Владимир Любаров, что называется, художник самобытный. Он известный книжный график, проиллюстрировавший более ста книг, среди которых Вольтер, Рабле, Гоголь, Стругацкие, Шолом-Алейхем, Зингер.

Одиннадцать лет он был главным художником журнала “Химия и жизнь”, а в начале перестройки организовал с группой писателей первое в России частное книгоиздательство “Текст”.  Работы Владимира Любарова находятся в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, российских частных коллекциях, а также в музеях и частных коллекциях многих стран мира.

Я не очень люблю его картины, мне они кажутся немного на грани китча, но эту картину очень люблю. От нее веет нежностью и трепетностью, а еще милосердием. Этого не так много сейчас в нашем окружающем мире...

Давно я не пополнял свою вирутальную картинную галерею. И сегодня я бы хотел представить картину выдающегося голландского художника Яна Вермеера (Vermeer, Jan) (1632–1675). Но это будет не "Северная Мона Лиза" - шедевр Вермеера "Девушка с жемчужной сережкой",  по мотивом которой в Голливуде сняли фильм. Я хочу вам представить другого Вермеера, метафизичного и необыкновенного художника, который мог запечатлялть время. И это картина "Маленькая улочка".

Моя старшенькая доча удостоилась принять участие в выставке "Моя Москва", посвященной истории Москвы. Ее картина "Казанский вокзал в XIX веке" был удостоен диплома участника. Я очень рад за Даню и очень ей горжусь!

Это сама художница

Это ее картина

Награждение участников

Картина на выставке

Живописные работы моей доченьки. Очень они мне нравятся, очень много интересных цветовых находок и идеи очень интересные.

Эта картина называется "Футуристический город"

Хочу вам сразу признаться - я не люблю сюрреализм, не смотря на то, что именно это направление в современной живописи дало искусству художников уникальных и гениальных. В отличии от абстракционистов, сюрреалисты великолепно передавали все детали художественных образов, даже искажая их. Но при этом часто сюрреализм - это искусство никто в никуда. Подсознательное, возведенное в религиозный символ, становящийся актом поклонения, как у Дали. 

Но есть и исключения из этого моего субъективного восприятия сюрреализма. И имя этому исключению - Рене Магритт.  Рене Франсуа Гислен Магритт (фр. René François Ghislain Magritte; 21 ноября 1898, Лёссин — 15 августа 1967, Брюссель) — бельгийский художник-сюрреалист. Известен как автор остроумных и вместе с тем поэтически загадочных картин. Он выделяется даже среди сюрреалистов.

И сегодня в моей виртуальной галерее я хочу представить шедевр Рене Магритта - картину "Потерянный жокей" 1948 года. Именно этот вариант для меня является абсолютным шедевром Магритта. А вот почему я так считаю - об этом читайте ниже, если заинтересовались .

Говоря о русском импрессионизме, нельзя пройти мимо такой колоритной и мощной фигуры, как Константин Коровин. Пожалуй, он, наравне с Валентином Серовым, и является и по духу, и по художественным средствам настоящим импрессионистом, близким к французским коллегам. Сегодня в моей виртуальной галерее картина Константина Коровина "Пристань в Гурзуфе", написанная в 1914 году.

Импрессионизм русской школы имеет ярко выраженную национальную специфику и во многом не совпадает с хрестоматийными представлениями об импрессионизме классическом, рожденном во Франции XIX века. В живописи «русских импрессионистов» доминируют предметность, материальность.

Сегодня в моей личной виртуальной галерее я вновь выставляю картину гениального испанского художника Пабло Пикассо "Знание и милосердие". В 1897 году Пикассо, следуя советам отца, пишет огромное полотно - 197 сантиметров в высоту и 249,5 сантиментров в ширину - в академической манере. Без сомнения, именно из уважения к отцу Пикассо, который даже того не понимая, прошлым летом открыл для себя экспрессионизм, написав один из лучших в испанской живописи портретов, портрет набожной и безумной тети Пепы, становится теперь гораздо консервативнее.

Рокуэлл Кент (1882-1971) - американский живописец, скульптор, график, писатель, и политический деятель – один из немногих американских художников, которые известны в мире. Кент - героическая, всеобъемлющая личность. Искусство для него было лишь одним из способов познания и созидания, а «романтический реализм», который он исповедовал, наилучшим образом выражал главную тему его творчества - Человек и Дикая природа перед лицом Мироздания. На картинах литографиях, и гравюрах на дереве Рокуэлл Кент чаще всего изображал суровые пейзажи, грандиозные явления природы.  Сегодня в моей виртуальной галерее не одна картина художника, а небольшая экспозиция этого плодовитого и ни на кого не похожего художника. 

Он вел неспокойную жизнь, и многое испытал на своем веку: работал чертежником в архитектурной компании, был иллюстратором в левом журнале «Массы», живописцем, краболовом, плотником на судне, вел молочное хозяйство на ферме. Кент и написал несколько книг и иллюстрировал их своими рисунками. Книга о приключениях на Аляске была издана в 1920 году. Потом были книги «Путешествие на юг от Магелланова пролива» (1924), «В диком краю» (1930), «Курс N by E»(1930), «Рокуэллкентиана» (1933), «Саламина» (1934), «Это мое собственное» (1940), «Это я, Господи!..», «Рокуэлл Кент» (1946), «О людях и горах».

Помниться, я уже писал о необоснованности претензий к художникам-авангардистам, что они, мол, рисовать не умеют.  Пикассо может служить иллюстрацией ложности и примитивности подобного утверждения. С юных лет он умел отразить на бумаге натуру с максимальным сходством с оригиналом. Талант, удачно попавший с рождения в творческую среду (отец самой яркой фигуры в живописи ХХ века был учителем рисования и декоратором), развился молниеносно. Мальчик начал рисовать едва ли не раньше, чем говорить.

Первую свою картину маслом – «Пикадор» (1889) Пабло написал в восьмилетнем возрасте и хранил ее при себе всю жизнь. Он рисовал постоянно, сохранилось огромное множество набросков на тему тавромахии (какой испанец не любит бой быков!), этюды из жизни местного населения. Отец начал привлекать сына к росписям интерьеров, поручая ему писать ножки голубей. Затем именно отец настоял на поступлении Пабло в Барселонскую Академию художеств «Ла Конха». 13-летний вундеркинд исполнил экзаменационный рисунок фигуры обнаженного натурщика за один день, хотя на создание его отводился месяц.

"Этюд к торсу" Пикассо нарисовал, когда ему было 11 лет

Сегодня в моей личной виртуальной галерее хочу представить картину, которую лично я считаю вершиной творчества раннего Пикассо, написанной им в "голубой период".  Это "Старый еврей с мальчиком" (1903).  "Голубой период", пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера: несмотря на все еще звучащие ноты влияний, мы уже имеем дело с проявлением истинной его индивидуальности.

Давно не открывал для вас двери своей искусствотеки. Настало время показать вам следующий шедевр моей виртуальной картинной галереи. На этот раз это будет картина моего любимого художника-импрессиониста Клода Моне "Красные лодки в Аржантёе", написанная в 1875 году.  Клод Моне художник удивительный даже среди импрессионистов. Он, пожалуй, самый плодовитый (что ему часто ставили в вину, считая, что он не любит дорабатывать свои картины) и яркий художник.

Художественное образование он получил в Париже (с 1859), занимался в студии Сюиса, некоторое время посещал мастерскую художника академической ориентации Ш. Глейра. В Салоне внимательно присматривался к полотнам К. Коро, Т. Руссо, Ш. Добиньи. Важное значение имело знакомство с молодыми живописцами, ищущими новых путей в искусстве: Базилем, Писсарро, Дега, Сезанном, Ренуаром, Сислеем. В их кругу зародилось ядро нового живописного направления, получившего впоследствии название «импрессионизм» от названия картины Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872, Музей Мармоттан, Париж; франц. impression — впечатление), которая экспонировалась в ателье фотографа Надара в 1874, на первой выставке импрессионистов. Клод Моне много работает на натуре, ему важно не просто запечатлеть пейзаж, бытовую сценку, а передать свежесть непосредственного впечатления от созерцания природы, где каждое мгновение что-то происходит, где окраска предметов непрерывно меняется в зависимости от освещения, от состояния атмосферы, погоды, от соседства с другими предметами, отбрасывающими цветные отблески — рефлексы. Чтобы воссоздать жизнь в ее непрестанных изменениях, художник работает под открытым небом, делая на пленэре не только этюды, но и завершая картины. В картине «Дамы в саду» (около 1865, Эрмитаж, Санкт-Петербург), залитой сияющим светом, белый цвет платья словно вбирает в себя все многоцветие природы — здесь и голубые блики, и зеленоватые, охристые, розоватые; столь же тонко разработан зеленый цвет листвы, травы.

Моне начинает работать рельефным мазком, передающим трепет листвы, мерцание солнечных бликов на воде, тени от скользящих по небу облаков: «Скалы в Этрета» (1886, Музей изобразительных искусств, Москва); «Луга в Живерни» (1888), «Поле маков» (1880-е, оба — Эрмитаж, Санкт-Петербург). Композицию художник сознательно строит таким образом, чтобы картина производила впечатление случайно выхваченного фрагмента из потока жизни («Бульвар Капуцинок», 1873, Музей изобразительных искусств, Москва).Моне создает серии, запечатлевая один и тот же мотив, в разное время дня: «Руанский собор в полдень» (1894); «Руанский собор вечером» (1894, оба Музей изобразительных искусств, Москва); контуры предметов, объемы начинают растворяться в световоздушной среде.

Добиваясь чистоты и звучности цвета, Моне избегает смешивать краски на палитре; чтобы передать нужный ему тон зеленой листвы, художник кладет рядом мазки желтого и синего, на расстоянии они сливаются, «смешиваются» в глазу зрителя, и листья кажутся зелеными и словно трепещущими на ветру («Стог сена», около 1886, Музей изобразительных искусств, Москва). Все эти новшества вызывали неприятие публики и критики. Картины импрессионистов не принимались в Салон, покупались за бесценок или не покупались вовсе. Моне жил долгое время в такой нужде, что не было денег ни на хлеб, ни на краски, и он подчас не мог закончить начатый холст. Свои последние работы — 14 больших декоративных панно «Нимфеи» («Водяные лилии», или «Кувшинки»), над которыми Моне работал начиная с 1918, — он завещал в дар государству: пейзажи с мерцающими водами, лилиями, серебристыми ивами и их зыбкими отражениями заполняют пространство двух овальных залов «Оранжереи» Лувра (Париж).

Так почему же я выбрал именно эту картину? Клод Моне был не просто художником, он был мыслителем-живописцем. Да, да, как это не парадоксально, ведь у него не было картин-аллегорий или сюжетных картин, лишь фрагменты жизни. Именно! Моне еще до появления кино смог запечатлеть на своих полотнах движение времени! Это было самое важное в его живописи - время и свет. И нет такого художника, который бы сделал это гениальнее, чем он!

Давайте посмотрим на картину "Красные лодки в Аржантёе". С этим сюжетом, как и обычно у Моне, существует не одна картина. В действительнocти его искусство не похоже ни на какoе другoе на протяжении всей истoрии живописи. Он смoг бы оставить потомкам подлинную картину сoвременнoгo мира, если бы продолжил писать людей. Он оставил это ради того, чтoбы запечатлеть бoлее cложные, волшебные и запоминающиеcя виды природы, в ореоле света. Его творчество одновременнo откровение и поэма, открывающее целый мир, доcеле не видимый никем.

Посмотрите внимательно на картину. А теперь закройте глаза и какое-то время не открывайте их, прислушайтесь к тому, что льется с полотна художника. А теперь откройте глаза и отойдите подальше и снова посмотрите на полотно. Что вы не просто видите, но и слышите? В этой картине ощущается состояние природы. Шелест листьев, изогнутые стволы деревьев, рябь на воде... Ослепительно яркое белое пятно паруса вдали... Блики...  Вы слышите как плещется вода о борта яхты, как скрипят снасти и прибой набегает на берег, пытаясь добраться до зеленеющей травы. В этом тайна великого искусства Клода Моне - это не просто застывшие картины жизни, его живопись подвижна, как само время, и если прислушаться, то вы можете услышать звуки, которыми с вами говорит Вселенная.

А сегодня я хочу представить абсолютный шедевр моей личной искусствотеки - картину гениального нидерландского живописца Питера Брейгеля (Старшего) "Охотники на снегу".  Репродукция этой картины висит на самом почетном месте у меня над рабочим столом.

«Охотники на снегу» (нидерл. Jagers in de Sneeuw) написана маслом по дереву в 1565 году. Является частью цикла из шести картин, изображавших времена года (пять из них, включая, «Охотников на снегу», сохранились). Этот цикл был задуман художником как иллюстрация к "Часослову". Картина находится в собрании Музея истории искусств в Вене.

В цикле времен года картина соответствует декабрю-январю.

Ярко-красная одноцветная картина Альфонса Алле, французского журналиста, писателя и художника, была названа «Уборка урожая помидоров на берегу Красного моря апоплексическими кардиналами».

В моей личной виртуальной галерее особое место занимают полотна великих импрессионистов. На этот раз я решил рассказать и показать вам картину Пьера Огюста Ренуара "Бал в Мулен де ла Гайет" (1876).  Реунар был великим певцом городской романтики. Эта картина была выставлена на 3-й выставке импрессионистов в 1877 году (вместе с картиной «Качели»), и она считается основной работой Ренуара середины 1870-х годов.

С 1879 года картина находилась в коллекции французского  художника Гюстава Кайботта (Gustave Caillebotte). После его смерти в 1894 году она перешла в собственность государства в качестве налога на наследство, а в 1896 году была передана в Музей в Люксембургском саду. С 1929 года картина находилась в собрании Лувра, откуда в 1986 году она была передана в Музей Орсе, где она и находится до сих пор.
 

Сюжет для картины «Бал в Мулен де ла Галет» художник нашел недалеко от своего дома, на улочке Корто, в ресторане «Мулен де ла Галет», который получил свое наз вание за вкусные галеты подававшие в этом заведении. Французский район Монмартр постепенно обрастал новыми кварталами. Владелец ресторана месье Дебре превратил его в ветряную мельницу, которая была последней на Монрмартского холме.

Танцевальный зал находился в большом деревянном сарае и был выкрашен в ярко-зеленый цвет. Во время хорошей теплой погоды все танцующие выходили веселиться на улицу, где стояли по кругу деревянные столы и лавки. В вечернее время по субботам и воскресеньям в ресторане собирались потанцевать швеи, приказчики из соседних магазинов, литераторы, молодые художники, начинающие актрисы и другие веселые девушки, проживавшие в этом районе. Ренуару нравилась непритязательная и веселая обстановка этой таверны. Здесь Ренуар сделал первые наброски картины. Атмосфера таверны вдохновила художника, который искал образы насыщенные светом, чтобы создать знаменитую картину «Мулен де ля Галет».

Чтобы на пленере писать фигуры людей, Ренуару приходилось выносить холст в сад, в котором лучи света, играя, проходили через зеленую листву деревьев, усыпая одежду всех присутствующих людей розовыми и голубыми бликами. Чтобы фигуры людей были более реалистичными, художник просил, чтобы его друзья позировали для этой большой картины. За одним столиком сидят три лучших друга художника: Жорж Ривьера, Фран-Лами и Генетт. Пара, которая сидит с левой стороны – это Карденас и испанский художник Дон Педро Видаль де Соларес и любимая натурщица Леграна – Маргарита Легран. В толпе танцующих людей можно увидеть журналиста Поля Лота, художника Фредерик Корде, живописца Анри Жерве. В центре картины изображены две родных сестры – Жанна и Эстель, которых художник нашел на Монмартре.

Критики считали, что никому до автора этой картины не пришло в голову нарисовать на полотне такого большого размера кусок повседневной жизни и это действительно отважный поступок, который был вознагражден за заслуженный успех. Но были такие критики, которые называли картину несуразицей.

Для меня эта картина образ того, что в жизни очень много красок и радости, все зависит от твоего взгляда на него. Даже в повседневности можно найти много яркого и сказочного!

Следующий бриллиант в моей коллекции - это картина гениального нидерландского художника Питера Брейгеля Старшего (ок. 1525—1569) "Падение Икара" (1558). Таинственна жизнь и судьба Брейгеля. До сих пор исследователи ищут одноименную фантастическую деревушку, якобы давшую имя юному бродяге, который (за двести лет до нашего Ломоносова) пришел за мифическим рыбным обозом в Антверпен и, поздно приступив к наукам и художествам, вскоре блистательно всё наверстал. Учился у знаменитого и преуспевающего Питера Кука Ван Альста – придворного художника императора Карла V. В его богатом доме, полном книг и заморских редкостей, безродный бедняк приобщился не только к живописи, но и обрел интересных мыслящих друзей. Сильнее их уроков действовали на него только острые впечатления от окружающей жизни, вместившие в себя и трезвый скепсис, и безудержное фантазерство.

В «Падении Икара» в основе также лежит иносказание: мир живет своей жизнью, и гибель отдельного человека не прервет его коловращения. Но и здесь сцена пахоты и прибрежная панорама значат более, чем эта мысль. Картина впечатляет ощущением размеренной и величественной жизни мира (она определяется мирным трудом пахаря и возвышенным строем природы). И все же "Падение Икара" - проповедь самого художника. Это его притча о бесконечном равнодушии человека к окружающему миру. Эту идею он продолжает во многих своих работах, но все же именно здесь она достигает совершенства.

Чтобы понять основную идею полотна для начала нужно найти самого Икара. Нашли? При первом взгляде на картину у зрителя возникает вопрос: «Почему она так называется». Ведь перед зрителем разворачиваются картины мирной трудовой жизни: вот пахарь идет бороздой, следом за своей лошадкой, чуть в стороне от него пастухи среди овечьего стада обсуждают какие-то свои заботы, над морской гладью развеваются паруса торгового судна, а вдалеке рыбаки закидывают свои сети. Картина полна покоя и умиротворения. Эти люди живут в вечном ритме земледельческого труда, им доступна гармония жизни, они чувствуют силу и власть земли и природы. А теперь присмотритесь: справа от корабля, ближе к берегу, из воды выглядывают ноги человека и над ними кружатся пух и перья. Это все, что осталось от дерзкого Икара, воспарившего к самому солнцу. Его поглотила морская пучина. Но в этой картине нет и тени издевки над героем античных времен. Она отражает изменение мира и его восприятия. Мир изменился — из маленького замкнутого пространства он превратился в необъятный космос.

Еще одна картина из моей личной виртуальной галереи - это гениальное полотно Винсента ван Гога "Прогулка заключенных" (Пушкинский музей, Москва) , написанная в феврале 1890 года. Эту картину я увидел в Пушкинском музее изобразительных искусств. До этого видел в репродукциях и ничего особенного не испытывал. Впервые, увидев подлинник, я простоял у нее около 30 минут и комок подступил к горлу.  Это удивительная и сильная картина, символизирующая жизнь современного человека, лишенного веры.

На картине изображён колодец маленького и тесного тюремного двора, на котором по кругу обречённо движутся заключённые. Картина выполнена в сине-зелёной гамме. В конце декабря 1888 года у Ван Гога произошёл первый приступ душевной болезни, вскоре припадки стали повторяться, и он добровольно отправился в психиатрическую лечебницу Святого Павла, которая располагалась в бывшем августинском монастыре Сен-Реми неподалёку от Арля. В лечебнице Ван Гог провёл с мая 1889 по май 1890. Директор этой лечебницы — доктор Пейон и брат Ван Гога — Тео старались создать художнику все условия, чтобы он мог работать.

Находясь в больнице, Ван Гог не мог рисовать с натуры, поэтому он начал использовать литографии, гравюры и чёрно-белые репродукции других художников в качестве натуры для своих произведений. В частности, в этот период он делает копии с гравюр Милле, Рембрандта, Делакруа и Домье. Однажды он просил брата Тео прислать ему гравюру «Каторга» Регаме, но, видимо, Тео не смог достать её, и ван Гог начал работу над картиной по сюжету гравюры «Острог» Гюстава Доре, сделанную для книги Б. Жерральда «Лондон» (1872). На гравюре Г. Доре изображен шестиугольный двор Нью-Гейтской тюрьмы, в котором происходит так называемый «парад заключенных». Суть этого «парада» заключалась в том, что преступников много раз проводили перед сыщиками, чтобы те могли хорошо запомнить их лица.

Ван Гог всегда любил Г. Доре и серию эту хорошо знал. Его картина "Прогулка заключенных" почти буквально воспроизводит композицию Г. Доре, правда, это "почти" сделано "чуть-чуть иначе", и это "чуть-чуть" превращает гравюру в художественную картину. На полотне Ван Гога зритель видит совсем иное действие, которое у него происходит в прямоугольном, даже трапециевидном, дворе. Задняя стена этого двора стала гораздо уже, чем у Г. Доре, так что боковые стены стиснули человеческий круг. На дне этого каменного колодца бессмысленно и безвольно, как заведенные механизмы, бредут по замкнутому кругу люди. Их взбудораженные тени в беспорядке ложатся на плиты двора, и от этих теней камни словно начинают шевелиться, а окна, как живые, тупо взирают со стен.

Картина стала своеобразной терапией Ван Гога. Все фигуры на ней написаны очень схематично и лишь центральная фигура написана ярко, художник в ней изобразил самого себя. Это единственный человек, который идет с высоко поднятой головой. Он не смирился с тем привычным ходом жизни, на который обречен человек, лишенный веры. В стороне стоят три фигуры, и, не смотря на то, что они не являются заключенными, они также находятся в тюрьме. Но я не считаю это полотно мрачным. Наоборот, в нем столько жизни и воли к ней, что она поражает до глубины души. Поражает и его сильный диагноз обществу - люди, лишенные веры, обречены на жизнь без надежды, не в силах посмотреть вверх, как утверждал сам художник, туда "где порхают бабочки".

Следующее полотно в моей галерее - это "Вэрик" (англ. Varick) Алекса Каца.

Гениальное произведение американского художника. На широком полотне в черноте ночи видна лишь линия из шести освещённых окон, предположительно какого-то офисного здания или промышленного концерна. Кроме них, на картине нет больше ничего. Пять окон расположены в ряд, а крайнее правое под углом к ним, на другой стороне здания. В каждом из окон видны ртутные лампы, некоторые из окон освещены ярче других. Разница освещения позволяет предположить, что за окнами находится несколько помещений. Можно подумать, что кто-то один, или, может быть, несколько человек работают внутри офиса. Но что же является главным предметом этой картины — окна или ночная тьма? Что важнее — маленькая вспышка человеческой деятельности или необъятная темнота, окружающая её? Мир огромен и полон неизвестности, а промышленная и научная деятельность так мала в нём. Кац не даёт ответов.

Для того, чтобы понять, что может символизировать это полотно для вас - прочтите шикарный рассказ Тима Скоренко "Вэрик"

Открываю новую рубрику "Моя искусствотека". Здесь я буду рассказывать про те картины, которые меня поразили и стали одними из любимых. Сегодня я хочу представить вам гениальную картину финского художника Хуго Симберга "Раненый ангел". Это будет моя личная галерея.

Симберг написал «Раненного ангела» в 1903 году, но настоящее признание пришло к художнику лишь после смерти, когда осенью 2006 года, по инициативе национальной галереи «Атениум», ко дню независимости Финляндии, жителей страны попросили в течение 6 недель проголосовать за их любимую картину, наиболее соответствующую финскому духовному началу. Конкурс, который первоначально задумывался как пиар-ход по привлечению новых зрителей в галерею, тогда вызвал споры на уровне руководства страны.

Картина Хьюго Симберга «Раненый Ангел» была избрана художественным символом Финляндии 1360 голосами из общего количества 10000 (голосование проводили как в самом музее, так и через интернет). Результат этого голосования поставил в тупик искусствоведов, считавших, что символистское полотно слишком сложно для подобной популярности. Респонденты же отвечали, что сложного ничего нет и описывали «Раненого Ангела», как прекрасное и взывающее к раздумьям произведение искусства.  Уникальность этой картины в том, что зритель сам должен стать сотворцом полотна и вложить свой смысл в ее сюжет. Что я вам и предлагаю сделать.