liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

стихи Владимира Янке.



Среди симфонических произведений Клода Дебюсси(1862-1918) выделяются своим ярко живописным колоритом «Ноктюрны» . Это три симфонические картины, объединенные в сюиту не столько единым сюжетным, сколько близким образным содержанием: «Облака», «Празднества», «Сирены».

Еще не закончив свое первое зрелое симфоническое сочинение «Послеполуденный отдых фавна», Дебюсси в 1894 году задумал «Ноктюрны». 22 сентября он сообщал в письме: «Я работаю над тремя «Ноктюрнами» для скрипки соло с оркестром; оркестр первого представлен струнными, второго — флейтами, четырьмя валторнами, тремя трубами и двумя арфами; оркестр третьего соединяет и то и другое. В целом это поиски различных комбинаций, которые способен дать один и тот же цвет, как, например, в живописи этюд в серых тонах». Письмо это адресовано Эжену Изаи, известному бельгийскому скрипачу, основателю струнного квартета, который в предыдущем году первым сыграл Квартет Дебюсси. В 1896 году композитор утверждал, что «Ноктюрны» созданы специально для Изаи — «человека, которого я люблю и которым восхищаюсь... Только он и может их исполнить. Попроси их у меня сам Аполлон, я бы ему отказал!» Однако уже в следующем году замысел меняется, и на протяжении трех лет Дебюсси работает над тремя «Ноктюрнами» для симфонического оркестра.
Об их окончании он сообщает в письме от 5 января 1900 года.

Премьера «Ноктюрнов», состоявшаяся в Париже в Концертах Ламурё 9 декабря 1900 года, не была полной: тогда под управлением Камилла Шевийяра прозвучали только «Облака» и «Празднества», а «Сирены» присоединились к ним год спустя, 27 декабря 1901-го. Эта практика раздельного исполнения сохранилась и столетие спустя — последний «Ноктюрн» (с хором) звучит значительно реже.

К каждой картине есть небольшое литературное предисловие автора. Оно, по мнению самого композитора, не должно иметь сюжетного смысла, а призвано раскрыть лишь живописно-картинный замысел сочинения: «Заглавие — «Ноктюрны» — имеет значение более общее и в особенности более декоративное. Здесь дело не в привычной форме ноктюрна, но во всем, что это слово содержит от впечатлений и особых ощущений света».

В беседе с одним из своих друзей Дебюсси рассказал, что толчком к созданию «Празднеств» послужило впечатление от народного гуляния в Булонском лесу и от торжественных фанфар оркестра республиканской гвардии, а в музыке «Облаков» отразилась картина грозовых туч, поразившая автора во время прогулки по ночному Парижу; сирена проходящего по реке судна, услышанная им на мосту Согласия, превратилась в тревожную фразу английского рожка.

Сам заголовок «Ноктюрны» возник от названия пейзажей английского художника-прерафаэлита Джеймса Уистлера, которыми композитор увлекся еще в молодые годы, когда, окончив консерваторию с Римской премией, жил в Италии, на вилле Медичи (1885—1886). Это увлечение сохранилось до конца жизни. Стены его комнаты украшали цветные репродукции картин Уистлера.

Xileen (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Гектор Берлиоз или Луи-Эктор Берлиоз (фр. Louis-Hector Berlioz, 11 декабря 1803, Ла-Кот-Сент-Андре — 8 марта 1869, Париж) — французский композитор, дирижёр, музыкальный писатель периода романтизма. Член Института Франции (1856).

Биография

Гектор Берлиоз родился в провинциальном городе Ла-Кот-Сент-Андре (департамент Изер близ Гренобля) на юго-востоке Франции. Его отец, Луи-Жозеф Берлиоз, был уважаемым провинциальным врачом. Луи-Жозеф Берлиоз был атеистом; мать Гектора, Мария-Антуанетта, была католичкой. Гектор Берлиоз был первым из шести детей в семье, трое из которых не дожили до взрослого возраста. У Берлиоза осталось две сестры — Нэнси и Адель, с которыми он был в хороших отношениях. Образованием юного Гектора занимался, в основном, отец.

Детские годы Берлиоз провёл в провинции, где слышал народные песни и познакомился с древними мифами. В отличие от некоторых других известных композиторов того времени, Берлиоз не был вундеркиндом. Он начал заниматься музыкой в 12 лет, тогда же он стал писать небольшие композиции и аранжировки. Из-за запрета отца Берлиоз никогда не учился играть на фортепиано. Он научился хорошо играть на гитаре, флажолете и флейте. Он изучал гармонию только по учебникам без преподавателя. Большинство его ранних произведений было романсами и камерными сочинениями.

В марте 1821 года он окончил среднюю школу в Гренобле, а в октябре, в возрасте 18 лет, Берлиоз поехал в Париж, где стал учиться медицине. Родители желали ему стать медиком, но сам Берлиоз тяготел к музыке. К медицине он не проявлял интереса, а после того как побывал на вскрытии трупа, стал испытывать к ней отвращение.

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

«Я считаю искусственными попытки разделять музыку на «легкую», «полулегкую», «серьезную»…
Понятие «легкости» существует только для слушателя музыки, а не для ее творца… Меня как композитора нисколько не унижает работа в кинематографе. Музыка в кино или в других жанрах – для меня все одно творчество».
Нино Рота
 

Xileen (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Сергей Михайлович Ляпунов родился 30 ноября 1859 г. в Ярославле. Мальчик получил свои первые уроки игры на фортепьяно от матери. После смерти отца, Михаила Васильевича Ляпунова, мать поехала в 1870г. году в Новгород с Михаилом и его братом Александром. Там Миша Ляпунов принимал участие с 1874г. в курсах Русского музыкального общества. На 4 года позже он начал в Московской консерватории изучение фортепиано (у Карла Клиндворта), контрапункта и композиции (у Сергея Танеева). В 1883г. Ляпунов заканчивает консерваторию с золотой медалью по классу фортепиано у С.Танеева и по классу композиции у П.Пабста. Через 2 года он выезжает в Санкт-Петербург, где активно контактирует с `Могучей кучкой`. Настроения и мировоззрение этой музыкальной организации очень близки Ляпунову. Поэтому в 1885 г. он отклонил предложение преподавания в Московской консерватории и переехал в Санкт-Петербург. Особенно созвучны его музыкальному восприятию произведения Балакирева и Бородина. С 1890г. Ляпунов преподавал в николаевском кадетском корпусе. С 1894г. по 1902г. Сергей Ляпунов вместе с Милием Балакиревым руководил придворной капеллой. В 1905г. он был преподавателем в основанной Балакиревым бесплатной музыкальной школе и руководил ею с 1908г. по 1910г. С 1910г. он был профессором в классе фортепиано, с 1917г. также профессором композиции в Петербургской консерватории.

Ляпунов записывает своё исполнение на «Вельте-Миньоне» (1910 год)

В 1918г. он закончил свою преподавательскую деятельность в консерватории и преподавал некоторое время в Художественно-историческом институте в Петербурге. Продолжительное время Ляпунов выступал в России и за рубежом как пианист и дирижёр. В 1923 году Ляпунов эмигрировал в Париж, где основал музыкальную школу и прожил до конца дней. На Ляпунова оказывали существенное влияние два композитора: Ференц Лист и его наставник Милий Балакирев. От первого он взял блестящую, виртуозную фортепианную технику и манеру фортепианной обработки тем. Также его выбор стиля был очень созвучен с Листом ( например, опус 11). От Балакирева он перенял интерес к темам русской народной песни и мелодиям Кавказа. Совместно с Балакиревым Ляпунов отредактировал и переиздал собрание музыкальных сочинений М.Глинки. Кроме того, он дописал некоторые из оставленных незавершенными произведений Балакирева. Входя в состав Русского географического общества, Ляпунов совместно с фольклористом Ф.М. Истоминым совершил экспедицию по северным губерниям России, где записал множество прекрасных образцов народного творчества. Творчество Ляпунова представляет собой синтез европейского романтизма и национально-русского движения. Как пианист он был глубокоуважаем и имел необычно разнообразный репертуар. Также как педагог Ляпунов был известной личностью в истории становления и развития русской музыки. Композитором были созданы разнохарактерные произведения различных жанров. Для оркестра: Симфония №1 си-минор (1887г.) симфония №2 си-бемоль-минор (1917г.), рапсодия на украинские темы для фортепиано с оркестром. Вокальные произведения: `Вечерняя песня` , кантата для тенора, хора и оркестра (1920г.), множество обработок народных песен. Музыка для фортепиано и камерная музыка: два фортепианных концерта (1890г., 1909г.), соната фа-минор(1906-1908г.г.), 12 этюдов, 8 мазурок, 3 вальса-экспромта (№1 ре-мажор 1905г., №2 соль-бемоль-мажор 1908г., №3 ми-мажор 1919г.), прелюдии и другие многочисленные произведения для фортепиано. Музыка Ляпунова привлекает чистотой звучания и благородством стиля. Жизнь композитора Сергея Михайловича Ляпунова закончилась 8 ноября 1924г. в Париже.

Lyapunov
 

Sergei Lyapunov - Symphony No.2 in B-flat minor, Op.66

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906—1975) — советский композитор, пианист, педагог и общественный деятель. Народный артист СССР (1954), Герой социалистического труда (1966). Лауреат пяти Сталинских премий и одной Государственной премии СССР.

Шостакович — один из самых исполняемых в мире композиторов. Высокий уровень композиторской техники, способность создавать яркие и выразительные мелодии и темы, мастерское владение полифонией и тончайшее владение искусством оркестровки, в сочетании с личной эмоциональностью и колоссальной работоспособностью, сделали его музыкальные произведения яркими, самобытными и обладающими огромной художественной ценностью. Вклад Шостаковича в развитие музыки XX века общепризнан как выдающийся. Жанровое и эстетическое разнообразие музыки Шостаковича огромно, в творчестве композитора переплетаются модернизм, традиционализм, экспрессионизм и «большой стиль».
 

ТРИ ФАНТАСТИЧЕСКИХ ТАНЦА, соч. 5 (1920—1922)
(два варианта)


Три фантастических танца, ор. 5 показывают необычайную яркость дарования автора, свежесть его образного мышления. При всей внешней изысканности пьесы привлекают внутренне мудрой простотой.
Они написаны с чисто моцартовской грациозной легкостью. Тонкое изящество шутки, каприз, гротесковый излом воплощены мастерски без всякой пианистической мишуры. Все три танца написаны в одной манере,поэтому их исполняют в виде маленького цикла. Во всех танцах обнаруживается связь с традиционными жанрами: маршем, вальсом, галопом.
Первый танец необычен. Для него характерно богатство ритмики.
Второй танец капризно вальсообразен и гибок.
Третий танец по характеру проще других. Это озорная, шутливая музыка, почти лишенная ритмических изломов, характерных для первых двух танцев. Но в техническом отношении этот танец наиболее сложен.



СЮИТА № 1 ДЛЯ ЭСТРАДНОГО ОРКЕСТРА (1934)

Xileen (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Михаил Михайлович Ипполитов-Иванов (настоящая фамилия — Ива́нов; 1859, Гатчина — 1935, Москва) — русский композитор, дирижёр.

Жена — оперная певица В.М. Зарудная, помогавшая мужу в его творческой и педагогической работе.

Родился будущий композитор в Гатчине, близ Петербурга, 7 ноября (19 ноября по новому стилю) 1859 года.

Первоначальное музыкальное образование получил в музыкальных классах для малолетних певчих при Исаакиевском соборе в Петербурге (1872—1875), затем в Петербургской консерватории, в которой в 1882 году он закончил класс композиции Н. А. Римского-Корсакова.

 С 1882 по 1893 годы работал в Тифлисе (ныне — Тбилиси) в качестве руководителя основанного им отделения Русского музыкального общества, оперно-симфонического дирижёра и преподавателя музыкального училища. В Тифлисе в классе М. М. Иполитова-Иванова начинает свое музыкальное образование польский композитор и педагог Витольд Малишевский. В 1895 году, на основе армянских народных мелодий, записанных им в Нахичевани, композитор создает симфонию «Армянская рапсодия», а в 1933 году он пишет 4 пьесы на армянские народные темы для струнного квартета.

С 1893 года по приглашению Чайковского Ипполитов-Иванов — профессор Московской консерватории, а в 1906—1922 годах — её директор. В 1899—1906 годах дирижёр Московской частной русской оперы Саввы Мамонтова и Оперы Зимина, а с 1925 — Большого театра. Под его руководством впервые были исполнены следующие оперы: «Царская невеста», «Кащей Бессмертный» и др.

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

Концерт для кларнета и альта с оркестром ми минор Op. 88 — сочинение Макса Бруха, единственный в мировой практике концерт для такого состава.

Концерт написан в 1911 году для сына композитора, кларнетиста Макса Феликса Бруха. Первое исполнение состоялось 5 марта 1912 года в Вильгельмсхафене, затем автор внёс в партитуру ряд исправлений, и во второй редакции концерт впервые прозвучал 3 декабря 1913 года в Берлине .

БИОГРАФИЯ КОМПОЗИТОРА

Чтобы выступить в 1911 году с концертом, соч. 88, 73-летнему Максу Бруху потребовалось немалое мужество.Он отважился сочинять в манере своей творческой юности – как если бы он навсегда остался младшим современником Шумана и Брамса, пылким последователем Вебера и Мендельсона.

Концерт отличается своеобразием оркестровки, начинаясь почти как камерный и постепенно наращивая присутствие духовых инструментов. Побочная тема второй части заимствована Брухом из собственной Сюиты № 2 для оркестра (1906).

Премьера концерта была встречена резко негативными отзывами критики, поскольку музыкальный язык произведения воспринимался как устаревший, принадлежавший к эпохе Шумана и Мендельсона. Произведение было забыто и впервые опубликовано только в 1942 году. Научное издание концерта подготовили в 2010 г.

Слушая концерт Бруха, лучше постараться забыть, что он написан в 1911 году. Мысленно перенесясь в «золотой век» немецкого музыкального романтизма, ощутив себя, подобно композитору, внутри круга его великих предшественников и современников, мы прикоснемся к классическому образцу стиля, к роднику непосредственного чувства и редкого мелодического обаяния.
 

Концерт для кларнета и альта с оркестром ми минор Op. 88

I: Andante con moto
II: Allegro moderato
III: Allegro molto

Barucaba (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Барон Карл Мария Фридрих Август (Эрнст) фон Вебер (нем. Carl Maria von Weber; 18 ноября 1786, Ойтин — 5 июня 1826, Лондон) — немецкий композитор, дирижёр, пианист, музыкальный писатель, основоположник немецкой романтической оперы, предшественник Вагнера. Вершиной творчества Вебера по праву считается опера «Вольный стрелок» (1821).

Расцвет музыкально-драматического дарования Вебера совпал с новыми достижениями композитора в области фортепианной музыки. Одним из наиболее значительных сочинений была программная пьеса — «Приглашение к танцу»  которая по своим художественным достоинствам возвышается над другими фортепианными произведениями Вебера.

В «Приглашении к танцу» (1819), программной пьесе, изобра­жающей картины бала, автор создает поэтический образ вальса, который предвосхищает такие выдающиеся произведения XIX века, как пьесы Шумана, вальсы Шопена, «Сцену на балу» из «Фантастической симфонии» Берлиоза и многие другие, вплоть до «Вальса-фантазии» Глинки и вальса из Пятой симфонии Чайков­ского. Ритм вальса проходит через эту блестящую пьесу, объеди­няя разнообразные моменты. Связь с бытовым танцем придает му­зыкальному языку свежесть и исключительную доступность.

"Приглашение к танцу", Петр Лаул (фортепиано)

Томаовсянка (Искусство_звука) все записи автора

Дмитрий Дмитриевич Шостакович: Концерт для виолончели с оркестром № 2. Концерт для скрипки с оркестром № 1.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович

(1906-1975)

Xileen (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Николай Карлович Метнер (24 декабря 1879 (5 января 1880), Москва ― 13 ноября 1951, Лондон) ― русский композитор и пианист.

Биография

Предки Метнера имели скандинавское происхождение (отец ― датское, мать ― шведско-немецкое), но ко времени его рождения семья уже на протяжении многих лет жила в России. Первые уроки игры на фортепиано он получил в возрасте шести лет от матери, затем учился у своего дяди, Фёдора Гедике (отца Александра Гедике). В 1892 Метнер поступил в Московскую консерваторию, где обучался в классах А. Галли, П. Пабста, В. Сапельникова и В. Сафонова, и в 1900 окончил её с большой золотой медалью. Композицией Метнер занимался самостоятельно, хотя в студенческие годы брал уроки теории у Кашкина и гармонии ― у Аренского.

Вскоре после окончания консерватории Метнер принял участие в конкурсе пианистов имени Рубинштейна, на котором заслужил почётный отзыв от влиятельного жюри, однако, по совету Сергея Танеева и своего старшего брата Эмилия вместо концертной карьеры серьёзно занялся композицией, выступая лишь изредка, и в основном с собственными сочинениями. В 1903 году некоторые из его произведений появились в печати. Соната f-moll привлекла внимание известного польского пианиста Иосифа Гофмана, своё внимание на музыку молодого композитора обратил Сергей Рахманинов (ставший в более поздние годы одним из ближайших друзей Метнера). В 1904―1905 и 1907 годах Метнер выступил с концертами в Германии, но не произвёл на критиков особого впечатления. В то же время в России (и в особенности в Москве) у него появилось немало почитателей и последователей. Признание Метнера как композитора пришло в 1909 году, когда ему была присуждена Глинкинская премия за цикл песен на слова Гёте. Метнер принимал активное участие в деятельности «Дома песни». Вскоре он получил место профессора фортепианного класса Московской консерватории, а в 1916 ― ещё одну Глинкинскую премию за фортепианные сонаты. Н. К. Метнер состоял членом совета Российского музыкального издательства, учреждённого в 1909 г. Сергеем Кусевицким, в котором помимо него состояли также А. Ф. Гедике, С. В. Рахманинов, А. Н. Скрябин (позднее его место занял А. В. Оссовский), Н. Г. Струве .

 В 1921 году Метнер вместе с женой эмигрировал в Германию, где, однако, интерес к его музыке был ничтожно мал, а концертных предложений почти не поступало. Финансовую помощь Метнеру оказал Рахманинов, организовавший концертный тур пианиста по США в 1924―1925. Вернувшись в Европу, Метнер осел в Париже, но там, как и в Германии, его сочинения не пользовались большим успехом. Круг друзей Метнера в это время был небольшим и состоял в основном из русских эмигрантов. Среди немногих современных ему музыкантов во Франции, почитавших его творчество, был Марсель Дюпре. В 1927 Метнер выступил с концертами в Советской России, а год спустя ― в Великобритании, где композитор получил звание почётного члена Королевской академии музыки и с успехом исполнил собственный Второй концерт с оркестром Королевского филармонического общества. Радушный приём, оказанный ему, сподвиг его на то, чтобы постоянно поселиться в Лондоне. В 1929―1930 Метнер провёл новую серию концертов в Северной Америке, однако сотрудничавшее с ним концертное агентство обанкротилось, и лишь с помощью Рахманинова ему удалось избежать финансовых трудностей.

Barucaba (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Лядов А.К. (1855 - 1914)

«Волшебное озеро»

Анатолий Константинович Лядов. Портрет работы И. Репина (1902).

В русской музыке Лядов занимает видное место. Хотя в целом его творчество и не поднимается до уровня великих достижений русской музыкальной классики — оно не может сравниться с творчеством Глинки и  Чайковского полнотой и многосторонностью отраже­ния жизни, значительностью идейного содержания, — все же произведения Лядова составляют ценную часть русской клас­сической художественной культуры.

Сэр_42 (Искусство_звука) все записи автора

25 сентября почитатели классического музыкального искусства отмечали день рождения выдающегося композитора и пианиста Дмитрия Шостаковича. Несмотря на то, что талантливого музыканта уже давно нет, его творческое наследие продолжает пользоваться заслуженным признанием.
Настоящий подарок меломанам - от Валерия Гергиева и Дениса Мацуева. На сцене Большого зала консерватории состоялся грандиозный концерт Симфонического оркестра Мариинского театра. Выступление прошло в день рождения Дмитрия Шостаковича и стало своеобразным посвящением великому композитору.
Найти более опытный и сработавшийся дуэт дирижера и пианиста, наверное, сложно. Но Гергиев и Мацуев волнуются - посвящение Шостаковичу звучит в день рождения композитора.
Первый фортепианный концерт- переживания композитора в каждой ноте, написан еще молодым Шостаковичем. Публике он представлял его сам. И в Московской консерватории также своего рода премьера.
Денис Мацуев уверен, первый концерт Шостаковича - отличный пример того, как классическая музыка смогла достоверно, будто в кинохронике, отразить дух эпохи. Но "режиссер" этого своеобразного фильма, разумеется, человек ироничный.
"Без чувства юмора сложно понять эту иронию, это подтрунивание над советской действительностью, над советскими маршами. И, безусловно, таперское прошлое Дмитрия Дмитриевича очень сильно слышно в этом концерте", - отмечает Денис Мацуев, пианист, народный артист России.

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

Композитором столетия называют Александру Пахмутову(09.11.1929).С этим согласятся не только люди советского поколения, но и те, кто за последнюю четверть века смог осознать все могущество творчества Александры Николаевны.

Всего семь нот понадобилось этой великой женщине-композитору, чтобы создать выдающееся музыкальное сопровождение целой эпохи.

С виду маленькая и невероятно хрупкая женщина смогла занять большое место в жизни огромной страны. Она стала символом советского творчества, пережила как счастливые, так и трудные годы, но служила исключительно своему таланту. Музыканты говорят, что счастливая судьба песни исчисляется пятью годами, а песни Пахмутовой поют десятилетиями. Всего же их было написано более 400. Аналога этому феноменальному рекорду, наверное, не сыскать во всем мире. Ее песням не суждено состариться, они обречены на вечную жизнь и популярность, несмотря на смену поколений, стран и эпох.
Первые звуки музыки Александра услышала от отца, который играл на аккордеоне, фортепиано, скрипке и других инструментах. Аля, как ее называют самые близкие люди, родилась в поселке Бекетовка композитор Александра Пахмутовав пригороде Сталинграда 9 ноября 1929 года. Мама поощряла влечение ребенка к творчеству и возила на поезде в Сталинград на занятия в музыкальной школе. Там в первые военные годы девочка услышала и грозные звуки разрывающихся снарядов. Семья год жила в эвакуации в Караганде. Александра продолжила обучение музыке, сочиняла мелодии и песенки, а потом попросила родителей отправить ее в Москву продолжать образование. В 1943 году отец поддался на уговоры и отвез дочь в столичную музыкальную школу при консерватории имени Чайковского. Через пять лет талантливая девушка стала студенткой композиторского отделения и позже закончила аспирантуру.

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

"МАСКАРАД БЕЗ МАСОК"
Музыкально-литературный спектакль с интермедиями по мотивам сочинений С. Прокофьева, Д. Шостаковича, А. Хачатуряна, Т. Хренникова, Г. Свиридова на стихи М. Лермонтова, Б. Пастернака, У. Шекспира.





Исполнители: "Вивальди-оркестр".
Стихи читают: Владимир Васильев и Александр Домогаров.
В роли шута Алексей Мочалов

 

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

Конец XIX — начало XX века в Англии обычно связывают с подъемом музыкальной жизни страны, который характеризовался, прежде всего, повышенным интересом к родному музыкальному фольклору, а также проявлением целой плеяды выдающихся композиторов, чье творчество явилось выражением национальной истории, быта, характера и духа английского народа. Среди композиторов этого периода первое место бесспорно принадлежит Эдварду Элгару(1857 - 1934). Его творчество символизирует возрождение английской музыки. Впервые после перерыва, охватывающего два столетия, впервые после Генри Пёрселла, умершего в 1695 году, английская музыка в произведениях Элгара приблизилась к уровню общеевропейского музыкального искусства.
Элгар является ярким представителем английского музыкального романтизма, в котором получили развитие художественные принципы позднего западно-европейского романтизма. Творческое наследие музыканта огромно. Его составляют симфонии и инструментальные концерты, оратории и кантаты, вокальные циклы и песни, квартеты и сонаты, сочинения для оркестра, хора, фортепиано, скрипки, виолончели, органа, духовых инструментов. Произведения композитора отличают ясность, уравновешенность, четкость формы, богатство стиля, тонкий психологизм, исключительное мастерство музыкального портрета, мелодическое богатство.

Известность Элгару принесли симфонические Вариации на оригинальную тему — «Энигма» («Загадка») появившиеся в 1899 г. — на рубеже XIX - XX вв. В 1900 - 1920 гг. — самый плодотворный период в творчестве композитора — созданы наиболее популярные его произведения: две симфонии — первые в истории английской музыки (1908, 1911), оратория «Сновидение Геронтиуса» (1900), Концерт для скрипки с оркестром — первый скрипичный концерт английского композитора, получивший всемирную известность (1910), Виолончельный концерт (1919) ставший кульминацией его творчества.

«Вариации на Оригинальную Тему для оркестра (Энигма)», Op. 36, обычно называемые «Вариации "Энигма"», - это музыкальное произведение из темы и 14 её вариаций для оркестра, написанных Эдуардом Элгаром в 1898-1899. Это наиболее известное сочинение Элгара, как из-за самой музыки, так и из-за скрытой в ней загадки. Элгар посвятил его "своим друзьям, изображённым в нём", каждая вариация представляет одного из круга его близких знакомых.
 

Barucaba (Искусство_звука) все записи автора

Частная школа  Николая Сергеевича Зверева, Московская консерватория. Замечательные учителя - Аренский и Танеев. Талант его замечен всеми, хотя и поругивают нерадивого ученика, увиливающего от скучных упражнений. Петр Ильич Чайковский, прослушав на экзамене по гармонии написанные Рахманиновым пьесы в его же исполнении, признался: "Ему я предсказываю великое будущее".

Сергей много пишет. Но то было ученичество. Требовался эмоциональный взрыв, чтобы начать творить. Биографы отмечают весну и лето 1890 года, когда "искра истинного вдохновения влетела ему в душу".

Сэр_42 (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Сергей Прокофьев - советский композитор, пианист, дирижёр. Народный артист РСФСР . С 1902 занимался композицией у Р. М. Глиэра. С 1904 учился в Петербургской консерватории, окончил её как композитор и пианист. В годы учёбы в консерватории начал концертную деятельность. В 1918—33 жил за рубежом; с успехом гастролировал в Европе и Америке. В 1927, 1929 и 1932 предпринял концертные поездки в СССР.

Музыка Прокофьева — крупнейшего композитора 20 в. — воплощает гармоничное и радостное ощущение жизни, проникнута духом деятельной энергии. Она разнообразна по содержанию, соединяющему в себе эпос и лирику, драматизм и юмор, характеристичность и психологизм. Прочно связанное с традициями прошлого, творчество Прокофьева раздвинуло границы музыкального искусства в области языка, содержания, средств выразительности, представляя собой передовое и новаторское явление современной эпохи
Оперное и балетное творчество Прокофьева, охватывающее широкий круг нетрадиционных сюжетов, новые принципы и приёмы музыкальной драматургии, принадлежит к числу реформаторских завоеваний музыкального театра.
Сюжетное и жанровое многообразие отличает балеты Прокофьева («Ромео и Джульетта», «Золушка», «Сказ о каменном цветке») принесли советскому балетному театру мировую славу. Богатство шекспировских образов «Ромео и Джульетты», глубина трагического конфликта обусловили широту симфонического развития в балете, новаторскую трактовку хореографии и музыки,
Лучшее определение «Ромео и Джульетты» дал музыковед Г. Орджоникидзе: «Ромео и Джульетта» Прокофьева — произведение реформаторское. Его можно назвать симфонией-балетом, весь он пронизан чисто симфоническим дыханием... В каждом такте музыки ощущается трепетное дыхание главной драматургической идеи. При всей щедрости изобразительного начала оно нигде не принимает самодовлеющего характера, насыщаясь активно драматическим содержанием. Балет Прокофьева отличается глубоким своеобразием музыки. Оно проявляется прежде всего в характерной для балетного стиля Прокофьева индивидуальности танцевального начала. Для классического балета этот принцип не типичен, и обычно он проявляется лишь в моментах душевного подъема — в лирических адажио. Прокофьев же названную драматургическую роль адажио распространяет на всю лирическую драму». Отдельные, самые яркие номера балета очень часто звучат на концертной эстраде как в составе симфонических сюит, так и в фортепианном переложении. Это «Джульетта-девочка», «Монтекки и Капулетти», «Ромео и Джульетта перед разлукой», «Танец антильских девушек» и др.

Музыка из балета "Ромео и Джульетта.


 


 

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

...Ты гимны дивные писал
И, созерцая мир блаженный,
Его нам в звуках начертал...
Агафангел. Памяти Д.Бортнянского
 

Дмитрий Бортнянский (26 октября 1751— 10 октября 1825)– русский композитор и первый директор придворной певческой капеллы. Он вошел в историю России как основатель профессиональной композиторской школы и выдающийся сочинитель духовной православной музыки.

С 1796 года Бортнянский был управляющим Придворной певческой капеллой. Работал при «малом дворе» наследника Павла Петровича, для его любительских спектаклей в Павловске написаны три оперы на французские тексты – «Празднество сеньора» (1786), «Сокол» (1786), «Сын-соперник, или Новая Стратоника» (1787). Тогда же были сочинены клавирные сонаты и ансамбли, ряд романсов на французские тексты.

Его творческое наследие обширно и разнообразно. Оно насчитывает около 200 названий - 6 опер, более 100 хоровых произведений, многочисленные камерно-инструментальные сочинения, романсы. Музыку Бортнянского отличает безупречный художественный вкус, сдержанность, благородство, классическая ясность, высокий профессионализм, выработанный изучением современной европейской музыки. Русский музыкальный критик и композитор А. Серов писал, что Бортнянский "учился на тех же образцах, как и Моцарт, и самому Моцарту очень подражал"

Духовно-музыкальные произведения Бортнянского включают около сотни богослужебных песнопений, около полусотни духовных концертов, литургию, трио, обработки традиционных распевов. Весь этот репертуар исполнялся повсеместно в течение всего XIX века. Многие произведения Бортнянского звучат в русских храмах и по сей день.
 

Концерт для двух хоров с оркестром -
Тебе Бога хвалим!




Под Твою милость

По словам академика Асафьева, в хоровых сочинениях Бортнянского "произошла реакция того же порядка, как в тогдашней российской архитектуре: от декоративных форм барокко к большей строгости и сдержанности - к классицизму".

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

Давид Ойстрах (30 сентября 1908 -- 24 октября 1974)-советский скрипач, альтист, дирижер и педагог
В 1935 скрипач победил на втором Всесоюзном конкурсе музыкантов-исполнителей и в том же году получил вторую премию на Международном конкурсе имени Венявского. Два года спустя Ойстрах выиграл Конкурс имени Эжена Изаи в Брюсселе и обрел мировую известность.
В 1945 году большой интерес публики вызвало его исполнение в Москве двойного концерта Баха совместно с Иегуди Менухиным (первым зарубежным исполнителем, приехавшим в СССР после войны).
В 1946-1947 годах Ойстрах организовал цикл «Развитие скрипичного концерта», в котором исполнил концерты Сибелиуса, Элгара, Уолтона и написанный специально для него концерт Арама Хачатуряна.
Давид Ойстрах был бессменным председателем жюри в номинации «скрипка» на первых пяти (с 1958 по 1974) конкурсах имени П. И. Чайковского.
 

Арам Хачатурян. Концерт Для Скрипки С Оркестром Ре Минор
Концерт посвящён Давиду Ойстраху.

Скрипичный концерт - одно из лучших сочинений А. Хачатуряна, стал классикой современной скрипичной музыки и прочно вошел в репертуар скрипачей всего мира. Написанный летом 1940 года всего за два с половиной месяца, концерт впервые прозвучал 16 ноября 1940 года в исполнении Давида Ойстраха, которому это сочинение посвящено. "Он заворожил всех нас", - вспоминал великий скрипач о работе над этим произведением. "Музыка искренняя и своеобразная, исполненная мелодических красот, народного колорита, остроумия, словно искрилась".
В концерте не использованы подлинные народные мелодии, но весь он является выражением народной песенности.
Композитор, следуя традициям, варьирует мелодии, оплетая их кружевом, орнаментом, «играет» ритмами, оркестровыми красками, перекличками оркестра с солирующей скрипкой. Праздничный, приподнято-восторженный тон Концерта рождает в сердцах слушателей ответный восторг: «Да будет свет! И да будет радость!» (Б. Асафьев.)
Произведение это очень сложно для исполнения и требует от скрипача огромного мастерства.

В концерте три части, которые рисуют три разные картины из жизни народа, поэтические зарисовки природы Армении. В центре их - лирическая «песня», которую обрамляют две танцевальные части.

Первая часть открывается энергичным и напористым оркестровым вступлением, которое сразу же вводит нас в сферу активного действия.
Чёткий, упругий ритм и танцевальный характер отличают главную партию сонатного аллегро.
 

Нина-Ник (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Концерт Большого симфонического оркестра им. Петра Чайковского. 

Версия для печати 06. 2013г.

Ежегодный фестиваль Валерия Гергиева «Звезды белых ночей», пожалуй, единственный, способный оправдать давно известную стихотворную реплику: «И даже в области балета мы впереди планеты всей». Такого длящегося беспрерывно в течение двух месяцев (с конца мая до конца июля) звездопада не бывает больше ни на одном российском фестивале. Лучшие в мире солисты балета, оперы, классической музыки сменяют друг друга будто сверкающие узоры в волшебном калейдоскопе.

В этом году особый повод для радости: на фестиваль впервые приглашен созданный в 1930-м году первым в истории советского государства Большой симфонический оркестр, которому в 1990-е годы было присвоено имя Петра Чайковского. 11 июня в прекрасном по акустике Концертном зале Мариинского театра оркестром был сыгран двухчастный симфонический концерт. В первом отделении: 41 симфония Моцарта «Юпитер». Во втором – симфония «Манфред» Чайковского. Руководил оркестром Владимир Федосеев, который стал художественным руководителем БСО без малого сорок лет назад, в 1974 году. Петербургский слушатель очень непосредственный и искренний: зал внимал музыке с идеальной чуткостью, а после концерта овация перешла в какой-то прямо шквальный рокот восторгов и единодушный порыв стоя приветствовать музыкантов. Причем, вставал зал несколько раз. После концерта и после двух великолепных бисов. Один из которых – переложение для оркестра и ансамбля виолончелистов романса Вольфрама из оперы Рихарда Вагнера «Тангейзер». Версия создана концертмейстером группы виолончелей БСО Виктором Львовичем Симоном, проработавшим в оркестре более пятидесяти лет. Он же был безупречным солистом романтического опуса.

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

Композитор Йозеф Гайдн был очень веселым человеком. Такой же веселой и жизнерадостной была его музыка.
Почти в каждой симфонии – а написал он больше ста – есть что-то неожиданное, интересное, смешное.
То он изобразит в симфонии неуклюжего медведя, то кудахтанье курицы – симфонии эти так потом и называют: "Медведь", "Курица", то накупит разных детских игрушек – свистулек, трещоток, рожков и включит их в партитуру своей "Детской" симфонии. Одну его симфонию называют "Часы", другую – "Сюрприз" за то, что там, в середине медленной, тихой и спокойной музыки раздается вдруг очень громкий удар, а затем снова неторопливо, как ни в чем не бывало, продолжается спокойная, даже какая-то важная музыка.
Все эти выдумки, все эти "сюрпризы" объяснялись не только веселым характером композитора. Тут были и другие, гораздо более важные причины. Гайдн начал писать музыку, когда произведения в форме симфонии только-только начали появляться. Вот почему этот замечательный немецкий композитор столько выдумывал, когда писал свою музыку, – он пробовал, искал, создавал новый вид музыкального произведения.

Нам теперь почти невозможно представить себе, что "отец симфонии", "великий Гайдн", как его называли уже при жизни, был всего-навсего придворным капельмейстером австро-венгерского князя Николо Эстергази.
Трудно поверить, что композитору, которого знала вся Европа, концертов которого ждали в Париже и Лондоне, как праздника, этому самому композитору каждый раз приходилось спрашивать "у господина" разрешения на выезд из поместья Эстергази для устройства своих концертов.
Князь любил музыку, но не настолько, чтобы отказаться от такого "выгодного" слуги.
В контракте капельмейстера Гайдна были оговорены его многочисленные обязанности. В ведении Гайдна находилась домашняя капелла Эстергази – хор, солисты и оркестр. За все неполадки, за все ссоры и отступления от правил поведения слуг-музыкантов отвечал Гайдн. Он же отвечал и за качество исполнения музыки, так как был дирижером. Он должен был сочинять любую музыку по требованию князя, не имея никаких прав на собственные сочинения – они тоже принадлежали князю, как и сам Гайдн.
И даже одеваться он не мог по своему желанию и вкусу. Форма одежды – от чулок до парика – была установлена князем.
Тридцать лет прожил Гайдн у Эстергази и все тридцать лет оставался "крепостным слугой". Так называл себя он сам, таким считал его и князь Николо Эстергази.
И все-таки композитор Гайдн был веселым человеком!

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

История классической музыки содержит немало имен великих композиторов, к которым признание приходило через много лет после смерти и осознание музыки которых растягивалось на долгие годы. Достаточно упомянуть Франца Шуберта, Антона Брукнера и величайшего композитора всех времен - Иоганна Себастьяна Баха.
Но даже в этом ряду история чешского композитора Яна Дисмаса Зеленки (16 октября 1679 - 23 декабря 1745)выделяется как нечто, не поддающееся пониманию. Музыка Зеленки пролежала в архивах невостребованной в течение двух сотен лет! И слушая сегодня эту музыку, приходишь в изумление, соединенное с грустным чувством вины: как могло получиться, что такая великолепная музыка была предана забвению? И почему эта музыка, открытая в 60-е годы XX века и исполненная выдающимися музыкантами, до сих пор почти не известна любителям классической музыки?

Музыка эпохи барокко оставила много блестящих образцов классической музыки. Многие музыкальные шедевры этого времени отличаются красотой мелодии, запоминаются, порой западают в душу. Но все-таки на подавляющем большинстве этих творений лежит отпечаток эпохи: вычурность и нередко бравурность стиля, легковесность, подавляющий перевес мажорной музыки над музыкой минорной, некоторый механицизм, прикрывающий нехватку эмоционального содержания. Музыка Баха стоит особняком по отношению ко всем остальным образцам музыки эпохи Барокко. Вобрав в себя технические достижения прошлого и современной ему эпохи, Иоганн Себастьян Бах создал музыку совершенно особенную. Хотя музыка Баха оказала огромное влияние на музыку последующих поколений, начиная с Моцарта и кончая Шостаковичем, она принадлежит не этим поколениям. Она принадлежит вечности. Бах был глубоко, искренно верующий христианин, и все его творчество посвящено Богу. По-видимому, в этом и состоит разгадка тайны музыки Баха, которая сочетает изумительную простоту и экономию средств с потрясающим величием и глубиной содержания. Если и были у Баха современники-композиторы, близкие ему по духу и по качеству музыки, то их следует искать только среди композиторов, творивших для церкви. Именно таков и был Ян Дисмас Зеленка.

Зеленка принадлежит другой церкви - в отличие от лютеранина Баха, Ян Дисмас Зеленка был католиком. Но оба они были настоящие христиане, по-настоящему воцерковленные, глубоко осознавшие истины христианства и живущие своей верой, посвятившие Богу всю свою жизнь и все свое творчество. В партитурах Баха нередко можно встретить обращения к Богу: "Одному Богу слава", "Иисус, помоги". А вот текст посвящения, которое предпослано Яном Дисмасом Зеленкой к его великой Мессе в честь Бога-Отца (ZWV19): "Первую из своих последних месс, озаглавленную Missa Dei Patris, этому великому Богу, творцу всего сущего, всеблагому Отцу, с величайшей покорностью, со смиреннейшим почитанием и глубочайшим благоговением, с сердцем, исполненным покаяния и страха (в надежде, что эта месса не будет отвергнута), посвящает Его нижайшее, покорнейшее и недостойное создание Иоанн Дисмас Зеленка".

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

«Мцыри» — романтическая поэма М. Ю. Лермонтова, написанная в 1839 году и опубликованная (с цензурными пропусками) в 1840 году в единственном прижизненном издании поэта — сборнике «Стихотворения М. Лермонтова». Она относится к поздним кавказским поэмам Лермонтова и считается одним из последних классических образцов русской романтической поэзии.
Сюжет поэмы был взят автором из кавказской жизни. Согласно рассказам современников поэта , Лермонтов сам слышал историю, которую потом положил в основу поэмы.

М.Ю.ЛЕРМОНТОВ ПОЭМА "МЦЫРИ" Читает Пётр Дубинский

Во время своей первой ссылки на Кавказ в 1837 году, странствуя по старой Военно-Грузинской дороге, он «наткнулся в Мцхете… на одинокого монаха… Лермонтов… узнал от него, что родом он горец, плененный ребёнком генералом Ермоловым… Генерал его вез с собою и оставил заболевшего мальчика монастырской братии. Тут он и вырос; долго не мог свыкнуться с монастырем, тосковал и делал попытки к бегству в горы. Последствием одной такой попытки была долгая болезнь, приведшая его на край могилы…».
Этот интересный рассказ впечатлил Михаила Юрьевича и, вероятно, послужил толчком к созданию «Мцыри».
 

ИППОЛИТОВ-ИВАНОВ Михаил Михайлович (1859 - 1935)
Композитор, симфонический и хоровой дирижер, педагог, крупнейший деятель музыкального образования.

Увлечение Ипполитова-Иванова поэзией Лермонтова, нашло отражение в его творчестве. Поэмы Лермонтова «Демон» и особенно «Мцыри» завладели воображением композитора.
В 1924 он сочинил симфоническую поэму «Мцыри», в которой проявилось искусное владение оркестровой палитрой.

М. М. ИППОЛИТОВ-ИВАНОВ «МЦЫРИ» СИМФОНИЧЕСКАЯ ПОЭМА ДЛЯ СОПРАНО И ОРКЕСТРА (1923-24) OP. 54

источник

Мощь гор, бурное движение рек, цветение прекрасной природы Грузии и многовековую мудрость ее народа - все это с любовью воплотил в своем творчестве выдающийся грузинский композитор Отар Васильевич Тактакишвили (1924–1989) . Опираясь на традиции грузинской и русской музыкальной классики, создал множество произведений, вошедших в золотой фонд советской многонациональной культуры.
 

О. В. ТАКТАКИШВИЛИ СИМФОНИЧЕСКАЯ ПОЭМА «МЦЫРИ» (1956)

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

Музыка должна быть обращена ко всем, хоть и не всеми будет принята. Мы должны говорить пароль каждому — только так мы найдём тех, кто на него ответит. Р. Воан-Уильямс

Этот композитор, столь почитаемый у себя на родине, до сих пор не пользуется популярностью у нас. Вряд ли причина в том, что его творчество «настолько тесно связано со всей своеобразной судьбой английской музыки, что вне этого фона его значение не может быть ни понято, ни оценено». Так написала Валентина Конен - автор наиболее известного русскоязычного очерка о Воан-Уильямсе - почти 50 лет назад. Хочется верить, что за прошедшие полвека наше восприятие творчества этого композитора изменилось в сторону понимания и что его музыка рано или поздно покорит русских слушателей. Давайте же хотя бы сегодня вспомним его имя.

Итак, Ральф Воан-Уильямс. Родился 12 октября 1872 года в деревне Даун-Ампни (графство Глостершир), умер 26 августа 1958 года в Лондоне. Учился у Пэрри, Вуда и Стэнфорда - композиторов, которые вместе с Элгаром способствовали долгожданному пробуждению английской композиторской школы. В 1894 году Воан-Уильямс получает степень бакалавра музыки, в 1901 - доктора (музыкальное образование он получал в Кембридже и лондонском Королевском музыкальном колледже). В 1897 посетил Германию, где учился у Бруха и знакомился с музыкой Вагнера. Но долгое время будущий композитор не находил пути, которому хотел бы следовать... Поначалу, казалось, никто не верил в этого молодого человека - но именно тогда в нём происходила сложнейшая внутренняя работа, готовившая творческий перелом.
В 1903 году Воан-Уильямс начинает активно изучать английский фольклор (который незадолго до этого был в буквальном смысле открыт заново), а вскоре становится одним из основателей Общества народной песни. Фольклорная экспедиция 1904 года дала тематический материал для трёх «Норфолкских рапсодий» (первая из них была сочинена в том же году, вторая и третья, завершённые в 1906, не были опубликованы).
Параллельно фольклористическим изысканиям Воан-Уильямс постоянно работает и в области церковной музыки (в частности, редактирует «Английский гимнарий»). Под влиянием народной и церковной музыки формируется авторский стиль (точнее, одна его сторона - пристрастие к модальности, плавным последовательностям консонантных гармоний, напевным мелодиям). Тогда же, ещё в 1903 году, композитор задумывает свою Первую симфонию, но завершена она будет уже после возвращения из Франции.

Сэр_42 (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Александр Николаевич Скрябин — русский композитор и пианист. В его творчестве воплощены идеи экстатической устремленности к неведомым «космическим» сферам, идея преобразующей силы искусства. Музыке присущи напряженность тонуса, диапазон образов от одухотворенно-идеальных, утонченных до экспрессивно-героических. Яркий новатор музыкальных выразительных средств, главным образом гармонии; развивал идею светомузыки, впервые в музыкальной практике ввел в симфоническую поэму «Прометей» партию света. Профессор Московской консерватории .
Александр Скрябин родился в Москве 25 декабря 1871 года (6 января 1872) в старинном дворянском роде. Отец — дипломат, мать — талантливая пианистка; умерла от туберкулеза, когда сыну не было и полутора лет. Мальчик воспитывался тетей, Л. А. Скрябиной, приохотившей его к фортепиано. В пять лет уверенно воспроизводил на инструменте не только мелодии, но и однажды услышанные несложные пьесы, в восемь начал сочинять музыку, писал также стихи и многоактные трагедии. В 1882-1889 по семейной традиции обучался во 2-м Московском кадетском корпусе. Брал уроки фортепьяно у Георгия Эдуардовича Конюса и Н. С. Зверева, изучал теорию музыки под руководством Сергея Ивановича Танеева, выступал в концертах. В 1888-1892 годах — в Московской консерватории по классу фортепьяно у Василия Ильича Сафонова (окончил с золотой медалью), параллельно занимался композицией у С. И. Танеева и Антона Степановича Аренского
К началу 1890-х годов относятся первые издания и исполнения фортепьянных пьес Александра Скрябина, главным образом авторские. Выдающийся пианист камерного плана, чья игра отличалась тонкостью и одухотворенностью, особым, созвучным эпохе, «нервом», музыкант всю жизнь концертировал, исполняя почти исключительно собственные сочинения. Уже первые выступления принесли ему успех, хотя и сам он, и его музыка вызывали неоднозначное отношение.
При всеобщем признании феерического таланта Александра Николаевича, восхищение одних, недоумение и неприязнь других с годами лишь возрастают, деля аудиторию на «скрябинистов» и «антискрябинистов», шокированных новаторским характером его сочинений. Однако профессиональная карьера композитора складывалась в целом удачно, не только благодаря незаурядной воле и творческой активности самого Скрябина, но и из-за постоянной поддержки почитателей его искусства — Митрофана Петровича Беляева, М. К. Морозовой, Сергея Александровича Кусевицкого, Александра Ильича Зилоти и др. Вскоре после окончания консерватории Скрябин концертировал в Москве, Петербурге и других городах, а в 1896 году совершил турне по Европе (Париж, Брюссель, Берлин, Гаага, Амстердам, Кельн), повсюду вызывая к себе живейший интерес.
 

Музыкальный сайт преподавателя М.С.Толмачевой

Фортепианный концерт. Ор.20

Томаовсянка (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com
 

  Рапсодия на тему Паганини - во многом жанровое "открытие" Рахманинова. Любопытны детали жанрового взаимоотношения творчества Рахманинова с творчеством Гершвина: в 1927 состоялась премьера "Рапсодии в стиле блюз" Гершвина - первого случая трактовки жанра как развёрнутого фортепиано-оркестрового цикла, интонационно синтезирующего джазовые и академические интонационные сферы. Рахманинов присутствовал на этой премьере; известно его одобрение Рапсодии Гершвина и заинтересованность поисками Гершвина в области синтеза джаза с академической музыкальной культурой. Нельзя не отметить, что фортепианный стиль и методы взаимодействия солиста с оркестром Рапсодии Гершвина во многом определены влиянием фортепианного стиля концертов Рахманинова.  

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

Чайковский П.И.(1840 - 1893)
Концерт для фортепиано с оркестром № 3 ми-бемоль мажор соч. 75




1.Allegro brillante (ми-бемоль мажор)
2.Andante (си-бемоль мажор)
3.Finale — Allegro maestoso (ми-бемоль мажор)

Одно из последних произведений великого русского композитора .
Концерт написан в 1893 году, многие материалы этого сочинения были взяты из его Неоконченной симфонии ми-бемоль мажор.
После смерти автора концерт был доработан его учеником Сергеем Ивановичем Танеевым.
Однако издан был не трёхчастный концерт, а два отдельные опуса: одночастный Третий концерт для фортепиано с оркестром (Allegro brillante) op. 75 и Andante и финал op. 79. Возможно, что этому способствовала большая длительность концерта. В настоящее время эти два сочинения часто исполняют как одно — Третий концерт для фортепиано с оркестром.
 

Nataiv (Искусство_звука) все записи автора

Вчера был день памяти румынского композитора и военного дирижера Йона Ивановича, который умер 28 сентября 1902 года. Для меня было некоторым откровением узнать, что он автор знаменитого вальса "Дунайские волны", всегда считала его русским.
 
В исполнении Центрального концертного образцового оркестра имени Н.А. Римского-Корсакова ВМФ России п/у А. Карабанова слушаем концертную фантазию на темы самого знаменитого произведения композитора – Вальса "Дунайские волны".

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

108 лет назад, 25 сентября 1906 г., в питерской семье химика и пианистки родился сын. Мальчика сначала будут называть Митей, а потом -...

«Генеалогическое древо будущего композитора известно нам неплохо...» Думается, сам Шостакович отложил бы биографию с подобным началом в сторону. А что ещё можно ожидать от человека, который в своих воспоминаниях указал: «Обыкновенно очень противно бывает читать: «Родился я в семье, где все любили музыку. Папа играл на гармошке. Мама тоже постоянно что-то насвистывала. И т. д., и т. п. Тоска…»

Конечно, тоска. Особенно если учесть, что в раннем возрасте Шостакович получил довольно увесистую плюху от маститого музыканта Александра Зилоти, который был учеником самого Ференца Листа и учителем самого Сергея Рахманинова: «Карьеры себе этот мальчик не сделает. Музыкальных способностей нет. Ну, впрочем, если у него охота - пусть учится».

Начало мировой известности Шостаковича положила его дипломная работа – Первая симфония, выполненная в лучших традициях Чайковского, Римского-Корсакова и Мусоргского. Это произведение написано Шостаковичем в 19-летнем возрасте.
 

Оно было представлено на Первом Международном конкурсе пианистов имени Шопена в Польше в 1927 году. Именно на этом конкурсе талантливого молодого человека заметил немецкий дирижер Бруно Вальтер, который организовал зарубежную премьеру симфонии в конце 1927 года в Берлине.
 

Nataiv (Искусство_звука) все записи автора

Оркестр ВМФ России под управлением Карабанова 26 сентября приглашает на концерт. Хочу туда. Но так так при всем моем желании мне туда не попасть, собрала на ютубе видеоролики исполняемых произведений, правда не все карабановские.
 

В программе:
М. ГЛИНКА – Увертюра, Вальс и Краковяк из оперы «Жизнь за Царя»






Для справки:
В опере рассказывается о событиях 1612 года, связанных с походом польской шляхты на Москву. Борьба против поляков приобрела всенародный характер. Враги были разбиты русскими ополченцами во главе с Мининым и Пожарским. Одним из ярчайших эпизодов этой борьбы явился подвиг крестьянина села Домнино Ивана Сусанина, о котором рассказывают многочисленные костромские предания. Величавый образ народного героя, ставшего символом героизма и патриотической верности, воплощен в опере как живой народный тип, наделен богатством мысли, глубиной чувств, показам на широком фоне русской народной жизни и природы.

Nataiv (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Самой известной работой композитора Эммануэля Шабрие у которого учился знаменитый Равель, считается произведение «Испанские рапсодии».
 Первый раз представлял на публике дирижер Шарль Ламурё, который в 1881 году основал и руководил общедоступными концертами Ламуре. Композитор, бывший другом и современником Э. Моне, написал это произведение в 1882 после поездки с женой в Испанию и посвятил его дирижеру Ламуре, с которым также дружил.

Charles Lamoureux by Charles Léandre.
Карикатура их современника художника Шарля Леандра и показывает момент, когда Ламуре дирижирует оркестром во время первого исполнения этого произведения. Как здорово шарж отражает то, что звучит в творчеством Шабрие : мотивы веселья, эпатажа, искрящегося остроумия.

 "Испанские рапсодии" Шабрие исполняют все знаменитые оркестры мира. На ютубе представлены видеоролики их записей. Я отобрала те, что мне особенно запомнились.

Chabrier - España rhapsody/ Alexei Karabanov

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

Его несколько раз исключали из школы. Чтобы уметь постоять за себя, он начал заниматься боксом. Он любит поэзию и знает массу стихов. Он ездит на охоту и не выносит змей… и в тоже время…

Лорин Мазель называл его "неописуемым гением скрипки", Леонард Бернстайн в знак дружбы и восхищения подарил свою дирижерскую палочку…

Как скрипач он выступал с лучшими оркестрами мира, а затем и сам создал два потрясающих коллектива - камерный оркестр "Виртуозы Москвы" и Национальный филармонический оркестр России.

А в этом цикле передач-он ведущий...
 

из отзывов -
"...речь в программе идет не только о музыке - а скорее о некоем синтетическом, общем пространстве человеческой культуры, пронизанном едиными мелодиями и мотивами. Мотив, образ скрипки соединяет собой музыку и живопись, литературу и кинематограф, ремесло и искусство, фольклор и элитарную культуру. Скрипка всегда была символом всего самого высокого в человеке, ее струны звучат в унисон с лучшими струнами человеческой души. Вспомните чеховскую "Скрипку Ротшильда", в которой рассказано как мрачный гробовщик, беспрестанно подсчитывающий убытки, перед самой своей смертью вдруг задает себе и миру самые важные вопросы о смысле бытия и вкладывает открывшееся ему понимание жизни именно в скрипичную мелодию. Вспомните проникновенное стихотворение Маяковского "Скрипка и немножко нервно" или, например, потрясающую историю, рассказанную в "Концерте Сарасате" Вертинского. Кстати, именно об этих двух маленьких шедеврах тоже пойдет речь в программе. Но и не только о них: мы услышим саму скрипичную музыку в исполнении великих артистов Давида Ойстраха и Леонида Когана и узнаем об их жизни и судьбе."
 

Тайна скрипичной души

Съемки проходили в Генуе, Одессе, Санкт-Петербурге, Москве.
Рассказ о скрипичных школах Никколо Паганини, Леопольда Ауэра, Петра Столярского.
Звучит музыка в исполнении выдающихся артистов - Яши Хейфеца, Стефана Грапелли, Исаака Стерна, Давида Ойстраха, Леонида Когана, Владимира Спивакова.

Ведущий: Владимир Спиваков.
Режиссер: Андрей Торстенсен.
Автор: Валентин Тернявский.
Оператор-постановщик: Юрий Назаров.
Звукорежиссер: Светлана Дегтева.
 

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

Джироламо Фрескобальди – итальянский композитор, органист и клавесинист(09 сентября 1583 – 01 марта 1643) родился в Ферраре в 1587 году. С детства Джироламо обладал замечательным голосом, пел в церковном хоре.
Первым учителем Фрескобальди был Франческо Миллевиле, который научил мальчика основам игры на органе. Серьезное же музыкальное образование Фрескобальди получил во Флоренции, где органная игра в то время достигла высшей степени развития. Его учителем стал знаменитый органист Л. Луццаски, у которого Фрескобальди обучался почти до 20-ти лет, периодически выезжая по приглашениям во многие города Италии, где выступал не только как органист, но и как певец, так как славился прекрасным голосом.
С 1608 года он стал органистом собора св. Петра в Риме и находился на службе у кардинала П. Альдобрандини. С этого времени известность Фрескобальди как органиста и композитора все росла, его произведения охотно издавались в Италии и распространялись за ее пределами (в 1608 году мадригалы были опубликованы даже в Антверпене). Сочинения Фрескобальди производили особенно сильное впечатление в его собственной интерпретации, тем более что он был и превосходным импровизатором.
Творческое влияние Фрескобальди испытали на себе многие современники, как органисты, так и клавесинисты. Сам он не ограничивался органом, будучи с юности также превосходным исполнителем на клавире и постоянно сочиняя музыку для этого инструмента. До конца жизни (скончался 1 марта 1643 года) Фрескобальди работал в Риме, оставаясь одним из самых влиятельных его художников.
При жизни Фрескобальди был широко известен как композитор, исполнитель и педагог.
 

Canzonas

Nataiv (Искусство_звука) все записи автора

Прослушав достаточно записей исполнения произведения «В пещере горного короля» Грига, остановилась на видео "Пер Гюнт", так как оно, как показалось мне, наиболее полно выражает таинственность и мистику, звучащие в этой композиции и присутствующие в пещере.
Пер Гюнт. В пещере горного короля - Эдвард Григ




Для справки:
В пещере горного короля — композиция из сюиты норвежского композитора Эдварда Грига на пьесу Генрика Ибсена «Пер Гюнт». Премьера состоялась 24 февраля 1876 года в Осло. Композиция является наиболее известным и узнаваемым произведением Грига, и одной из самых популярных классических мелодий. В пьесе эта композиция звучит при вступлении горного короля и его троллей в его тронную пещеру. Благодаря этому, а также своему звучанию, «В пещере горного короля» ассоциируется с троллями, а также с мистикой и таинственной атмосферой вообще.

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

Эдвард Бенджамин Бриттен ,барон Бриттен(1913-1976)-выдающийся британский композитор,дирижер и пианист.
О Бриттене говорят и пишут как о композиторе-англичанине,первым после Генри Персела(1659 -1695)(английский композитор, представитель стиля барокко)получившем мировое признание.Прошли столетия после смерти "Британского Орфея",-так называли Персела,но ни один композитор с туманного Альбиона не выступил на мировом поприще так ярко,чтобы мир повернулся к нему с интересом,взволнованностью,с нетерпением ожидая,что нового появиться в его следующем опусе.Таким стал только Бриттен,снискавший мировую славу.Можно сказать,что Англия дождалась его.
 

"Простая симфония", Op.4 для струнного оркестра (1934г)

Бенджамином Бриттеном была написана для студенческого оркестра и впервые исполнена им в 1934 году под управлением автора.
Произведение посвящено Одри Олстон, которая в детстве учила Бриттена игре на альте. В симфони Бриттен использовал восемь тем (по две на часть), сочиненных им в детстве и к которым он испытывал особое расположение.

В этой симфонии, проявляются все элементы стиля Бенджамина Бриттена. С одной стороны – это классическая ясность; ясность Гайдна, Моцарта и Бетховена. С другой стороны – следование великолепным традициям английской музыки, начиная со времён вирджиналистов (вирджинал – английский вариант клавесина). А еще – огромное чувство юмора, буквально во всём. Но эта симфония, пожалуй, обладает рекордным чувством юмора, в чем мы с вами и убедимся…
«Простая симфония» Бенджамина Бриттена состоит из четырех частей, каждая из которых имеет свое название. Первая – «Неистовое буре», вторая – «Игривое пиццикато», третья – «Сентиментальная сарабанда» и четвертая – «Веселый финал».
Уже названия частей настраивают слушателя на игривый лад.

Мы откроем для себя Бриттена – остроумного, как молодой Прокофьев, и классичного, как «папаша Гайдн»…
 

«Вы увидите, сколько чудес внутри этой музыки, сколько вечного и классического!..»

Nataiv (Искусство_звука) все записи автора

Дирижер-путешественник, вечный странник, всю свою жизнь переезжающий из страны в страну, из города в город, влекомый и превратностями судьбы и маршрутами гастрольных контрактов — таков Пауль Клецки. И в БОЛЕРО великолепно исполненном под его руководством как раз и чувствуется этот ветер странствий...
 
Ravel's "Bolero" - the COMPLETE, DEFINITIVE version



Conducted by Paul Kletzki

Для справки:

Клецки родился и вырос в Львове, где и начал заниматься музыкой. Очень рано он поступил в Варшавскую консерваторию, изучал там композицию и дирижирование, причем среди его педагогов был замечательный дирижер Э. Млынарский, от которого молодой музыкант унаследовал отточенную и простую технику, свободу владения оркестром «без нажима», широту творческих интересов. После этого Клецки работал скрипачом в Львовском городском оркестре, а когда ему исполнилось двадцать лет, отправился в Берлин продолжать образование. В те годы он интенсивно и не без успеха занимался композицией, совершенствовался в Берлинской Высшей музыкальной школе у Э. Коха. Как дирижер выступал главным образом с исполнением собственных сочинений. На одном из концертов он привлек внимание В. Фуртвенглера, который стал его наставником и по совету которого он посвятил себя в основном дирижированию. «Все знания, касающиеся исполнения музыки, которыми я обладаю, я получил от Фуртвенглера»,— вспоминает артист.
Читать далее

liudmila_leto (Искусство_звука) все записи автора

«Уносит вечность всех под мрачный свод гробов,
Но непорочных душ и мысли и стремленья
Выбрасывает вал сурового забвенья
На берег бытия, как зерна жемчугов».
К.М. Фофанов

Кто из русских композиторов, надев ордена и медали, может встать в один ряд с героями Отечественной войны 1812 года? И есть ли среди них такие, чей всего один «музыкальный шедевр», принес мировую славу? И, наконец, найдем ли мы судьбу более драматичную чем у него: со взлетами и падениями, предательством и унижениями? Какой еще российский композитор прошел через гражданскую казнь, был объявлен государственным преступником, отбыл долгие годы ссылки?

Ответ один: это Александр Александрович Алябьев
БИОГРАФИЯ


 

Имя Александра Александровича Алябьева (15 августа 1787 - 22 февраля 1851) в основном знакомо широкому кругу любителей музыки благодаря романсу "Соловей" - замечательному образцу русского городского романса эпохи романтизма. Романсы, песни, фортепианные танцевальные пьесы Алябьева издавались и были популярны еще при его жизни. Алябьев создал шесть опер, балет, музыку к театральным пьесам, увертюры, симфонии, камерные ансамбли (квартеты, трио и др.), произведения для хора, пьесы для фортепиано и более 160 романсов. Судьба этого богатого наследия сложилась драматично - большая часть его произведений так и осталась в рукописях, многие из которых не окончены или утеряны. Менее всего известны его инструментальные сочинения, до настоящего времени они исполняются и издаются крайне редко. Остается лишь надеяться, что эта незаслуженно забытая часть творческого наследия композитора откроется музыкантам и слушателям и станет столь же любимой, как и широко известные романсы.
 

РОМАНСЫ

Цветок
(А. Пушкин)
исп.К.Сербина



Вечерний звон
(Т.Мур/И.Козлов)
исп.Л.Иванова



Вечерком румяну зорю
(Н.Николаев)
исп.Н. Герасимова



Два ворона
(А.Пушкин)
исп.А. Ведерников



Дедушка
(А.Дельвиг)
исп.А.Ведерников



Если жизнь тебя обманет
(А.Пушкин)
исп. А.Ведерников



Зимняя дорога
(А.Пушкин)
исп.С.Шапошников



И я выйду ль на крылечко
(А.Дельвиг)
исп.Н. Герасимова



Иртыш
(И.Веттер)
исп.А.Ведерников



Кольцо души-девицы
(В.Жуковский)
исп.В. Лебедь



Не задумывайся, мой друг
(Н.Путилов)
исп.К.Изотова



Нищая
(П.Беранже/Д.Ленский)
исп. А. Ведерников



Одинок месяц плыл (
А.Дельвиг)
исп.Т. Антипова и А. Яковенко



Певец
(А.Пушкин)
исп.Н. Герасимова



Песнь бедняка
(В.Жуковский)
исп.А.Ведерников



Предчувствие
(А.Пушкин)
исп.А.Покровский



Сижу на берегу потока (Д.Давыдов)
исп.А.Ведерников



Скажите мне, зачем пылают розы
(А.Бестужев-Марлинский)
исп. Ж.Рождественская



Слеза
(А.Пушкин)
исп.А.Ведерников



Собрались мы к боярину
(С.Стромилов)
исп.А.Ведерников



Совет
(В.Алябьев)
исп. С.Шапошников



Уединение
(В.Максимович)
исп.А.Ведерников



Узник
(А.Пушкин)
исп.А.Ведерников



Уныние
(А.Глебов)
исп.А.Ведерников



Черкесская песня
(А.Пушкин)
исп.А.Ведерников



Что поёшь, краса-девица (В.Домонтович)
исп. Е.Гороховская



Я Вас любил
(А.Пушкин)
исп. Г.Отс



Я жизнь любил (?)
исп.С.Шапошников



Я люблю тебя, дева милая
(В.Бенедиктов)
исп.А.Ведерников

Квартеты А.Алябьева

Первый и Третий квартеты написаны соответственно в 1815 и в 1825 году. Они относятся к раннему периоду творчества А. Алябьева и целиком соответствуют принципам классицизма. В них используется типичная четырехчастная структура цикла: подвижное сонатное allegro, медленная часть, менуэт и быстрый финал (в третьем квартете иной вариант: менуэт предшествует медленной части). Правда, алябьевский классицизм - поздний, времен Бетховена и Россини. Это особенно хорошо слышно в менуэтах, которые обретают стремительность и подчеркнутую энергичность.
Отметим некоторые особенности: в первом квартете финал открывается медленным вступлением трагического характера, которое создает резкий контраст бодрому, мажорному настрою финала и всего квартета; в третьем квартете аналогичную роль скорбного лирического высказывания берет на себя медленная третья часть - вариации на собственную, алябьевскую тему Соловья. Автор так и обозначил часть: Adagio на тему русской песни Соловей - дело в том, что русскими песнями в эпоху Алябьева назывались не только собственно народные песни, но и романсы, сочиненные композиторами в фольклорном духе.
Квартеты Алябьева - одни из первых примеров квартетного жанра в русской музыке. По глубине и мастерству они приближаются к квартетному письму Бетховена или Шуберта. В них мы видим талантливое и самобытное преломление русским композитором традиций европейской классики.

Квартет №1, для двух скрипок, альта и виолончели, ми - бемоль мажор
(Запись 1950 года)Квартет имени Бетховена
Allegro con spirito


Adagio


Менуэт. Allegro


Финал. Andante sostenuto. Allegro vivace





Квартет №3, для двух скрипок, альта и виолончели, соль мажор,
(Запись 1948 года)Квартет имени Бетховена
Allegro


Менуэт. Allegro


Adagio (на тему русской песни «Соловей»)


Финал. Allegro

Xileen (Искусство_звука) все записи автора

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

***

Эдвард Армас Ярнефельт (швед. Edvard Armas Järnefelt; 14 августа 1869, Выборг, Финляндия — 23 июня 1958, Стокгольм, Швеция) — финский композитор и дирижёр.

Сын генерала Августа Александра (Александра Густавовича) Ярнефельта и его жены Елизаветы Константиновны, урождённой Клодт фон Юргенсбург, племянницы скульптора Петра Клодта; среди его восьми братьев и сестёр — писатель Арвид Ярнефельт, художник Эро Ярнефельт и Айно Сибелиус, жена Яна Сибелиуса. Был женат на певице Майкки Ярнефельт.

Ярнефельт учился у Ферруччо Бузони в хельсинкский период жизни последнего, затем в Берлине у Альберта Беккера (1890—1893) и в Париже у Жюля Массне (1893—1894). В 1898—1903 гг. дирижёр оркестра Выборгского музыкального общества, в 1904—1907 гг. оперный дирижёр Национального театра Финляндии, одновременно в 1906—1907 гг. директор Хельсинкского института музыки. С 1907 г. преимущественно в Швеции, в 1909 г. получил шведское гражданство. Был дирижёром, а с 1923 г. главным дирижёром Стокгольмской оперы. В 1932—1936 гг. директор Финской оперы, в 1942—1943 гг. возглавлял Хельсинкский филармонический оркестр.

Ярнефельт считался одним из главных пропагандистов творчества Рихарда Вагнера в северных странах. В 1904 г. им была осуществлена первая вагнеровская постановка в Финляндии («Тангейзер»), в дальнейшем он много ставил Вагнера в Стокгольме.

На фото: Армас Ярнефельт с дочерью Евой

Сочинения: для хора и оркестра - 12 кантат, в т. ч. цикл Лик родины (Fosterlandets anlete; 1922-40), Песнь Вуоксе (Laulu Vookselle); для opкестра - симфоническая поэма Корсхольм (Korsholm, 1894), симфоническая фантазия Звуки родины (Heimatklang, 1895), оркестровая сюита Форсферден (из музыки к кинофильму "Песня об огненно-красном цветке", 1919), программная оркестровая пьеса Происхождение финна (Suomen synty), фантазии, серенады; 20 мужских хоров a cappella; пьесы для фортепиано, около 50 романсов, музыка к спектаклям драм. т-ра и кинофильмам, в т. ч. к пьесе Аристофана "Птицы" (1928).

Pois meni merehen päivä