Ж.-Э. Лиотар.La belle chocoladiere

Жан-Этьен Лиотар

Шоколадница, ок. 1743—45
La Belle Chocolatiere, Das Schokoladenmadchen
Пергамент, пастель. 82,5?52,5 см
Галерея старых мастеров, Дрезден

Три грации
1504 год. Музей Конде, Шантильи.

Raffaello Santi. Рафаэль

Искусство Италии 16 века. Высокое Возрождение.
Картина Рафаэля Санти «Три грации» создана художником в молодые годы. Размер картины 17 x 17 см, дерево, масло. Картина, скорее всего, является парной к другой работе художника «Сон рыцаря». В картине «Три грации» сам композиционный мотив трех обнаженных женских фигур заимствован, по-видимому, с античной камеи. И хотя в этих произведениях художника («Три грации» и «Сон рыцаря») еще много неуверенного, они привлекают своей наивной прелестью и поэтической чистотой. Уже здесь раскрылись некоторые особенности, присущие дарованию Рафаэля, — поэтичность образов, чувство ритма и мягкая певучесть линий. И, что самое поразительное, уже в своих первых работах юный Рафаэль обнаруживает качества художника Высокого Возрождения — они сказываются в особой гармоничности образов, в концентрированности изобразительного решения, в словно инстинктивном чувстве художественного отбора и в классической ясности композиции.

Три грации
1634. Музей Прадо, Мадрид.

Rubens Peter Paul. Рубенс Питер Пауль

Живопись эпохи барокко
Картина фламандского художника Питера Пауля Рубенса «Три грации». Размер картины 221 x 181 см, дерево, масло. С 1630-х годов начался поздний период художественной деятельности Рубенса. Пресыщенный славой и почестями, живописец ушел с дипломатической службы, отказался от официальных заказов и проводил большую часть жизни в загородном замке Стэн. Рубенс стал нередко писать картины небольшого формата, несущие отпечаток его личных переживаний. Восприятие мира художником стало глубже, спокойнее. Композиции приобрели сдержанный и уравновешенный характер. Рубенс сосредоточил внимание на живописном совершенстве своих картин: колорит утратил многоцветность, стал обобщенным. Эти последние десятилетия творчества Рубенса представляют вершину его художественного развития. Рубенс обратился к изображению народной жизни, писал пейзажи, портреты своих близких, жену, детей, себя в их окружении, особенно удаются ему образы детей: «Портрет Елены Фаурмент с детьми» (1636, Лувр, Париж). Часто в произведениях Рубенса стали звучать откровенно-интимные ноты. Так, в картине «Три грации» художник изобразил свою молодую жену Елену Фаурмент в образах античных богинь.

Альбрехт Дюрер выразил лучшие достижения немецкого Возрождения с особой глубиной. Он родился в 1471 году в Нюрнберге, в семье золотых дел мастера. Художественная и гуманистическая среда окружали Альбрехта с самого детства, он рано осознал себя художником.


Дюрер много путешествовал как по самой Германии, так и за ее пределами. Многократные путешествия в Италию позволили художнику познакомиться со всеми ее художественными достижениями, чтобы, переосмыслив, применить их в собственных произведениях. К жанру автопортрета Дюрер обращается на протяжении всего своего творчества. Его первым автопортретом можно назвать рисунок, выполненный в тринадцать лет и изображавший рано повзрослевшего ребенка с широко открытыми глазами. В двадцать два года художник пишет свой первый живописный автопортрет. Юность, занятая самоанализом, - таким он выглядит на портрете, в котором уже полностью обрел уверенность в себе и своих силах. Этот портрет исполнен в Страсбурге, по-видимому, тогда, когда родители призвали художника вернуться в Нюрнберг для женитьбы. Об этом говорит надпись, выполненная на портрете: «Мои дела пойдут так, как предсказано свыше». Ветка остролиста, которую юноша держит в руках, символизирует желание; именно в этом значении она использовалась в последующих работах художника. Мазок в этой работе Дюрера свободнее, цвет более нюансирован, чем в более поздних произведениях. Холодные полутона, столь осязаемо моделирующие форму, словно поддерживают чувственную полноту самосознания автора. Можно сказать, что это самая французская из всех работ художника. Лувру повезло, когда в 1922 году предсвадебный автопортрет Дюрера был куплен для его коллекции.

 

    Самым крупным из всех голландских живописцев XV века был, безусловно, Ян ван Эйк. Он по праву считается основателем жанра светского портрета в Нидерландах. Художник много ездил по Европе, служил у Иоанна Баварского, работал в Гааге, Брюгге, путешествовал по Испании. В 1425 году он стал придворным живописцем Филиппа Доброго - герцога Бургундии. Там им и была написана одна из замечательных картин, вошедшая в историю искусства как «Мадонна канцлера Ролена». В коллекцию Лувра она поступила в 1800 году.

Ван Эйк использовал в своих работах образы реальных людей, явив миру первые образцы портретного искусства. И это полотно правильнее было бы назвать портретом всесильного канцлера бургундского двора Николаса Ролена, хотя на картине присутствует и Мадонна с Младенцем Христом. Канцлер Ролен повернут к Мадонне, причем обе фигуры находятся почти на одном уровне и почти одинаковы по размеру. Жест Младенца направлен к Ролену. Они представлены как партнеры, знакомые друг другу, и потому внимание между ними распределено равномерно. В этом проявилось новое отношение художника к человеку, новое понимание его места в мире. Хотя сдержанная поза и молитвенно сложенные руки придают фигуре Ролена некоторую скованность, это не мешает художнику достичь поразительной жизненной правды и целостности образа. Позади Мадонны и канцлера, за резными колоннами из яшмы и агата, виден пейзаж. Лентой извивается река, уходящая к горизонту. Лодки и барки плывут по воде, омывающей острова и заросшие лесом берега. Голубоватые горы закрывают горизонт. На берегах реки раскинулся большой город. По его узким улочкам снуют люди в разноцветных одеждах. Неповторима каждая деталь пейзажа, все говорит о восторженном отношении художника к миру. Изображение столь правдиво, что зритель чувствует себя как бы побывавшим в этом городе.
 

       'Природа наделила его телом, выдающимся своей стройностью и осанкой и вполне соответствующим в нём благородному духу… Он имел выразительное лицо, сверкающие глаза, нос благородной формы,…довольно длинную шею, очень широкую грудь, подтянутый живот, мускулистые бедра, крепкие и стройные голени. Но ты бы сказал, что не видел ничего более изящного, чем его пальцы. Речь его была столь сладостна и остроумна, что ничто так не огорчало его слушателей, как её окончание'.
Иоаким Камерарий, современник Дюрера

                                                                                      А. Дюрер. Автопортрет. 1498

Представьте себе стадо приматов в доисторические времена. Еще нет никаких предметов быта. Но уже какое-то сознание пробуждается: топоры, копья, иглы и прочая проникают в жизнь. А посуда? Когда она появилась? Не зря археологи собирают черепки – они пытаются выяснить, когда глина начала служить человечеству. А из чего приматы пили в дочерепковые времена? Глины нет, нет посуды, а из ладошки неудобно: много не наберешь и проливается. Кто-то однажды черпнул воду черепом съеденного собрата. И началось: они начали делать чашки. Слегка подрубил черепок – и готово (заметили, что происхождение слов «череп», «черпать» – от «черепка»; хотя, может быть, и наоборот). 

Обычай делать питейные сосуды из черепов держался очень долго (а где-то в дикой Африке, вероятно, он существует до сих пор). И объяснялось это не столько отсутствием другой посуды – уже была и глиняная, и медная, и серебряная, – а желанием продлить ощущение победы над противником, чувство торжества!

История, которую нам поведал Рубенс в своей картине «Альбоин и Розамунда», как раз восходит к такому обычаю.

В центре – стол, за столом сидит женщина в богатом одеянии, шитом золотом, в высоком коническом головном уборе. Это – царица Розамунда. Перед ней на коленях – другая женщина, она протягивает поднос, на котором стоит кубок. Мужчина в красном с подобием короны на голове – это царь Альбоин. Он показывает пальцем на кубок, в его лице и позе можно увидеть некоторую настойчивость, даже угрозу. Розамунда как бы отшатывается назад и отталкивает кубок от себя.

Рубенс. Обнаружение Ахилла среди дочерей Ликомеда

Ахилл – сын Фетиды, морской нимфы – дочери морского бога. Единственный сын. И любимый. И поскольку это соединилось в одном, то мамочка очень хотела, чтобы сын был бессмертным. И делала для этого все, что могла. Сначала она его (по одному из вариантов мифа) окунула в кипяток – проверить, выживет ли. Может быть, она только пыталась это сделать, и его отец – Пелей – отнял младенца и подарил ему таким образом жизнь. 

По другому варианту – Фетида спустилась в подземное царство и окунула Ахилла в воду. Такое омовение должно было дать неуязвимость против оружия. Фетида держала сына за пятку, и пятка осталась неомытой. Таким образом, Ахилл был весь как бы покрыт броней, и только пятка... Фетида не обратила на это внимание, в результате это место осталось незащищенным, слабым (отсюда выражение «Ахиллесова пята», то есть слабое место).

Портрет М.И.Лопухиной

1797г, холст, масло,72 x 55,5 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва 

И.Е.Репин (1844-1930)

Не ждали

1884г., холст, масло,160.5x167.5 см,
Государственная Третьяковская галерея, Москва

На картине изображен момент неожиданного возвращения домой политического ссыльного и различная реакция домочадцев. Репин неоднократно переписывал лицо ссыльного, стремясь передать выражение неуверенности и сомнения человека, вернувшегося спустя годы в прежний мир.

К. Брюллов(1794-1881)

Портрет графини О.И.Орловой-Давыдовой с дочерью

1814-1876

К. Брюллов(1794-1881)

Всадница

1832г,холст, масло, 291,5х206 см.
Государственная Третьяковская галерея, Москва 

В последние годы первого пребывания в Италии, в1932г К.Брюллов написал знаменитую "Всадницу", грациозно сидящую на великолепном скакуне. Скромную воспитанницу графини Ю.Самойловой - Джованину, художник осмелился изобразить так, как до него изображали только титулованных особ или прославленных полководцев. 

Задумав написать «Всадницу», Брюллов поставил перед собой задачу создать большой конный портрет. В нем он использовал мотив прогулки, позволившей передать фигуру в движении.

На всем скаку останавливает всадница разгоряченного коня. Уверенная ловкость амазонки вызывает неподдельное восхищение у подбежавшей к балкону маленькой девочки, как бы призывая зрителя разделить ее восторг.
Возбуждение передается лохматой собаке ожесточенно лающей на вздыбленного коня. Взволнован и пейзаж с накренившимися от пробежавшего ветра стволами деревьев. Тревожно по небу бегут перистые облака, беспокойными пятнами ложатся на землю пробивающиеся сквозь густую листву лучи заходящего солнца.

Леонардо да Винчи

Благовещение

(~1472-1475) масло и темпера на дереве, 78x219cм
Галерея Уффици Флоренция, Италия.

В этой большой картине Леонардо основывался, главным образом, на иллюстрированных Библиях 15-ого столетия:
Архангел Гавриил становится на колени в саду Девы, ( Лука 1.26-38) которая получает его известиеи узнает, что она выбрана, чтобы родить Сына Бога. 
Сцена справа- соответствует архитектуре того времени.
Средняя часть огорожена низкой стеной, достигающей высоты колена, с маленьким открытием в центре. Это открытие, которое служит фоном жесту приветствия Гавриила, с лилией в левой руке, (символ чистоты Марии) также, показывает дорожку, исчезающую вдали. Видны острые силуэты деревьев и гор, на фоне пылающего неба. 
Именно Леонардо, первый показал эту библейскую сцену не в закрытом помещении, а использовал мастерски выполненный пейзаж, усиливающий впечатление от картины. 

Работа прибыла в Галерею Уффици в 1867 из монастыря Сан Бартоломео (Monteoliveto), около Флоренции. До 1869 она считалась работой Доменико Гирландайо. Потом учёные пришли к выводу, что это ранняя работа Леонардо, 1472-1475гг. когда он ещё был учеником Верроккио и работал в его мастерской. 

Пейзаж не считался в Италии самостоятельным жанром. Леонардо первым стал придавать ему большое значение. Родившийся и до четырнадцати лет росший в живописном местечке Винчи, он очень тонко и глубоко чувствовал природу – даже сказал однажды, что только она и может быть «наставницей высших умов». 

Неудивительно, что действие его первой самостоятельной картины происходит на фоне великолепного тосканского пейзажа. Священная сцена показана в саду флорентийского дворца, на фоне пейзажа, который создан горами, водой и небом, волшебной и нереальной атмосферой. Такой фон определяет художника во многих работах. 

Индивидуальность Леонардо чувствуется также в складках одежды Девы и Ангела. На многих эскизах он учится передавать естественное падение складок. Мраморный стол, вероятно указывает на могилу Пьеро и Джованни Медичи. в церкви Сан Лоренсо, которую Верроккио оформлял скульптурой в этот период

Портрет Джованны Торнабуони

                                                              Доменико Гирландайо  

                                                                                                                              1488

Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид

Доменико Гирландайо (1449—1494) — художник Раннего Возрождения, точнее — перехода от Раннего к Высокому, еще точнее — художник упадка кватроченто, как называется итальянский, особенно флорентийский XV век.

Уильям-Холман Хант
Светоч мира [1856]

В 1850-х годах в Европе все еще продолжалось противостояние сторонников старого академического искусства, считавших этот проверенный путь единственно возможным, и тех, кто не просто мечтал о новом искусстве, но не боялся творить по-новому. Среди таких «мечтателей» были молодые художники-символисты, назвавшие себя «Братством прерафаэлитов». Несмотря на критику, которую обрушивали на них «академики», непонимание и обвинения, прерафаэлиты продолжали выставлять картины, наполненные глубокой символикой, которая прежде всего была обращена к душе человека. Вот что писал о них историк искусства Рихард Мутер: «Прерафаэлиты были первыми в Европе, кто восстал против традиций, проник в природу формы и цвета, проявил свой личный взгляд на природу. Они — первые поборники свободы в современном искусстве».

В 1856 году на Выставке британского искусства в США художник-прерафаэлит Уильям Холман Хант представил свою картину «Светоч мира». Картина не соответствовала общепринятым стандартам, ее цвета были чересчур яркими, сюжет неканоническим — однако она сразу произвела впечатление и стала одной из самых любимых у зрителей. Правда, мало кто осмелился тогда признаться в этом...

Сюжет картины довольно прост. Глубокой ночью, когда все спят, Иисус со светильником в руке идет по миру и стучится в двери домов. Яркий свет светильника подчеркивает мрак и темноту окружающей ночи. «Се стою у двери и стучу. Если кто услышит Мой голос и отворит дверь, войду к нему, и буду вечерить с ним, и он со Мною» — Хант специально пишет на раме эти слова из Откровения Иоанна Богослова, чтобы каждый сумел «услышать» смысл его работы.

Позже художнику пришлось сделать увеличенную копию картины для собора Святого Петра в Лондоне (оригинал находится в Кебл-колледже в Оксфорде), а еще позже изображение Христа со светильником в руке, напечатанное на открытках и постерах, появилось повсюду...

Особое значение Хант вложил в светильник в руках Иисуса. Художник очень долго искал нужную форму, размеры, делал несколько макетов, экспериментировал на открытом воздухе при разном освещении и в конце концов нашел то, что нужно. Если приглядеться, то отверстия светильника разные, и каждое из них символически представляет одну из мировых религий. Отверстия разные — но их объединяет один Свет. Точно так же как множество религий и молитв, произносимых на разных языках, объединяет одно чувство Веры, одна связь — с Небом. Неслучайно именно с этим Светом Иисус приходит к людям.

В письме к своему другу Уильяму Беллу Скотту Хант писал: «Я был побужден к созданию этой картины некой божественной волей».

Наверное, не стоит задаваться вопросом, почему эту работу полюбили тысячи людей разного возраста, разных взглядов на жизнь. Некоторые восприняли ее просто как хорошо и грамотно написанное полотно с правильным расположением света и тени. Но для большинства она стала своим светочем в ночи, символом надежды на то, что, когда наступают темные времена, всегда есть те, кто продолжают нести свет веры и не устают стучать в дверь.

Диего Веласкес  Венера с зеркалом.

(ок. 1648)
123 x 177 см
Национальная галерея, Лондон

Во времена Веласкеса обнаженная женская натура была очень редким гостем в испанской живописи. Объясняется это просто - подобные «греховные» сюжеты осуждались Святой Инквизицией. Известно, однако, что Веласкес, помимо представленного полотна, написал еще ряд ню. Ни одна из этих работ, к сожалению, не сохранилась. Поэтому картина Диего Веласкеса «Венера перед зеркалом» при жизни художника не была популярна. Конечно, она была известна в узких кругах, но признание получила лишь спустя время.

Первое упоминание об этой картине относится к 1651 году. Создать ее Веласкес мог как сразу после возвращения из Италии, так и во время своей второй поездки туда. В работе ощущается сильное влияние итальянской школы (и в первую очередь, творчества Тициана). Вместе с тем собственно «божественного» в героини полотна мало. «Картина изображает обнаженную женщину, - описывал свое приобретение первый ее владелец, - лежащую на ткани спиной к зрителю, облокотившись на правую руку, и глядящую на себя в зеркало, которое держит перед нею ребенок». В этом свидетельстве нет даже намека на мифологический сюжет.

Венера, богиня любви, была самой красивой из богинь, и считалась олицетворением женской красоты. Она показана здесь со своим сыном Купидоном, который держит зеркало для нее, чтобы посмотреть, как на себя и на зрителя.Зеркало обрамлено массивной, выделяющейся, чёрной рамкой. Насчёт зеркала выдвигаются разные теории. Вообще, Веласкес, нередко использует зеркала в своих картинах, чтобы добиться определённого воздействия на зрителя.

Отражение лица в зеркале туманно, размыто. Лицо выглядит совсем не так, как его ожидаем увидеть. Женщина в зеркале старше, чем та, которую мы видим повернутой спиной и чье тело дышит юностью.

Молодое тело, отражение зрелой женщины, маленький сын — Купидон. Куда смотрит женщина? По одной теории Веласкес, таким образом, показывает связь между старостью и молодостью. На что нужно обращать внимание? На потомство, в котором продолжается жизнь и красота, которая так временна?

По другой теории, зеркало - это разграничитель мира реального и мира фантазий (красота)

«Венера с зеркалом» — единственное сохранившееся изображение обнажённого женского тела кисти Веласкеса. До 1813 года картина хранилась в частных коллекциях в Испании, потом была перевезена в Йоркшир. В 1906 году она была куплена Фондом национальных коллекций (The National Art Collections Fund) для Лондонской Национальной галереи.  В 1914 году с картиной приключилось несчастье. Суфражистка* Мэри Ричардсон, пройдя в музей с мясным тесаком, семь раз ударила им по картине (в область тела нарисованной Венеры). Потом в интервью она заявила следующее: «Я пыталась уничтожить картину самой красивой женщины в мифологии в знак протеста против ареста госпожи Панкхерст, самой прекрасной личности в современной истории», позже она добавила ещё, что «ей не нравилось, как посетители музея целый день смотрят на это». За своё ужасное действие, совершённое, на мой взгляд, истеричной и обделённой мужским вниманием (а иначе, как объяснить такой негатив к красивому телу?), Мэри Ричардсон, дали полгода тюрьмы.А картина была полностью реставрирована и возвращена в галерею, где находится и по сей день.

Свои названия - «Венера и Купидон» и «Венера с зеркалом» - эта работа получила, когда находилась в английском поместье Рокеби Парк, в графстве Йоркшир. В 1906 году ее приобрела лондонская Национальная галерея. После этого вошло в обиход еще одно название этого шедевра - «Венера из Рокеби».

Эдуард Мане
Олимпия
1863г., холст, масло,
Музей д' Орсей, Париж

Джон Эверетт Миллес "Мариана" (1851)

«Мариана» основана на пьесе Шекспира «Мера за меру», в которой Мариана должна была выйти замуж за персонажа по имени Анджело, но была отвергнута, так как её приданое оказалось утеряно в результате кораблекрушения. Девушка ведёт одинокую жизнь, до сих пор тоскуя о своём возлюбленном. Впрочем, в конце пьесы Анджело, наиболее из самых отрицательных персонажей, совершивший настоящее преступление против писаных и неписаных законов.всё-таки женится на Мариане.

Когда полотно Милле впервые появилось на выставке в Королевской Академии художеств, оно сопровождалось строчкой из стихотворения Альфреда Теннисона «Мариана»: „Он не придёт“,- говорила она.

She only said,
'My life is dreary,
He cometh not,' she said;
She said, 'I am aweary, aweary,'
I would that I were dead!'

Значение

В творчестве художников-прерафаэлитов викторианская идея о слабой и кроткой женщине трансформировалась в идею о женщине-жертве, причём часто в контексте нереализованного сексуального желания и чувственности.] Мариана у Милле стоит в позе, выражающей не только печаль и скорбь, но и чувственное желание.

Эта картина наглядно показывает, насколько со временем изменились идеи прерафаэлитов, которые начинали как религиозные художники и боролись за возвращение к искренности и простоте раннего итальянского искусства. Критик Джон Рёскин писал, что «самым показательным… из произведений [прерафаэлитского движения] оказался не образ Марии, принимающей Благую Весть, а образ потягивающейся Марии, уставшей от отсутствия новостей»

Диего Веласкес
(1599-1660)
Менины

1656-57 г., холст, масло,318 x 276 cм
Музей Прадо, Мадрид, Испания

Картина "Менины" всеми признанный шедевр художника. При описании работ Веласкеса в 1666г она называлась "Королевская семья", "Семья Фелиппа IV ". Современное название "Las Meninas" она получила в девятнадцатом столетии. Cлово — менина (фрейлина) имеет португальское происхождение.

Работая над полотном "Менины", художник как бы вспоминал весь свой путь придворного портретиста, и создавал картину о том, как пишут картину.
Мы видим, судя по отражению в зеркале, как король и королева, в напряженных позах позируют художнику, который внимательно всматривается в них, стоя перед мольбертом.

Пространственная структура и расположение фигур - таковы, что как зрители мы можем находиться со стороны группы менин (фрейлин) вокруг Инфанты, вглядываясь а королевскую чету Мы можем стоять и напротив, со стороны Филиппа IV и его жены, рaссматривая изящную, как куколку, инфанту и склонившихся к ней двух фрейлин.
В картине живут еще и карлица-уродка, и с ожесточением наступающий на собаку карлик.

Но это все второстепенное, главное это серебряное сияние, которое исходит от центральной группы, и удивительное ощущение воздушного пространства, заполняющего помещение.Вся картина дышит гармонией, ощущением прикосновения к прекрасному.

Существует легенда, что Веласкес очень долго добивался ордена Сант-Яго, дававшего большие привилегии и присваивавшегося только самой родовитой знати. Художник буквально погряз в собирании необходимых для этого документов.

Когда работа над "Менинами" близилась к завершению, король взял у маэстро кисть и нарисовал на его камзоле знак кавалера ордена Сант-Яго: мол, настоящее искусство выше грамот о древности рода

Мадонна с младенцем под яблоней

                                                                                  1520-1526. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

                                                                                                Lucas Cranach. Лукас Кранах Старший,

ДОСКА, МАСЛО.
РАЗМЕРЫ: ЦЕНТР. ПАНЕЛЬ 138-153. БОКОВЫЕ СТВОРКИ 138-70
Старая пинакотека.Мюнхен
из коллекций БУАССЕРЕ, СОБСТВЕННОСТЬ Виттельсбахер Аусглейхсфондс Мюнхен.
Эта работа - один из самых выдающихся шедевров зрелого периода творчества художника; первоначально она находилась в небольшой капелле церкви Св.Колумбы в Кельне.В центре- ПОКЛОНЕНИЕ ВОЛХВОВ