Объединение "Амаравелла" (санскрит "ростки бессмертия", "берег бессмертия", "обитель бессмертных") просуществовало с 1923 по 1929 год. Согласно манифесту 1927 года, написанному в Нью-Йорке в рериховском художественном центре, где проходила их выставка, "восприятие наших картин должно идти не путём рассудочно-формального анализа, а путём вчувствования и внутреннего переживания - тогда их мысль будет достигнута".




По собственному признанию, Смирнов-Русецкий не мыслил искусство без духовного стержня, которым было христианство. "Дозор ангелов" - картина-ассоциация, картина-знак, картина-символ - одно из самых ярких произведений в творчестве мастера. Зримое воплощение веры - монастырь и церковь, здесь дополнены их символами - ангелами, в одном мире и на одной плоскости сосуществуют реальный мир и горний мир, доступный интуитивному пониманию. Картина является одним из лучших произведений знаменитого цикла "Прозрачность" и ярчайшим образцом раннего творчества Смирнова-Русецкого.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Дозор ангелов, 1920-е годы. Частная коллекция, Москва

Колористическое решение следующей картины (серо-синий и оранжевый), а также изображение бескрайнего горного пейзажа развивает художественный метод Николая Рериха, которым Смирнов-Русецкий восхищался всю жизнь.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Огненные мысли, 1963. Частная коллекция, Москва

Серия работ "Дальний восток (Забайкалье)" была создана под впечатлением от пребывания в лагерях в Забайкалье. В воспоминаниях художника этому периоду было отведено всего лишь пару страниц. Смирнов-Русецкий писал: "Год за годом в сознании проходил необычный процесс связи с прошлом слабели, реальность мира, отдалённого от меня, тускнела. Он становился потусторонним, прозрачным. Оставался узкий мирок, в котором я существовал, всё остальное становилось илюзией".
С помощью живописи мастер создавал собственный мир. Яркий локальный колорит и лаконичные образы натуры этого цикла стали фундаментом для многих будущих работ художника. С 1943 года художник много работал в условиях тюремного лагеря.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Дальний восток (Забайкалье). Частная коллекция, Москва



Б.А. Смирнов-Русецкий. Дальний восток (Забайкалье). Частная коллекция, Москва



Б.А. Смирнов-Русецкий. Дальний восток (Забайкалье). Частная коллекция, Москва



Б.А. Смирнов-Русецкий. Дальний восток (Забайкалье). Частная коллекция, Москва



Б.А. Смирнов-Русецкий. Дальний восток (Забайкалье), 1958. Частная коллекция, Москва

Картина "Весна в Забайкалье" создана по мотивам долгого пребывания Смирнова-Русецкого в лагерях в Забайкалье (посёлок Тахтамыгда). Забайкальский край оказался близок к восприятию натуры мастером. В 1957 году художник был зачислен в лабораторию Рыкалина младшим научным сотрудником и работал там до 1965 года. Живописец занимался научной и художественной деятельностью одновременно.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Весна в Забайкалье, 1958. Частная коллекция, Москва





Незадолго до ухода Смирнов-Русецкий словно подытожил свой жизненный путь воспоминаниями, которые заканчиваются так: "На моём творческом пути, охватившем более семидесяти лет, было немало трудностей, страданий, даже безысходности. И лишь радость ожидания великого будущего, вера в безграничную гармонию Космоса укрепляли мой дух и не позволяли сдаваться. Теперь в конце жизни я чувствую, что и творил, и одолевал невзгоды не напрасно!"
Картина "В лучах неведомого солнца" - зенит творчества русских космистов. В картине небесный свет объединяется с земной гладью.


Б.А. Смирнов-Русецкий. В лучах неведомого солнца. Из цикла "Космос", 1974. Частная коллекция, Москва

Работа "Золотистая туманность" совмещает в себе темы прозрачности и космоса. Силуэты полупрозрачного города словно поглощены космическим сиянием. Такое единство космоса и человека характерно для миропонимания русской философии космизма. Произведение искусства, согласно мнению художников-космистов и манифесту объединения "Амаравеллы", должно само говорит за себя человеку, который в состоянии услышать его речь и понять философию живописца.
Для Рериха и Смирнова-Русецкого, по воспоминаниям Бориса Алексеевича, "путь мечты - это и одновременно путь реальности, поскольку он ведёт в будущее. Мечта есть мысленная организация будущего...".


Б.А. Смирнов-Русецкий. Золотистая туманность. Из цикла "Космос", 1977. Частная коллекция, Москва





Цикл "Север" отражает суровую красоту Карелии, Онеги, Валаама, Белого моря, особенно близкую художнику благодаря собранности колорита и лаконизму природных линий.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Лесное озеро. Из цикла "Север", 1964. Частная коллекция, Москва

Природа Карелии пленила мастера. Высокие деревья, холмистость Карелии и Русского севера близки художнику с 1940-1950-х годов. Смирнов-Русецкий посещал Сортавалу, Косалму, Укшозеро, Кончозеро, после пребывания на котором написал: "Мощные сосны и удивительно величественные осины, чередовались с берёзой, рябиной и можжевельником. А вдоль берега озера разбросаны бесчисленные валуны, образующие живописные группы".


Б.А. Смирнов-Русецкий. Впереди свет. Из цикла "Север", 1977.Частная коллекция, Москва

С 1974 года, оставив научную деятельность, Смирнов-Русецкий полностью посвятил себя искусству. Он посещал Сортавалу, останавливался в Доме композиторов на берегах залива Кирьявалахти, который известен своими фьордами.
Сочетание дымчато-синего и оранжевого создаёт в картине удивительный колорит, а тонкие деревья нарочито стилизованы.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Майский вечер. Из цикла "Север", 1978. Частная коллекция, Москва

Развивая традицию художников-символистов XIX-XX веков, Смирнов-Русецкий в зримых образах живописи закладывал скрытый смысл. В верованиях славян берёза, растущая рядом с домом, считалась семейным оберегом. Берёза являлась символом весны, чистоты и света. Сосна - характерное дерево для Русского Севера, играла значительную роль в североевропейской мифологии. Например, несгораемая сосна росла у кельи святого Кирилла Челмогорского в Каргополье. Таким образом, берёза и сосна - культовые деревья не только для русского леса, но и для исторического уклада славян.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Берёза и сосна. Из цикла "Осенние раздумья", 1981. Частная коллекция, Москва

Картина "Старый монастырь" - редкий образец архитектурного пейзажа в творчестве мастера. После того как мастер оставил свою научную деятельность, он много путешествовал по городам средней и северной России. Монументальные формы средневековой архитектуры удивительно хорошо вписались в природные ландшафты России, что подтверждает идею об органическом единстве человека и природы. В начале своего творческого пути Николай Рерих посвятил целую серию работ памятникам средневековой русской архитектуры. Смирнов-Русецкий в своих воспоминаниях писал: "Меня всегда привлекали монастыри. В те годы они были уже пусты…"


Б.А. Смирнов-Русецкий. Старый монастырь, 1985. Частная коллекция, Москва

В наследии мыслителей русского космизма красной нитью следует мысль о взаимосвязи человека и вселенной, необходимости соизмерять человеческую деятельность с принципами целостности этого мира. В манифесте "Арамавеллы" художники писали: "Наше творчество, интуитивное по преимуществу, направлено на раскрытие различных аспектов космоса - в человеческих обликах, в пейзаже и в отображении абстрактных образов внутреннего мира."




Как и у художников эпохи романтизма, у символистов Луна часто встречается в живописи. На картине "Лунный свет" отражён абстрактный образ внутреннего мира человека.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Лунный свет, 1986. Частная коллекция, Москва

В интерпретации художника берёза - символ русского пейзажа. О поездке на Валаам и окрестности художник писал в своих воспоминаниях: "А нежные берёзки мягко рисуются на тёмном фоне леса... Сочетания эпического величия и нежной лирики - в этом исключительное обаяние природы тех мест".


Б.А. Смирнов-Русецкий. Вечер. Из цикла "Север", 1988. Частная коллекция, Москва

Между 1913 и 1918 годами Николай Рерих неоднократно бывал и даже жил в Карелии в Сортавале. Памятуя о своём учителе, Смирнов-Русецкий отдал в своём творчестве дань этому северному региону и его суровой красоте. С 1967 года мастер много времени проводил в этих краях, сконцентрировавшись на творчестве.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Сортавала, 1989. Частная коллекция, Москва

Картина является частью цикла повторений работ Николая Рериха, выполненных Смирновым-Русецким. Рерих посвятил картину поискам истины. Тему художник развивал в сборнике "Твердыня Пламенная" (1932). В главе "Град Светлый" Рерих писал: "Истинно пройдет! Идут паломники в Шамбалу, в Беловодье. Никакие пропасти не остановят стремление духа. Знают и Пресвитера Иоанна и Гессар-Хана и Владыку Шамбалы. За белыми горами звонят колокола обителей. Среди духовных движений, родившихся за последние годы, особенно звучат странники "Светлого Града". О хождении их повествует Брат Алексей в своих поучениях "Меж болот мирской неправды, среди дебрей ложного знания, минуя скалы человеческой глупости, обретешь равнину исканий и восемь дорог к ней. А посреди - озеро живой воды. Путь к нему лежит в кругах странников".


Б.А. Смирнов-Русецкий (1905-1993). Странник светлого града. По работе Н.К. Рериха (1933) из музея мастера в Нью-Йорке, 1990. Частная коллекция, Москва

Картина "Борис и Глеб" была создана Рерихом в поздний период, когда он жил в селении Наггара, расположенном в долине Кулу в Индии. В дневниках Рерих рассуждал о необходимости "воздать должное деятелям земли Русской", чтобы слава русская звучала по всем краям мира. В образах воинов-подвижников и защитников Бориса и Глеба Рерих, а вслед за ним Борис Смирнов-Русецкий воплотили самые высокие идеалы и увековечили в живописи образы народных героев.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Борис и Глеб. По работе Н.К. Рериха (1942) из музея мастера в Нью-Йорке, 1990. Частная коллекция, Москва

В год начала Первой мировой войны Николай Рерих создал картину "Прокопий Праведный за неведомо плавающих молится". Согласно легендам о подвижнике, Прокопий не раз спасал Родину от бед. Будучи юродивым и блаженным, Прокопий (вторая половина XIII века) прославился как провидец и чудотворец.
Рерих в картине выражает веру в величие, стойкость России и её народа. В 1990 году Смирнов-Русецкий повторяет замысел Николая Рериха.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Прокопий Праведный за неведомо плавающих молится. По работе Н.К. Рериха (1914) из Русского музея, 1990. Частная коллекция, Москва

По колористическому решению художественное наследие Смирнова-Русецкого подразделяется на две части: яркие пейзажи и работы, исполненные в серовато-жемчужной цветовой гамме.




Серо-зелёное колористическое решение традиционно для картин Русского Севера таких мастеров, как Николай Рерих и Михаил Нестеров. В отличие от берёзы ель считалась у славян деревом мёртвых, она росла в болотистых и сырых местах, мало использовалась в быту. Только в XIX веке ель стала символом Рождества. В картине quot;Ёлочка" художник поэтизирует природу Русского Севера.


Б.А. Смирнов-Русецкий. Ёлочка, 1988. Частная коллекция, Москва



Б.А. Смирнов-Русецкий. Осенний туман. Из цикла "Осенние раздумья", 1990. Частная коллекция, Москва



Б.А. Смирнов-Русецкий. Зимние травы. Из цикла "Прозрачность", 1991. Частная коллекция, Москва

Музыкальный салон на выставке коллекций Михаила и Ивана Морозовых
Вестибюль
Выставка "Брат Иван. Коллекции Михаила и Ивана Морозовых". Продолжение
Заканчиваем обзор выставки блистательной коллекций братьев Морозовых. На выставке распределение произведений по залам отражает главные этапы создания "идеального музея" Ивана Абрамовича. Морозов подходил к делу очень ответственно, неторопливо и вдумчиво - он сохранял все счета, многочисленные документы, переписку с арт-дилерами.

Важнейшей чертой этой выставки стало не только объединение произведений из трёх крупнейших музеев, но и равнозначное присутствие французского и русского искусства, как и было задумано коллекционером.






Пьер Боннар. Лето. Танец, 1912. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Пьер Боннар (1867-1947). Зеркало над умывальником, 1908. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Пьер Боннар (1867-1947). Уголок Парижа, около 1905. Картон, наклеенный на дерево, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург



Александр Яковлевич Головин (1863-1930). Пейзаж. Павловск, 1911. Холст, темпера. ГТГ, Москва



Борис Израилевич Анисфельд (1878-1973). Зелёный этюд. Полдень, 1906. Холст, темпера. ГТГ, Москва



Пётр Саввич Уткин (1877-1934). Любители бури, 1904, 1908. Холст, темпера. ГТГ, Москва







Винсент ван Гог (1853-1890). Прогулка заключённых, 1890. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Винсент ван Гог (1853-1890). Пейзаж в Овере после дождя (Пейзаж с повозкой и поездом), 1890. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Винсент ван Гог (1853-1890). Красные виноградники в Арле. Монмажур, 1888. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Поль Гоген. Великий Будда, 1899. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Поль Гоген (1848-1903). Чудесный источник (Сладкие грёзы), 1894. Холст, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург






Жорж Мансана-Писарро (1871-1961). Зебры на водопое, 1906. Бумага, гуашь, акварель, золото. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург



Жорж Мансана-Писарро (1871-1961). Обнажённая с павлином (Анис-аль-Джалис. Арабская сказка), 1906-1907. Бумага, гуашь, акварель, золото. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Михаил Александрович Врубель (1856-1910). Лежащая обнажённая фигура (со спины), 1902. Бумага на картоне, акварель, белила, бронзовый порошок, графитный карандаш. ГТГ, Москва



Поль Сезанн. Сцена в интерьере (В комнатах), 1839-1871. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Поль Сезанн (1839-1906). Гора Святой Виктории, около 1896-1898. Холст, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург



Поль Сезан. Мост через Марму, 1894-1895. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Поль Сезанн (1839-1906). Натюрморт с драпировкой, около 1894-1895. Холст, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург



Поль Сезанн. Цветы, около 1902. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Поль Сезанн (1839-1906). Курильщик, около 1890-1892. Холст, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Фовизм. Цвет и движение. В 1906-1908 годах Иван Морозов активно покупал работы А. Дерена, М. Вламинка, О. Фриеза, Ш. Мангена, А. Марке и, конечно, А. Матисса. Уверенный в себе коллекционер был здесь неожиданно стремителен в покупках, нередко приобретая работы еще до окончания экспонирования на выставках. Однако и в этом он оставался верен своему "искусствоведческому" подходу, наряду со свежими картинами приобретая и те, что уже успели войти в недолгую историю фовизма, как "Просушка парусов" Дерена. В отечественной части собрания эта динамика и раскрепощенность продолжались в работах мастеров русского авангарда, таких как Наталия Гончарова и Михаил Ларионов





Константин Алексеевич Коровин (1861-1939). На юге Франции, 1908. Холст, масло. ГТГ, Москва



Андре Дерен (1880-1954). Просушка парусов, 1905. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Андре Дерен (1880-1954). Дорога среди гор, 1907. Холст, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург



Анри Шарль Манген (1874-1949). Купальщица, 1906. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Луи Вальта (1869-1952). Море в Антеоре, около 1907. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Луи Вальта (1869-1952). Солнце пол деревьями, около 1908-1909. Холст, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург



Луи Вальта (1869-1952). На юге Франции, около 1908. Холст, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург



Слева - Анри Матисс. Сидящая женщина, 1908. Холст, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург



Анри Матисс (1869-1954). Синий горшок и лимон, около 1896-1897. Холст, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург



Анри Матисс (1869-1954). Синий кувшин, 1901-1904. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Наталья Сергеевна Гончарова (1881-1962). Мальчики на коньках, 1908. Холст, масло. ГТГ, Москва



Наталья Сергеевна Гончарова (1881-1962). Фруктовый сад осенью, 1909. Холст, масло. ГТГ, Москва



Эмиль Отон Фриез (1879-1949). Снег в Мюнхене, 1909. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва




Первую картину Матисса Иван Абрамович приобрёл в 1907 году, но серьезный интерес к творчеству художника развился лишь к 1909-му, когда Морозов заказал Матиссу два натюрморта. Один из них, "Фрукты и бронза", неслучайно близок по композиции Щукинской "Статуэтке и вазам на восточном ковре". В 1908-м Иван Абрамович отметил для себя эту картину, которая уже принадлежала его московскому визави. Наверстав упущенное, Морозов словно закрепил успех, заказав В. Серову свой портрет именно на фоне этой композиции французского мастера. А "Марокканский триптих" открыл московской публике "другого" Матисса - холодноватого, отстраненного. Ослепительное небо Северной Африки отозвалось в морозовской коллекции тонами живописи П. Кузнецова и М. Сарьяна.


Анри Матисс. Фрукты и бронза, 1909-1910. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Валентин Александрович Серов (1865-1911). Портрет Ивана Морозова, 1910. Картон, темпера. ГТГ, Москва



Анри Матисс (1869-1954). Марокканский триптих (правая часть). Вход в Касбу. Марокканский триптих (центральная часть). Зора на террасе, 1912-1913. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Павел Варфоломеевич Кузнецов (1878-1968). Мираж в степи, 1912. Холст, масло. ГТГ, Москва



Мартирос Сергеевич Сарьян (1880-1972). Улица. Константинополь, 1910. Картон, темпера. ГТГ, Москва



Анри Матисс (1869-1954). Фрукты, цветы, панно Танец, 1909. Холст, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург



Александр Васильевич Куприн (1880-1960). Натюрморт с синим подносом, 1914. Холст, масло. ГТГ, Москва



Слева - Пабло Пикассо. Портрет Амбруаза Воллара, 1910. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва
Справа - Илья Машков. Натюрморт. Фрукты на блюде, 1910. Холст, масло. ГТГ, Москва

Наконец-то долгожданная выставка картин из коллекции братьев Морозовых - в Пушкинском музее! Еще в апреле картины из коллекции братьев Морозовых находились в Парижском фонде Louis Vuitton, а потом все мы с тревогой следили за тем, как возвращали картины из Франции. И вот теперь они на выставке, которая завершает рассказы о династиях знаменитых московских коллекционеров Щукиных и Морозовых, в Музее изобразительных искусств.

Начало было положено выставкой "Щукин. Биография коллекции" в 2019 году:
Братья Щукины в Пушкинском музее. Вступление , Коллекции Петра, Дмитрия и Ивана Щукиных , Коллекция Сергея Щукина

На выставке представлены картины из разных музеев: 73 работы из Эрмитажа, 71 - из Третьяковской галереи и 113 - из ГМИИ им. А.С. Пушкина. Морозовская коллекция - единственная из русских, где счета на картины из французских галерей сохранились почти в полном объёме, и в экспозиции их часто показывают.

Начнём, пожалуй, с самой эффектной части выставки - с Музыкального салона, воссозданного в Белом зале в оригинальных пропорциях. Иван Морозов предложил Морису Дени оформить монументальными композициями центральное помещение своего особняка на Пречистенке - Музыкальный салон.

Воссозданный на выставке Музыкальный салон особняка Ивана Морозова с работами Мориса Дени

Темой для ансамбля мастер предложил античный миф о Психее.

Панно первое. Пролетающий Амур поражён красотой Психеи



Панно второе. Зефир переносит Психею на остров Блаженства



Панно третье. Психея обнаруживает, что её таинственный возлюбленный - Амур



Панно четвёртое. Психея, открыв шкатулку со сновидениями подземного царства, погружается в сон



Панно пятое. В присутствии богов Юпитер дарует Психее бессмертие и празднует её брак с Амуром



Панно шестое. Родные покидают Психею на вершине горы



Панно седьмое. Амур переносит Психею на небо



Панно восьмое, девятое, десятое, одиннадцатое. Амур, стреляющий из лука. Психея

По рекомендации художника Иван Морозов дополнил заказ керамическими вазами самого Дени и скульптурами Аристида Майоля. Вазы разместились по углам салона на вращающихся мраморных столешницах. Вот так выглядел Музыкальный салон в доме Морозова на Пречистенке:


Музыкальная гостиная с панно Мориса Дени и скульптурами Аристида Майоля в доме Ивана Абрамовича Морозова, Москва (1911-1912). Фото ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Общий вид зала в Пушкинском музее







Аристид Майоль. Весна, 1911. Бронза. Морис Дени. Керамическая мастерская Андре Мете, Париж. Декоративная ваза с двумя парными медальонами, около 1909. Глина обожжённая, подглазурная роспись. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Морис Дени (1870-1943). Керамическая мастерская Андре Мете (1871-1920), Париж. Декоративная ваза "Хоровод", 1907. Глина обожжённая, подглазурная роспись. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва





И так можно смотреть, когда родители не видят...






Морис Дени. Андре Мете. Ваза с изображением обнаженных женских фигур и купидона, 1909. Глина обожжённая, подглазурная роспись. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва

К 1912 году ансамбль сложился полностью. Его своеобразной частью стали три картины Дени, обрамлявшие вход в интерьер: "Зеленый берег моря", "Вакх и Ариадна" и "Полифем".


Морис Дени. Зелёный берег моря. Перро-Гирек (Пастухи), 1909. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва



Морис Дени. Вакх и Ариадна, 1907. Холст, масло. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург



Морис Дени. Полифем, 1907. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва

По периметру Белого зала за выгородкой размещены вазы, фотографии и документы, связанные с созданием Музыкального салона.


Морис Дени. Андре Мете. Ваза с изображением процессии девушек-конфирманток (первое причастие), 1909.



Морис Дени. Амур, стреляющий из лука. Фрагмент, 1909. Пролетающий Амур поражён красотой Психеи. Фрагмент, 1908. Фото Эжена Дрюэ. Серебряно-желатиновая печать

В советский период целостность этого великолепного ансамбля была нарушена. Ради эвакуации в Новосибирск холсты, приклеенные к стенам особняка, сдирали вместе со штукатуркой. Затем салон был реконструирован в Главном штабе Эрмитажа, затем он поехал в Париж. В Эрмитаже весь ансамбль экспонируется в своём подлинном антураже, как архитектурная реконструкция музыкального салона. Картины размещены так, как это было при жизни автора и собирателя. И вот теперь его можно увидеть в Москве. А как выставлялись все эти произведения в залах Второго Музея новой западной живописи в Москве, можно увидеть на картине художника В.В. Журавлёва.


Василий Васильевич Журавлёв (1881-1967). В залах Второго Музея новой западной живописи в Москве, 1921. Бумага, акварель, белила, графитный карандаш, чернила, перо. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва

Идём дальше...



Фото панно: academy.hermitagemuseum.org

Слева - Костюм Фёдора Шаляпина для роли Фарлафа в опере "Руслан и Людмила" по эскизу А. Головина. 1900-1910-е гг.
На выставке "Точки зрения"
В компанию художников, представленных на выставке своими автопортретами и портретами собратьев по цеху, заслуженно попал и Фёдор Шаляпин. Величайший артист прошлого века не только часто становился моделью для лучших мастеров своей эпохи, но и сам обладал талантами во многих видах изобразительного искусства. В свободное от театра время он увлекался живописью, графикой и скульптурой.

В отдельном проекте на верхнем этаже музея представлены графические автопортреты Шаляпина, архивные фотографии, сценические костюмы, а также произведения его друзей-художников Константина Коровина, Александра Головина, последний прижизненный портрет артиста, выполненный Василием Шухаевым, и бронзовый бюст работы Паоло Трубецкого. Для полноты картины об этой интереснейшей выставке представлю несколько фотографий этого спецпроекта.


Борис Кустодиев. Портрет Фёдора Шаляпина, 1921. Санкт-Петербургский музей театрального и музыкального искусства / МРИ



Василий Шухаев. Портрет Фёдора Шаляпина, 1934. Холст, масло. Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства





Константин Коровин. Портрет Фёдора Шаляпина, 1921. Холст, масло. Российский национальный музей музыки, Москва



Николай Харитонов. Портрет Фёдора Шаляпина в роли Бориса Годунова, 1916. Холст, масло. Государственный центральный театральный музей им. А.А. Бахрушина, Москва
Николай Бенуа. Фёдор Шаляпин поправляет бороду Борису, 1930. Бумага, уголь. Опера Борис Годунов Модеста Мусоргского. Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства



Александр Головин. Портрет Фёдора Шаляпина в роли Фарлафа, 1907. Опера "Руслан и Людмила" Михаила Глинки. Картон, темпера, клеевая краска. Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства



Борис Анисфельд. Портрет Фёдора Шаляпина, 1916. Холст, масло. Собрание Вадима Коссински, Москва
Николай Харитонов. Портрет Фёдора Шаляпина, 1916. Холст, масло. Музей А.М. Горького, Москва



Александр Головин. Портрет Федора Шаляпина в роли Демона. 1906. Опера "Демон" А. Рубинштейна. Холст, темпера, пастель, уголь. Музей Государственного академического Большого театра России, Москва.
В витрине - Костюм Фёдора Шаляпина для роли Демона в одноименной опере А. Рубинштейна. 1900-1910-е гг.



Фёдор Шаляпин. Этюд грима Дона Базилио к опере "Севильский цирюльник" Джоаккино Россини, 1912. Санкт-Петербургский музей театрального и музыкального искусства / МРИ



Справа - Паоло Трубецкой. Литейная мастерская Карла Робекки. Портрет Федора Шаляпина. 1899-1900. Бронза. Музей "Собрание"






Фёдор Шаляпин. Автопортрет, 1912. Гипс, тонированный под бронзу

Продолжим обзор зарубежных выставок, на которые нам не попасть.
Пожалуй, главная выставка этого года The Credit Suisse Exhibition: Raphael проходит в Национальной галерее Лондона. Её планировали открыть ещё в 2020 году к 500-летию со дня смерти художника, но коронавирус заставил сдвинуть все сроки, и выставка открылась только 9 апреля этого года, завершится она 31 июля. Выставка представляет уникальную возможность познакомиться со всем творчеством Рафаэля: как с его жизнью, знаменитыми картинами и рисунками, так и с работами в области археологии, архитектуры, поэзии и эскизами для скульптуры, гобеленов и гравюр. Шедевры Рафаэля на выставку предоставили Лувр, Национальная художественная галерея Вашингтона, Прадо, Уффици, музеи Ватикана и галерея Дориа Памфили.

Жизнь Рафаэля была коротка, работа плодотворна, а наследие блистательно. Его биография впервые была рассказана историографом Джорджо Вазари. Родившийся в Урбино в 1483 году, осиротевший в 11 лет, вундеркинд стал мастером живописи в 17 лет. Он покинул родину и переехал в Перуджу, где учился у Перуджино, а затем во Флоренцию, где осваивал дымчатую технику Леонардо. В Риме он работал на двух пап и их ватиканских банкиров, и ему было разрешено тайно наблюдать за работой Микеланджело в Сикстинской капелле.


Рафаэль Санти. Автопортрет, 1504-1506. Темпера на панели. © The Art Archive/Galleria degli Uffizi, Florence/Alfredo Dagli Orti

Карьера Рафаэля была трагически прервана его безвременной кончиной в возрасте 37 лет. Тем не менее, за свою относительно короткую жизнь он прошел путь от ряда скромных заказов в своем родном городе Урбино и его окрестностях до желанной должности одного из ведущих художников в дворе папы Юлия II.
Одна из самых первых работ была заказана Рафаэлю торговцем шерстью и банкиром Доменико Гавари для своей погребальной часовни, посвященной Святому Иерониму, в церкви Сан Доменико в Читта-ди-Кастелло в Умбрии, Италия.


Рафаэль Санти. Распятый Христос с Девой Марией, святыми и ангелами (Распятие в Монде), ок. 1502-1503. © Национальная галерея, Лондон

Ещё одна из ранних работ Рафаэля - "Сон рыцаря", является примером аллегорической живописи. Вероятно, сюжет картины был создан по мотивам эпической поэмы "Пуника" латинского поэта Силия Италика, которая рассказывает историю Второй Пунической войны. В поэме молодому солдату Сципиону, отдыхающему в тени дерева, предстают в видении две дамы - Добродетель и её соперница Наслаждение.


Рафаэль Санти. Аллегория (Сон рыцаря), ок. 1504. © Национальная галерея, Лондон

"Мадонна Террануова" названа по семье владельцев, итальянских герцогов Террануова. В 1854 году герцоги передали картину в Берлинскую картинную галерею, где она находится и сегодня. Слева от Мадонны с Младенцем Христом изображён младенец Иоанн Креститель, справа - ещё один святой младенец. На ленте, которую держат Иисус и Иоанн Креститель надпись "Ecce Agnus Dei" ("Вот Агнец Божий" - слова Иоанна).


Рафаэль Санти. Террануова Мадонна,1504-1505. © Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie



Рафаэль Санти. Шествие на Голгофу, ок. 1504-1505. © Национальная галерея, Лондон

По мнению Джона Раскина, картина "Мадонна Ансидеи" Рафаэля - одна из величайших в истории живописи и является самим воплощением христианских идеалов. К главным её достоинствам он относил безупречное исполнение, выдержавшее испытание веками; реалистичную нежность золотых тонов; умиротворённость персонажей, акцентирование их духовной природы, а не внешности; радостное спокойствие, излучаемое картиной.


Рафаэль Санти. Мадонна с младенцем со святыми Иоанном Крестителем и Николаем Барийским (Мадонна Ансидеи), 1505. © Национальная галерея, Лондон



Рафаэль Санти. Мадонна Ансидеи. Фрагмент



Рафаэль Санти. Проповедь святого Иоанна Крестителя, 1505. © Национальная галерея, Лондон

Рафаэлю было всего двадцать три года, когда он написал картину "Мадонна в зелени" для своего друга и покровителя Таддео Таддеи. Рафаэль избрал тему и соответствующую ей композицию, разработанную Леонардо да Винчи в картине Мадонна в скалах. Она основана на апокрифическом рассказе о том, как во время Бегства в Египет впервые, ещё будучи младенцами, встретились Иисус и Иоанн Креститель. Рафаэль перенёс эту сцену в типичный умбрийский пейзаж.


Рафаэль Санти. Мадонна в зелени (итал. Madonna del Prato, Мадонна на лугу), 1505-1506. Доска, масло. Музей истории искусств, Вена

Известно, что Рафаэль написал картину "Мадонну с гвоздиками", но в мире существует более 50 её копий. И только благодаря научно-техническим достижениям XX века было окончательно установлено, что "Мадонна с гвоздиками" из Лондонской национальной галереи - подлинная работа Рафаэля.


Рафаэль Санти. Мадонна с гвоздиками (Мадонна деи Гарофани), ок. 1506-1507. © Национальная галерея, Лондон

На следующей картине изображена христианская мученица IV века Святая Екатерина, опирающаяся на колесо (отсылка к причине её смерти). Предполагают, что картина была создана перед самым отъездом Рафаэля из Флоренции в Рим.


Рафаэль Санти. Святая Екатерина Александрийская, ок. 1507. © Национальная галерея, Лондон

Моделью Рафаэля для картины "Немая" обычно называют Елизавету Гонзага - жену герцога Урбинского Гвидобальдо Монтефельтро, или сестру герцога Джованну. До 1631 года картина хранилась в Урбино, а затем была перевезена во Флоренцию. В 1927 году картину вернули из Уффици в Национальную галерею Марке, на родину автора.
6 февраля 1975 года "Немая" вместе c двумя картинами Пьеро делла Франчески была похищена из музея и переправлена за границу. Спустя год Интерпол обнаружил все три картины в Локарно (Швейцария).


Рафаэль Санти. Немая, 1507. Холст, масло. Национальная галерея Марке, Урбино

"Мадонна Темпи" была создана Рафаэлем к концу его пребывания во Флоренции, в ряду других его знаменитых изображений богоматери. Но если в некоторых можно наблюдать отголоски влияния Леонардо, с которым Рафаэль познакомился и бывал в его мастерской, то "Мадонна Темпи" обнаруживает довольно оригинальное решение образа. Не исключено, что композиция была вдохновлена рельефами Луки делла Роббиа и Донателло.


Рафаэль Санти. Дева с младенцем (Мадонна Темпи), 1507-1508

У "Мадонны Эстерхази" из Музея изящных искусств в Будапеште своя история. Она была украдена в ночь на 5 ноября 1983 года вместе с другими работами Рафаэля, Джорджоне, Тинторетто и Тьеполо. Все работы, в том числе и эта, были обнаружены итальянскими карабинерами в заброшенном греческом монастыре недалеко от Эгио .


Рафаэль Санти. Богородица с младенцем и юным Иоанном Крестителем (Мадонна Эстерхази), ок. 1508. © Музей изящных искусств, Будапешт

Рафаэль написал "Мадонну Альба" по заказу Паоло Джовио - итальянского ученого-гуманиста, религиозного деятеля и придворного врача римских пап. В то время Рафаэль находился в расцвете творческих сил: достаточно сказать, что в том же году была создана знаменитая "Афинская школа". Картина "Мадонна Альба" - несомненно, одна из лучших Мадонн, созданных художником за всю карьеру. А ведь когда-то "Мадонна Альба" считалась наиважнейшим экспонатом Императорского Эрмитажа в Санкт-Петербурге.


Рафаэль Санти. Богородица с младенцем и младенцем Иоанном Крестителем (Мадонна Альба), ок. 1509-1511. © Национальная галерея искусств, Вашингтон

"Мадонна Гарва" напоминает работы Леонардо да Винчи. Вероятно, на заднем плане изображен вид на Рим. Картиной владело семейство Альдобрандини, в XIX веке она находилась в Англии, в собрании лорда Гарва.


Рафаэль Санти. Мадонна Гарва, ок. 1509-1510. © Национальная галерея, Лондон

Портреты Юлия II, в старости, существуют в трех версиях: в Национальной галерее, Лондон, в галерее Уффици, Флоренция и во дворце Питти, Флоренция. Исследования картин показали: картина в Лондоне - оригинал, в галерее Уффици - работа учеников Рафаэля, во дворце Питти - приписыватся Тициану, как копия с работы Рафаэля.
Римский папа изображён на портрете, по запискам Вазари, настолько живо и похоже, что кажется живым. При нём Микеланджело создал потолок Сикстинской капеллы и знаменитую статую "Моисей", которая должна была обессмертить Юлия II.


Рафаэль Санти. Портрет папы Юлия II, 1511. © Национальная галерея, Лондон.

Биндо Альтовити (1491-1557), флорентийский банкир, живший в Риме, был близким другом Рафаэля. На протяжении всей своей жизни он был преданным меценатом и коллекционером произведений искусства.


Рафаэль Санти. Биндо Альтовити, около 1515. Изображение: Коллекция Сэмюэля Х. Кресса

Моделью для женского портрета послужила возлюбленная Рафаэля, дочь пекаря Форнарина. Рафаэль встретил Форнарину, когда работал в Риме по заказу банкира Агостино Киджи над росписями Виллы Фарнезина, и именно её он изобразил на фреске "Триумф Галатеи".


Рафаэль Санти. Донна Велата, 1516. Дерево, масло. Палатинская галерея, Палаццо Питти, Флоренция

Кроме того, среди экспонатов есть произведения, которые в последнее время видели только посетители аукционных залов, например портрет Лоренцо Медичи, проданный на Christie’s в 2007 году. На портрете изображен Лоренцо Медичи, герцог Урбинский, внук Лоренцо Великолепного, правивший Флоренцией с 1513 по 1519 год - самый знаменитый меценат своего времени. Лоренцо Медичи был племянником папы Льва Х - главного покровителя творчества Рафаэля, а также отцом французской королевы Екатерины Медичи.


Рафаэль Санти. Лоренцо II ди Пьеро де Медичи, ок. 1516

Композиция "Мадонны с розой" заимствована из полотна Леонардо да Винчи, которое не сохранилось до настоящего времени. Название картины происходит от цветка на столе, хотя теперь цветок считается поздним добавлением.
Не существует никакой документации относительно того, когда эта картина прибыла в Испанию, но она упоминается в списках монастыря Эскориал (Испания) за 1667 год.


Рафаэль Санти. Мадонна с розой, 1518. Дерево, масло. Прадо, Мадрид, Испания

На двойном портрете, кроме самого Рафаэля, изображён Джулио Романо - итальянский живописец и архитектор, наиболее значительный из учеников Рафаэля. Уроженец Рима, помогал своему учителю в его капитальных работах, а именно в украшении ватиканских станц Элиодора и дель-Инчендио, исполнил некоторые фрески. Наиболее оригинальная его работа находится в Мантуе - это Палаццо дель Те.

Рафаэль Санти. Автопортрет с Джулио Романо, 1519-1520. Холст, масло. Фотография: © RMN-Grand Palais, Музей Лувра

Кастильоне - придворный, дипломат и ученый, автор невероятно популярной "Книги придворного" (1528), был близким другом Рафаэля.


Рафаэль Санти. Бальдассаре Кастильоне, 1519. Изображение: Музей Лувра, Париж

"La Fornarina" ("Булочница"), так назвал эту картину Рафаэль. На ней - полулегендарная возлюбленная художника, дочь пекаря Маргерита Лути. Когда Рафаэля не стало, она ушла в монастырь. Возможно, именно с неё писал художник и свою знаменитую "Сикстинскую мадонну".


Рафаэль Санти. Женский портрет (Ла Форнарина), 1519-1520. Фотография: © Galleria Nazionale di Arte Antica

Подготовительный набросок фигуры в большом запрестольном образе "Преображение" (Пинакотека Ватикана) показывает мастерство Рафаэля в рисовании человека. Рисунок Рафаэля был продан на Sotheby’s в Лондоне в 2012 году за $47,8 млн


Рафаэль Санти. Эскиз головы апостола в Преображении, 1519-1520. © Частная коллекция. Изображение: Частная коллекция, Нью-Йорк



Рафаэль Санти. Эскиз ангела, ок. 1515-1516. © Музей Эшмола, Оксфордский университет

Дизайн этого огромного гобелена напрямую основан на небольшой картине Рафаэля "Видение Иезекииля"


Рафаэль Санти. Бог Отец в сопровождении символов евангелистов
Источники информации: www.nationalgallery.org.uk , news.artnet.com , www.sedmitza.ru , afisha.london , muzeemania.ru , википедия