С ним лично захотел побеседовать сам премьер министр РФ В.В. Путин. Яаран был единственным иностранным руководителем оркестра, говорившим по-русски. Дирижер рассказывает об этом просто и по-деловому, не хвастаясь. Так сказать, не надувая щек. Как говорят в Одессе, где он служил, «Вы будете смеяться с нашей истории, но если вы «хочете» правды», - это она: духовики никогда не надувают щек.
Иногда встретишь в рассказах о музыкантах духовых оркестров такую интересную, дилетантскую фразу, мол, оркестранты играют, старательно надувая щеки. Так вот, как раз надувать щеки исполнителю на духовых музыкальных инструментах не положено!


"До первой звезды нельзя!"

Каждый вечер в дни фестиваля на Красной площади собиралось до 20 тысяч гостей, и каждый вечер звучали овации.
Здесь был один момент, в котором нас запутало московское телевидение. Он так и остался непонятным, и хорошо, что нам его прояснил подполковник Яаран.
Была суббота. Ожидая выход оркестра Армии обороны Израиля на Красную площадь, московский корреспондент сказал, что по иудейскому религиозному закону игра на музыкальных инструментах в субботу запрещена, и площадь с волнением ждала – выйдут или не выйдут израильтяне… «И когда они все же вышли…», - прозвучала пафосная фраза корреспондента…
Как будто одолжение Москве сделали. Как будто нарушили законы веры отцов.
У меня лично после просмотра того сюжета по телевидению остался большой-большой вопрос. Если знали, что придется выступать в субботу, то зачем приехали? А если все же нарушили субботу, к чему тогда были волнения – выходить-не выходить?
Главный дирижер все прояснил.
Субботу никто нарушать не собирался и не нарушил. Оркестр войска еврейского государства и в этом был на высоте. Соблюдение Святой субботы в израильской армии – это приказ. Поэтому в вечер исхода субботы оркестранты, построившись у выхода на площадь, терпеливо ждали, когда зажгутся первые звезды - тогда закончится суббота.
Фестиваль проходил целую неделю, и каждый день оркестр выходил на площадь. Но в субботу все было по-другому. Дирижер все объяснил одному из руководителей праздника, Главному военному дирижеру Вооруженных Сил РФ генерал-майору Валерию Халилову. Тот понял и согласился.
Исторический выход на площадь произошел в «моцей шабат», то есть, на исходе субботы. Точно в тот момент, когда стало можно.
- Мы нашу очередь пропустили дважды. Ждали появления первой звезды, счет времени шел буквально на секунды.
Только-только закатилось солнце, проявились на сумеречном небе первые звезды, и они вышли четким шагом на площадь.
Вообще-то, за границей подобные мероприятия – фестивали, конкурсы, концерты, как правило, проходят в субботу и воскресенье. Поэтому израильтянам, отправляясь на них представлять свою страну, надо всегда как-то уметь славировать, чтобы и участие принять вровень со всем миром, и не потерять при этом свое национальное лицо. У оркестра армии обороны Израиля в Москве это получилось блестяще!

Дирижер, молодой со спины

«…давая всем пример,
На плац всегда подтянутый выходит офицер.
Оркестр и он стоят лицом к лицу,
И музыка военная играет на плацу».
(Ф.ЛАУБЕ)


«Михаэл, знаете ли Вы такую советскую песню о военном дирижере? Застали?»
Нет, такой песни он не слышал, не застал он эту песню… Застал песню «зачем вы, девочки, красивых любите?», но помнит только последние слова: «одни страдания от той любви»… Это, говорит он, о том, какая «сладкая каторга» - профессиональная музыка, а еще о том, как статны и красивы военные музыканты и как они нравятся девушкам. Тему эту в нашем разговоре мы тоже затронули.
Одна интересная дама сказала мне с восторгом: «Обожаю музыкантов! Особенно военных!» Да, военный музыкант хорош!
Говорят, человек стареет со спины. А у военного дирижера все наоборот. Тот, кто к царю смеет спиной стоять, должен всегда держать эту самую спину прямо и выглядеть молодцом.
Вот дирижер Яаран – вроде бы не самый атлетически сложенный в Израиле человек и лет ему уже не 20. Но посмотрите, как он хорош в строю со своими ребятами; когда он командует оркестром, стоя к нам спиной, его дирижерской работой можно просто залюбоваться,.
А груз лет на спину все равно давит… И подполковник Яаран, столько отдавший армии, в принципе, уже сейчас давно мог бы сидеть дома. Дома – не только после работы, отбившись своей магнитной карточкой в пять вечера, но и вообще дома, пользуясь всеми пенсионными благами. Но эта служба – его любимая профессия. Как без нее? «Это наше удовольствие!» - так он сам говорит. Рядом с этими ребятами и он молодеет. А это большой плюс! В крови всегда адреналин.
Вот, как интересно: обычный человек, говорят, стареет со спины, а военный дирижер, наоборот, со спины молодеет.



Каждый раз, как впервые

- Михаэл, Вы сказали, что Ваша служба – это Ваша любимая работа, это удовольствие для Вас и Ваших ребят. А не надоедает ли зачастую играть одно и то же? Можно ли сказать, что каждый день у Вас, как первый раз? Проведем параллель с театрами. В любом оперном театре мира все время идут обязательные «Аида» и «Кармен», или в оперетте «Веселая вдова» и «Сильва». Кстати, в Праге есть оперный театр, где уже на протяжении 40 лет идет «Дон Жуан В.А.Моцарта. Но проходит поколение за поколением, а публика все время идет на них.

- Нет, не надоедает нам играть любимую музыку. Так же как и вечному зрителю и слушателю в опере. Есть рутина, это да. Но она есть в любой профессии. Возможно, наша рутина – рутина музыкантов, она более приятная. Я своим ребятам говорю: вот какая наша профессия-служба особенная! Мы выезжаем на церемонию. На ней по протоколу играется все то же самое, что играем мы обычно. Для нас это рутина. Но люди, которые приходят на нее – они зачастую другие! Для них это, может быть, в первый раз, а потому памятно. Как на обручении. Оркестр что играет? «Свадебный марш» Ф.Мендельсона! В десятый, двадцатый, сотый раз. Но для молодой пары это может быть раз в жизни. Это рутина, да. Но и ее надо делать отлично и уникально, как будто это впервые. Две тысячи человек, которые приходят на торжество, будь то присяга сыновей возле Стены Плача или какой-то государственный праздник, они, бывает, видят это раз в жизни, и мы обязаны стараться. Бывает, иногда рутина затягивает и побеждает, и тогда я злюсь..


Музыка учит доброте

- А вообще, Вы какой человек? Сердиться умеете? Вы человек военный и должны быть строгим.

Я – нет, не умею сердиться (отвечает на этот вопрос сразу, не думая). - Я вообще считаю, и не знаю, плюс ли это в характере человека, нельзя заниматься музыкой, работать в искусстве и быть злым. Музыка – это материя такая… чувственная, нежная. Она рождается только в добром сердце, и только доброе сердце способно ее по-настоящему понять. Хотя и пробудить душу к раскаянию – тоже задача музыки. Я не могу из музыканта что-то хорошее вытянуть из-под палки, окриком, принуждая его, заставляя. Правда, военный барабан как раз для этого – он призван способствовать палочной дисциплине, ритмичная музыка в армии - для муштры.


- И не только для муштры. Труба и барабан (у римлян и у греков – рог) зовут в атаку! Вот в чем парадокс военной музыки, наполненной и грозными чертами, и лирикой. Военный музыкант – солдат, но он человек, со своей душой, и в глубине этой души он против войны, как и любой солдат. Ведь кто самый мирный человек? Солдат! Его сердце тянется к красивым нотам.
Михаэл, как бы Вы расшифровали нам, что такое военные духовой оркестр? Для чего армии нужен оркестр?

- Как-то позвонил мне один товарищ из специального учебного заведения, где учатся все наши высокие начальники. Попросил сделать музыкальный вечер. И мы сделали им вечер военного марша, где средствами музыки и в виде своеобразной лекции рассказали историю марша. Подготовили очень интересную программу на час. Военный марш, как особая музыка, зовущая солдата в поход и в бой. Вся его история. Люди сидели как прикованные, так им было интересно. Вот в ней, в этой программе, и был полный ответ на ваш вопрос.

- Музыка вообще, как таковая, непостижимым образом задевает струны души. Разные струны – лирические, романтические, ностальгические. Их много, этих таких разных струн. В мужчине, наверное, от природы заложено восприятие боевого ритма, отклик на него. Чем, на Ваш взгляд, военная музыка отличается от любой другой?

-Военная музыка отличается от любой другой музыки прежде всего тем, что это так называемая «пляц-мьюзик», полевая музыка. Все указания военного дирижера должны отдаваться четко, как и приказы солдатам. Сама музыка призвана внести четкость в армию, и приказы музыкантам отдаются тоже четко. Ритм военного марша – это ритм наступательный. Не для бегства же с поля боя под музыку существует военный марш, под музыку не отступают, а наступают. …


Зико Грациани—легенда израильской культуры

Главный дирижер оркестра Армии обороны Израиля подполковник Михаэл Яаран – ученик и преемник выдающегося Зико Грациани, прежнего главного дирижера израильской армии, композитора и прекрасного аранжировщика. 20 лет он был его заместителем.
Грациани – необыкновенная, даже легендарная личность. Сын болгарского еврейского лавочника, с душой, устремленной не к полкам с бакалейными товарами, а к музыке. В 1952 году начинает служить в ансамбле ЦАХАЛа (Армия обороны Израиля). Пробует себя как аранжировщик. В то время не было оркестровок национальной музыки, и Зико становится одним из первых аранжировщиков для духового оркестра, перекладывая популярные израильские песни. С 1962 года Грациани был назначен художественным руководителем и главным дирижером оркестра Армии обороны Израиля, и на этом посту он пробыл до самой своей смерти в 2003 году, имея воинское звание полковник. Зико Грациани дирижировал оркестром на церемониях государственной важности. Одним из наиболее значительных событий в жизни самого дирижера и его коллектива был приезд в Израиль президента Египта Анвара Садата. Тогда казалось всем, что вот-вот наступит мир на Ближнем Востоке……
. То же и Яаран «Я у Грациани научился всему». Наверное, и устремленности вверх, к высшим идеалам, тоже.
Золотая дирижерская палочка Грациани бережно хранится в оркестре.


Когда говорят музы

Нашумевший, так понравившийся всем фестиваль военных оркестров в Хайфе, посвящённый 60 –летию государства Израиль. Это его идея, дирижера Яарана, и организовать такое зрелище было очень непросто. Приехали военные оркестры десяти стран-участниц. Логистика была очень сложная.
Выстроились в виде Звезды Давида музыканты всех стран, приехавшие сюда. Из Москвы прибыл государственный военный оркестр во главе с самим начальником и художественным руководителем центрального военного оркестра Министерства обороны РФ полковником А. Колотушкиным. Это второй после генерала В. Халилова в музыкальной военной иерархии России человек.
Хотелось, чтобы это прошло в Тель-Авиве, в центре страны. Но руководство выбрало северную столицу, город Хайфу, а руководству всегда видней. Это армия, с командирами не спорят.
Стадион был полон! Зрелище незабываемое. Каждый оркестр показывал небольшое представление. Военные решили добавить к своей музыке элементы милитари-шоу. Словом, когда говорят военные музы, да и вообще музы, всем другим видам вооружений лучше бы помолчать.
На этой ноте… На этой мирной ноте хотелось бы и закончить наш рассказ об оркестре Армии обороны Израиля и его главном дирижере подполковнике Михаэле Яаране.

Метки:  

Поиск сообщений в Борис_Турчинский
Страницы: 16 ... 11 10 [9] 8 7 ..
.. 1 Календарь