Московский художественный театр создан в 1898 году Станиславским и Немировичем Данченко.
Первоначально назывался Художественно-общедоступный театр. С 1920 года — Московский Художественный академический театр (МХАТ). С 1932 года — МХАТ СССР им. М. Горького. В 1987 году разделился на два одноимённых театра: им. Горького и им. Чехова.
Началом Художественного театра считают встречу его основателей Константина Сергеевича Станиславского и Владимира Ивановича Немировича-Данченко в ресторане «Славянский базар» 19 июня 1897 года. Во главе Художественно-общедоступного театра стали:
В. И. Немирович-Данченко — директор-распорядитель и К. С. Станиславский — директор и главный режиссёр.
Московский Художественный театр открылся 14 (26) октября 1898 года премьерой «Царь Фёдор Иоаннович» Алексея Толстого.
Легендарная премьера пьесы А. П. Чехова «Чайка» в Художественном театре состоялась 17 декабря 1898 года.
С 1902 года театр работает в здании в Камергерском переулке, 3. Театр домовладельца Лианозова перестроен на средства Саввы Морозова архитектором Фёдором Шехтелем с участием Ивана Фомина за три летних месяца 1902 года. Проект реконструкции выполнен безвозмездно, Шехтель отказался обсуждать вопрос оплаты еще на стадии переговоров. Оформление интерьеров, освещение,
орнаменты, эскиз занавеса с знаменитой эмблемой Художественного театра, летящей над волнами чайкой, также принадлежит Шехтелю. Правый подъезд театра украшает гипсовый горельеф Анны Голубкиной «Волна». Шехтель разработал проект поворотного круга сцены, спроектировал вместительные подсценические трюмы, карманы для хранения декораций, раздвижной занавес взамен
поднимающегося. В зрительном зале было 1 200 мест.
В 1970 году главным режиссером МХАТ назначен Олег Ефремов, выпускник школы-студии МХАТ, создатель и главный режиссёр Московского театра «Современник».
В 1973 году открывается новое здание МХАТ на Тверском бульваре, 22 с гигантской сценой высотой более 30 метров и зрительным залом на 1360 мест.
С 1973 года МХАТ им. М. Горького работает на трех площадках Москвы: в проезде Художественного театра (ныне Камергерский переулок), на ул. Москвина и в новом здании на Тверском бульваре.
С 1978 года историческое здание в Камергерском переулке закрывается на ремонт.
В 1987 году происходит конфликт, многочисленная труппа МХАТ делится на два театра с одним названием: Труппа под руководством Т. В. Дорониной, сохраняет название МХАТ им. М. Горького и остаётся на Тверском бульваре; труппа под руководством О. Н. Ефремова переезжает в отремонтированное здание в Камергерском переулке. В 1989 году театр под руководством Ефремова
переименован во МХАТ им. А. П. Чехова.
После смерти Олега Ефремова художественным руководителем МХАТа имени Чехова стал в июне 2000-го Олег Табаков. Согласившись на назначение, он установил себе испытательный срок в полтора года: "Я решу, что мне надо оставаться, если пойму, что от моего пребывания в этой должности есть реальная польза для МХАТа".
На вопрос, почему исчезло слово "академический" из названия МХАТ, Табаков сказал, что "МХАТ, вот этот бренд, он так и останется". "Бренд - это не сочетание букв, я в этом убежден, а сочетание талантов, а театр - это не академия, а живое, пробующее, ошибающееся существо. Поэтому в снятии слова "академический" нет ни вызова, ни эпатажа. Просто мы считаем, что так и было задумано
основателями МХАТа".
И в МХАТе (МХТ) по-прежнему аншлаги.

Малый театр - драматический театр в Москве, один из старейших театров России сыгравший выдающуюся роль в развитии русской национальной культуры. Открылся 14 октября 1824 года.
Сегодня он называется Государственный академический Малый театр России. Художественный руководитель театра с 1988 года народный артист СССР Юрий Мефодьевич Соломин.
Труппа театра была создана при Московском университете в 1756 году.
В начале царствования императора Александра I, вместе с общим подъемом общественной жизни ожило и совсем было упавшее при Павле театральное искусство. В эти годы труппа пополнялась актёрами крепостных театров. В 1806, театр приобрел статус казенного, войдя в систему императорских театров. Таким образом, актёры, поступившие в труппу из крепостных театров, сразу освобождались от
крепостной зависимости, как например, С. Мочалов — отец знаменитого трагика, Мочалова П. Своего помещения у труппы ещё долго не было. Прошло несколько лет, когда архитектор Бове был приглашен на строительство в Москве театрального здания.
До 1824 года балетно-оперная и драматическая труппы Императорского Московского театра были единым целым: единая дирекция, одни и те же исполнители, но ещё и долгое время после этого театры были соединены даже подземным ходом, были общие костюмерные и т. д.
В 1824 году Бове перестроил для театра особняк купца Варгина, и драматическая часть Московской труппы Императорского театра получила собственное здание на Петровской (ныне Театральной) площади и собственное название — Малый театр.
Понятие «малый», как и находившийся рядом «большой» театр (для оперных и балетных постановок), поначалу обозначало лишь их сравнительные размеры, потребовалось время, чтобы эти определения стали названиями театров.
Один из важных периодов в истории развития Малого театра связан с именем П. С. Мочалова. Вместо декламации и торжественной позы, актёр привнес на сцену клокочущую лаву горячей страсти и жесты, поражающие страданием и болью.
В 1822 в труппу пришёл уже известный по провинциальным антрепризам бывший крепостной актёр М. С. Щепкин. «Он первым создал правду на русской сцене, он первым стал нетеатрален на театре», — сказал о Щепкине А. И. Герцен.
На сцене Малого театра 27 ноября 1831 впервые в Москве была полностью показана комедия А. С. Грибоедова «Горе от ума». Щепкин исполнял роль Фамусова и Мочалов — Чацкого.
25 мая 1836 году здесь показали «Ревизора» Гоголя.
Для Малого театра писали И. С. Тургенев, А. В. Сухово-Кобылин, многие другие авторы. Но особое значение для Малого театра имел Александр Николаевич Островский. Его пьесы принесли Малому театру неофициальное название «Дом Островского». Все его 48 пьес были поставлены на сцене Малого театра и в разные годы всегда входили в его репертуар. Он сам неоднократно участвовал в репетициях, дружил с актёрами, а некоторые его пьесы были сочинены специально на определенных исполнителей Малого театра, по их просьбам, для их бенефисов.
На рубеже XIX—XX вв. страна переживала тяжелый кризис, он затронул и театральную жизнь. Малый театр искал новые пути развития.
В 1919 Малому театру присвоено звание академического.
В 20-е годы вся страна была захвачена пролетарским театральным движением «Синяя блуза». Тем не менее Малый театр оставался верен своим традициям. В это время по стране звучат призывы отказаться от всего прежнего, старого, не пускать в обновленную революцией жизнь оплот буржуазно-дворянской культуры. Под воздействием этих призывов Малый театр мог быть закрыт, не встань на
его защиту первый нарком Просвещения А. В. Луначарский.
В 1926 году Малый театр дал премьеру — спектакль «Любовь Яровая» по пьесе К. А. Тренева.
В 1929 году перед зданием театра был установлен памятник А. Н. Островскому работы скульптора Н. А. Андреева.
В 30-е годы, когда один за другим исчезали новые реформаторские театры, а их основатели порой тоже исчезали, но уже в сталинских тюрьмах, Малый театр пополнялся приходившими из закрывавшихся студий актёрами.
Репертуар театра 1930—1940 гг. в основном состоял из возвращения к классике. Ставятся пьесы Грибоедова, Гоголя, Островского.
Всегда завораживающей была игра актёров, славу театра составляли:
И. В. Ильинский, Б. А. Бабочкин, В. И. Хохряков, М. И. Царев, М. И. Жаров, Э. А. Быстрицкая, В. В. Кенигсон, И. А. Любезнов, Е. Н. Гоголева, Е. В. Самойлов, Е. Я. Весник, Ю. М. Соломин, В. М. Соломин, В. П. Павлов, А. С. Эйбоженко, мн. др.

Большой театр в Москве является одним из символом России. Его талантливые исполнители: вокалисты и артисты балета, композиторы и дирижеры, балетмейстеры известны во всем мире.
Историю театра принято вести с марта 1776 г., когда губернский прокурор князь Пётр Васильевич Урусов получил высочайшее соизволение императрицы Екатерины II «содержать… театральные всякого рода представления, а также концерты, вокалы и маскарады». Князь начал строительство театра, который — по месту расположения на улице Петровка (на правом берегу Неглинки) — был назван Петровским. Однако театр Урусова сгорел ещё до его открытия, и князь передал дела своему компаньону, английскому предпринимателю Майклу Медоксу. Именно Медокс построил Большой Петровский театр.
Петровский театр Медокса простоял 25 лет — 8 октября 1805 года здание сгорело. Новое здание было построено К. И. Росси на Арбатской площади. Однако и оно, будучи деревянным, сгорело в 1812 г., во время нашествия Наполеона.
По проекту А. Михайлова в 1821-1825 гг. строится новое театральное здание на прежнем месте. Руководил строительством архитектор О. Бове. По своим размерам оно было значительно увеличено. Поэтому в то время оно и получает название Большой театр.После пожара в марте 1853 года здание восстанавливали три года. Работой руководил архитектор А. Кавос. Как писали современники, вид
здания «пленял глаз соразмерностью частей, в которых легкость соединялась с величием». Таким оно и дошло до наших дней.
Здание является одним из лучших образцов русской классической архитектуры. В ходе восстановления после пожара здание было полностью перестроено в 1856 году и украшено белокаменным портиком с восемью колоннами. Архитектор заменил четырехскатное покрытие двускатным с фронтонами, повторив по главному фасаду форму фронтона портика и убрав арочную нишу. Ионический ордер портика был заменен сложным. Были изменены все детали наружной отделки. Некоторые архитекторы считают, что изменения Кавоса снизили художественные достоинства первоначально созданного здания. Венчает здание известная на весь мир бронзовая квадрига Аполлона работы Петра Клодта.
Здание прекрасно вписывается в окружающие его архитектурные строения.
Пять ярусов зрительного зала вмещают более 2100 зрителей. По своим акустическим свойствам он считается одним из лучших в мире.
Это одно из прекрасных архитектурных сооружений столицы. Его называли «чертогом из солнечных лучей, золота, пурпура и снега». В здании также проводятся важные государственные и общественные торжества.
В советское время из Большого делали главный театр страны — в него переводили лучших артистов других театров, переносили наиболее удавшиеся спектакли.
Для сохранения исторического архитектурного ансамбля театрального здания и оснащения его сцены оборудованием современного мирового уровня 1 июля 2005 года основная сцена закрылась на реконструкцию.
После реконструкции москвичи и гости столицы увидят театральное здание таким, каким оно было задумано архитектором Альбертом Кавосом в 1856 году и каким оно было в год его открытия.
Современный Большой театр включает в себя оперную и балетную труппы, сценно-духовой оркестр и оркестр Большого театра. Имена оперной и балетной школы – это достояние всей России и всего театрального мира. Более 80 артистов удостоены звания Народных артистов СССР в советский период. Звание Героя Социалистического труда получили восемь мастеров сцены - И. Архипова и
Ю. Григорович, И. Козловский и Е. Нестеренко, Е. Светланов, а также известные всему миру балерины – Г. Уланова, М. Плисецкая и М.Семёнова.

Не просто протекала жизнь Большого театра в советское время. Время от времени Большой потрясали скандалы.
Революция 1917 года повергла Большой театр в шок. Из его недр немедленно появилось возмущенное и опрометчиво смелое воззвание: "Государственный московский Большой театр как автономное художественное учреждение не признает права вмешательства в его внутреннюю и художественную жизнь каких бы то ни было властей, не избранных театром и не входящих в его состав".
Однако очень скоро пришлось признать всё - и большевиков, и Наркомпрос, и вмешательство, и бесконечные заседания в благородных стенах новой власти. Уже в 1918 году на сцене Большого - идеологически верный балет “Стенька Разин”. Далее - опера “Броненосец 'Потемкин'”, а в планах записаны балеты "Красная звезда" и "Третий Интернационал". А еще далее - к “диким вандалам”
театр обращается с просьбой: разрешить постановку очень нужного новому государству агитационно-производственного спектакля "Нефть".
Зимой, 1919 года, на специальном заседании Совнаркома театр решили и вовсе закрыть - по причине полной ненадобности рабоче-крестьянскому электорату этого, по выражению Ленина, “куска чисто помещичьей культуры”, на который уходило так много денег, так много ремонта и так много дров. И в очередной раз жизнь театру спас Луначарский - невероятными усилиями он убедил народных
комиссаров, что Большой театр послужит революционной агитации, да и заседать где-то надо. Тем не менее бюджет театру сильно урезали. Однако предложения о закрытии Большого театра продолжают поступать.
1 ноября 1922 года все-таки выходит постановление - театр закрыть. Луначарский умоляет Ленина оставить театр, убеждая вождя, что суммы, выделяемые Большому, ничтожны по сравнению с деньгами, которые тратил на этот театр прогнивший царизм и что вообще в репертуаре Большого есть детский революционный спектакль, столь необходимый правительству. Хлопочут и Михаил Калинин с
Авелем Енукидзе, большие любители балерин.
В итоге театр оставляют, но его судьба держится на волоске - денег не дают, и даже наоборот - субсидии урезают.
И тут в чьей-то гениальной голове рождается гениальная же мысль: забрать Большой театр из ведения Наркомпроса (то есть от любителя искусств Луначарского) и передать его в прямое подчинение ВЦИК, то есть под управление двух любителей балерин - председателя этого самого ЦИК СССР Михаила Калинина и секретаря того же ЦИК Авеля Енукидзе (он будет расстрелян в 1937-м).
И начался золотой век Большого театра! Высокопоставленные любители балерин освобождают его от “барщины” - бесплатного проведения торжественных мероприятий всевозможных общественных организаций. Жалованье труппе увеличивается два раза в год. Большой освобождается от многих налогов и прикрепляется к Лечебно-санитарному управлению Кремля. Декорации, костюмы и
реквизит взяты на гособеспечение.
26 января 1936 года вождь слушает оперу Дмитрия Шостаковича “Леди Макбет Мценского уезда”. Музыка ему категорически не нравится. 28 января в газете “Правда” появляется редакционная статья "Сумбур вместо музыки".
Сталин любит приходить в Большой театр. Он любит оперу. После приемов он любит петь вместе с солистами Большого театра. Вместе со Сталиным поют и все присутствующие. Сталин дирижирует.
Особенно симпатизировал Сталин певцу Ивану Козловскому. Талантливый 26-летний тенор поступает в Большой театр в 1926 году. Но карьера не складывается – молодой певец недоволен теми партиями, которые ему предлагают, да и порядки в театре ему не нравятся.
Дирекция театра, в свою очередь, недовольна характером Козловского, и в конце 1930-х его увольняют. Но тут вмешался Сталин. К немалому удивлению самого певца вождь возвращает его в Большой театр, и не просто возвращает, а на правах ведущего тенора! Мало того. Козловскому присваивают звание народного артиста СССР и награждают орденом Ленина. Отныне он ведущий тенор СССР.
Годы идут, поклонницы носятся за Козловским толпами, дирекция театра в благоразумном восторге от сталинского любимца. Как вдруг все кончилось. В 1953 году Сталин умирает. И в следующем году 54-летний Козловский - находясь в прекрасной вокальной и физической форме - уходит из театра…
Второй женой героя революции Семена Буденного (его первая жена – простая казачка - застрелилась) стала Ольга Стефановна Михайлова, в скором будущем оперная прима Большого театра. Они прожили вместе почти 14 лет. В 1937 году, зимой, Буденного вызвал Сталин и сообщил, что жена Буденного ведет себя нехорошо и что подробнее ему обо всем расскажет нарком НКВД Ежов. По сведениям Ежова выходило, что Ольга слишком часто посещает иностранные посольства, а кроме того, является любовницей артиста Большого театра Алексеева. В августе 1937-го ее арестовали. Допросы быстро сломали ее, и она пишет на имя Ежова, что «Будённый вёл тайную преступную деятельность против Сталина и Ворошилова». Однако Сталин этому «признанию» хода почему-то не дает – Буденный остается на свободе, а Ольгу Михайлову приговаривают к восьми годам лагерей. В 1945-м она получит еще три года заключения, после чего ее отправят в ссылку в Красноярский край, где она будет работать сторожихой-уборщицей. Она вернется в Москву в 1956 году…
Не только Буденный, Енукидзе и Калинин имели слабость по части танцовщиц. Любил балерин и Сталин. Молва приписывала ему особые симпатии к танцовщицам Большого театра Ольге Лепешинской и Марине Семеновой – балерине, которая «всегда остается царицей», как сказал о ней ее ученик Николай Цискаридзе.
Из воспоминаний Майи Плисецкой об Ольге Лепешинской: «Она была шумная общественница, энергичнейший неутомимый член партии, входивший во все бюро, комитеты, президиумы. Ольга Васильевна не пропустила ни одного случая, чтобы не взобраться на трибуну и громогласно не высказать в тысячный раз свою принадлежность к партии большевиков и поучить уму-разуму всех и вся «в свете последних партийных решений».
Но более всего бесконечными связями с балеринами Большого театра прославился М. Калинин. Ему даже нарочно подсовывали их, чтобы иметь на него компромат. Однажды к всесоюзному старосте привезли 16-летнюю балерину Большого театра Беллу Уварову. После чего она пропала. Калинина срочно отправили в отпуск. По поручению Сталина началось расследование. Но тут в Москве
начался очередной шпионский процесс - и родителей Уваровой очень кстати репрессировали. А вскоре в подмосковном лесу нашли изуродованное тело балерины. Похоронили Беллу Уварову на Ваганьковском кладбище. В том, что смерть балерины - на совести Калинина, не сомневался никто. Но дело замяли.
5 января 1948 года Сталин слушает в Большом театре оперу Вано Мурадели «Великая дружба». Опера вождю категорически не нравится. Аппарат ЦК мгновенно объявляет работу по «исправлению ошибок на музыкальном фронте».
Галина Вишневская вспоминает: «А началось все с оперы "Великая дружба" бездарного композитора Мурадели, поставленной в Большом театре. Вот уж кому повезло постоять на эшафоте рядом с гениями - Сергеем Прокофьевым и Дмитрием Шостаковичем! А он всеми силами публично отмежевывался от столь высокой чести, искренне убеждая всех, что он случайно попал в эту группу, что он не формалист, а честный коммунист...А попал-то он в эту группу просто потому, что сыграл не в ту дудку. Желая выслужиться перед Сталиным, написал оперу о кавказских народах и, не рискуя вывести на сцену Сталина поющим (неизвестно еще, как тот воспримет),
героем оперы сделал умершего в 1937 году лучшего друга Сталина Серго Орджоникидзе. И попал - не в бровь, а в глаз! Оказалось, что "лучший друг" по приказу лучшего друга то ли был просто подло убит у себя дома, то ли успел застрелиться сам. Вот об этой "великой дружбе" и напомнила опера Сталину, покровителю всех изящных искусств. В общем, подхалим немножко перепутал - закричал "ура!"
вместо "караул!", чем вызвал невиданный гнев любимого вождя и учителя»
В том же 1948 году случился еще один оперный скандал. По мотивам повести Бориса Полевого «Повесть о настоящем человеке», изданной двумя годами раньше, Сергей Прокофьев написал одноименную оперу – про летчика-истребителя Маресьева, который был ранен, ценой невероятных усилий добрался до своих, ему ампутировали ноги, и тем не менее он вернулся в строй. Закрытый просмотр
оперы состоялся в декабре 1948 г. в ленинградском Театре оперы и балета им. С. М. Кирова. Опера Сталину не понравилась, и она была забыта на долгие годы. Только в 1960 году она была впервые поставлена в Большом театре. По Советскому Союзу загуляли насмешливые цитаты из арии врачей «Гангрена, гангрена — ему отрежут ноги!» и самого Маресьева: «Шишечку найду и дальше
поползу». Высокое искусство в массах категорически не приживалось.
В 1949 году во время партийного концерта в Большом театре со Сталиным знакомят Екатерину Алексеевну Фурцеву. Вождю она понравилась. В 1950 году она ее назначают вторым секретарем Московского горкома партии. Карьера простой советской ткачихи выходит на орбиту.
В 1956 году Большой театр наконец-то выезжает за пределы СССР - в Англию… Окно на Запад открыто. Однако Плисецкой ехать не разрешили - председатель КГБ И.А. Серов объявил ее английской шпионкой. Она остается в Москве – и танцует так, что зрителей зашкаливает от восторга. Плисецкую буквально забрасывают цветами. Особо восхищенных поклонников тут же вызывают в КГБ. За самой Плисецкой идет практически открытая слежка…
В 1957 году в Москве в Большом театре проходит премьера оперы Тихона Хренникова «Мать» по одноименной повести Максима Горького. Это вторая опера (после «Повести о настоящем человеке»), которая вызывает в народе массу веселья. «Павел, Павел, твою мать, мать твою… арестовали!» - радуются советские граждане и вступают на манер хора: «Твою мать! Твою мать!»
Никита Богословский сочиняет пародию, которая мгновенно разлетается по Союзу, превратившись в народное творчество: В Большом премьера новая, билетов в кассе нет. Но музыка хреновая и матерный сюжет.
Хрущев жаловался: «Как вспомню, что вечером опять «Лебединое озеро» смотреть, аж ком к горлу подступает».
Генсека можно понять: «лебеди» входили в обязательную культурную программу для зарубежных гостей. 30 апреля 1958 года в ходе государственного визита в СССР президент Египта Гамаль Абдель Насер в сопровождении Н.С. Хрущева и К.Е.Ворошилова присутствует в Большом театре на балете “Лебединое озеро”. Существует история, что когда на сцене появился «нехороший» Ротбард в черном трико с перьями, Хрущев сказал Насеру: “Это Даллес! Ну ничего, товарищ Насер, ничего! В конце действия мы таки обломаем ему крылья!”
В 1960 году солистка Большого театра Софья Николаевна Головкина выходит на творческую пенсию (ей 45 лет) и возглавляет Московское хореографическое училище, (позже – и по ее инициативе! - оно будет преобразовано в Московскую Государственную Академию хореографии).
Майя Плисецкая вспоминает: «Другая любительница влиятельных генералов была Софья Николаевна Головкина. Она тоже громогласно занималась общественной работой и тоже обогатила партию большевиков своим членством. Танцевать она совсем не умела. Пируэты и шене крутила криво, но не падала. Как Пизанская башня. В ней не было ни темперамента, ни блеска. <…> От ее спектаклей веяло
скукой и серостью».
И главный административный успех ей обеспечивали бесконечные внучки советских чиновников.
Сцена главного театра страны действовала на внучколюбивых аппаратчиков магически. Даже такие поборники социальной справедливости, как Юрий Андропов и Михаил Горбачев, не избежали соблазна увидеть своих внучек в числе юных балеринок Большого. Первой такой ученицей стала внучка министра культуры Екатерины Фурцевой. Кстати, после смерти «Екатерины великой» в 1974 году ее внучку Головкина немедленно из училища отчислила. Но зато для шестилетней внучки Горбачева стараниями Головкиной был специально открыт подготовительный класс.
Внучка Андропова – в отличие от внучки Фурцевой – училище окончила, но грозный генсек умер, и она десять лет танцевала в кордебалете…
В 2001 году Головкина все-таки ушла в отставку. Конечно, не по доброй воле, а под немалым нажимом Большого театра и Министерства культуры. Головкиной вменяли в вину развал московской балетной школы, плохую подготовку танцовщиц и даже травлю лучших педагогов, вынужденных искать пристанище своему таланту в эмиграции.
В 1974 году Галина Вишневская и Мстислав Ростропович – в результате грязного доноса и безобразной травли - покинут Советский Союз, а в 1978 году они будут лишены гражданства…
В августе 1979-го не вернется из зарубежной поездки (останется в США) танцовщик Большого театра Александр Годунов... В те времена появилась шутка-анекдот: Большой театр уехал на заграничные гастроли, а вернулся Малый театр.
Свою неприглядную лепту в историю Большого театра внесет и дочь генсека Галина Брежнева. Выйдя замуж в третий раз – за нелюбимого ею подполковника милиции Юрия Чурбанова, – она через несколько лет завела себе сердечного друга. Им стал цыганский барон и по совместительству певец театра «Ромэн» Борис Буряце. Очень скоро она сделала его солистом Большого театра, так и не
исполнившим ни одной партии. Очень скоро последовало ограбление известной цирковой артистки Ирины Бугримовой. Исчезла хорошо знакомая кремлевскому бомонду коллекция бриллиантов. В ходе расследования был выявлен след той самой бриллиантовой мафии, с которой, кстати говоря,
был связан и любовник Галины Брежневой – странный неудачник-певец из Большого театра...
В 1988-м дирекция Большого театра принудительно отправила на пенсию Майю Плисецкую, Владимира Васильева, Екатерину Максимову, Михаила Лавровского, Наталию Бессмертнову, Нину Тимофееву...Время перестройки – время сведения счетов, благодатное смутное время для бездарностей и подлецов, и это время снова и снова нещадно бьет по лучшим.
Скандалы в Большом продолжились и в 2000-ные годы. Хронические смены руководства. Бурная история с увольнением талантливой балерины Анастасии Волочковой в 2003 году.

Гликерия Николаевна Федотова (в девичестве Позднякова) (1846-1925) - русская актриса, Заслуженная артистка Императорских театров, народная артистка Республики (1924).
Родилась в Орле. Рано осталась сиротой на воспитании деда и дальней родственницы.
В 1862 году окончила Московское императорское театральное училище, где сначала обучалась балету, а затем перешла в В 1862 году окончила Московское императорское театральное училище, где сначала обучалась балету, а затем перешла в драматический класс.
В 1863 году вышла замуж за актёра и режиссёра А. Ф. Федотова и стала выступать под его фамилией.
К концу 1860-х годов Гликерия Федотова стала ведущей актрисой Малого театра. Ей равно удавались трагические, комедийные, мелодраматические и романтические роли.
В 1905 году из-за болезни ног ей пришлось оставить театр, однако до смерти актриса считалась почётным членом труппы. Последний раз Федотова поднялась на сцену в 1912 году, в 50-летний юбилей своей сценической деятельности в Малом театре.
В советский период актрисе, уже прикованной к постели неизлечимой болезнью, было присвоено звание народной артистки Республики и почетное звание Героя труда.

Федор Григорьевич Волков (1729-1763) - русский актёр и театральный деятель. Создал первый постоянный русский театр, и поэтому считается основателем русского театра.
Родился в Костроме. Отец его, купец, умер во время его малолетства. Мать в вторично вышла замуж и переехала с детьми в Ярославль. В возрасте двенадцати лет Фёдор был отправлен в Москву обучаться делу к немецким промышленникам.
В 1746 году молодой купец прибыл по делам в Петербург, и здесь посещение придворного театра произвело на него потрясающее впечатление. Он весь отдался новой страсти и в течение двух лет пребывания в Петербурге занимался искусствами и изучением сценического дела.
В 1751 году в Ярославле специально для спектаклей Волкова был построен деревянный театр на берегу Волги. Это был первый общедоступный театр в России.
Вскоре про «ярославские комедии» стало известно при дворе императрицы Елизаветы Петровны. Она вызвала Волкова в Петербург.
30 августа 1756 года был официально учреждён «Русский театр», положивший начало созданию Императорских театров России, Фёдор Волков был назначен «первым русским актёром», а директором театра стал Александр Сумароков, в 1761 году этот пост занял Волков.
Фёдор Волков написал около 15 пьес, он занимался также художественным оформлением спектаклей; известна его картина, изображающая его и братьев во время спектакля, бюст Петра I, играл на многих инструментах и создавал музыку к спектаклям.
Ему приписывается видная роль в том перевороте, который возвел на престол Екатерину II . Легенда рассказывает, что он в критическую минуту прочитал, держа перед собой чистый лист, не бывший написанным манифест. Екатерина, воцарившись, предложила Волкову быть кабинет-министром, возлагала на него орден Андрея Первозванного, но Волков будто бы от всех этих почестей отказался, сохранив за собой доступ в кабинет государыни без доклада.
На масляную неделю 1763 года в честь коронации императрицы Екатерины II в Москве был устроен многодневный «большой маскарад, который стал последним творением Волкова. Во время маскарада он простудился и умер в возрасте 34 лет. Он был похоронен в Москве, на кладбище Андроньева монастыря. Никаких следов от его могилы не осталось.

Мария Николаевна Ермолова (1853-1928) — русская актриса. Заслуженная артистка Императорских театров. Народная артистка Республики. Герой труда.
Родилась в Москве в семье суфлёра Малого театра. Её дед был в свое время крепостным скрипачом князей Волконских, получив вольную, стал работать в том же театре гардеробщиком.
Отец - увлекающийся, даровитый, не мог утвердиться как личность, поэтому с годами развивавшийся комплекс сделал его невыносимым для близких. Постоянные истерики, припадки необоснованного гнева, желчность и раздражение сопровождали детство великой актрисы. Плюс к этому строгие патриархальные нравы семьи — сестры, а их было трое, вплоть до замужества должны были
испрашивать позволения отца по всякой мелочи. Поэтому суровый, малообщительный характер Мария Николаевна приобрела ещё в раннем возрасте.
В 1862 году Мария поступила в балетный класс Московского театрального училища. Однако способностей к балету она не обнаружила.
В 1871 году Ермолова закончила театральное училище и была принята в труппу Малого театра. В первые годы Ермоловой не поручали серьёзных ролей, ей приходилось играть роли легкомысленных барышень в комедиях и водевилях. Дарование Ермоловой, главным образом трагическое и героическое, не получало своего раскрытия.
Счастливый случай буквально в один вечер сделал Ермолову примой русской сцены. Н.М. Медведева, в те времена первая артистка Малого театра, решила поставить в свой бенефис пьесу Лессинга «Эмилия Галотти», но исполнительница главной роли заболела и бенефициантка в спешке искала ей замену. Случайно выбор пал на Ермолову. Дебют превзошёл все ожидания.
Оглушительный успех дебюта сыграл с молодой Ермоловой злую шутку. Перед ней — неопытной, не умевшей ещё владеть ни своим великолепным голосом, ни своими жестами, — вдруг побледнели остальные актрисы. И это не могло не устрашить их. С первых дней в театре Ермолову окружили сплетни, злоба, зависть.
Мария Николаевна страдала невыносимо. Она, совсем ещё ребёнок, с трудом находила в себе силы сопротивляться интригам. Но более всего её убивали незначительные, второстепенные роли, противные её амплуа, её таланту, когда ей приходилось подыгрывать ненавидевшей молодую артистку Федотовой.
В дальнейшем она начинает играть настоящие роли, которые ей интересны, которые её увлекают.
Знакомится с актёром Шубинским, своим будущим мужем. Он заканчивает юридический факультет, собираясь посвятить праву свою будущую деятельность.
Ермолова рано вышла замуж и вышла по любви, однако молодые очень рано поняли, насколько они далёкие люди. Однако консервативное воспитание и глубокая порядочность не позволили Ермоловой лишить дочку отца. Глубокое и постоянное чувство, упрятанное в самый сокровенный уголок души, связывало Марию Николаевну до конца дней с одним большим, известным в Европе учёным. Но их отношения Ермолова скрывала от всех, и никто, кроме самых близких людей, не знал, каких душевных сил стоила актрисе эта любовь.
В 1873 году Ермолова исполнила роль Катерины в пьесе «Гроза». Работа над этой ролью продолжалась несколько лет. Катерина Ермоловой была русская женщина, исполненная внутренней силы и готовности к героическому самопожертвованию.
В 1890-е играет пьесы Ибсена, Горького. Играет Вассу Железнову в одноименной пьесе М. Горького. Много занималась в училище с актёрами.
Октябрь 1917 не прервал артистической деятельности Ермоловой. Не пришлось ей страдать и от бытовых лишений. В 1920 советская общественность торжественно отметила 50-летие ее сценической деятельности. На юбилейном спектакле присутствовал Ленин. Она первая в стране получила звание народной артистки Республики. Моссовет предоставил ей в пожизненное владение особняк на
Тверском бульваре.
В 1923 Ермолова уходит со сцены. Муж у неё рано умер. Она была одинока, мало кого принимала.
В 1928 году уснула и больше не проснулась.
Станиславский писал: "Мария Николаевна Ермолова - это целая эпоха для русского театра, а для нашего поколения это - символ женственности, красоты, силы пафоса, искренней простоты и скромности".
Её именем назван один из московских театров. А знаменитый портрет актрисы, выполненный Валентином Серовым, увековечил её образ для потомков.

Элеонора Дузе (ударение по итальянски на первом слоге) (1858-1924) - итальянская актриса.
В четырехлетнем возрасте начала играть в труппе своих родителей, ездила с ними по городам Италии. Ее первым серьезным успехом было исполнение заглавной роли в драме Золя Тереза Ракен (1879).
В 1886 создала собственную театральную компанию. Успешно гастролировала в США, Южной Америке, России.
Её многолетней соперницей была Сара Бернар.
В 1905 сыграла в Париже Василису в драме Горького На дне. В 1908 Дузе оставила театр. После этого в течение двух лет она была в любовной связи с итальянской феминисткой Линой Полетти, они жили во Флоренции. Чтобы публика не судачила об их отношениях, Дузе надолго оставила сцену.
Она вернулась только в 1913 году, но новый подъем ее творчества был прерван Первой мировой войной. Зарубежные гастроли стали невозможны, да и в самой Италии театры опустели. По призыву правительства Дузе с другими актерами отправилась на фронт, чтобы скрасить солдатский отдых, но затея потерпела провал. На фоне окопной крови и грязи театр показался ей как никогда искусственным,
бумажным. Солдат, которым ежедневно грозила смерть, не увлекали выдуманные страсти. Дузе назвала случившееся «величайшей бестактностью» и осталась на фронте — не актрисой, а медсестрой в госпитале. Теперь она играла, утешая раненых, один из которых сказал: «Когда она говорит, мне кажется, что у меня снова есть руки».
С окончанием войны Дузе переехала к дочери в Англию, не собираясь вновь выходить на сцену. Но поклонники забросали ее письмами, умоляя вернуться. И не только поклонники — молодые актеры просили помочь им советом, жалуясь на равнодушие публики, на отсутствие новых пьес.
Дузе вернулась на сцену в 1921. Покинула Италию после прихода к власти фашистов. После прощального турне, где ее встречали как королеву, актриса села на пароход и отправилась в Англию.
Из Лондона она отплыла за океан. Она не была в Америке 10 лет, но за это время мир изменился, и ее воспринимали как гостью из другой эпохи. Когда она поднялась на сцену — легкая, хрупкая, в ореоле седины, — зал замер от неожиданности, а потом взорвался овацией.
Города неслись сплошной чередой — Чикаго, Сан-Франциско, Гавана, снова Сан-Франциско. В Питсбурге шофер по ошибке привез ее в театр задолго до начала представления, и она вымокла под дождем, стоя у запертой двери. Простуженная, она отыграла пьесу Марко Прага «Закрытая дверь» от первого до последнего акта. «Одна, одна!» — такими были последние слова пьесы и последние слова,
сказанные Дузе на сцене. На следующий день она слегла с пневмонией и умерла, пробормотав в бреду: «Пора ехать». По завещанию ее перевезли на родину и похоронили в Азоло между тосканских холмов, которые она так любила.
Слава Дузе была всемирной. Ее портреты, кроме Репина, оставили Сарджент и Ленбах. Ее искусство высоко ценили Чехов, Станиславский, Шоу, Чарли Чаплин. В июле 1923 Дузе стала первой женщиной, чей портрет украсил обложку журнала Тайм. Театры в нескольких городах Италии носят имя Элеоноры Дузе.

Вера Фёдоровна Комиссаржевская (1864-1910) - русская актриса, её называли «чайкой русской сцены».
Родилась в семье знаменитого оперного певца Мариинского театра.
Не получила систематического образования.
Развод родителей и собственный неудачный брак заставили пережить тяжелую жизненную драму, испытать неудовлетворенность собой.
Её мужем был художник, светский красавец Владимир Муравьёв. Страстная натура Веры с особой полнотой проявилась в любви — вся жизнь сосредоточилась на муже и доме. Но ликование продолжалось недолго. С первых же дней совместной жизни начались размолвки. Ловеласу Владимиру вскоре надоела нервная опека жены домоседки, и он стал её обманывать, что вызывало бурные
сцены, а потом сладость примирения. Виновницей полного разрыва их отношений стала её старшая сестра Надя. Разрушилась не только семья, Вера потеряла сразу двух близких людей. Вспоминая об этом непереносимом душевном горе, даже спустя многие годы актриса не могла сдержать дрожи в голосе. В первый же момент она потеряла самообладание и попала в сумасшедший дом. Когда
наступило просветление, больная впала в полную апатию и депрессию. Только любовь младшей сестры Оли, её постоянная забота, разумное спокойное внушение — не отчаиваться, спасли Веру от деградации и смерти.
Пройдёт ещё много времени, пока после пережитой травмы Комиссаржевская сможет вернуться к полнокровной жизни, но полностью это душевное потрясение никогда не забудется и во многом станет лейтмотивом её пронзительного актёрского творчества. Этот скрытый трагизм, который так притягивал зрителя, берет своё начало из неудавшейся семейной жизни Веры Федоровны.
Желая найти себе хоть какое то занятие, Комиссаржевская обращается к известному актёру Давыдову с просьбой заняться с нею актёрским мастерством. Вскоре Комиссаржевская отправляется к отцу в Москву, где 13 декабря 1890 года состоялось её первое публичное выступление в Охотничьем клубе. Она заменила заболевшую актрису в спектакле, поставленном Станиславским. Кстати, Станиславский, любимый ученик Федора Петровича Комиссаржевского, не забыл Веру и после того, как девушка выручила труппу в сложный момент, предложил ей сыграть в новой пьесе Л. Толстого «Плоды просвещения».
В 1896 Комиссаржевская была приглашена в Александрийский театр Петербурга, где приобрела известность искренностью, эмоциональностью, глубиной чувств. Славу ей принесла роль Нины Заречной в пьесе Чехова "Чайка".
С «Александринкой» у Веры Федоровны связана встреча с Чеховым. К сожалению, роман этот, как творческий, так и личный, не сложился. Чехов даже однажды пошутил, что их отношения преследуют сплошные недоразумения. Как известно, первое представление «Чайки» в Петербурге провалилось, и Антон Павлович в ужасе бежал, не дождавшись конца спектакля. И потом Чехов всю жизнь был связан обязательствами с Художественным театром, поэтому Вере Федоровне не удалось стать первой
исполнительницей ролей, которые, казалось, написаны были специально для неё. Да и личные отношения складывались сложно. Чехов не решился пойти на прямые объяснения, а Вера Федоровна не могла изжить прежнюю душевную травму и не хотела проявлять инициативу, слишком ценя своё спокойствие, нужное ей для творчества.
В 1902 году Комиссаржевская покидает «Александринку», недовольная репертуаром театра, тяжело переживая ненависть Савиной.
Комиссаржевская становится любимой актрисой демократической интеллигенции. Она организует концерты (выступала с чтением "Песни о Соколе" и "Песни о Буревестнике" Горького, и др.), сборы с которых отдаёт на нужды революционных кружков, на помощь студенческому движению. Поиски в области условного символистского театра, осуществлявшиеся Комиссаржевской вместе с
В. Э. Мейерхольдом в 1906-1907 годах, привели к острому противоречию между режиссёром и актрисой.
После разрыва с Мейерхольдом Комиссаржевская гастролировала в Северной Америке (1908), затем по городам России (1908-1910).
Несмотря на успех этих гастролей, для неё наступает период сомнений, метаний, отчаяния. Состояние современного театра её не удовлетворяет. В 1909 году Комиссаржевская принимает решение оставить сцену и отдать себя делу воспитания нового актёра, созданию нового театра через школу-студию. Не успев приступить к осуществлению своих замыслов, Вера Фёдоровна Комиссаржевская умерла во время гастрольной поездки в Ташкенте от чёрной оспы. Она умерла, умоляя своих знакомых сразу же
после кончины уничтожить письма и не открывать в гробу её лица, обезображенного оспой.

"Зато мы делаем ракеты И перекрыли Енисей, А также в области балета Мы впереди планеты всей!" Юрий Визбор.
В советском народе укоренилось мнение , что советский балет непревзойдённый и самый балетистый балет в мире. Это был сложившийся и повторяемый как аксиома штамп. Но разделяли ли это мнение специалисты и знатоки балета?
После революции балет в России был сохранён только благодаря первому народному комиссару образования Луначарскому. И то балет разрешали, если он был ярким и возвышенным.
В 1935 году балетная компания был переименована в Балет имени Кирова (сейчас Балетная труппа Мариинского театра). Большего абсурда, чем назвать балет именем политического деятеля, было трудно придумать.
После стагнации в 1920-х годах, в середине 1930-х появилось новое поколение танцоров и хореографов.
В мужском танце прославились А.Н.Ермолаев, В.М.Чабукиани, А.Ф.Мессерер. В женском танце лидировали М.Т.Семенова, О.В.Лепешинская, Т.М.Вечеслова, Н.М.Дудинская. Лиризмом, умением создать психологическую сложность характеров покоряли Г.С.Уланова,К.М.Сергеев, М.М.Габович.
Будучи художественным руководителем, Ваганова выполняла государственные правила и изменила конец Лебединого озера с трагического на возвышенный.
Балет Пламя Парижа, хотя и имеет все характерные черты искусства социалистического реализма, был первым где было активное использование кордебалета в спектакле.
В области хореодрамы работали композиторы-симфонисты: Б.Асафьев, Р.Глиэр,А.Крейн,А.Хачатурян.
В 40-е и 50-е появилась новая плеяда танцовщиц В.Т.Бовт, М.М.Плисецкая, Р.С.Стручкова, Н.Б.Фадеечев, А.Я.Шелест.
Лидером новой волны стал Григорович, мастер танцевальной метафоры в сюжетном балете. С его приходом в ГАБТ в 1964 театр пережил взлет, вершиной которого стали его постановки: Щелкунчик, 1966 и Спартак Хачатуряна, 1968. Для ГАБТ он сочинил оригинальную версию Лебединого озера (1968), несколько редакций Спящей красавицы, (1963, 1973), в 1975 поставил балет Иван Грозный, в 1979 – Ромео и Джульетту, оба на музыку Прокофьева, Ангару А.Эшпая, в 1982 – Золотой век Шостаковича. В балетах Григоровича прославились дуэты Н.И.Бессмертнова –Л.М.Лавровский, Е.С.Максимова –В.В.Васильев, раскрылся талант М.Э.Лиепы, Н.И.Сорокиной, Н.В.Тимофеевой. Продолжала работать М.Плисецкая.
Факт клинической смерти "драмбалета" был зарегистрирован ещё в 1957 году, когда Юрий Григорович поставил в Кировском театре Каменный цветок. Идеологи модного направления назвали это "танцевальным симфонизмом" и громко прочили светлое будущее советскому балету. Но уже через год он испытал жестокий удар. В 1958 году в СССР состоялись первые гастроли парижской Гранд
Опера и впервые был показан "Хрустальный дворец" Джорджа Баланчина. В балете не рассказывалось ровным счетом ничего -- там всего лишь танцевали. Но это оказалось громом среди ясного неба. Художественный эффект был абсолютным. Советский балет пережил унижение, комплекс провинциальной ущербности. Шок, испытанный советским балетом в 1958 году, оказался роковым. За
Хрустальным дворцом (как и вообще за всем "другим" искусством, просочившимся тогда под приподнятый противопожарный занавес) устойчиво закрепилась репутация недоступного Эдема, куда мог бы и должен был бы попасть русский балет. Тогда в ход, как обычно, пустили идеологию: "Хрустальный дворец" был обвинен в "формализме" (то есть хореографию обвинили в наличии ее самой), абстракционизме, холодном рационализме, отсутствии "души". Но убитым наповал профессионалам было уже все равно: французы (а затем и американцы) "танцевали" и танцевали так, что великая Семенова впоследствии призналась в частной беседе: "Мы так не умели..." Оценить эту фразу может только тот, кто знает характер Марины Тимофеевны.
Затем оцепенение поздней брежневской эпохи. Затем посткоммунистические скандалы, плавно переходящие в сферы не совсем художественные.

Константин Сергеевич Станиславский (настоящая фамилия Алексеев) (1863-1938) - русский театральный режиссёр, актёр и преподаватель. Первый народный артист СССР (1936). Основатель знаменитой актёрской системы, которая на протяжении 100 лет имеет огромную популярность в России и в мире.
Родился в семье богатого промышленника. С детских лет выступал в домашнем театре. Учился в Лазаревском институте восточных языков; был блестяще образованным человеком, в совершенстве владел европейскими языками.
В 1888 году был одним из основателей Московского общества Искусства и Литературы.
В 1898 году, совместно с Немировичем-Данченко основал Московский Художественный театр. Первой постановкой новой труппы стала трагедия «Царь Фёдор Иоаннович» А. К. Толстого.
Деятельность Станиславского в 1920-1930-е годы определялась, прежде всего, его желанием отстоять традиционные художественные ценности русского искусства сцены. В прессе тех лет все настойчивее звучат обвинения в «отсталости», в «нежелании» принять революционную действительность, в саботаже. Деятельность МХАТ протекала в атмосфере неприятия «академического и буржуазного
театра» влиятельными пролеткультовцами и лефовцами, адресовавшими Художественному театру социально-политические обвинения. Постановка «Горячего сердца» (1926) стала ответом тем критикам, которые уверяли, что «Художественный театр - мёртв». Стремительная легкость темпа, живописная праздничность отличала «Безумный день, или Женитьба Фигаро» Бомарше (1927) (декорации А. Я. Головина).
В начале 1930-х годов Станиславский, используя свой авторитет и поддержку вернувшегося в СССР Горького, обратился в правительство, чтобы добиться особого положения для Художественного театра. Ему пошли навстречу. В январе 1932 театр получил название МХАТ СССР, в сентябре 1932 театру присвоено имя Горького, в 1937 он был награжден орденом Ленина, в 1938 — орденом Трудового Красного Знамени. В 1933 МХАТ было передано здание бывшего Театра Корша, где образован филиал МХАТ. При театре организованы музей (в 1923) и экспериментальная сценическая лаборатория (в 1942). Художественный театр был объявлен главными подмостками страны. Опасность превращения МХАТа в рядовой театр, как и опасность его захвата РАППом, была предотвращена, но театр рисковал остаться беззащитным перед другой угрозой быть задушенным в объятиях власти.
Станиславский вел себя по отношению к властям крайне осторожно, за что его сегодня порою упрекают. Но без такой осторожности театр нельзя было сохранить. Она вытекала из трезвой оценки властной силы Сталина и общественно-политической ситуации в стране. К тому же коллектив театра находился под бдительным контролем НКВД. У Станиславского имелись и сугубо личные причины не
слишком полагаться на благорасположенность кремлевского мецената — он происходил из богатой купеческой семьи Алексеевых (об этом ему никогда не давали забыть). А многие из его родственников были репрессированы и погибли.
В 1935 открылась последняя - Оперно-драматическая - студия Станиславского. Практически не покидая своей квартиры в Леонтьевском переулке, Станиславский встречался с актерами у себя дома, превратив репетиции в актерскую школу по разрабатываемому им методу психофизических действий.
«Не верю!»- фраза Станиславского стала афоризмом в мире кино, театра и в бытовой сфере, после того, как он стал употреблять её в качестве режиссёрского приёма.
Итог своей жизни Станиславский подвел сам: "Долго жил. Много видел. Имел хорошую семью, детей. Жизнь раскидала всех по миру. Искал славы. Нашел. Видел почести, был молод. Состарился. Скоро надо умирать. Теперь спросите меня: в чем счастье на земле? В познавании. В искусстве и в работе, в постигновении его. Познавая искусство в себе, познаешь природу, жизнь мира, смысл жизни, познаешь душу - талант! Выше этого счастья нет".

Михаил Семёнович Щепкин (1788–1863) - русский актёр, один из основоположников русской актёрской школы.
Родился в Курской губернии в семье крепостных графа Г. С. Волькенштейна.
С 1799 по 1801 год обучался в Судженском народном училище. В 1801—1802 годах играл в домашнем театре графа Волькенштейна.
В 1805 году впервые выходит на профессиональную сцену и с разрешения графа Волькенштейна играет в театре братьев Барсовых.
В 1812 году Михаил Щепкин женился. Это была любовь с первого взгляда и на всю жизнь. Избранница Щепкина «вольная» Елена Дмитриевна вышла за него замуж, не убоявшись не только реальной нищеты, но и той кабалы, в которую попадала сразу же из-под венца с мужем-крепостным. Она была турчанка, в двухлетнем возрасте подобранная русским солдатом при осаде Анапы.
В 1818 году становится актёром Полтавского театра, руководителем которого был писатель И. П. Котляревский, и занимает в труппе ведущее положение: специально для него Котляревский пишет роли в своих пьесах «Наталка-Полтавка» и «Москаль-Чаровник». Кроме того, Котляревский вместе с С. Г. Волконским организует сбор денег по подписке, чтобы выкупить Щепкина у барина — и в 1822 году
актёр получает вольную.
В провинциальных театрах Щепкину приходилось исполнять самые разные роли, в том числе и женские (Еремеевна в «Недоросле» Д. И. Фонвизина), в постановках разных жанров. Именно в это время начинает формироваться актёрский метод Щепкина: «искусство настолько высоко, насколько близко к природе».
В 1822 году Щепкина пригласили в труппу московского театра (с 1824 года — Малый театр), в котором он остался до конца своей жизни.
За актёром быстро закрепляется слава первого комического актёра. Освободиться от чисто комического репертуара Щепкину удаётся в 1830-е годы, когда на сцене Малого театра ставятся «Горе от ума» А. С. Грибоедова и «Ревизор» Н. В. Гоголя. В них актёр создает многогранные, выпуклые образы Фамусова и Городничего.
Щепкин был дружен с А. Н. Островским, А. С. Пушкиным, Н. В. Гоголем, А. И. Герценом, Н. А. Некрасовым, Т. Н. Грановским, В. Г. Белинским, И. С. Тургеневым.
Став знаменитым, Щепкин позволил себе бестактность по отношению к драматургу А.Н. Островскому. Он покинул генеральную репетицию пьесы «Гроза», будучи очень недоволен автором пьесы.
В 1853 году во время единственной своей поездки за границу М. С. Щепкин встречался с А. И. Герценом; затем писал ему:
Рабы ещё не хотят быть свободными. С чего напала на тебя человеческая гордость делать их свободными против их воли, быть так сказать, творцом их счастия… Оставьте мир расти по своим естественным законам и помогайте его росту развитием в человеке нравственного чувства, сейте мысль, но не поливайте кровью…
Но после его смерти А.И. Герцен написал: ."...он был великий артист, артист по призванию и по труду. Он создал правду на русской сцене, он первый стал нетеатрален на театре".

Нина Ивановна Сорокина (1942-2011) - советская балерина, балетный педагог. Народная артистка СССР.
Окончила Московское академическое хореографическое училище в 1961 году по классу Софьи Николаевны Головкиной. Её одноклассницей была Наталья Бессмертнова. Обеих девочек приняли в балетную труппу Большого театра, где Нина Сорокина совершенствовала своё мастерство под руководством Марины Тимофеевны Семёновой. Постоянным сценическим партнером Сорокиной стал её супруг Юрий Владимиров. Нина Сорокина никогда не танцевала плохо, не щадила себя и всегда, даже в самой экспериментальной хореографии, сохраняла точность классики («Весна священная»), Девушка («Икар»), Кити («Анна Каренина»), Любимая («Озарённость»), Редисочка («Чиполлино»). Дыханием современности неуловимо отмечены и классические партии Сорокиной: Сильфида («Шопениана»), Жанна («Пламя Парижа»), Весна («Золушка»), Лауренсия; принцессы Аврора и Флорина («Спящая красавица»), Маша («Щелкунчик»), Китри («Дон Кихот») и многие другие.

Юрий Кузьмич Владимиров (1942) - советский артист балета, педагог. Народный артист СССР.
В 1962 году окончил Московское хореографическое училище по классу Алексея Ермолаева. В 1962 — 1988 году — солист Большого театра. Один из представителей "золотого века" Большого театра — сильный, мощный, темпераментный танцовщик, обладавший выдающимся прыжком, спортивным, трюковым стилем танца и ярким драматическим талантом. Постоянным сценическим партнером Владимирова стала его супруга Нина Сорокина. Сыграл главные роли в спектаклях "Спартак", "Иван Грозный" и др.

Михаил Николаевич Барышников (1948) - советский и американский артист балета, балетмейстер.
Родился в семье офицера Советской армии в Риге. Заниматься балетом начал в Рижском хореографическом училище. В 1967—1974 годах танцевал в Ленинградском театре оперы и балета им. Кирова. В 1974 году во время гастролей в составе труппы Большого театра в Канаде становится «невозвращенцем». Что ждало Барышникова в России, если бы он не уехал на Запад? Позднее его ближайший друг Иосиф Бродский так ответил на этот вопрос, заданный ему в интервью: «Он бы спился». Вероятно, Бродский был прав. Даже готовя свой вечер, Михаил был вынужден бороться не только с препятствиями, чинимыми дирекцией, но и с непониманием в среде артистов. Вряд ли он выдержал бы борьбу. По словам его ближайшего друга Александра Минца, бывшего танцовщика Театра имени Кирова, который к этому времени уже был на Западе, работал в Американском балетном театре и помогал организовать Мишин побег, «решение остаться на Западе далось Барышникову нелегко». В те времена это было и довольно опасно, и означало полный разрыв с прежней жизнью. У Миши было много друзей не только в театральной, но и в научной среде. Его гражданская жена Татьяна Кольцова была танцовщицей Театра имени Кирова. Первые годы на Западе Миша тяжело переживал потерю близких людей, послужившую высокой платой за творческую свободу. О нем говорили тогда словами Булата Окуджавы: «Моцарт отечества не выбирает, просто играет всю жизнь напролет». Полностью влияние Барышникова на развитие мирового танцевального искусства сейчас трудно оценить. Когда в начале XX века С.П. Дягилев устраивал в Париже свои «Русские сезоны», вряд ли кто-нибудь понимал, как это повлияет на развитие мирового балета. Возможно, выступление труппы Барышникова WODP назовут в будущем «Американскими сезонами», а Барышников останется в истории мирового балета не только легендарным танцовщиком, но и феноменальным явлением, подобным Дягилеву.

Евгений Багратионович Вахтангов (1883-1922) - советский актёр, театральный режиссёр, основатель и руководитель (с 1913 года) Студенческой драматической (в дальнейшем «Мансуровской») студии, которая в 1921 году стала 3-й Студией МХТ, а с 1926 года — Театром им. Евгения Вахтангова.
Родился во Владикавказе, в зажиточной патриархальной семье табачного фабриканта армянина. В 1903 году поступил в Московский университет на естественный факультет (затем перешёл на юридический). С 1901 года участвовал в любительских драматических кружках в качестве актёра и постановщика. В 1909 году поступил в Москве в театральную школу, по окончании которой в 1911 году был принят в число сотрудников МХТ. Стал активным проводником идей и системы Станиславского. После революции развернулась его режиссёрская деятельность. Стремление Вахтангова к поискам «современных способов разрешить спектакль в форме, которая звучала бы театрально», нашло блестящее воплощение в его последней постановке — пронизанный духом светлого жизнеутверждения спектакль «Принцесса Турандот» Гоцци. Умер от рака желудка. Его гроб ученики и друзья несли на руках от Студии до Новодевичьего кладбища.
13 ноября 1921 года зрители, пришедшие в старинный арбатский особняк на спектакль «Чудо Святого Антония» Мориса Метерлинка в постановке Е. Б. Вахтангова, стали свидетелями рождения нового театра — Третьей Студии Московского Художественного театра, переименованной впоследствии, в 1926 году, в театр имени своего основателя и руководителя — Евгения Вахтангова. В театре сменялись режиссеры, удачные и не очень спектакли, наметились два основных направления развития театра — легкая праздничность, завещанная Вахтанговым, и серьёзный психологизм. В двадцатые и тридцатые годы завсегдатаями театра были члены правительства, руководящие работники ОГПУ, а потом НКВД. В их числе — Авель Енукидзе, Климент Ворошилов и сам Сталин. Государственная структура требовала постановок, прославляющих советскую власть, на сценах всех театров шла Лениниана — спектакли про вождя революции. В Вахтанговской студии «главным Лениным» стал актёр Борис Щукин. Рассказывали такую байку: Актёры-вахтанговцы были приглашены принять участие в Кремлевском праздничном концерте для Сталина и его свиты. За актёрами прислали машину. В неё и сели уже загримированные Рубен Симонов в образе Сталина и Борис Щукин в образе Ленина. На подступах к Кремлю превысившую скорость машину остановил милиционер. Каков же был его ужас, когда возле водителя он увидел Сталина (Р.Симонов)! Но за ним в автомобиле находился… Ленин (Б.Щукин)!
В 1939 году художественным руководителем театра был назначен Рубен Николаевич Симонов. В хрущевские годы «оттепели» театр возвращается к своему празднично-комедийному стилю. В 1963 году, к 100-летию со дня рождения К. С. Станиславского и 80-летию Е. Б. Вахтангова, Р. Н. Симонов возобновил «Принцессу Турандот» — в той же постановке, но с новыми актёрами. И соответственно, новыми современными шутками. После смерти Рубена Николаевича Симонова в 1968 году театр возгласил его сын Евгений Рубенович Симонов. Он пытался как мог хранить традиции театра и в то же время соответствовать государственному и партийному руководству, но в годы начала "перестройки" ему пришлось покинуть свой любимый театр, где он, по сути, вырос. В 1987 году театр возглавил один из ведущих актёров театра Михаил Ульянов и возглавлял до самой смерти в 2007 году.

Леонид Витальевич Собинов (1872-1934) - русский оперный певец (лирический тенор).
Родился в семье торгового служащего ярославского мещанина. В 1890 году, после окончания гимназии с серебряной медалью, Собинов поступил на юридический факультет Московского университета, который окончил в 1894 году. После окончания обучения в университете стал работать помощником присяжного поверенного у известного адвоката Фёдора Никифоровича Плевако. С осени 1892 года начал занятия вокалом в Музыкально-драматическом училище, в котором учился до 1897 года. В 1897 году стал солистом Большого театра. Дважды был директором Большого театра — в 1917—1918 гг. и в 1921 г. Выступал в миланском театре «Ла Скала» (1904—1906), в Монте-Карло, Мадриде, в Лондоне, Берлине, Париже (1909). Много занимался благотворительностью. Покинул сцену в возрасте 60 лет в 1933 году. Возвращаясь из Италии, умер от сердечного приступа ночью во сне в гостинице в Риге.

Московский академический театр им. Вл. Маяковского — драматический театр в Москве, основанный в 1922 году как Театр Революции; с 1943 года назывался Московским театром драмы, современное название появилось в 1954 году. В 1964 года театру было присвоено звание академического.
Здание театра, в то время известное как «театр Парадиз», было построено в 1886 году. Поначалу в помещении выступали европейские звезды, приезжавшие на гастроли; на этой сцене играли такие всемирно известные артисты, как Сара Бернар, Элеонора Дузе и другие знаменитости. На рубеже XIX—XX вв. театр даже назывался «Интернациональным». После революции выступления западных звёзд в стране прекратились. В 1920—1922 годах в здании размещался Театр революционной сатиры, но в 1922 году он был расформирован и часть его труппы, пополненная актёрами других московских театров, образовала Театр Революции под руководством Всеволода Мейерхольда. Это название закрепилось до 1943 года.
В 1941 году театр был эвакуирован в Ташкент; в его здании работали объединённые труппы Московского театра Ленсовета и Московского драматического театра. После возвращения Театра Революции в Москву в 1943 году эти труппы были объединены с ним под названием «Московский театр драмы». Тогда же художественным руководителем был назначен Николай Охлопков, возглавлявший театр по 1967 год. С 1967 по 2001 год, до самой смерти руководил театром Андрей Александрович Гончаров. Гончаров вдохнул в него новую жизнь. Событиями театральной жизни стали поставленные им в первые годы спектакли «Дети Ванюшина» по пьесе А. Найдёнова и «Трамвай „Желание“» Теннесси Уильямса (спектакль шёл на сцене театра 24 года и выдержал более 700 представлений. Одним из самых популярных московских спектаклей стал и «Разгром» приглашённого Гончаровым Марка Захарова. В те годы на сцене Театра им. Маяковского выступали Евгений Леонов, Армен Джигарханян, Владимир Самойлов, Татьяна Доронина, Наталья Гундарева. С января 2002 по март 2011 художественным руководителем театра был Сергей Николаевич Арцибашев.
Сегодняшние популярные артисты "Маяковки": Светлана Немоляева, Евгения Симонова, Игорь Костолевский, Михаил Филиппов, Даниил Спиваковский.

Театр имени Моссовета был создан в 1923 году литератором и режиссёром С. И. Прокофьевым как Театр Московского городского совета профессиональных союзов. С 1925 по 1940 годы театром руководил известный актёр и режиссёр Е. О. Любимов-Ланской. В 1940 году театр возглавил Юрий Завадский. Он руководил театром в течение 37 лет. Именно в эти годы сформировался блистательный творческий коллектив театра им. Моссовета. На его сцене играли такие замечательные артисты как Фаина Раневская, Вера Марецкая, Любовь Орлова, Николай Мордвинов, Ростислав Плятт, Леонид Марков, Людмила Шапошникова, Борис Иванов, Георгий Жжёнов, Геннадий Бортников, Александр Костомолоцкий. В 1985 году главным режиссёром, а затем и художественным руководителем театра становится Павел Осипович Хомский, до этого возглавлявший театры в Риге, Ленинграде и Москве. Сохраняя традиции, театр ищет новые способы общения со зрителями. В середине 60-х гг. был создан «Театр в фойе» для показа экспериментальных постановок и спектаклей, в 1978 году появилась и «Малая сцена», а в 1990 году спектаклем Петра Фоменко «Калигула» открылась сцена «Под крышей».
Сегодня на сцене театра им.Моссовета играют известные актёры: Сергей Юрский, Анатолий Адоскин, Георгий Тараторкин, Ольга Остроумова, Ирина Карташева, Валентина Талызина, Александр Леньков, Нина Дробышева, Александр Пашутин, Татьяна Бестаева, Нелли Пшенная, Евгений Стеблов, Александр Домогаров, Ольга Кабо, Евгения Крюкова, Екатерина Гусева и другие.

Фёдор Иванович Шаляпин (1873-1938) - русский оперный и камерный певец (высокий бас), в разное время солист Большого и Мариинского театров, а также театра Метрополитен Опера, первый народный артист Республики.
Крестьянский сын. В детстве был певчим. Получил начальное образование.
Известный меценат С. И. Мамонтов, державший оперный театр в Москве, первый заметив в Шаляпине дарование из ряда вон выходящее, уговорил его перейти в свою частную труппу. Здесь в 1896—1899 годах Шаляпин развился в художественном смысле и развернул свой сценический талант, выступив в целом ряде ролей.
С 1899 года он на службе в Императорской русской опере в Москве (Большой театр), где пользовался громадным успехом. Он был высоко оценён в Милане, где выступил в театре «La Scala» в заглавной роли Мефистофеля А. Бойто (1901, 10 представлений). Гастроли Шаляпина в Петербурге на Мариинской сцене составляли своего рода события в петербургском музыкальном мире. Голос певца отличался неповторимой красотой тембра.
В революцию 1905 года жертвовал сборы от своих выступлений революционерам. Его выступления с народными песнями («Дубинушка» и др.) порой превращались в политические демонстрации.
С 1918 года — художественный руководитель Мариинского театра.
С 1921 года — на гастролях за границей, в частности в США. Долгое отсутствие Шаляпина вызывало подозрения и отрицательное отношение в Советской России; так, в 1926 году В. В. Маяковский писал в «Письме к Горькому»:
Или жить вам, как живёт Шаляпин, раздушёнными аплодисментами оляпан? Вернись теперь такой артист назад на русские рублики — я первый крикну: — Обратно катись, народный артист Республики!
В 1927 году сборы от одного из концертов Шаляпин пожертвовал детям эмигрантов, что было представлено как поддержка белогвардейцев, за что он был лишён звания Народного артиста и права возвращаться в СССР.
До конца своей жизни Шаляпин оставался русским гражданином, он не принял иностранного подданства. Весной 1937 года у него обнаружили лейкоз, а 12 апреля 1938 он скончался в Париже на руках жены. Был похоронен на парижском кладбище Батиньоль. В 1984 году его сын Фёдор Шаляпин-младший добился перезахоронения его праха в Москве на Новодевичьем кладбище.

Международный институт театра (МИТ), крупнейшая в мире организация, занимающаяся исполнительским искусством, выступает за защиту и свободу культурного самовыражения, независимо от возраста, пола, вероисповедания и расовой принадлежности.
Международный институт театра был официально открыт на первом Международном Конгрессе в Праге в 1948 году, организованном по инициативе ЮНЕСКО группой театральных экспертов из разных стран. СССР являлся членом МИТ начиная с 1959 года.
Президентами Российского центра МИТ в разное время были народные артисты СССР Михаил Царев и Михаил Ульянов. С 2007 года президентом МИТ в России является народный артист СССР, художественный руководитель Малого театра Юрий Соломин.
«Всемирный день театра» установлен в 1961 году по инициативе делегатов IX конгресса МИТ. Отмечается ежегодно 27 марта. «День театра» — профессиональный праздник работников театра: актёров, театральных режиссёров-постановщиков, продюсеров, светотехников, звукоинженеров, монтировщиков декораций и даже билетёров и гардеробщиков. Ибо, как еще в 1933 году, в своём письме к цеху гардеробщиков МХАТ, писал великий русский театральный режиссёр и преподаватель актёрского мастерства Константин Сергеевич Станиславский: «…спектакль начинается с момента входа в здание театра. Вы первые встречаете приходящих зрителей…». Эта цитата, со временем трансформировалась в крылатую фразу: «Театр начинается с вешалки», которая подразумевает следующее: в театральном цехе нет второстепенных ролей и профессий.

Александринский театр (он же Российский государственный академический театр драмы им. А. С. Пушкина) — Санкт-Петербургский театр, один из старейших драматических театров России.
Первый постоянный публичный театр в России был основан по указу императрицы Елизаветы Петровны в 1756 году. Труппу возглавил «отец русского театра» Фёдор Волков, директором театра стал драматург А. П. Сумароков. С 1759 года театр получил статус придворного.
В 1832 году театр получил здание, созданное зодчим Карлом Ивановичем Росси, обращенное главным фасадом к Невскому проспекту. Здание является одним из выдающихся архитектурных памятников Петербурга, выполнено в стиле ампир. Театр стал называться Александринским. Название было дано в честь супруги императора Николая Первого Александры Фёдоровны. На протяжении всего XIX века театр был флагманом театральной жизни столицы, в стенах этого театра рождалась история русской театральной культуры. В театре были впервые поставлены «Недоросль» Д. И. Фонвизина (1782), «Моцарт и Сальери» А. С. Пушкина (1831), «Горе от ума» Грибоедова (1831), «Ревизор» Гоголя (1836), «Маскарад» М. Ю. Лермонтова (1852), «Гроза» Островского (1859). На его сцене выступала великая трагическая актриса Е. С. Семенова, которой восхищался Пушкин.
C 1920 года стал именоваться «Государственный театр драмы», затем ему было присвоено имя А. С. Пушкина.

Мариинский театр (с 1935 по 1992 год — Ленинградский государственный академический театр оперы и балета имени С. М. Кирова) — один из известнейших и крупнейших в России и мире театров оперы и балета.
Театр ведёт свою историю от основанного в 1783 году по приказу императрицы Екатерины Великой Большого театра. В 1859 году сгорел расположенный напротив Большого театра Театр-цирк. На его месте архитектор Альберто Кавос построил новый театр, который был назван Мариинским в честь супруги Александра II императрицы Марии Александровны. Театру принадлежит выдающаяся роль в развитии русского оперного и балетного искусства. В 1836 театр впервые поставил оперу М. И. Глинки "Иван Сусанин", ознаменовавшую собой рождение русского классического оперного искусства. В 1842 была поставлена его вторая опера — "Руслан и Людмила". Были впервые поставлены оперы — "Псковитянка" Римского-Корсакова (1873), "Борис Годунов" Мусоргского (1874), "Пиковая дама" Чайковского (1890), "Князь Игорь" Бородина (1890) и др. Выдающимся достижением в балетном искусстве стали балеты П. И. Чайковского ("Спящая красавица", 1890; "Щелкунчик", 1892; "Лебединое озеро", 1895) и А. К. Глазунова ("Раймонда", 1898) в постановке М. Петипа и Л. И. Иванова.
В советское время на сцене театра появились советские оперы "Броненосец ''Потемкин''" Чишко (1937), "В бурю" Хренникова (1939) и балеты — "Красный мак" Глиэра (1929), "Бахчисарайский фонтан" Асафьева (1934), "Лауренсия" Крейна (1939), "Ромео и Джульетта" Прокофьева (1940) и др. В 40—50-е гг. театр широко ставил произведения советских композиторов, в том числе оперы — "Емельян Пугачев" Коваля (1942, Пермь), "Дуэнья" ("Обручение в монастыре") Прокофьева (1946), "Семья Тараса" Кабалевского (1950), "Декабристы" Шапорина (1953), "Мать" Хренникова (1957) и др. и балеты — "Гаянэ" (1942, Пермь) и "Спартак" (1956) Хачатуряна, "Медный всадник" Глиэра (1949), "Тропою грома" Караева (1958), "Берег надежды" Петрова (1959) и др. Среди лучших постановок 60 - 70-х гг. оперы — "Семен Котко" Прокофьева (1960), "Судьба человека" Дзержинского (1961), "Октябрь" Мурадели (1964), "Оптимистическая трагедия" (1966) и "Анна Снегина" (1967) Холминова, "Волшебная флейта" Моцарта (1966), "Тихий Дон" Дзержинского (1967), "Лючия ди Ламмермур" Доницетти (1969), "Абесалом и Этери" Палиашвили (1971), "Интервенция" Успенского (1972) и балеты "Легенда о любви" Меликова (1961), "Ленинградская симфония" на музыку 7-й симфонии Д. Д. Шостаковича (1961), "Золушка" Прокофьева (1964), "Горянка" Кажлаева (1968), "Гамлет" Червинского (1970), "Сотворение мира" Петрова (1971), "Зачарованный принц" Бриттена (1972) и др.