Безусловно, вы согласитесь со мной, что подарки получать всегда очень приятно! Если, к тому же, они связаны с живописью, которой увлечен. На днях мой ПЧ и замечательный собеседник ВВВладимиров прислал мне целую подборку картин представленного ниже художника на тему "Балет" и предложил идею сделать о нем материал. Мне осталось только "соорудить" биографию художника и представить его имя и творчество в своей серии "ЖЗЛ" вместе с огромной благодарностью Владимиру.

Франсуа (Ференц) Галл
Francois (Ferenc) Gall

22 марта 1912, Колошвар, Венгрия – 9 декабря 1987, Париж



François Gall Self-Portrait.

Французский художник венгерского происхождения.
Родился Ференц в городке Колошвар в Трансильвании (ныне город Клуж-Напока, Румыния) в венгерской семье. После окончания школы юноша в 1929 году поехал в Италию и поступил в Королевскую Академию изящных искусств в Риме. Для того, чтобы обеспечить себе средства на жизнь, Ференц после занятий трудился разнорабочим. Два года учебы пролетели незаметно, и юному художнику пришлось вернуться на родину, где ему предложили место преподавателя в венгерском Колледже искусств. В этом же 1930 году Галл получил от венгерского правительства грант (стипендию) для продолжения учебы за рубежом. В 1932 году в возрасте 20 лет картины Галла были представлены на национальной выставке, где он был награжден призом “Le Prix Hunyadi-Aldobrandini". Впрочем, продолжить учебу художник смог только спустя шесть лет и выбрал для дальнейших исследований, конечно же, Париж. В декабре 1936 года Галл приехал в Париж и поступил Академию изящных искусств в мастерскую Андре Девамбеса.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. В ГАЛЕРЕЕ 22 КАРТИНЫ.

Сегодня хочу представить картину и рассказать о персонаже, изображенном на ней. Картину написал в 1810 году французский художник Франсуа-Мариус Гране (Francois-Marius Granet, 1775, Экс-ан-Прованс - 1849, там же). Он был учеником французского живописца, основоположника французского неоклассицизма Жака- Луи Давида (Jacques-Louis David, 30 августа 1748, Париж — 29 декабря 1825, Брюссель), а также соучеником и близким другом общепризнанного лидера европейского академизма XIX века Жана Огюста Доминика Энгра (Jean Auguste Dominique Ingres, 29 августа 1780— 14 января 1867).
На полотне «Стелла в тюрьме» (Stella in Prison), написанном в 1810 году, Гране отобразил историю, происшедшую с французским художником Жаком де Стелла в 1633 году.



François-Marius Granet Stella in Prison. 1810 г.

Проживая в Риме, художник был обвинен в преступлении, которое не совершал, и заключен в тюрьму. При аресте он не имел при себе документов, поэтому не смог доказать, что он не тот, за кого его принимают. Находясь в заключении, Жак на стене камеры написал картину «Мадонна с младенцем», которая привела в восхищение и тюремщиков, и других заключенных. Талант художника помог установить личность и даже освободиться из заключения.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. В ГАЛЕРЕЕ 22 КАРТИНЫ.

Мои постоянные читатели знают, что меня увлечь новой темой очень просто, меня всегда интересуют художники с интересными судьбами и интересными темами творчества. Об этой художнице я узнал совсем недавно, благодаря моему читателю Алексею Шмелькину.
В интернете я нашел замечательное эссе директора музея Герцена в Москве Ирины Желваковой «Кинемо с Маяковским» (Путешествие из Москвы в Париж и обратно), от которого и оттолкнулся в работе над этим материалом. Эссе посвящено больше дяде художницы - Льву Александровичу Гринкругу - близкому другу Владимира Маяковского и Лили Брик, но есть в этой статье и рассказ о самой художнице, и ее воспоминания, поскольку, чтобы собрать материал, госпожа Желвакова специально ездила в Париж и встречалась с Алекс Григ. Цитаты из этого эссе, посвященные художнице и ее предкам, я использовал в этом материале, за что отдельная благодарность автору!

Алекс Григ
Alex Grig
Настоящее имя – Александра Онисимовна фон Гринкруг



Alex Grig Self-Portrait 1963 г.

Французская художница, иллюстратор, декоратор и гравер.
Алекс родилась в 1938 году в Париже в семье русских эмигрантов.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. В ГАЛЕРЕЕ 20 КАРТИН.

Мари Бракмон
Marie Bracquemond

1 декабря 1840, Арджентон –
17 января 1916, Севр



Marie Bracquemond Self-Portrait 1870 г.

Французская художница-импрессионистка, жена художника Феликса Брекмона.
Мари Куворон родилась года в местечке Арджентон в Бретани. Отец, капитан дальнего плавания, умер вскоре после рождения дочери. Мать повторно вышла замуж за М.Паску (М. Pasquiou), и у Мари появилась сестра Луиза. Семья часто переезжала - из Бретани в Швейцарию, затем в Оверни, и, наконец, поселилась в Этампе, городке к югу от Парижа. Там Мари и начала заниматься искусством.
Сначала девушка училась живописи у пожилого художника-реставратора (имя которого история не сохранила), который давал уроки рисования именно девушкам. Бракмон никогда так и не получила профессионального обучения, но в 1957 году рискнула показать свою картину, на которой изобразила мать с сестрой и старого учителя, жюри официального парижского Салона. К удивлению всех, картина была принята на выставку, и на девушку обратил внимание бельгийский художник-академист Альфред Стевенс.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. ЕЩЕ 20 КАРТИН.

4. «У рояля»
(Autour du Piano)
1885 г.

На последней из этого “цикла» картине «У рояля» Фантен-Латур изобразил музыкальный «цвет» Парижа.



Henri Fantin-Latour Autour du piano. 1885 г.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ

3. «Угол стола»
(Le Coin de table)
1872 г.



Henri Fantin-Latour Coin de table 1872 г.

Следующий групповой портрет был написан два года спустя. Называется картина «Угол стола» и изображает поэтов, драматургов и журналистов, собравшихся в кафе в годовщину смерти поэта Шарля Пьера Бодлера ( Charles Pierre Baudelaire, 9 апреля 1821 — 31 августа 1867). Практически все герои картины были объединены участием в альманахе «Современный Парнас» (издатель Альфонс Лемер), первый выпуск которого состоялся в марте 1866 года, поэтому их часто называют в литературе «парнасцами».


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ.

2. «Мастерская в Батиньоле»
(A Studio in Les Batignolles)
1870 г.



Henri Fantin-Latour Un estudio en Les Batignolles 1870 г.

Эту картину Фантен Латур посвятил своему другу, художнику Эдуару Мане, которого и изобразил в центре группы сидящим перед мольбертом.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. ЕЩЕ 7 КАРТИН.

Вот мы и подошли к картинам, ради которых и задумывался этот цикл.

Групповые портреты

Несмотря на близкое знакомство с импрессионистами, Фантен-Латур придерживался стиля, близкого к реализму, он оставался учеником Курбе.
Художник был известен, как создатель крупноформатных групповых портретов известных людей. Именно эти работы принесли художнику широкую известность еще при жизни.
Эти большие портретные композиции по своей композиции напоминают голландские корпоративные портреты XVII века, примерно, в духе Франса Халса.
На этих картинах художник запечатлел людей искусства, близких ему по духу, своих друзей и коллег, практически всех завсегдатаев кафе Гербуа. Художник создает яркие индивидуальные образы и в то же время передает особую атмосферу творческого содружества.

Известны четыре картины Фантен-Латура, изображающие художников, поэтов, писателей и музыкантов того времени. Интересная деталь – в год создания все эти работы экспонировались на официальном Парижском Салоне. Сегодня все они собраны в коллекции парижского Музея Д’Орсэ.

1. «Посвящение Делакруа»
(Hommage à Delacroix)
1864 г.

Это самая первая и самая большая из четырех работ, которая была написана в 1864 году, через год после смерти великого художника. Картина была выставлена в этом же году в Парижском Салоне в зале рядом с портретом Делакруа. Есть подозрение, что тема картины стала «пропуском» для Анри на выставку Салона!



Henri Fantin-Latour Hommage à Delacroix. 1864 г.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. ЕЩЕ 9 КАРТИН

Для начала, прежде, чем представить вам картины, которые я отобрал для "Выставки одной картины", познакомимся с их автором.

Анри Фантен-Латур
Henri Fantin-Latour
Полное имя – Анри Иньяс Жан Теодор Фантен-Латур
Henri Ignace Jean Theodore Fantin-Latour

14 января 1836, Гренобль — 25 августа 1904, Бюре, Орне



Henri Fantin-Latour Autoportrait 1859 г. Musée des Beaux-Arts, Grenoble.

Французский художник и литограф, известен своими цветочными натюрмортами и групповыми портретами современников.
Начальное художественное образование Анри получил у своего отца, портретиста Жана-Теодора Фантен-Латура. Затем семья переезжает в Париж, и Анри в 1851 году поступает в мастерскую Ораса Лекока де Буабодрана. Есть сведения, что юноша в Париже изучал медицину и одновременно учился живописи. В 1854 году Фантен-Латур поступил в Школу изящных искусств в Париже. Во время учебы Анри много копировал картины старых мастеров в Лувре.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ

Амрита Шер-Джил
Amrita Sher-Gil

30 января 1913, Будапешт - 5 декабря 1941, Лахор



Amrita Sher-Gil Self-Portrait.

Выдающаяся индийская художница.
Ее часто называют «индийской Фридой Кало». На сегодняшний день Шер-Джил считается в Индии самой известной и «самой дорогой женщиной-художницей ХХ века, чье наследие ценится наравне с мастерами Бенгальского Ренессанса.

Для справки:
Бенгальский Ренессанс (Bengal Renaissance) - общественное движение реформ в XIX – начале XX веков в области Бенгалии в Индии в период британского правления. Возрождение было начато религиозным и социальным реформатором Раджой Рамом Мохан Роем (1775-1833) и получило логическое завершение в творчестве Рабиндраната Тагора (1861-1941).
Жизнь Бенгалии в девятнадцатом веке была уникальной смесью религиозных и социальных реформ, появлением ученых, литераторов, политических деятелей, что ознаменовало переход Индии от средневековья к современности.

Амрита Шер-Гил родилась в столице Венгрии – Будапеште. Ее родителями были выходец из древнего рода сикхов из деревни Маятха, в Амритсаре, район Пенджаба, ученый по изучению санскрита и персидского языка Умрао Сингх Шер-Джил Маятхи и оперная певица еврейского происхождения родом из Венгрии Мария-Антуанетта Готтесманн.
Мать Амриты когда-то приехала в Индию в качестве компаньонки принцессы Бамбы Сазерленд, которая опубликовала в Лондоне объявление, что ищет компаньонку для путешествия с ней в Индию, на родину ее отца махараджы Дулипа Сингха и дедушки махараджи Ранджита Сингха.
Мария-Антуанетта познакомилась с будущим мужем Умрао в Шимле и вскоре вышла за него замуж. Они вместе отправились в Будапешт, где вскоре и родился их первый ребенок – дочь Амрита. Она была старшей из двух дочерей. Ее младшая сестра Индира Сундарам (урожденная Шер-Джил), мать современного художника Вивана Сундарама.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. В МАТЕРИАЛЕ 20 КАРТИН.

Пьер Таль-Коат
Pierre Tal-Coat

12 декабря 1905, Клоар-Карноэ, Бретань − 12 июня 1985, Вернон, департамент Эр



Pierre Tall-Coat Self-Portrait 1937 г.

Французский живописец, график, книжный иллюстратор, гравер и скульптор.
Самое удивительное, что при этом многообразии талантов художник был по сути самоучкой, как говорится «Академий мы не заканчивали».
Родился Пьер и вырос в деревне Клоар-Карноэ в Бретани в семье простого рыбака. Настоящее имя художника - Пьер-Луи Жакоб (Pierre Louis Jacob).
С 1912 по 1914 год Пьер учился в начальной школе.
В 1915 году, во время первой мировой войны, его отец был убит на фронте в битве под Аргонном.
В 1918 году юноша пошел работать учеником кузнеца, увлекся конструированием и начал делать скульптуры. За свое творчество художник получил национальную стипендию и право учиться в Высшей школе в Куимперле.
Свою трудовую деятельность Пьер начал в 1923 году в качестве помощника нотариуса в Арзано.
В 1924 году юноша нашел работу на фабрике фарфора в Куимперле, куда устроился декоратором,
создавая персонажей и пейзажи сельской местности Бретани для посуды.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. В ГАЛЕРЕЕ 35 АВТОПОРТРЕТОВ.

Джил Брювель
Gil Bruvel

Родился в 1959 году



Gil Bruvel
Gil Bruvel Self-Portrait, Venice 1475.

Французский художник и скульптор.
Джил первые четыре года своей жизни провел в Сиднее, Австралия. Затем его семья переехала в маленькую деревню Истрес на юге Франции. Здесь его родители, музыканты- пианисты по образованию, обнаружили художественный талант младшего сына и с девяти лет отдали его учиться рисованию. В возрасте 12 Джил написал свою первую картину маслом, и с этого момента живопись становится страстью его жизни.
С 14 лет Брювель начал подрабатывать в реставрационной мастерской. Под пристальным наблюдением мастеров юноша усердно изучал широкий спектр техник и стилей живописи, охватывающей с 15 по 20 века. В то же время он самостоятельно изучал историю архитектуры, культуры и литературы тех времен, которые помогали в восстановлении великих произведений искусства.
Несмотря на изнурительные часы реставрации, начинающий художник сумел найти времени, чтобы развивать свой творческий стиль живописи. Он писал традиционные портреты, пейзажи, натюрморты и обнаженную натуру.
В возрасте 16 лет его первая выставка была организована в Музее des Baux-de-Provenance и прошла с большим успехом.
Вскоре после этого, стремясь расширить свой творческий диапазон, Брювель увлекся изучением
космогонии, мифологии, астрономии и санскрита. В течение следующих нескольких лет он продолжал экспериментировать со своим искусством. Свой особый стиль художник предпочитает называть "провидческим" (visionary), он, по словам художника, отражает четкое сознательное состояние души и ума и в отличие от сюрреализма отражает мечты государств.
Художник основал свою студию в Сан-Реми де Провансе и трудился там до 1986 года.
Первая персональная выставка Брюнеля прошла в 1976 году, после этого он с огромным успехом экспонировался по всей Западной Европе, а также в Японии, Сингапуре, Венгрии и США.
В Соединенные Штаты Брювель впервые приехал с выставкой в 1986 году, а с 1990 года переехал туда на постоянное место жительства.
Все чаще критики называют художника «новым Дали».

Источник



ЕЩЕ 3 АВТОПОРТРЕТА

Как-то раньше я пытался "играть" в "Три возраста" художников, выставляя их автопортреты разных лет.
В художественном Календаре в Дневнике моего ПЧ Jostr я прочитал, что сегодня - день рождения французского живописца де Ла Тура. Вот и решил представить коллекцию от Мориса Квентина де Ла Тура. Может, это превратности перевода, но в некоторых изданиях фамилия живописца указана, как Кантен де Ла Тур. Как же правильно?

Морис Квентин де Ла Тур
Maurice Quentin de La Tour

5 сентября 1704 - 17 февраля 1788



Морис Квентин де Латур. Автопортрет в берете. 1741 г. Сен Кантен, музей Латура.

Французский художник-портретист эпохи рококо.
Он был одним из самых лучших пастелистов 18-ого столетия, равным Жану Симеону Шардену и Жану Батисту Перронье. В отличие от них, однако, он не написал ни одной работы маслом.
Он родился в Сен-Кантене (департамент Эна) и был сыном музыканта, который не одобрял его увлечение живописью. В возрасте 15 лет Ла Тур отправился в Париж, где поступил в мастерскую фламандского художника Жака Споде (Jacques Spoede). Затем в 1724 году он отправился в Реймс, а в 1725 году - в Англию.
Около 1727 года Морис вернулся в Париж, чтобы продолжить обучение. Есть сведения, что он был учеником Клода Дюпуша. С этого времени художник и стал писать исключительно пастелью. Приятная манера исполнения камерных пастельных портретов, отличавшихся достоверным сходством, вскоре сделала художника популярным. Он наделял изображения своих натурщиков характерным обаянием и умом. Реагируя против величественных портретов предыдущих поколений и против мифологических портретов многих из его современников, Ла Тур возвратился к более реалистическому стилю работы. Фундаментальное качество его искусства заключается в его способности предложить характер и психологию своих моделей посредством их выражения лица, и таким образом перевести их беглые эмоции на бумагу. «Я проникаю в глубины моих заказчиков без их знания этого, и захватываю их целиком» - как выражался он сам. Ла Туру позировали Вольтер, Руссо, Д'Аламбер, король Людовик XV, маркиза Помпадур, художники, актрисы, общественные деятели эпохи Просвещения.
В 1737 художник выставил первый портрет из своей великолепной серии 150 портретов, которые принесли ему славу на парижских Салонах, где он экспонировался следующие 37 лет.
В 1746 он стал членом Королевской академии, а в 1751 году был повышен до члена Совета.
С 1750 года Ла Тур стал живописцем короля и занимал эту должность до 1773 года, пока позволяло здоровье (в 1773 году у художника случился нервный срыв).
Какое-то время художник Джозеф Дукреус был его единственным учеником.
Ла Тур основал художественную школу и стал филантропом, но большинство времени он был привязан к дому из-за своего психического заболевания.
В возрасте 80 лет художник вышел на пенсию, а через три года, 17 февраля 1788 года, он умер.
В творческом наследии художника более 1200 пастелей и рисунков.


СМОТРИМ ТРИ ВОЗРАСТА

Элизабет Шаплен
Elisabeth Chaplin

1890, Фонтенбло – 1982, Флоренция



Elisabeth Chaplin Autoritratto con scialle rosso 1912 г. Florence, Palazzo Pitti

Французская художница, прожившая всю жизнь в Италии.
Мать Элизабет была известной поэтессой и скульптором Маргаритой Бавье-Шофур, дядя - художник Шарль Шаплен. В 1900 году семья девочки переехала в Италию, из-за работы отца, сначала в Пьемонт, а затем на итальянскую Ривьеру. Именно там, в Лигурии, Элизабет увлеклась живописью и начала самостоятельно заниматься рисованием, пользуясь лишь советами и рекомендациями Альберта Беснара. Когда семья Шаплен в 1904 году поселилась на вилле Росси во Флоренции, девушка смогла побывать в студии Франческо Джиоли и познакомиться с Джованни Фаттори. Посещение галереи Уффици сыграло решающую роль в ее решении стать профессиональной художницей и сосредоточиться для продолжения самообразования на копировании классики.


СМОТРЕТЬ ДАЛЬШЕ. В ГАЛЕРЕЕ 13 КАРТИН

Творчество этой художницы привлекло меня, признаюсь честно, только наличием множества каминов в ее картинах. Галереи картин этой художницы не раз появлялись в Дневниках на Ли.ру с комментариями "домшний уют". Наличие каминов на большинстве каминов, действительно, придает изображаемым помещениям тепло и уют.
Увы, даже во французских галереях не все картины художницы имеют названия.
И последнее: cheminee - по-французски камин.

Моник Вальденеж
Monique Valdeneige



Французская художница.
Моник Вальденеж родилась в Париже в 1944 году.
Училась в университете "Arts Appliques", после завершения учебы работала в рекламной компании. Несколько лет спустя Моник оставила эту работу, чтобы стать профессиональным художником.
Основные темы своих картин художница черпает в детских воспоминаниях - большие удобные кухни, спальни, сад в цвету.
Вальденеж выставляется с 1978 года в галереях «Наив и позитив» в Париже и Нью-Йорке, а также в галереях Вашингтона, Чикаго, Базеля и многих городах Франции.



Monique Valdeneige Winter.


ЕЩЕ 7 КАРТИН

Серия сообщений "Камин":
Часть 1 - КАМИН В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 1 )
Часть 2 - КАМИН В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 2)
...
Часть 10 - КАМИН В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 10 - КАМИНЫ ЧИЛДА ХАССАМА)
Часть 11 - КАМИН В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 11 - ПРОДОЛЖЕНИЕ КАМИННОЙ ТЕМЫ.)
Часть 12 - КАМИН В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 12 - МОНИК ВАЛЬДЕНЕЖ И ЕЕ CHEMINEE.)
Часть 13 - КАМИН В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 13 - В ДНИ АНОМАЛЬНОЙ ЖАРЫ ПОГОВОРИМ О КАМИНАХ!)
Часть 14 - КАМИН В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 14 - ЗИМНИЙ ВЕЧЕР У КАМИНА)
Часть 15 - КАМИН В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 15 - КАМИНЫ АМЕРИКАНЦА УОЛТЕРА ГЕЯ)
Часть 16 - КАМИН В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 16 - ГРЕЯСЬ У КАМИНА...)
Часть 17 - КАМИН В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 17 - ДАМА У КАМИНА)

Всегда очень радуюсь, когда встречаю в периодической печати подобные материалы, написанные с любовью к художнику, в которых читаешь яркий и интересный рассказ, а не сухие биографические данные. Сразу хочется поделиться своей радостью с другими.
В одном из старых номеров журнала «ВРЕМЕНА» нашел интересную статью Валентины Гутчиной о Тулуз-Лотреке. С удовольствием публикую ее в своем Дневнике, дополнив не только шедеврами художника, но и малоизвестными (по крайней мере, для меня!) картинами и фотографиями.

Анри Тулуз-Лотрек: Великий карлик

Художник всю жизнь ненавидел пейзажи, потому как ненавидел природу. Природу, которая обманула его, превратив в коротконогого уродца.



Henri de Toulouse-Lautrec


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. В ГАЛЕРЕЕ 30 КАРТИН.

Бруно Шмельц
Bruno Schmeltz



Французский художник.
Родился в Тулузе в 1938 году. В настоящее время живет в предгорье Пиренеев, в долине Кампан.
Даже на личном сайте художника не указано, где он получил образование. Написано лишь, что Бруно усердно копировал полотна великих мастеров в Лувре и музее Прадо в Мадриде.
Известно, что Бруно занимался монументальной живописью, писал настенные росписи и фрески (в основном в городах района Биггоре), занимался декоративным украшением интерьеров и даже выполнил витраж в кафедральном соборе в Дакаре.
Станковой живописью Шмельц занялся в начале 1970-х годов, причем изначально его техника была гиперреалистичной, а тематика сюрреалистичной.
В 1972 году Бруно на долгое время посвятил себя декоративной живописи. Этому поспособствовала встреча с Пьером Карденом, которому для своей выставки – показа нужно было расписать большое пространство оформления.
Сразу назову, что среди тех, кто способствовал популярности Шмельца, были дизайнер Жан Гисмонди и земляк художника, французский шансонье Клод Нугаро.
С 1974 года художник принимает участие в крупнейших выставках современного искусства в Париже, многих групповых выставках во Франции и за рубежом.
Критики особо отмечают сказочные пейзажи Шмельца, которые, очевидно, связаны с красотой Верхних Пиренеев, Эту природу он сделал «фоном» для своей серии «Вестерн» из жизни ковбоев и индейцев.
Помимо живописи, Шмельц увлекается лыжами, альпинизмом и пчеловодством.

А теперь предлагаю посмотреть картины художника, связанные с живописью, моделями и картинами.


В ГАЛЕРЕЕ 7 КАРТИН

Понимаю, что эта подборка к теме автопортретов не очень и подходит, зато я могу познакомить вас и собрать в одном материале все портреты Эдуара Мане - такие разные, написанные маслом и карандашом, реалистичные и карикатурные, но единные в том, что написаны с любовью к своему другу, коллеге или учителю.
Замечу, что представленные здесь портреты Мане хронологически не пересекаются с портретами художника, написанными в 1869-х годах Эдгаром Дега.



Felix Bracquemond Portrait de Manet 1867 г.


ЕЩЕ 12 ПОРТРЕТОВ МАНЕ

Насколько мне известно, Эдуар Мане написал всего два своих автопортрета. Вот они.



Edouard Manet Self Portrait with Palette 1878 г.
Edouard Manet Self Portrait with Skull-Cap 1878-79 гг. Bridgestone Museum of Art (Japan)

Все остальные изображения художника принадлежат его друзьям и современникам. Из 23-х портретов Мане, которые есть в моей коллекции, почти половину написал Эдгар Дега. Об их взаимоотношениях, которые историк Д. Ревалд в «Истории импрессионизма» называет «дружбой- враждой», и пойдет речь.

Мане и Дега

Эдгар Дега познакомился с Эдуаром Мане в 1861 году.
Произошло это в кафе Гербуа, которое в 1860-е годы было излюбленным местом встреч будущих импрессионистов.
Дега часто бывал в этом кафе, но, как человек замкнутый и нелюдимый, большую часть времени предпочитал проводить за работой, а не в спорах о судьбах искусства.
При этом, как пишет Ревальд, Дега «был ближе всех к Мане и по своим вкусам, и по остроумию, которым был так щедро одарен».
Будучи человеком весьма авторитетным в среде молодых художников, неформальным главой Батиньольской группы, Мане познакомил Дега со своими молодыми друзьями, ставшими впоследствии известными художниками-импрессионистами. Так и завязалась их дружба, которая продолжалась до конца жизни Мане, который умер в 1883 году (Дега, напомню, умер в 1917 году).


СМОТРЕТЬ ДАЛЬШЕ

Поводом сделать этот пост послужило найденное мной стихотворение Ильи Сельвинского.

К. Моне "Женщина с зонтиком"

Эта кисть - из пламенно-мягких.
Не красками писано - огнями!
Поле в яростных маках,
Небо лазурное над нами.
В лазури - маковый зонтик,
А в маках - лазоревое платье,
Как зной голубой на горизонте,
Зыблется оно и пылает.
Здесь небо босыми ногами
По макам трепетно ходит,
Земля же в небо над нами
Кровавым пятном уходит.
И ясно, что все земное
К идеальному кровно стремится!
Само же небо от зноя,
От земного зноя томится.

Илья Сельвинский
Париж 1935 г.



Клод Моне Маки в Аржентеле (Poppies at Argenteuil) 1873 г.

На этом можно было и завершить пост, но я узрел в стихотворении и картине несоответствие.
Сельвинский назвал стихотворение "Женщина с зонтиком", а описывает явно картину "Маки в Аржентеле".
Тем не менее, в творческом наследии Моне я нашел три картины с дамами, держащими в руках зонт и стоящими на пригорке, усыпанном полевыми цветами. Все три картины называются "Женщина с зонтиком". Правда, зонт на всех картинах зеленый, да и на полотне "Маки в Аржентеле" он не красный, поэтому мне непонятно, почему Сельвинский пишет «маковый зонтик»? Между первой и двумя другими работами пролегает больше 10 лет.
Итак, стихотворение Сельвинского дало импульс для поисков и сравнений.
Но для того, чтобы понять, кто изображен на картинах и почему художник обращался к сюжету "Женщина с зонтиком" трижды, думаю, необходимо поговорить о личной жизни Моне.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. В ГАЛЕРЕЕ 19 КАРТИН.