Илья Машков(1881-1944) 

Группа: Бубновый  валет

 
Родился в простой крестьянской семье. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у знаменитых русских художников Валентина Серова,Константина Коровина, Аполлинария Васнецова.

Илья́ Ива́нович Машко́в (17 [29] июля 1881, Михайловская-на-Дону, Область Войска Донского — 20 марта 1944 , Москва) — русский и советский художник, один из основателей и участник художественного объединения «Бубновый валет» (1910) и Общества московских художников (1927—1929), входил в состав объединений «Мир искусства» (с 1916) и общества «Московские живописцы» (с 1925), в период 1924—1928 член Ассоциации художников Революционной России, Заслуженный деятель искусств РСФСР (1928)..

Биография художника см.:http://www.artpoisk.info/artist/mashkov_il_ya_ivanovich_1881/bio

«Бубновый валет» — сперва выставка (1910), затем творческое объединение, а с 1911 — общество художников. Существовало до декабря 1917 года. 
Художники «Бубнового валета» отрицали традиции как академизма, так и реализма XIX века. Для их творчества характерны живописно-пластические решения в стиле П. Сезанна (постимпрессионизм), фовизма и кубизма, а также возврат к приёмам русского лубка и народной игрушки. Характерны деформация и обобщение форм. 

Почему «Бубновый валет»? 
Происхождением своим название выставки и объединения обязано двум ассоциациям, и построено на недвусмысленной игре слов: до 1917 года «бубновыми валетами» называли каторжников (в том числе, с определённого времени, немалой частью — политических) — тюремное одеяние их представляло собой длинную серую посконную робу-балахон, на спину которой нашивался чёрный ромб — что, как и всегда, должно было делать обладателя такого наряда «клеймлённым» и приметным; второй, также «семиотический» намёк, подразумевал толкование, источником имевшее старинный французский карточный жаргон, в соответствии с которым вальтовый (фр. valet — слуга, лакей) номинал в сочетании с бубновой мастью (фр. Carreau — квадратики) считался и звался — «мошенником», «плутом». Всё это и должно было вызывать у добропорядочных обывателей определённую реакцию: у кого — юмористическую, у других — невольного содрогания, у третьих — раздражение и ханжеское возмущение.

ПОДБОРКА  РАБОТ  ХУДОЖНИКА:

Илья Машков(1881-1944) 
Крым.

ПОЛЬ  СЕЗАНН (1939-1906)

 
Поль Сезанн родился во Франции 19 января 1839 года в городе Экс-ан-Прованс в семье состоятельного буржуа. В колледже Бурбон, в котором он учился, Поль подружился с будущим известным писателем Эмилем Золя. 
Поль изучал право в университете Экса, но не окончил курса, решив целиком посвятить себя живописи. Отец Сезанна не был доволен выбором своего сына, однако, смирился с ним и оставил Полю значительную ренту, позволившую вести вполне безбедную жизнь. 
После непродолжительного обучения в Школе Изящных Искусств Экс-ан-Прованса Сезанн отправился в Париж, где познакомился с Камилем Писсарро, Пьер-Огюстом Ренуаром, Клодом Моне и Альфредом Сислеем. 
Вместе с ними он участвовал в первой выставке импрессионистов в 1874 году в фотографическом ателье Надара в Париже. Однако, холодная реакция публики по отношению к работам Сезанна на этой и на последующей выставке импрессионистов 1877 года заставили его порвать с этой группой художников. 
Большое влияние на творчество Сезанна оказал Камиль Писарро. Они работали вместе в 1872—1873 годах. Большой педагогический дар Писсарро помог Сезанну в поисках его собственной неповторимой манеры живописи. 
В 1886 году после смерти отца Сезанн переселился в Экс-ан-Прованс, который больше почти не покидал. 
Признание пришло к Сезанну уже около 1900 года. Его картины были представлены на Всемирной выставке в Париже. Он пользовался особенно большой популярностью у молодого поколения художников. 
Поль Сезанн умер 22 октября 1906 года в Экс-ан-Провансе, после продолжительной болезни, связанной с простудой при работе над очередной картиной.

ПОДБОРКА  РАБОТ ХУДОЖНИКА:

«Девушка у пианино» (Увертюра к «Тангейзеру»), около 1868 года, Эрмитаж, Санкт-Петербург


«Молодая итальянка», 1896 г

ИЗВЕСТНЫЙ  АМЕРИКАНСКИЙ  ХУДОЖНИК

 ГРЕЙВС  ЭББОТ  ФУЛЛЕР

Грейвс Эббот Фуллер (1859-1936) – известный американский художник и иллюстратор. Основной темой его работ являются прекрасные сады и цветочные натюрморты. 

Грейвс родился в городе Уэймут (штат Массачусетс) 15 апреля 1859 года. В детстве он пробовал рисовать акварелью, изображая загородные дома и своих домашних животных.Желая стать архитектором, Грейв обучался в Массачусетском Технологическом Институте в Бостоне, но не завершил обучение из-за серьезных финансовых проблем. Он вынужден был пойти работать и и в 1877 устроился в местную оранжерею. Одной из его задач было составление свадебных букетов. Постепенно он настолько проникся сложной красотой и пышностью цветов, что все свое свободное время посвящал их запечатлению на холсте. В 1878 году Graves дебютировал на художественной выставке в Бостоне, и после этого стал известен как один их лучших художников, писавших натюрморты. В 1884 году Грейвс отправился в Европу, где посетил Париж и Италию, что дало ему возможность усовершенствовать свои художественные навыки в написании натюрмортов. После возвращения в Бостон в 1885 году, Грейвс преподавал в художественной школе, а 1887 году – возвратился в Париж, где изучал живопись в Академии Жульена. 
Abbott Fuller Graves вернулся в Бостон в 1891 году и поселился в прибрежном городе Кеннебанкпорте (штат Мэн), где он давал уроки живописи маслом и акварелью начинающим художникам. А в 1891 году Эббот Фуллер открыл собственную художественную школу в Бостоне. 
С 1902 по 1905 год Грейвс работал иллюстратором в различных издательствах Парижа. Живя за границей, он много путешествовал и рисовал в Голландии и Англии. В 1914 году он отправился в Венесуэлу, чтобы запечатлеть на своих полотнах буйных цвет тропических садов и в последующие годы он совершил несколько поездок в залитую солнцем Флориду и страны Карибского бассейна. 
С 1922 года художник зимние месяцы проводил в Нью-Йорке, где он состоял в различных организациях художников. 
Грейвс Эббот Фуллер умер в Кеннебанкпорте 15 июля 1936 г.

   Эдуард Мане- французский художник-универсалист, один из родоначальников импрессионизма 


Эдуард Мане родился в
семье крупного чиновника 23 января 1832 года в Париже. Рисовать он начал еще в колледже. Воспротивившись предназначавшейся ему карьере юриста, поступил в морскую школу. В 1848 году отправляется в поход на корабле в Рио-де-Жанейро. 
В начале 1850 года Мане учится в Школе изящных искусств в Париже. Много путешествует, посещает Нидерланды, Австрию, Италию, а позже Германию, Испанию и Англию. Его интересуют «секреты» живописи старых мастеров – Рембрандта, Рубенса, Ван Дейка, Гойи, Эль Греко, Веласкеса, Халса, Ватто и Шардена, а среди новых – Делакруа. Мане часто делает копии с понравившихся ему произведений, порой довольно произвольные. 
Первое значительное произведение Мане – картина «Любитель абсента» (1858-1859), в которой в традиции живописи Веласкеса представлен пропойца, наследник романтических бродяг. В традициях старых мастеров исполнен и «Портрет родителей» (1860), выполненный как жанровая картина. Одновременно художник разрабатывает «испанскую» тему – создает «Лолу из Валенсии» (1862), «Гитарерро» и «Викторина Меран в костюме эспады». 
В 1863 году Мане пишет картину «Завтрак на траве», следом – «Олимпию». В представленном на них образе обнаженной женщины на ложе, напоминающем традиции жанра у Джорджоне, Тициана, Веласкеса, Гойи и Энгра, присутствуют и приметы нового времени – черты марионетки и фетиша. Этим двум картинам сильно досталось от критиков. 
Новаторские приемы искусства Мане, вызывающие сопротивление публики, притягивали к нему молодых художников, ищущих новые выразительные средства в живописи. Вокруг Мане начали группироваться Дега, Писсарро, Клод Моне, Ренуар и Сислей. Им импонировало не только новаторство Мане, но и его образованность, глубокие познания в истории живописи, владение всеми приемами живописной и графической техники. Непосредственными ученицами Мане являлись Б.Моризо, Е.Гозалес и М.Кэссет, однако он оказал значительное влияние на всю группу художников-импрессионистов. 
Мане говорил: «Наш долг – извлечь из нашей эпохи все, что она может нам предложить, не забывая о том, что было открыто и найдено до нас». Он обращался к самым разным темам, писал портреты, натюрморты и пейзажи, выступал как рисовальщик, мастер литографии и офорта. Творчество Мане вдохнуло новую жизнь во французское искусство 19 века и во многом определило основные пути дальнейших художественных исканий. 

т

ФОТОГРАФИИ  ХУДОЖНИКА

ВАСИЛИЙ  АНДРЕЕВИЧ  ТРОПИНИН (1776-1857)

Василий Андреевич Тропинин (1780 - 1857) — русский художник, представитель романтизма в русском изобразительном искусстве, мастер портретной живописи. 
Жизнь прекрасного портретиста Василия Андреевича Тропинина была не типична для крупного русского живописца, происходившего, как правило, из дворянской среды. Василий родился в 1780 (возможно в 1776) году под Новгородом в селе Карповка в семье крепостного графа А.С. Миниха. Впоследствии в составе приданого дочери Миниха, Натальи, он оказался в дворовых людях у графа И.И. Моркова. Именно он разглядел в юноше талант художника и отправил его в Петербург, где Тропинин в возрасте 21 года стал «посторонним учеником» Академии художеств. 
Несмотря на то что обучение в академии, как правило, начиналось с детских лет, считая, что рисунок и живопись требуют тренировки с младенчества, сравнительно поздно поступивший в нее Тропинин учился успешно, и уже через несколько лет одна из его первых картин имела на выставке большой успех. Но к этому времени барин отозвал его обратно в имение, где он стал крепостным живописцем. Лишь в 47 лет художник получил вольную грамоту. 
Освободившись от крепостной зависимости, Василий Андреевич решил получить статус профессионального живописца. Тропинин представил на суд Совета Академии художеств свои лучшие картины (Нищий старик, Портрет гравера Е. О. Скотникова, Кружевница), и получил звание "назначенного в академики". В 1824 году за мужской портрет К. А. Леберехта ему было жаловано звание академика портретной живописи. 
Затем художник поселился в Москве. После академической выставки он приобрел известность, круг его клиентов расширился. Тропинин писал портреты московских дворян, купцов, деятелей культуры, представителей простонародья. Вскоре Тропинин приобрел славу лучшего портретиста Москвы. 
В творчестве Тропинина периода расцвета (1820-1830-е годы) наблюдается эволюция живописной манеры: колорит произведений приобретает насыщенность, форма становится более объемной. Усиливаются жанровые мотивы, характерные для всего искусства Тропинина. С годами начинают появляться реалистические тенденции, наиболее отчетливо проявившиеся на закате творчества художника. 
Тропинин активно занимался общественной деятельностью. Он был почетным членом Московского художественного общества (с 1843 года), имел непосредственное отношение к созданию Московского училища живописи, ваяния и зодчества. 
Тропинин Василий Андреевич своим творчеством оказал огромное влияние на формирование московской школы живописи, способствовал развитию реалистических тенденций в русском художественном искусстве. 
Умер Тропинин 3 мая 1857 года. Похоронен художник на Ваганьковском кладбище в Москве.

АВТОПОРТРЕТ

Василий Андреевич Тропинин, автопортрет, 1844 г.


Портрет сына художника Арсения.(1818 г.) 

Портрет сына художника за мольбертом


А.С. Пушкин, 1827 г.

Голландский художник Willem Haenraets

Очень сложно описать словами 
НЕЖНОСТЬ... 
Это то, что невозможно передать... 
Это – чувство переходит в бесконечность... 
Это – хочется кому-то всё отдать. 

Виллем Хайенраетс (Willem Haenraets) - родился в Роттердаме 09 октября 1940 года. Willem Haenraets открыл свой талант в раннем возрасте. Уже в 16 лет он начал обучаться в Антверпенской художественной академии. 
В.Хайенраетс - импрессионист, его романтичные сцены окрашенные в нежных цвета известны по целому миру. Выставки в Амстердаме, Брюсселе, Maastricht, Франкфурте, Милане, Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Беверли Хиллз, Нагое в Японии. 
Картины художника находятся в частных коллекциях в Бельгии, Голландии, Франции, Германии, Англии, Испании, Канаде, Соединенных Штатах, Японии, Италии.

Глядя на его картины, ловишь себя на мысли, что хочется отбросить все дела, сесть на велосипед, надеть соломенную шляпу, взять в охапку букет полевых цветов и умчаться куда-нибудь к морю, забраться на утёс и подставить лицо тёплому ветру

Гиперреалистичные портреты

от Yigal Ozeri

Yigal Ozeri художник-гиперреалист из Нью-Йорка, родившийся  в Израиле. Очень сложно поверить, что это картины, выполненные маслом на холсте, а не фотографии. Художнику удается очень тонко поймать игру света и тени, блики, солнечные засветки. Сначала Игаль фотографирует своих моделей в естественном окружении. Затем, уже в студии, он обрабатывает фотографии в Photoshop и печатает их, и после этого художник начинает писать картины, которые пишет сериями, как фотосессии, что ещё сильнее вводит зрителей в заблуждение.

В мастерской художника

ПОДБОРКА  РАБОТ:

ФРАНСУА  БУШЕ

(Francois Boucher), 1703-1779гг.

 - французский живописец

Франсуа Буше (Francois Boucher), 1703–1770 гг. - французский живописец, рисовальщик, гравер и декоратор. Родился 29 сентября 1703 г. в Париже, где и прожил всю жизнь. 

Буше – самый знаменитый и удачливый мастер, работавший в стиле рококо. Он получал заказы на создание декоративных картин для резиденций короля и мадам де Помпадур, а также частных особняков в Париже. 
Спектр сюжетов картин Буше охватывает всю тематику, характерную для стиля рококо. Он обращался к литературным, аллегорическим и мифологическим сюжетам (особенно связанным с Венерой), изображал деревенские ярмарки, фешенебельную парижскую жизнь, игривые экзотические "китайские" сценки и пасторали, писал пейзажи и портреты, а иногда и картины на религиозные темы. У Буше во всем чувствуется свойственное рококо сочетание острой наблюдательности и декоративной утонченности, чувственной непосредственности и игривого притворства.

Борей похищает Орейфию, 1769

РУССКИЙ  ЖИВОПИСЕЦ

 КОНСТАНТИН  ЕГОРОВИЧ  МАКОВСКИЙ

2 июля 1839 г. родился МАКОВСКИЙ Константин Егорович ( 2 июля [20 июня] 1839—30 [17] сентября 1915) — русский художник, присоединившийся к передвижникам. Многие из его исторических картин, например «Наряд русской невесты» (1889), демонстрируют идеализированный взгляд на жизнь в России в предыдущие столетия. Является также представителем академизма.

Фотография, 1900-е годы

Родился в Москве, старшим сыном в семье российского деятеля искусств и художника-любителя, Егора Ивановича Маковского. Егор Маковский был основателем «Натурного класса», художественного училища, которое потом стало известно как Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Брат художника Маковского Владимира Егоровича. Среди друзей семьи были Карл Брюллов и Василий Тропинин. Все дети Егора Ивановича стали выдающимися художниками (см. Маковский). Позднее Константин писал: «Тем, что из меня вышло, я считаю обязанным себя не академии, не профессорам, а исключительно моему отцу».


В 1851 году Константин поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где он стал первым студентом, легко получая все доступные награды. Его учителями были М. И. Скотти, А. Н. Мокрицкий, С. К. Зарянко, все — ученики Карла Брюллова. Склонность Маковского к романтизму и декоративным эффектам можно объяснить влиянием Брюллова.
В 1858 году Маковский поступил в Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге. С 1860 года он участвовал в выставках Академии с такими картинами как «Исцеление слепых» (1860) и «Агенты Дмитрия Самозванца убивают Бориса Годунова» (1862). В 1863 году Маковский, вместе с 13 другими студентами, выбранными для участия в конкурсе на Большую золотую медаль Академии, отказался писать картину на тему Скандинавской мифологии и покинул Академию, не получив диплом.
Маковский присоединился к артели художников, возглавляемой Иваном Крамским, создавая картины повседневной жизни (Вдова (1865), Продавец сельди (1867) и т. д.). В 1870 году он стал одним из основателей «Товарищества передвижных художественных выставок» и продолжал работать над картинами, посвящёнными повседневной жизни. Он выставлял свои работы как на выставках Академии, так и на передвижных художественных выставках.
В 1880-х он стал модным автором портретов и исторических картин. На Всемирной выставке 1889 г. в Париже он получил Большую золотую медаль за картины «Смерть Ивана Грозного», «Суд Париса» и «Демон и Тамара». Он был одним из самых высоко ценимых и высокооплачиваемых российских художников того времени. Многие критики-демократы рассматривали его как предателя идеалов Передвижников, создающего, как Генрих Семирадский, поразительные но поверхностные работы, тогда как другие видели в нём предвестника Русского импрессионизма.
В 1915 году он участвует в учреждении Общества возрождения художественной Руси, наряду со многими другими художниками своего времени.
Маковский стал жертвой несчастного случая (в его экипаж врезался трамвай) и скончался в 1915 году в Санкт-Петербурге. Похоронен на Никольском кладбище Александро-Невской лавры.

ФОТОПОДБОРКА  РАБОТ  ХУДОЖНИКА :

Портреты членов царской семьи Романовых, придворных

Творчество художника

Энди Ллойда

Энди Ллойд - художник, специализирующийся на создании элегантных, почти фотографического качества картин. Он обычно создает свои портреты, работая с фотографиями, как исходным материалом, но и работает также с моделями и создает свои персонажи буквально на лету, придумывая и воссоздавая образ по своему. Вечный творческий поиск в изобразительном искусстве, как отобразить красоту женских образов в обрамлении ретро обстановки, создающей неповторимый ретро настрой. Элегантность и утонченность, вот ключевые точки его творчества.

 Регулярные выставки в Англии позволяют ему быть всегда на острие творческой мысли и не терять форму. Работы его создаются в основном акриловыми красками, но ему не чужды другие техники живописи, такие как акварельные пейзажи и зарисовки. Многочисленные публикации в интернете, работа на телевидении и радио позволяют художнику наиболее полно донести свое творчество до своих почитателей и поклонников.

Иллюзорная живопись Бориса Кустодиева

Родившийся в небогатой семье, Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) готовился стать священником. Он учился в духовном училище, потом в семинарии, но увлекся искусством, в 1896 году, оставив семинарию, уехал в Петербург и поступил в Академию художеств (АХ). Там он занимался в мастерской Ильи Репина и настолько преуспел, что руководитель пригласил его к себе в помощники для работы над картиной «Заседание Государственного совета». В Кустодиеве обнаружился дар портретиста, и, еще будучи студентом, он выполнил ряд первоклассных портретов - Даниила Лукича Мордовцева, Дмитрия Семеновича Стеллецкого, Ивана Яковлевича Билибина (все 1901), Василия Матэ (1902).
В 1903 году Кустодиев закончил Академию Художеств, получив за дипломную картину «Базар в деревне» золотую медаль и право на заграничную поездку - Кустодиев выбрал Париж. В Париже художник успел присмотреться к французской живописи и с толком использовать впечатления в прекрасной картине «Утро» (1904), но менее чем через полгода вернулся в Россию, соскучившись по родине.
После возвращения Кустодиев очень удачно испробовал силы в книжной графике, в частности проиллюстрировав «Шинель» Николая Гоголя (1905), а также в карикатуре, сотрудничая в сатирических журналах периода первой русской революции. Но главным делом для него все равно продолжала оставаться живопись. Он исполнил ряд портретов, среди которых выделялся «Портрет Р. И. Нотгафт» (1909), а также «Портрет священника и дьякона» (1907) и «Монахиня» (1908), превратившиеся в обобщенные социально-психологические типы. Одновременно с этим он увлеченно работал над картинами, посвященными изображению старой русской жизни, преимущественно провинциальной. Материал для них он черпал из воспоминаний детства и впечатлений от частого пребывания в Заволжье, в Кинешемском уезде, где в 1905 году построил дом-мастерскую. Он разворачивал увлекательные рассказы, полные занимательных подробностей, в многофигурных композициях «Ярмарка» (1906, 1908), «Деревенский праздник» (1910) и воссоздавал характерные русские женские типы в картинах «Купчиха», «Девушка на Волге», «Красавица» (все 1915), окрашенных восхищением и мягкой авторской иронией.
Живопись его делалась все более красочной, приближаясь к народному искусству. Итогом стала «Масленица» (1916) - идиллическая панорама праздника в русском провинциальном городе. Над этой жизнерадостной картиной Кустодиев работал в крайне трудных условиях: в результате тяжелого заболевания он с 1916 года был прикован к креслу-каталке, его мучили частые боли.
Несмотря на это, последнее десятилетие его жизни оказалось необычайно продуктивным. Он написал две большие картины с изображением праздника в честь открытия II Конгресса Коммунистического Интернационала, исполнил множество графических и живописных портретов, делал эскизы праздничного оформления Петрограда, рисунки и обложки для книг и журналов разного содержания, изготовлял настенные картинки и календарные «стенки», оформил 11 театральных спектаклей. Часто это были заказные, не очень интересные для него работы, но он все выполнял на серьезном профессиональном уровне, а порой добивался и выдающихся результатов. Литографские иллюстрации в сборнике «Шесть стихотворений Некрасова» (1922), рисунки к повестям Николая Лескова «Штопальщик» (1922) и «Леди Макбет Мценского уезда» (1923) стали гордостью отечественной книжной графики, а среди оформленных им спектаклей блистала «Блоха» Евгения Замятина, поставленная МХАТом 2-м в 1925 году и тотчас же повторенная ленинградским Большим драматическим театром.

БОРИС  КУСТОДИЕВ

"Я помню отца еще молодым, необычайно подвижным, элегантным, веселым, ласковым. Помню квартиру нашу около Калинкина моста, на Мясной улице, 19. Мы жили на третьем этаже. Высота комнат необычайная. Комнат пять, все они располагались анфиладой… Параллельно комнатам - огромный, широкий коридор, где мы с Кириллом носились на роликах, бегали в прятки. Иногда надевал ролики и папа: он вообще любил кататься на роликах. Дом наш всегда был полон собак и кошек. Папа внимательно следил за их «личной жизнью», любил наблюдать за ними, с удивительным мастерством имитировал их повадки. Мне кажется, что в этом он был похож на А.П. Чехова - и тот, и другой «уважали» животных и изображали их в своих произведениях как равноправных «членов общества».
Воспоминания Ирины Кустодиевой, дочери художника

…настоящий Кустодиев — это русская ярмарка, пестрядина, „глазастые“ ситцы, варварская „драка красок“, русский посад и русское село, с их гармониками, пряниками, расфуфыренными девками и лихими парнями… Я утверждаю, что это его настоящая сфера, его настоящая радость...
А.Бенуа

Художник

                                       Alex                                                                      Lashkevich   

Художник Алексей Лашкевич, 1964 года рождения, Санкт-Петербург, Россия. Закончил Санкт-Петербургский Академический художественный лицей им. Б.В.Иогансона и Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина (мастерская профессора П.Т.Фомина). В 1988г. отправлен по проекту ЮНЕСКО на Аляску (г.Анкоридж), там же прошла первая персональная выставка.

Каждая картина художника Alex Lashkevich – это уникальный шедевр, который пропитан не только своей естественной красотой, но и нежностью, страстью и уникальным настроением. Каждая работа несёт в себе определённый сюжет, вызывая чувства грусти и лёгкой задумчивости. Практически все работы художника тесно переплетены с двумя направлениями – музыкой и направлением природной красоты естественных красок. И всё это хорошенько заправлено страстью и нежными позитивными лучиками тепла и солнечного настроения. Я просто уверена, что данные картины Вас должны заинтересовать.

        Талантливая художница           Sandra Kuck (Сандра Кук) 

Известная художница Sandra Kuck родилась в штате Огайо, выросла в Калифорнии.
Ребенком она всегда любила рисовать и делать наброски. Ее первый рисунок был портрет Наполеона. Во время получения образования в Нью-Йорке, она поняла, что в живописи ей ближе тема детства, хотя преподаватели делали акцент на современное искусство. Вскоре она вышла замуж и родила двоих детей. Муж всегда поддерживал ее любовь к живописи и поощрял желание стать успешной художницей.Сандра получила признание и была удостоена многим наградами и отмечена разными премиями. Она получила звание Лучший художник года 8 раз! Сандра предпочетает работать в студии у себя в доме. В своих произведениях она воплощает отношение между матерью и ребенком, красоты природы, декор и одежду Викторианской эпохи.

Чудесные, добрые картины американской художницы Сандры Кук (Sandra Kuck). Её сюжеты – прекрасный и счастливый мир детства и материнства.
Sandra Kuck получила свою первую награду, как художник в 1983 г. и с тех пор ежегодно она становится обладателем премии National Association of Limited Edition Dealers' Plate of the Year. Она единственная, кто получил такую награду 8 раз подряд.

                           СОВРЕМЕННЫЙ      ГОЛЛАНДСКИЙ                                                                                       ХУДОЖНИК

                                 РАЛЬФ  ХЕИНЕН (Ralf  Heynen)

Французский художник Адольф Вильям Бугро                                                                        (1825-1905) 

Вильям Бугро/Бугеро (William-Adolphe Bouguereau)•
Вильям-Адольф, французский живописец, крупнейший представитель салонной академической живописи. Родился 30 ноября 1825 года в городе Ла Рошель. Изучал живопись в Королевской школе изящных искусств. По окончании школы получил главный приз - поездку в Италию. По возвращении из Рима некоторое время занимался росписью фресок в стиле итальянского Возрождения в домах французских буржуа. Собрав необходимый капитал, окончательно посвятил себя любимому делу - академической живописи. Карьера Бугеро, как академического живописца, сложилась довольно успешно, художник пользовался признанием и благосклонностью критиков и выставлял свои картины в ежегодных парижских салонах на протяжении более чем пятидесяти лет. На выставках парижского Салона 1878 и 1885 годов удостоен высшей награды - золотой медали, как лучший живописец года Франции.
Картины Вильям-Адольфа Бугеро на исторические, мифологические, библейские и аллегорические сюжеты были композиционно тщательно выстроены и кропотливо выписаны, вплоть до мельчайших деталей.
Наиболее известные полотна живописца - "Триумф мученицы", 1854; "Ореады", 1857; "Рождение Венеры", 1879; "Нимфы и Сатир", 1881; "Молодость Бахуса", 1884. Бугеро также исполнял стенные росписи и портреты. Бугеро выступал против выставления работ импрессионистов в парижских салонах, считая их картины просто незаконченными эскизами.
После его смерти и периода забвения его работ, творчество Бугеро было по достоинству оценено современными критиками, как значительный вклад в развитие жанра академической живописи. Главная ретроспективная выставка работ Бугеро открылась в Париже в 1984 году, затем была показана в Монреале, Хартфорде и Нью-Йорке.
Умер Вильям-Адольф Бугеро 19 августа 1905 года в своем родном городе Ла Рошель.

АВТОПОРТРЕТ

 Jeune Italienne Puisant De Leau 1871.

...идеи для вдохновения...
                                   Вышивка лентами                                      Ирины Жуковой

Картины  Ирины Жуковой, вышитые лентами. Выполнены в смешанной технике - живопись на льне и вышивка лентами.

ИМПРЕССИОНИЗМ В ЖЕНСКОМ ИСПОЛНЕНИИ 

Мэри Кассат (Mary Cassatt). 1844-1926
Американская художница импрессионистка
Родилась 22 мая 1844 года в городе Аллегейни в Пенсильвании. Мэри воспитывалась в семье биржевого брокера. Родители надеялись на то, что дочь выберет экономическую профессию, и были против того, чтобы Кассат становилась художницей, однако сама Мэри стремилась заниматься живописью. В 1861 году она поступила в Пенсильванскую Академию изящных искусств. Это образование родители считали полезным для любой девушки, однако желание Мэри всерьез заниматься искусством шокировало их.
В 1867 году Кассат отправляется в Париж вместе с матерью. Мэри начинает

брать уроки живописи у художников-академистов, изучать работы разных мастеров. Ее работа

«Мандолинистка» была отобрана для выставки Салона.
В начале франко-прусской войны Мэри возвращается в США. В это время ей пришлось столкнуться с трудностями на творческом пути. Найти моделей для работ и меценатов для поддержки было очень сложно. Кроме того, семья продолжала выступать против художественных занятий.
В 1871 году Кассат возвращается в Европу. Причиной этого возвращение стало обращение к Мэри архиепископа Питтсбургского. Он поручает художнице выполнить копии картин в Италии. После этого Кассат получает возможность путешествовать по Европе. Она посещает художественные музеи, совершенствует свой стиль. В 1874 году появляется работа «Девушки, собирающие полевые цветы», близкая к манере Мане. Кассат работает преимущественно в духе импрессионизма. До 1886 года художница была активным членом движения импрессионистов, общаясь с Бертой Моризо, Дега.
На некоторое время Кассат пришлось оставить живопись из-за болезни сестры и матери. Однако уже в середине 80-х Мэри возвращается к любимому занятию.
90-е годы стали периодом расцвета для творчества Кассат. Она создает серию цветных офортов, вдохновленная японскими мотивами. Кассат приобретает известность не только в Европе, но и в Америке.
После смерти матери в 1895 году художница приезжает на родину. В США она прожила несколько месяцев, вскоре вернувшись во Францию. В 1910 году Мэри предпринимает поездку в Египет, который поразил художницу своей красотой.
Несмотря на значительное ухудшение здоровья, в том числе и зрения, Кассат продолжает работать. Однако к 1914 году художница практически не может заниматься живописью. При этом Кассат активно участвует в общественной жизни, представляя на выставке в поддержку движения за избирательные права женщин свои работы.
Мэри Кассат умерла в Шато де Бофрене 14 июня 1926 года.

ОЧАРОВАТЕЛЬНЫЕ ПАРИЖАНКИ.
 Художник ПАЛ ФРИД

Pal Fried ( 1893, Будапешт — 1976, Нью-Йорк)

Пал Фрид (Pal Fried) — венгерско-американский живописец. Известный портретист, мастер картин на темы балета и театра, последователь французского импрессионизма.
Пал Фрид обучался искусству рисования в Венгерской академии под руководством профессора Пола Хьюго (Hugo Pohl) . Под его влиянием Фрид написал много портретов, обнаженных фигур и восточных сцен. Затем продолжил образование в Париже у Клода Моне и Люсьен Симон. Пал Фрид находился под большим влиянием и впечатлением от французской импрессионистской школы, в частности — Ренуара и Дега. В 1947 году, после Второй мировой войны, Фрид эмигрировал в Америку, где преподавал в Академии искусств в Нью-Йорке и разработал свой собственный уникальный стиль. В 1950-60х гг художник жил и работал в Голливуде, где приобрёл большую популярность как портретист. Он специализировался на портретах дам из высшего общества.
Основная техника у Пала Фрида: пастель и масло. В коллекциях многих музеев мира хранятся картины Фрида на темы балета и театра: это портреты танцовщиц перед спектаклями, на сцене, в богемной жизни.
Полотна Фрида были настолько популярными, что он или вынужден был, или так хотели заказчики, дублировал по несколько раз один и тот же сюжет, меняя лишь цвет костюма или фона полотна.
 Умер художник в возрасте 82 лет в 1976 году в Нью-Йорке, спустя 4 дня после смерти любимой жены Евы. Работы Пала Фрида занесены в Книгу Искусств.

Женский образ.Sue Halstenberg

Сью Хэлстенберг начала свою карьеру иллюстратором мод для Южных Калифорнийских универмагов. Несколько лет спустя она открывает свое собственное дело, принимая заказы на изображение портретов и человеческого тела в пастели и акриловой краске.Сью получила степень бакалавра изобразительных искусств диплом престижного Художественного центра колледжа дизайна в Пасадене. Ее студия находится в красивой долине Охай в Калифорнии. Сью читает лекции и демонстрирует пастельные портреты, а также преподает рисунок и живопись.

Мужчины до того тщеславны, что жаждут, чтобы даже в Интернете с ними знакомились только красивые женщины. И неважно, что в данном случае красота не играет никакой роли. Она незрима и потому несущественна. Но мужчины, даже совершенно случайно выбранные для знакомства, хотят верить и по преимущество свято верят, что являются настолько исключительными, что привлекают внимание только красивых женщин. (Одиночество в сети.Я.Вишневский)

Солнечная живопись замечательного бельгийского художника

Johan Messely.

 Johan Messely, бельгийский художник. Родился в 1953 году. Живет и работает в Бельгии___

Лето... Солнце... А света слишком много не бывает! Ни в жизни, ни в сердце, ни на полотнах.