Регистрация на www.creativejournal.ru

_______________________

Для перехода к статье нажмите на скриншот

 

Регистрация на www.creativejournal.ru

_______________________

Для перехода к статье нажмите на скриншот

 

Anton_Pic все записи автора

Хотелось бы посвятить этот пост прекрасному и талантливому художнику-аниматору, режиссеру-мультипликатору - Ральфу Бакши (Ralph Bakshi), человеку, который создал мультфильмы "Огонь и Лед", "Властелин колец" и, конечно же, знаменитую "Поп-Америку" (American Pop). За этот мультфильм я бы лично обнял старика и пожал ему руку.

American Pop (1981)
 



В "American Pop" показывается история четырёх поколений семьи, иммигрировавшей в Америку из России (тогда ещё Российской империи). Параллельно показывается история популярной американской музыки.
При съёмках фильма, Бакши использовал технологию ротоскоп, при которой фигуры всех персонажей срисовываются с живых натурщиков.

Ralph Bakshi >>>

Anton_Pic все записи автора

Красивая и необычная видео зарисовка Москвы, снятая техникой slow motion (замедленно в 15 раз), от режиссера Андрея Стволинского.
Настоятельно рекомендую к просмотру.

'Slow Moscow'

 

ОляСтас все записи автора Wikipedia определила фотографию как "технику рисования светом, светопись: получение и сохранение статичного изображения на светочувствительном материале (фотопленке или матрице) при помощи фотоаппаратуры, фотокамеры."


"Человек во все времена пытался выразить и передать то, как он воспринимает мир окружающим его людям. Фотография дает возможность сделать мгновенный слепок того, что происходит вокруг.
Плоское изображение может нам передать и глубину чувств и глубину объема. Игра с экспозицией передает динамику происходящего. Игра света позволяет делать более выразительные снимки. Ну а программы обработки изображений позволяют довести фотографию до такого уровня, что начинает “захватывать дух”." - источник - http://shamkovel.ru/

Фотография для каждого - нечто свое, неповторимое. Для одних это простое изображение действительности, когда фотоаппарат нужен только для того, чтобы запечетлеть моменты жизни, будь то отдых, праздники и что-либо другое. Для других - целая история, сложная, требующая много сил и желания.



Жанры фотографии:
Натюрморт
Портрет
Пейзаж
Обнажённая натура (Ню)
Автопортрет

Смотреть дальше

Сайты о фотографии:
http://www.fotomask.ru/
http://www.photoline.ru/
http://bigfoto.ru/
http://www.photosight.ru/
http://www.digital-photo.ru/
www.artandphoto.ru/
http://all-photo.ru/ - хороший сайт
http://www.amd-photo.ru/




Владимир Глынин - модный русский фотограф


Смотреть дальше



Ellen von Unwerth - мой любимый фотограф

"Revenge"


Cмотреть дальше


Felix Baumsteiger - http://www.felixbaumsteiger.com/



Смотреть дальше


Вот такая вот она разная - ФОТОГРАФИЯ.

ОляСтас все записи автора МУНК, ЭДВАРД (Munch, Edward) (1863–1944), норвежский живописец, график, театральный художник, один из основоположников экспрессионизма.



"Вампир"
1897, Национальная галерея, Осло


Смотреть дальше

ОляСтас все записи автора
«Я считаю себя ловцом изображений. Для меня изображение важнее красоты живописи…Я — это посредник выразительности на службе происшествия и случая»


Фрээнсис Бэ́кон (англ. Bacon; 1909, Дублин — 1992, Мадрид) — английский художник-экспрессионист.


Художник Фрэнсис Бэкон не просто полный тезка великого философа (1561-1626) – он его прямой потомок. В ирландской семье Бэконов было принято одного из сыновей называть Фрэнсисом.

Будущий художник родился 28 октября 1909 года в Дублине. За 55 лет до него на соседней улочке родился Оскар Уайльд. Страсть, которая, по словам Уайльда, "боится назвать себя по имени", и которая привела в тюрьму великого писателя, с раннего детства вселила в Бэкона чувство постоянной вины и страха перед Богом, отцом и полицией.

Клетки и голые комнаты, деформированные предметы и искалеченные люди – картины Фрэнсиса Бэкона часто основывались на реальных прототипах – будь то шедевры старых мастеров, кадры из кинофильмов или газетные фотографии (которыми и был усыпан пол его мастерской). Бэкон был самоучкой, и его искусство, лишь в некоторой степени сходное с кошмарами сюрреалистов, с трудом поддается стилевым определениям.

Хотя в картинах Бэкона прослеживается влияние Пикассо, сюрреализма и немецкого экспрессионизма, художник всегда утверждал, что он просто реалист: "Ничто не может быть ужаснее, чем сама жизнь".


***

14 ноября в аукционном доме Sotheby’s будут выставлены работы британского художника Фрэнсиса Бэкона (Francis Bacon, 1902 — 1992): «Этюд боя быков N1» и «Автопортрет». По предварительной оценке стоимость картин составляет более $50 млн.









Стаья с сайта www.lenta.ru от 2007 года:

Дом Christie's выставит на февральские торги картину британского художника Фрэнсиса Бэкона (Francis Bacon) с оценкой 23,2 миллиона долларов (12 миллионов фунтов стерлингов). Таким образом, отмечает агентство Bloomberg, Бэкон станет третьим живописцем из числа послевоенных мастеров, чьи работы перешагнули аукционный рубеж в 20 миллионов долларов.В 2006 году этот барьер преодолели картины американцев Виллема де Кунинга (27,1 миллиона) и Клиффорда Стилла (22,1 миллиона).

Полотно, которое будет выставлено на лондонские торги 8 февраля 2007 года, Бэкон написал в 1956 году и озаглавил "Этюд к портрету II". Это - одна из полусотни работ художника, выполненных "по мотивам" известного портрета Папы Римского Иннокентия X Диего Веласкеса (1650 год). Так называемый "Этюд к портрету I" ушел в 2005 году с молотка на нью-йоркских торгах Christie's за 10,1 миллиона долларов. Выставляемое на февральские торги полотно Бэкона с 1960-х годов не покидало собрание своего владельца, имя которого не разглашается.

В ноябре 2006 года картина Бэкона "Лежащая фигура со шприцом для инъекций. Версия 2" была продана на Sotheby's за 15 миллионов долларов. Эта сумма пока остается рекордом стоимости для живописи художника, умершего в 1992 году.

Смотреть дальше

ОляСтас все записи автора

Художник; родился 14 июля 1958 г. в Москве; в 1976 г. окончил МСХШ при институте им. В.И.Сурикова; 1982-1985 - работал в Творческих мастерских Академии художеств СССР; 1985-1989 год - старший преподаватель в Московском государственном художественном институте им. В.И.Сурикова; с 1999 г. - художественный руководитель Московской государственной специализированной школы акварели Сергея Андрияки с музейно-выставочным комплексом; участник всесоюзных, республиканских, зональных, московских, городских и районных выставок и выставок за рубежом (Франция, Швейцария, Германия, Англия, Болгария, Австрия, Китай).

Свою творческую деятельность художник начинал с работы масляными красками, гуашью, темперой. Занимался мозаикой, витражом, офортом, росписью по фарфору и эмали. С середины 1980-х годов предметом особого внимания художника стала классическая многослойная акварель. Выступая наследником традиций русской школы акварели, художник по-новому осмыслил ее возможности. Если в 1980-е годы, осваивая технику акварели, он создавал работы камерного звучания и привычных небольших размеров, то в дальнейшем достигнутое мастерство позволило ему обратиться к написанию работ больших монументальных размеров. Творчество Сергея Андрияки посвящено России - неповторимому очарованию старых Российских провинциальных городов, русской природы, притягательной красоте памятников русского зодчества. Не меньшую роль сыграли для его художественного становления знакомство с культурой стран Западной Европы.

Сергей Андрияка. Акварель. Альбом
Информация о книге:
Акварель - это полноценная живопись, имеющая все возможности цвета, света, тона, которые присущи маслу, с той только разницей, что акварель более прозрачна, светоносна и имеет бесконечно разнообразные колористические возможности.

Вашему вниманию предлагается великолепный альбом с работами Заслуженного художника России Сергея Николаевича Андрияки, каждая акварель которого неповторима по цвету и композиционному решению.


Смотреть дальше



Существует Московская государственная специализированная школа акварели Сергея Андрияка с музейно-выставочным комплеком, расположенная по адресу Гороховский пер., д. 17 (проезд: м. «Курская», выход к Школе акварели)

ОляСтас все записи автора Кто же такая tigrenka? Tigrenka - это художник, победительница в категории 2D конкурса "Нежность", а ведь конкуренция была огромная!!! Зовут ее Оля Антоненко, она уже успела поработать в таких крупных московских студиях как "Классика", "Пилот-ТВ", "Cinemateka" и теперь в Dr.Picture. Помимо своей основной работы Оля трудится над созданием мультфильмов, любит рисовать по ночам, тем более в холодильнике у нее всегда много вкусной еды :)


1.



Смотреть дальше

http://www.cgtalk.ru/exc.php?id=tigrenka

ОляСтас все записи автора
Родился в Свердловске (ныне Екатеринбург) 5 сентября 1933 года в семье служащего.

Переехав в Москву, в 1958 окончил Художественный институт имени В.И.Сурикова, после чего "переучивался", вырабатывая – во многом под влиянием Р.Р.Фалька и В.А.Фаворского – стойкую самостоятельность по отношению к официальной соцреалистической доктрине. С 1959 работал как художник книги в издательстве "Детгиз" (обычно в соавторстве с О.В.Васильевым).

Принимает участие в выставках с 1957 года, за границей с 1973 года.

Самобытный поставангардный стиль Булатова выработался к концу 1960-х годов после опыта работы в разных модернистских манерах. Он достигает сильных социально-гротескных эффектов, соединяя стандартные натуралистичные пейзажи с крупными плакатными символами и транспарантными лозунгами. Так, в полотне Горизонт (1971-1972, варианты в разных собраниях) красная орденская планка перекрывает морскую даль, а надпись "Слава КПСС" в одноименной картине (1975, собственность художника) заслоняет небо словно решетка. Подчеркивая контраст пропаганды и реальности, Булатов сближается с соцартом, однако не ограничивается сатирой, размышляя в образах о границах искусства и действительности в целом.

Ученик Фалька и Фаворского, Булатов всю свою деятельность строил вокруг картины, анализа ее как феномена со своими имманентными законами. Законы станковой картины он приравнивал к категориям социальной и экзистенциональной живописи. Так, понятие несвободы соотносится напрямую с поверхностью, цветом социальности утверждается красный цвет, который играет и роль сигнально-запретительного символа (надпись ВХОД – голубыми, а НЕТ ВХОДА красными буквами). Пространство у Булатова всегда многослойное: поверх изображения кладется либо текст лозунга, либо узнаваемый символ.

Булатов утверждает, что современные ему жизненные реалии находятся в конфликтных отношениях с картинной плоскостью, что их практически не возможно описать традиционным изобразительным языком. "В моих картинах, – говорит автор, – пространство построено как бы помимо фигуры человека. Человек как бы живой. Он только что пришел, а картина уже была..." Эрик Булатов являет редкий, чуть ли не единственный пример соцарта, лишенный иронии.

Со временем сатира уступает в его картинах место более эпическим настроениям (Русский 20 век, 1991, Музей Циммерли при Рутгерском университете, США). Получил широкую известность на Западе к концу 1980-х годов как своего рода "художник перестройки".

С 1989 Булатов живет и работает в Нью-Йорке, с 1992 – в Париже.


Статья:http://www.gif.ru/people/bulatov-e/


Свобода есть свобода II. 2000-2001,
Х,м. 200х200.
Коллекция Алерс, Германия.


Cмотреть дальше

ОляСтас все записи автора
Кустодиев Борис Михайлович (1878–1927), русский художник.

Родился в Астрахани 23 февраля (7 марта) 1878 в семье преподавателя духовной семинарии. На своих полотнах изображал провинциальную Россию конца XIX - начала XX века. Многие из его работ - детскте воспоминания художника.
В 1911 году у Бориса Кустодиева (ударение на О) обнаружились признаки опухоли спинного мозга, и уже в 1916 его ноги полностью порализовало. При этом он много потешествовал по миру и рисовал. Но даже в это время большинство своих работ он писал по памяти, поскольку обладал хорошей зрительной памятью.
С духовной горячкой к нему возвращались силы.
Он радостно принял революцию 1917 года, а умер через десять лет - в 1927 году.
















Смотреть дальше

ОляСтас все записи автора
(1832-1883)
МАНЕ Эдуар (1832-1883) - французский живописец и график, один из ярчайших художников, положивших начало импрессионизму.

Художественное кредо Э.Мане сформировалось в основном под влиянием разочарования, вызванного поражением буржуазной революции 1848 г. Под непосредственным впечатлением от этого события семнадцатилетний парижанин из буржуазной семьи бежал из дома и нанялся матросом на морское парусное судно. В дальнейшем путешествовал мало и почти всю свою жизнь провел в неустанной работе в своей мастерской.

Э.Мане резко выступал против академических форм творчества, но на протяжении почти всей своей жизни он испытывал глубокое уважение к традициям некоторых великих мастеров, непосредственное или опосредованное влияние которых проявляется во многих его произведениях ("Балкон", 1868-1869, Музей Орсэ, Париж; "За кружкой пива", 1873, Собрание К.Тисен, Филадельфия).









Своим искусством Мане предвосхитил возникновение импрессионизма и стал одним из его основоположников. Новаторская живопись Мане подвергалась яростным нападкам критики, считавшей художника бунтарём в искусстве. Используя и переосмысливая сюжеты и мотивы живописи старых мастеров, Мане стремился наполнить их острым современным звучанием, полемически внося в известные классические композиции современного человека ("Завтрак на траве", 1863 г.).



В конце 1860-х гг. Мане сблизился с Э. Дега, К. Моне, О. Ренуаром и перешёл к пленэрной живописи; глухие и плотные тона с преобладанием тёмных цветов сменилось более светлой и свободной живописью ("В лодке", 1874 г.).
Основная тема произведений Мане - сцены парижской жизни ("Нана" , 1877 г.; "В кабачке папаши Латюиль", 1879 г.). В самом значительном и глубоком его произведении "Бар ''Фоли-Бержер''" (1881-1882 гг.)



показана иллюзорность и призрачность счастья среди сверкающего, праздничного веселья. Мане обращался к самым разнообразным темам, писал портреты, натюрморты и пейзажи, выступал как рисовальщик, мастер литографии и офорта. Творчество Мане вдохнуло новую жизнь во французское искусство XIX века и во многом определило основные пути дальнейших художественных исканий.

Смотреть дальше

ОляСтас все записи автора
Моне (Monet) Клод Оскар, французский живописец-пейзажист, один из основателей импрессионизма. 14.10.1840 г. - 05.12.1926 г.

Место рождения: г. Париж, Франция

К.Моне начал свою творческую деятельность еще в юном возрасте с написания смешных карикатур, которые он выставлял в витрине гаврского окантовщика, а первые уроки живописи получил у пейзажиста Э.Будена, скитаясь с ним по побережью и постигая приемы работы на открытом воздухе.

Вопреки желанию родителей, которые хотели, чтобы он поступил в парижскую Школу изящных искусств, молодой К.Моне, оказавшись в столице, с головой уходит в богемную жизнь и завязывает многочисленные знакомства в артистической среде. Лишенный материальной поддержки родных, он вынужден идти в армию, но и после возвращения из Алжира, где проходила его нелегкая служба, он не изменил свой образ жизни. В Париже он знакомится с И.Ионкиндом, который увлек его работой над натурными этюдами. По настоянию родителей К.Моне некоторое время работает у Тульмуша, а затем в мастерской популярного в то время Ш.Глейра, но формирование его творческого метода происходит все-таки не в студии, а в совместной работе на природе с близкими ему по духу художниками. Это в первую очередь О.Ренуар, Ф.Базиль, А.Сислей, которые, вдохновленные примером Э.Мане, искали свой путь от условного совершенства официально признанного искусства к правде жизни.

Первой значительной работой, подводящей итоги творческих поисков этого периода, стал для К.Моне "Завтрак на траве" (1865-1866), написанный им вслед за одноименной программной работой Э.Мане.



Сама работа до нас не дошла: художник оставил ее в счет уплаты за жилье в деревушке Шайи, в окрестностях которой он работал. Но сохранилась ее уменьшенная копия, позволяющая составить общее представление о картине. Сюжет картины прост: на опушке леса расположились несколько мужчин и нарядно одетых женщин. Сочная темно-зеленая гамма с вкраплениями коричневого и черного напоминает традиции художников барбизонской школы, но в отличие от их сгущающегося сумрака и движений "влажной" живописной атмосферы, возникающих из нюансов тонального письма, полотно наполнено прозрачным, восхитительным в своей обыденности и реальности воздухом.


Смотреть дальше


через определенное время ожидается статья про Эдуарда Мане. чтоб не путались. =))

ОляСтас все записи автора Вот такоие вот незамысловатые (а может и огого как замысловатые) иллюстрации французского (если не ошибаюсь) иллюстратора. О нём мало информации в интернете. О нём почти никто не знает, но пусть он будет тут.




Смотреть дальше

ОляСтас все записи автора
Творчество Мориса Утрилло (Maurice Utrillo) (1883-1955) значительно обогатило французскую пейзажную живопись начала XX века. Вместе с Марке и Боннаром он принадлежал к поколению, сменившему в области городского пейзажа художников-импрессионистов. Не примкнувший ни к одному направлению, получавший уроки только у своей матери Сюзанны Валадон, Утрилло создал свой собственный образ Парижа, мир, пронизанный чувством одиночества и скрытой тревоги.

Наиболее интересный и плодотворный период в искуссве Утрилло - это 1910-е годы. Ранее наиболее оригинальными были у него изображения французских соборов, мощных, давящих своей тяжестью; они вдруг зажили на холстах живописца своей самостоятельной жизнью. Но мировую славу принесли Утрилло виды Монмартра. При всей поэтической обыденности Монмартр в интерпретации Утрилло постоянно вызывает чувство щемящей горечи. Улицы пустынны, люди как будто спрятались в неуютных домах с плотно закрытыми дверьми и спущенными жалюзи. Земля закованна в тяжелый панцирь брусчатых мостовых, здания зияют слепыми провалами окон, топорщатся колючими оградами. Человек, бредущий по этим безлюдным улицам, мимо этих равнодушных зданий, должен остро чувствовать свое одиночество и неприкаянность.

Утрилло писал Монмартр, этот по его словам "оригинальный квартал Парижа с его провинциальными уголками и нравами богемы". Там, в стороне от центральных площадей и бульваров столицы Франции начала XX века он открыл красоту захолустных улочек, живописность черепичных крыш и потрескавшихся стен.

Пейзажи Утрилло одухотворены болью, страданиями человека; мертвые формы, которые создает он, способны чувствовать и тосковать. Пространство замкнуто, заковано, сдавлено стенами, взгляд всегда упирается в тупик, из которого нет выхода. Но это оцепеневшее пространство, где время словно остановилось, полно тревоги, но конкретно и ощутимо.










Монмартр
Гуашь


Смотреть дальше

По материалам сайта http://www.c-cafe.ru/

ОляСтас все записи автора


Их первая встреча произошла тогда, когда Фрида, еще подростком, увидела Диего Риверу, расписывающим стены Высшей подготовительной школы. Он поразил ее детское воображение, она выслеживала его, дразнила "старым Фасто", старалась привлечь внимание и однажды, словно предвосхитив их общее будущее, заявила школьным друзьям: "Я непременно выйду замуж за этого macho и рожу от него сына".

Фрида Кало

Мексиканскую художницу Фриду Кало можно назвать «легендарной» не только потому, что она действительно знаменита, и даже не потому, что до сих пор людей привлекает не только искусство Фриды, но и невероятная история ее жизни… «Легендарной» Фриду стоит назвать еще и потому, что легенду о себе она начала создавать еще при жизни и старательно формировала до самой смерти, добавляя все новые красочные мазки. Например, она всегда говорила, что родилась в 1910 году и является ровесницей Мексиканской Революции. На самом деле она родилась тремя годами раньше, однако в случае Фриды уменьшение возраста на три года было не данью кокетству, но частью имиджа. Революционерка и мексиканская националистка, Фрида просто обязана была родиться в один год с революцией! Даже на доме, где она родилась, висит дощечка с неверной датой, где написано: «Здесь 7 июля 1910 года родилась Фрида Кало». Но на самом деле жизнь Фриды Кало было столь событийной и яркой, а ее вклад в мировое искусство столь значим, что теперь образ Фриды не нуждается ни в каких легендах для того, чтобы оставаться по-настоящему притягательным.

На пороге третьего тысячелетия Запад наряду с другими бурными, часто недолговечными увлечениями захлестнула и волна "фридомании", однако интерес к творчеству и личности Фриды Кало оказался жизнеспособным.

Ее картины висят в Лувре, Музее современного искусства в Нью-Йорке, продаются за миллионы долларов. Эта женщина стала одним из кумиров XX века, Голливуд борется за право экранизации ее воспоминаний, по ее воспоминаниям создаются балеты, ей посвящаются поэмы, а дневник, напечатанный факсимиле, постоянно переиздается.

Автопортрет


Автопортрет Фриды Кало оценен в 7 миллионов долларов
03 февраля 2006 | 16:30
По материалам: Лента.ru
Автопортрет мексиканской художницы Фриды Кало "Корни" ("Raices") оценен экспертами Sotheby's в 7 миллионов долларов (4 миллиона фунтов стерлингов). Торги пройдут в Нью-Йорке в мае. Аукционисты полагают, что эта картина поставит новый рекорд стоимости для работ художницы, сообщила британская газета The Independent.

"Корни" были написаны Фридой Кало маслом по листу металла в 1943 году после повторного брака с Диего Риверой. Специалисты считают, что сороковые годы- это эпоха расцвета художницы, время ее самых интересных и зрелых работ.



Смотреть дальше

ОляСтас все записи автора Рене Магритт (Rene Magritte), бельгийский художник-сюрреалист.

Родился 21 ноября 1898. С 1916 по 1918 Магритт обучался в Королевской Академии искусств в Брюсселе (Academie Royale des Beaux-Arts). По окончании работал оформителем обоев и художником по рекламе. Ранние работы Магритта были выполнены в в стиле кубизма и футуризма под влиянием Фернана Леже.

В 1922 Магритт вступил в брак с Жоржеттой Бергер, с которой познакомился в пятнадцать лет. После свадьбы она стала единственной моделью для его картин.
Знакомство с метафизической живописью Джорджа де Кирико и поэзией Dadaistic было важным поворотным пунктом для творчества Магритта. В 1925 Магритт входит в группу дадаистов, сотрудничает в журналах "Aesophage" и "Marie" вместе с Жаном Арпом, Пикабия, Тцара и другими дадаистами. В 1925-1926 Магритт написал "Оазис" и "Затерянного жокея" - свои первые сюрреалистические картины. В 1927-1930 Магритт проживал во Франции, участвовал в деятельности группы сюрреалистов, тесно сблизился с Максом Эрнстом, Дали, Андре Бретоном, Луи Бунюэлем и особенно с Полем Элюаром.

В Париже система концептуальной живописи Магритта окончательно сформировалась и осталась почти неизменной до конца его жизни.

В картинах художника постоянно присутствует ощущение напряженности и таинственности ("Компаньоны страха" 1942; "Объяснение" 1954; "Букет слез" 1948). Странный ночной пейзаж блестит под освещенными дневным светом небесами ("Империя света" 1954). Магритт мастерски создавал контраст между прекрасно выписанными странными сочетаниями ирреальных предметов и естественным окружением, с этой целью он активно использовал в своих полотнах символы зеркал, глаз, окон ("Фальшивое зеркало" 1935;



"Ключ к пространству" 1936; "Прекрасный мир" 1962). Увлечение Магритта философией и литературой нашло отражение во многих его картинах, напр. "Гигантесса" (по Бодлеру), 1929-1930; "Область Арнхейм" (по Эдгару По) 1938.
В 1940-х Магритт попытался изменить свой стиль живописи.

Смотреть дальше

ОляСтас все записи автора

 

Смотреть дальше

ОляСтас все записи автора

Смотреть дальше

ОляСтас все записи автора Танги, Ив (Tanguy, Yves) (1900–1955), французский художник, представитель сюрреализма.



Родился в Париже 5 января 1900 в семье служащего военно-морского министерства. Значительную часть детства провел в Бретани; пустынные береговые ландшафты этого края навсегда вошли в его творческую память. В 1918–1920 плавал матросом на торговых суднах, затем служил в армии – в Люневилле (Лотарингия; там он сдружился с поэтом Ж.Превером) и в африканском корпусе в Тунисе. Вернувшись в Париж (1922), вел рассеянный образ жизни, перебиваясь случайными заработками.

Дальнейшую судьбу Танги определило полотно Дж.де Кирико, которое он случайно увидел в витрине одной из парижских галерей (1923). Будучи самоучкой, сперва просто рисовал в кафе – в манере, близкой романтическому экспрессионизму парижской школы. В 1925 примкнул к движению сюрреалистов, активно участвуя во всех их выставках. Создавал дадаистские коллажи и «автоматические» рисунки, стремясь выразить импульсивный поток сознания. К концу 1920-х годов нашел свою коронную тему – причудливый пейзаж-«галлюцинацию» с зыбкими пространствами моря или пустыни, заполненными предметной фантастикой биоморфно-геологического рода. Круг этих мотивов окончательно закрепился после путешествия художника по Северной Африке (1930). В колорите картин достаточно мелкие, динамичные и контрастные цветовые пятна (Шторм, 1926, Музей искусств, Филадельфия) сменились со временем более плавной манерой письма (Дворец высокого мыса, 1930, Музей Пегги Гуггенхейм, Венеция; Медлительный день, 1937, Национальный музей современного искусства, Париж; Мебель времени, 1939, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Приехав незадолго до начала Первой мировой войны в Нью-Йорк, женился на американской художнице-сюрреалистке К.Сейдж (1939) и в 1942 обосновался в Уотербери (шт. Коннектикут). Добившись значительного коммерческого успеха при поддержке галереи П.Матисса, по-прежнему писал свои пейзажи-видения – обычно в сдержанных серовато-голубых гаммах, но с вкраплением тревожных красочных диссонансов (Дворец на оконных скалах, 1942, Национальный музей современного искусства, Париж; Умножение радуг, 1954, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Умер Танги в Уотербери 15 января 1955.

"Лента пределов" 1932


Смотреть дальше

ОляСтас все записи автора Хочу начать сей пост с некоего предисловия. Моей задачей является просвещение масс в области мирового искусства, а конкретно живописи. Многие художники покажутся вам скучными, ничем не выделяющимися среди остальных, но они являются мастерами своего дела, известными всем уважающим себя культурно просвещенным людям. Призываю просто обращать на это внимание и знать об их сушествовании. =))

Французский живописец и график. Основоположник романтизма во французской живописи. Драматично-напряженные произведения («Плот Медузы», 1818-1819)



отличаются актуальностью и психологизмом, экспрессией живописи, контрастами светотени; бытовые сцены, пейзажи («Дебри в Эпсоме», 1821)



повлияли на реалистов середины XIX в.

Смотреть дальше

ОляСтас все записи автора Сюрреализм (Surrealism), модернистское (модернизм) направление в литературе, изобразительном искусстве и кино, зародившееся во Франции в 1920-х гг. и оказавшее большое влияние на западную культуру. Для Сюрреализма характерно пристрастие ко всему причудливому, иррациональному, не соответствующему общепринятым стандартам. Само движение было разнородным, но ставило своей основной целью раскрепощение творческих сил подсознания и их главенство над разумом. В определённый мере предшественниками сюрреалистов были дадаисты (дадаизм).

Теоретик и основоположник С. Андре Бретон утверждал, что это направление должно разрешить противоречие между мечтой и действительностью и создать некую абсолютную реальность, сверхреальность. Несмотря на все попытки Бретона сплотить сюрреалистов, им недоставало единодушия: они постоянно спорили, выступали с взаимными обвинениями и исключали из своих рядов несогласных. В основе Сюрреализма лежат теория Фрейда о подсознании и его метод "свободных ассоциаций" для перехода из сознания в подсознание. Однако формы выражения этих идей были у сюрреалистов весьма различны. Например, Дали со скрупулёзной точностью, "правдоподобием", выписывал каждую деталь на своих алогичных, похожих на кошмарные сны картинах, усугубляя впечатление галлюцинации или бреда, тогда как Макс Эрнст работал над полотнами как бы автоматически, "отключив" разум, предпочитая произвольные образы, нередко переходящие в абстракцию. Жан Миро тем не менее отличался от остальных художников сюрреалистов разнообразием и жизнерадостностью полотен.

В период между двумя мировыми войнами Сюрреализм стал самым распространённым, хотя и самым противоречивым направлением. Его последователи появились не только в Европе, но и в США, куда многие писатели и художниками эмигрировали в военную пору. Отличаясь широтой подхода и богатством форм, Сюрреализм облегчил восприятие кубизма и абстрактного искусства, а его методы и техника повлияли на творчество писателей и художников многих стран мира.


Мунк Эдвард (Munch, Edvard) (1863-1944 гг.)
Мунк Эдвард (Munch, Edvard) (1863-1944 гг.), норвежский живописец и график. В 1880-1900 гг. жил во Франции, где испытал влияние постимпрессионизма, в Германии и Италии. Его мировоззрение формировалось под воздействием творчества писателей-символистов (символизм), что определило его частое обращение к характерным для символизма "вечным" мотивам смерти, угасания, одиночества, тревоги.

Творчество Мунка с начала 1890-х гг. развивалось в русле складывавшегося стиля модерн ("Сестра художника", 1892 г.; "Девушки на мосту", около 1901 г.), но обнаруживало и ряд новых черт (жёсткий, вихреобразный контурный рисунок, повышенная динамика композиции, диссонирующий цвет), которые усиливают трагическое звучание образов и предвосхищают возникновение экспрессионизма ("Крик", 1893 г.). Большинство картин 1890-1910-х гг. входят в незавершённый цикл "Фриз жизни". Мунк обращался также к монументально-декоративной живописи, писал станковые произведения разного, в том числе лирического характера, мажорные по колориту пейзажи, создал галерею выразительных портретов, много работал в области ксилографии, офорта и литографии.

"Мадонна" 1894-1895 гг.


"Поцелуй" 1892 г.

ОляСтас все записи автора Яцек родился в Северной Польше в 1952 году. Свою первую картину, по словам художника, он написал еще до поступления в колледж. Яцек Йерка изучал графику на Факультете Изобразительного Искусства в Университете Николая Коперника в городе Торунь.
Стиль Яцека Йерки критики относят к реалистичному сюрреализму и стилю фэнтези. Тщательно прорисованные полотна Яцека Йерки наполнены эхом знаменитых сюрреалистов прошлого, от Иеронимуса Босха и Питера Брейгеля до Сальвадора Дали и Рене Магритта. В 1995 году Яцек Йерка получил престижную премию "World Fantasy Award" как лучший художник. Работы Яцека Йерка выставляются в Польше, Германии, Франции, Монако и Соединенных Штатах, а также находятся в ряде коллекций по всему миру.

Из книги "Art of Jacek Yerka"
cloud_breaker


Смотреть дальше