Жан-Габриэль Домерг ( Jean-Gabriel Domergue) 4 марта 1889 – 16 ноября 1962 — французский художник, специализировавшийся на портретах парижанок.
Домерг родился в Бордо и учился в Национальной высшей школе изящных искусств. В 1911 выиграл Римскую премию. С 20х годов XX века сосредоточился на портретах. Считается основателем пинапа. Домерг также занимался дизайном одежды для кутюрье Поля Пуаре. В 1938 был членом жюри конкурса Мисс Франция . В 1939 году создал плакат дебютного Каннского кинофестиваля, который был прерван в сентябре 1939 года в связи с началом Второй мировой войны и всеобщей мобилизацией.
С 1955 по 1962 был куратором Музея Жакмар-Андре, устраивая выставки работ Ван Гога, Анри де Тулуз-Лотрека, Франсиско Гойя и других. Домерг был назначен кавалером Ордена Почётного легиона.


Читать далее...

Рустем Эминов «Поезд смерти»
18 -20 мая 1944 года в ходе спецоперации НКВД из Крыма в Среднюю Азию, Сибирь и Урал депортированы все крымские татары по официальным данным 194 111 человек.
Рустем Эминов создал серию из 20 картин, посвящённых этому трагическому событию.



«Черный рассвет. 18 мая 1944 года»



«Поезд смерти». 1 1996
Читать далее...

Художник из Екатеринбурга Миша Шаевич Брусиловский (1931-2016)
Миша Брусиловский родился 7 мая 1931 года в Киеве. В 1944 году он приступил к занятиям в киевском интернате для одаренных детей, позднее поступил в Киевскую художественную школу. В 1953 году Брусиловский поехал в Москву, затем учился в Ленинграде, по окончании института был отправлен в Свердловск, где преподавал, работал в издательстве.

В 1938 году отец Миши Брусиловского был направлен в длительную командировку на Дальний Восток, куда отправился со всей семьёй. Жили на станции Ин, в Биракане и Биробиджане. В начале 1941 года семья Брусиловских вернулась в Киев, а в июне месяце началась война. Мишу и брата Севу отправили на Южный Урал в город Троицк с сестрой отца — тётей Раей, отец ушел на фронт, а мать осталась в Киеве и приехала позже. В 1943 году тётю Раю — терапевта и хирурга — мобилизовали, и Миша поехал с ней на санитарном поезде. В санитарном поезде Миша Брусиловский помогал врачам и раненым, а во время длительных остановок ходил в ближайшие деревни менять для них соль на продукты.

Через полгода Брусиловский вернулся в освобождённый от немцев Киев. В поисках заработка примкнул к группе мальчишек, занимавшихся чисткой обуви на привокзальной площади. Каждый вечер на площадь приходил взрослый парень по кличке Кот, связанный с местным криминалитетом, и забирал большую часть выручки. Сокрытие доходов жёстко пресекалось.
Как-то, ко дню рождения Кота, Миша нарисовал цветными карандашами его портрет и показал ему. Кот взял себе рисунок, а через некоторое время отвёз Брусиловского в интернат для одарённых детей.

"Однажды он пришёл днём с парнем, совсем маленьким, отдал ему мой ящик и всё, что к нему прилагалось, и увёз меня в интернат для одарённых детей. Без стука зашёл к директору, тот сказал, что приём в интернат закончен, что надо показать работы. Кот молча положил на стол пачку денег и сказал, что конкурса не будет и что не дай бог, если я не поступлю. Я поступил. »
В 1944 году, Миша Брусиловский приступил к занятиям в киевском интернате для одарённых детей.



"Бегство"
Читать далее...

Михаил живописец, иллюстратор, фотограф, сценарист, преподаватель,
Окончил полиграфический институт, факультет графики. Постоянный участник всеукраинских и международных выставок.
Работы находятся в частных коллекциях Украины, России, Англии, США, Канады, Германии, Польши, Индии. Живу и работаю в Киеве.

Михаил Заблодский: "Люблю, когда в работах есть определенная загадка, тайна, интрига. Живопись не должна слепо повторять природу, она расширяет наше восприятие реальности, обостряет его".

Мне понравились фотографии Михаила, которые он выполняет в очень разных стилях, и его отличная графика. Интересные иллюстрации - тоже выполненные в разных жанрах !
Сайт Михаила Заблодского http://michel-art.com/



"Автопортрет"




"Вероника"
Читать далее...

Читать далее...

Ито Синсуй (Ito Shinsui)



1898 - 1972


Син ханга (Shin Hanga) буквально переводится как «новая графика» - направление в японском искусстве, связанное с обновлением традиционной японской гравюры.
Временные рамки син ханга можно обозначить с 1915 по 1962 год. Развитие син ханга по сути является ренессансом традиционного искусства укиё-э (Ukiyo-e), угасшего с появлением фотографии и моды на западную культуру в японском обществе. Направление син ханга соединило художественные традиции Запада с техникой японской гравюры. Вместо слепого подражания западному искусству художники син ханга сосредоточились на традиционном для Японии изображении пейзажей, красивых женщин и портретов актеров. Вдохновленные французскими импрессионистами, они также применяли игру света и тени для усиления эмоциональной выразительности произведений. В результате получился великолепной синтез двух многовековых традиций.

Основоположником син ханга и идейным вдохновителем был не художник, а издатель Ватанабэ Сёдзабуро (Watanabe Shozaburo, 1885-1962).

Почувствовав интерес западных коллекционеров из США и Европы к традиционному японскому искусству, он собрал вокруг себя группу молодых художников, которым выплачивал комиссионные. Предприятие имело успех. Вскоре на Западе полюбили «новые гравюры», и даже японцы мало-помалу открыли для себя обаяние произведений син ханга.

Самыми известными мастерами, работавщими на Ватанабэ Сёдзабуро, были Hasui Kawase, Koson Ohara, Shunsen Natori и Shinsui Ito. Другие известные художники, не входившие в круг Ватанабэ Сёдзабуро это - Hiroshi Yoshida и Goyo Hashiguchi.

Как в любом направлении изобразительного искусства, в син ханга есть более известные мастера и менее известные, создавшие целую вселенную удивительных по красоте гравюр, так что в син ханга всегда есть место новым открытиям.

Ито Синсуй (яп.伊東深水 наст. имя Ито Хадзимэ, род. 4 февраля 1898, Токио — ум. 8 мая 1972, Токио) — японский художник и мастер цветной гравюры (ксилография).

Ито Синсуй был одним из крупнейших художников направления нихонга и гравёров школы син ханга, образовавшихся в Японии к началу XX столетия.

Ито Синсуй родился с именем Ито Хадзимэ (Ito Hajime) в Токио. В раннем детстве особой заинтересованностью в искусстве не отличался. Когда Ито исполнилось 10 лет, его отец обанкротился, мальчику пришлось бросить школу и искать работу. Работу Ито нашел в одной из полиграфических компаний Токио, и именно там он заинтересовался живописью.

В 1911 году он идёт в обучение к художнику Киёкате Кабураги (Kiyokata Kaburagi), который и дал ему псевдоним «Синсуй». В 1912 году Ито впервые выставляет свои работы в Тацумигакай (Юго-восточное художественное общество), Кёдокай (Общество Отечества), Нихонбидзюцуин (Японский институт искусств).

Вместе с Кавасэ Хасуем (Kawase Hasui, 1883-1957) и Сиро Касамацу (Shiro Kasamatsu, 1898-1991) Ито Синсуй стал сотрудничать с издателем Ватанабэ Сёдзабуро. Это сотрудничество продолжалась на протяжении нескольких десятилетий плоть до 1960 года. Художник работал также иллюстратором в токийских газетах «Yomiuri» и «Katsumura».

Первое крупное произведение мастера — «Перед зеркалом», изображающее прекрасную женщину в красном кимоно.




"Перед зеркалом (Красная гейша)" 1916



В годы Второй мировой войны художник сотрудничает с японским министерством пропаганды. Ито был послан на занятые японскими войсками острова Океании с патриотическими выступлениями, имевшими цель поддержание высокого боевого духа среди военнослужащих.

В 1952 году Синсуй Ито был объявлен японским Комитетом содействия культурному процветанию живым национальным сокровищем. В 1958 году он становится членом Японской академии художеств. В 1970 году Ито награждается орденом Восходящего солнца.
Художник был приверженцем бидзинга (изображения прекрасных женщин), писал также пейзажи, был мастером акварели.



"Осенний сад" (Niwa no aki (Autumn garden)) 40 х 40, шелк, тушь и краситель, Частное собрание

Читать далее...

Французский писатель Фредерик Бегбедер как-то заметил: «Мы живем в обществе одиночества. Нет больше семей, нет деревень, нет Бога. Наши предки избавили нас от всего лишнего, а взамен включили телевидение. Мы предоставлены самим себе и не способны заинтересоваться чем бы то ни было, кроме собственного пупа». Произведения чилийскогохудожника Федерико Инфанте (Federico Infante) как нельзя лучше выражают эту идею разобщенности людей в современном мире, оставаясь в рамках символического реализма. Рефлексивная психология в картинах Федерико основана на интуитивном процессе живописи. Внимательный зритель способен разглядеть в каждой из работ художника тот первый подмалевок, первоначальный слой живописи, с которого началась последовательная работа над произведением. Каждая картина Инфанте, по сути, всегда размышление – медитативное, вдумчивое, аналитичное. Мир художника предельно условен: статичная фигура человека или животного помещена в пустынное пространство, подчеркнуто безмолвное, лишенное возможности контакта, взаимодействия с кем бы то ни было, минорное по атмосфере и несомненно - элегичное по настроению. Иногда основным персонажем полотна выступает даже не человек, а безлюдный интерьер, фасад здания, или часть архитектурного сооружения. Интересно и композиционное построение многих работ Федерико Инфанте: автор позволяет «пустому» пространству картины — (т. н. «воздуху»), доминировать над главными элементами изображения, значительно поднимает передний план (как в случае с «архитектурной» серией), чем качественно усиливает образ. И еще — чтобы ускорить высыхание красочных слоев на своих холстах, художник отдает предпочтение не традиционной масляной технике живописи, а более прогрессивной технике – акриловой.

Федерико Инфанте родился в 1982 году в Сантьяго (Чили), на родине получил степень бакалавра изобразительных искусств в Finis Terrae University в 2002 году, весной 2013 года закончил аспирантуру в нью-йоркской Illustration School of Visual Arts. В настоящее время живет и работает в Нью-Йорке, активно участвует в выставках, имеет профессиональные награды и гранты.


Читать далее...

Художник по шёлку Алина Осеева обладает особым взглядом на Природу, видя Прекрасное в каждом цветке, в каждом живом существе или в смене времен года. Завораживающий мир ее картин строится на сочетании по-европейски внимательного и реалистичного взгляда на изображаемый предмет с умением увидеть философский смысл красоты каждого отдельного предмета как части единого целого, характерного для китайской живописи.

Любимые темы художницы – мир цветов, мир животных или панорамные пейзажи отражают и внимательный к деталям взгляд человека Запада, и обобщенное символическое видение человека Востока. Сама же техника живописи на шёлке, которая требует от мастера точности рисунка и нежных переходов цвета, типична для Востока. Совершить ошибку в рисунке, значит испортить все произведение, потому что на шёлке не возможны никакие исправления.
Осеева внесла изменения и в саму технику живописи на шёлке. Она использует несколько водорастворимых красок одновременно: и акварель, и темперу, и акрил. Такая живописная свобода дает художнице огромный простор для творческих экспериментов. Оттолкнувшись от наследия двух культур, и Запада, и Востока, живописец создала собственный узнаваемый авторский язык, который близок и понятен большому числу зрителей. Благодаря ему, она уже 10 лет успешно рисует на шёлке.

Алина Осеева родилась в Подмосковье. В 1980-е годы она переехала в Феодосию, где окончила художественную школу. Затем училась на отделении художественного конструирования в Харьковском художественно-промышленном институте. Первый успех к художнику Осеевой пришел на выставках еще во время учебы в школе. С тех пор она активно выставляется и пользуется заслуженной популярностью и в Европе, и в Азии.

Текст: Мария Герасимова, кандидат искусствоведения





Читать далее...

Предлагаю прочитать очень интересное интервью из журнала "Семья и школа" 1991 с художником Николаем Смирновым.
Он рассказывает и о себе, и о том, что происходит в сфере Культуры в России.

Лия Осипова: Было ли ваше детство счастливым?
Николай Смирнов: Задавать такой вопрос людям моего возраста, я бы сказал, не корректно. Мой отец был военным, его арестовали и расстреляли в 1939-м, мать тоже арестовали, меня, шестимесячного, больного дизентерией, как ни умоляли родственники, увезли в детский дом для детей заключенных — умирать. Но я не умер. Бабушка меня разыскала и взяла к себе, я рос в бабушкином доме, по счастливой случайности судьбы мать выпустили через полтора года. Но эти полтора года она не забывала всю жизнь.
А если вернуться к моему детству, оно было счастливым только в одном: никаких иллюзий относительно «светлого будущего» у меня не было, лапши на уши мне никто не вешал, я знал все. Я помню, в день смерти Сталина мать вошла в комнату, стала у шкафа, перекрестилась и сказала: «Слава Богу, эта сволочь подохла».
Когда на кухнях ругают власть, а на работе этой власти беспрекословно повинуются, ложь становится образом жизни, двоедушие убивает волю, талант... Это большое счастье, что ложь не перекорежила меня.
Л. О.: Родные знакомили вас в детстве с искусством?
Н. С.: Родные думали о том, как выжить. Вся оленинская родня перебывала в лагерях... Жили мы в коммуналке, и комната была похожа на свалку. А по нынешним понятиям — музей. Музей этот постепенно таял, барахло продавали, чтобы прокормиться.
Когда-то бабушка занимала большую квартиру на углу Арбата и Калошина переулка, в бельэтаже дома, где теперь разместилось Министерство культуры. Потолки в шесть метров — большая концертная зала. Квартира эта превратилась в коммуналку...
Л. О.: В вашей памяти остались какие-нибудь любимые вещи, картины?
Н. С.: Нет, не осталось. Мы ели и спали на антикварной мебели, обедали из тарелок, за которые сейчас коллекционеры заплатили бы бешеные деньги. Но я не помню, чтобы кто-нибудь из взрослых обращал мое внимание на ценность или красоту вещей. Не до этого было. К вещам относились без трепета, как к чему-то необходимому, и расставались с ними легко. Только благодаря им и не умерли с голода...
Но в доме было много книг, старинных гравюр, и они исчезали медленней. Я рано прочитал «Жизнеописания» Вазари, мог отличить Филиппо Липпи от Луки Синьорелли. Писал маслом пейзажи, подражая мастерам Возрождения.
Л. О.: Тем не менее художником вы стали только к сорока годам, так и не получив специального художественного образования?
Н. С.: К великому счастью, меня не приняли в художественную школу. А произошло это потому, что на экзаменах дали тему «Пионерское лето». А я в пионерлагере никогда не бывал. Провалился с треском. Рыдал, потом многие годы кисть в руки не мог взять. И поступил в МГУ на искусствоведческое отделение. После окончания работал в Музее изобразительных искусств имени Пушкина, когда еще там Виппер был, потом в издательстве «Изобразительное искусство» был автором и составителем многих альбомов — по Эрмитажу, Историческому музею, по постимпрессионистам, по Ван Гогу...
Л. О.: Вы знали запасники всех музеев, которые многие годы были доступны столь немногим, были вхожи к коллекционерам, изучали частные собрания — наверное, именно тогда заразились той страстью к предметам искусства, без которой ваша живопись немыслима?
Н. С.: Наши запасники!.. Я не могу говорить об этом спокойно... Существовавший когда-то Музей мебели не пропал, как представляют некоторые, он в фондах
Исторического музея, там же хранится 10 тысяч русских портретов всех времен, начиная с парсун, — все это пропадает в безвестности, никогда не выставляется.
Я уж не говорю о коллекциях фарфора, стекла — все это под спудом. А запасники провинциальных музеев, очень часто не имеющие условий для хранения, —как мучительно видеть гибель прекрасных вещей!..
Да, когда приходишь в музей не как посетитель, когда ты можешь взять картину в руки, можешь остаться с ней наедине — совсем другое восприятие, другое отношение. Хочется сказать «доверительный контакт», но уж слово больно заезженное...
Но не становилось легче. Когда начальство тебе говорит: «Что вы нам все время подсовываете эти физиономии аристократов» или резюмирует: «Народу это не нужно»... И наплевать им на твое образование, на твое понимание, на твой талант. Они прекрасно обойдутся без тебя...
Л. О.: А как получилось, что вы стали художником?
Н. С.: А вот так и получилось: понял, что служить больше не смогу. А тут и случай подоспел. Поехал с семьей и своим другом в Кусково, загляделся там на тепловские «обманки» — помните, нарисовано несколько предметов, самых простых, и муха сидит, хочется муху отогнать. Очень захотелось сделать, так, ради развлечения, что-то в этом духе. Написал маслом. Приятель похвалил, я даже удивился, стал писать другую вещь. Мне говорят: «Ты же художник!» Вот и освобождение!
Читать далее...

Голландский художник Кес ван Донген, один из основоположников фовизма, мастер типажных женских образов и портретист. Настоящее имя Корнелис Теодор Мария ван Донген (Cornelis Theodorus Maria van Dongen). Кес ван Донген родился в 1877 году, в Голландии, в Дельфсхафене близ Роттердама.



"Букет гортензий (Bouquet d'hortensias)"



"Ваза с хризантемами (Vase de chrysanthemes)" 1918, 130.5 x 89.2, Частное собрание
Читать далее...

Тонализм сравнивают с джазом. Потому что и тот, и другой звучат по-американски, потому что одна несложная тема, один простой цвет разворачиваются здесь бессюжетно, эмоционально, виртуозно, во множестве оттенков и нюансов. Как клубная импровизация: короткая музыкальная фраза, перекатывающаяся в бесконечных вариациях, или белое платье на белом фоне, белые тени на белых стенах.

Тонализм — это даже не художественное направление и не объединение, а живописная тенденция, набор идей, манера, проявившаяся в 1880—1910 годах в Америке. Отдельного художника редко называют абсолютным тоналистом, но уверенно отыскивают в его галерее несколько тоналистских работ. Тонализм стал символом перехода от академизма к модернизму в Америке, дополнительным, запасным выходом в современное искусство в обход импрессионизма.

Термин «тонализм» никто, конечно, в конце XIX века не употреблял. Его придумала Ванда Корн, историк искусства, только в 1972 году. А сами художники, когда желали присвоить собственным поискам название, чаще всего говорили «люминизм» (от латинского — «светящийся»), не отделяя себя пока от предшественников-пейзажистов 1850—1870 годов.



Джордж Иннесс "Ниагара" 1894, 76×114.3 см

Настроение, а не впечатление

Размытые очертания предметов, зыбкие состояния, туманы, дымки, отражения, видимые, выразительные мазки. На первый взгляд кажется, что тонализм — только разновидность импрессионистского взгляда на мир. Ничего подобного. Это взгляд не только с другой стороны океана, но и изнутри другой художественной истины. По правде говоря, состояния природы, перемены освещения, точность цветовых сочетаний художников-тоналистов не интересовали. Они внимательно наблюдали за природой, делали пейзажные зарисовки, но приносили эскизы в мастерскую — и использовали их только как воспоминания о собственном неповторимом настроении, эмоции, пережитой в момент созерцания пейзажа. Простая передача факта их не интересовала, лишние детали, которые не остались в памяти, считались несущественными. У каждого воспоминания — особая тональность, особое настроение, наконец, особое духовное переживание, которое и становится в конце концов основой картины.
Читать далее...

Изабелла Мораветц (Isabella Morawetz) - молодой австралийский цифровой художник.
Родилась 5 августа 1991 года.




Читать далее...

Максимилиан Александрович Волошин
(16 [28] мая 1877, Киев, Российская империя — 11 августа 1932, Коктебель) — русский поэт, переводчик, художник-пейзажист, художественный и литературный критик.

Коктебель

Как в раковине малой — Океана
Великое дыхание гудит,
Как плоть ее мерцает и горит
Отливами и серебром тумана,
А выгибы ее повторены
В движении и завитке волны, —
Так вся душа моя в твоих заливах,
О, Киммерии темная страна,
Заключена и преображена.
С тех пор как отроком у молчаливых
Торжественно-пустынных берегов
Очнулся я — душа моя разъялась,
И мысль росла, лепилась и ваялась
По складкам гор, по выгибам холмов,
Огнь древних недр и дождевая влага
Двойным резцом ваяли облик твой, —
И сих холмов однообразный строй,
И напряженный пафос Карадага,
Сосредоточенность и теснота
Зубчатых скал, а рядом широта
Степных равнин и мреющие дали
Стиху — разбег, а мысли — меру дали.
Моей мечтой с тех пор напоены
Предгорий героические сны
И Коктебеля каменная грива;
Его полынь хмельна моей тоской,
Мой стих поет в волнах его прилива,
И на скале, замкнувшей зыбь залива,
Судьбой и ветрами изваян профиль мой.

6 июня 1918



"Kokтебельская бухта" из коллекции Валерия и Марины Мамонтович
Читать далее...

.

John Everett Millais (1829 - 1896)





"A Souvenir of Velazquez" ок. 1843 / "Воспоминание о Веласкесе"

Статья с сайта "Фонтанка.ру"

Почему прячут информацию о распродаже шедевров из Эрмитажа?
Эрмитажу запретили продавать книги с информацией о массовой продаже предметов искусства из фондов музея в 1928 — 1934 годы. Минкульт и ФСБ в начале апреля провели проверку музея и по этому поводу.

О том, что в первых числах апреля в Эрмитаж с проверкой пожаловала комиссия Минкульта и запретила продавать книги, подготовленные научными сотрудниками музея, сообщил старший научный сотрудник музея Алексей Ларионов. На своей страничке в «Фейсбуке» он написал, что в музее две недели назад прошла проверка, по результатам которой «предъявлена претензия в том, что музей на протяжении многих лет незаконно публиковал документы, относящиеся к числу «секретных».

Рафаэль Санти - "Мадонна Альба"

Читать далее...

Мария Магдалина, золотое сечение, угорь с апельсинами и музыкальная гармония — ищем на знаменитой фреске вместе с Россом Кингом, автором книги «Леонардо да Винчи и „Тайная вечеря“». А также выясняем, почему Генри Джеймс назвал фреску да Винчи «трудолюбивым калекой» и, в конце концов, что там насчет теории Дэна Брауна?



Гадать о смыслах и символах, заложенных да Винчи в его многострадальное произведение, не брался, наверное, только ленивый. Ученые, искусствоведы, любители теорий заговоров и живописи многие столетия ломают копья по поводу того, что именно и зачем написал художник на одной из стен трапезной церкви Санта-Мария делле Грацие в Милане. На всемирной любви к загадке «Тайной вечери» заработан не один миллион долларов. Чего только стоит пресловутый «Код да Винчи» Дэна Брауна (не говоря уже об экранизации бестселлера). Написанная канадцем Россом Кингом книга «Леонардо да Винчи и «Тайная вечеря» шума наделала несравнимо меньше. А зря: достоверной информации и занимательных фактов о творении Леонардо в ней куда больше, чем в романе американца. «Артхив» выбрал наиболее интересные из них.



Канадский писатель Росс Кинг (Ross King, р. 1962), живущий сейчас в Великобритании, сделал имя на книгах, объясняющих отдельные шедевры или события в истории искусства. В его библиографии — издания о флорентийской живописи, о Микеланджело, расписывающем потолок Сикстинской капеллы, о рождении импрессионизма.



Леонардо да Винчи. "Тайная вечеря" 1498, 460×880 см

Цветная революция да Винчи
Читать далее...

"Автопортрет" 1938




"Иветт Шовире" 1962

Иветт Шовире (1917 -2016) — французская прима-балерина и педагог, артистка Парижской оперы в 1934—1945, 1947—1949 и 1954—1963 годах; «этуаль» театра начиная с 1941 года.
Читать далее...