Преступное искусство

Выставка Дали в ГМИИ

С 16 августа по  06 ноября 2011 года в ГМИИ им. А.С. Пушкина будет проходить выставка знаменитого испанского сюрреалиста Сальвадора Дали. Подробности о выставке сообщают "Московские новости"...


О выставке до сих пор было известно немного: только даты и примерное число экспонатов. Теперь благодаря открытости системы госзакупок стало возможным подробнее узнать, что именно покажут москвичам на Волхонке начиная с августа.

Сальвадор Дали. "Галарина", 66х51см.1944-1945

Сальвадор Дали. «Атомная Леда», 61х45, 1949

Сальвадор Дали. "Сферическая галатея", 64х54 см., 1952



Сальвадор Дали. «Исчезающие образы», 56,3х50,5 см., 1938

Выставка Боттичелли в ГМИИ

С 14 мая по 17 июля в ГМИИ им. А.С. Пушкина в рамках Года Италии в России будет выставлен очередной шедевр  - "Паллада и кентавр" кисти Сандро Боттичелли из Галереи Уффици...


Вслед за «Дамой с единорогом» Рафаэля Санти из собрания Галереи Боргезе в Пушкинском музее покажут «Палладу и кентавра»  Сандро Боттичелли.

Сандро Боттичелли. "Паллада и Кентавр". 1485-1488 гг. Уффици, Флоренция. » увеличить.

Картина "Паллада и Кентавр" (около 1488) была написана для Джованни Пьерфранческо Медичи и находилась на вилле Кастелло вместе с "Весной" и "Рождением Венеры".

Ранее в картине видели политическую аллегорию, посвященную проницательности и искусству Лоренцо Великолепного в делах дипломатии. Считалось, что Паллада олицетворяет победу Медичи над заговорщиками (заговор Пацци) или успех в противодействии агрессивным планам неаполитанского короля. Основанием для такой трактовки послужили медичейские эмблемы, которыми расшито одеяние богини. Однако другие подтверждения этой гипотезы отсутствуют. Во второй половине XV века еще не существовало традиции писать политическиеаллегории подобного типа. Более правомерно видеть в аллегории нравственную направленность.

В основе ее идея Фичино о двойственности природы человека, соединяющего в себе животное начало, связанное с жизнью тела, и сферу духа и разума, устремленного ввысь к достижению небесной мудрости. И лишь божественная милость позволяет преодолеть муки души, томящейся в оковах тела.

Изображая кентавра, художник пользовался конкретным античным прообразом - фигурой саркофага, хранящегося ныне в Ватиканском музее. Вместе с тем картину отличает от античных памятников то, что художник изобразил не физическую схватку Минервы и кентавра - "кентавромахию", а "психомахию".

Кентавр воплощает у Боттичелли соединение в человеке низменного и высокого. Лук и стрелы в его руках указывают на животные страсти, но лицу Кентавра художник придал выражение глубокого страдания, свойственное святым на его картинах.

Вместо Афины Паллады (Минервы) воительницы, которую со времен далекой античности было принято изображать со шлемом, панцирем и щитом, с головой Медузы Горгоны, Боттичелли изобразил "Минерву-пацифику", атрибуты которой - копье (у Боттичелли алебарда) и ветка сливы (в картине - оливковые ветви и венок) - символизируют добродетель. В трактовке Паллады Боттичелли также следует классическому образцу, но и в этой фигуре заметно сходство с христианской святой.

Неоплатоническому подтексту отвечает и пейзаж, составленный из мрачных скал и чарующих далей.

Существует целый ряд аллегорических толкований этого произведения. В нем видели победу Лоренцо Великолепного над Неаполем, победу Медичи над Пацци, соединение страстей и мудрости у Лоренцо. Имеется и более широкое его толкование как победы мудрости над страстями, что обсуждалось в кружке Медичи. Предлагалось и понимание картины как вообще победы сил мира над силами разрушения. В таком случае ее содержание близко содержанию картины "Венера и Марс".

"Современное искусство"

Борис Гройс изумляет украинскую журналистку рассуждениями об эстетической стороне рубки икон, коллаборативности искусства и таинстве причастия как коммерческом жесте...


 

Для того, чтобы встретиться с Борисом Гройсом, надо зайти в ближайший книжный магазин, открыть первую книгу о современном искусстве, которая попала вам на глаза, и увидеть его имя в списке авторов. Взять интервью у известного теоретика не так просто, для этого наверняка необходимо, так же как он, жить одновременно на нескольких континентах. Гройс, профессор Нью-Йоркского Университета в США и Академии Искусств в Карлсруэ в Германии за последние три года издал не менее 10 книг и готовит к печати еще несколько.

На постсоветском пространстве он известен как главный теоретик московского концептуализма, на западе - как автор провокационного исследования-переосмысления советского авангарда. В этом году Борис Гройс выступит куратором Российского павильона на Венецианской Биеннале, где он представит Андрея Монастырского, основателя концептуальной группы «Коллективные Действия». Мой разговор с теоретиком искусства состоялся в солнечный декабрьский дней в его офисе Нью-Йоркского Университета, одного из интеллектуальных центров Северной Америки.

- Является ли история искусства глобальной дисциплиной, или каждому региональному искусству должна соответствовать своя методология? Стоит ли принять западный канон как универсальный или нужно постоянно искать и изобретать свой?

- Прежде всего, мне кажется, что так называемый западный канон всегда переписывается, то есть никакой такой нормативной истории искусства нет, а каждое поколение переписывает эту историю заново. Внутри западной артсцены имеется целый ряд конфликтующих, противоречащих друг другу концепций истории.

Теории Фуко, Деррида (деконструкции истории) делают сцену открытой многим конфликтующим концепциям, и поэтому, если вы хотите предложить свою собственную, то такая возможность всегда существует. Нет никакой стандартной канонической истории искусств, против которой следовало бы возражать, а есть плюралистическая ситуация, к которой всегда можно подключиться.

- То есть Вы считаете, что, скажем, нет никакой проблемы в том, чтобы описывать украинское искусство с помощью концепций Дерридa?

- Использовать можно вообще все, что угодно. Ведь когда вы делаете искусство, вы используете холст, вы используете краски, вы используете кисть и какой-то другой материал, мрамор, например, используете видео- или кино-камеру, пленку. Многие из этих материалов импортированы. Если вы используете импортированные мрамор или краски для производства украинского искусства, то почему бы не использовать западные концепции для теоретизирования украинского искусства? Мы живем в мире, в котором вообще все возможно.

- В свете предыдущего вопроса, интересно, как Вы будете решать проблему объяснения западному зрителю Венецианской биеннале феномена так сильно вписанного в историко-культурный контекст, как группы «Коллективные Действия»?

- Я не думаю, что здесь должна речь идти о каких-то специальных западных или восточных объяснениях, и что есть какая-то большая разница между ними. В тот момент и в той среде, в которой это искусство возникало, читались и усваивались самые разные идеи, в том числе и западные. Но, с другой стороны, Монастырский очень много читал, например, японской и китайской литературы. Так что влияния были самые разные, и это была очень открытая ситуация. Поэтому я не думаю, что нужно как-то особенно приспосабливаться к какой-то фиктивной «западной аудитории». Тем более, что никакой такой особенной западной аудитории нет. На любой крупной международной выставке теперь так много не-западного искусства, что западные критики уже привыкли на эту ситуацию как-то реагировать.

- Чтобы попасть в мировую историю, современному художнику нужно иметь прежде всего мощное самоописание, или все решает внимание влиятельных и всемирно известных западных критиков?

- Современное искусство - это своеобразный феномен.  Ренессанс, например, был искусством, обращенным в прошлое, Футуризм был обращен в будущее, но современное искусство обращено к современности. То есть попадать нужно не в историю искусства, а в современность. Для этого нужно, конечно, понять эту современность. Потому что современное искусство — это некое сообщение. Каждый раз оно должно быть сделано из расчета на то, чтобы быть понятым. А для этого нужно всегда иметь в виду современника. То есть нужно посмотреть вокруг, послушать, о чем говорят и что говорят другие люди, чтобы сказанное потом вами было воспринято как новое, и интересное, и важное, такое, которого раньше не было. То есть нужно быть внимательным к той культуре, в которой вы работаете. Современное искусство в основе своей коллаборативно, оно требует от художника интереса к его аудитории.

- А какую роль в этом процессе играет критический комментарий?

- Я вообще не думаю, что критический комментарий играет тут особую роль. Я думаю, что для того, чтобы понять, какую избрать стратегию успеха, нужно понять, какого рода успеха вы хотите. Если вам интересен коммерческий успех, то есть если вы хотите заработать много денег с помощью искусства, то для этого вам вообще никакой критический комментарий не нужен. Для этого нужно выставляться в коммерческих галереях и заинтересовать вашим искусством богатых коллекционеров, чтобы ваша работа попала в их коллекцию. Это как Дольче и Габана, Армани, вещи которых покупают не из-за критического комментария, а потому что это вещи, которые нравятся.

А вот если вы хотите стать художником, которого любят теоретики и другие теоретически активные художники или кураторы, которые отбирают работы для биеннале, то нужно занять какую-то теоретическую позицию. Некоторые художники могут сами провести эту работу и выстроить какую-то теоретическую программу, которая была бы понята в определенной среде. Художники типа Франсиса Алюса, Тиравании и т.д. стали очень популярны среди критиков, потому что они сформулировали такую программу или теоретическую позицию. Конечно, они имеют гораздо меньший коммерческий успех, но важно знать, чего вы хотите.

- Есть ли надежда на следующий авангард в искусстве? Если можно считать Московский концептуализм вторым авангардом, то можем ли мы рассчитывать на третий?

- Прежде всего, я не думаю, что это был второй авангард, это была какая-то поздняя концептуальная версия авангарда. Что касается повторения, то идея авангарда тесно связана с политической организацией общества. Мы живем сейчас в условиях рынка, мировой экономики, которая не предполагает авангардного проекта. Художественный авангард тесно связан с идеей политически-эстетического переустройства мира. Такой проект сейчас не может даже возникнуть, потому что для него пока нет основных условий, но условия могут измениться — ведь мы заранее не можем сказать, какие условия появятся завтра. Может быть, сегодняшняя экономическая ситуация приведет к глубокому кризису капитализма и тогда авангард получит новый шанс.

- Вы говорите о влиянии политики на искусство, а возможно ли искусство как чистое политическое высказывание? Необходимо ли оно?

- Современный художник всегда находится в разных контекстах, и один из них — это политический. То есть художник должен не упускать ничего из виду, его жест должен иметь различные измерения — теоретические, политические, социальные, а также личное и психологическое измерение, все это он должен учитывать, тут нельзя выбрать только один момент, нужно учитывать все.

- Что вы думаете об искусстве, в котором политическая составляющая перевешивает эстетическую. Например, перформанс Тер-Оганьяна в поддержку Мавроматти у Лувра или интернет-перформанс самого Мавроматти?

- Я думаю, что мы все это должны уточнить, потому что если мы возьмем, к примеру, акцию Мавроматти, о которой вы говорите, я вижу здесь эстетическую составляющую, которая заключается в том, что он обнаруживает характер Интернета как электричества. И это, собственно говоря, то, к чему призывал еще Гринберг — выявить материальную сторону искусства.

То есть материальная сторона Интернета — это электричество, электрические кабели, и то, что Мавроматти это выявляет, мне кажется, даже более эстетическим, нежели политическим жестом. То же самое и Тер-Оганьян, когда он рубил иконы, он тоже выявил материальную сторону икон — то есть дерево. То есть здесь была очень ярко выраженная эстетическая сторона.

- Как сказал Илья Кабаков, в одной из своих инсталляций — в будущее возьмут не всех. Как Вы думаете, кого туда все же возьмут и что нужно сделать, чтобы туда попасть?

- Прежде всего — стоит думать не о будущем, а о настоящем. Потому что уже в настоящее берут не всех. Второе — думать об аудитории. Когда вы хотите как художник чего-то добиться, вы должны думать о том, что интересно тем людям, которым вы хотите показывать свое искусство. То есть червяк должен быть вкусен не вам, а рыбе, которая попадает на крючок. Eсли вы хотите, чтобы подумали о вас, сначала подумайте о других.

- Очень христианский подход.

- Да, христианский и одновременно коммерческий, потому что христианство лежит в основе любой коммерции. Не зря коммерцию создали христианские страны. Первый коммерческий жест, который конституировал рынок и прочее — это причастие, когда подаются хлеб и вино, которые объединяют всех.

Вот вы спрашиваете, на кого должно быть ориентировано искусство, говорите о критиках, коллекционерах. А на самом деле, искусство по своему определению ориентировано на всех.

Как сказал Ницше про свою книгу о Заратустре — это книга для всех и ни для кого. То есть ни для кого специфически, но для всех. Это и есть принцип рынка, когда вам нужно что-то продать. Когда вы открываете ресторан фаст-фуда — это еда для всех. В такой ресторан может пойти очень обеспеченный человек и человек самого среднего достатка.

Это то же самое, что и причастие, и то же самое, что и «Черный Квадрат» Малевича. Почему он стал иконой? Потому что сделан для всех. Oриентация настоящего искусства — это ориентация на всех. Вы должны подумать о том, что будет всем одинаково интересно или, что то же самое, всем одинаково неинтересно - не кому-то специфически, а всем.

Картина Уинстона Черчилля

Картина "Вилла на реке Нивель", написанная Уинстоном Черчиллем в 1945 году, вошла  в число лотов предстоящих майских  торгов Christie`s в Лондоне...

"Виллу на реке Нивель" Уинстон Черчилль написал неожиданно для самого себя

Учитывая популярность картин легендарного премьер-министра на аукционах (в июле 2007 года Sotheby`s продал его работу за рекордный £1 млн) и историю создания этого пейзажа, цена "Виллы" может оказаться вдвое и даже втрое выше заявленных £300 тыс.

За шесть лет Второй мировой войны Черчиллю, пристрастившемуся к живописи еще в 1914 году, удалось написать всего одну картину. Единственный свободный день, выдавшийся на десятидневной конференции в Касабланке в январе 1943-го, он провел вместе с президентом Рузвельтом в Марракеше. В память об этом небольшом путешествии появилась картина "Вид Марракеша с мечетью Кутубия".

После войны Черчилль планировал продолжить политическую карьеру и, трезво оценивая свои художественные способности, вовсе не собирался возвращаться к живописи. В ожидании объявления итогов парламентских выборов 5 июля 1945 года он гостил во Франции у генерала Раймона Брютинеля. Там Черчилль, поддавшись на уговоры жены британского консула в Бордо, и написал "Виллу на реке Нивель".

Те выборы он проиграл, но поражение Черчилля-политика, судя по всему, пошло на пользу Черчиллю-художнику — уже в январе 1946-го сэр Уинстон рассказывал журналу Life об увлечении живописью: "Нет другого такого предмета, в котором я чувствовал бы себя более робко и в то же время более естественно".

Кристиан Диор выставка

28 апреля в ГМИИ им. А.С. Пушкина открывается выставка "Диор: под знаком искусства", посвященная творчеству знаменитого модельера и его источникам вдохновения...




Выставка "Диор: под знаком искусства" будет проходить в ГМИИ им. А.С. Пушкина  С 28.04.2011 по 24.07.2011.  Смотреть ещё картинки в фотогалерее

Нико Пиросмани

Грузинские СМИ "обнаружили" на Антикварном салоне картину Нико Пиросмани "Черный лев", которая была похищена вооружёнными грабителями из частной коллекции...

На выставке Российского антикварного салона в Москве обнаружена картина Нико Пиросмани "Черный лев". Как сообщает грузинское агентство "Интерпрессньюс", эта картина была украдена в Грузии в 1993 году из дома бывшего ректора Художественной академии Грузии Аполлона Кутателадзе.

"В 1993 году к нам ворвались вооруженные автоматами [люди] и похитили рисунок. Нападение было совершено из-за картины Пиросмани", - рассказал агентству сын Кутателадзе. В беседе с ИТАР-ТАСС и.о. главы Росохранкультуры Виктор Петраков подтвердил, что картина действительно была украдена.

Однако он объяснил, что эта проблема на сегодняшний день уже решена. "Ее [картину] несколько лет назад на аукционе приобрел нынешний владелец. Позже, узнав, что произведение в розыске, он поехал в Тбилиси и выкупил ее у семьи художника Аполлона Кутателадзе. Были оформлены все документы, их копии находятся у нас на руках", - заявил Петраков.

При этом он предположил, что информация об этом могла не дойти до правоохранительных органов. "Чтобы проверить достоверность документов, предоставленных в нашу службу, мы направили запросы в грузинские правоохранительные органы и Интерпол", - рассказал Петраков, добавив, что "в прошлому году работа также выставлялась на Салоне, а до этого семь лет провисела в гостинице 'Белград', и ни у кого не возникло никаких претензий".

"Черный лев", написанный в 1906 году, считается одной из лучших картин Нико Пиросмани. По словам директора Музея искусств Грузии Георгия Марсагишвили, слухи о том, что картина может находиться в Москве, появились не так давно; до этого о ней ничего не было известно.

Триптих Фрэнсиса Бэкона

Аукционный дом Christie's выставил на торги автопортрет Фрэнсиса Бэкона, выполненный в виде триптиха, и полотно Марка Ротко...

XXX Российский антикварный салон

16 апреля в Москве в ЦДХ в тридцатый за 15 лет раз стартует Российский антикварный салон, традиционно являющийся самым значимым событием на российском антикварном рынке...

• Посмотреть иллюстрации

Весенний антикварный салон в Москве будет юбилейным, 30-м. Первый салон был в 1996 году, то есть история салонов — по сути история российского антикварного рынка на его постсоветском этапе. В первой выставке-ярмарке участвовало 18 галерей. На ней отметились все организаторы первых аукционов искусства в новой России — "Альфа-Арт", "Магнум Арс", "Гелос". Одни антикварные магазины-галереи принимали участие в каждом салоне, другие появлялись и исчезали.

В начале 2000-х годов российский антикварный рынок затоварился столовым серебром и мелкой ювелиркой, незначительная живопись покрыла ковровой развеской все поверхности. В 2004 году все 3 этажа ЦДХ оказались полностью заняты, расширяться стало некуда. Но количество счастливо переросло в качество — сформировалась главная зона из самых лучших галерей, которые начали устраивать тематические проекты-выставки. В том же 2004 году лидеры салона по зарубежному примеру объединились в Конфедерацию антикваров и арт-дилеров.

Салон переживал периоды расцвета — когда ЦДХ был полон искусством под крышу, и ярмарка начала отпочковывать более мелкие проекты, такие как "Полвека советского искусства", или букинистическую ярмарку. Были и периоды упадка. Был кризис, связанный с волной фальшивок — его салон, вместе со всем нашим арт-рынком, преодолевает по сей день, усиливая экспертные советы. Экономический кризис нанес удар, от которого, по крайней мере внешне, Российский антикварный салон к своей 30-й годовщине вполне оправился. Сейчас в ярмарке принимает участие 250 галерей и арт-дилеров, и выглядит она вполне по-европейски.

Значительную часть экспозиции на ХХХ салоне будет занимать зарубежное искусство — старые мастера и живопись XIX века, что соответствует мировому тренду.

Пейзажи голландских и фламандских художников "золотого" XVII века покажет галерея "Модус Вивенди". Галерея Sorgente присоединит к ним пейзажи французских и германских художников с XVII по XIX век. Картины европейских художников XIX века, включая "Пейзаж с деревней" 1893 года Огюста Ренуара и работы бельгийского анималиста Джозефа Шипперса, выставит галерея "Академия художеств".

Преобладать будет, конечно, русская живопись — что закономерно для московской ярмарки. Галерея "Альтруист" следует курсом на первые имена русской живописи 2-й половины XIX века — на прошлом салоне на ее стенде было полотно Василия Перова, теперь — таинственный "Амстердам в лунную ночь" Алексея Боголюбова, а также произведения Левитана, Айвазовского, Шишкина. Русскому пейзажу XIX — начала ХХ века посвящена экспозиция галереи "Антик-инвест". Пейзажи будут яркими — это "Цветущая сирень" Виктора Батурина, "Женевское озеро" Владимира Орловского, снежные вершины Ильи Занковского, вечернее море Юлия Клевера. Тему отдыха у моря развивает галерея "2.36", собравшая посвященные этой теме картины художников ХХ столетия — Александра Лабаса, Меера Аксельрода, Варвары Бубновой. Восточной теме в произведениях русских художников посвящен проект галереи "Элизиум": тут будут работы Давида Штеренберга, Николая Терпсихорова, Виктора Уфимцева.

Русскую графику 1890-1930 годов можно будет увидеть на стенде галереи Джеймса Баттервика, единственной галереи в Лондоне, занимающейся искусством этого периода — и единственной британской галереи на салоне. Рисунки Врубеля, Ларионова, Петрова-Водкина, Дейнеки отличаются настоящим музейным уровнем и безупречным провенансом.

Декоративно-прикладному искусству и мебели посвящено несколько тематических проектов. "Его величество фарфор" — это редчайшие скульптуры, вазы, предметы интерьера частных фарфоровых фабрик конца XVIII — начала ХХ века, а также Императорского завода. Ювелирные изделия "Поставщиков двора Его величества" покажет "Антиквариат на Кутузовском, 24". Предметы эпохи ампира можно будет увидеть на стенде "Три коллекции", созданные на 100 лет позже предметы ар-деко — в галерее Transatlantique.

Специальным проектом ХХХ Российского антикварного салона является выставка "Итальянская живопись XIV-XVIII веков из частных собраний Москвы". Выставка приурочена к году России в Италии и проходит под патронатом итальянского посольства в Москве. Куратор проекта Виктория Маркова, доктор искусствоведения, признанный специалист по итальянской живописи, собрала из частных московских собраний почти три десятка работ итальянских художников.

Трудно было ожидать такого количества — итальянская живопись в последнее время не является приоритетом для московских собирателей. И невозможно было ожидать такого качества: любое из этих полотен вполне музейное. Виктория Маркова заново атрибутировала многие работы и проследила их историю. Некоторые картины имеют российское происхождение, они восходят к старинным собраниям, другие до сих пор принадлежат потомкам известных в прошлом коллекционеров, третьи приобретены за рубежом — в частных галереях или на аукционах.

Выставку открывает небольшое тондо, изображение Пантократора 20-х годов XIV века — уже не икона, но еще не картина. Живописная объемность лица Христа свидетельствует об отходе от византийской системы изображения — этот шаг в сторону Возрождения сделал вслед за своим великим учителем Дуччо живописец из Сиены Сенья ди Бонавентура. Раньше московский владелец тондо и не подозревал, что за произведение у него хранится.

Еще одно открытие — огромное полотно "Битва Константина и Максенция", повторяющее композицию знаменитой фрески, украшающей одну из папских станц в Ватикане. Папа Лев X Медичи заказал роспись этой комнаты в 1519 году Рафаэлю. Художник успел сделать подготовительный картон и, может быть, даже приступить к работе — но в апреле 1520 года умер. Роспись заканчивал ученик Рафаэля Джулио Романо. По-видимому, какой-то богатый заказчик пожелал иметь у себя композицию, сразу же ставшую популярной — и Джулио Романо еще раз написал узлы из человеческих и лошадиных тел в битве, с которой началось превращение христианства в главную мировую религию. Холст длиной почти в 3 метра повторяет композицию фрески; Джулио Романо только добавил еще больше драматизма и деталей. Картина частично написана темперой — то есть в классической для итальянской живописи XVI века технике.

"Лежащая Венера и Амур" мастера начала XVI века Бернардино Личинио раньше была известна только в варианте из галереи Уффици во Флоренции. "Даная" написана, скорее всего, Антонио Караччи — племянником более знаменитого Аннибале, заложившего основы классицизма XVII века — на его произведения будет позднее опираться приехавший в Рим Никола Пуссен. Датированный 1600 годом "Иоанн Креститель", энергично простирающий руку к зрителю, принадлежит кисти Джованни Бальоне, в этот период близкому к Караваджо. Имена художников Возрождения и итальянского барокко, картины которых попали на выставку, можно перечислять и дальше.

Не менее интересно перечислять коллекции и экспозиции, в которых побывали картины. Например, "Мадонна с младенцем, Иоанном Крестителем и св. Елизаветой" работавшего во Флоренции Санти ди Тито долгое время хранилась в семье легендарного коллекционера Соломона Шустера, переходя из поколения в поколение (правда, в то время автором считался Джорджо Вазари). Картина, написанная Алессандро Маньяско в соавторстве с Антонио Перуццини, "Отшельник в пейзаже", в 1915 году экспонировалась на выставке картин старых западных мастеров из московских собраний, устроенной Обществом друзей Румянцевского музея. А "Сцена битвы, с белой лошадью на первом плане" Франческо и Пьетро Грациани происходит из старого русского собрания и вообще не меняла владельцев с дореволюционных времен.

На выставке представлено все разнообразие сюжетов, свойственных старой итальянской живописи. Кроме ветхо- и новозаветных сцен тут есть сцены битв, мифологические сцены, цветочные и "рыбные" натюрморты, венецианская ведута. Есть и аллегорические сцены, например "Марс, удерживаемый амуром" мастерской Гверчино. Сюжет картины "Юнона и павлин" Стефано Маньяско, отца знаменитого Алессандро, почерпнут из "Метаморфоз" Овидия. Стоглазый великан Аргус, которого Юнона послала стеречь нимфу Ио, был убит Меркурием. В память об Аргусе Юнона собрала его глаза и поместила их на хвосте своего павлина. На картине служанка богини держит на ладони горстку глаз, которые Юнона по одному осторожно берет изящными щипцами.

Такой выставки в Москве еще не бывало — итальянских художников всегда для показов брали только из музейных коллекций. То, что выставка проходит в рамках XXX Антикварного салона, должно задать юбилейному салону особый, необычно высокий для него тон.

Выставка братьев Ткачёвых в Третьяковке

Братья Ткачёвы в ГТГ

Обширная ретроспективная выставка знаменитых живописцев братьев Сергея и Алексея  Ткачевых, на которой будут представлены 170 картин классиков русского реалистического искусства, открывается 15 апреля  в Третьяковской галерее...




Ткачевы А.П., С.П. "У старых бань". 1980. Холст, масло. 120х230. ГТГ



Ткачевы А.П., С.П. "Братья". 1981—1983. Холст, масло. 158х184. ГТГ

 » Смотреть больше фото

Частные музеи

Председатель правления фонда "Связь времен", организованного магнатом Виктором Вексельбергом, сообщил об открытии в 2012 году  в Петербурге одного из музеев будущей частной музейной сети...

Шуваловский дворец на набережной реки Фонтанки

Культурно-исторический фонд "Связь времен", основанный предпринимателем и меценатом Виктором Вексельбергом, создаст в России сеть музеев частных коллекций.  "Первый музей мы откроем в Санкт-Петербурге в 2012 году, потом, через 2-3 года, в Москве", - сообщил председатель правления фонда

Фонд создан в 2004 году после приобретения Вексельбергом у наследников медиамагната Малькольма Форбса коллекции предметов Фаберже, включающей 9 императорских пасхальных яиц. Это всего на одно меньше, чем в собрании Музеев Кремля, и именно они положили начало коллекции "Связи времен", насчитывающей сейчас порядка 4 тысяч предметов русского декоративно-прикладного искусства. Фонд постоянно организует выставки - в России они уже прошли, в частности, в Музеях Кремля и Эрмитаже, а 15 апреля в Музеях Ватикана откроется выставка "Фаберже. Святые образы".

Параллельно с коллекционированием и устройством выставок, в фонде разрабатывали концепцию музея для собственного собрания, и теперь она приобрела более конкретные очертания в виде целой музейной сети. Председатель правления фонда отметил, что власти на федеральном и столичном уровне поддерживают эту инициативу.

"Наша задача - не просто создание музея частных коллекций, по масштабам это будет сопоставимо с лучшими музейными проектами самых передовых стран", - рассказал Воронченко.

Музей в Санкт-Петербурге должен открыться в Шуваловском дворце, когда там завершится реставрация, и он, по словам Воронченко, вернется к тому облику, "в котором встретил революцию". Это двухэтажный особняк с ориентацией на ренессансную архитектуру Италии построен в 1793 году и имеет сейчас статус объекта культурного наследия федерального значения.

Здание для московского музея построят заново, а в течение текущего года объявят международный конкурс на его архитектурную концепцию.

"В ближайшем будущем, когда будет покончено с формальностями, мы объявим, где построят музей: до окончательного решения о выделении места не хотелось бы его обозначать", - сказал председатель правления фонда.

На очереди - Екатеринбург и Иркутск.

"Эти музеи создаются не только для нашей коллекции, но и других российских частных коллекций искусства", - отметил Воронченко.

По его словам, в настоящее время уже более десяти отечественных коллекционеров согласились показать широкой публике принадлежащие им произведения.

 Ай Вэйвэй

В Китае за экономические преступления начато уголовное преследование диссиденствующего художника Ай Вэйвэя - крупнейшего производителя керамических семечек...

Производитель "современного искусства" Ай Вэйвэй

Ай Вэйвэй представил в лондонской галерее Тейт свою инсталляцию в виде 100 000 000 семян подсолнечника. Точнее, это не настоящие семечки, а фарфоровые, изготовленные вручную.

Lenta.ru сообщает о том, что китайский художник Ай Вэйвэй стал подозреваемым по делу об экономических преступлениях, в его отношении ведется следствие в соответствии с законами страны.

Сообщение государственного информагентства КНР длиной в одно предложение стало первым официальным подтверждением преследования художника. Как отмечает The Daily Telegraph, в течение часа заметка была удалена с сайта "Синьхуа".

По данным очевидцев, Ай Вэйвэй был задержан еще 3 апреля в пекинском аэропорту, когда пытался сесть на самолет до Гонконга. Последующие четыре дня судьба самого знаменитого современного художника Китая оставалась непроясненной; не было известно, арестован ли он, и если да, то в чем подозревается.

За этот период несколько западных стран высказали свою озабоченность пропажей Ая Вэйвэя и призвали Пекин освободить его. В ответ через официальные СМИ КНР было распространено заявление с требованием не вмешиваться во внутренние дела Китая.

Ай Вэйвэй имеет репутацию диссидента; считается, что ранее власти практически не трогали его из-за репутации на Западе, а также уважения к отцу художника, знаменитому поэту. Родственники Ая утверждают, что теперь он стал жертвой "охоты на ведьм", обострившейся в КНР после начала революций и массовых волнений в арабских странах.

Самой громкой из последних работ художника стала инсталляция в галерее Тейт: художник заполнил один из залов семечками, изготовленными из фарфора. В феврале 2011 года сто килограммов этих семечек были проданы на Sotheby's за 560 тысяч долларов.

Также Ай участвовал в создании пекинского стадиона "Птичье гнездо", построенного к Олимпиаде 2008 года, хотя сам высказывался против проведения Олимпиады в стране, где нарушают права человека. Следующий проект художника под названием "Зодиак" должен открыться в начале мая в Нью-Йорке; уже известно, что открытие состоится, даже если Ая Вэйвэя на нем не будет.

Эксгумация Джоконды

Итальянские исследователи объявили во вторник, что займутся раскопками костей во флорентийском монастыре  Святой Урсулы,  чтобы идентифицировать останки женщины, давно считающейся моделью для "Моны Лизы"...

В Италии дан старт проекту по поиску захоронения Лизы дель Джокондо - женщины, которая, как традиционно считается, изображена на самой знаменитой картине Леонардо да Винчи, сообщает Lenta.ru.

Исследователи уже начали изучать документы, которые позволят точнее определить местонахождение останков Моны Лизы. Собственно поиски начнутся 27 апреля во Флоренции на территории бывшего монастыря Святой Урсулы, где, как считается, в 1542 году и была похоронена Лиза дель Джокондо, урожденная Герардини.

Проектом заведует профессор Сильвано Винченти, ранее успешно занимавшийся поиском останков Караваджо, Петрарки, Боярдо, Пико делла Мирандолы. По его словам, если захоронение будет найдено, останки сперва отправят на экспертизу ДНК, чтобы подтвердить, что они действительно принадлежат Джоконде. Затем, если будет найден череп, по нему с помощью современных технологий восстановят лицо женщины, чтобы раз и навсегда установить, она ли изображена на портрете Леонардо.

Вандализм в музеях

53-летняя Сьюзан Бернс в Национальной галерее искусств в Вашингтоне набросилась на картину Гогена "Две таитянки" стоимостью 80 млн. долларов, написанную художником в 1899 году...

Сьюзан Бернс, 53 года. Фото: http://www.thesmokinggun.com

Женщина с криком "Это зло!" попыталась сорвать картину со стены и стала колотить кулаками по защитному пластиковому экрану,  - сообщила Lenta.ru. -  Ее сумел оттащить от Гогена другой посетитель галереи. Нападавшую задержали, ей предъявили обвинения в нанесении ущерба имуществу галереи и попытке похищения произведения.

По предварительным данным, полотно с изображением полуобнаженных туземок не пострадало, однако его отправили на дополнительную экспертизу. "Две таитянки" принадлежат Нью-Йоркскому музею Метрополитен и находились в Вашингтоне на выставке "Гоген: создатель мифов", которая началась в феврале и продлится до начала июня. Всего на ней представлены 120 работ; в одном зале с "Двумя таитянками" находились еще 13 картин, на них следов повреждений также не нашли.

Экспертиза картин

— Базовые основы нашего подхода не новы — это рентгенофлуоресцентный анализ (РФА), ему около 100 лет. Он позволяет определить на качественном уровне элементный состав образца. Более продвинутые технологии РФА позволяют количественно оценить содержание элементов в исследуемом объекте. Около 20 лет назад РФА был применен для количественного анализа распределения элементов по площади образца — в данном случае это картина, произведение искусства. (Одной из первых рентгенографически «переоткрытых» картин была «Дама с единорогом» Рафаэля, выставляемая в эти дни в Пушкинском музее в Москве — прим. ред.) Мы применили этот метод для исследования картин старых мастеров и создали специальное оборудование, которое позволяет обследовать такие большие объекты.

— Образец исследуют, направляя сфокусированный пучок рентгеновских лучей в образец, точка за точкой. Атомы в этом крайне небольшом участке возбуждаются при воздействии первичного пучка. В результате переходов электронов между различными энергетическими уровнями образец флуоресцирует, а параметры излучения являются характеристичными, то есть уникальными для каждого элемента. Таким образом, по длине волны излучения можно определить с большой долей вероятности красители, использованные при нанесении изображения.

Винсент ван Гог «Лоскут травы» (из собрания Kröller-Müller Museum)

Интенсивность флуоресцентного излучения для каждого элемента визуализируется в виде черно-белого распределения по изображению.

Таким образом, наш метод кардинально отличается от классической радиографии, (просвечивания). Если в радиографии излучение, проходящее через образец, дает только картинку контраста, наш метод — его можно назвать цветной радиографией — фиксирует весь спектр испускания каждого отдельного элемента.

— На иллюстрациях показаны результаты визуализации скрытых живописных слоев нескольких исторических картин; по ним можно оценить возможности нашего метода.

Первый набор изображений посвящен картине «Pauline im weißen Kleid vor sommerlicher Baumlandschaft» (Полина в белом платье на фоне летнего лесного пейзажа). Эту картину приписывают кисти Филлипа Отто Рунге (немецкий художник-романтик, живший в 1777—1810 годах). Однако это мнение официально не признано, и ряд экспертов опровергают такое предположение.

Полина в белом платье на фоне летнего лесного пейзажа

Картину исследовали на источнике синхротронного излучения DORIS III в научном центре DESY (Deutsches Elektronen Synchrotron) в Гамбурге (Германия). В результате удалось разделить вклады кобальта (Co, входит в состав краски «кобальтовая синяя»), ртути (Hg, входит в состав красной киновари), сурьмы (Sb, входит в состав краски «неаполитанская желтая») и свинца (Pb, входит в состав свинцовых белил). Результат вкладов каждой краски в черно-белом варианте показан на иллюстрациях.

На них хорошо видно, как наш метод визуализирует скрытые живописные слои: как видно, женщина на портрете изначально имела светлые волосы, в которые были вплетены ленты.

Их цвет был примерно схож с цветом пояса. На конечном изображении мы этого не видим — вот прямой результат наблюдения слоев под слоями. Эти данные были опубликованы в журнале Zeitschrift fur Kunsttechnologie und Konservierung (двуязычный немецко-американский журнал об исследовании искусства).

Распределение красок, содержащих обозначенные элементы, по холсту

— Самый яркий пример — картина великого постимпрессиониста Винсента ван Гога «Лоскут травы» из собрания музея Kröller-Müller (на иллюстрации к заметке). Ее РФА-исследование показало, что под красочным слоем на холсте находится портрет женщины.

Ван Гог часто писал свои картины на старых использованных холстах. Визуальное обследование «Лоскута травы» позволяло лишь заметить контур человеческой головы — и не более. Наше исследование позволяет увидеть вторую картину по распределению желтой краски. Результаты работы опубликованы в журнале Journal of Analytical Atomic Spectrometry.

— Большой интерес представляет техника работы художника, процесс создания работы. А подмалевок, остающийся в нижних слоях живописи, не виден глазом. Однако он является первым и одним из самых важных шагов в создании картины. Это черновик, который вел художника через весь творческий процесс. Старые мастера использовали подмалевок, чтобы набросать свет, тени и контуры.

Наблюдения скрытых слоев картины дают нам возможность «подсмотреть» за тем, каков был первоначальный замысел автора работы.

Глядя на конечный результат, о таких вещах судить практически невозможно.

— Объектами исследования послужили работы Рембрандта Харменса ван Рейна, Микеланджело Меризи да Караваджо, Питера Пауля Рубенса и других старых мастеров XVII века.

— Используя РФА, мы надеемся уточнить авторство некоторых работ — либо рассеять сомнения об их происхождении, либо подтвердить, что картины не принадлежат кисти мастера, которому их приписывают. Вообще это прекрасный шанс показать, что мир искусства может взаимодействовать с миром химии. Вообще химия — это всеохватывающая наука. Прекрасно, что можно показать, что химия — это не только наука о молекулах и реакциях, но и об исследовании таких прекрасных произведений искусства.

Франсиско де Сурбаран

Бизнесмен Джонатан Рюффер, пожертвовавший  15 миллионов фунтов стерлингов для спасения картин. Рюффер сделал состояние на управление инвестиционным фондом и в своё время предсказал кредитный кризис.
 

 

Мэгги Райт, жена бывшего епископа Дарема, теперь может спокойно восхищаться шедеврами Франсиско де Сурбарана, испанского художника  XVII века, специализирующегося на религиозных сюжетах.

12 картин испанского художника XVII века Франсиско де Сурбарана, изображающих библейского Иакова и его сыновей, уже 250 лет находятся в исторической резиденции епископов Даремских, замке Окленд. О намерении церкви продать принадлежащие ей работы Сурбарана стало известно в конце 2010 года; тогда СМИ сообщали, что англикане даже наняли пиарщиков, чтобы минимизировать последствия скандала.

Скандал, тем не менее, разразился: представители общества и СМИ выражали свое негодование в связи с тем, что картины будут проданы поодиночке и окажутся в собственности частных коллекционеров, тем более - зарубежных. В начале "нулевых" церковь уже собиралась продавать Сурбарана, однако тогда народное возмущение заставило ее отказаться от этих планов.

59-летний Раффер назвал себя поклонником Сурбарана: по его словам, он даже купил копию одного из этих полотен, сделанную Томасом Гейнсборо. Инвестиционный менеджер рассказал, что первой его мыслью было купить коллекцию для себя, однако затем понял, что может сделать важную вещь для страны.