ПАБЛО ПИКАССО: Мадонна с ребенком (1901)

Зимний пейзаж Клода Моне

Моне назвал эту картину "Одинокая нота", и посадил ворону на линеечку фа.

Клод Моне. Вид на Аржантей в снегу, 1875

Вернисаж одной картины:

PAUL SPANGENBERG (1843-1918)

Пол Спангенберг (1843-1918), немецкий художник.

"Что рассказывают карты?" (1911)

Вернисаж одной картины: ПАБЛО ПИКАССО. Мать и сын (1905)

Вернисаж одной картины:

Павел Николаевич Филонов (1883-1941)

Крестьянская семья (Святое семейство), 1914

Вернисаж одной картины:

Джордж Спенсер Ватсон (George Spencer Watson), 1869-1934

Джордж Спенсер Ватсон (George Spencer Watson)– английский художник-портретист (8 марта 1869 г.– 11 апреля 1934,  Лондон). Принадлежал к поздней романтической школе живописи, иногда работал в стиле итальянского Ренессанса.  Его работы хранятся в разных музеях и галереях мира.

Портрет девушки с зонтиком

Вернисаж одной картины:

Джон Уильям Годвард (1861-1922), Англия

Джон Уильям Годвард (John William Godward) (9 августа 1861 — 13 декабря 1922) — английский художник-неоклассицист. Подобно сэру Лоуренсу Альма-Тадеме, причисляется к «Мраморной школе», однако стиль его живописи не вполне соответствует канонам викторианского академизма. Хотя в период 1887—1905 годов он выставлялся в Королевской Академии художеств, Годвард не получил признания своего творчества и не вписывался в художественную среду Англии. В 1911—1921 годах жил в Риме, который на фоне распространения авангардизма оставался оплотом неоклассического искусства. Из-за невостребованности покончил с собой в 1922 году. Говорят,что в своей предсмертной записке он написал: "В этом мире недостаточно места для меня и для Пикассо". Его родственники, занятые в страховом бизнесе, уничтожили почти все следы деятельности художника, не сохранилось ни одной его фотографии. Только с 1970-х годов, на волне интереса к декоративному и салонному искусству, живопись Годварда стала привлекать внимание искусствоведов и коллекционеров, а его работы стали цениться на антикварном рынке.

John William Godward. Sabinella

 Вернисаж одной картины: 

Феличе Касорати (Felice Casorati), Италия

Felice Casorati. 1912. "Girl on Red Carpet"
 

Отец Феличе был кадровым офицером и художником-любителем, он был выходцем из семьи, которая дала Италии известных ученых и математиков. Касорати родился в Новаре. Детство Феличе провел в Милане, Сассари и Падуе. С раннего возраста мальчик проявил интерес к музыке. В Падуе мальчик даже учился в музыкальной школе по классу фортепиано.

В 18 лет у Касорати случился нервный срыв, в период восстановления здоровья врачи посоветовали родителям вывести юношу на природу. Феличе несколько месяцев провел в маленьком городке Пралья без любимого фортепиано. Его отец, сам художник-любитель, чтобы успокоить нервы сына, «подсунул» ему свой большой ящик с красками. В 1902 году Феличе написал свою первую картину - пейзаж с видом Падуи. В конце концов, юноша увлекся и живописью.

Ранние работы художник выполнял в реалистически-классическом стиле, но после 1910 года работы Касорати отмечены влиянием венского Сецессиона, модерна и символизма, большинство из них были портретами матери и сестры, выполненные карандашом. Символический и декоративный стиль венского Сецессиона нашли свое отражение во многих последующих работах Касорати. Уже к 1912 году художник начал писать картины, в которых видны результаты его поисков – синтез между символизмом и реализмом. Хотя многие критики считали его работы холодными, идущими от мозга, а не от чувств, Касорати получил международное признание и стал одной из ведущих фигур итальянского авангарда.

В 1918 году Феличе со своей матерью и двумя сестрами переехал в Турин, где, по словам биографов, "заинтересовался декадентской атмосферой города с его зловещими взглядами".

Вскоре он стал центральной фигурой в кругах интеллигенции города.
Дружба с композитором Альфредо Каселла и с антифашистом Пьеро Гобетти привела Касорати в 1922 году в ряды группы "Либеральная революция" (Rivoluzione Liberale).

В 1923 году, Касорати открыл художественную студию для студентов в Турине на Виа Мадзини. Среди его учеников были итальянские художники Энрико Аккатино, Франческо Менцио, Карло Леви, Гиги Чесса и Джесси Босуэлл, которые позже объединились в группу "Шесть художников из Турина" (Seipittoridi Torino).

В 1925 году искусствовед Рафаэлло Джиолли подытожил аспекты поисков Касорати в искусстве: «Его объемы не имеют ни веса, ни цвета, ни физической телесности. Все, что художник изображает - фиктивно: в картинах не хватает живой нервной жизнеспособности».  Но при этом, критик утверждал, что именно эти качества придают его работам оригинальность, и возможность отнести их к «компании» метафизических художников.

Как писали другие критики, «кристально-чистые тона и загадочные композиции картин Касорати способствовали формированию в его творчестве "магического реализма".

Ганс Андерсен Брендекилд (1857 - 1942), Дания

Ганс Андерсон Брендекилд. Весна, первые анемоны (ветряницы), 1889

Ганс Андерсен Брендекилд (Hans Andersen Brendekilde) обучался ремеслу каменщика,а затем изучал скульптуру в Копенгагене в Kongelige Danske Kunstakademi (1877-1881 гг.), где впоследствии и решил стать художником. Замечательные картины художника отображают жизнь скромных людей, живущих по средствам, а иногда и без оных, в атмосфере и местности среды прошлых веков. Он писал пейзажи и жанровые картины со всей, присущей ему, мастерской техникой и великолепным знанием методов передачи реализма изображения.

На становление творчества художника сильное влияние оказал Жан-Франсуа Милле. Художник мягко и душевно изображает на картинах идиллию жизни людей на фермах, среди чудесных мальв и деревьев. Добрые и спокойные лица старушек и детей наполнены любовью, теплом и заботой о ближнем. Свои немногочисленные картины Ганс Андерсен одевал в шикарные резные рамы, которые придавали картинам торжественный законченный вид и очень украшали. Рамы были подобраны с большим усердием и добротным авторским вкусом.

Умер художник 30 марта 1942, в г. Юллинг, Дания

Вернисаж одной картины:

Альфред Эмиль-Леопольд Стевенс (фр. Alfred Emile-Léopold Stevens) (1823 - 1906), Бельгия

Альфред Эмиль-Леопольд Стевенс. Письмо

Альфред Эмиль-Леопольд Стевенс (фр. Alfred Emile-Léopold Stevens; 11 марта 1823, Брюссель — 29 августа 1906, Брюссель) — бельгийский художник академического направления.

Хотя он родился в Бельгии, Стевенса считают французским художником. Он родился в семье французского офицера, служившего в штабе герцога Оранского в битве при Ватерлоо. Вероятно, от него, страстного коллекционера картин, и унаследовал Альфред увлечение живописью. Именно отец определил Альфреда в брюссельскую мастерскую Франсуа-Жозефа Навеза, который считался неплохим художником.Основная заслуга Навеза состояла в стремлении привить ученикам чувство единения с природой. Он постоянно повторял им: «Взгляните на природу. Она научит вас всему, что вам нужно знать в самом начале».

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. Портрет Маргарет Стонборо-Витгенштейн

Тонкий знаток женской психологии Климт, легко предугадывал, в каком ракурсе желает себя видеть очередная представительница венского высшего общества, заказывающая у художника портрет. В реальной жизни дамы не всегда блистали совершенством, но кисть живописца творила чудеса, и женщины на полотнах хоть и имели слегка надменный вид, зато не были лишены очарования.

Бывали случаи, когда Климт «не справлялся» с заданием, и модель не получала желаемого, что и произошло в случае с картиной «Портрет Маргарет Стонборо-Витгенштейн». Отец девушки заказал портрет дочери в качестве свадебного подарка. По слухам, Маргарет, отличавшейся современными взглядами на жизнь, не понравилось то, что ее портретный двойник кажется робким, а от облика веет девической невинностью.

Возможно, недовольство Маргарет своим портретом, могло быть вызвано завышенным уровнем ее требований, ведь девушка отличалась образованностью и недюжинным природным умом. Кроме этого, среди увлечений Маргарет значилась и психология, и она была дружна с Зигмундом Фрейдом, а известный философ Витгенштейн приходился ей родным братом.

Допускают, что позировать Климту, Маргарет могла и без одежды, накинув лишь палантин, такой же по оттенку, как и свадебное платье; по свидетельству современников художника, он часто рисовал моделей обнаженными.

Совершенство композиции достигнуто «скромным» подходом автора, отказавшегося от традиционного использования золота, что переместило внимание зрителя на лицо героини, и ее платье.

Вернисаж одной картины:

Древо жизни — Свершение»

Густав Климт. Триптих «Ожидание — Древо жизни — Свершение»

Работа над фризом, заказанным Климту для обеденного зала дворца Стокле в Брюсселе, потребовала от художника применения всех своих творческих возможностей, предоставив шанс на практике защитить идеи Сецессиона, для которого разделение искусства на «чистое» и «функциональное», считалось неприемлемым.

Мозаика для обеденного зала в стиле модерн, была бы отличным дополнением к архитектуре дворца, задуманной в соответствии с этим направлением, поэтому заказчики – промышленник Стокле и его супруга, обратились к нескольким художникам, в том числе и к Климту – мастеру, «знающему толк» в современном декорировании. Достижение гармонии между архитектурой здания и помещений, а также фризом для зала, представляло задание не из легких, но было несколько упрощено благодаря тому, что строительство дворца велось параллельно с созданием картин, украсивших зал.

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. "Поцелуй"

Картина «Поцелуй» является одним из самых известных произведений Густава Климта. Оно относится к «золотому» периоду творчества художника и в полной мере отражает все особенности данного этапа. Название «золотой» связано прежде всего с техникой работы, которая преобладала в это время. Климт активно использовал оттенки золотого, работал с сусальным золотом. В соответствии с этим, преобладающим цветом на картине «Поцелуй» является золотой. Такой оттенок занимает большую часть полотна.

Картина символична и даже несколько схематична. Сюжет довольно прост. В центре полотна изображены две фигуры, стоящие на краю скалы. Мужчина наклонился к женщине, чтобы поцеловать ее. Пара абсолютно отделена от всего, что ее окружает, молодые люди увлечены друг другом. Примечательно, что никакие детали больше не видны, их просто нет. Да и зритель оказывается несколько отстраненным, сторонним наблюдателем.

Оригинальность картины и в необычном целостности фигур. Кажется, что мужчина и женщина слились воедино, стали одним целым. Однако автор все же разделил их с помощью различного орнамента. Причем исследователи отмечают, что узоры подобраны художником в соответствии с полом героев. Фигура мужчины изображена с помощью четких, строгих форм и оттенков. Женщина же выделена посредством более мягкого, утонченного орнамента.

Фон картины также выполнен с использованием оттенков золотого. Вкрапления этого цвета напоминают мерцающие звезды. Этот эффект подчеркивает ощущение, будто герои стоят не просто на краю скалы, но на краю вселенной, одни в целом мире. Это впечатление усиливается также плавным перетеканием одних линий и форм в другие.

Полотно «Поцелуй» выделяется в общем ряду работ Климта. Большая часть его картин посвящена обнаженной натуре, в «Поцелуе» же любовь изображена целомудренной, нежной, особое внимание уделено одежде. Однако популярная во времена создания картины теория Фрейда все же нашла свое отражение в полотне.

Характерно, что лицам героев картины художник уделил мало внимания. Если лицо женщины видно зрителю, то лицо мужчины скрыто. Однако накал чувств, буря эмоций чувствуется в позе влюбленных. Примечательна отрешенная фигура женщины, которая буквально дышит покорностью, и страстная, трепетная фигура мужчины.

Исследователи предполагают, что в основе картины «Поцелуй» автобиография художника. Считается, что в образе женщины, Климт воплотил черты Эмилии Флеге, которая сыграла важную роль в жизни художника.

Вернисаж одной картины: 

Портрет Эмилии Флёге

Исаак Левитан. Над вечным покоем, 1894.

Исаак Левитан. Над вечным покоем, 1894. Холст, масло

Беспомощность, хрупкость и беззащитность - вот главные чувства, которые испытывает всякий зритель перед этой работой великого художника. Пожалуй, благодаря именно этой картине, имя мастера пейзажа так широко известно не только среди любителей живописи...

Сам автор считал, что это самое удачное его произведение, раскрывающее его мировоззрение, его мироощущение. Свинцовые облака тяжело нависли над крутым берегом. На маленьком утесе церквушка, рядом забытой кладбище, погост, последнее пристанище... Хрупкие деревья сгибаются под сильным ветром, тонкая, прерывистая тропинка, ведущая в церковь - символ забвения, заброшенности, истертости.

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. Портрет Фрицы Ридлер

Позволяя кисти Климта увековечивать своих жен, заказчики, а это, в основном, сановитые чиновники или представители богатых семей, вряд ли интересовались, что означали замысловатые орнаменты, или символы, которыми автор обильно «нашпиговывал» портреты.

Слава Климта в Вене не ограничивалась его оригинальным творчеством, она касалась и его страсти к женщинам, может быть, поэтому художник, тонко чувствовавший внутренний мир модели, дополнял обычные женские образы символами эротического характера, с виду казавшимися «невинным» орнаментом.

Густав Климт. Портрет Фрицы Ридлер, 1906 г. Холст, масло.
Галерея Бельведер, Вена, Австрия

На картине «Портрет Фрицы Ридлер», зритель «встречается» не с женой государственного чиновника, коей на самом деле была эта женщина, а скорее, со жрицей любви. Голова модели находится на уровне орнаментального окошка, может быть, для того, чтобы получилось сходство с головным убором Марии Терезии, кисти Веласкеса. Только самые внимательные обнаружат, что сексуальная символика – «павлиньи глаза», образуют кресло, на котором восседает героиня и, с трансформацией этого предмета в орнамент, исчезает его глубина и форма. Акцент золота, исчезнувший было из картин, проявился с новой силой.

Сложно определить, что эротического нашел художник в этой немолодой, несколько разочарованного вида даме, да и искал ли он его вообще, но зрителя как бы зовут подсмотреть за героиней с помощью этих таинственных глаз. Может быть, психолог Климт разглядел во фрау Ридлер не столько спутницу важного чиновника, игравшую в его жизни роль «декора», а всего лишь женщину, истосковавшуюся по романтическим отношениям.

В этот период творчества, Климт смещал акценты в сторону крупных орнаментальных вставок, причем иногда они выглядели главнее самого облика портретируемого.

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. Портрет Евгении Примавези
 

Любопытно, почему Климт, просто бесивший критику своим пренебрежением к ее мнению, или иногда экстраординарно отвечавший на злобные нападки, побаивался, с его же слов, актрисы Евгении Примавези – жены банкира Отто Примавези, крупного заказчика, покровительствовавшего творчеству художника.

«Бодрящий» эффект от созерцания картины «Портрет Евгении Примавези» ощущается сразу, она не «отпускает» зрителя, воздействуя на его подсознание неповторимым цветочным мотивом. В этот период живопись Климта обогатилась цветовыми решениями, заимствованными у Матисса и Ван Гога.

Густав Климт. Портрет Евгении Примавези. Холст, масло

Художник нередко изображал женщин облаченными в воздушные платья, и их полупрозрачные одежды сливались с таким же фоном, поэтому, лицо портретируемой было в сюжете главным. Теперь же, Климт «соткал» настолько замысловатую ярко-пеструю одежду, что зрителю, помимо его воли, приходится задерживать свой взгляд на цветастом платье Евгении. Наверное, если бы на сосредоточенно-строгом лице не сиял яркий румянец, балансирующий композицию, то облик модели стал бы тусклым, окончательно уступив позиции многоцветному декору.

У специалистов эта картина на особом счету, ее психологическое воздействие на подсознание человека, считается очень сильным. После нее, Климт написал еще одну картину такого плана – «Дорожка в саду и куры», к сожалению, утраченную в 1945-м.

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. Шуберт за фортепиано

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. Обнаженная истина

Сложно определить степень «скандальности» работ Климта, через которые он доносил до зрителя свои взгляды на мир, пропущенные через «эротическую призму» видения тех или иных событий. Художник сторонился политики в любых ее проявлениях, но свободу искусства, заключенного, по его убеждению, в жесткие рамки традиционности, он отстаивал со всей мощью своего таланта, мастерски нажимая на самые «болевые» точки современного ему общества.

Густав Климт. «Обнаженная истина», 1899 г. Холст, масло.
Австрийская национальная библиотека, Вена, Австрия

В 1899 добропорядочная венская публика была шокирована произведением Климта «Обнаженная истина», в котором автор изобразил голую женщину, с чувством превосходства, и даже с неким вызовом, «насмехающуюся» над оскорбленными чувствами приличного общества. Художник «объявил» о начале новой эпохи своего творчества, которое можно было бы назвать «натуралистическим». В образе модели нет и намека на традиционные каноны живописи, с их идеализацией женского тела. В облике рыжеволосой модели явно угадывалась обычная кокотка, не замороченная какими-либо комплексами; она только что гуляла венскими улицами, и по первому требованию «работодателя», немедленно разделась для позирования.

Заведомо зная реакцию общества на это произведение, Климт решил изощренно поиздеваться над чувствами «добропорядочной толпы», снабдив картину цитатой из Шиллера, в которой говорится, что нравиться многим – плохо.

Часть исследователей творчества Климта связывают этот символический персонаж с его Юдифью, считая эти образы олицетворением чувственных инстинктов, представляющих собой источник зла.

Посещает зрителя «Обнаженной истины» и еще одна, несколько «крамольная» мысль, связывающая самого автора картины с изображенной моделью, зеркало которой «предлагает» возмущенной публике посмотреть в свое отражение и задать себе сокровенный вопрос: «а каков же внутри я, если останусь один на один с собой, отбросив внешнюю оболочку?»

Вернисаж одной картины: 

Тициан Вечеллио. «Флора»

Вокруг картины «Флора» выдающегося венецианского художника эпохи Высокого или, по-другому, Позднего Возрождения Тициана уже давно не утихают споры. Изначально авторство данного шедевра приписывали другому известному художнику той поры, однако затем исследователи сошлись во мнении, что полотно все-таки принадлежит кисти Тициана. А вот личность героини так и осталась для многих загадкой. Известно только, что на картине запечатлена реально жившая венецианка.

Это цветущая молодая женщина необычайной, даже несколько идеализированной красоты. У нее длинные золотистые волосы, волной спадающие на женственные плечи, и нежная светлая кожа. Голова девушки наклонена, прекрасное со здоровым румянцем лицо задумчиво, мечтательный взгляд темных бархатных глаз направлен в сторону, а на губах застыла некая полуулыбка. Весь ее облик говорит о том, что красавица поглощена своими мыслями.

И в то же время лицо ее словно светится изнутри каким-то таинственным огнем. Свою спадающую с одного плеча бледно-розовую одежду женщина поддерживает пухленькой левой рукой. Правой рукой дама как бы протягивает нам свой букетик весенних цветов. Именно поэтому картина носит название «Флора» – имя древнеримской богини весны и цветов.

Глядя на молодую красавицу можно лишь догадываться, кем она была на самом деле. Возможно, эта чья-то невеста, если брать во внимание ее рубашку, похожую на брачную одежду. Подобные туники в то время одевали невесты как символ чистоты и непорочности. Искусствоведы также указывают на то, каким образом сложены пальцы на руке красавицы, говоря, что это знак того, что она скоро расстанется с невинностью. Некоторые считают, что на картине, напротив, изображена продажная женщина, куртизанка.

Однако нельзя все же отрицать сходство героини с римской богиней весны. Быть может, художник рисовал ее, воображая в голове античные мотивы, и потому образ молодой женщины получился таким возвышенным и будто оторванным от реальности. Но кем бы ни была эта прекрасная дама, ясно одно – ее притягательный чувственный облик стал истинным воплощением женственности, которая мало кого сможет оставить равнодушным.

hhttp://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-ticiana-vechellio-flora/

Вернисаж одной картины: 

Художник Vicente Romero Redonto

Вернисаж одной картины:

Сальвадор Дали. Подглядывающий

Великий испанский художник XX века Сальвадор Дали был самым известным и богатым своими работами творцом испанского искусства указанного периода. Он был поистине мастером совершенно нового в те годы направления в искусстве под названием сюрреализм, суть которого смог в полной мере передать через свои многочисленные работы, причем не только в своих картинах, но также и в кино, и в украшениях, и в скульптурах, которые он делал.

По сути своей, именно имя Сальвадора Дали напрямую связывают с направлением сюрреализм, потому как большинство людей, когда слышат это слово, сразу же вспоминают имя великого испанского мэтра, сравниться в профессионализме и таланте с которым мог разве что один из его учителей, а именно Пабло Пикассо, который также отличался незаурядностью своего творчества. Как раз Дали принадлежит знаменитая фраза, которую он сказал после того, как его из-за конфликта с остальными художниками и ином подходе к самому стилю. Эта фраза звучит так: «Сюрреализм – это я». Таким образом Дали подчеркнул, причем вполне заслуженно, важность своего творческого вклада в развитие данного жанра искусства.

Все без исключений произведения великого испанского мэтра буквально поражают глубиной своей психологической составляющей, а также парадоксальностью образно восприятия действительности. К тому же, все они наполнены чистой воды символической составляющей. Не является исключеним из правил и его картина под. названием «Подглядывающий», которая была написана художником в 1921 году, то есть это была одна из его первых работа, которая уже тогла успела сделать его известной личностью.

Сюжет картины типичный для жанра: сидящий возле окна своего дома мужчина наблюдает за своими соседями, их занятиями, в том числе и любовными, как бы символизируя заинтересованность интимной жизнью других людей со стороны одного человека, который, судя по картине, является одиноким. Черты человека резки и остры, на переднем плане мы видим унылые и темные цвета, в то время как по соседству яркими цветами кипит полноценная жизнь других людей.

http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-salvadora-dali-podglyadyvayushhij/

Вернисаж одной картины:

Станислав Жуковский (1873-1944). «Лес»

Родившийся еще во времена Российской империи художник Станислав Жуковский (1873-1944), имел белорусско-польское происхождение и его судьба, в том числе и творчество, попали в непростые времена падения одних империй и создания новых, а также во времена война и прочих потрясений, которые повлияли напрямую на его жизнь и мировоззрение.

Сам художник родился в семье польского аристократа, у которого конфисковали все его земли якобы за участие в Польском восстании против гнета Российской империи, которое состоялось в 1863 году.

Однако некоторые источники говорят о том, что причиной конфискации земель у отца будущего художника были вовсе не политические, а экономические. Именно в результате конфискаций, отец Жуковского, впрочем как и большая часть белорусско-польской шляхты, не смог удержать свое имение в целости и вынужден был стать арендатором.

Уже в 1892 году, невзирая на протесты отца, будущий художник отправляется на учебу в Москву, где учится живописи у Исаака Левитана и заканчивает Московское училище живописи, ваяния и зодчества, после чего берет участие в целом ряде выставок, где впервые заявляет о себе, как о живописце высокого уровня.

Жил в Москве, где организовал частную школу и преподавал в 1907—1917. Много путешествовал по средней России, изучая старинные «дворянские гнезда», а потом изображая их на своих полотнах.

В 1923 году художник уехал в Польшу. Во время Второй мировой войны Жуковского арестовали нацисты. Он умер в концентрационном лагере в Прушково в 1944 году.

Картина под названием «Лес» была написана им еще в 1900 году и ее создание практически совпадает с всеобщим признанием Жуковского одним из самых известных и наиболее профессиональных пейзажистов, которые работали в импрессионистическом направлении. На картине изображена березовая роща, на заднем плане которой бегут вдаль облака. Сквозь деревья просвечивается солнце, освещая зеленую траву на поляне возле деревьев.

Работа воздействует на зрителя успокаивающе и позитивно, являясь, по сути своей, одним из итогов длительных путешествий художника по Средней России, где он набирался вдохновения для создания своих картин.

http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-stanislava-zhukovskogo-les/

Вернисаж одной картины: 

Станислав Жуковский. «Окно с фиалками»

Станислав Юлианович Жуковский (1873, Ендриховцы, Гродненская губ., Российская империя — 1944, Прушков, близ Варшавы, Польша) — русский художник белорусско-польского происхождения

Жуковский – известный русский пейзажист. Также писал натюрморты, всегда отдавая предпочтение природе и её простой красоте, недоступной для суетливых людей, постоянно стремящихся куда-то, бегущих, шумящих и не способных остановиться, чтобы оглядеться вокруг. Это – его картины. Застывшие мгновения, которые может заметить любой, если вовремя затормозит и оглянется. Словно огорченный неспособностью природы достучаться, Жуковский изображает обычные повседневные моменты.

Иронично, что не замечая их день за днем вокруг себя в обычной жизни, люди платят деньги, чтобы прийти и взглянуть на картины. Возможно, это потому, что внутри них природа кажется вовсе не такой яркой и праздничной, какой видел и изображал её Жуковский.

«Окно с фиалками» показывает обычный вид из окна где-нибудь в деревне. Само оно выкрашено белой, немного облупившейся краской. В ящике растут фиалки – они как раз цветут, синие симпатичные цветочки так и притягивают взгляд. Остановившись на них, не сразу переводишь взгляд дальше, а как раз дальше и начинается самое интересное.

Трава зелена, как после недавнего дождя. Небо кажется сияющим, умытым, оно невозможно-голубого, яркого цвета. По нему ползут белые облака, похожие на пушистых китов. Они отражаются в речке, за которой тянется к небу редкий бор. Судя по виду пейзажа – весна. Лиственные деревья стоят голые, одно заглядывает в окно, покачивает ветками. Елки темно-зеленые, им нипочем холод, но, судя по тому, как ярко зеленеет трава, лето уже не за горами.

Так и хочется шагнуть в картину, перелезть через низкую изгородь и, как в детстве, не думая ни о чем, убежать на речку рыбачить и купаться.

Тем ироничнее то, что тот, кто живет в реальности картины у такого праздничного, заманчивого окна, скорее всего поливает фиалки механически, между работой и работой, и вовсе не думает о том, насколько прекрасный вид можно застать, если выглянуть наружу не по надобности, а по велению души.

http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-stanislava-zhukovskogo-okno/

Вернисаж одной картины:

Эрте (Роман Тыртов). Симфония в черном

Вернисаж одной картины:

Станислав Жуковский.

Картина  "Лесное озеро"

Жуковский – мастер пейзажа, и «Лесное озеро» одна из вполне традиционных его работ. На картине изображено лесное озеро, гладь воды, ограниченная далекими берегами. На них растут деревья, стоит покосившаяся будочка – чей-то лодочный сарай, возможно? – а над озером огромное синее небо, которое напоминает в своей безграничности море. По нему плывут облака, перистые, легкие, в которых так приятно высматривать корабли и овечек, и эти же облака, подражая небу, отражает озеро.

В нем тоже живет мечта о том, чтобы быть похожим на море, и оно очень старается. Гладь воды морщит ветер, гонит по ней легкую рябь, отчего облака тоже морщатся и форма их меняется. Дальний берег, позволяя озеру мечтать, словно бы отодвигается, ограниченный полосой темно-синей воды, и никаких людей в округе нет, кроме будочки – ни одного следа присутствия человека.

Возможно, к озеру приезжают рыбаки. Сооружают шатер и на несколько дней оказываются исключенными из жизни мира. Ловят рыбу и жарят её на костре, пьют прихваченный с собой самогон, встают до рассвета, когда лучший клев, чтобы увидеть, как в озере отражается солнце и поймать самую лучшую, самую крупную рыбу.

Возможно, иногда к нему приходит одинокий охотник. Сидит на берегу, чистит ружье, купается или набирает воды, чтобы напиться – озеро выглядит таким чистым, таким невинным, что это не кажется плохой идеей.

Возможно, иногда к нему приходят влюбленные, смотрят на другой берег, жгут костры и говорят о природе своей любви, а также о красоте мира вокруг.

Дети, грибники, заблудившиеся люди – всем им найдется, чем заняться у озера. Ловить рыбу или бродить по колено в прохладной воде, купаться, оглашая окрестности визгом…

На картине же ничего этого нет. Озеро представляется идеальным для старой загадки: «Существует ли звук в лесу, там, где некому его услышать?».

http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-stanislava-zhukovskogo-ozero/

Вернисаж одной картины:

Сальвадор Дали. «Искушение Святого Антония»

Эта картина родилась благодаря Альберту Левину, продюсеру киноленты «Милый друг». Для фильма требовался образ святого, который постоянно подвергался различным искушениям.

Участие в конкурсе приняли многие художники того времени, а членами жюри являлись выдающиеся деятели искусства и творческая элита. Победу в конкурсе одержал не Сальвадор Дали, а эмигрант из Европы.

Святой Антоний – это отшельник, живший в IV веке. Как известно, его довольно часто мучали кошмарные видения, которые приходили к нему по ночам. Как правило, аскета подвергали мучениям или искушениям грозные демоны или соблазнительные женщины.

Данный сюжет был достаточно популярен в эпоху Средневековья и Ренессанса, затем про образ Святого Антония чуть позабыли и вспомнили снова в середине XX века. Однако Сальвадор Дали представил классический библейский сюжет в своем неповторимом стиле и образе, которым он и отличается от других великих художников.

В этой картине легко прослеживается некое среднее измерение между небом и землей, которое четко проявляется в длинных и тонких ногах слонов. Фигура главного персонажа, Святого Антония, находится в левом углу, а центральное место полотна занимают те самые искушения, которым подвергается отшельник.

Первым в этой веренице является вздыбленный конь, символизирующий чувственное наслаждение и непревзойденную мощь. Далее следуют слоны на тонких и длинных ногах: у первого на спине чаша Желания с обнаженной фигурой женщины, у второго – обелиск, а у последних на спинах находится архитектурная композиция в стиле Палладио.

На заднем плане картины «Искушение Святого Антония» виднеется Эскориал, который является символом гармоничного сочетания духовного и мирского порядка.

Именно с этой картины, по мнению многих исследователей и экспертов, берет начало новая ветвь творчества великого художника, Сальвадора  Дали. Это направление является синтезом трех элементов: спиритуализма, классической живописи и атомной эры.

http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-salvad...-iskushenie-svyatogo-antoniya/

Вернисаж одной картины:

Микалоюс Чюрленис. «Сотворения мира»

Микалоюс Константинас Чюрлёнис стал уникальным и удивительным явлением в мировом искусстве, его работы вызывают бурные эмоции, душевное восхищение творчеством мастера. Картины художника переносят нас в мир вечной фантастической красоты.

Чюрлёнис писал в противовес реальности жизни, именно этого и нужно было зрителям. Он старался для людей, ведь он не только художник, но и еще литовский композитор, родоначальник профессиональной музыки Литвы, что прославилась далеко за границами страны и стала частью мировой культуры.

Чюрленис торопился жить, сочинять музыку, создавать картины. Вероятно, он чувствовал, что скоро уйдет в иной мир. Так и случилось… 10 апреля 1911 года он ушёл из жизни совсем молодым человеком, не прожив и 36 лет. Пять последних лет свой жизни он посвятил активному художественному творчеству.

Чюрленис создал уникальные циклы полотен «Знаки Зодиака», а также уникальный фантастический цикл с названием «Сотворение мира». В картинах из этих циклов отображалась мечта автора о истинной красоте и вечной гармонии. Неповторимые полотна Чюрлениса завораживали своей тонкостью цветовой гаммы, а также необычными идеями космического масштаба. Например: мерцающая голубая туманность с фоном темной синевы без жизни.

Превращения пространства, которое само по себе обычное, в завораживающий взгляд космос, вот что изображает автор в цикле. Эта картина была написана по счету одиннадцатой.  Зритель ощущает теплоту и гармонию, которую художник сумел передать. Если присмотреться и вжиться в образы этой картины, то можно стать соучастником фантастического, нереального, космического действа.

Перед глазами мир сверкает, цветет, одним словом – живет! Чюрлёнис рассказывает зрителю с помощью полотна не о создании земли, а о прогрессирующей красоте мира. Его картины наполнены оптимизмом, позитивом, теплотой и приятной гармонией. По словам Ромена Роллана, неповторимое, гениальное творчество Чюрлёниса явило миру новый особенный духовный континент!

http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-mikaloyusa-chyurlenisa-sotvoreniya-mira/

Вернисаж одной картины:

("Угрызения Совести")

ВЕРНИСАЖ ОДНОЙ КАРТИНЫ:

Тимофей Нефф. Женщина с кувшином

Тимофей Нефф. Женщина с кувшином. 1855

ВЕРНИСАЖ ОДНОЙ КАРТИНЫ:

Михаил Врубель. "Утро"

Ценители искусства называют Михаила Александровича Врубеля таинственным гением живописи. Почему такое мнение? Анализируя все работы по жанрам, в каждой можно увидеть конфликт несуществующих в реальности вещей. Михаил Александрович настолько доверял своим мыслям, что даже самый реальный сюжет картины, превращался у него во что-то не изведанное человеком. Нельзя сказать, что художник был чрезмерным выдумщиком, но все же у многих вызывал недоумение.

Его шедевр «Утро» соединил в себе изображение природы и людей. Работа написана маслом на большом холсте. Техника изображений, является тонкой и уникальной, не отвлекаешься на один образ, а сразу видишь несколько лиц среди деревьев. Рассматривая картину, зритель видит природу. Сплетение лиственных веток, густой травы, будто бы скрывает образ девушки. Она, видимо, возрождается из зелени, и тянется к небу. Узоры растений создают орнамент платья, отражая пламя восходящего света.

Наличие контрастов показывает плавные переходы статических тонов к движениям – это выражается моментом пробуждения, переходом от покоя к возрождению души. Фигуры, присутствующие на панно, выражают чувства любви и отчаяния одновременно. Цвета, преобладающие в картине синего и зеленого оттенков, тональность стабилизирует спокойствие Михаила Александровича.

Панно выражает борьбу добра и зла, которые выражаются аллегорическими образами. Многозначные и всеобъемлющие краски дают зрителю спокойный, и холодный звуки эмоций Врубеля. Таинственность и превосходство – ключевые основы творчества художника.

Стремлением к высшим ступеням в художественном искусстве, Михаил Александрович Врубель подарил ценителям живописи приятное ощущение реального и сказочного миров одновременно.

http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-mixaila-aleksandrovicha-vrubelya-utro/

Вернисаж одной картины:

Сальвадор Дали. «Три загадки»

Сальвадор Дали. «Три загадки»

Это таинственное и полное скрытого смысла полотно было написано мастером сюрреализма Сальвадором Дали в 1982 году. Это его последнее творение, посвященное незабвенной супруге и музе. Гала была его любовью на протяжении всей жизни, она дарила ему вдохновение, радость и боль.

Взглянув на картину впервые, вы не сможете точно сказать, что именно на ней изображено. Вы узрите три расплывчатых силуэта серебристого и золотистого цветов, слегка напоминающие бурханы пустыни или причудливые складки ткани. Если расфокусировать зрение и наклонить голову вправо, можно различить часть женского профиля, трижды расположенную на рисунке в горизонтальном положении. Нет никаких сомнений, что это изображение знаменитой искусительницы Гала.

ВЕРНИСАЖ ОДНОЙ КАРТИНЫ:

Станислав Жуковский. «Осень. Веранда»

Станислав Жуковский. «Осень. Веранда»

На полотне изображена веранда, которая осыпана увядшими листьями. Грустно прощаться с летом, и картина наполнена этими переживаниями.

Художник запечатлел угол, где расположены стол и скамья, окруженные бортиком. Все это срисовано с реальных объектов. На столе стоит ваза из стекла, а в ней – цветы, желтые, как сама осень. Судя по виду и ухоженности веранды, дом большой и гостеприимный, прибранный. В нем живут порядочные люди.

Сразу представляется большая семья с бегающими детишками, которые то и дело снуют туда-сюда, забавляя взрослых. Все сидят, разговаривают, а кто-то, возможно, смеется. Но это было вчера… когда еще было лето, а сегодня – тоскливая осень заняла свое положение по праву. Представляются дамы и господа в красивых вечерних туалетах – платья со шляпками и сюртуки со смокингами.

Вернисаж одной картины:

Игорь Тюльпанов, США. Философская фантазия

Вернисаж одной картины:

Сомов Константин Андреевич (Россия, 1869-1939)

«Открытая дверь в сад», 1934

Вернисаж одной картины:

Игорь Тюльпанов, США. Философская фантазия

Вернисаж одной картины:

Игорь Тюльпанов, США. Философская фантазия

Вернисаж одной картины:

Борис Михайлович Кустодиев.

Голубой домик. 1920

Борис Михайлович Кустодиев. Голубой домик. 1920

В этой работе Кустодиев представил целую модель "русского мира". Мир - это дом, разделенный на уровни.

Первый уровень: играющие дети, жизнь которых только начинается, с другой стороны, мастерская гробового мастера (вне всякого сомнения, заведение связано с завершением земной жизни). Игроки в шахматы (купец, полицейский, франт) расположились у входа в мастерскую, как символ равенства перед смертью.

Второй уровень: воркующая влюбленная пара, у входа во двор старушка на лавочке и женщина с ребенком на руках. Нетрудно угадать в женщине с ребенком вечный сюжет мадонны с младенцем. Вход во двор художник рассматривает, как открытый путь в мир людей. Логично, что у входа Кустодиев помещает женщину-мать, давшую жизнь новому жителю мира.

Третий уровень: хозяин и хозяйка дома за чаем. Русская идиллия - самовар, богато накрытый стол. Третий уровень - расцвет человеческой жизни.

Четвертый уровень: юноша, гоняющий голубей на крыше. Беззаботность, радость, молодость.
 

Домик утопает в зелени. В окнах домов цветы в вазонах, балкон украшен ящиками с цветами. Гармония с природой - важнейшее условие счастья для человека.

Голубой цвет, выбранный художником (яркий, чистый), в русском изобразительном искусстве всегда был цветом горнего мира, Царствия Небесного. Эта картина насыщена символическим смыслом.

Вернисаж одной картины:

Борис Михайлович Кустодиев.

После грозы. 1921

Борис Кустодиев. После грозы. 1921

Уютный, почти сказочный пейзаж. Яркая синева заливает все пространство. Небо перекликается с рекой. Лубочная, нереально красивая радуга помещена в самый центр композиции. Голубому цвету уступает даже буйная летняя зелень. Вся картина насыщена сюжетами: группа купальщиц наслаждается послегрозовой свежестью реки, пожар в деревне, на помощь погорельцам спешат односельчане, пара мужиков заметивших пожар с другого берега реки.
 

Кустодиев пренебрегает законами перспективы, искажает пространство. Это любимый прием художников модернизма. Используя спектрально чистые краски, автор делает свою работу близкой по духу народному русскому изобразительному искусству - лубку. Стоит повнимательней вглядеться в картину, чтобы понять, что перед нами совсем не пейзаж, а картина деревенской жизни, полный драматизма момент на фоне сказочно красивой послегрозовой природы.

Вернисаж одной картины:

Иван Николаевич Крамской.

Лунная ночь

Иван Николаевич Крамской.  Лунная ночь

Иван Николаевич Крамской (1837-1887) - великий русский художник, живописец. Непревзойдённый мастер жанровой, исторической и портретной живописи. Написал большое количество настоящих шедевров, которые имеют мировое значение. Среди таких картин: Русалки, Неизвестная, Портрет Льва Николаевича Толстого, Портрет Шишкина, Александр III, Неутешное горе и многие другие. Особое место во всём творчестве великого художника занимает картина «Лунная ночь».

Вернисаж одной картины:

Осенний день. Сокольники, 1879

ВЕРНИСАЖ ОДНОЙ КАРТИНЫ:

Весна. Большая вода, 1897

Вернисаж одной картины:

Микалоюс Константинас Чюрлёнис.

"Соната моря. Анданте"

22 сентября 1875 года родился МИКАЛОЮС ЧЮРЛЁНИС

Он умер в 35. Однако уникальность таланта и интенсивность творческой жизни Чюрлёниса были таковы, что позволили ему стать, во-первых, родоначальником литовской камерно-инструментальной и симфонической музыки, а во-вторых, одним из самых самобытных художников ХХ столетия. Вовсе не ставя перед собой подобной задачи (ведь человеком он был очень и очень скромным), Чюрлёнис стал живым воплощением идеальной мечты Серебряного века о великом синтезе искусств...

Микалоюс Константинас Чюрлёнис. "Соната моря. Анданте"

Вернисаж одной картины:

Микалоюс Константинас Чюрлёнис.

Жертва
 

22 сентября 1875 года родился МИКАЛОЮС ЧЮРЛЁНИС

Он умер в 35. Однако уникальность таланта и интенсивность творческой жизни Чюрлёниса были таковы, что позволили ему стать, во-первых, родоначальником литовской камерно-инструментальной и симфонической музыки, а во-вторых, одним из самых самобытных художников ХХ столетия. Вовсе не ставя перед собой подобной задачи (ведь человеком он был очень и очень скромным), Чюрлёнис стал живым воплощением идеальной мечты Серебряного века о великом синтезе искусств...

Микалоюс Константинас Чюрлёнис

Микалоюс Константинас Чюрлёнис. Жертва

«Жертва» написана в сложный для художника год – 1909-й. Чюрленис живёт в Петербурге, работает, по его словам, «24-25 часов в сутки» и чувствует себя глубоко одиноким и непонятым. Не всё гладко и в отношениях с боготворимой им женой: София Кимантайте оставляет мужа и возвращается в Литву.

В это время впервые дала о себе знать душевная болезнь Чюрлёниса, которая всего через пару лет, в 1911-м году, приведет его к гибели. Но в 1909 художник еще в состоянии бороться с одолевающей его депрессией и писать. Картины этого периода («Баллада о черном солнце», «Жемайтийское кладбище», "Rex", «Жертва») выполнены в предельно скупой, хотя и тонко нюансированной цветовой гамме. Их сюжеты – мрачные и таинственные, не поддающиеся однозначному истолкованию.

Мистики уверены, что Чюрлёнис был способен улавливать тонкие планы бытия (кстати, какое-то время он увлекался гипнозом), воочию видеть многомерность мироздания, ощущать в полной мере борьбу ангельского и демонического начал. Это особенно чувствуется в «Жертве». В центре полотна, на покрытом звездами ступенчатом зиккурате, – фигура ангела. Опутываемый клубами темного дыма, поднимающегося с земли, он взирает на небо, словно вопрошая о том, какой жертвы от него потребуют. Картина полна обострённой тревоги, неотступных страшных предчувствий.

Как и большинство работ Чюрлёниса, «Жертва» хранится в Национальном художественном музее (Каунас), носящем с 1944-го года имя художника.

Особой проблемой является сохранность произведений Чюрлёниса, в том числе и «Жертвы». В большинстве случаев художник писал пастелью и темперными красками. Он даже разработал собственную технику, при которой темпера сильно разводилась и наносилась слоями, подобно акварельным краскам. Работы, исполненные в подобной технике, к сожалению, очень уязвимы: на их состояние негативно влияют избыток света и перепады температур. Вот почему многие оригиналы Чюрлёниса не подлежат транспортировке и даже на самых серьезных выставках могут быть представлены лишь факсимильные копии картин художника. Первые факсимиле были заказаны ценителями творчества Чюрлениса еще в 1938-м. Сейчас качество репродукций год от года растёт. Так, например, итальянские факсимиле 1997 года считаются специалистами одними из лучших, поскольку наиболее полно передают мельчайшие особенности оригиналов.

Автор: Анна Вчерашняя