В Донбассе мне не довелось бывать, но песня такая "Давно не бывал я в Донбассе" была и запомнилась. Песня на музыку Никиты Богословского и стихи Николая Доризо была написана в 1956 году. В песне автор приезжает в шахтёрский городок своей юности и видит седую женщину, стирающую бельё, - свою юношескую любовь. "Стою я в сторонке безмолвно, Душа замирает в груди... Прости меня, Галя, Галина Петровна, Не знаю за что, но прости!.. Прости за жестокую память О прежних косичках твоих, За то, что мужчины бывают с годами Моложе ровесниц своих. Прости за те лунные ночи, За то, что не в этом краю Искал и нашел я похожую очень На гордую юность твою, На давнюю юность твою".
А про шахтёрский край была ещё другая известная песня "Спят курганы темные", появившаяся в 1939 году. Она была написана Борисом Ласкиным и композитором Никитой Богословским для фильма ""Большая жизнь". В ней были такие слова: Там на шахте угольной Паренька приметили Руку дружбы подали Повели с собой Девушки пригожие Тихой песней встретили И в забой (запой) направился Парень молодой.
Большой Донбасс включает в себя Донецкую и Луганскую область, а также части Днепропетровской и Ростовской областей. В 1720-е годы был открыт Донецкий каменноугольный бассейн. Его промышленное освоение началось с конца XIX века. Основные центры добычи — Донецк, Красноармейск, Макеевка, Лисичанск, Горловка, Красный Луч. До 1940-х годов неформальной столицей Донбасса был Харьков, сейчас в бассейн не входящий. Там располагались банк, тресты «Донбассуголь», «Донбассантрацит» и другие. Также в Харькове располагался горный институт (до 1962 года), готовивший специалистов для шахт Донецкого бассейна. К концу 1930-х годов регион стал одной из важнейших промышленных баз страны. Потому нет ничего удивительного, что Гитлер в своих планах по захвату европейской части СССР отводил особое место Донбассу: согласно его планам уже в 1943 году оккупированный бассейн должен был давать 1 млн тонн металла. В массовом порядке отступающая Красная Армия не смогла закрепиться на рубежах Донецкого бассейна. И этот стратегически важный район был отдан противнику. Оккупация продолжалась с октября 1941 по октябрь 1943. Города и промышленность были разрушены, шахты взорваны, были огромные людские потери. Необходимость как можно более быстрого восстановления Донбасса обуславливалось потребностями фронта, ведь война еще была не окончена. На восстановление Донбасса съезжались со всего Союза. Формировались рабочие батальоны, молодежные и женские бригады, задействованы были и военнопленные. Госкомитетом обороны были установлены сроки восстановления, которое в целом должно было завершиться в первой половине 1944 года. Власти не ограничились одними призывами. Были изданы указы о всеобщей мобилизации на трудовой фронт, включая женщин и подростков, о наказаниях за всевозможные нарушения по законам военного времени. И Донбасс поднялся из руин и заработал. Можно только добавить, что история Донбасса во все периоды изобилует массой фактов, которые требуют непредвзятого анализа историков. А пока мы пользуемся только тем, что написано советской историографией в социалистических шорах.

Серия сообщений "Города и объекты России и СССР-2":
Часть 1 - Давно не бывал я в Донбассе
Часть 2 - Историко-архитектурные памятники России
Часть 3 - Ижорский завод в Колпино
...
Часть 48 - Новгородский кремль на марках России 1993 года
Часть 49 - Архитектура Московского Кремля. Продолжение серии. 1993
Часть 50 - Гражданская архитектура Москвы XVI-XVII вв. на марках России 1995 года

Млекопитающие - обитатели морей и океанов, омывающих территорию СССР.
1. Дельфин-белобочка (обыкновенный дельфин). Его длина может достигать 2,4 м, а вес колеблется в пределах от 60 до 75 кг. Питается рыбой. Образует сложные социальные общности, способные охватывать более тысячи особей. Летом эти огромные группы разделяются, и дельфины продолжают плавание в меньших составах. Члены одной группы заботятся друг о друге. Наблюдалось, как дельфины поддерживали раненых сородичей и выносили их на поверхность для того, чтобы те могли набрать воздух. Во время родов материнское животное охраняют остальные члены группы от возможных нападений акул. Детёныши остаются около трёх лет при матери, из которых около года питаются молоком. В 1960-е годы в Средиземном и Чёрном морях их популяция резко сократилась, а причины 3. этого сокращения неизвестны до сих пор.
2. Калан (морской бобр). Морское млекопитающее семейства куньих, вид, близкий к выдрам. Каланы обитают на северных берегах Тихого океана в России, Японии, США и Канаде. В XVIII—XIX веках каланы из-за своего ценного меха подверглись хищническому истреблению, в результате чего вид оказался на грани исчезновения. Калан — относительно крупное животное: его длина достигает полутора метров, масса — 45 кг. Живут каланы в среднем 9—11 лет, реже — до 23 лет. В неволе, в некоторых случаях, жили свыше 20 лет. Новорождённые каланы в течение нескольких месяцев не в состоянии выжить самостоятельно и полностью зависят от матери. Самцы не участвуют в воспитательных процессах и бросают самок через день-два после спаривания. Все первые месяцы жизни калана мать держит его у себя на животе, кормит, обучает и вычёсывает, лишь изредка оставляя малыша на камнях или на воде, пока она ныряет за кормом для себя. Русские, англичане, американцы и японцы столкнулись в жестокой борьбе за шкурки каланов и в течение более 100 лет буквально опустошали места обитания зверя. В период массового истребления каланов (в XVIII—XIX веках) в человеческую культуру в основном входил исключительно мех животного и изделия из него. Например, знаменитая накидка Екатерины II была сделана из меха каланов.
3. Нарвал (морской единорог). Нарвал - обитатель Арктического бассейна, его стихия - ледяная вода, покрытая ледяным панцирем с разводьями и полыньями. В длину тела нарвал достигает 4-5 метров, некоторые экземпляры 6 метров. Вес нарвала около полутора тонн. В средние века купцы регулярно привозили зубы нарвала в европейские страны. К этому времени в различных легендах уже фигурировал страшный и таинственный зверь - единорог, похожий на лошадь, но с длинным прямым рогом на лбу. Вот поэтому бивень нарвала, который точь-в-точь был похож на этот рог, пользовался большой популярностью у чернокнижников. Те в свою очередь приписывали ему магическую силу. Что удивительно, до сих пор остается невыясненным до конца назначение этого зуба. Известно то, что он очень прочен из-за спиральной скрученности. Одни считают, что этот зуб служит турнирным оружием самцов в брачный период. Другие утверждают, что он помогает животным пробивать лед. Но все эти домыслы, по всей видимости, далеки от истины.
4. Морж. Крупный морской зверь с очень толстой кожей. Верхние клыки чрезвычайно развиты, удлиненны и направлены вниз; очень широкая морда усаженная многочисленными толстыми, жёсткими, сплющенными щетинами-усами. Наружных ушей нет, глаза маленькие. Конечности более приспособлены для движения на суше, чем у настоящих тюленей, и моржи могут ходить, а не ползать. Бивни присутствуют у обоих полов и могут достигать в длину 1 м. Эти громадные, неуклюжие на суше животные, населяющие Крайний Север, живут преимущественно у берегов и редко предпринимают значительные путешествия. Моржи общительны и в основном встречаются стадами; мужественно защищают друг друга. Содержащаяся в пенисе кость(бакулюм) имеет длину около 50 см (отсюда и пошло ругательство «хрен моржовый»).
5. Тюлень-крылатка (полосатый тюлень). Получил своё название благодаря своеобразной окраске. У новорождённого белый, густой мех, держится примерно две недели. Длина тела взрослого животного 150—190 см, масса 70—90 кг. Основу питания крылатки составляют рыба и кальмары.

Серия сообщений "Природа-1":
Часть 1 - Дайте животным жить
Часть 2 - Сихотэ-Алинский метеорит
...
Часть 25 - Сихотэ-алинский заповедник
Часть 26 - Немного о пчёлах
Часть 27 - Морские млекопитающие. 1971
Часть 28 - Тропические и субтропические растения
Часть 29 - Морские птицы
...
Часть 48 - Орнитологический конгресс. Редкие птицы СССР - 1982
Часть 49 - Советские альпинисты покоряют Эверест
Часть 50 - Весенние цветы

83. Художник и его модель. 1963. Мадрид. Национальный центр искусств королевы Софии.

84. В патио. (Данные по картине не найдены).

85. Турецкая шаль. 1957. Париж. Галерея Луизы Ляйрис.

86. Ваза с цветами. 1904.

87. Данные по картине не найдены.

88. Натюрморт с арбузом. 1946. Антиб. Музей Пикассо.

89. Пейзаж в Динаре (Курорт в Бретани). 1922. Собственность Марины Пикассо (внучки Пикассо).

90. Мужчина со шпагой. 1969. Частное собрание.
Продана с аукциона SOTHEBY'S 24 июня 2009 г. за 6,99 млн. фунтов.

91. Пейзаж земли и моря. (Данные по картине не найдены).

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 17 - Пикассо на марках разных стран (часть 6)
Часть 18 - Пикассо на марках разных стран (часть 7)
Часть 19 - Пикассо на марках разных стран (часть 8)
Часть 20 - Западноевропейская живопись в музеях СССР. 1972
Часть 21 - Веласкес на марках СССР
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

73. Жаклин с розами. 1954. Париж. Музей Пикассо.
Жаклин Рок стала последней возлюбленной, последней музой, самой верной и фанатичной поклонницей таланта Пикассо. Этой женщине он посвятил больше картин, чем всем другим, ведь они с Жаклин прожили вместе 20 лет, и 17 из них она была единственной женщиной, которую он рисовал. На ее портретах, исполненных в различных техниках и стилях, неизменно выделяется кроткий, задумчивый взгляд миндалевидных глаз. В профиль их выражение кажется созерцательным, погруженным в себя. Прямой нос, продолжающий линию лба, делает женщину похожей на сфинкса, как, например, на картине «Жаклин с цветами» 1954 года. Когда Пикассо скончался, Жаклин, убежденная, что никто кроме нее не может осознать эту потерю, не допустила присутствия на похоронах его бывших возлюбленных и их детей. Жаклин стала хранительницей и распорядительницей огромного творческого наследия Пикассо. Однако эта миссия задержала ее в мире живых только на 13 лет. Накануне большой выставки Пикассо в Мадриде 15 октября 1986 года Жаклин Рок застрелилась.

74. Портрет Сильветт Давид 24 в зеленом кресле. 1954. Частное собрание.
На портрете изображена 17-летняя девушка Сильветт Давид, которая часто позировала известному художнику. Ее хрупкий стан и длинные светлые волосы пленили художника, и он запечатлел ее на более чем 40 картинах.

75. Художник и его модель. 1926. Париж. Музей Пикассо.( На марке - фрагмент "модель")

76. Жаклин в студии. 1956. Люцерн. Музей Пикассо.
Написана на вилле La Californie в Каннах, где Пикассо с Жаклин жили с 1955 года и до переезда в замок Вовенарг в 1958.

77. Мастерская на вилле "Калифорния" в Каннах. 1956. Париж. Музей Пикассо.
Квартал Калифорния в восточной стороне Канн, над Круазетом, где некоторое время жил Пикассо, один из самых престижных, где жизнь - люкс и изысканная красота, спокойствие и тишина, прекрасные резиденции, дворцы, парки XIX века.

78. Туалет. 1954. Люцерн (Швейцария). Собрание Пикассо.

79. Менины. (Пианино). Интерпретация № 31. 1957. Барселона. Музей Пикассо.

80. Жаклин. Интерпретация № 46. 1957. Барселона. Музей Пикассо.

81. Менины (по картине Веласкеса). Интерпретация № 1. 1957. Барселона. Музей Пикассо.
Необычный по своему замыслу эксперимент был задуман и реализован Пикассо в 1957 году. В течение пяти месяцев, с августа по декабрь, уединившись на вилле «Калифорния» в Канне, он написал 44 полотна, в которых «Менины» Веласкеса подверглись доскональному изучению — как в целом, так и по отдельным фрагментам. Его метод, основанный на диалектике «разрушения/воссоздания», позволяет ему создавать модели, обостряющие разные стороны концепции Веласкеса, исследовать ее положения и на основе этого создавать свою интерпретацию «театра жизни». Каждый персонаж картины исследуется по крайней мере в двух ипостасях. Собака может быть невинным, как все природные существа, зверьком, возникающим из белой неопределенной кляксы на полотне, а может обернуться пугающим волкоподобным монстром из колючих серых треугольников, угрожающе смотрящим во все стороны. Фрейлина Мария Агустина Сармьенто (подающая стакан) может быть и прекрасной, и страшной, и испуганно-трогательной, и угрожающе-хищной. Образ юной Маргариты более устойчив и однозначен. За инфантой Пикассо закрепляет свет белого и желтого. Только Пикассо, истинный испанец, мог уловить в мире Веласкеса этот неизбывный трагический подтекст смерти, характерный для глубинной народной испанской традиции, для которой за рождением, любовью и цветением всегда стояла маска Смерти. К тому же в отличие от Веласкеса Пикассо была известна печальная судьба инфанты, рано умершей в результате непрерывной череды родов, которые должны были обеспечить Габсбургов наследниками. А с позиций ХХ века он отчетливее и трагичнее воспринимал акт принесения детства в жертву государственным и иным «взрослым»

82. Завтрак на траве. 1960. (По картине Мане). Париж. Музей Пикассо.
Пикассо исследовал творчество многих своих предшественников, но пожалуй, ни одна картина прошлого не удостоилась у него такого внимания, как Завтрак на траве Эдуарда Мане. В течение двух лет, 1961-1962, Пабло Пикассо создает 26 картин , шесть линогравюр и 140 рисунков своих версий картины Мане.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 16 - Пикассо на марках разных стран (часть 5)
Часть 17 - Пикассо на марках разных стран (часть 6)
Часть 18 - Пикассо на марках разных стран (часть 7)
Часть 19 - Пикассо на марках разных стран (часть 8)
Часть 20 - Западноевропейская живопись в музеях СССР. 1972
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

59. Обнажённая и натюрморт на столе. 1931. Париж. Музей Пикассо.

60. Девушка перед зеркалом. 1932. Нью-Йорк. Музей современного искусства.
Пикассо познакомился с семнадцатилетней Мари-Терез в январе 1927 года. Став возлюбленной художника, она в течение десяти лет была его постоянной моделью и главной героиней живописных и графических серий. Красивая, статная девушка обладала живым нравом, увлекалась спортивными играми, плаванием, ездой на велосипеде. Однако в живописи Пикассо она чаще предстает в пассивных состояниях сонливой расслабленности, дремотного полузабытья, когда в безвольно распростертом теле проступает то, что называется вечно женственным началом. Среди всех работ, выполненных Пикассо в 1932 году, наиболее известна "Девушка перед зеркалом". Художник запечатлел Марию-Терезу. На картине Мария-Тереза стоит, поддерживая рукой овальное зеркало — такие бывали обычной принадлежностью портняжных мастерских. В зеркале отражаются пышные ягодицы; во французском просторечье их часто называют "луной" или "лунами". В зеркале отражается не столько облик девушки, сколько нечто вроде ее рентгеновского снимка; часть головы погружена в тень — и снова возникает тема двух расположенных друг против друга Лун. Изображение намеренно двусмысленно: отраженные в зеркале матка и яичники вызывают ассоциации с мужскими половыми органами. Очевидна раздвоенность изображенного на картине существа; это не только раздвоенность между женской природой девушки и живущим в глубине ее существа мужским началом. Раздвоена ее личность, символом чего и становится уже знакомое соединение двух Лун, а также искаженное отражение, которое являет нам зеркальное стекло. Мария-Тереза придерживает зеркало рукой, словно стараясь удержать свое распадающееся "я". Несмотря на то что картина явно удалась и из всех работ, выполненных весной 1932 года, сам художник отдавал ей предпочтение, она неопровержимо подтверждает: Мария-Тереза начинает превращаться в жертву, как это случилось ранее с Ольгой.

61. Смерть тореадора. 1933. Париж. Музей Пикассо.
Одна из первых работ этой серии, выполненной вскоре после поездки в Испанию летом 1933 года. Быки, тореадоры, одним словом коррида - большая тема в наследии Пикассо.

62. Герника. 1937. Мадрид. Центр искусств королевы Софии.
Тема картины, исполненной в манере кубизма и в чёрно-белой гамме, — бомбардировка Герники, произошедшая незадолго до этого. На город за три часа было сброшено несколько тысяч бомб; в результате шеститысячный город был уничтожен, около двух тысяч жителей оказались под завалами. После налета Герника горела еще трое суток. «Герника» представляет собой полотно-фреску, написанную маслом в чёрно-белых тонах, 3,5 м высотой и 7,8 м длиной. Это огромное полотно было написано с невероятной скоростью — всего за месяц. «Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин. Выбор черно-белой палитры, с одной стороны, передает хронологическую близость к газетной фотографии того времени, с другой — отражает безжизненный характер войны. «Герника» изображает страдающих людей, животных, и здания, трансформированные под воздействием насилия и хаоса. Все сцены разворачиваются в пределах комнаты, в левой открытой части которой над женщиной, оплакивающей мёртвого ребенка в её руках, стоит бык с широко открытыми глазами. Центральный план занят лошадью, падающей в агонии, как будто бы она только что была пронзена копьем или дротиком. Нос лошади и верхние зубы образованы формой человеческого черепа. Под лошадью — мёртвый, по-видимому, расчлененный солдат, чья отрубленная рука все ещё сжимает обломок меча, из которого растет цветок. На правом краю расположена фигура с поднятыми от ужаса руками, попавшая в ловушку из огня сверху и снизу. Тёмная стена с открытой дверью завершает правый конец фрески. В 1940 году через некоторое время после вступления германских войск в Париж к Пабло Пикассо пришли из гестапо. На столе художника находились открытки с репродукцией "Герники". «Это вы сделали?» — задали мастеру риторический вопрос о картине. «Нет, — ответил он, — это сделали вы. Можете взять себе на память». Неизвестно, почему фашисты оставили этот ответ без последствий.

63. Девочка (Майя - дочка Пикассо). 1938. Амстердам. Городской музей.
Несмотря на новый роман с Дорой Маар, Пикассо много времени проводит со своей тайной семьей - Мари-Терез Вальтер и их общей дочерью Майей. В эти годы он пишет множество портретов Майи.

64. Девочка с куклой (Майя). 1938. Собственность внучки Пикассо Дианы Видмайер-Пикассо.

65. Франсуаза, Клод и Палома. 1951. Частная коллекция.
В 1946 году Пикассо знакомится с молодой художницей Франсуазой Жило и переезжает с ней в замок Гримальди. Франсуаза вскоре дарит ему сына Клода и дочь Палому. В 1953 году Франсуаза сбежала от Пикассо с двумя детьми из-за его сложного характера и постоянных измен, художник тяжело переживал это расставание.

66. Портрет Хайме Сабартеса. 1939. Барселона. Музей Пикассо.
Хайме Сабартес, друг юности по Барселоне, во вторую половину жизни постоянно сопровождал Пикассо, был его личным секретарем, архивариусом, делопроизводителем, биографом. Его личная коллекция картин Пикассо легла в основу Музея в Барселоне. За годы сотрудничества и дружбы с Сабартесом Пикассо сделал несколько его портретов. Этот - один из игровых, в костюме испанского гранда.

67. Позирующая женщина (Дора Маар). 1939. Собрание Пикассо.
На поле блока фотопортрет. Осенью 1935 года или зимой 1936 года Пикассо благодаря Полю Элюару знакомится с Дорой Маар. Женщина свободных взглядов, близкая к кругу сюрреалистов, профессиональный фотограф, дочь хорвата и француженки, Дора много лет прожила в Буэнос-Айресе и прекрасно говорила по-испански. Она самая умная из всех женщин Пикассо и, безусловно, самая образованная. Однако несмотря на это, у нее, по свидетельству Брассая, как и у Ольги, бывают бурные вспышки гнева. В творчестве Пикассо она останется "плачущей женщиной" и будет принесена в жертву так же неумолимо, как была принесена Мария-Тереза: Дора Маар станет пациенткой лечебницы для душевнобольных, а затем растворится в длинной библиографии работ, посвященных фавну, словно она сама как личность никогда не существовала. Через несколько лет Пикассо скажет, что художник совсем не так свободен, как может показаться: он, например, никогда не мог написать Дору Маар смеющейся — "Для меня она всегда была плачущей женщиной".

68. Женщина, поправляющая волосы. 1940. Нью-Йорк. Музей современного искусства.

69. Муза. 1935. Париж. Музей современного искусства.

70. Клод,Франсуаза и Палома. 1954. Париж. Музей Пикассо.
На картине - Франсуаза Жило и их общие с Пикассо дети, Клод и Палома. Работа написана в тот период, когда отношения Пикассо и Франсуазы Жило уже исчерпали себя. Годом раньше она ушла от него, забрав детей. Потом они были с отцом только во время каникул. Позднее, когда Франсуаза против воли Пикассо опубликовала книгу воспоминаний Моя жизнь с Пикассо, он отказался встречаться когда-либо с ней и своими детьми от нее.

71. Мир. 1952. Валлорис (Франция). Башня Мира.
С 1947 года Пикассо живет на юге Франции, в городе Валлорисе, где расписывает в 1952 году стены старой капеллы аллегорическими символами войны и мира и сам называет это произведение «Храмом мира».

72. Война.1952. Валлорис (Франция). Башня Мира.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 15 - Пикассо на марках разных стран (часть 4)
Часть 16 - Пикассо на марках разных стран (часть 5)
Часть 17 - Пикассо на марках разных стран (часть 6)
Часть 18 - Пикассо на марках разных стран (часть 7)
Часть 19 - Пикассо на марках разных стран (часть 8)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

46. Игрок в карты. 1913-14. Нью-Йорк. Музей современного искусства.

47. Большой натюрморт (Бокал и компотница на столе). 1917. Париж. Музей Оранжери.
На протяжении всех лет изменяющихся стилей натюрморт оставался постоянной темой, к которой Пикассо мог раз за разом возвращаться.

48. Барселонский Арлекин. 1917. Барселона. Музей Пикассо.
Реалистические черты в соединении с чисто формальными поисками будут прослеживаться на протяжении всего творческого пути Пикассо.

49. Фигура с вазой фруктов. 1917. Барселона. Музей Пикассо.

50. Пьеро. 1918. Нью-Йорк. Музей современного искусства.

51. Красная скатерть. 1924. Нью-Йорк. Коллекция госпожи Мишлин Розенберг.

52. Натюрморт на комоде. 1919. Париж. Музей Пикассо.

53. Три музыканта. 1921. Нью-Йорк. Музей современного искусства.
Пикассо нарисовал картину в гараже на вилле, которую он арендовал в Фонтенбло на лето 1921, где жил с Ольгой и полугодовалым Пауло. Три музыканта в масках - это комические фигуры комедиа дель арте, народного театра Италии, с традициями которого Пикассо близко соприкоснулся в Риме, когда делал эскизы костюмов для балетов труппы Дягилева. Считается, что в этой картине 1921 года Пикассо изобразил трио друзей: недавно умершего Гийома Аполлинера (Пьеро с кларнетом), Макса Жакоба (монах с аккордеоном), и себя (Арлекин со скрипкой). По времени написания картина относится к периоду классицизма, однако это настоящий синтетический кубизм, квинтэссенция стиля.

54. Мандолина и гитара. 1924. (Фрагмент). Нью-Йорк. Музей Гуггенхайм.
В середине 20-х годов Пикассо пишет маслом серию натюрмортов, в основу которых легли его более ранние акварельные работы. Предполагается, что эти большие, декоративные полотна найдут покупателей среди состоятельных клиентов.

55. Три женщины у фонтана. 1921. Париж. Музей Оранжери.
Период классицизма. В период материнства Ольги, родившей в 1921 году сына Пикассо, он постоянно пишет один из своих излюбленных, повторяющихся сюжетов - женщин у фонтана, у источника, с кувшином. Женщина - как источник, начало.

56. Студия с гипсовой головой. 1925. Нью-Йорк. Музей современного искусства.

57. Поль в костюме Арлекина. 1924. Париж. Музей Пикассо.
В 1921 году, в 40 лет, Пикассо впервые стал отцом. Как уверяют биографы, первые годы женитьбы и рождения ребенка Пикассо был очень счастлив, он много рисовал Ольгу и Пауло, иногда по нескольку работ в день, так что на них часто обозначены не только дата, но и час. На этом портрете мальчик в костюме Арлекина - реплика Пикассо по поводу увлечения цирковой темой в пору своей молодости, арлекины и акробаты были постоянным сюжетом работ розового периода.

58. Портрет Пауло в костюме Пьеро. 1929. Канагава (Япония). Художественный музей Хаконе

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 14 - Пикассо на марках разных стран (часть 3)
Часть 15 - Пикассо на марках разных стран (часть 4)
Часть 16 - Пикассо на марках разных стран (часть 5)
Часть 17 - Пикассо на марках разных стран (часть 6)
Часть 18 - Пикассо на марках разных стран (часть 7)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

34. Семья акробатов. 1905. Вашингтон. Национальная галерея.
Если истощенные люди еще в течение некоторого времени присутствуют на полотнах Пикассо, сами полотна постепенно окрашиваются в розовые, сиреневые, желтоватые тона, кожа становится белой, а на картине «Семья акробатов с обезьяной» вдруг появляется ярко-красный ковер.

35. Семья Арлекина. 1905. Вашингтон. Частное собрание.

36. Сидящая обнажённая. 1905. Париж. Музей современного искусства.

37. Туалет (Женщина перед зеркалом). 1905. Буффало. Галерея Олбрайт-Нокс.
В это время Пикассо создает целый ряд полотен с обнаженными женскими телами, моделью для которых служит Фернанда Оливье, среди них - нечто вроде цикла работ на тему Туалет, или Женщина перед зеркалом. Пикассо создает классически уравновешенные композиции с фигурами в стиле, отсылающем к греческой и египетской традиции.

38. Два брата. 1906. Базель (Швейцария) .Музей изобразительных искусств.
Пикассо с Фернандой провели лето в Испании, в горах, среди простых крестьян. Они живут простой жизнью, Пикассо много работает - рисует Фернанду, местных жителей, детей животных и местные пейзажи.

39. Автопортрет с палитрой. 1906. Филадельфия. Музей изобразительных искусств.
Это первый значительный автопортрет Пикассо с 1901 года. К этому времени он уже начал занимать весомое место в среде художественного авангарда Парижа. Автопортрет заявляет, по мнению искусствоведов, об уверенности в собственных силах - сбитая массивная фигура, правая рука сжата в кулак. Невозмутимое лицо выписано в суровой примитивистской стилистике, берущая начало в увлечении Пикассо иберийскими архаическими масками. Черты лица уже слега поплыли - близится эпоха кубизма, когда предметы уже будут представлены сразу со всех точек зрения, и о симметричной правильности лиц у Пикассо уже больше никогда не будет идти речь, исключая только краткий откат в классицизм начала 20-х годов.

40. Голова в три четверти. 1907. Сан-Франциско. Музей современного искусства.

41. Портрет Гертруды Стайн. 1906. Нью-Йорк. Метрополитен.
Гертруде Стайн было дано значительным образом влиять на Пикассо одним только своим присутствием. В парижском художественном мире она играла роль катализатора, ободряя молодые дарования, которые без нее потратили бы гораздо больше времени на то, чтобы утвердиться. Она помогала им деньгами, а также тем, что лучше многих других чувствовала идеологические настроения и их перемену, требующую, в свою очередь, и перемены способов художественного выражения. В Париж ее привело типично американская финансовая авантюра. В 1903 году Гертруда Стайн завершила свое университетское образование. Пикассо знакомится с Лео и Гертрудой Стайн. Его сразу же привлекла внешность этой женщины. Гертруда Стайн «толстая, короткая, массивная, с большой красивой головой, с резкими чертами лица.

42. Ваза и кувшин. 1908. Филадельфия. Собрание Галлатин.

43. Автопортрет. 1907. Прага. Национальная галерея.
Автопортрет был создан в так называемый африканский период. К этому времени творческая манера мастера претерпела значительные изменения, став весьма неожиданной и новаторской для своего времени. В 1905 под впечатлением живописи Сезанна он стремился придать формам больше простоты, материальной весомости и значительности. Эти тенденции усилились во время поездки летом 190 б в Андорру, где Пикассо впервые обратился к примитивизму, чувственному и формальному. Образ, который создал живописец, очень необычен. Он безжалостно превратил формы своего лица в геометрические блоки, намеренно утрируя и огрубляя облик. Работая жесткой линией, Пикассо лишает картину светотени, броский и абстрактный темно-красный фон усиливает плоскостность и экспрессивность автопортрета. Печальный, серьезный и встревоженно-напряженный человек смотрит с картины, кажется, что какая-то затаенная боль превращает его лицо в маску, за которой он пытается спрятать свою глубоко ранимую душу. «Кто грустен, тот искренен», - считал художник.

44. Фабрика в Хорта де Эбро (Кирпичный завод в Тортосе). 1909. Санкт-Петербург.
Эрмитаж.
Пикассо выходит на новый уровень понимания формы, он вступает в период аналитического кубизма - дробит форму, разлагает на плоскости, работает в сдержанной, почти монохромной гамме, передавая не столько конкретный пейзаж, сколько его условный образ. И хотя пространство ещё ощущается, и можно различить передний план и фоном - горы, всё же характерная для "высокого кубизма" тенденция уже намечена - трактовать всё пространство реальности - и отдельные предметы и окружение - как некое неразрывное единство, когда и дома, и деревья, и горы, и небо, и персонажи, если они есть - всё изображается одним и тем же цветом, одними и теми же плоскостями и кубическими объемами.

45. Портрет Амбруаза Воллара. 1909-10. Москва. ГМИИ им.Пушкина.
Картина представляет собой портрет в стиле «аналитического» кубизма. Его еще называют объемным, или стереометрическим. Изображение дробится на части, фрагменты отделяются друг от друга, рассредоточиваются по поверхности полотна. Холст напоминает осколки зеркала, которое недавно разбили, но где еще сохранился образ человека, смотревшегося в него последним. Пикассо изобразил одного из самых уважаемых торговцев произведениями искусств в Париже. В портрете угадывается не только точный образ знаменитого артдиллера, но и присутствует нотка щепетильности в одежде — из кармана выглядывает белоснежный платок. Воллар был очень элегантным мужчиной. Поражает угол зрения, который открывается зрителю — мы можем видеть даже затылок головы, одновременно наблюдая лицо Воллара. Пройдет совсем немного времени, и эта работа станет своего рода эталоном для художников, которые будут писать в стиле кубизм. Более того, считается, что Пикассо, изобразивший Воллара в непонравившейся ему манере, сделал это более удачно, чем его коллеги-художники, которые изображали известного артдилеера с реалистической точки зрения. С Пикассо Воллар сотрудничал на протяжении довольно долгого времени — «голубого и розового» периодов в творчестве мастера. Когда художник стал писать в стиле кубизма, артдилер не принял это направление, и разорвал сотрудничество.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 13 - Пикассо на марках разных стран (часть 2)
Часть 14 - Пикассо на марках разных стран (часть 3)
Часть 15 - Пикассо на марках разных стран (часть 4)
Часть 16 - Пикассо на марках разных стран (часть 5)
Часть 17 - Пикассо на марках разных стран (часть 6)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

23. Селестина (Женщина с бельмом). 1904. Париж. Музей Пикассо.
Характерная для голубого периода работа Пикассо. Страждущие, больные, нищие, увечные - частые персонажи картин совсем ещё молодого, 20-летнего художника. Среди них отдельно можно выделить группу слепых персонажей. Физическая слепота у Пикассо, с одной стороны - метафора исключённости человека из жизни, и с другой - метафора внутреннего зрения, которым видит художник, пишущий не столько физическую реальность, сколько свое видение мира.
24. Двое.1904. Аскона (Швейцария). Частное собрание.

25. Женщина с вороной.1904. Толедо (США, шт.Огайо). Музей изобразительных искусств.
Ее называют самой лиричной и таинственной картиной Пикассо.

26. Женщина с высокой причёской.1904. Чикаго. Галерея Художественного института.

27. Гладильщица.1904. Нью-Йорк. Музей Гугенхайм.
Пикассо осваивает традиционные сюжеты живописи. Тема прачек, гладильщиц, служанок на кухне, за работой, часто становилась сюжетом живописных работ предшественников. Пикассо был знаком с аналогичными работами Оноре Домье и Эдгара Дега. Однако его собственные Гладильщицы по мрачности атмосферы превзошли всех. В картине мы видим крайнюю скупость предметных деталей, существенную не столько для характеристики бедной среды, сколько по смыслу всей композиции. Только - утюг и тряпка. Но именно такое сокращение рассказа потребовало для выразительности монолога острой характеристики женщины, ее лица, аналогии спадающего потока волос с вертикалью нажимающих на утюг рук; потребовало острого движения плеча, повторяющего вместе с рукой и потоком волос очертание рамы.

28. Арлекин с бокалом (Автопортрет в костюме Арлекина в кабаре "Проворный кролик) . 1905. Нью-Йорк. Музей Метрополитен.
Странствующая группа актеров для Пикассо – особый микромир вольных людей, где существуют искренние привязанности, где нет места корысти, обману. Здесь сообща делят удачу и горечь поражений. К этому миру причислял себе и сам художник. Тревога художника отражена затаённой печалью, настороженностью. В композиции явственно проявляется настроение какой-то неуверенности, тревожного ожидания.

29. Мальчик с собакой.1905. Санкт-Петербург. Эрмитаж.
Тихая и верная дружба связывает тщедушного мальчика и собаку — простую дворнягу с умной мордой, доверчиво прижимающуюся к ноге своего маленького хозяина, в то время как тот гладит ее по голове. Пикассо подчеркивает худобу мальчика, несколько нарушая пропорции его тела, но эта деформация только подчеркивает производимое впечатление и потому служит усилению правдивости. Картина трогательна без сентиментальности, она глубоко человечна. Изображая худого, бледного, большеголового ребенка, голодного и одетого в рубище, художник не унижает его достоинства, но придает его образу тонкую поэтичность. В «Мальчике с собакой» проявляется высокий гуманизм Пикассо, составляющий главную черту всего его искусства.

30. Испанка с острова Майорки.1905. Москва. ГМИИ им.Пушкина.
Картон «Испанка с острова Майорки» является эскизом к вашингтонской картине 1905 года «Семья странствующих комедиантов». Пикассо изобразил женщину в голубоватой одежде и шляпе с высокой тульей, поверх которой накинуто прозрачное покрывало. Художник не прописывает ее глаза, мы видим лишь темные впадины, отчего на лицо испанки ложится печать отрешенности, почти потусторонности. Пикассо намеренно оставляет незакрашенными некоторые места в произведении, включая в холодноватую гамму голубоватых оттенков светло-охристый тон самого картона, что делает фигуру почти бесплотной. Изящной линией контура Пикассо обрисовывает испанку, выделяя изысканный жест ее тонкой руки. Мастерство, с которым выполнена «Испанка с острова Майорки», заставляет воспринимать этот картон скорее не как подготовительную штудию, а как законченное произведение.

31. Мальчик в голубом.1905. Нью-Йорк. Частное собрание.

32. Акробаты (Мать и сын).1905. Штутгарт (Германия). Музей изобразительных искусств.
Этот период Пикассо характеризуется более оживленными розовыми и охристыми тонами, в них также просматривается устойчивая тематика – бродячие актеры, акробаты и арлекины.

33. Портрет сеньоры Канальс.1905. Барселона. Музей Пикассо. Одна из самых популярных картин в барселонском музее Пикассо.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 12 - Пикассо на марках разных стран (часть 1)
Часть 13 - Пикассо на марках разных стран (часть 2)
Часть 14 - Пикассо на марках разных стран (часть 3)
Часть 15 - Пикассо на марках разных стран (часть 4)
Часть 16 - Пикассо на марках разных стран (часть 5)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

12. Арлекин и его ассистентка в кафе (Арлекин и его подружка). 1901. Москва. ГМИИ им. Пушкина.
На картине развивается типичный для раннего Пикассо сюжет парижского кафе, в которых собирались циркачи и актеры и где их нанимали на работу. Полотно является одним из тех первых примеров обращения художника к ключевой для него теме судьбы творческой личности. Трагический образ бродячих артистов становится символом того нелегкого бремени, которое принимает человек, посвящая себя искусству и встречая в результате волну непонимания и насмешек. В картине изображены двое: задумчивые, немного печальные. На их лицах застыл взгляд в никуда — это взгляд в себя, когда чувства и мысли где то в глубине, как будто ещё не родились. Эта парочка является олицетворением неумолимой тоски и одиночества. На лицах персонажей усталое безразличие, их головы повернуты в разные стороны. Герои рядом, плечо к плечу, но они не вместе. Пикассо создает образ «Одиночества вдвоем», подчеркивая фигуры сильным и резким контуром. Морозов купил этот шедевр Пикассо в Париже в 1908 году всего за 300 франков в галерее Амбруаза Воллара.

13. Голубая обнажённая. 1902. Париж. Частное собрание.
Пикассо говорил: «Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв». Именно самоубийство его друга Карлоса Касагемаса внесла темные краски в творчество мастера.

14. Спящая пьянчужка (Задремавшая любительница абсента). 1902. Музей искусств. Фонд Отмар Губер. Берн.

15. Старый нищий с мальчиком (Старый еврей с мальчиком). 1903. Москва. ГМИИ им. Пушкина.
Два беззащитный существа – нищий старик и мальчик – прижались друг к другу, стремясь обрести теплоту, единение в этом разобщенном, неправедном мире. Художник изображает изможденность слепого старика, вытягивая пропорции его фигуры, рук и босых ног. Незрячим в картине изображен не только старик, мальчик тоже похож на слепого – так неподвижны и печальные его глаза. Старик и мальчик погружены в тяжелое молчание, их общение выражается в прикосновении друг к другу. Слепой старик воплощает собой подлинную духовную прозорливость и понимание глубин человеческого горя.

16. Завтрак слепого. 1903. Нью-Йорк. Метрополитен.
Для "голубого" периода в творчестве Пикассо характерна тема слепоты. Художник пытается показать, что истинным зрением является видение внутреннее, а внешний мир, открывающийся глазам наблюдателя, - не более чем видимость.

17. Трагедия. 1903. Вашингтон. Национальная галерея.
Истощенные, босые, бедно одетые персонажи картины являются тем выражением физических лишений, которые перенес сам Пикассо, когда он изо всех сил пытался утвердиться как художник. В дополнение ко всему, работа выражает его психологическое страдание во время скитаний по Парижу. Картины Пикассо не имели особого успеха, он жил у друзей в ужасных условиях. И в итоге был вынужден вернулся в Барселону, где пользовался поддержкой родителей. Считается, что именно картина «Трагедия» раскрывает все эмоциональное состояние художника в те годы и нищета, которая стала ее сюжетом, была сущностью его собственной жизни. Фигуры обращены друг к другу, но их удрученные взгляды не пересекаются. Создается впечатление, что эти люди отстраненны, и только страдание объединяет их. Но картина не отражает причины их трагедии. Пикассо оставляет нас одних для размышления о том, какие события привели к столь трагичному состоянию персонажей картины. Мальчик в силу своего жизненного опыта не может до конца понять всю глубину этой самой трагедии. Он пытается найти объяснения, но у них нет ничего, что можно было бы предложить ему, и это чувство бессилия только увеличивает их собственные страдание.

18. Семья Солер. 1903. Льеж (Бельгия). Музей современного искусства.
Солер, преуспевающий барселонский портной, заказал Пикассо несколько картин - портрет самого Солера, портрет его жены, а также групповой портрет всего его семейства в жанре "завтрак на траве". Пикассо выполнил заказ в характерной для голубого периода цветовой палитре.

19. Старый гитарист. 1903. Чикаго. Галерея Художественного института.
Первый год жизни Пикассо в Париже тяжел в материальном смысле. Он беден, живет в квартале нищих, проституток, уличных музыкантов, бродячих артистов и циркачей. Прототип Старого гитариста - один из реальных персонажей окружения Пикассо в это время.

20. Голова женщины с локоном (Женщина с пучком волос). Бумага, акварель. 1903. Барселона. Музей Пикассо.
В этой картине Пабло Пикассо обращается к социальной тематике, однако «Женщина с пучком волос» представляет собой не обвинение общества в социальном неравенстве, а лишь взгляд художника на людей из маргинальных слоёв. Как и в некоторых других работах, видение Пикассо не лишено оттенка поэтичности. Художник изобразил женщину не в привычной для неё обстановке, а на нейтральном фоне. Гнетущую атмосферу бедности создаёт голубой цвет, «пропитывающий» фон и заполняющий фигуру женщины. Фигура женщины очерчена пастелью, что придаёт ей рельефность. Лицо её спокойно, но вместе с тем не без смелости и внутренней силы. Тёмные глаза безжизненны, взгляд устремлён за горизонт и выражает безразличие тех, у кого в жизни ничего не осталось.

21. Жизнь. 1903. Кливленд (США, штат Огайо). Художественный музей.
В 1901 году произошло самоубийство близкого друга Пикассо Карлоса Касагемаса из-за безответной любви к Жермен Гаргалло. Они и изображены на переднем плане. Эта работа считается шедевром «голубого» периода Пикассо и наиболее важной работой этих лет. Для картины характерна неестественная композиция, зажатое пространство, скованные телодвижения и голубая тональность. Она поражает своей холодностью. Возникает ощущение одиночества и пустоты. Голубой цвет отлично это передает. Она поражает своей холодностью. Возникает ощущение одиночества и пустоты. Голубой цвет отлично это передает. Жизнь и смерть, молодость и старость, любовь и одиночество — Пикассо пытается найти лаконичную и емкую форму для выражения невеселой истины о перипетиях земной судьбы человека.

22. Мать и дитя. 1903. Барселона. Музей Пикассо.
Характерная для голубого периода работа Пикассо. Страх, страдание, обездоленность, одиночество, неуверенность в будущем переданы в традиционной для периода холодной гамме. Пикассо воспринимает в этот период мир именно таким, и неустанно в течение четырех лет пишет персонажей, которые, по его мнению, должны переживать мир так же трагично. На языке оригинала картина носит название "Беспомощные".

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 11 - Пикассо. Девочка на шаре
Часть 12 - Пикассо на марках разных стран (часть 1)
Часть 13 - Пикассо на марках разных стран (часть 2)
Часть 14 - Пикассо на марках разных стран (часть 3)
Часть 15 - Пикассо на марках разных стран (часть 4)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

Ниже представлены остальные марки с картинами и рисунками (или их фрагментами) Пикассо, которые я приобрёл до 2000 года. Исходя из пропорций количества марок в моём собрании, можно сделать вывод, что Пикассо один из самых популярных в филателии художников. Конкуренцию ему может составить только Рубенс. К сожалению, ввиду большого объёма материала нет возможности поместить репродукции картин, как это обычно я стараюсь делать.




1. Автопортрет. 1896. Барселона. Музей Пикассо.

2. Босоногая девочка (La Fillette aux pieds nus). 1895. Париж. Музей Пикассо.

3. Портрет матери. 1896. Барселона. Музей Пикассо.
Портрет матери художника написан им по ее фотографиям и воспоминаниям, так как в момент создания картины Мария Пикассо Лопес уже скончалась.

4. Первое причастие. 1896. Барселона. Музей Пикассо.
Картина была создана 15-летним Пикассо по совету отца для Выставки изящных искусств в Барселоне в 1896 году. Картина не была отмечена премией на выставке, ее никто не купил, но тем не менее Пабло получил заказ от женского монастыря в Барселоне на несколько картин религиозного содержания.

5. Знание и милосердие. 1897. Барселона. Музей Пикассо.
Среди работ юного художника немалая часть была посвящена семье, в частности отцу. Именно дон Хосе послужил моделью для фигуры врача на большом полотне пятнадцатилетнего Пикассо «Наука и милосердие», которое было отмечено на Национальной выставке изящных искусств в Мадриде, а затем получило золотую медаль на выставке в Малаге. В это время Пабло начал подписывать свои картины девичьей фамилией матери «Пикассо».

6. Салон Прадо (Salуn del Prado). 1897. Барселона. Музей Пикассо.

7. Конец выступления. 1900-01. Барселона. Музей Пикассо.

8. Облокотившийся Арлекин. 1901. Нью-Йорк. Метрополитен.

9. Мать с ребёнком. 1901. Кембридж (США). Гарвардский университет. Музей Фогга.

10. Портрет Хайме Сабартеса.1901. Москва. ГМИИ им.Пушкина. Испанского скульптора и поэта Х. Сабартеса, своего друга, Пикассо запечатлел кистью и карандашом восемь раз. Этот портрет написан в начале голубого периода.

11. Педро Манач.1901. Вашингтон. Национальная галерея. Педро Манач - торговец картинами.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 10 - Пикассо. Голубь мира
Часть 11 - Пикассо. Девочка на шаре
Часть 12 - Пикассо на марках разных стран (часть 1)
Часть 13 - Пикассо на марках разных стран (часть 2)
Часть 14 - Пикассо на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

Картина наполнена внутренним драматизмом, который положен в основу композиции картины, и построена на сопоставлении контрастов. Обыгрывается контраст движения и неподвижности. Девочка грациозно покачивается, удерживая равновесие, атлет сидит застывший, словно монолит. Шар и куб, стоящие на земле, — цирковой реквизит — также представляют собой противоположности.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 9 - Мурильо на марках разных стран (часть 2)
Часть 10 - Пикассо. Голубь мира
Часть 11 - Пикассо. Девочка на шаре
Часть 12 - Пикассо на марках разных стран (часть 1)
Часть 13 - Пикассо на марках разных стран (часть 2)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

Пабло Пикассо (1881-1973) - испанский художник. Самый известный художник среди живших за последние 100 лет.
Согласно испанской традиции, он получил две фамилии, по первым фамилиям родителей: отца — Руис и матери — Пикассо. Полное имя, которое будущий художник получил при крещении означало по испанскому обычаю перечисление имен почитаемых родственников и святых. Отец Хосе Руис был художником.
В 13 лет Пикассо поступил в Барселонскую Академию художеств, поразив всех преподавателей своим высоким уровнем развития. Затем отец решил отправить Пабло учиться в Мадридскую академию "Сан Фернандо". Это была самая престижная академия искусств в Испании. Пикассо в 1897 году в возрасте 16 лет отправился в Мадрид. Но уже такого усердия в учебе он не проявлял, проучился меньше года, зато стал увлекательно изучать работы великих мастеров Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, и в особенности Эль Греко. А в 1904 году переехал жить в Париж.
Творчество Пабло Пикассо принято делить на несколько периодов. Первый идет так называемый "голубой период". Это творчество с 1901 года по 1904 год. Этот период творчества характеризуется холодными, серо-голубыми и сине-зелеными цветами в работах Пикассо. Они пропитаны грустью и печалью. В сюжетах преобладают образы нищих, бродяг, изможденных матерей с детьми.
"Розовый период" идет с 1904 по 1906 годы. Здесь в работах преобладают розовые, оранжевые цвета. А образы картин - акробаты, актеры ("Акробат и молодой Арлекин", "Семейство комедиантов", "Шут"). В целом, более радостное настроение. В 1904 году Пикассо знакомится с моделью Фернандой Оливье. Она стала музой и вдохновителем в его творчестве. Они стали жить вместе в Париже. Фернанда была рядом и продолжала его вдохновлять в тяжелый период жизни безденежья Пикассо.
"Африканский период" относят к 1907-1909 годам. Он характеризуется переломным моментом в творчестве Пикассо. В 1906 году он начинает писать портрет Гертруды Стайн. Пабло Пикассо переписывал его восемь раз, а затем сказал ей, что перестал видеть ее, когда смотрит на нее. Он отошел от изображения конкретного человека. В этот момент Пикассо открывает для себя особенности африканской культуры. После этого он все-таки завершил портрет. В 1907 году появляется тоже небезызвестная работа "Авиньонские девицы". Она была шокирующей для публики. Эту картину можно назвать первой знаковой работай в направлении кубизма.
Начинается длительный период кубизма с 1909 по 1917 года. Здесь несколько подэтапов. "Сезанновский" кубизм отражен в работах "Бидон и миски", "Женщина с веером", "Три женщины". Назван так, потому что присутствуют типично "сезанновские" тона: зеленоватые, коричневые, охристые, мутные и размытые. "Аналитический" кубизм. Предметы изображаются дробно, как будто состоят из многих частей, причем, эти части четко отделяются друг от друга. Направление кубизма в обществе не особо принимали, даже наоборот. Тем не менее, картины Пикассо хорошо распродавались. Это помогает ему выбраться из финансовой ямы. В 1909 году Пабло Пикассо переезжает в собственную мастерскую. В 1911 году осенью художник расстается с Фернандой, т.к. в жизни у него появилась новая муза и вдохновительница Ева или Марсель Умбер. Но их совместное счастье длилось не очень долго. Нелегкий период войн, Ева тяжело заболевает и умирает.
Период неоклассицизма 1918-1925 года. В 1917 году Пикассо поступило предложение от поэта Жана Кокто разработать декорации и костюмы к запланированному балету. Пикассо поехал работать в Рим. Там он и нашел свою новую музу, возлюбленную. Одну из танцовщиц Дягилевской группы Ольгу Хохлову. В 1918 году пара поженилась, а уже в 1921 году у них родился сын Поль. В творчестве у Пикассо произошли изменения, от кубизма как такового он уже отошел. Стиль становится более реалистический: яркие краски, четкие формы, правильные образы. Работы периода: "Детский портрет Поля Пикассо", "Портрет Ольги в кресле", "Женщины, бегущие по пляжу", "Купальщицы".
И вот, наступает время сюрреализма с 1925 по 1936 года. Первой картиной Пикассо в этом стиле стала "Танец". Достаточно агрессивная и тяжелая, что связанно не только с переменой творчества, но и семейными проблемами. В 1927 году у Пикассо новая возлюбленная - семнадцатилетняя Мария Тереза Вольтер. Для нее художник приобрел замок Буажелу, где она стала прообразом некоторых его работ: "Девушка перед зеркалом", "Зеркало" и скульптура "Женщина с вазой", которая потом будет стоять на могиле Пикассо. 1935 году у Марии Терезы и Пикассо появляется дочь Майя. При этом Пабло не был разведен с предыдущей женой. Но к 1936 году он расстался с обеими. Официальная его жена умерла в 1955 году.
В период второй мировой Пикассо приобщается к коммунистам - участникам Сопротивления. В 1946 году, после окончания военных событий, Пикассо выпускает целую серию картин по заказу для замка Гримальди, для княжеской семьи. Она состоит из 27 пано и картин. В этом же году Пабло знакомится с молоденькой художницей Франсуазой Жило, после чего переезжает с ней в тот самый Гримальди. У них появляется двое детей: сын Клод и дочь Палома. Франсуаза стала прообразом картины "Женщина-цветок". Но 1953 году она сбежала от Пикассо вместе с двумя детьми, не смогла ужиться с его сложным характером и его же изменами. Художник тяжело переживал этот период, в работах его превалировал старый карлик в контрасте с молодой красивой девушкой.
В 1949 году появляется знаменитый "Голубь мира", нарисованный Пикассо на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже. В 1947 году Пикассо переезжает на юг Франции в город Валлориес. Там он занимается росписью уже в 1952 году старой капеллы. Изображает излюбленных персонажей: быка, кентавров, женщин. В 1958 году Пикассо был уже очень известен в мире. Он создает для здания ЮНЕСКО в Париже композицию "Падение Икара". В 80 лет неугомонный Пабло Пикассо женится на 34-летней Жаклин Рок. Они переезжают в Канны, на собственную виллу. По ее образу он создает серию портретов.
В 1960-х годах Пикассо вновь работает в кубистической манере: "Алжирские женщины. По Делакруа", "Завтрак на траве. По Мане", "Менины. По Веласкесу", "Девушки на берегу Сены. По Курбе". Все это, как видно, создано по темам великих художников времени. Здоровье со временем становится хуже. С ним рядом остается верная ему Жаклин, ухаживает за ним. Умирает Пикассо в 92-летнем возрасте, будучи мультимиллионером, 8 апреля 1973 года в г.Мужене во Франции, похоронен рядом со своим замком Вовенаргом. За свою активную творческую деятельность он нарисовал около 80 тысяч работ. Еще в 1970 году, когда Пикассо был жив, был открыт музей Пикассо в Барселоне. В 1985 году наследники художника открыли музей Пикассо в Париже.


«Девочка с голубем» является одной из самых известных работ художника. Её написание относят к 1901 году, когда молодому Пикассо, проживавшему на тот момент в Париже, исполнилось лишь 19 лет. В 1928 году картину приобрел известный английский промышленник и коллекционер Сэмюел Курто. После смерти оного, полотно перешло в наследство аристократке Кристабель Аберконуэй. Предполагается, что именно ее потомки являются нынешними владельцами картины. Картину приобрела королевская семья Катара. Если для них покупка этой знаменитой работы стала огромной удачей, то для арт-сообщества Великобритании — неоценимой потерей, которой все же не удалось избежать. Успехом не увенчались ни многочисленные протесты, ни попытки сохранить картину (в Англии развернули национальную кампанию по сбору средств на выкуп — £50 млн и она провалилась). С 1974 по 2011 годы полотно выставлялось в Национальной галерее Лондона.


«Голубка Пикассо» — белый голубь мира, нарисованный Пабло Пикассо в 1949 году и неоднократно им воспроизводившийся в различных вариациях. Один из самых узнаваемых символов мира, обошедший всю планету. Первый вариант «Голубки» 1949 года, который и был напечатан на плакате Конгресса по выбору Луи Арагона из прочих вариантов эмблемы, сильно отличался от того, который позже приобрел популярность.Голубка Пикассо стала символом мирного движения и идеалов коммунистической партии. Ее использовали в коммунистических демонстрациях 50-60 годов XX века. Свою дочь, родившуюся в день открытия Конгресса Пикассо назвал Паломой (голубкой). «…хотя Пикассо тогда верил в искренние намерения движения пацифистов, он не удержался от саркастических замечаний в адрес выбора Арагона: „Бедняга! Он совершенно не знает голубей! Нежность голубки, какая ерунда! Они ведь очень жестокие. У меня были голубки, которые заклевали насмерть несчастную голубку, которая не понравилась им… Они выклевали ей глаза и разорвали на части, это ужасное зрелище! Хорош символ мира!“». Всё, что внедрялось официозом, что народ пародировал, высмеивал (косвенно, конечно, досталось и Пикассо, и его белому голубю: „Голубки Пабло Пикассо всю площадь падло, обосрали!“ /Семён Беньяминов/).
"Голубиная тема" у Пикассо не исчерпывается символом мира. Еще в детстве (а рисовать наш герой начал с 4 лет) его отец (тоже художник) нередко поручал маленькому Пабло дорисовывать на своих картинах лапки голубей. Незатейливый набросок голубка принес и без того известному художнику и славу, и звания, и премии. В 1950 г. Пикассо избрали во Всемирный совет мира и тут же вручили ему Международную премию мира, а в Советском Союзе его дважды награждали Ленинской премией. Особую популярность голубь мира приобрел в СССР после фестиваля молодежи и студентов 1957 г., во время которого участники выпустили в воздух тысячные стаи "посланников мира". Исполком Моссовета даже вынес официальное решение "О завозе и разведении в Москве голубей к VI Всемирному фестивалю молодежи и студентов". В итоге менее чем за год количество голубей в Москве превзошло 35 тысяч, что во многом изменило благожелательное отношение горожан к этому символу мира.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 8 - Мурильо на марках разных стран (часть 1)
Часть 9 - Мурильо на марках разных стран (часть 2)
Часть 10 - Пикассо. Голубь мира
Часть 11 - Пикассо. Девочка на шаре
Часть 12 - Пикассо на марках разных стран (часть 1)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

10. Обед.1662-72. Мюнхен. Старая Пинакотека. Художник создал в своих работах новый тип жанра, в котором реалистические герои более ранних испанских "бодегонес" превращаются в идеализированные народные типы. В этих народных типах, а скорее персонажах из мира "плутовского" романа, в преображенном виде проступают черты севильских нищих и уличных мальчишек. Местом действия служат улочки Севильи, над которыми летом натягивались полотнища для защиты от солнца. Возможно, этим объясняется своеобразное освещение на картинах Мурильо.
11. Мальчики, играющие в кости.1665-75. Мюнхен. Старая Пинакотека. Уличные мальчики из квартала Санта Крус в Севилье были излюбленными моделями Мурильо. Один из участников сцены - стоящий рядом с игроками маленький зритель - напоминает детские образы многочисленных полотен художника на религиозные темы. Картина относится к лучшим жанровым работам Мурильо, хранящимся в Мюнхене. Приобретена в 1698 году в Антверпене курфюрстом Максом Эмануэлем Баварским.
12. Маленькая продавщица фруктов.1670-75. Мюнхен. Старая Пинакотека. В поздних жанровых работах Мурильо гораздо менее той "беспричинной жизнерадостности", которая характеризует его ранние жанровые картины. Смешанные чувства владеют зрителем, оказавшимся лицом к лицу с "Продавщицей фруктов", и трудно сразу разобрать, откуда берется та надтреснутая нота, которая мешает звучать картине в "пасторальном мажоре". А ответ прост - не в лад звенят медяки в ладони девочки.
13. Поклонение пастухов.1668. Севилья. Музей искусств.
14. Туалет.1870-75. Мюнхен. Старая Пинакотека.
15. Мадонна с младенцем.1670. Дрезден. Картинная галерея.
16. Крестьянский мальчик в окне.1670-80. Лондон. Национальная галерея. Чудесный и радостный жанровый портрет. Кажется, что он выполнен буквально на одном дыхании, в легкой эскизной манере. Здесь художник уже великолепно справляется с созданием свето-воздушных эффектов.
17. Святая Мадонна (Вознесение).1678. Мадрид. Прадо.
18. Святая Троица.1681. Лондон. Национальная галерея.
19. Девушка со служанкой.1670. Вашингтон. Национальная галерея.
20. Христос, несущий крест.
21. Женщина с кувшином.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 7 - Мурильо на марках СССР
Часть 8 - Мурильо на марках разных стран (часть 1)
Часть 9 - Мурильо на марках разных стран (часть 2)
Часть 10 - Пикассо. Голубь мира
Часть 11 - Пикассо. Девочка на шаре
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

Ниже представлены остальные марки с картинами (или фрагментами картин) Мурильо, которые я приобрёл до 2000 года.





1. Поклонение пастухов.1630-е. Лондон. Национальная галерея. Одна из самых популярных тем в религиозной живописи. Мурильо написал несколько картин на эту тему.
2. Ревекка, дающая напиться Элиэзеру.1650. Мадрид. Прадо. Сюжет картины заимствован из Ветхого Завета. От Авраама и Сарры родился Исаак. Когда Исаак стал взрослым юношей, Авраам послал своего слугу, Элиэзера, к себе на родину, в Месопотамию, чтобы тот привел для Исаака жену. Элиэзер пришел в Месопотамию, встал у источника и стал молиться, чтобы Господь указал ему жену для Исаака. Элиэзер сказал: «Пусть это будет та девушка, которой я скажу: «Наклони кувшин твой, я напьюсь», — а она ответит: «Пей, я и верблюдам твоим дам пить». Тут к источнику подошла Ревекка и в ответ на просьбу Элиэзера сказала эти самые слова. Ревекка стала женой Исаака и родила ему близнецов Иакова и Исава.
3. Нищий мальчик.1650. Париж. Лувр. Жизнь этого ребенка, как и многих его сверстников, оказавшихся в схожих обстоятельствах, не богата радостными событиями и не балует его. Все ее «щедрые дары» легко уместились в композицию произведения: жалкие лохмотья, плетеная соломенная сумка с несколькими яблоками, немного креветок, лежащих прямо на полу, глиняный кувшин и темный угол, в котором и сидит нищий мальчик в окружении своего хозяйства.
4. Мальчики, кушающие дыню.1650. Мюнхен. Старая Пинакотека.
5. Поклонение пастухов.1655. Мадрид. Прадо.
6. Мадонна с младенцем и Св.Екатериной.
7. Мадонна с младенцем.1655-60. Флоренция. Пити. Славу Мурильо принесли многочисленные изображения Мадонны, воплощавшие распространенный в Андалусии идеал женской красоты и поклонения.
8.Мадонна с младенцем.1656-60. Амстердам. Рийксмузей.
9. Добрый пастырь (библ.).1660. Мадрид. Прадо. В название картины взяты слова из Евангелия от Иоанна: «Аз есмь пастырь добрый». Это говорит, что на картине перед нами предстоит Христос, пусть и в самом раннем возрасте. Рассматривая этого очаровательного малыша, опирающегося на спину овцы, вряд ли нужно строить какие-то сложные философские домыслы, связывая овцу с жертвенным агнцем как предсказанием будущих Страстей Господних. В картине у Мурильо все прекрасно и просто. Художник любил писать детей, и всю эту любовь он вложил в красоту образа этого мальчика-Бога.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 6 - Франс Хальс на марках разных стран (Часть 1)
Часть 7 - Мурильо на марках СССР
Часть 8 - Мурильо на марках разных стран (часть 1)
Часть 9 - Мурильо на марках разных стран (часть 2)
Часть 10 - Пикассо. Голубь мира
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

Бартоломео Эстебан Мурильо (1618-1682) - испанский живописец. Мурильо был последним в блестящей плеяде испанских живописцев-реалистов XVII столетия.
Эстебан Бартоломе рано стал сиротой. В 1627 г. умирает его отец, а спустя год мать, после чего мальчик попадает на воспитание в семью сестры матери. Желание совершенствоваться в живописи привело его из Севильи в Мадрид, где его земляк, Веласкес, доставил ему возможность изучать и копировать в королевских дворцах произведения Тициана, Рубенса, ван Дейка и Риберы и сам, своей свободной, мастерской техникой оказал сильное влияние на его развитие. В 1645 г. он возвращается в Севилью совсем другим художником и вскоре получает крупный заказ от францисканского монастыря. До 1663 г. творческая эволюция мастера представляет собой динамичное движение вперед. После смерти жены в 1664 году Мурильо два года работает довольно медленно. Некоторое время художник живет в монастыре капуцинов, где ему было предложено украсить всю алтарную стену. В мае 1665 г. Мурильо был принят в Братство милосердия. В 1682 году Мурильо, со времени поездки своей в Мадрид не покидавший Севильи, приехал в Кадис, дабы исполнить для тамошнего капуцинского монастыря большую алтарную картину: «Обучение св. Екатерины». Трудясь над ней, он, по неосторожности, свалился с подмостков и так расшибся, что должен был немедленно отправиться назад, в Севилью, где и умер вследствие этого падения.


„Девочка - продавщица фруктов" больше похожа на сельскую жительницу, чем на горожанку. Она застенчива и доверчива. Ее фигурка выдвинута к переднему краю картины и, занимая большую часть ее поверхности, вырисовывается на фоне пейзажа. Картина является парной к „Мальчику с собакой" из собрания Государственного Эрмитажа. В ГМИИ им. Пушкина картина поступила в 1930 году из Эрмитажа.


У жанров Мурильо есть общее название — «Уличные ребятишки». Это дети севильских бедняков, проводящие жизнь на улице, беспечно-веселые в своих лохмотьях, с безотчетной грацией жестов и поз. Они играют в кости, считают монетки, должно быть, выпрошенные на ближайших улицах, предлагают прохожим цветы и фрукты или, сидя в декоративных развалинах, увитых плющом, поедают свой нищенский завтрак. «Мальчик с собакой» из их числа. Наверно, и сам Мурильо был вот таким, если верна легенда о его детстве. В этом прелестном ребенке есть артистизм, вольнолюбие, доброта и лукавство — все то, что Мурильо бесконечно любил в севильцах.


Главное место в церковной живописи Мурильо занимало прославление Богоматери. У него Мадонна является в виде отроковицы или юной девы, стоящей или парящей в воздухе, среди облаков, и окруженной сонмом ликующих малюток, ангелов, нередко с лунным серпом или земным шаром под ногами, с неподражаемо переданным в позе и лице выражением девственной чистоты, кротости, молитвенного умиления и неземного блаженства. Мурильо создал новый в испанском искусстве образ мадонны - юной, хрупкой, грациозной севильянки, парящей среди облаков, плавно и легко поднимающейся ввысь.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 5 - Шарден на марках разных стран (Часть 1)
Часть 6 - Франс Хальс на марках разных стран (Часть 1)
Часть 7 - Мурильо на марках СССР
Часть 8 - Мурильо на марках разных стран (часть 1)
Часть 9 - Мурильо на марках разных стран (часть 2)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

Франс Халс (1580/1585-1666) - выдающийся портретист так называемого золотого века голландского искусства.
В 1600—1603 годах молодой художник учился у Карела ван Мандера, хотя влияния этого мастера в последующих работах Халса не прослеживается. В 1610 г. Халс становится самостоятельным мастером и членом гильдии св. Луки. Известность пришла к Халсу после создания картины «Банкет офицеров стрелковой роты св. Георгия». К концу 1620-х годов складывается зрелое мастерство художника Франса Халса. Работая теперь исключительно в области портрета, Халс создает целую галерею типов нидерландского общества - от офицерства и богатых бюргеров до социальных низов, предстающих в трактовке художника Халса воплощением неистощимой жизненной энергии народа (“Цыганка”, Лувр, Париж , “Мулат”, Музей изобразительных искусств, Лейпциг). Живописная манера Халса обретает к этому времени необычайную легкость, свободу и темперамент: смелыми динамичными раздельными мазками мастер воспроизводит живую естественность и неповторимую индивидуальность своих моделей, сохраняя при этом впечатление случайно выхваченного момента жизни. С 1640-х годов психологические характеристики в портретах Халса углубляются, в колорите начинают преобладать богатые переходами оттенков серебристо-серые тона. В старости Халс впал в глубокую нужду и умер в богадельне. Когда мастер умер, он был с почестями погребён в Харлемском соборе.

Ниже представлены марки с картинами (или фрагментами картин) Франса Хальса, которые я приобрёл до 2000 года.







1. Мальчик с флейтой.1623. Берлин. Муниципальные галереи.
2. Портрет Исаака Абрамса Масса.1626. Торонто. Художественная галерея. Для заработка Халс нередко писал портреты зажиточных сограждан. Таков портрет Исаака Масса. Купец Исаак Масса был одним из интереснейших людей Харлема: он много путешествовал, долго жил в далёкой Росии, не раз выступал в роли посредника в русско-голландских дипломатических связях.
3. Музыкант со свирелью.1626-28. Шверин (Германия). Музей искусств.
4. Групповой портрет стрелков роты Святого Георгия. Харлем. Музей Ф.Хальса. Наиболее выразителен капитан, который сидит вполоборота к зрителю и держит перевёрнутый бокал, требуя новой порции вина. Мы сразу же встречаемся взглядом с этим лихим весельчаком.
5. Весёлый пьяница.1627. Амстердам. Рийксмузей.
6. Цыганка.1628-30. Париж. Лувр. Это один из самых обаятельных образов Халса. Портрет безымянной девушки мастер набросал смелыми и меткими штрихами. Таким образом ему удалось живо передать не только черты лица, но и движения, мимику непоседливой героини.
7. Мулат.1630. Лейпциг (Германия). Музей изобразительных искусств.
8. Портрет молодого человека.1630-е. Дрезден. Картинная галерея.
9. Портрет мужчины в зелёном камзоле.1635. Дрезден. Картинная галерея.
10. Портрет молодого человека с перчаткой.1650. Санкт-Петербург. Эрмитаж. Халса по-прежнему влекут к себе сильные, волевые натуры, однако былой подъем сменяется теперь затаенностью внутренней жизни. Выступающее из темной мглы подвижное лицо незнакомца, в котором угадываются жизненный опыт, самоуверенность, усталость, ирония, кажется во многом загадочным, его душевный мир так и остается нераскрытым. Портрет отличается редкой красотой живописи с обилием цветовых нюансов черного тона.
11. Портрет художника Яна Асселейна.1654. Будапешт. Музей изобразительных искусств.
12. Портрет Яспера Схаде ван Веструма.1645. Прага. Национальная галерея. Многочисленным портретам, созданным Халсом в 40-е гг., свойственна глубина психологических характеристик. Таков портрет Яспера Схаде ван Веструма, судьи из Утрехта. На его молодом умном, но вялом лице блуждает печальная улыбка, словно он скрывает опасную болезнь.
13. Портрет Балтазара Койманса.1645. Вашингтон. Национальная галерея.
14. Портрет Хальса. Харлем. Музей Ф.Хальса.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
...
Часть 4 - Шарден на марках СССР
Часть 5 - Шарден на марках разных стран (Часть 1)
Часть 6 - Франс Хальс на марках разных стран (Часть 1)
Часть 7 - Мурильо на марках СССР
Часть 8 - Мурильо на марках разных стран (часть 1)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

Ниже представлены остальные марки с картинами (или фрагментами картин) Шардена, которые я приобрёл до 2000 года.





1. Дама, запечатывающая письмо.1733. Берлин. Муниципальные галереи. В 1731 г. Шарден женился на дочери купца Маргарите Сентар (она изображена на этой картине. С этого времени художник пишет сцены тихой и уютной семейной жизни.
2. Мальчик, играющий в карты.1737. Вашингтон. Национальная галерея. Шарден в этой картине мастерски передает воздушную среду и цвет, а образ мальчика естественный и лишён парадности.
3.Кухарка, чистящая репу.1738. Мюнхен. Старая Пинакотека.
4. Чертёжник.1737. Берлин. Муниципальные галереи.
5. Натюрморт с трубкой и кувшином.1737. Париж. Лувр. Живописное мастерство художника совершенствуется с годами. Мелодичное единое тональное звучание цветов в таких шедеврах Шардена, как «Натюрморт с трубкой» поражает мягкостью и разнообразием. Красота изящных форм каждого предмета подчеркнута в полотне с изысканным подбором вещей. Открытый ящик с табаком, к которому прислонена трубка, вобравшие в себя множество цветовых рефлексов белый глиняный кувшин и чашка повествуют о моде и быте эпохи, когда курение заморского табака входило в обычай в европейских странах.
6. Мальчик с волчком.1738. (На марке фрагмент-чернильница и перо). Париж.Лувр. Шарден особенно любил изображать детей, в образах которых его привлекали внутренняя живость и непосредственность. Его частыми моделями были сыновья ювелира Годфруа — младший Огюст-Габриэль, запечатлён на этой картине.
7. Гувернантка.1739. Оттава. Национальная галерея Канады. Шарден всегда шел в своих картинах от изображения реального жизненного мотива, придавая ему значительность, ведя неторопливый рассказ о повседневном событии, о предметах, связанных с окружением человека. Такова и эта картина.
8. Натюрморт.1763. Париж. Лувр.
9. Букет в голубой вазе.1760-63. Эдинбург. Национальная галерея Шотландии.
10. Натюрморт с атрибутами музыки.1765. Париж. Лувр. (На марке картина в зеркальном изображении).

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
Часть 3 - Тициан на марках разных стран (часть 4)
Часть 4 - Шарден на марках СССР
Часть 5 - Шарден на марках разных стран (Часть 1)
Часть 6 - Франс Хальс на марках разных стран (Часть 1)
Часть 7 - Мурильо на марках СССР
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779). Французский живописец, мастер натюрморта и бытовых сцен.
Шарден своим происхождением, образом жизни и искусством был связан с ремесленной средой, с патриархальным бытом и традициями цехового строя. В скромных жилищах ремесленников художник находил темы для бытовых картин, натюрмортов и портретов. Шарден не получил академического образования. Работа с натуры была основой его творчества. Шарден находил поэзию в мелочах домашнего обихода, в изображение которых вкладывал теплоту чувств. В «низких», с точки зрения Академии художеств, жанрах живописец Шарден достиг такого совершенства, что был принят в ее члены в 1728 году, в период расцвета рококо. Шарден рано стал известен парижской публике как превосходный мастер натюрморта. Для своих композиций Шарден выбирал самые обычные предметы — кухонный бак для воды, старые кастрюли, овощи, глиняный кувшин, и лишь изредка в его натюрмортах можно увидеть величественные атрибуты наук и искусств. Достоинство этих картин — не в драгоценности вещей, которую так любили голландцы, а в их одухотворенной поэтической жизни, в уравновешенности построения, создающих образ гармонического бытия. В цвете предмета Шарден видел множество оттенков и маленькими мазками передавал их. Из подобных оттенков соткан его белый цвет. Необычайно многочисленны серые и коричневые тона, которыми владел Шарден.
В 1730-х гг. Шарден обратился к жанровой живописи, к повседневным семейным и домашним сценам, полным любви и покоя, удивительной образной и колористической цельности. В жанровых сценах он воссоздал спокойный, размеренный уклад повседневной жизни. Его картины отличаются наивной простотой содержания, силой и гармоничностью красок, мягкостью и сочностью кисти.Они укрепили за ним одно из видных мест в истории французской живописи. В последние годы жизни Шарден обратился к пастели и создал несколько великолепных портретов, в которых проявил присущую ему эмоциональную тонкость, но также способность к психологическому анализу.

Композиция картины «Прачка» проста и размеренна в ритме, колористическая гамма сдержанная, мягкая. Отдельные красочные пятна — голубые, розово-красные — даны в тональных переходах, смягчены тончайшей нюансировкой притушенных тонов. Влажный воздух смягчает контуры, связывает формы с окружающей средой. Взор зрителя последовательно переходит от предмета к предмету, от прачки к малышу, пускающему пузыри, к женщине, развешивающей во дворе белье, обнаруживая всюду поэтическую прелесть обыденного. Молодая женщина стирает, белые хлопья пены свисают с деревянной лохани. Удобно примостившись на маленьком стуле, малыш соломинкой выдувает мыльные пузыри. Один из них растет, шевелится, на его влажных стенках трепещет, переливается удивительный радужный мир. В туманном мареве чуть видна вторая комната и еще одна прачка. Силуэт ее мерцает в облаках пара - нежно, воздушно. Шарден обстоятельно рассказывает нам о матери и ребенке. Одежонка малышу не по росту, башмаки стоптаны, рукав разорван - семья бедная. Но тем яснее ощущаем мы главную мысль автора: истинное счастье не во внешнем блеске, но в трудолюбии и прилежании, в душевном единении.


Екатерина II заказала натюрморт "Атрибуты искусства" для строящейся Академии художеств в Петербурге, однако картину туда не поместили, она осталась в личном собрании императрицы - Эрмитаже. Характер заказа в данном случае наложил известный отпечаток на манеру исполнения. Живопись Шардена здесь несколько сдержаннее, чем в других его вещах. Натюрморт прекрасно построен; в его композиции нашло выражение стремление к гармонии, столь типичное для Шардена. Центр натюрморта занимает гипсовая модель статуи Меркурия (работы известного французского скульптора Пигаля). Вокруг нее расположились рабочие орудия живописцев, ваятелей, зодчих. Палитра с кистями небрежно брошена на ящик с красками, холодно блещущие чертежные инструменты высовываются из голубого футляра. Громоздятся книги, папки с гравюрами, архитектурные чертежи. Но весь этот видимый 'беспорядок' подчинен безупречной, строгой, выверенной композиционной логике. Строгость построения поддерживается красочной гаммой, богатой тончайшими оттенками, но скупой, сдержанной, базирующейся на серых, коричневых, белых тонах, которые оживляют лишь несколько пятен красного и синего.По приказу Николая I натюрморт в 1854 году в числе произведений, недостойных занимать место в царской сокровищнице, продали с аукциона. О шедевре забыли. Позже делались попытки отыскать его след, но безрезультатно. А в 1923 году неожиданно натюрморт обнаружили на складе имущества "Комиссии по борьбе с роскошью". У картины были срезаны углы, холст порван, местами осыпалась краска. Опытные реставраторы восстановили шедевр.


Мать поставила на стол тарелки с супом и по старинному обычаю ждет, когда дети произнесут слова молитвы. Старшая уже отбарабанила привычный текст, а маленькая, с трудом произнося непонятные слова, опасливо посматривает на мать. Участливо, доброжелательно относится к девочке сестренка, явно пытаясь подсказывать. Атмосфера уюта, сердечной дружбы царит в доме. Этому впечатлению помогает и цветотоновое построение изображения. Фигуры как бы вписаны в овал, объединяющий их в единое целое, а строгая симметричность усиливает впечатление устойчивости, упорядоченности быта.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
Часть 3 - Тициан на марках разных стран (часть 4)
Часть 4 - Шарден на марках СССР
Часть 5 - Шарден на марках разных стран (Часть 1)
Часть 6 - Франс Хальс на марках разных стран (Часть 1)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

32. Венера перед зеркалом.1554-55. Вашингтон. Национальная галерея. "Венера перед зеркалом" явилась своеобразным живописным ответом на теоретический спор между представителями флорентийской и венецианской художественными школами о том, какое искусство считать главным - живопись или скульптуру. Сама тема - античная богиня любви со своим сыном Купидоном - не допускала многозначных толкований. Художник формулирует свой идеал красоты, вступая в соревнование с классическим искусством и одновременно демонстрируя знание античных образцов. Тициановская "Венера" восходит к двум греко-римским прототипам. Положение ее рук повторяет жест знаменитой мраморной статуи Праксителя "Афродита Книдская", однако в отличие от нее богиня на картине представлена не полностью обнаженной, а задрапированной до бедер. Утверждая превосходство живописи над скульптурой, Тициан специально ввел в свою композицию предмет, давно используемый для этой цели, - зеркало. Фигура главной героини освещена мягким рассеянным светом и, кажется, сама излучает теплое сияние. С удивительным мастерством Тициан передает тончайшие нюансы тона в переходах от матовой белизны лба к румянцу щек и ярким губам, блеск драгоценных камней и густой ворс меха. Живопись воссоздает бесконечное разнообразие красочного, чувственно воспринимаемого мира, что недоступно скульптуре - вот главный аргумент мастера. В 1850 году картину приобрел для Эрмитажа Николай I. В 1920-1930-е годы "Венера перед зеркалом" разделила участь многих шедевров эрмитажной коллекции. В 1931 году она была продана Эндрю Меллону. С 1937 года картина находится в Национальной галерее в Вашингтоне.
33. Диана и Каллисто (Наказание нимфы).1559. Эдинбург. Национальная галерея. Картина на мифологическую тему изображает эпизод мифа о Каллисто, когда Диана обнаруживает, что её нимфа забеременела от Юпитера. Картина посвящена гневу богини, оскорбленной нарушением чистоты священного источника. Нимфы безжалостно обнажают отяжелевшую плоть Каллисто, и Диана властным жестом приказывает прогнать несчастную. Как попавшая в силки птица, беспомощно бьется Каллисто в руках своих бывших подруг. Величественная и совершенная, Диана напоминает о том, что она древняя богиня, и как Артемида Эфесская требовала человеческих жертв, и что в Спарте перед ее статуей происходили ритуальные бичевания юношей. Кажется, гнев богини вызван не преступлением против нравственности, а тем, что беременность Каллисто нарушила гармонию девичьего тела, то есть для Дианы — гармонию мира.
34. Автопортрет.1562. Берлин. Муниципальные галереи. Тициан не скрывает свой возраст, но и сдаваться годам явно не желает. Мощная широкоплечая фигура в меховой накидке источает сохранившуюся энергию. В крепких руках и пальцах, барабанящих по столу, чувствуются цепкость и сила, в ясном взоре - решительность. На светлой шелковой рубахе выделяется, словно напоказ, тяжелая цепь рыцаря Золотой шпоры. По-видимому, картина предназначалась для детей и до конца дней находилась в отцовском доме.
35. Диана и Актеон.1559. Эдинбург. Национальная галерея. Юный охотник Актеон нечаянно подсмотрел купание богини охоты Дианы и нимф в укрытом гроте в лесу. Диана, олицетворение целомудрия (ее можно узнать по диадеме с полумесяцем), была настолько рассержена Актеоном, увидевшим ее божественную наготу, что превратила его в оленя, которого потом растерзали его собственные собаки.
36. Венера завязывает глаза Амуру.1565. (фрагмент). Рим. Галерея Боргезе. Венера завязывает глаза Амуру, а одна из нимф подает ему лук, чтобы любовные стрелы были пущены наугад. Внимание привлекают, прежде всего, прекрасные женщины, их лица с классическими чертами, светло-золотистая кожа, шелковистые волосы, мягкие жесты. Венера полна спокойного достоинства, исходящая от нее живая, согревающая все вокруг теплота подчеркнута уткнувшимся в плечо богини любви Амуром - он прильнул к ней, как ребенок к матери. Красота обретает на этой картине материнское, животворящее начало.
37. Автопортрет.1567. Мадрид. Прадо. Величавым мудрецом предстает художник на последнем автопортрете, выполненном в приглушенной тональности. Судя по виду, ему за девяносто, но взгляд не угас и отражает внутреннюю энергию. Тициан отвернулся от мира и устремлен в бесконечность. На темном фоне выделяется бледное лицо с орлиным профилем. Черная шапочка прикрывает голову, такого же цвета камзол с вкраплением белого жабо ворота рубашки. В правой руке мастера зажата кисть, словно скипетр его царствования в мире живописи, а на черной ткани камзола выделяется двойная цепь кавалера ордена Золотой шпоры как высшее признание всего им содеянного.
38. Пастух и нимфа.1570. Вена. Художественно-Исторический музей. Это одна из картин, написанных художником «для души». Картина писалась как бы по наитию, без какого-либо плана или указаний литературного источника. День угасает в багровом пламени заката, и пастух, отыграв мелодию на свирели, смотрит с нежностью на пробудившуюся нимфу. Его фигура сдвинута влево, чтобы лучше выделить девушку, лежащую в изогнутой неудобной позе на шкуре леопарда.
39. Грехопадение (Адам и Ева).1550. Мадрид. Прадо. На картине Адам и Ева прикрывают свою наготу фиговыми листами. Общеупотребительное выражение «фиговый лист» родом из 16-го века, когда католическая церковь запретила изображение обнаженных детородных органов, тогда на уже существующих полотнах и фресках стали дорисовывать "декорацию" в виде листьев смоковницы.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
Часть 3 - Тициан на марках разных стран (часть 4)
Часть 4 - Шарден на марках СССР
Часть 5 - Шарден на марках разных стран (Часть 1)
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)

22. Даная.1544. Неаполь. Галерея Каподимонте. Картина была написана во время пребывания Тициана в Риме для герцога Оттавиано Фарнезе. Вазари рассказывает, как он и Микеланджело посетили Тициана в отведенном ему помещении в ватиканском Бельведере во время работы художника над этой картиной. По словам Вазари, Микеланджело, похвалив манеру и колорит Тициана, жалел, что венецианцы недостаточно хорошо владеют рисунком. Картина происходит из коллекции Фарнезе в Парме. В Неаполь поступила во второй половине XVIII века как наследство короля Карла III. Композиция Тициана стала основой для его более поздних работ на эту тему, из которых наиболее известными являются написанные в 50-х годах XVI века «Данаи» мадридского музея Прадо, венского Музея истории искусств и ленинградского Эрмитажа.
23. Семья Вендрамин.1547. Лондон. Национальная галерея. Картина построена на контрастах. Внимание взрослых обращено к алтарю. Стоя на коленях, сам заказчик Габриэле Вендрамин положил руку на край алтаря и смотрит на зрителя. За ним слева стоит его брат Андреа с сыном. А вот присутствующие на картине дети лишены молитвенного благоговения взрослых и полны свойственной их возрасту беззаботности. Самый младший из них, в красных чулках, прихватил с собой любимого песика. Асимметричность композиции, контрастность цветовых пятен, игра оттенков красного - все это придает картине живость и удивительную живописность. Говорят, увидев картину, Сансовино высказал пожелание Тициану заняться и архитектурой - настолько умело организовано им пространство. А сенатор Вендрамин остался так доволен картиной, что пожелал также приобрести находящийся в мастерской автопортрет Тициана для своей картинной галереи.
24. Портрет Изабеллы Португальской.1548. Мадрид. Прадо. Изабелла Португальская - супруга императора Карла V.
25. Венера и музыкант.1548. Мадрид. Прадо. (Венера и кавалер, играющий на органе).
26. Венера и музыкант. 1548. Берлин. Муниципальные галереи.
27. Венера и Амур с куропаткой.1550. Флоренция. Уффици.
28. Портрет дамы в белом.1555. Дрезден. Картинная галерея. Портрет дамы в белом до сих пор остается загадкой для исследователей. Кто изображен на картине? В соответствии с венецианским обычаем веер с флажками, который дама держит в правой руке, указывает на недавнее замужество изображённой женщины. Прежнее предположение, что изображённая дама является дочерью Тициана Лавинией, брачный договор которой был заключён в 1555 г., современными исследованиями отвергается, хотя они и относят создание картины к тому же времени.
29. Портрет дожа Маркантонио Тревизани.1554. Будапешт. Музей изобразительных искусств. Будапештский портрет является скорее вариантом для семьи или для мастерской.
30. Девушка с фруктами (Лавиния).1555-58. Берлин. Муниципальные галереи. На портрете молодая белокурая венецианка в золотисто-коричневом платье из парчи с белыми кружевными манжетами изображена на фоне далеких гор любимого художником Кадора. Девушка легко и горделиво держит, подняв над головой, тяжелое серебряное блюдо с фруктами и цветами, словно щедрая Флора, богиня природы. В ее портрете подчеркнуто явное сходство с матерью. На ней надето то же жемчужное ожерелье, подаренное Тицианом Чечилии. Розоватое небо в лучах заката, тончайшие переливы нежных золотистых тонов и их мерцание на фоне пурпурного занавеса - все это раскрывает мир простых житейских радостей и земной красоты.
31. Даная.1554. Мадрид. Прадо. Картина была заказана кардиналом Алессандро. Это произведение имело такой успех, что художнику пришлось повторять ее несколько раз для различных заказчиков. И сейчас в разных музеях мира имеются картины, в которых с некоторыми изменениями трактуется один и тот же мифологический сюжет.

Серия сообщений "Художники разных стран-3":
Часть 1 - Тициан на марках разных стран (часть 2)
Часть 2 - Тициан на марках разных стран (часть 3)
Часть 3 - Тициан на марках разных стран (часть 4)
Часть 4 - Шарден на марках СССР
...
Часть 48 - Грёз на марках разных стран (часть 1)
Часть 49 - Грёз на марках разных стран (часть 2)
Часть 50 - Грёз на марках разных стран (часть 3)