barucaba.livejournal.com

Музыкальный фильм-спектакль о жизни и творчестве великого немецкого композитора, в который включены музыкальные номера в исполнении Д.Ойстраха, С.Рихтера, З.Долухановой, В.Третьякова. (1971 год).

Режиссер: Хробко Н.
Автор сценария: Фараджев В.

В ролях:
И. С. Бах - Изотов Э., Ханов А.
 Мария Барбара - Наталья Величко
 Анна Магдалена - Татьяна Самойлова 
 Король - Евгений Самойлов 
и другие актеры московских театров

barucaba.livejournal.com

Чудесная музыка! Такая ясная, такая чистая, и такая французская, и такая человечная!
Р. Дюмениль

Габриэль Урбен Форе́ (фр. Gabriel Urbain Fauré, 12 мая 1845, Памье, Франция — 4 ноября 1924, Париж, Франция) — французский композитор и педагог. Форе часто называют французским Шуманом. Среди современных ему композиторов он с наибольшей тонкостью и пониманием представлял камерную инструментальную музыку.

Габриель Форе родился 12 мая 1845 года в Памье, департаменте Арьеж на юге Франции, в семье школьного учителя математики и дочери капитана наполеоновской армии. Судьба не баловала композитора: в семье он был шестым ребенком, и старшим было не до него. По воспоминаниям родителей, он был всегда погруженным в себя, молчаливым. С детства он полюбил дивную природу своего края — юга Франции, близ Пиренеев. Не потому ли его лучшие сочинения проникнуты удивительным лиризмом! «Мастер очарований» — назвал композитора Дебюсси.

barucaba.livejournal.com

В 20-м столетии и на исходе 19-го почти совсем не было музыкантов-универсалов, таких, какие бывали в XVIII веке: скрипач, отлично играющий на клавесине, сочиняющий музыку, умеющий при этом руководить хором и инструментальным ансамблем, заниматься педагогикой, читать лекции и играть на органе... С середины XIX века, по сравнению с веком предыдущим, на убыль пошли и вундеркинды. Выросла культура. Опыт показал, что не каждая комбинация из беглости детских пальцев, локонов, бархата и кружевных воротничков в сумме дает Моцарта. К концу XIX века требования к каждой специальности в музыке так выросли, а процесс профессионализации потребовал от каждого музыканта столь напряженной отдачи духовных и физических сил, что тут уж не до многогранностей, ослепительно сверкавших в былые времена.

barucaba.livejournal.com

Музыка Бородина... возбуждает ощущение силы, бодрости, света; в ней могучее дыхание, размах, ширь, простор; в ней гармоничное здоровое чувство жизни, радость от сознания, что живешь.
Б. Асафьев

Симфония №2 си минор `Богатырская`

Вторая симфония Бородина — одна из вершин его творчества. Она принадлежит к мировым симфоническим шедеврам, благодаря своей яркости, своеобразию, монолитности стиля и гениальному претворению образов русского народного эпоса. Композитор задумал ее в начале 1869 года, однако работал над ней с очень большими перерывами, вызванными как основными профессиональными обязанностями, так и воплощением других музыкальных замыслов. Первая часть была написана в 1870 году. Тогда же он показал ее своим товарищам — Балакиреву, Кюи, Римскому-Корсакову и Мусоргскому, которые составляли так называемый балакиревский кружок или Могучую кучку (определение их старшего наставника и идейного руководителя искусствоведа В. Стасова). У друзей показанное вызвало подлинный энтузиазм. Мусоргский предложил для нее название Славянская героическая. Однако Стасов, задумавшийся уже не над эмоциональным определением, а над названием, с которым музыка будет жить, предложил: Богатырская. Автор не стал возражать против такого толкования его замысла, и симфония осталась с ним навсегда.

barucaba.livejournal.com

В сентябре 1876 года Чайковский получил заказ Дирекции Русского музыкального общества написать для концерта в пользу Общества Красного креста марш. Благотворительный концерт был предназначен в пользу раненых в русско-турецкой войне. Всё русское общество и сам Чайковский с огромным сочувствием и душевным трепетом относились к происходящему на Балканах, борьбе славянских народов против османского владычества. В период сочинения марша Чайковский называет его "Сербо-русским маршем". При издании марш получает название "Славянский". Одной из отличительных черт творчества Чайковского этого периода было обращение к музыкальному фольклору разных народов. Так, он использует сербские напевы в сочинениях, посвященных событиям войны на Балканах. В марше Чайковский использует три подлинных сербских народных темы и тему русского национального гимна.

Титульный лист партитуры прижизненного издания Славянского марша П. И. Чайковского

Первое исполнение марша состоялось 5 ноября 1876 года в Москве под управлением Н.Г.Рубинштейна в симфоническом собрании Русского музыкального общества в пользу Славянского благотворительного общества. Исполнение имело огромный успех и было повторено. Чайковский писал об этом своей сестре А.И.Давыдовой: "мой Сербо-русский марш... произвел целую бурю патриотического восторга".

В советское время музыкальные эпизоды с использованием музыки русского гимна были заменены на хор «Славься» М. И. Глинки.

Славянский марш в оригинальном виде был возрождён в 1990-м году, когда он был исполнен Российским Национальным симфоническим оркестром под управлением Михаила Плетнёва. Впоследствии это произведение стало визитной карточкой оркестра.

Чайковский, Славянский Марш op.31. РНО, дирижер Михаил Плетнёв

источник

barucaba.livejournal.com

Чайковский. Колыбельная, сл. А. Майкова. Исполняет Тамара Милашкина

* * *

Спи, дитя мое, усни!
Сладкий сон к себе мани:
В няньки я тебе взяла
Ветер, солнце и орла.

Улетел орел домой;
Солнце скрылось под водой;
Ветер, после трех ночей,
Мчится к матери своей.

Ветра спрашивает мать:
"Где изволил пропадать?
Али звезды воевал?
Али волны всё гонял?"

"Не гонял я волн морских,
Звезд не трогал золотых;
Я дитя оберегал,
Колыбелочку качал!"

Пётр Чайковский. Шестнадцать песен для детей на слова Алексея Плещеева, соч. 54. № 10. Колыбельная песнь в бурю

Исполняет Геннадий Пищаев.

* * *

"Ах! уймись ты, буря!
Не шумите, ели!
Мой малютка дремлет
Сладко в колыбели.

Ты, гроза господня,
Не буди ребенка;
Пронеситесь, тучи
Черные, сторонкой!

Бурь еще немало
Впереди, быть может,
И не раз забота
Сон его встревожит".

Спи, дитя, спокойно...
Вот гроза стихает;
Матери молитва
Сон твой охраняет.

Завтра, как проснешься
И откроешь глазки,
Снова встретишь солнце,
И любовь, и ласки!

Колыбельная Марии из оперы "Мазепа". Исполняет Галина Вишневская

Особый стиль письма отличает творчество великого русского композитора Петра Ильича Чайковского (1840-1893). Его колыбельные не похожи ни на какие другие.
 «Тема творчества Чайковского – жизнь человеческого духа, столкновение добра и зла, борьба со злом, которое не всегда победимо. Трагедийность – переживания человека, его страдания, надежды, стремление к свету и невозможность его достижения определяет главную тему творчества П. И. Чайковского. Можно провести аналогию, обратившись к живописи и литературе. Чайковскому близка лиричность живописи И. И. Левитана, психологизм А. П. Чехова, Л.Н. Толстого. П. И. Чайковский стремился к выражению в музыке вечных философских тем. Сила эмоционального напряжения и воздействия его музыки огромна. Это достигается стремлением к развитию, преобразованием образов. Мелодика, гармония, инструментовка, форма подчинены выражению психологического состояния человека. Простая, близкая русской песне, романсу мелодика делают музыку Чайковского очень доступной. Мироощущения композитора, его взгляды на жизнь и искусство отразились и в таком камерном жанре, как колыбельная». (Радынова О. П., - Баюшки – баю: Слушаем и поем колыбельные песни.)
«Обе колыбельные звучат непривычно для колыбельных – тревожно и грустно. Мелодия одной из них (на стихи А. Плещеева) похожа на романс, мелодия другой (на стихи А. Майкова) – на народную песню. Размер три четверти в первой колыбельной позволяет говорить о некоторой вальсовости, чрезвычайно любимой Чайковским. В обеих колыбельных передана сложная гамма чувств – встревоженность и желание успокоить ребенка. Эта встревоженность усиливается изображением в музыке таинственного ночного пейзажа.» (Марьина Е. С., Нагорных Г. В. Гений музыки). 

Тихая колыбельная, которой оканчивается опера Чайковского "Мазепа", оттеняет нежную женственность образа Марии.

barucaba.livejournal.com

Удел наш — музыке людских творений
И музыке миров внимать безмолвно.
Сзывать умы далеких поколений
Для братской трапезы духовной.
Г. Гессе

"Музыка должна быть превращена в моральную силу, - писал композитор. - Мы воспринимаем ее звуки и формы, но они остаются лишенными смысла, если мы не включаем их в нашу личную умственную деятельность и не используем ее возбуждающее свойство для обращения души ко всему благородному, сверхчеловеческому, идеальному".

Па́уль Хи́ндемит (нем. Paul Hindemith; 16 ноября 1895, Ханау — 28 декабря 1963, Франкфурт-на-Майне) — немецкий композитор, альтист, скрипач, дирижёр, педагог и музыкальный теоретик.

Хиндемит прирожденный сильный и яркий музыкант. Эмоциональная же открытость и романтическая патетика раздражали Хиндемита: он стал одним из вождей антиромантизма в музыке. В музыкальном искусстве Хиндемит предстает скорее как архитектор, чем драматург; даже в крупных симфонических формах у него преобладает гармония равновесия.

Хиндемит - один из немногих крупных мастеров современной зарубежной музыки, писавших для домашнего музицирования. Он оказал огромное влияние на развитие камерной музыки XX века. В его камерно-инструментальных жанрах сконцентрированы типичные черты немецкого неоклассицизма: господство обобщенных, "интеллектуализированных" эмоций, преобладание рационального начала над чувственным". Центром его неоклассических пристрастий стала музыка барокко. Здесь он остался последователем великого Баха, откликаясь в то же время на все «больные» вопросы бытия и испытывая тягу к гармонии - вопреки хаосу реальной жизни...

"Изучать течение мыслей Хиндемита по фактуре его сочинений - одно наслаждение, настолько завлекает органическая природа его таланта", - писал Б. Асафьев. В творчестве Хиндемита нет абстрактных замыслов, нет отвлеченных построений. Его музыкальные образы ярки и осязаемы. Он щедрый мелодист с неисчерпаемой фантазией. Его мелодии терпкие и вместе с тем капризные, свободные и производят впечатление живописного рисунка."

Идеи общения и взаимопонимания на основе музыки не покидают немецкого мастера и при создании сочинений «высокого стиля» — так же, как до самого конца он сохраняет веру в добрую волю людей, любящих искусство...

Художник, активно боровшийся за широкое распространение серьезной музыки, за прочное внедрение в быт массового музицирования, за содержательность искусства и его высокие эстетические принципы, — таким вошел Хиндемит в историю современной музыкальной культуры.

Соната для флейты и фортепиано (1936)

barucaba.livejournal.com

...Нужно раздвинуть время, чтобы увидеть венскую квартиру Франца Шуберта, свет сквозь шторы, красную розу на чёрном рояле. Шёл 1828 год. Шуберт получил из издательства "Диабелли и Каппи" свою фа-минорную фантазию и выполнил обещанное. На титульном листе альбома он написал: "Посвящено графине медемуазель Каролине Эстергази Де Галанта". За пышным титулом скрыта хрупкая девочка, с которой у него, вопреки выдумкам сценаристов, не было романа. Но юная графиня сумела поселиться в его сердце, Франц был изумлён и покорён. Он писал другу: "Одна красота должна вдохновлять человека всю его жизнь. Отблеск этого вдохновения должен освещать всё остальное". Через несколько месяцев он умер в Вене - после краткого недомогания. Его погубила плохая вода, он заразился тифом.

Францу Шуберту не хватило года до возраста Христа, он ушёл из жизни в тридцать два года.

К этим годам Бетховен, которого Шуберт обожал, считал учителем и даже завещал похоронить себя на том же кладбище, ещё не создал своих главных произведений - ни Героической, ни Пасторальной, ни Девятой симфонии. Шекспир ещё не написал "Гамлета". Сервантес - "Дон Кихота".

Но Шуберт, которого почти не знали современники - успел себя обессмертить, создав невероятное количество произведений, среди которых на удивление много не просто хороших, а высочайшей пробы.

"Фантазия для фортепиано в четыре руки фа минор, опус 103"...

Пианисты говорят, что "Фантазию" трудно играть не потому, что она технична, а потому что она исполнена мистики. С первых тактов ускоряется биение сердца. Мелодия главной партии словно обращена лично к тебе. Вокруг начинает вибрировать воздух - это музыка возводит храм любви, который остаётся с тобой навсегда...

barucaba.livejournal.com

В истории музыкального искусства есть огромное количество незаслуженно забытых сочинений. Но рукописи не только не горят, они еще и начинают звучать спустя столетия. И не только звучать, но и менять наше представление о времени и эпохах. Произведения, словно ждавшие своего часа, сочинения-открытия "музыкальной археологии" ) Я обратила внимание на имя этого композитора только потому, что дочка раскопала в старых нотах его "Жигу", совершенно очаровательное произведение.

barucaba.livejournal.com

Первое знакомство с этим замечательным музыкантом и его творчеством состоялось здесь.

Шпор был одним из выдающихся виртуозов XIX столетия. Его игра отличалась не только совершенным мастерством, но и глубокой содержательностью. И тут он шел своим курсом, не склоняясь перед авторитетами, будь то даже сам Паганини.

Людвиг Шпор родился 5 апреля 1784 года в семье врача. Отец страстно любил музыку и хорошо играл на флейте, а мать — на клавесине. Людвиг поступил на службу в оркестр герцога Брауншвейгского. Когда ему исполнилось 15 лет, он уже занимал должность придворного  музыканта. Для того чтобы развить технику игры, Шпор занимался по 10 часов в сутки. «Так удалось мне в короткое время достичь такого умения и уверенности в технике, что для меня уже не было ничего трудного в тогда известной концертной музыке».

barucaba.livejournal.com

Концерт для скрипки с оркестром ре мажор, соч. 35 П. И. Чайковского написан в 1878 году, во время пребывания композитора в Швейцарии. К моменту написания концерта автор уже имел опыт написания произведений в этом жанре. (Концерт № 1 для фортепиано с оркестром и Вариации на тему рококо для виолончели с оркестром и пьесы для скрипки с оркестром "Меланхолическая серенада" и Вальс-скерцо). Весна 1878 года была для Чайковского временем знаменательным. Он постепенно выходил из душевного кризиса, вызванного женитьбой в 1877 году и последовавшей за ней сильнейшей депрессией. Приезд к Чайковскому, находившемуся тогда в Кларане, его ученика, друга, к которому он испытывал сердечную привязанность, И.Котека, послужил поводом к созданию скрипичного концерта. Котек и Чайковский вместе музицировали и играли среди других скрипичный концерт "Испанская симфония" французского композитора Лало.

Чайковский увлекся и решил написать для своего друга Концерт для скрипки с оркестром. Неровные отношения с Котеком, постоянные перемены в настроении привели к тому, что Чайковский стал сомневаться, кому посвятить этот концерт и предложить его к исполнению. Чайковский предпочел Котеку знаменитого скрипача Л.Ауэра.

П. И. Чайковский. 23 февраля 1889 г., Женева

Концерт в начале был посвящён Леопольду Семёновичу Ауэру, но тот не решился сыграть это произведение из-за его сложности для исполнения.

В Европе, а затем и в России исполнителем и пропагандистом концерта стал скрипач А.Бродский. И, почти как с Первым фортепианным концертом, произошла смена посвящения. Хотя даже часть первого издания концерта успела выйти с посвящением Л.Ауэру. Позже все издания выходили с посвящением А.Бродскому.

Первый раз концерт исполнил с оркестром 4 декабря 1881 года в Вене Адольф Давидович Бродский, ставший пропагандистом концерта в Европе, а затем и в России. Чайковский, оценив то, что скрипач играл это виртуозное сочинение в Европе, где творчество Чайковского было тогда известно довольно мало, сменил прежнее посвящение на посвящение Адольфу Давидовичу Бродскому.

Концерт для скрипки с оркестром - одно из лучших произведений русского музыкального искусства. В настоящее время этот концерт является обязательным произведением для исполнения на Международном конкурсе имени Чайковского.

Концерт для скрипки с оркестром ре мажор, соч. 35

Виктор Третьяков, скрипка
Moskow Radio Symphony Orchestra
Conductor - Vladimir Fedoseyev

Концерт для скрипки с оркестром (1878), созданный в пору высокого творческого подъема, вскоре после окончания «Евгения Онегина» и Четвертой симфонии, не уступает Первому фортепианному по яркости материала и мастерству его разработки, но отличается большей «классичностью», стройностью и гармоничной уравновешенностью композиции. Богатство и смелость творческой фантазии подчиняются твердой конструирующей воле и укладываются в рамки строгих рационально организованных форм, не стесняющих, однако, свободы и непосредственности выражения.

Скрипичный концерт Чайковского - произведение, исполненное высшей душевной гармонии. Поэтическая глубина музыки, блестящее использование возможностей скрипки ставят его в один ряд с образцовыми сочинениями этого жанра - концертами Бетховена, Мендельсона, Брамса. В то же время он отмечен печатью индивидуальности Чайковского: симфонический размах, виртуозный блеск удивительным образом сочетаются в нём с трогательной задушевностью, скромным изяществом. Ярким примером служит I часть (Allegro moderato). В ней естественно и легко сменяют друг друга плавно-сдержанная музыка оркестрового вступления, простая и благородная главная тема, песенная побочная.

Естественно и непринужденно развертываются пленяющие своей мелодической красотой и пластичностью темы, постепенно ширясь, разрастаясь и «набирая дыхание», две темы первого Allegro — одна более энергичная, мужественная, ритмически чеканная, лежащая в основе главной партии, и другая — лирическая, женственно мягкая (побочная партия), — не столько контрастируют, сколько дополняют друг друга. Обе они имеют светлую мажорную окраску и различаются только в оттенках выражения. Особенно примечательна своей мелодической широтой и пластичностью рисунка вторая тема, которую можно отнести к прекраснейшим лирическим мелодиям Чайковского. Вырастая из простого мотива опевания, она достигает в своем непрерывном напряженном развертывании обширного диапазона более чем в две октавы и приобретает ярко экспрессивное звучание.

II часть (Andante) - канцонетта - лирический центр концерта. Колорит её мягкий, чуть матовый - солирующая скрипка и все струнные инструменты играют с сурдинами. Миниатюрная канцонетта, подернутая дымкой легкой, неглубокой задумчивости (Известно, что Чайковским была сначала написана другая средняя часть, более развернутая по форме и окрашенная в элегические тона. Но, очевидно, композитор почувствовал, что она недостаточно соответствует общему строю произведения и может вызывать ощущение затянутости. Этим была вызвана ее замена другой более простой и краткой. Первоначально же написанная часть вошла в цикл из трех пьес для скрипки и фортепиано ор. 42 под названием «Meditation» («Размышление»).), написанная в простой трехчастной форме с песенной основной темой, в которой можно услышать отголоски итальянских впечатлений композитора, и более оживленной подвижной серединой.

Мечтательно светлая музыка, обрамляющая канцонетту, служит переходом к финалу ( Allegro vivacissimo). Один из её мотивов становится при этом ключевой интонацией главной темы финала - упругой и горячей. Чайковский следует уже установившейся в его творчестве симфонической концепции, обращаясь к образам праздничного народного веселья. Особенно ярко выраженный народно-жанровый характер носит побочная партия рондо-сонатной формы с ее размашистой ритмически остро акцентированной темой, звучащей на фоне «сельских» квинт виолончели, и упорными, словно дразнящими повторениями одного краткого мелодического оборота. Другая тема, женственная и грустная - будто воздвигает островок интимной лирики посреди бурлящего моря праздника. Ощущение полноты жизненных сил господствуют в этом финале.

barucaba.livejournal.com

    Торжественный коронационный марш был сочинен в марте 1883 года. Чайковский в это время находился в Париже и усиленно работал над инструментовкой оперы "Мазепа". Одновременно он получил срочные заказы из России. В письме композитора к Н.Ф. фон Мекк от 9/21 марта 1883 года читаем: "На меня низверглись два неожиданных труда. Город Москва заказал мне торжественный марш для исполнения на празднике, который будет дан государю в Сокольниках, а коронационная комиссия прислала мне текст большой кантаты... Я уже начал сегодня писать то и другое". Через несколько дней Петр Ильич сообщает брату Анатолию : "Эта неделя ознаменовалась учетверенной сочинительской деятельностью, ибо разом пишу кантату и марш; и то и другое нужно делать поскорее, и я работаю на всех парах. И опять-таки имею основание быть довольным собой. Работы эти берут у меня много времени, но не стоили никакой натуги и напряжения: все идет у меня легко, скоро, хорошо,- и я совершенно доволен как тем, так и другим". 26 марта партитуры Коронационного марша и кантаты "Москва" были высланы в Москву.

Александр III Александрович

13-й император всероссийский

barucaba.livejournal.com

  С именем Бетховена  связано рождение нового симфонического жанра - программной увертюры, которая в свою очередь дала жизнь большой разветвленной семье одночастных программных произведений, получивших в дальнейшем наименование поэм, фантазий, картин и т.п. Созданные первоначально как музыкальные вступления к театральным спектаклям, увертюры Бетховена превратились в самостоятельные симфонические произведения, своего рода лаконичные инструментальные драмы.

  Увертюра "Кориолан" была написана Бетховеном в 1807 году под впечатлением одноимённой трагедии австрийского драматурга Генриха-Иозефа Коллина (1772-1811). В её основу была положена история жившего в V веке до н.э. римского полководца Гая Марция, прозванного Кориоланом. Она была изложена знаменитым греческим историком Плутархом в  "Сравнительных жизнеописаниях" - книге, которой Бетховен восхищался.

   Бетховен был, бесспорно, увлечён трагической фигурой Кориолана, этого изгоя, заставившего трепетать перед собой родной Рим. Изгнанный из города и охваченный жаждой мести, он приводит под римские стены огромное войско. Кориолан непреклонен к мольбам сограждан, но не в силах противостоять просьбам матери и жены. Гордый и непримиримый, Кориолан не находит иного выхода, кроме самоубийства. Эта острая психологическая коллизия стала исходным моментом инструментальной "драмы".

   Противоречия, раздирающие душу Кориолана, нашли выражение в первой же теме, сочетающей порывистое движение вперед и пересекающие его резкие, как сабельный удар, аккорды оркестра. Стремление и непреодолимая преграда - таков смысл этого музыкального образа. Начало увертюры вводит слушателя в мир мучительных противоречий, полных драматизма переживаний. Их острота оттенена второй темой, певучей и женственной, содержащей интонацию мольбы, мягкой, но настойчивой просьбы. Строение увертюры отмечено особой слитностью разделов. Вся она пронизана единой линией музыкального развития, колеблющегося между смятением и вспышками гнева, отчаяния. Эмоциональная напряженность музыки достигает высшего предела в репризе. Вновь возникают могучие звучания начала увертюры, но постепенно они утихают. Порывистый лейтмотив героя замедляет свой "бег" и словно обессиленный "умирает". Увертюра заканчивается едва слышным pizzicato струнных...

Увертюра "Кориолан" до минор, соч. 62

Vienna Philharmonic Orchestra
Christian Thielemann, conductor

barucaba.livejournal.com

В начале каждой видеозаписи с "Беседами о русской  культуре" Юрия Лотмана звучала очень красивая музыка. Это старинная музыка эпохи барокко итальянского композитора  Скарлатти. Очень захотелось найти её и послушать ) Вот эта очаровательная соната:

Leonard Gilbert, Scarlatti: Sonata in D minor (ре минор)

Беседы о русской культуре — цикл передач, созданных в конце 1980-х гг., и книга известного  исследователя русской культуры, литературоведа, культуролога Юрия Михайловича Лотмана. Лотман — один из основоположников структурно-семиотического метода изучения литературы и культуры в отечественной науке. Член-корреспондент Британской академии наук (1977), член Норвежской академии наук (1987), академик Шведской королевской академии наук (1989) и член Эстонской академии наук.

Искусство - это мы

barucaba.livejournal.com

Квартет № 13 ля минор (Rosamunde)

Поэтическая любовь и чистая радость жизни, отчаяние и холод одиночества, томление по идеалу, жажда странствий и безысходность скитаний — все это нашло отзвук в творчестве композитора, в его естественно и непринужденно льющихся мелодиях.  Он наполнил музыку теплотой и непосредственностью песенной лирики, раскрыл неисчерпаемый душевный мир человека.

При всей глубине музыки квартета, в нем чувствуется женственная хрупкость, при всем простосердечии — утонченность и изящество. Сила этого «песенного» инструментального произве­дения не в его драматизме, а в глубине и цельности лирического настроения. Необычайная проникновенность отличает это произведение Шуберта, в нём отражена богатейшая гамма чувств. Тема главной партии настолько напоминает песню, что кажется целиком перенесенной из романса:

I. Allegro ma non troppo

Гармонически изысканные вариации второй части полны неж­ной печали. Вариации написаны на тему из «Розамунды».

barucaba.livejournal.com

Во все времена поэты находили вдохновение в музыке любимых ими композиторов. Под влиянием музыкальных образов появляются замечательные стихи, в которых выражены чувства и мысли поэтов...

Еще звучит в моих ушах
Седьмого вальса легкий шаг,
Как вешний ветерок,
Как трепетанье птичьих крыл,
Как мир, который я открыл
В сплетенье нотных строк.

Еще звучит тот вальс во мне, 
Как облако в голубизне,
Как родничок в траве,
Как сон, что вижу наяву,
Как весть о том, что я живу
С природою в родстве.

(Л.Озеров) 

Седьмой вальс Шопена исполняет один из самых талантливых пианистов нашего времени Евгений Кисин

Опубликовано здесь

Schindler's List Theme - Simina Croitoru - Angelys Symphonic Wind Orchestra