Волшебные букеты

ЕЛЕНЫ ПИЛКО

 ЕЛЕНА ПИЛКО - современная российская художница из Санкт-Петербурга.

Работы Елены Пилко находятся в частных коллекциях в Германии, Нидерландах, Америке, Бразилии, Франции и России.

1974-1979гг.: Обучение в Государственной Художественно-Промышленной Академии (Мухинское училище) в Санкт-Петербурге.
1990г.: Выставка ленинградских художников во дворце Боссе. Далее выставка поехала в Париж.

1990г.: Работа по лаковой миниатюре.

1994-96гг.: Выставки в Стокгольме (совместно с мужем, Александром Пилко).

1996-97гг.: Занималась книжной графикой.

1997-98г.: Оформление кафе и ресторанов Санкт-Петербурга.
1997-98гг.: Сотрудничество с «Там-там», «Барракуда», салоном «Саша Люже»

1997-98гг.: Участие в совместных выставках союза художников ЛОСХ (Ленинградское отделение союза художников).

2003г.: Начало станковой живописи.

2005г.: Начало сотрудничества с галереей «Zero Gallery» и Наумом Олевым.

2007г.: Сотрудничество с галереей «Русский портрет».

Натюрморты от художника

Владимира Бабича, живописца из Краснодара.

Тема натюрмортов, и особенно натюрмортов цветочных, очень и очень популярна среди живописцев - картины букетов или же растущих цветов на полях и в садах можно увидеть в самых разных техниках и стилях, и их многообразие, безусловно, радует и глаза и душу зрителя!

Московский художник Бабич Владимир сегодня известен тем, что пишет картины с цветами маслом. Его картины часто можно встретить на выставках и в частных коллекциях.

Бабич Владимир – родился в 1953г.
В городе Краснодаре.
С 1973г – Живет и работает в Москве.
В 1981г – Окончил МХПА имени С.Г.СТРОГОНОВА.

С 1990г – Сотрудничает с галереями США, Франции, Германии,Бельгии, Австрии, Венгрии, Китая, Италии,Испании.
Большинство работ находятся в частных коллекциях по всему миру.
С 1993г – Активно участвует в Российских и Зарубежных выставках и экспозициях.
С 1995г – Член Сочинского художественного фонда. Принимает активное участие в создании культурного наследия.
С 1995г – Член Союза Художников России.
С 2002г – Член Международного Художественного Фонда.

Особенность  цветочных полотен Бабича в практически идеальном балансе яркости цвета и, так сказать, натуральности изображения. Здесь мы не пресыщаемся слишком насыщенными красками, в то же время каждый цветок букета изображён максимально реалистично и в своём лучшем виде и ракурсе! Художник определённо владеет магией живописи - мы словно чувствуем аромат цветов с каждой картины - легкий летний ветерок доносит до нас радующие душу запахи роз, ромашек и гладиолусов, так, что сложно удержаться от желания протянуть руки и взять в охапку эти прекрасные букеты!
Хорошо, что сейчас лето и совсем скоро мы сможем действительно видеть и вдыхать ароматы этих чудесных цветов и в жизни - в садах и полях! Ну а прямо сейчас - вот они, на картинах!

Горбатов Константин Иванович

(1876-1945)

К. И. Горбатов, 1912 год

Горбатов Константин Иванович (1876, Ставрополь — 1945, Берлин) - всемирно известный русский художник, яркий представитель русского постимпрессионизма, профессор Академиии художеств, член "Общества А.И. Куинджи".Судьба русского художника Константина Горбатова насыщена контрастами, как и его живопись.

После долгих лет забвения творчество Константина Горбатова, разделившего судьбу многих художников, покинувших Советскую Россию, приобретает все большую известность у себя на родине. Его произведения все чаще появляются на музейных выставках, в антикварных салонах, привлекая внимания своей добротностью и нарядностью.

Константин Горбатов родился 5 мая 1876 в Ставрополе.

В ранний период творчества Горбатов часто обращался к теме русского национального пейзажа, рисовал старые русские города с их церквями, березками, холмами и перелесками.
 В начале 1890-х годов, Горбатов учился живописи в Самаре у художника Ф.Е. Бурова. В период с 1896 по 1903 год живет в Риге и учится в политехникуме, продолжая обучаться живописи у Д. Кларка.
 В 1903 году переезжает в Петербург. Здесь он обучается в знаменитом Училище рисования Штиглица, а затем в Академии художеств на архитектурном отделении.
 В 1904 году он переходит на живописное отделение под руководство А.А. Киселева и П.Н. Дубовского.
 Горбатов экспонировал свои картины на академических выставках, выставках Общества русских акварелистов, Московского общества любителей художеств, ТПХВ, Товарищества независимых художников.
В 1910 он был награжден второй премией на Весенней выставке ИАХ за картину«Рыбный базар на Пскове-реке».

 В 1912 году Горбатов отправляется в Рим в пенсионерскую поездку, организованную Академией художеств. Здесь он изучает достижения новейшей европейской живописи, обогащает арсенал своих живописных средств и пересматривает сам метод изучения натуры. Его пейзажи становятся более декоративными и яркими.
 В 1913 Горбатов награжден золотой медалью на Международной художественной выставке в Мюнхене за дипломную картину «Приплыли», а в 1916 первой премией им. А. И. Куинджи за картину «Родной уголок».
 Некоторое время он работает в Риме, затем по приглашению Максима Горького приезжает к нему на Капри.
На Капри вокруг Горького образовалась колония молодых художников из России. Среди них такие знаменитые имена как Горелов, Бродский, Фалилеев, Вещилов.

 После путешествия по Италии, Горбатов живет в России.
 Еще со времени своего обучения в Академии художеств, он ежегодно ездил по старинным городам.
 Неоднократно обращался он к излюбленным мотивам, изображая панорамные виды русских городов. Особо дорогим местом для художника был Псков.
 В своей картине

«Старый Псков»

7 июня 2015 года в культурно-просветительском и духовном центре «Усадьба Брянчаниновых» состоялось открытие выставки художественных произведений «Азбука Флоры» Любови Борисовой (г. Череповец), члена Союза Художников России и Ассоциации изобразительных искусств АИАП ЮНЕСКО.
«Азбука Флоры» – такое название выставка получила не случайно. Именно Флора – богиня цветов у древних римлян давала имена всем цветам. Богатство и разнообразие яркого мира цветов отражено в акварелях Любови Борисовой. В экспозиции выставки представлены работы, выполненные в последние годы (2013 - 2015 гг.). Это цветочные композиции и натюрморты, которые создают гармонию мира красоты, где царствуют изысканные представители мира цветов и растений, царства Флоры. Нежнейшие и изящные создания природы – сирень, ирисы, гладиолусы, флоксы, полевые цветы завораживают утонченной красотой и дарят настроение радости.
Все лето интерьеры старинного усадебного дома будут украшать очаровательные акварели, изображающие цветы. Волшебная, чарующая, нежная, прекрасная – таким эпитетами можно наделить акварели Любови Борисовой. В них можно увидеть богатое разнообразие цветовых и тональных оттенков, которые художница сумела объединить в величаво звучащую красочную симфонию.
Любовь Борисова, присутствующая на открытии выставки, рассказала о своем творческом пути и идее создания выставки, а также поделилась секретами работы над одной из сложных и в то же время простых живописных техник – акварели. Ярким моментом мероприятия стал мастер-класс по акварели, рассказала о работе над этюдом «Сирень».

Борисова Любовь Александровна - график, член Союза художников России с 2010 года.
Родилась 15 августа 1984 года в Сыктывкаре. С 1985 года проживает в Череповце. С 1994 по 1998 гг. училась в Детской художественной школе № 1 г. Череповца. Участница многих конкурсов и выставок. В принимала участие в летней и зимней межрегиональной школе для одаренных детей «Времена года». Занималась в Мастерской акварели под руководством В. В. Толстовой.

В 2006 году с красным дипломом окончила художественно-графический факультет ЧГУ. В 2007 году получила специальность в области компьютерной графики и web-дизайна в ВоГТУ. Является одним из представителей творческого объединения «Друзья по вдохновению».

С 2010 года – член Союза художников России и Ассоциации изобразительных искусств – АИАП ЮНЕСКО.

В 2013 году основала Мастерскую акварели Любови Борисовой в Череповце.

В творчестве художника центральное место отдано акварели, также работает в технике масляной живописи.

Живопись Серебряного века

Виктор Эльпидифорович

 Борисов-Мусатов
 (1870 — 1905)

"Он прожил свой недолгий век в мечтах — даже не о прошлом,
 а о каком-то своем призрачном мире нежности и красоты"
С. Маковский

Борисов-Мусатов Виктор Эльпидифорович. «Автопортрет»
1904-1905
Бумага, пресованный уголь 62,2 х 45,5
Государственная Третьяковская галерея
Москва

Родился в Саратове 14 апреля 1870 г в семье бухгалтера железной дороги Эльпидифора Борисовича Мусатова. Незаурядной личностью был дед будущего художника — Борис Мусатов (его имя впоследствии художник присоединил в качестве первой фамилии к своей родовой) — доживший до 95 лет и владевший, еще будучи крепостным, крупной водяной мельницей в селе Хмелевка близ Саратова.
В 1973 г. трехлетний Виктор упал со скамейки и повредил позвоночник. В результате полученной травмы у него образовался горб, и в дальнейшем его постоянно мучили хронические воспаления позвонков.Уже в шесть лет у мальчика появилась страсть к рисованию, которую поддерживал его отец, покупавший сыну карандаши и краски.
В 1881 г. поступает в саратовское реальное училище, но вскоре оставляет училище и с 1884 г. начинает серьезно заниматься живописью.
В августе 1890 г. молодой художник уезжает в Москву и поступает в Училище живописи, ваяния и зодчества. Через год Борисов-Мусатов переезжает в Петербург и вольнослушателем начинает учебу в Академии художеств, посещая также частную мастерскую П. П. Чистякова. Внезапное обострение болезни позвоночника и сложная хирургическая операция вынуждают Борисова-Мусатова вернуться в Саратов весной 1893 г.
Осенью этого же года он восстанавливается в МУЖВЗ. Вокруг молодого художника образовался круг единомышленников — художники А. Шервашидзе, Н.П. и Н.С. Ульяновы, Е. Александрова, через десять лет ставшая его женой, будущий режиссер МХТ Л. Суллержицкий и др. Интересы художника и его друзей не замыкались только на живописи. Вместе с товарищами художник бывал дома в Хамовниках у своей соученицы Т.Л. Толстой и беседовал с ее отцом. Но взгляды Л. Толстого на искусство не удовлетворяли Мусатова и он увлекся поэзий русского символизма, прежде всего — К. Бальмонта.
В начале 1890-х гг. в творчестве художника прослеживается влияние импрессионизма.
Летом 1894 г. художник гостил в старинной усадьбе Слепцовка Саратовской губернии, где написал несколько этюдов.
Свои работы Борисов-Мусатов продемонстрировал в конце этого же года на ученической выставке в МУЖВЗ и сразу же был зачислен критикой в «декаденты», как и многие другие художники, искавшие новых путей в живописи. Тем не менее, одну из его работ —

«Майские цветы»

— приобрела великая княгиня Елизавета Федоровна. Деньги, полученные за картину, позволили художнику в следующем году совершить поездку в Крым и на Кавказ.
В 1895 г. Борисов-Мусатов оставляет училище и осенью уезжает в Париж. Там он поступает в мастерскую художника Фернана Кормона, много занимается рисунком, посещает Лувр, где восхищается Боттичелли, Фра Беато Анджелико, Веронезе, Тинторетто, да Винчи и Ватто. В Люксембургском музее художник увидел картины импрессионистов, среди которых особое впечатление на него произвели работы Б. Моризо. Познакомился он также и с японским искусством. Но самое большое влияние на Борисова-Мусатова оказал символизм, воплощавший себя в изобразительном искусстве в стилистике модерна, и его провозвестник Пюви де Шаванн, в мастерскую которого молодой художник даже пробовал поступить. Но, восхищаясь французским символизмом и модерном, художник не сразу взял их на вооружение.В 1898 г. закончилось обучение у Кормона. Весной у Борисова-Мусатова вновь обострилась болезнь позвоночника и он перенес тяжелую операцию, после которой для отдыха уехал на юг Франции.
Возвращаясь в Россию через Германию, художник посетил Мюнхен, где учились его друзья И. Грабарь и Д. Кардовский, и Дрезден.
За время отсутствия Борисова-Мусатова художественная жизнь России преобразилась. Символизм завоевал свои позиции в литературе, передвижники перестали определять лицо русского изобразительного искусства. В полную мощь своего таланта творили В. Серов, И. Левитан и М. Врубель. С. Дягилев организовал «Выставку русских и финляндских художников», положившую начало возникновению «Мира искусства».
В России художник снова поселяется в Саратове, где во флигеле отцовского дома он устроил мастерскую, стены которой украсил репродукциями да Винчи и де Шаванна, а также гравюрами Хокусаи и Утамаро. С этого времени в произведениях Борисова-Мусатова появляется свой почерк, свое видение мира.
Первой большой работой художника явился «Автопортрет с сестрой» (1898).

Необычно композиционное построение картины — центральное место занимает задумчивая молодая девушка в старинном белом платье, которое было специально сшито по моде 1850-х гг. Фигура художника срезана краем холста и будто выходит за его рамки. Автор отказался от импрессионистической техники и использовал в картине сине-зеленоватый общий тон, который впоследствии будет определять колористический строй многих его произведений.

Ранее о художнике:http://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post299206715 ;

http://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post345397818

Пьер-Огюст Ренуар

(Pierre-Auguste Renoir)

Пьер Огюст Ренуар (фр. Pierre-Auguste Renoir ; 25 февраля 1841, Лимож — 3 декабря 1919, Кань-сюр-Мер) — французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма. Ренуар известен в первую очередь как мастер светского портрета, не лишённого сентиментальности; он первым из импрессионистов снискал успех у состоятельных парижан. В середине 1880-х гг. фактически порвал с импрессионизмом, вернувшись к линейности классицизма, к энгризму. Отец знаменитого режиссёра Жана Ренуара.

Биография

Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года в Лиможе, городе, расположенном на юге Центральной Франции. Ренуар был 6 ребёнком из 7 детей небогатого портного Леонара Ренуара (1799—1874) и его жены Маргариты (1807—1896).
В 1844 году Ренуары переезжают в Париж, и здесь Огюст поступает в церковный хор при большом соборе Сент-Эсташ. У него оказался такой голос, что регент хора, Шарль Гуно, пытался убедить родителей мальчика отдать его учиться музыке. Однако помимо этого у Огюста проявился дар художника, и когда ему исполнилось 13 лет, он начал помогать семье, устроившись к мастеру, у которого научился расписывать фарфоровые тарелки и другую посуду. По вечерам Огюст посещал школу живописи.

«Танец в Буживале» (1883), Бостонский музей изящных искусств

В 1865 году, в доме своего товарища, художника Жюля Ле Кёра, он познакомился с 16-летней девушкой Лизой Трео, которая вскоре стала возлюбленной Ренуара и его любимой моделью. В 1870 году у них родилась дочь Жанна Маргерит, хотя Ренуар отказался признать своё отцовство официально. Их связь продолжалась до 1872 года, когда Лиза оставила Ренуара и вышла замуж за другого.
Творческая карьера Ренуара прерывалась в 1870—1871 годах, когда он был призван в армию во время франко-прусской войны, закончившейся сокрушительным поражением Франции.
В 1890 году Ренуар женился на Алине Шариго, с которой познакомился десятью годами раньше, когда та была 21-летней белошвейкой. У них уже был сын, Пьер, родившийся в 1885 году, а после свадьбы у них появились ещё два сына — Жан, родившийся в 1894 году, и Клод (известный как «Коко»), родившийся в 1901 и ставший одной из самых любимых моделей отца. К тому времени, когда окончательно сложилась его семья, Ренуар достиг успеха и славы, был признан одним из ведущих художников Франции и успел получить от государства звание кавалера Ордена Почётного легиона.
Личное счастье и профессиональный успех Ренуара были омрачены болезнями. В 1897 году Ренуар сломал правую руку, упав с велосипеда. В результате у него развился ревматизм, от которого он страдал всю оставшуюся жизнь. Из-за ревматизма Ренуару трудно стало жить в Париже, и в 1903 году семья Ренуаров переехала в усадьбу под названием «Колетт» в небольшом городке Кань-сюр-Мер. Внешние изображения
Амбруаз Воллар. Ренуар. 1913

После приступа паралича, случившегося в 1912 году, несмотря на две хирургические операции, Ренуар был прикован к инвалидному креслу, однако продолжал писать кистью, которую вкладывала ему между пальцев сиделка.
В последние годы жизни Ренуар снискал славу и всеобщее признание. В 1917 году, когда его «Зонтики» были выставлены в Лондонской Национальной галерее, сотни британских художников и просто любителей живописи прислали ему поздравление, в котором говорилось: «С того момента, как ваша картина была вывешена в одном ряду с работами старых мастеров, мы испытали радость от того, что наш современник занял подобающее ему место в европейской живописи». Картина Ренуара выставлялась также в Лувре, и в августе 1919 года художник в последний раз навестил Париж, чтобы взглянуть на неё.

2 декабря 1919 года Пьер Огюст Ренуар скончался в Кань-сюр-Мере от воспаления лёгких в возрасте 78 лет. Похоронен в Эссуа.

Творчество
1862—1873 Выбор жанров

«Весенний букет» (1866). Музей Гарвардского университета

Ранее о художнице:http://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post389397652/

Художник Юлия  Томеско-Мазманян 

Юлия Мазманян в 2002 г. окончила Днепропетровский Национальный Университет им. О. Гончара, специальность « Изобразительное и декоративно-прикладное искусство».
Любимые жанры – портрет и натюрморт.
В работах ценит легкость, яркость красок, позитивный настрой, который, в свою очередь насыщает теплой энергетикой каждое изображение!

 Работы художницы находятся в частных коллекциях стран Европы, США, России и Украины.

Томеско - Мазманян Юлия

Коровин Константин Алексеевич (1861-1939)

Коровин Константин Алексеевич - [23.11(5.12).1861, Москва, — 11.9.1939, Париж], русский живописец.

Портрет Константина Коровина
Автор - Валентин Серов

Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1875—86) у А. К. Саврасова и В. Д. Поленова и в петербургской АХ (1882). Работал в Москве, с 1923 — за границей. В 1885—91 и 1896—98 декоратор Московской частной русской оперы С. И. Мамонтова, в 1903—10 художник Большого театра, с 1910 главный декоратор и художник-консультант московских императорских театров. Преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1901—18) и Государственных свободных художественных мастерских (1918—1919). Среди учеников — А. М. Герасимов, С. В. Герасимов, Б. В. Иогансон, П. В. Кузнецов, И. И. Машков, Л. В. Туржанский, К. Ф. Юон. Был членом объединений — "Мир искусства" и Союз русских художников. Уже в ранний период выдвинулся как один из крупнейших художников-реалистов, мастеров пленэра в русской живописи, автор пейзажей, жанровых картин и портретов ("Северная идиллия", 1886, "У балкона", 1888—89, "Зимой", 1894, — все в Третьяковской галерее; портрет Т. С. Любатович, 1886—87, Русский музей, Ленинград), замечательных ярким жизнелюбием, тонкостью и богатством колорита, непосредственностью и свежестью ощущения мира, природы, солнечного света.
 Коровин вносил черты динамики и живописности и в свои монументально-декоративные композиции (панно на темы русского Севера для Всероссийской выставки 1896 в Нижнем Новгороде и для Всемирной выставки 1900 в Париже). Глубоко воспринимая достижения французского импрессионизма и стремясь передать изменчивые мгновенные впечатления, Коровин на рубеже 20 в. обратился к светлой, как бы мерцающей цветовой гамме, импульсивному эскизному письму ("Парижское кафе", 1899—1900, Третьяковская галерея), в 1910-х гг. — к широкой пастозной, зачастую ярко декоративной, живописи густым насыщенным цветом (портрет Ф. И. Шаляпина, 1911, Русский музей). Реформатор театральной живописи, К. создал новый тип красочных, зрелищных декораций, эмоционально связанных с идеей и настроением музыкального спектакля ("Конёк-Горбунок" Пуньи, 1901, "Руслан и Людмила" Глинки, 1907, "Золотой петушок" Римского-Корсакова, 1911, — в Большом театре, Москва). Позднее творчество К., эмигрировавшего во Францию, отмечено чертами поверхностной декоративности.

Портрет Надежды Ивановны Комаровской

Актриса
Надежда Комаровская
1919г

Художник Сухоплюев Константин

Родился и вырос Константин Сухоплюев в Санкт-Петербурге. С ранних лет ему знаком запах масляных красок, он постоянно находился в художественных кругах, поскольку отец Константина также занимается живописью. Он многому научил сына, дал знания, которые стали основой для формирования собственного стиля Константина и смелых творческих экспериментов. Художественного образования Константин не получал, плоды его творчества не только самобытны, но и чрезвычайно интересны. И не смотря на отсутствия образования он нисколько не уступает в чувстве цвета, композиции, живописным решениям, другим, образованным и даже именитым художникам, скорее, наоборот - выделяется среди художественной конъюнктуры и вычурного академизма, своей непосредственностью и экспрессией. Будь то лежащий цветок или улица Петербурга, всё в его картинах находится в движении, которое подвластно чёткому гармоничному ритму. Многие художники и искусствоведы называют его картины музыкальными. И это не удивительно, так как Константин в своей жизни параллельно живописи увлекается музыкой, играя на различных инструментах: гитара, труба, фортепьяно. Эти инструменты также можно увидеть в произведениях данного автора.

Персональные выставки:
2011"Лирика Петербурга" в выставочном пространстве библиотеки М.Ю.Лермонтова,
 2012 - "Настроение натюрморта" в выставочном пространстве библиотеки М.Ю.Лермонтова,
2013 - "Первое впечатление"в Большом Гостином дворе города Санкт-Петербурга,
2014 - "Откровение цвета" Мансарда художников.
2015 - "Радости лета" галерея Русский портрет"

Карл Молль (1861 - 1945) — австрийский художник эпохи югендстиля.

В 1897 году Молль становится одним из соучредителей Венского сецессиона. Участники Сецессиона проводили в Вене выставки современного искусства, по инициативе Карла Молля в 1903 году в Вене была основана «Современная галерея», носящая сейчас название Австрийская галерея Бельведер.

Галерея Бельведер (Вена, Австрия)— известнейший художественный музей в венском дворце Бельведер. В его коллекцию входят живописные произведения многих эпох, от Средневековья и барокко до XXI века. Основная экспозиция посвящена австрийским художникам эпохи Fin de siècle и югендстиля.
 В канун смены веков Вена славилась как центр современного изобразительного искусства. Решающую роль в этом сыграло основанное в 1897 г. «Объединение художников — Сецессион». Одним из основоположников Венского сецессиона был художник Густав Климт.
Участники Сецессиона из окружения Климта стремились открыть Вене современное искусство и передали в дар государству в честь открытия Современной галереи ряд картин и скульптур, среди которых «Равнина близ Овера» Винсента ван Гога 1890 г.
В 1909 г. Современная галерея была переименована в «Королевскую австрийскую государственную галерею» и пополнилась произведениями австрийского искусства.
В конце первой мировой войны «Австрийская галерея», как она называлась вплоть до 2007 г. за исключением периода национал-социализма, приобрела большое количество картин, в том числе Густава Климта и Эгона Шиле

Carl Moll(1861-1945) - австрийский художник-импрессионист.

Молль учился в венской Академии изобразительных искусств в 1880—1881 годах. у Христиана Грипенкерля. Позднее стал учеником и ассистентом художника-пейзажиста Эмиля Якоба Шиндлера. После смерти Шиндлера в 1892 году Молль женился на его вдове и тем самым стал отчимом его дочери Альмы.
Среди своих современников Молл считался перспективным и многообещающим художником.Он был одним из первых членов Венского Сецессиона в 1897 году, и он отделился от группы в 1905 году наряду с Густавом Климтом.На него оказало внияние искусство Климта, и он повлиял на живопись Винсента Ван Гога.

Позже он стал одним из первых сторонников гитлеровского национал-социализма в 1920-х годах.

В 30-е годы Молль проявил себя убеждённым национал-социалистом. После аншлюса Австрии гитлеровской Германией в 1938 году падчерица Молля Альма Малер-Верфель была вынуждена бежать из Австрии со своим мужем еврейского происхождения, поэтом Францем Верфелем. Несколькими днями позже Молль забрал из Галереи Бельведер пять картин, которые Альма передала в её распоряжение, от имени своей дочери Марии Эбершталлер. Самую ценную из картин — «Летнюю ночь на пляже» Эдварда Мунка, Молль позднее продал Галерее. В соответствии с австрийским Законом о реституции после длительного судебного разбирательства эта картина была передана 9 мая 2007 года законной наследнице Альмы Малер-Верфель Марине Малер.

В 1945 году, когда Советская Армия вошла в Вену,Карл Молл покончил жизнь самоубийством вместе с дочерью и сыном.

Молль получил признание благодаря своим крупноформатным цветным литографиям и ксилографиям. Стиль его поздних пейзажей изменился от плоскостной живописи, свойственной Сецессиону, к большей пространственности, а в поздние годы Молль всё больше сближался с экспрессионизмом.

Ранее о художнике:http://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post387615503

Вдохновляющие  работы

 австрийского  художника

 Heinz  Schweizer

Предлагаю вашему вниманию подборку работ талантливого австрийского художника Хайнца Швайцера (Heinz Schweizer)

Heinz Schweizer родился в 1967 году в Сенкт-Гильген (Зальцбург).

 1987 - 1989 окончил колледж моды и дизайна.
С этого времени, постоянной занимается рисунком.
Живет с 1993 года в Филлах.
С 1997 года интенсивно занимается работой над картинами.
Образование: -институт нефти и акриловой живописи.

Ознакомительные поездки: - Лондон, Париж, Рим, Венеция, Амстердам, Прага,Истрия, Санторини, Лигурия, Тоскана и Пьемонт.

Победитель в акварели конкурса "Музей Леопольда"
в рамках выставки "австрийской акварельной живописи" 2010;
Премия на "Hahnemühle" Календарь соревнований 2009 и 2010;
Участие в специальном выпуске "50 шедевров европейской акварели"
Французский художественный журнал «Pratique Des Arts" из 2006.

Член Профессиональной ассоциации австрийских художников.

Многочисленные выставки, государственные и частные приобретения;
Линия акварели курсов и курсов по стране и за рубежом

 Хайнц Швайцер   пишет свои картины  как-будто одним лишь штрихом, не отводя руку от бумаги.
Просмотрев его работы думаешь, что они взяты словно из сказочного сна. Они наполнены светом, яркими красками и плавными геометрическими переходами.

Ранее о художнице:http://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post386682192

http://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post352511052

http://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post281338907
Подборка картин художницы
 Ольги Александровны Куликовской-Ольденбургской-Романовой

Одна из немногих членов Императорской семьи, спасшихся после большевистского переворота; жила в Дании, затем Канаде, пережила всех прочих внуков (внучек) императора Александра II. Как и отец, она предпочитала простую жизнь. За свою жизнь написала более 2000 картин, доходы от продажи которых позволяли ей поддерживать семью и заниматься благотворительностью. Умерла в возрасте 78 лет, семь месяцев спустя после смерти старшей сестры.

Личность Ея Императорского Высочества Великой Княгини Ольги Александровны заслуживает особого внимания. И не только потому, что Она - дочь Александра III, а прежде всего потому, что Она была удивительной Женщиной, значительную часть Своей сознательной жизни посвятившей подвигу благотворительности и милосердия Христа ради. Вместе с высоким рождением Господь даровал Великой Княгине Ольге Александровне и талант художника. Его Она пронесла через всю жизнь, не растратив и не предав. Как никогда не предавала Великая Княгиня памяти Своих Венценосных Родственников.

 Рисованию в императорской семье обучали всех детей, но лишь Ольга Александровна стала заниматься этим профессионально. Ее учителями были известные мастера Маковский, Жуковский, Виноградов. В 1900-е годы великая княгиня устраивала в Гатчинском дворце вернисажи, на которых были представлены не только ее работы, но и картины молодых художников. Деньги, вырученные от продажи произведений, шли на благотворительные цели.

Биевр Мари де (Bievre, Marie De)
(1865-1940)

 Бельгийская художница, известна как автор натюрмортов с цветами и фруктами. Работала в технике пастели и масляной живописи. Начальное образование получила в художественной школе родного города, затем для продолжения учебы уехала в Брюссель. В 1883 году принимала участие в создании Кружка бельгийских акварелистов и аквафортистов. Большинство его участников выступало за сохранение тредиционнного национального искусства. В 1885 году стала одной из основательниц группы художников "Voorwaerts", а в 1888 году Кружка женщин-художниц и до 1893 года принимала участие в выставках этих объединений.

 М.де Биевр демонстрировала свои произведения также на международных художественных выставках в Чикаго (1893), Берлине (1900), Мюнхене (1905-1908) и Всемирной выставке в Антверпене (1894). Одна из картин Мари де Биевр хранится в Брюсселе в Королевском музеее изобразительных искусств.

Marie de Bievre (1865–1940) Still Life with Fruit and Flowers

Художник Василий Грибенников

Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров.

Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.
Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.

Лебаск, Анри - Lebasque, Henri - (1865-1937) -

 французский художник-импрессионист

Жизнь и творчество

А. Лебаск начал своё обучение в Школе изящных искусств Анжера. В 1886 году поступает в парижскую Академию Коларосси. Лебаск берёт также в Париже уроки у художника Леона Бонна, работает над внутренним украшением Пантеона, знакомится с К. Писарро и О. Ренуаром, работы которых оказали сильное влияние на творчество Лебаска. Большое значение художник уделял цветности и яркости изображений на своих полотнах. В этом он был близок Э. Вюйяру и П. Боннару, основателям группы Наби. После знакомства с Ж. Сёра и П. Синьяком Лебаск занимается изучением теории цвета.

Лебаск в 1903 году был одним из основателей Осеннего салона (совместно со своим другом А.Матиссом). Через 2 года группа художников, в которую входили Лебаск, Ж.Руо, А. Дерен, Матисс и Вюйар, к которым присоединились Р. Дюфи и А. Манжу, открывают для себя красоту природы Южной Франции и пишут здесь свои полотна. Время, проведённое на юге, привело к радикальным изменениям живописи Лебаска, обогатило его художественную палитру. Даже после последующих путешествий на север, в Вандею, Нормандию и Бретань, «южная» тема доминировала в работах художника.

Кисти А. Лебаска принадлежат также внутреннее оформление парижского театра на Елисейских полях и транс-океанских лайнеров.

«La cigarette»

Александр   Маранов. 

Художник - Космист

Известный художник-космист Маранов Александр Борисович (основоположник техники "Свечение" в направлении "Космизм")

Александр Маранов родился в городе Ташкент в 1962 году. В 1977 поступил в Ташкентское художественное училище имени П.П. Бенькова. С отличием окончив училище, продолжил учебу в Ташкентском Государственном Театрально-художественном институте имени А.Н. Островского. В 1987 году с отличием окончил институт (отделение книжной графики под руководством профессора Н.С. Пака). Участвствовал во всесоюзной выставке лучших дипломных работ художественных вузов СССР в г. Минске. Его дипломные работы приобретены музеем Востока города Ташкента. В 1988 году быд принят в Союз художников Узбекистана. Преподавал живопись в Ташкентском Государственном Театрально-художественном институте имени А.Н. Островского. В1992 году, Александр Маранов переехал в Москву, где и начал работу над циклом "Сияние".
В 1995 году художник принят в Международную Федерацию художников при ЮНЕСКО. Александр участвовал во всесоюзных и зарубежных выставках. В том числе персональные и коллективные выставки в музее Н.К. Рериха (2002, 2003, 2006), ЦДХ на Крымском Валу (1999, 2001, 2003, 2004), Дом Художника на Кузнецком мосту (1997), «Арт-Салон в Манеже» (2001, 2002, 2003, 2004), «LuxArt Salon» (2004), а также в муниципальных и частных галереях г. Москвы (1995-по настоящее время).

Меня часто спрашивают: "Как Вы это делаете, как пишите картины, реально ли это?".
Я думаю в этом мире реально все то, к чему мы можем прикоснуться сердцем,рукой, мыслями, пропустить через свою душу.
Я считаю, что только ЛЮБОВЬ может сделать человека счастливым, и только она побуждает к действию. Свои работы я создаю, чувствуя безграничную любовь к этому прекрасному миру, и пытаюсь передать эти чувства каждому.
Я художник, я взял на себя ответственность за чувства людей, которые прикасаются взглядом до моих картин, и я не имею права их подвести. Ведь в противном случае, люди будут смотреть не на мои работы, а в окно своей квартиры и видеть не менее очаровательную, созданную природой, Богом и человеком картину "Целый прекрасный мир"

"Моя жизнь - это картины, которые я пишу с мыслями о том, что когда-нибудь люди станут великодушнее и добрее друг к другу и к окружающему бесконечно красивому и непостижимому миру. В 7 лет я нарисовал свою первую картину и тогда уже было понятно, что это станет моим призванием, родители определили меня куда нужно! Свое место в искусстве я обрел в молодом возрасте до 30 лет, после переезда в Россию из другой страны, после творческого кризиса, на тот момент нескончаемой депрессии. Именно тогда я положил основу новой технике под названием "Свечение", направление "Космизм". Вот уже несколько десятков лет созданная мной техника написания картин используется в мировой практике и завоевывает сердца.
В искусстве нет границ, это открытое пространство, создавать можно все что угодно, но без любви к миру еще ни одна идея в искусстве не была реализована!

Художник Лина Коваленко

Коваленко Лина Михайловна, 1959г. рождения, Краснодарский кр. Член Союза Художников России с 2001г., Член Международной ассоциации ИЗО ЮНЕСКО. Участница городских, краевых, региональных выставок с 1995 года. Работы находятся в частных и корпоративных коллекциях в России. Франции, Греции, Германии, Англии. Живет и работает в городе Новороссийске.

Лина Коваленко - художник у которого изначально опеределена стержневая линия творчества-это сочинение композиции и собственный взгляд на мир.
 У Лины свой почерк, свой стиль, своя манера исполнения. Основные темы ее творчества: натюрморт, сюжетные композиции и с недавних пор пейзаж.
Большой пласт творчества занимает уникальная графика.
Художник в постоянном поиске ответов на поставленные задачи. Ее работы наполненны светом, смыслом и позитивной энергетикой.

Лина Коваленко

Художник  Guy  Cambier

Родился Guy Cambier в 1923 году. Однажды, ещё будучи ребенком увидел во Дворце изящных искусств в Брюсселе работы Рембранта, и они его поразили.
С той поры Guy Cambier увлекся искусством, изучал работы художников эпохи возрождения и искал свой почерк. Когда художнику исполнилось 19 лет, он представил на суд публики свои первые работы. Бельгийцы не оценили, в должной мере, творчество молодого художника и он уезжает в Монако.
Именно с Монако и началось триумфальное шествие работ художника. Сначала по Европе, а затем и по Америке.

Удивительно нежные и гармоничные цвета, таинственная атмосфера, романтизм – всё это присуще работам художника.

Художник Francina Louise Martin-Schot
(1816–1894)

Первые свои работы художница продемонстрировала в 19 лет на выставке современных художников в Роттердаме. В 1847 году была выбрана почетным членом Королевской Амстердамской Академии художеств.

Джули Форд Оливер-

художница из Нью-Мексико

Художница о себе:

Я родилась в Англии и получила классическое образование по искусству в Америке. Работая  иллюстратором  в течение 28 лет, использовала  возможность  различных стилей и медиа. Этот обширный опыт создал фундамент  для успешной карьеры в искусстве.. Одним из наиболее существенных  аспектов успеха в живописи является свобода, она  будит воображение,рождая импровизации. Я пишу почти каждый день,но необходимо делать это ежедневно,что даст надежду на дальнейшее  развитие  художественных способностей.

(Вольный перевод)

Представляю замечательные натюрморты художницы.