Уже более 260 лет на Фарфоровой мануфактуре в Нимфенбурге в процессе сложного ручного производства создаются изящнейшие фарфоровые изделия. Лишь на этом, единственном в мире предприятии, расположенном в северной ротонде замка Нимфенбург, начиная с XVIII века, традиционными методами изготавливаются сервизы, фигурки и прочие декоративные предметы из фарфора непревзойденного качества и чистоты. В эпоху барокко фарфор считался большой ценностью. До того времени его импортировали из Китая, а в XVIII веке в Европе стали предприниматься первые попытки изготовления «белого золота». «Хрупкая деликатность фарфора не только отвечала настроениям людей того времени, она отражала их любовь ко всему хрупкому и изящному» (д-р Анне Винкельманн, автор сосуда с крышкой из бисквитного фарфора). Это высказывание справедливо также по отношению к знатокам и коллекционерам нимфенбургского фарфора, считающим его качество и изящество уникальными. История Фарфоровой мануфактуры в Нимфенбурге неразрывно связана с историей королевского дома Виттельсбахов. 11 ноября 1747 г., в эпоху правления баварского курфюрста Макс III Йозефа Баварского, в замке «Грюнер Шлёссль» в Нойдеке была основана первая мануфактура с гончарным и формовочным цехами и художественными мастерскими. В 1761 г. фарфоровая мануфактура переехала в специально построенное для этого здание в северной ротонде замка Нимфенбург, служившего летней резиденцией династии Виттельсбахов, которое завершило собой сложный архитектурный ансамбль замка. С самого начала Фарфоровая мануфактура в Нимфенбурге брала на работу специалистов, способных развить производство фарфора. Йозефу Якобу Ринглеру, работавшему до этого на фарфоровой мануфактуре в Вене, Хёхсте и Страсбурге, через несколько лет после создания мануфактуры в Нимфенбурге удалось наладить сложный процесс изготовления фарфора. Благодаря этому граф Зигмунд фон Хаймхаузен, занимавший в то время пост директора горного дела, в 1754 г. смог преподнести курфюрсту Максу III Йозефу Баварскому первый фарфор, произведенный на мануфактуре. Вскоре после своего создания Фарфоровая мануфактура в Нимфенбурге начала активно налаживать плодотворное сотрудничество с известными художниками, скульпторами и дизайнерами, продолжающееся и по сей день. С приходом на Фарфоровую мануфактуру в Нимфенбурге Франческо Антонио Бустелли из города Тессин, занявшего пост главного модельера и творческого руководителя в 1754 г., она приобрела мировую известность. Его эскизы в стиле рококо, и, прежде всего, его основное произведение – 16 фигурок из итальянской комедии масок, по праву считается одним из наиболее выдающихся произведений искусства того времени. Под руководством Бустелли при сотрудничестве с художником Йозефом Цехенбергером был создан курфюрстский сервиз «Рококо», на смену которому впоследствии пришел «Баварский королевский сервиз», разработанный по эскизу Доминика Авличека. Этот сервиз, в котором использовалась форма «Жемчужина», впервые положившая в основу сервиза 12-угольную форму, до 1900 г. предназначался исключительно для Баварского королевского двора. В XIX веке и в начале XX века мануфактура смогла пережить сложные в финансовом отношении времена и укрепить свою известность, прежде всего, благодаря Фридриху фон Гертнеру, Адельберту Нимайеру, Йозефу Вакерле и Вольфгангу фон Верзину. Начиная с 1888 г., руководство Фарфоровой мануфактурой в Нимфенбурге, преобразованной в открытое торговое товарищество, перешло к семье Боймль, которой удалось возродить былую славу мануфактуры. В 1975 г. мануфактура была передана «Балансовому фонду Виттельсбахов». Начиная с 1996 года, деятельность Фарфоровой мануфактуры в Нимфенбурге курирует Его Королевское Высочество герцог Франц Баварский. В октябре 2011 года принц Луитпольд Баварский примет мануфактуру от Балансового фона Виттельсбахов. Как и в самом начале своего существования, творческое направление деятельности мануфактуры в значительной мере определяется дизайнерами и художниками, пользующимися мировой славой. Барнаби Барфорд, Константин Грчик, Хелла Йонгериус, Рид Крам и Клеменс Вайсхаар, Густаво Линс, Тед Мюлинг, Хашайяр Найманан и другие дизайнеры за последние годы подарили миру ряд фундаментальных эскизов фарфоровых изделий в духе современного дизайна. Фарфоровая мануфактура в Нимфенбурге является одной из последних в мире мануфактур, изготавливающих каждую отдельную деталь исключительно в процессе ручного производства. Это высоко ценится знатоками и коллекционерами, однако «удивление заказчика в тот момент, когда он узнает, что изготовление сервиза на четыре персоны займет два года, свидетельствует о том, насколько далеко мы отошли от почитания художественного и ремесленного творчества» (Карл Шпенглер, «Прекрасное послание Баварии миру», Мюнхен, 1954 г., стр. 9). С момента создания Фарфоровой мануфактуры в Нимфенбурге 260 лет тому назад в круг ее постоянных клиентов входят королевские дома, посольства, церкви и дворцы в Германии и за ее пределами. Изделия Фарфоровой мануфактуры в Нимфенбурге были удостоены различных премий, многие работы содержатся в коллекциях крупнейших музеев дизайна, таких как «МoMа», Национальный музей дизайна «Купер-Хьюитт» в Нью-Йорке, музей «Стеделийк» в Амстердаме, Национальный фонд современного искусства в Париже, Музей истории искусства в Вене, Новая коллекция в Пинакотеке модерна в Мюнхене.

1. 

Первые изделия из французского фарфора по своим формам и росписи напоминали китайский фарфор, но позже приобрели более изящные линии, благодаря которым цвет изделий отошел на второй план. Наибольшую популярность приобрели: лиможский фарфор, изделия Императорского фарфорового завода, а также фарфор Венсена и Севра. Из них наиболее распространены в наше время два вида – севрский и лиможский фарфор. Севрский фарфор. История севрского фарфора началась в 1752-м году, именно тогда были созданы первые мастерские, где Клоду Герену удалось создать французский фарфор чистейшего белого цвета, который мог сравниться с изделиями мастеров Китая и Мейсена. С 1753 года Севрская мануфактура стала называться «Королевская мануфактура французского фарфора», став одной из самых знаменитых в Европе. Наряду со становлением производства, стали проводиться и ежегодные выставки, на которых французский фарфор продавался огромными партиями. Наибольшую известность Севрская мануфактура получила благодаря выпуску сервизов, а также декоративных изделий из неглазурованного фарфора (бисквит), с которым мастера Севра работали вплоть до 1770 года. Французский фарфор XVIII века обладает изящными формами, многообразием стилей, а также великолепной палитрой. Лиможский фарфор. Лиможский фарфор уже более двух столетий пользуется особой популярностью и спросом за свое качество и необычайную красоту. Изделия лиможской мануфактуры всегда относились к самым дорогим и востребованным товарам, во многом благодаря идеальной белизне основы и особой яркости росписи. Наиболее известными продолжателями традиций лиможской мануфактуры на сегодняшний день являются фабрики Bernardaud (Франция) и Haviland (США), которые сделали лиможский фарфор неотъемлемым атрибутом современного стиля.

1. 

Этот термин произошел от французского названия белоснежного фарфора (blanc-de-Chine), производимого в юго-восточном Китае со времен поздней Мин до наших дней. Изделия покрывали глазурью, не расписывая. Этот фарфор привозился в Европу, начиная с 17 века и оказал влияние на европейский фарфор 18-го века.

1. 

Имари ИМА?РИ, ИМА?РИ-АРИ?ТА (imari, Imari-arita, от Imabari — портовый город в Японии) — обобщенное название японских изделий из фарфора, которые производили с 1616 г. главным образом для экспорта в Европу. В XVII—XVIII вв. их изготавливали в селении Арита на о. Кюсю и вывозили в другие страны через порт Имабари, отсюда название: имари-арита. Ранние изделия "арита" выполняли в подражание классическому китайскому фарфору периода Мин (1368—1644) — с росписью синим кобальтом по белому фону и в "пятицветном стиле" у-цай (см. также доу-цай). С 1644 г. в селении Арита работал мастер Сакайда Кизаи-Эмон (S. Kizai-Emon, 1596—1666), сын и ученик мастера-керамиста Энсая. Считается, что он придумал мотив росписи фарфора с изображением парных слив ярко-красного цвета (Kaki — "слива"), отчего сам мастер и его потомки получили родовое прозвание "Какиэмон" (Kakiemon). Сакайда Какиэмон и его два сына (насчитывается двенадцать поколений мастеров этой семьи) выработали стиль мелкой пестрой полихромной росписи красной, оранжевой, зеленой и черной красками с золотом, который часто называют "стиль какиэмон", или просто имари. Этот стиль оказал значительное влияние на характер голландских, делфтских фаянсов XVII—XVIII вв., роспись майссенского фарфора, продукцию английских мануфактур Бау, Ворчестера и Челси. Изделия имари, как и близкие им кутани, стали предметом подражания и коллекционирования в Западной Европе и России в XVIII и XIX вв., в период Модерна на рубеже XIX—XX вв. Они считались образцами подлинно "восточного стиля", хотя сами японцы рассматривают эти изделия как суррогат, массовую продукцию и ценят много ниже классических образцов. Фарфор имари производится до настоящего времени.

1. 

Итальянский бренд Fabbian покажет в Милане новую коллекцию подвесных светильников, придуманную британским промышленным дизайнером Бенджамином Хьюбертом (Benjamin Hubert).

Абажуры светильников Roofer представляют собой металлический каркас, на который покупатель самостоятельно крепит множество рифленых плиток, цвет которых плавно переходит от одного к другому.

Идея дизайнера заключается в том, что для создания абажуров различных форм используется один и тот же «строительный материал», т.е. одинаковые плитки, которые крепятся на разные металлические каркасы. Покупатель, наподобие кровельщика, может сам уложить черепицу на свою мини крышу, и таким образом стать участником творческого процесса.

Для производства черепицы используется гибкий кремниевый полимер. Этот материал позволяет плиткам легко укладываться по криволинейной дуге каркаса и пропускать свет через свою полупрозрачную структуру.

Бенджамин уже не раз демонстрировал свою любовь к светильникам, каждый раз находя для них неожиданные формы и новые материалы. В 2009 году на лондонской выставке 100% Design его лампы Labware в виде лабораторных мензурок завоевали приз Best New Product (Лучший новый продукт).

По материалам Публичной библиотеки Нью-Йорка

1. 

По материалам Публичной библиотеки Нью-Йорка.

1. 

По материалам www.flatproject.ru.

Стро́гановский дворе́ц — дворец Строгановых, построенный по проекту архитектора Франческо Бартоломео Растрелли в 1753—1754, один из образцов русского барокко. Ныне — филиал Русского музея, которому здание принадлежит с 1988 года.

1. 

По материалам www.flatproject.ru

1. 

По материалам www.flatproject.ru

1. 

По материалам www.flatproject.ru

1. 

По материалам www.flatproject.ru

1. 

По материалам www.flatproject.ru

1. 

По материалам www.flatproject.ru

1. 

По материалам www.flatproject.ru

1. 

По материалам www.flatproject.ru

1. 

По материалам www.flatproject.ru

1. 

По материалам www.flatproject.ru

1. 

По материалам www.flatproject.ru

1. 

Дворец шекинских ханов (азерб. ??ki xan saray?) — бывшая резиденция шекинских ханов, расположенная в Азербайджане, в городе Шеки, ныне — музей. Памятник истории и культуры мирового значения, входящий в состав государственного историко-архитектурного заповедника «Юхары баш»[1]. Здание дворца, построенного в XVIII веке в персидском стиле[2][3], расположено в возвышенной северо-восточной части города на территории, ограждённой крепостными стенами. Дворец, длиной около 30 метров, состоит из двух этажей общей площадью около 300 м?, имеет 6 комнат, 4 коридора и 2 зеркальных балкона. Фасад дворца расписан сюжетными рисунками, отображающими сцены охоты и войны, а также геометрическими и растительными узорами. По центру располагается огромное окно-витраж из разноцветной стеклянной мозаики. Окна дворца собраны из кусочков цветного стекла и забраны ажурными каменными решетками. Дворец, также несущий в себе черты, присущие народной жилой архитектуре, считается одним из лучших на Кавказе образцов дворцовой архитектуры XVIII века[4] и одной из жемчужин исламского Востока.

1. 

Название свое этот дворец получил благодаря двадцати колоннам своей гигантской веранды. Эти двадцать колонн красиво отражаются в пруду и их становится как бы сорок. «Чехель Сотун» и переводится как «Сорок колонн». Во дворце Вы сможете увидеть забавные фрески на стенах его балконов, изображающих прямо каких-то французских маркизов в париках и графинь в шляпках, восточную принцессу, и, разумеется, бесчисленные орнаменты. Одним из самых интересных мест дворца является его веранда, та самая, с деревянными колоннами. Резной, также деревянный, потолок, обильно украшенный узорами, напоминает о русском деревянном зодчестве, особенно учитывая не слишком «бодрое» состояние деревянных конструкций… За верандой расположен большой входной портал, главное украшение которого – это зеркала. Они и на потолке в виде звезд и тюльпанов, и на стенах, а главное – ими отделана арка-ниша с неизменным полукуполом. Обратите внимание и на мраморные скульптуры львов, поддерживающих колонны. Дальше Ваш путь лежит во внутренние помещения дворца (вход в правую дверь). Странствуя по узким коридорам и небольшим комнаткам, я с удивлением обнаружил, что запрет на изображение животных и людей в исламском искусстве на Исфахан не распространялся – все стены дворца Чехель Сотун буквально испещрены самыми разными жанровыми сценками – охота на газелей, отдых красавиц на природе с танцами и игрой на музыкальных инструментах, пикник шаха или просто богатого вельможи и пр. Есть даже совсем неприличные фрески – соблазнение юной полуобнаженной (!) девой какого-то всадника и большое празднество Чахаршанбе Сури («Последняя (красная) среда» - преддверие Навруза) , на котором две танцовщицы прикрыли свою грудь лишь полупрозрачной тканью. Кроме этого в экспозиции музея можно поглазеть на несколько молитвенных ковриков XV-XVI веков, на красивые оконные витражи и ставни, на персидскую миниатюру, на фарфор и еще что-то, но самое главное, пожалуй, ждет Вас все же в самом Большом зале (Тронном), реставрация в котором еще продолжается. Это – стены. А на стенах – многометровые красочные фрески с прописанными в мельчайший деталях сюжетами – «Битва при Мерве между персидским шахом Исмаилом I (основателем династии Сефевидов, правевшей Ираном до афганского вторжения) и узбекским ханом Мухаммедом Шейбани (он основал Бухарское ханство и погиб в этой битве) в 1510 году», «Шах Аббас II принимает узбекского хана в 1646 году», «Концерт после приема шахом Аббасом I эмира Бухары Вали Мухаммед Хана в 1611 году», «Чалдыранская битва 1514 года между шахом Исмаилом I и турецким султаном Селимом I (персы тогда не смогли устоять против новых военных технологий османов – огнестрельного оружия)», «Прием шахом Тахмаспом I Великого Могола Хумаюна в 1544 году», «Победа Надир-шаха над индийской армией в битве 1739 года у Карнала (после которой персы захватили Дели)». К сожалению во время моего пребывания в Чехель Сотуне большинство фресок было загорожено строительными лесами, поэтому я смог рассмотреть лишь три, но и их мне хватило для того, что бы почувствовать себя немного шахом и покупаться в былой роскоши его дворца. К счастью, все это великолепие никто не запрещает фотографировать, но только – при отключенной вспышке… Выйдя из дворца не стоит сразу направляться к выходу – передохните в парке от жары, а еще лучше зайдите в чайхану (расположена за дворцом - у служебного входа в парк) и выпейте чайку из убитого временем металлического чайника, а заодно и посмотрите, как течет обычная жизнь иранцев в подобных местах. Кстати, рядом с чайханой находится туалет. Если Вы путешествуете с детьми, то, полагаю, им будет интересна короткая экскурсия по музею Истории природы (как я уже говорил, он расположен перед входом во дворцовый комплекс). Во всяком случая даже я с удовольствием пофотографировался на фоне неуклюжих бетонных динозавриков и здоровенного глобуса на персидском языке, которые установлены во дворе перед этим музеем. Ах да, совсем забыл сказать – дворец Чехель Сотун был построен по приказу шаха Аббаса II (надо сказать мало чем отметившегося в истории Ирана) в 1647 году исключительно как место для отдыха от государственных дел и царственных приемов. В 1706 году дворец сгорел, но позже был восстановлен, а в 1720-х годах он подвергся варварскому поруганию во время афганского захвата Исфахана – не одобряющие расточительность и роскошь персидских шахов афганцы замалевали и повредили многие фрески. Как Вы уже поняли, их реставрируют до сих пор… По материалам http://ipaattravel.narod.ru/isfahan_sights_text.htm

1. 

Дворец царя Алексея Михайловича в Коломенском – памятник искусства и быта последнего, самого яркого периода Московского царства, в которое уходит корнями современная Россия. Это образец особого стиля, суть которого в успешном симбиозе искусства традиционной, допетровской Руси и Западной Европы. Дворец отличает высокий уровень исполнительского мастерства, декоративность и звучная, бравурная художественная полифония, обеспеченная разнообразием примененных приемов и материалов. Вместе они создают праздничное, жизнерадостное ощущение, которое сродни чудесной сказке. Дворец, названный современниками восьмым чудом света, сохранился в народной памяти и многочисленных документах, мемуарах, описях, графических листах, живописных полотнах, обмерных чертежах и моделях в архивах и музеях России и Западной Европы. В основе художественного решения интерьеров лежало глубокое изучение, как исторических источников, так и самого широкого спектра исторических аналогов, однако ведущее место в работе творческого коллектива художников, архитекторов и научных сотрудников музея-заповедника было отдано исторической достоверности и документальной точности. Экспозиция размещена в 24-х воссозданных интерьерах Хором Государя царя, Хором Государыни царицы и Хором царевичей, художественный образ каждого из них строится на основе взаимодействия архитектуры и убранства с функциями помещения: парадные залы для проведения торжественных приемов, пиров и празднеств, личные жилые покои.Художественная отделка помещений отличается насыщенным декором и разнообразием: затейливая резьба наличников и карнизов окон и дверей, горящая эмаль ценинных печей, мерцание слюдяных и стеклянных оконниц, полифония красок росписей стен и потолков, узорных тканей (на стенах и предметах мебели) и ковров; яркий свет уникальных светильников, воссозданных по аналогам русских и западноевропейских образцов XVII – XVIII вв. Все это делает мир царских покоев жизнерадостным и, отчасти, нереальным, сказочным. Сюжетную структуру росписи дворца составляют орнаменты, бытийное письмо, мифологические персонажи древности. Их состав определен по упоминаниям в описях XVII – XVIII вв. и виршах Симеона Полоцкого с их «чюдними историями», четырьмя частями мира, «небесным зодием», временами года и множеством «цветов живонаписанных». В текстах звучат имена героев древности: Юлия Цезаря, Александра Македонского и его вечных противников, Дария III Персидского и царя Пора Индийского – росписи на эти сюжеты выполнены в Кабинете царя Алексея Михайловича. В сюжетных росписях царских покоев (в Престольной палате Хором Государя царя) изображены и библейские цари, Давид и Соломон (не случайно сам дворец Алексея Михайловича Симеон Полоцкий сравнил с «Соломоновой прекрасной палатой»). Композиции на сюжеты из Библии имели основой западноевропейские гравюры (в росписи дворца использованы гравюры известной Библии Николаса Пискатора, 1674 г.), но современные художники, также как и русские мастера XVII столетия, перерабатывали их, внося черты национальной самобытности в трактовку сюжета, наделяя изображаемое характерными чертами русского быта. Огромную роль, как и во многих дворцах мира, еще с античных времен, играло изображение звездного неба, включавшее символы солнца, луны и звезд и знаков зодиака. Композиция росписи потолка Столовой палаты – «Зодий небесный» выполнена по западноевропейским аналогам кокнца XVI – первой половины XVII вв. «Звездотечное небесное движение» царской Столовой палаты пользовались в то время особенным уважением и несколько раз служило образцом при украшении других комнат в царских хоромах XVII столетия. «Зодий небесный» как бы утверждал полноту державы, соотнося власть земную с властью небесной. В Хоромах Государыни царицы (в Передних сенях и Престольной палате) выполнены росписи на темы «Времена года» и «Притчи из Книги Эсфири», упоминавшиеся в Описи Коломенского дворца. Наряду с сюжетными композициями покои дворца украшает орнаментальное («травное письмо») с включенными в него изображениями птиц, зверей и людей (Передние сени, Столовая палата, Престольные палаты царя и царицы, входы и рундуки Парадных крылец). Художественная отделка и убранство помещений дворца служат основой интерьерной экспозиции. Она представляет собой живой музей, образное пространство, с которое погружены, наряду с реконструируемыми, аутентичные предметы из коллекции музея-заповедника: в интерьерах Крестовой палаты Хором царя и Молельне Хором царицы экспонируются подлинные иконы и предметы церковного убранства, в покоях царя и царицы и можно увидеть подлинные гобелены работы французских и фламандских мастеров XVII века – «Въезд Александра Великого в Вавилон», «Пир у Алкиноя и Ареты» и «Жертвоприношение Авраама»; уникальные предметы декоративно-прикладного искусства XVII –XVIII веков, возвращенные в естественную для них среду, из которой они были выхвачены в прошлом неодолимым водоворотом времени.

1.