Цитата сообщения Marginalisimus Буффало. Галерея Олбрайт-Нокс.Часть 1.

 

Галерея Олбрайт – Нокс (The Albright-Knox Art Gallery) – oдна из важнейших выставочных площадок современного и нового искусства.   Художественная галерея Олбрайта-Нокса, расположенная в американском городе Буффало, является одним из интереснейших художественных музеев США.  Её здание было построено архитектором Эдвардом Б. Грином в 1901 году на деньги известного предпринимателя Джона Дж. Олбрайта. Галерея  была учреждена по инициативе Академии искусств Баффало, основанной в 1862 году. Данная академия – одно из старейших общественных художественных заведений в США.

 

Автор скульптуры современная американская художница Нэнси Рубинс (Nancy Rubins)

 Нэнси Рубинс (1952),  Жанр: скульптура Стиль: джанк-арт, паблик-арт

Нэнси Рубинс родилась в Неаполе, штат Техас, выросла в Таллэхома, училась в Институте Мэриленда, Колледже искусств, Балтимор, и Университете Калифорнии, Дэвис. В настоящее время живёт и работает в Каньоне Топанга, Калифорния.

 

Автор: Нэнси Рубинс

Позже галерея была существенно увеличена под руководством архитектора Гордона Баншафта Скидмора. В 1962 году коллекция музея была пополнена внушительными пожертвованиями Сеймура Нокса и его семьи, и с тех пор носит двойное название Олбрайта-Нокса.

 

Do Ho Suh.  Karma, 2010

 

“Карма” – название инсталляции корейского скульптора До Хо Су (Do Ho Suh). Инсталляция представляет собой скульптуру большого количества людей, сидящих друг у друга на плечах, при этом закрывающих друг другу глаза руками. Похоже на лестницу, уходящую в небо. При виде скульптуры невольно возникает вопрос: «почему?»

До Хо Су уже не раз привлекал к себе внимание своими неоднозначными и спорными работами. Он считает, что использование в инсталляции фигуры человека всегда провоцирует на размышление. Возможно, художник хотел сказать, что люди слепо следуют  друг за другом, или за своими предшественниками, ничего в корне не меняя.

 

 

Do Ho Suh родился в Сеуле в Южной Корее в 1962. После полученуя дипломов Бакалавра Искусств и Мастера Искусств Восточной Живописи в университете Seoul National University в Сеуле он служил в южнокорейских вооруженных силах. Затем Suh переехал в Соединенные Штаты, чтобы продолжить своё обучение в Род-айлендской Школе дизайна и Йельском университете. Suh получил известность прежде всего своими сложными скульптурами, которые бросают вызов обычным понятиям масштаба и специфики места. Suh в настоящее время живет и работает в Нью-Йорке и Сеуле (Корея).

 

 

Свою жизнь Suh проводит в постоянных поездках из своего семейного дома в Сеуле (где его отец -влиятельная фигура в корейской традиционной живописи) к своему месту работы в Нью-Йорке. Переезды - перемещение, и пространственное и психологическое, было одной из тем Suh, выраженной через биографический рассказ и эмоционально наполненное творчество.

 

 

По словам художника, его частые переезды явлются болезненными переходами, но позволяют ему получить ощущение и философское понятие расстояния, которое невозможно почувствовать в постоянной или знакомой среде. Эти частые перемещения - неотъемлемая часть жизни художника, и которые подводят его ко многим идеям, которые выражаются в его творчестве. Для Су переезд приносит с собою, среди прочего, размышления об идентичности, индивидуализме, обществе, месте и пространстве.

 

Beverly Pepper’s Zig-Zag, 1967.

Экспозиция музея предлагает обзор мирового искусства с древних времен до наших дней. В залах галереи особенно широко представлена скульптура Месопотамии, датированная 3 тысячелетием до н. э., живопись и скульптура эпохи Ренессанса, американское и европейское искусство.

 

Charles Clough’s The Arrow, 1972.

Широкую известность галерея Олбрайта-Нокса получила благодаря своему собранию современного искусства, которое считается одним из лучших в мире. В экспозиции представлены работы импрессионистов и постимпрессионистов, в том числе Поля Гогена и Винсента Ван Гога.

James Rosati 1971, Big Red, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo NY. 

 

Jim Hodges 2005 ,Look and See, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo NY.

 

Кики Смит. Роды. (Kiki Smith - Born, 2002).

 

Здесь, относительно небольшая олениха-мать, которую, кажется, не беспокоит то, что она рожает абсолютно взрослую женщину. Комбинация женщины и оленя  наряду с идеализированным, классическим стилем обеих фигур  вызывает ассоциации с Дианой - древней римской богини охоты, которая часто изображается сопровождаемая оленем. Образ оленя также появляется во многих индейских духовных культурах, отражая важность наших связей с миром природы. Эта тема очень важна для Смит, которая когда-то заявила, что “Судьба человечества глубоко связана со здоровьем окружающей среды".

” Если мы разрушим окружающую среду, символизируемую в этой работе оленем, то мы, также, прекратим существование. Смит не пытается преподавать определенный урок: “Я не пытаюсь сделать дидактическую работу, у которой есть буквальные интерпретации.... Я пытаюсь быть максимально неопределенной! Я хочу, чтобы вещи были открытым. Я не хочу указывать людям, как думать.”

 

Американская художница немецкого происхождения Кики Смит — одна из заметных фигур искусства, прославившаяся своими физиологичными и в то же время рукотворно хрупкими произведениями, исследующими человеческую и прежде всего женскую анатомию и телесность.
Кики Смит родилась в Нюрнберге (Германия) в 1954 году. Она является дочерью минималистского скульптора Тони Смита - 1912-1980.
Кики Смит - один из самых выдающихся художников своего поколения. Известная прежде всего как скульптор, она себя называет вещь-мейкером  и работает в различных художественных техниках, в том числе она занимаетрся гравюрой, рисунком и фотографией.

С самого начала своей карьеры, работы г-жи Смит соприкасались с очень человеческими вопросами, в том числе темой смертности и гендерными вопросами, а также вопросами животного и природного мира. Ее работы можно найти во многих крупных музеях мира с  коллекциями современного искусства. Кики живет и работает в Нью-Йорке.

Она остается в авангарде мирового искусства настоящего времени с  частыми персональными выставками в США и Европе.

 

Джим Лэмби . (Jim Lambie)

 

Джим Лэмби (род. 1964, Глазго, Шотландия) - современный шотландский художник.Живет и работает в Глазго и Нью-Йорке. Джим Лэмби трансформирует эфемерность современной жизни в броские скульптурные инсталляции. Работая с предметами, подвернувшимися под руку, он превращает одежду, аксессуары, двери и зеркала в скульптурные элементы в больших композициях. Для Лэмби приоритетом является сенсорное удовольствие, а не интеллектуальный отклик. Работы Лэмби часто создаются для конкретного пространства, где они формируются серией интуитивных и импровизационных решений. Это позволяет художнику работать в соответствии с качеством материалов, а также параметрами существующей архитектуры.

C 1999 Джим Лэмби использует глянцевую клейкую ленту различных цветов для напольных инсталляций, таких как Touch Zobop (2003). Виниловая лента, этот повседневный материал, применяется для создания непрерывных линий, преобразующих нейтральное пространство в энергетическое и эмоциональное. Лэмби создает ритм, который вибрирует и пульсирует, дезориентируя зрителя. Инсталляция Zobop (1999) стала визитной карточкой Лэмби. Она отличается каждый раз, так как видоизменяется в зависимости от формы помещения. Полоски яркой ленты наклеиваются на пол, сначала по периметру комнаты и до тех пор, пока ленты не достигнут центра. Работа основана на концепции заполнения пространства, в то же время, оставляя его пустым.

 

Василий Кандинский. "Фрагмент 2 для композиции  VII", 1913. ( Wassily Kandinsky - Fragment 2 for Composition VII).

 

 

Василий Кандинский. "Маленький мир IV ", 1922. (Vassily Kandinsky. Kleine Welten IV (Small World IV)

 

 

Матрос с гитарой.  Скульптура Жака Липшица ( Jaques Lipchitz)

Жак Липшиц (Jacques Lipchitz, 1891-1973), французский скульптор. Наиболее известны его работы в стиле кубизма, а также более поздние монументальные скульптуры. Липшиц родился 22 августа 1891 в городе Друскининкай (Литва), в 1909 уехал в Париж и четыре года учился в академии Рансона. В юности испытал влияние творчества Огюста Родена. В 1913-1914 в работах Липшица появились геометрические формы, например в композициях Акробат на лошади и Матрос с гитарой. Во время Первой мировой войны он создавал кубистические скульптуры - абстрактные фигуры, где плоскости различных поверхностей накладывались друг на друга. Позднее произведения скульптора обрели менее абстрактный характер.

 

Скульптура Дега

 

Кубизм, сюрреализм, конструктивизм, а также другие тенденции в искусстве первой половины XX века широко проиллюстрированы произведениями Пабло Пикассо, Жоржа Брака, Анри Матисса, Андре Дерена, Хуана Миро, Пита Мондриана, Александра Родченко. Среди художников второй половины прошлого столетия выделяются Аршил Горки, Джаспер Джонс, Энди Уорхолл и Джексон Поллок.

 

Pablo Picasso 1909, Woman's Head', Albright-Knox Art Gallery,

 

Pablo Picasso 1909, Woman's Head', Albright-Knox Art Gallery,

 

Чарльз Эфраим Бёрчфилд (Charles Ephraim Burchfield)

 

Пост Чарльз Эфраим Бёрчфилд. Акварель, который был опубликован в сообществе ранее.
 

Чарльз Эфраим Бёрчфилд (Charles Burchfield ). "Winter, East Liverpool", 1927.   А также см. Оригинал(1200×821)

 

 

 

Создание Галереи Олбрайт началось в 1890 году предпринимателем и филантропом Джоном Дж. Олбрайтом (John J. Albright), состоятельным промышленником из Баффало. Первоначально ее планировалось использовать  как Павильон художественного искусства на пан-американской выставке 1901 года, но из-за технических задержек завершить строительство удалось только в 1905 году. В 1962 году благодаря пожертованиям Сеймура Дж. Нокса-младшего (Seymour H. Knox, Jr), его семьи и многих других меценатов галерея существенно расширилась. 

 

Картины художников Аршила Горки и Хоана Миро (Joan Miro).

 

Тогда же она была переименована в Художественную галерею Олбрайт-Нокс. Новое здание было сконструировано известным архитектором Гордоном Буншафтом (Gordon Bunshaft) из фирмы «Skidmore, Owings and Merrill», получившим признание за работу над Домом Левера (Lever House) в Нью-Йорке. Художественная галерея Олбрайт-Нокс числится в списке исторических памятников страны.

 

Аршил Горки

ГОРКИ, АРШИЛ (наст. имя и фамилия Возданик Адоян) (1904–1948), армянин по происхождению, признан как американский художник, один из лидеров абстрактного экспрессионизма.

Родился в Хоркоме (турецкая провинция Ван) 15 апреля 1904 в семье торговца. Спасаясь от войны и связанных с нею преследований армянского населения, перебрался с родными в Тифлис, а затем в Батум (1919). В 1920 семья эмигрировала в США. Посещал Рисовальную школу штата Род-Айленд в Провиденсе; затем (1926–1931) преподавал в Нью-Йорке, в Рисовальной школе и Центральном художественном училище. В своем артистическом псевдониме соединил имя «Аршил» (армянское «Ахилл») с фамилией «Горки» (в честь М.Горького).

Начинал с вещей традиционно-фигуративного рода (Автопортрет с матерью, 1926, Музей современного искусства, Нью-Йорк); долго искал свою манеру, увлекаясь П.Сезанном, П.Пикассо и В.В.Кандинским. Большое влияние на него оказала встреча с Р.Матта (1939). Вскоре, развивая принципы сюрреализма в сторону все большей беспредметности, стал одним из самых значительных мастеров абстрактного экспрессионизма.

 

Joan Miro - Carnival of Harlequin, 1925 at Albright-Knox Art Gallery . А также см. Оригинал(1024×749)

Жоа́н Миро́ и Ферра́ (под влиянием испанского языка пишется также Хоан и Хуан; кат. Joan Miró i Ferrà)

 

Хоан Миро (Joan Miro) (1893-1983), испанский художник, родился 20 апреля 1893 года в Барселоне. Учился в Барселоне: в 1907-1910 годах в Высшей школе изящных искусств Сан Хорхе, а в 1912 году - в Художественной школе Гали. В 1919 году Миро приехал в Париж, где примкнул к дадаистам. В 1924 году подписал первый Манифест сюрреалистов вместе с А. Бретоном, П. Элюаром и др., а в 1925 году экспонировал свои работы совместно с сюрреалистами на их первой выставке. Вскоре, по словам критика Бернара Дориваля, его стали считать "лучшим и, наверное, единственным по-настоящему большим художником этой группы". В 1940 году, после падения Парижа, он вернулся в Испанию, но вскоре переехал в Пальму на о. Майорка. В 1944 году Миро в первый раз посетил Соединенные Штаты, где испытал сильное влияние американского абстрактного искусства. В 1958 году Интернациональный художественный фонд Гуггенхейма присудил ему гран-при в размере 10 000 долларов за два больших настенных панно - "День и Ночь" для здания ЮНЕСКО в Париже. Хоан Миро умер в Пальме на Майорке 25 декабря 1983 года.

 

Joan Miro - Carnival of Harlequin, 1925 at Albright-Knox Art Gallery . А также см. Оригинал(1024×749)

 

Миро подолгу жил в Париже, не порывая, однако, тесных связей с Испанией. Творчество Миро сюрреалистично (сюрреализм). На протяжении всей жизни Миро оставался верен главному принципу этого направления - освобождению творческого подсознательного начала из-под контроля логики и разума. Миро тем не менее отличался от остальных сюрреалистов разнообразием и жизнерадостностью полотен. Художественный критик Джеймс Джонсон Суини назвал в качестве основных характерных черт творчества Миро радость, солнечный свет, здоровье, цвет, юмор и ритм. Комбинируя абстрактные и частично узнаваемые формы, он черпает вдохновение в воспоминаниях, снах и фантазии.

 

Картины: Ив Танги  "Перевоплощение",  Марк Шагал "Крестьянская жизнь",  Джорджо де Кирико "Муки отъезда"

 

 

Ив Танги - Перевоплощение 1942.  Yves Tanguy - Indefinite Divisibility, 1942

 

Танги Ив (Tanguy Ives) (1900-1955), французский художник-сюрреалист. Родился в 1900 году во Франции. В молодости служил на торговом флоте. Был призван в армию во время первой мировой войны. После окончания войны сменил множество профессий. Идея стать художником овладела им после того, как в 1923 году Танги увидел картины Джорджо де Кирико. Его друг, поэт Жак Прюве, ввел его в круг сюрреалистов. Впечатления детства и юности Танги, связанные с морем, оказали определенное влияние на его творчество. Танги использовал в своей живописи формы амеб, морских и земноводных животных, плавные линии и очертания дыма и облаков, пульсаций в воде и дрожащий свет. Свои романтические пейзажи с морскими мотивами Танги писал всю жизнь, достигая интересных колористических результатов.

В 1946 году Танги эмигрировал в США. В послевоенные годы он довольно часто устраивал выставки своих полотен вместе с другими художниками-сюрреалистами. Умер Танги в 1955 году. В этом же году прошел грандиозный ретроспективный показ картин художника в Нью-Йорке.

А также см. пост Французский сюрреалист Ив Танги

 

Marc Chagall - Peasant Life, 1925 at Albrigth-Knox Art Gallery Buffalo New York.

 

Творчество Шагала — удивительное переплетение древних иудейских традиций и новаторских тенденций. Прожив без малого сто лет, меняя города и страны, Шагал всегда сохранял национальное самосознание, оставаясь человеком вне времени и географии.
Он родился в Витебске, учился в Петербурге, дышал Парижем, жил в США, но всюду и в любых обстоятельствах оставался сыном еврейского народа. И куда бы ни забрасывала его судьба, Шагал всегда хранил в сердце родной город, рисуя его тихие улочки и низенькие дома даже на полотнах с видами Парижа. Витебск — вторая по значимости «модель» художника. Место первой с 1909 года и до конца жизни было занято Беллой — любимой, женой, музой.
Остроту ощущений и «цветной взгляд» на мир Шагал сохранял на протяжении всей долгой творческой жизни — его последние работы полны красок и эмоций.
Храня в душе трепетно-ностальгические воспоминания о родине, восхищенную любовь к Белле и национальную духовность, Шагал создал свой собственный мир. Мир искрящихся красок и сверкающих чувств. Мир, в котором обычные люди с одинаковой естественностью ходят по земле и шагают по облакам. Мир, в котором вера, любовь, верность рождают удивительные сочетания форм, цветов и образов, дарят ощущение полета.

 

Марк Шагал.  "Крестьянская Жизнь".  Marc Chagall. Peasant Life. (La vie paysanne). А также см. Оригинал(816×1024)

 

Детство и юность Марка Шагала сформировали большую часть его основных художественных тем и оказали влияние на творчество всей его жизни.  Животные были важной частью юности Шагала, и в картине "Крестьянская Жизнь" в сцене кормления лошади, вероятно, отразились его воспоминания юных лет об общении с лошадьми. Другая лошадь с телегой на заднем плане вполне может пренадлежать дяде художника, который зарабатывал на жизнь торгуя скотом. Дядя и тётя Шагала часто брали молодого Марка в поездки в село за покупками, которые художник всегда вспоминал с удовольствием. Хотя Шагалу в те времена приходилось сталкивался с притеснением и трудностям, но по большей части его картины отражают радостную сторону Иудаизма и верования хасидизма: важность эмоции, сознание присутствия Бога во всех вещах вокруг и радость от ощущения любящего создателя рядом. Этот оптимизм был воспитан в художнике благодаря народным песням, танцам и рассказам, размышления о которых часто появляются в его работах.

 

Джорджо де Кирико (Giorgio de Chirico)  "Мучения отъезда" (The Anguish of Departure),1914.

 

Джорджио де Кирико стремился “жить в мире как в огромном музее странных вещей, любопытных разнообразных игрушек, которые изменяют свою внешность.” Его цель состояла в том, чтобы превратить предметы повседневного пользования во что-то ещё, чтобы создать чувства неуверенности, тайны, отчуждения, и даже страха. В "Мучениях Отъезда" идея отъезда непосредственно отражена несколькими способами: поезд вне стены, гужевого автоприцепа на переднем плане и двух фигур, по-видимому говорящих друг другу "до свидания". Понятие мучения выражено через необычную легкую и полную пустоты сцену.

Некоторые элементы в этой живописи, вероятно, относятся к жизни и событиям де Кирико. Например, можно было бы сослаться несколькими способами на смерть его отца, инженера железной дороги, когда художнику было шестнадцать лет: и в общем настроении и названии, поскольку отъезд родителя - конечно, является причиной мучения; в поезде, который часто появляется в работах де Кирико; и в высокой башне, которую художник часто включал в свои картины, которая обычно интерпретируется как символическая ссылка на человека- его отца, которого он потерял. После смерт отца де Кирико уехал из Афин, где он рос, и образ поезда - это символ его многочисленных отъездов. Италии, родине его родителей, он был очарован широкими площадями эпохи Возрождения и зданиями с аркадой, которые часто появляются в его работе.

 

Джорджо де Кирико (Giorgio de Chirico) (1888–1978), итальянский художник и теоретик искусства, считается одним из предвестников сюрреализма в современной живописи. Джорджо де Кирико родился в греческом городе Волос 10 июля 1888 года. Учился в Высшей художественной школе в Афинах и в 1906 году в Академии художеств в Мюнхене. Увлечение философией Фридриха Ницше и аллегорической живописью Бёклина способствовало появлению у Джорджо де Кирико интереса не к принципам академического реализма, а к толкованию загадочных символов, снов и галлюцинаций. В 1908–1911

Джорджо де Кирико жил в Италии, в основном во Флоренции, с 1911 – в Париже, где сблизился с Пикассо и Аполлинером. С началом Первой мировой войны вернулся в Италию. Между 1908 и 1917 де Кирико создал свои самые значительные произведения – серию видов пустынных городских площадей и натюрмортов, состоящих из совершенно не связанных друг с другом предметов. Даже названия этих работ, такие, как "Ностальгия по бесконечности" (1913) и "Меланхолия  улицы"(1914), указывают на стремление автора наполнить самые обыденные ситуации ощущением опасности и ирреальности.  В 1917–1919 Джорджо де Кирико и художник-футурист Карло Карра сформулировали теоретическое обоснование своего нового взгляда на изобразительное искусство, положив начало течению метафизической живописи в итальянском искусстве. В 1920-е годы художник обратился к созданию романтических вариаций на классические сюжеты.

Ранние работы Джорджо де Кирико оказали существенное влияние на формирование сюрреализма и творчество таких его представителей, как Макс Эрнст, Ив Танги, Сальвадор Дали. По словам его основателя и идеолога Андре Бретона, только произведения де Кирико дали возможность выразить программу сюрреалистов средствами живописи. В 1945 художник опубликовал автобиографию "Воспоминания о моей жизни". Скончался Джорджо де Кирико в Риме 20 ноября 1978 года.    

 

На стене справа картина Роберта Раушенберга "Туз" (Robert Rauschenberg "Ace")

 

РАУШЕНБЕРГ, РОБЕРТ (Rauschenberg, Robert) (р. 1925), американский художник, работал в основном в технике коллажа и редимейда, продолжая традиции, идущие из искусства кубизма и творчества Марселя Дюшана. Составление произведения искусства из не имеющих друг к другу отношения элементов, одним из которых является краска, глубоко укоренилось в современном искусстве. Комбинации Раушенберга отражают темп развития и энергию массовой урбанистической и технократической культуры, в которой на смену работе художника на бумаге или холсте пришли потоки информации, передаваемой посредством фотографии, компьютеров, газет и т.п.

 

Картина Роберта Раушенберга "Туз" (Robert Rauschenberg "Ace")

 

Ранние работы Раушенберга были попыткой избавиться от стереотипов «живописного метода» и возвышенных целей традиционного искусства. Например, он стер рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием Стертый де Кунинг. В течение 1950-х годов в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов – газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных – до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность.

 

Роберт Раушенберг  (Robert Rauschenberg) "Ace".

 

В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные печатные материалы; он стремился выразить сложность и многослойность существования современного индустриального общества. В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов.

 

 

 

 

 

JACKSON POLLOCK (1912–1956) CONVERGENCE.

 

Виллем де Кунинг  (Willem de Kooning, American, born The Netherlands)

 

Уроженец Роттердама, в 1926 нелегально выехал в США, в течение последующих 70 лет жил и работал в Нью-Йорке. Был дружен с Аршилем Горки и испытал его влияние. Индивидуальная манера де Кунинга сложилась на рубеже 1930-х и 1940-х гг. под влиянием Пикассо и Миро.

 

 

В 1943 г. он женился на известной художнице Элен Фрид. В 1950-е гг. де Кунинг идёт по пути примитивизации, разрабатывает так называемые «фигуративные абстракции». Одинокая женская фигура под действием неистовых, пастозных «мазков-ударов» на холстах де Кунинга превращается в некий живописный тотем, открытый для радикальных фрейдистских прочтений. Со временем полотна де Кунинга наполняются пейзажными мотивами, становятся всё менее предметными. Тяготение к нарочитой декоративности преобладает в работах его позднего периода, осложнённого алкоголизмом и болезнью Альцгеймера. Несмотря на неоднозначный характер творчества де Кунинга, он стал первым художником, удостоенным Императорской премии.

 

Энди Уорхол.  (ANDY WARHOL).

 

Скульптура " Baby Girl" художницы Марисоль Эскобар и картина Энди Уорхола

 

Марисоль Эскобар (Marisol Escobar. Род. 1930) венесуэльский и американский скульптор. Училась в Париже  в Институте искусств, Лос-Анжелесе(Jepson), в Нью-Йорке в Школе изящных искусств, школе Ганса Гофмана. Во время этого периода она познакомилась со многими абстрактными экспрессионистами, в том числе, с  Виллемом де Кунингом.. Работала в стиле "новый реализма", испытала влияние абстрактного экспрессионизма, нео-дадаизма, поп-арта.

Марисоль создает в скульптуре портреты государственных деятелей, известных художников, членов семьи, друзей. Работы Марисоль редко продаются, их трудно оценить.

На Марисоль оказывают влияние Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол. Она участвовала в двух фильмах Уорхола «The Kiss» и «13 Most Beautiful Girls». Обращение к популярной культуре не было единственным направлением ее творчества: социальные наблюдения и ирония всегда были частью ее скульптур.

 

Марисоль Эскобар "Малютка", "Маленькая девочка" (Baby Girl)

 

Куратор Олбрайта-Нокса и бывший президент правления Сеймур Х. Нокс младший был давним поклонником творчества Марисоль. "Маленькая Девочка"-это вторая из двух главных скульптур, появившаяся в коллекции Галереи в начале 1960-ых. "Маленькая Девочка" скоро полюбилась посетителям галереи. Как и многие ранние работы Марисоль,"маленькая девочка" исходит из понятий семьи и детства. "Девочка", эта скульптура куколки достигает шести футов высотой даже в сидячем положении. Вызывая ощущение присутствия ребенка в комнате при семейных сборах и вечеринках, скульптура захватывает внимание зрителя и ведёт его сквозь пространство по направлению к монстроподобной форме куклы. Присмотревшись, мы также замечаем маленькую фигуру взрослой женщины на колене ребенка (кукла куклы, можно сказать). Марисоль часто подписывает свои скульптуры необычными способами, включая элементы своего собственного портрета;  это - лицо Марисоль, которое мы видим на малой фигуре.

 

"Генералы", 1961–62.  ( "The Generals", George Washington & Simón Bolívar)

 

Первой работой Марисоль, включённой в Коллекцию галереи ("Девочка", была приобретена Галереей два года спустя в 1964) , была почти скульптурная карикатура в натуральную величину американского генерала и президента Джорджа Вашингтона и венесуэльского военачальника и политического лидера Симона Боливара, сидящих на игрушечной лошади. Эта культовая скульптура отлично иллюстрирует стиль Мэрисоль.

 

 

Некоторые части, такие как лицо фигуры Боливара, выглядят завершёнными, в то время как другие области преднамеренно оставляются визуально незаконченными.

 

 

Руки обеих фигур - руки непосредственно самой Мэризол, которые придают устрашающе реалистическую деталь скульптуре.  Другие натуралистические детали могут быть замечены в зубах лошади, которые являются и естественными и золотыми в цвете.

 

"Генералы".  ("The Generals", George Washington & Simón Bolívar)

 

Скульптура, изображающая американского генерала и президента Джорджа Вашингтона и венесуэльского военачальника и политического лидера Симона Боливара, однако, выходит за рамки жанра скульптуры в её дополнительном компоненте-аудио. Идею формы тела лошади дал марш под названием "Koronal Kreplach", написанный американским композитором Дэвидом Амрэмом, который был другом Мэрисоль. Амрэм написал музыку для бродвейской пьесы "Конкуренция", и Мэрисоль сочла комбинацию этого марша и скульптуры забавной. В конце концов, по её собственным словам, “мир слишком серьезен, я хочу, чтобы люди смеялись... Я хочу говорить правду забавным способом.”

 

 

Более подробно с творчеством Марисоль можно ознакомиться в посте Скульптор Марисоль Эскобар

 

 

Покрытие пола для галереи,  разработанное художником Джимом Исерманном  (Jim Isermann ) в 2005 году

Более двадцати пяти лет Изерманн работает объединяя изобразительное искусство и современный дизайн через игриво сложные абстрактные композиции. Картины Исерманна - алгоритмы, основанные на геометрии. Используя широкий диапазон материалов и варьируя формой и текстурой, он также создаёт инсталляции.  Выставки работ Джима  Исерманна проходят повсюду в Соединенных Штатах и Европе.

 

Официальный сайт галереи: http://www.albrightknox.org/,  http://albrightknox.tumblr.com/

 

Продолжение осмотра галереи и знакомства с экспозицией см. в  следующем посте.

 

Серия постов о Буффало:

Буффало: Город с Сердцем

Буффало. Фрэнк Ллойд Райт.

Буффало. Луис Генри Салливан

 

Буффало. Галерея Олбрайт-Нокс :

Первая часть.