Осенние поля
Холст, масло

Природа мудро распределяет склонности к различным видам человеческой деятельности среди людей. И хотя словосочетание «семейная традиция» употребляется достаточно широко, не всегда, например, у родителей-художников дети становятся продолжателями их дела. Семейная традиция в искусстве все-таки подразумевает наличие врожденного таланта у юного создания.

Лидия Исааковна Бродская родилась в семье известного живописца. И это способствовало, но никак не определило ее желание заниматься изобразительным искусством – она была наделена талантом к данному виду творчества и своей жизнью доказала это. Сравнительно поздно Л. Бродская стала вольнослушательницей (1935-1939) Института живописи, скульптуры и архитектуры Академиии художеств. Училась она, естественно, у своего отца И.И. Бродского. Однако решающее влияние оказал на творчество художницы Н.П. Крымов, замечательный отечественный пейзажист и педагог. Видимо, от общения с ним изображение природы для Л. Бродской становится основной темой ее творчества. Тонкие, лирические пейзажи художницы уголков Урала, Сибири, Дальнего Востока, Украины и средней полосы России приносят заслуженное признание коллег и любителей живописи. Она – член-корреспондент Академии и народный художник СССР. И в этом тоже семейная традиция.

http://www.rodon.org

«Опавшие листья»
1915
Холст, масло. 98 x 76 см
Государственная Третьяковская галерея


Его пейзажи и портреты, несущие следы современного ему искусства, делают Бродского заметным российским художником (известность ему приносят такие картины, как "Портрет Людмилы Бурлюк", 1906; "Сквозь ветви", 1907; "Сказка", 1911; "Золотая осень", 1913; "Опавшие листья", 1915).

http://www.rodon.org/art-080812114800

Дремлющий пруд ,1945
Холст, масло. 88,5x105 см
Челябинская областная картинная галерея,
Челябинск

Хотя Бялыницкий-Бируля – художник-жизнелюбец, нельзя сводить эмоциональное содержание всех его полотен к чувству радости. Он нередко бывает и грустен, и печально-задумчив. Но эта грусть и эта печаль не имеют ничего общего с отчаянием и горестным раздумьем о жизни. Эти настроения навеваются на него природой, когда она предстает словно задумавшейся и затаившейся.

http://www.rodon.org/art-080814152021

Витольд Каэтанович Бялыницкий-Бируля
Ранняя весна ,1953
Холст, масло. 53x71 см
Ставропольский краевой музей изобразительных искусств,
Ставрополь

Чтобы лучше понять особенности произведений Бялыницкого-Бируля, необходимо познакомиться с некоторыми его высказываниями об искусстве пейзажа. «Дни невозвратимы и в большинстве не повторяются,– пишет художник.– Взять, например, работу над этюдом. Вчера шел, любовался местом и решил писать здесь этюд; сегодня пришел на то же место (вот даже веточка, надломленная мною для того, чтобы уточнить, где сидеть и писать), а «место» исчезло: вчера были жемчужные облачка, на фоне которых рисовались обнаженные березки, а сегодня небеса гладкие, да и сам ты какой-то другой, не вчерашний. Мы, художники, должны дорожить каждым часом, проведенным на природе, на этюде. Если даже этюд остался незаконченным, работа над ним не прошла даром для художника: он почерпнул что-то, что-то попытался найти. Чрезвычайно важно первое впечатление от места, которое собираешься писать. Это впечатление необходимо сохранить, удержать во время всей работы над этюдом».

Эти слова в высшей степени характерны для Бялыницкого-Бируля – художника, с удивительной бережностью относившегося к своему труду.
Умение передавать трудно уловимые состояния природы было им приобретено в результате неустанного изучения натуры и совершенствования мастерства. Отсюда свежесть его полотен и то искреннее чувство, которое они вызывают.

http://www.rodon.org
http://sttp.ru/master98.html

«Болото в лесу»
1872
Холст, масло 81 х 111,5
Государственный Русский музей
Санкт-Петербург


Последней работой, косвенно связанной с той же темой рассвета над болотом, была, очевидно, у Васильева неоконченная картина "Болото в лесу. Осень", о сюжете которой он подробно не сообщал ни в одном письме, если не считать упоминания о начатой им в 1872 году картине под общим названием "Болото большое". В пейзаже изображен осенний лес во всей яркости красновато-оранжевого цвета осенней листвы. И по мотиву, и по живописному строю он стоит особняком среди последних пейзажей Васильева, хотя и здесь передний план отдан поросшему травой болоту с отдыхающими белыми цаплями.

При общей неоконченности картины трудно сказать что-либо определенное о самой ее живописи. Ее главной особенностью на данном этапе является широкое письмо и стремление выразить и сохранить в картине звучание чистого цвета.

Картина "Болото в лесу. Осень" наряду с такими произведениями, как "Утро" и "Заброшенная мельница", дает особенно ясное представление о том, сколь многообразны были у Васильева поиски выражения волновавшей его темы. Они проявлялись не только в вариациях сюжета, но и в чисто живописных решениях. Причем эта последняя картина не в меньшей мере, чем две другие работы этой группы, говорит о наступлении в творчестве Васильева нового, прерванного смертью этапа.

Своей последней картиной Васильев заявил о новых замыслах, показал, что он стоял на пороге новых открытий в живописи.

Картина во многом несовершенна, но недостатки ее были свидетельством нового крутого и неизведанного пути, на который вступил Васильев. Это тонко почувствовал Крамской, писавший Васильеву о картине: "Настоящая картина – ни на что уже не похожа, никому не подражает, не имеет ни малейшего, даже отдаленного сходства ни с одним художником, ни с какой школой, это что-то до такой степени самобытное и изолированное от всяких влияний, стоящее вне всего теперешнего движения искусства, что я могу сказать только одно: это еще не хорошо, т.е. не вполне хорошо, даже местами плохо, но это – гениально"

http://www.rodon.org

«Оттепель»
1871г.
Холст, масло 55,5 x 108,5
Государственный Русский музей
Санкт-Петербург
Россия

Васильев увлечен "пейзажем настроения", хорошо знает работы не только русских живописцев, но и французских пейзажистов "барбизонцев" и немецких мастеров. Однако когда Васильев в 1871 году пишет одну из лучших своих работ "Оттепель", он вкладывает в холст не столько мечтательные мысли живописца, взволнованного наступлением весны, сколько сумму впечатлений и раздумий о горькой жизни русской деревни.

Природа нехотя просыпается от зимнего сна. В этом пробуждении нет радости. Ржавые тона тающего снега, превращающегося в липкую грязь, туманная даль и мутное слезящееся небо, одинокие фигурки усталых пешеходов еще усиливают тревожное тягостное настроение. Но оно не исключает, а даже оттеняет своеобразную красоту пейзажа. Васильев продолжает свое открытие русской природы, стремясь разглядеть в ней самое сокровенное, неповторимое, что свойственно только ей: певучую мягкость линий, очерчивающих холмы и пригорки, тусклую нежность красок, пустынный простор полей.

Картина имела большой, даже огромный для молодого художника успех. Ее купил П. М. Третьяков. На конкурсе, устроенном Обществом поощрения художеств, "Оттепель" получила первую премию, в то время как "Печорский монастырь" Саврасова, которого Васильев мог бы считать одним из своих учителей, получил вторую.

Картина Васильева того же названия, которая украшает экспозицию Русского музея, – авторское повторение, исполненное специально для царского двора. Именно оно в числе сорока лучших произведений русских художников было послано на Всемирную выставку в Лондон в 1872 году, где было отмечено как одно из наиболее достойных, вызвав восторженную статью английского рецензента.

Появление картины "Оттепель" в год открытия первой передвижной выставки как бы естественно вводило Васильева в круг близких ему передовых художников.

http://www.rodon.org

Начало: РУССКИЕ ХУДОЖНИКИ Коровин Константин Алексеевич (1861-1939), часть1
http://www.liveinternet.ru/users/5124893/post375516827/

Коровин не был одарен всеобъемлющим талантом. Не были ему доступны гармония правды и красоты, освещающая искусство В. Серова, трагический экстаз М. Врубеля или неисчерпаемое воображение Н. Рериха, да и с точки зрения академической науки Коровин не всегда и во всем удовлетворял строгих знатоков и судей. Прекрасные сочные по цвету, работы перемежались с малоудачными, а порой и банальными картинами; великолепные образцы колористического мастерства — с «сырой» краской, бравурным, размашистым мазком, рыхлым и приблизительным рисунком.

Коровина надо принимать, каким он был, с его сильными и слабыми сторонами, именно таким вошел он в историю русской живописи конца XIX — начала XX века.


К.А.Коровин, 1939 год

Александр Бенуа о творчестве Константина Коровина:

"Живопись Коровина - дерзко-небрежная, грубая - казалась в XIX веке многим просто неумелой. Никто тогда не подозревал, что и живопись, и краски в этих картинах - высокого достоинства, что автор их - настоящий живописец. Недоразумение в отношении к К. Коровину - самого плачевного свойства. Оно лучше всего доказывает, как далека русская публика вообще от какого-либо понимания живописи. Какая грусть, что этот огромный мастер, этот яркий самобытный талант, два раза затративший свои силы на такие эфемерные создания, как выставочные панно, все время тратящий их на еще более эфемерные создания - на театральные декорации, так, вероятно, и не получит возможности увековечить себя и одарить Россию истинно прекрасным, величественным произведением..."

КОНСТАНТИН КОРОВИН. ДЕРЕВЕНСКИЕ МОТИВЫ.

«...И, думал я, зачем устроены эти города? Что может быть мерзей каменного тротуара, с тумбами, пыль, какие-то дома, окна скучные. Не так живут. Надо же всем жить около леса, где речка, огород, частокол, корова, лошади, собаки. Там надо жить. Как глупо. Дивные реки России - какая красота. Какие дали, какие вечера, утро какое. Заря всегда сменяется, все для людей. Там надо жить. Сколько простора. А они - вот тут... где помойные ямы на дворах, все какие-то злые, озабоченные, все ищут денег да цепей, сказал я, вспомнив «Цыган» Пушкина. А я так любил Пушкина, что плакал, читая его. Он же всё сказал и сказал правду...»
Константин Алексеевич Коровин. «Моя жизнь». 1935



Уголок провинции (Улица в Переславле). 1905

*****

Васильки. 1894

Художник не нарисовал ни одной детали вокруг цветов, которая бы отвлекала зрителя или за которую он мог бы зацепиться взглядом. Божественно прекрасные васильки – вот все, на что обращено внимание. Простые полевые цветы ошеломляют своим великолепием. Обычные васильки, казалось бы, одинаковые, очень похожие между собой. Но каждый цветочек василька привлекает отдельное внимание к себе. У каждого свой, особенный оттенок. Здесь зритель оценит и насыщенные синие васильки, и легкого фиолетового оттенка, и голубые, и розовые, даже белые.
У всех цветков разная длина. Может показаться, что букет собран наспех, без особого внимания. Вместе с васильками можно увидеть пару колосков пшеницы – вряд ли их поставили в вазу специально, наверняка они попали в букет по невнимательности.
Но именно это небрежность несёт в себе особый шарм. В букете нет навязчивости, нет пафоса. Обычные цветы просто радуют глаз, не претендуя на какое-либо звание.
Васильки поместили в обычный глиняный горшок зеленоватого оттенка. Для таких цветов не подходят праздничные вазы. На фоне обычного горшка оттенки цветов заиграли еще насыщенней и ярче.
Стол застелен обычной светлой скатертью, на которую уже упала пара лепестков. Вскоре васильки осыплются все. Скатерть сливается с такого же цвета стеной. Создается ощущение, что цветы просто зависли в воздухе. Именно такими в своей скоротечной красоте запечатлел художник.

http://www.hudojnik-peredvijnik.ru

Портрет М.К.Олив. 1895

В Нижнем Новгороде, в числе прочих картин выставленных Товариществом художественных передвижных выставок, были представлены «Девочка с персиками (Портрет Веры Саввишны Мамонтовой) » 1887 года и «Девушка, освещённая солнцем (Портрет Марии Симонович)» 1888 год кисти Валентина Серова.
Эти две работы сразу же привлекли внимание художественных кругов, как коллег — художников, так же и коллекционеров. И в первую очередь Саввы Мамонтова. Который, собрав вокруг себя самый цвет восходящего художественного Олимпа того времени: И. Е. Репина, В. М. и А. М. Васнецовых, В. Д. Поленова, М. А. Врубеля, М. В. Нестерова, К. А. Коровина, И. И.Левитана и других, не только субсидировал их работу, но и подыскивал для них заказы.
Благодаря необычной творческой атмосфере, сложившейся в то время в так называемом «Мамонтовском художественном кружке», у Серова была возможность не только продолжить свои изыскания в области пейзажа и портрета, но и писать сюжетные полотна.
И всё же портрет оставался всю жизнь, быть может, иногда против воли, определяющим жанром в его творчестве.
Будучи учеником П.П.Чистякова, преподавателя невероятно взыскательного, требующего от своих питомцев полной отдачи. Валентин Александрович в свою очередь относился к своим моделям с большим вниманием и работал очень долго, изучая характер и образ жизни модели. Среди поклонников его таланта, хотевших заказать ему портрет, ходила молва, что он чуть ли не по 90 часов заставляет сидеть в одной позе.
Портрет двоюродной племянницы Саввы Мамонтова Маре Олив, Серов писал также очень долго. Но при взгляде на полотно возникает ощущение, что картина написана, что называется «a la prima », сразу на одном душевном движении.
Виртуозная лёгкость широкого мазка, «маэстрия», не мешает глубокому психологизму и таинственности этого произведения. Особое значение Серов придавал положению рук, повороту головы, «поиск чего-то случайного», которое никогда не было случайным. В портрете М.К.Олив интересно положение рук: женщина, как бы поправляет воротник, но кажется, что она от чего-то защищается, «закрывается».
Серов подолгу изучал своих портретируемых и очень часто его зоркий глаз угадывал истинный психологический образ за маской повседневного поведения. Эта «сущность» в портрете проступала, открывая настоящее «лицо» модели.
Скупая цветовая гамма портрета — чрезвычайно точно рассчитанный психологический приём: фигура, платье, плечи, интерьер — всё погружено в темноту. Выделено лицо, рука и проблески света на драгоценном ожерелье. Мягкие черты лица, чуть светящиеся своей белизной в окружающей темноте, дают представление об образе глубоко чувствующей искусство Маре Олив. Это полотно по праву считается одним из удачнейших портретов кисти Валентина Серова, выдвигающих его творчество в число самых лучших художников своего времени.

Автор И. Шмитц

http://www.hudojnik-peredvijnik.ru

«В мастерской художника»
1881
Холст, масло 212,4 x 155
Государственная Третьяковская галерея
Москва

На своей яркой картине «В мастерской художника» Константин Маковский изобразил своего сына, который встав ножками на кресло, собирается взять яблоко с подноса, стоящего на столе. Само действие картины происходит непосредственно в мастерской художника.
Сам автор называл свой труд «Маленький вор». Герой этой картины ещё слишком мал для того, чтобы знать, что такое эстетическое наслаждение от натюрморта в фламандском стиле. Поэтому мальчик, одетый в белую ночную сорочку старается, во что бы то ни стало завладеть красным спелым яблоком.
Его тревожный взгляд и осторожный наклон говорит о том, что он действительно чувствует себя вором, совершающим что-то плохое. Маленькими ножками ребёнок стоит на богатой и роскошной ткани, которая была предусмотрительно разложена художником для написания натюрморта.
Возникает ощущение, что мальчик совсем не боится огромной собаки, которая лежит на пёстром ковре. Из-за того, что размер пса в несколько раз превышает рост ребёнка, и собака имеет рыжую шерсть, начинает казаться, что это уже не пёс, а самый настоящий огромный лев, раскинувшийся в комнате.
Дополняют картину, придавая ей особый колорит, старинное оружие, антикварные вазы и богатые ткани.

http://www.hudojnik-peredvijnik.ru

Какой простор! 1903

Сын и дочь художника изображены в высоких волнах прибоя. Словно былые, еще не распятые души – олицетворение молодости – представлены на полотне. Веселье и радость жизни, переполняющие молодых людей, вполне соответствуют бушующему энергией состоянию окружающей их природы – могучим волнам прибоя, захлестывающим две беззащитные фигуры.
Но они улыбаются, смеются, их не смущают холод воды и непогода. Девушка придерживает шляпку, чтобы ее не унесло ветром и прячет лицо от его порывов, юноша же, напротив, распахнул шинель и стремится навстречу стихии со всей силой молодости.
Чувство победы над страхом, воли, открытой стихии владеет зрителем. Картина написана в «Пенатах», вдали от столицы. Так что версия о предчувствии Репиным общественных движений и реющих над Россией могучих грозовых вихрях отдает приоритет теме радости жизни, ее близости к миру природы, ликованию юности. От картины веет счастьем и теплом, как и от всех репинских портретных полотен, посвященных его семье.
В характерной для художника манере «любви-вражды» он выражает свое отношение к новому поколению. Романтическая приподнятость и радостные упования на молодежь – так выразил критик В. Стасов своеобразие образов юноши и девушки.
Мастерски изображена водная стихия – зеленовато-прозрачная на переднем плане, она переходит в сурово-синюю на заднем. Вскидывающая водные брызги и белую пену вода предстает как сила, безудержная и неутомимая. Финский залив и Невские берега вдохновили художника.
Среди шумной бури, раскинувши руки,
Стоит смело парень, кричащий подруге:
«Смотри, что за сила! Простор и свобода!
И даже во гневе прекрасна природа!»…
Не каждый свиданье устроить решится
В тот час и в том месте, где шторму не спится.
Влюбленным же это совсем безразлично,
Там, где они вместе, и место отлично!».
(Н. Алешкова)

http://www.hudojnik-peredvijnik.ru

«Крестьянские девочки в лесу»
1878
Холст, масло
Пермская государственная художественная галерея

Один из основателей и активный деятель Товарищества Передвижных Художественных выставок, А. Корзухин был не только одаренным художником, но глубоким знатоком народного быта. В своем творчестве он уделял большое внимание развитию этой темы, результатом чего стали прекрасные картины, сохранившие до наших дней яркие моменты жизни крестьянского сословия.
В ряду работ крестьянской тематики картина «Крестьянские девочки в лесу» занимает особенное место. Дело в том, что художник обращался к изображению данного сюжета дважды. Первое полотно было написано годом ранее и отличалось большей декоративностью, яркостью и картинностью рисунка. «Крестьянские девочки…» 1878 года – более драматичное, эмоционально наполненное полотно, вызывающее не только интерес, но и переживание за маленьких героинь.
Картина изображает повседневную жизнь крестьянских детей – три девчушки отправились в лес за ягодами. Вот уже почти до верха были набраны лукошки , как вдруг – кто-то неведомый испугал детей и заставил их насторожиться. Что это – треск сучьев, волчий вой или рев медведя? В испуге, девочки прижались друг к другу и оперлись спиной о старое мощное дерево, словно ища у него защиты. Но за испугом читается и присущее детям любопытство. Девочки вглядываются в темную лесную чащу, пытаясь разглядеть и понять, кто или что там может скрываться и стоит ли бояться этого.
От картины исходит беспокойство и волнение – художнику мастерски удалось передать эту эмоцию благодаря светотеневым эффектам, выделяющим лица детей и дерево-защитника на фоне густого мрачного леса.
Долгое время в художественных кругах считалось, что фон картины был выполнен не Корзухиным, а другим художником – признанным мастером пейзажа И. Шишкиным. И только после длительного кропотливого изучения холста было доказано, что последний не имеет никакого отношения к работе Корзухина. Это служит еще одним доказательством необыкновенного таланта художника.

http://www.hudojnik-peredvijnik.ru

«Торг. Сцена из крепостного быта. Из недавнего прошлого»
1866
Государственная Третьяковская галерея
Москва

Жизнь ярчайшего передвижника Николая Васильевича Неврева была невероятно трагичной, и не может не вызывать сочувствия. Глядя на его острые обличительные работы ощущение это только усиливается.
Прекрасный живописец, мастер исторического жанра, в конце 60-х переживает вдруг творческий и моральный перелом. Наделённый тонкой душой и обострённым чувством справедливости, Неврев принимается за сатирическое облечения современного ему общества. Картина «Торг. Сцена из крепостного быта. Из недавнего прошлого» — выдающееся произведение, написанное именно в жанре картинной драмы, едкой сатиры, демонстрирующей отвращение автора к «диким» нравам крепостных помещиков.
На картине мы видим двух помещиков, чей внешний вид, несмотря на добротное убранство, вызывает стойкое чувство неприязни. Напыщенные, высокомерные, облысевшие, они обсуждают сделку товаром которой выступает молодая крестьянская девушка.
Что более всего «трогает» зрителя – это чрезвычайное спокойствие помещиков, как будто дело идёт о каком-либо неодушевлённом предмете. Отведя в сторону взор, владелец девушки о чем-то размышляет, обрюзгший же покупатель уже хозяйственно положил руку на крепостную, уверенный, что дело сладится.
Далее взгляд скользит к лицу девушки. Сегодня сложно сказать, каким его задумывал автор, ведь когда эта картина попала в руки Третьякова, именно в этом месте зияла дыра. Но отреставрированное лицо выражает протест и осознание бессилия, а крепко сжатые губы, непроницаемый взгляд в купе со сложенными на груди руками заставляют восхититься мужественностью девушки.
Толпа крепостных на заднем плане – это бесправная людская масса, которая только и может, что посочувствовать. Разве, что выделяется среди них староста, который пригнал девушку на торг. Подпоясанный кушаком, он стоит безмолвный, безучастный и бесстрастный – он исполнитель барской воли.
Более всего поражает в картине то, насколько много автор смог донести информации о главных действующих лицах! Об образованном хозяине красноречиво говорит убранство комнаты – картины, книг и даже портрет вольнодумца Мирабо, об уверенном в себе госте – его непринуждённая поза, небрежно наброшенная на стул одежда, о характере девушке – упрямый взгляд и протестующая поза. Мы можем прочувствовать каждого персонажа, возмутиться, посочувствовать, сопереживать, изумиться безнравственным порядкам сильных мира ушедшего.
Картина «Торг» — была великой удачей и великим поражением автора. Обнаруженная на старом чердаке и явившись миру, она принесла художнику известность, но затмила его остальное творчество, которое было невероятно самобытно и искусно. Впоследствии, он не был востребован и имел острую нужду, которая довела его до отчаяния и самоубийства.

http://www.hudojnik-peredvijnik.ru

«Воскресный день»
1884
Холст, масло
Харьковский художественный музей


Картины Алексея Корзухина сегодня заслуженно стоят в ряду признанных работ лучших российских жанровых художников. Прекрасным примером его удивительного таланта является и полотно «Воскресный день».
Теплый летний день. Воскресенье. Ласковое ясное солнце светит, пригревая собравшееся отдохнуть на лесной полянке семейство. Это обычная русская семья – родители, дети и их няня.
Как хороша природа, какое прекрасное настроение она дарит людям! Отец и мать весело танцуют под бойкую мелодию, которую наигрывает на гармошке кучер. Глядя на родителей, в руках няни смеется и улыбается их малыш. Остальные члены семьи расположились неподалеку на траве, наслаждаясь беззаботным отдыхом. Старший сын задорно взмахивает рукой, поддерживая родительскую пляску. Рядом – девушка в белых одеждах, заслушавшись музыкой, думает о чем-то своем. Вот-вот закипит самовар. Девушка в синем платье готовится накрывать на стол – скоро веселая семья будет обедать и пить чай.
Окружающая природа так же наполнена радостью жизни. Художник расцветил лесную полянку удивительными красками, прописав до мелочей каждую деталь композиции. Словно живые, шелестят на ветру зеленой сочной листвой деревья и кусты, невероятно реалистичная трава полянки так и манит прилечь отдохнуть на свой мягкий изумрудный ковер, а незатейливые луговые цветочки, кажется, скоро заполнят тонким ароматом все вокруг, перенеся зрителя туда, в гости к отдыхающему семейству.
Веселое, живое, полотно, от которого веет семейным уютом и теплом, смехом и радостью, ароматами трав и вкусного обеда. Искренность и непосредственность изображенной здесь семьи подкупает с первого взгляда на картину, пробуждает желание так же, как они, найти свою веселую полянку, закружиться в беззаботном танце и забыть обо всем хотя бы на несколько минут.

http://www.hudojnik-peredvijnik.ru

«Девичник»
1889
Холст, масло 94 х 153
Государственный Русский музей


Знаток народного быта и культуры, А. Корзухин в своей картине «Девичник» отобразил важное для любой девушки событие – проводы невесты перед свадьбой. Каждый момент жизни русского человека в старину был связан с определенными ритуалами, будь то песни, танцы, мольбы или заклинания. И русский девичник так же проводился в полном соответствии с народными традициями.
В центре картины художник изобразил молодую девушку в окружении свахи и ее помощниц. Она только что вышла из бани, и стоит посреди двора, одетая в нательную рубаху и полушубок, повязав на голову легкую косынку. На свахе – богатый наряд и праздничный головной убор — бабья кика. В руках она держит медный таз и кочергу – чтоб сытны и хлебосольны были застолья в доме у будущей хозяйки. Свой предмет держит и каждая из свахиных помощниц. Вот перед невестой одна из них старательно машет метелкой, расчищая семейную дорогу от всяческих преград. В это же время другая в стороне несет ведро с коромыслом – чтобы крепко держались супруги друг за друга и никакая вода меж ними не вставала. Две оставшиеся девушки, танцуя и гремя домашней утварью, отпугивают от молодой невесты злых духов.
Здесь же, в правой части картины, художник изображает пир, собиравший всех замужних женщин со стороны невесты и жениха. Надев свои лучшие наряды, будущие родственницы угощаются пирогами да медовухой, следят за соблюдением ритуала и, конечно, обсуждают невесту и придаются воспоминаниям о своих, уже прошедших девичниках.
Дальний план картины открывает саму баню. На ее крыльце, завороженная праздничным действом, задержалась молодая девушка. Скоро и ей самой предстоит оказаться в центре этого обряда.
Прекрасная, очень живая и динамичная, насыщенная ярким колоритом картина оставляет только светлые чувства и надолго остается в памяти.

http://www.hudojnik-peredvijnik.ru

«Возвращение с сельской ярмарки»
1868
Холст, масло 67 х 84,5
Государственная Третьяковская галерея
Москва

Каждая картина А.Корзухина – словно небольшой рассказ о жизни простого русского народа. Художник описывает детей в моменты минутной радости и печали, ребятишек, занятых веселыми играми и задорными шалостями, рисует зрителю сцены встреч, расставаний и возвращений. Глубокой симпатией и искренним сочувствием к нелегким судьбам крестьян наполнены все его работы. Светлые, лиричные, добрые.
Талант художника не раз был отмечен критиками Императорской Академии художеств. Золотые и серебряные медали, звание художника 1 степени а затем и академика говорят об особом художественном даровании А.Корзухина.
Звание академика художнику принесла широко известная работа «Возвращение отца семейства с ярмарки», написанная в 1868 году. Радостью, весельем, настроением настоящего праздника проникнута эта картина, изображающая простой и незатейливый сюжет. Довольный удачными покупками, в центре полотна пляшет, подыгрывая себе на балалайке, отец семейства. Вместе с ним радуются и односельчане – позади приплясывает белобородый старик и лихо машет фуражкой мужичок. Скоро отец семейства вернется домой и обрадует свою жену и детей желанными покупками.
Обладая даром точного и внимательного наблюдателя, Корзухин в этой картине удивляет филигранно проработанными деталями, создающими общее праздничное настроение привычного ярмарочного дня. Простой кистью художник передает на холсте искреннюю радость и по-детски неподдельное веселье, играющее на лицах и в глазах людей. Необыкновенно лиричная и вместе с тем естественная картина, глядя на которую каждый зритель невольно ощущает себя участником праздничного действа. Вместе с радостными персонажами идешь по пыльной дороге, пускаешься в плясовую под задорные наигрыши балалайки, вдыхаешь чистый воздух и теряешь голову от красоты бескрайнего синего неба.

http://www.hudojnik-peredvijnik.ru

«Возвращение из города»
1870
Холст, масло 63 х 89
Государственная Третьяковская галерея

На картине «Возвращение из города» А.И. Корзухин описывает очень трогательный момент. Перед зрителем предстаёт маленькая комнатка бедной крестьянской семьи. На переднем плане старенький деревянный стол. За ним сидит на низком табурете мужчина с бородой.
На нём надет тёплый зимний тулуп и сапоги с мехом. В одной руке он держит ниточку с бубликами, а другой собирается одеть такое же «ожерелье» своей средней дочери. Она стоит в одной сорочке, босая на деревянном полу и завороженно смотрит в глаза отцу. Похоже, он ей что-то говорит, и у него очень добрые глаза. Рядом с сестрой стоит старшая дочь в сарафане, и держит в руках синюю ленточку. У неё блестящие распущенные светлые волосы, в отличии от сестры, которая имеет русые волосы.
На пыльном полу полусидит их маленький братик в белой футболочке. Рядом с ним лежит пелёнка. Наверху из досок и белой ткани висит самодельная люлька для маленького сына. В углу находится место, закрытое шторками, где спят родители и старшие дети. Там проглядывают толстые матрасы и подушки. Бабушка, поставив самовар на пол, и склонившись над ним, наливает из небольшой бочки в него воду. На ней простая белая сорочка, юбка и передник. Голова покрыта тёмной косынкой.
В проёме двери видны очертания чьей-то фигуры. Но из-за сумрака, который царит в коридоре, сложно разобрать мужчина это или женщина.
В комнатке низкие потолки, повсюду беспорядок и пыль. Но главное, что хотел показать автор – это то, что все члены семьи живут дружно, даже не имея большого богатства.


http://www.hudojnik-peredvijnik.ru

Море. Коктебель,1853
Холст, масло. 82,5 x 118.
Феодосийская картинная галерея им. И. К. Айвазовского

В 1853 году Айвазовский пишет одну из выразительных и совершенных картин "Море. Коктебель". Она создана в тех же лучших романтических традициях, что и картина "Девятый вал". Действие происходит в Коктебельской бухте.

Справа, вдали уступами возвышается овеянный легендами Кара-Даг, большую часть холста занимает высокое небо и взволнованное море. Картина залита яркими лучами заходящего солнца. Небо кажется легким, воздух прозрачным и влажным. Волны, чередой набегающие на берег, виртуозно прописаны лессировками. Романтический строй произведения усиливают борющийся с волнами корабль, трепещущий на ветру красный вымпел и серп, зарождающегося на небе месяца. В этой картине художник достиг подлинного мастерства и большой артистичности в манере исполнения.

Т. С. Трубнякова,
директор Феодосийской картинной галереи им. И. К. Айвазовского

http://www.rodon.org/art-070923024352

Спокойное море, 1863
Холст, масло. 45 х 58,5.
Национальная галерея Армении, Ереван

Море было его стихией. Только ему была распахнута душа художника. Каждый раз становясь за мольберт, Айвазовский давал волю своему воображению. И на полотне воплощалось именно то, что он заранее видел своим внутренним взором.

Таким образом, Айвазовский вошел в в современное ему искусство, руководствуясь собственными законами художественного мироощущения. Художественное мышление мастера декоративно; это обусловлено его детством, его кровью, его происхождением. Декоративность отнюдь не мешает, а способствует Айвазовскому в его точных эмоциональных характеристиках изображаемого. Совершенство результата достигается виртуозностью самых необычайных тоновых ньюансов. Здесь ему нет равных, именно поэтому его сравнивали с Паганини. Айвазовский – маэстро тона.Усвоенные им каноны европейской школы накладываются на его природное, сугубо национальное декоративное чутье. Это единство двух начал позволяет художнику добиться и столь убедительной насыщенности световоздушной атмосферы, и певучей цветовой гармонии. Быть может, именно в уникальности такого слияния таится колдовская притягательность его картин.

По книге Ш. Хачатряна "Айвазовский известный и неизвестный"

http://www.rodon.org/art-070923222032

Мальчишки, мальчишки...


На пароме через Керченский пролив.


Утопаем в зелени кипарисов))).

*****